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En 2002 puma implementó en la selección de Camerún (donde se vislumbraba un joven Samuel Eto) la camiseta más novedosa de la historia del fútbol: Una camiseta sin mangas. Según la marca ésto daba mayor comodidad a los jugadores y mejor movimiento debido a la libertad de los brazos. Dicho argumento pareció verse respaldado al ese mismo año Camerún coronarse campeón de la copa áfrica con dicha indumentaria, pero entonces la FIFA habló y sacó a relucir el reglamento oficial de vestimenta que dictaba que las camisetas debían contar con mangas, por lo tanto las de Camerún eran consideradas chalecos. Además que les obligó a asistir al mundial Corea-Japón con camisetas con mangas debido a que de paso ese año se implementarían los parches mundialistas en dichas partes. Puma resolvió ésto agregándole a las anteriores camisetas mangas de color negro, quizás para mantener el efecto óptico (debido a que la mayoría o todo el plantel era de raza negra) y la FIFA lo aprobó. Ésta camiseta modificada también fue usada durante la copa confederaciones 2003. Dos años más tarde de la camiseta sin mangas, Durante la copa África de Tunez 2004 se repetiría la polémica pero esta vez con un traje monopieza que según Puma evitaba agarrones de los jugadores rivales y la acción anti disciplinaria de quitarse la camiseta al festejar un gol. Sin embargo FIFA volvió a relucir el reglamento donde claramente decía que los uniformes debían constar de 2 piezas, por lo que instó a los leones indomables a que para la 2da fase del torneo abandonaran el mono. Así fue convenido aunque Camerún no cumplió y en consecuencia la federación fue multada con 130.000 euros y la resta de 6 puntos de antemano con respecto a las clasificatorias al mundial 2006, aunque ésto último finalmente no fue cumplido (mas si el cobro de la multa) Finalmente tras éste incidente Camerún abandonaría la idea de uniformes innovadores teniendo desde entonces hasta hoy en día un uniforme convencional. Con respecto a Puma le interpuso una demanda a FIFA mediante la cual terminó ganando dado el veredicto del tribunal de Nuremberg que consideró que la FIFA ocasionó daños de imagen a la empresa deportiva ya que ningún otro equipo se atrevió a jugar con ese innovador diseño de camiseta por temor a sanciones del órgano regulador, siendo que en un principio FIFA había dado el visto bueno al uniforme monopieza según demostró la defensa de Puma. Por otro lado se acusó la influencia de Adidas para boicotear la novedosas prenda (así como la camiseta sin mangas) aunque ésto nunca fue comprobado.

Eduardo Bianco nació en Rosario el 28 de junio de 1892. Sus padres quisieron que hiciera música clásica y lo alentaron con el violín. Siendo muy joven se instaló en Buenos Aires, pero después de algunos intentos que culminaron en el fracaso, viajó a Europa en 1924 junto a su orquesta donde llegó a ser uno de los músicos argentinos más famosos y populares de su tiempo. Orquesta Bianco-Bachicha en su esplendor, años 30. En la Europa de aquellos años todo lo que viniera de la Argentina con título de tango, valía. Fue así como esta formación musical recorrió los principales escenarios de la Costa Azul e incluso llegaron a hacer algunas presentaciones en Estados Unidos. Bianco mientras tanto tejía relaciones con las clases altas y, muy en particular, los dirigentes políticos de la extrema derecha. Con muy buenos fundamentos, Enrique Cadícamo les advertía a los músicos argentinos recién llegados a París, que delante de Bianco se cuidaran de hablar de política porque se decía que era un agente secreto de los nazis, motivo por el cual había sido detenido por la policía francesa en 1937. Alemanes bailando en la calle, años 20. Berlin era una de las ciudades europeas donde el tango más gustaba. Sin embargo, sus relaciones con los seguidores de Hitler, no le impidieron pasar una larga temporada en la URSS y sorprender a Stalin con el tango. El hombre, como se puede apreciar, era de una sorprendente flexibilidad ideológica, aunque, bien mirada la cosa, puede que entre Hitler y Stalin no hubiera demasiadas diferencias. Embajador argentino Eduardo Labougle junto a Hitler. Fue él quien más tarde presentaría a Bianco con el Führer . Bianco se relaciona con los nazis a través de Eduardo Labougle, el embajador argentino en Berlín y un reconocido admirador de Hitler, además de un fanático antisemita. Labougle se desempeñó como diplomático argentino en Alemania hasta 1939. Fue durante esos años que se preocupó por instalar el tango entre los jefes nazis. Ministro de propaganda Joseph Goebbels. Según Joseph Goebbels, esa música inventada en Buenos Aires podía llegar a ser una excelente alternativa al jazz norteamericano creado por los negros, una raza que le despertaba tanta repulsión como la de los judíos. Goebbels lo escuchó a Bianco por primera vez en un teatro de Berlín y quedó fascinado. Había asistido al concierto acompañado por su esposa Magda y al concluir el espectáculo se hizo presente en los camerinos para manifestarle su admiración al violinista argentino. Poco tiempo después, Labougle organiza un asado en la embajada que cuenta con la presencia del propio Adolf Hitler acompañado de sus principales colaboradores. El Führer apreció la calidad de la carne argentina y, según dice, quedó encantado con los tangos. En la reunión, estaban presentes todos los músicos de la orquesta de Bianco, incluido el bandoneonista Victor Lomuto, cuyas simpatías por el fascismo eran indisimulables. Como para que en la ceremonia de la obsecuencia nada faltara, el otro bandoneonista Juan Pecci se ofreció para cocinar y servir personalmente a Hitler. En la ocasión, la orquesta interpretó el tango “Plegaria”. A la letra, los alemanes no le prestaron demasiada atención, porque la mayoría ignoraban el español, pero a Hitler le encantó el tono solemne de la música, al punto que solicitó que la interpretaran una vez más. Según trascendió luego, Goebbels le dijo a su esposa: “Yo sabía que Adolf era un sentimental” En efecto, Hitler no se quedó con que el tango “Plegaria” le gustaba y nada más, también ordenó a sus colaboradores que recopilaran esa música para usarla en los campos de concentración. Fue allí que “Plegaria” empezó a llamarse “El tango de la muerte” El espectáculo estaba minuciosamente organizado. Mientras los judíos marchaban hacia las cámaras de gas, una orquesta integrada por músicos judíos interpretaba “Plegaria” link: https://www.youtube.com/watch?v=bN2rUPok67s La letra de Plegaria poco les importaba a los nazis. Y eso que parecía pensada para lo que sucedería en los campos del horror, de la muerte, del exterminio de millones de personas cuyo único “delito” era ser diferente: judíos, comunistas, homosexuales, gitanos… No importaba la edad, por supuesto. “Plegaria que llega a mi alma / al son de lentas campanadas, / plegaria que es consuelo y calma para las almas desamparadas. / El órgano de la capilla embarga a todos de emoción / mientras que un alma de rodillas ¡pide consuelo, pide perdón! / ¡Ay de mí!… ¡Ay señor!… / ¡Cuánta amargura y dolor!”. Lo que les fascinaba era el aire solemne de su música, por lo que triunfaron versiones como la que sigue, de Malando y su Orquesta, formación holandesa de gran éxito en las décadas de 1930 y 1940. Orquesta del campo de Janowska, una de las tantas que interpretó "Plegaria" El poeta Paúl Celan, detenido en el campo de Janowska, nunca olvidó esas circunstancias y esos acordes. Cuando años después recupera la libertad, escribirá uno de sus poemas más bellos y terribles. Y lo titulará “Muerte en fuga” en “homenaje” al tango escrito por Bianco. Buenos Aires, años 40 al retorno de Bianco a la Argentina tras el recrudecimiento de la guerra Bianco regresó con su orquesta a la Argentina a fines de 1943. El fascismo estaba siendo derrotado en Europa, pero contaba con buena audiencia política y social en Buenos Aires. Sin embargo, y más allá de sus simpatías por el régimen militar de aquellos años, a Bianco no le fue bien con su orquesta. El fracaso se entiende. Una cosa era interpretar tangos para europeos deseosos de consumir versiones pintorescas, y otra muy diferente era competir con las orquestas de Troilo, Pugliese o Di Sarli. Dicho con otras palabras, comparada con las grandes formaciones musicales de la década del cuarenta, la orquesta de Bianco sonaba a lata. Agobiado por el asma y dolido por el escaso reconocimiento en su país de origen, Bianco murió el 26 de agosto de 1959. Ya para entonces se sabía que su tango más famoso, “Plegaria”, había sido usado por los nazis para “animar” las ceremonias macabras de exterminio en los campos de concentración.

Contratado de la noche a la mañana cuando el batería Ringo Starr sufrió una feroz infección de amigdalitis y tuvo que ser ingresado en una clínica en víspera de la gira por Europa, Australia y Asia de The Beatles, Nicol fue el parche de urgencia reclutado por el agente Brian Esptein para que la caja registradora del cuarteto no dejase de funcionar en la cúspide de la beatlemanía. Nicol en Colin Hicks and the cabin boy, su primera y quizás más exitosa banda. Fines de los 50s Para 1964 Nicol era batería de Georgie Fame and the Blue Flames, además de hacer arreglos de sesión en algunos discos de Jazz y rock and roll, donde colaboraba con artistas varios. Ahí es donde George Martin (productor de los Beatles) lo conoció y tuvo en mente a la hora de sugerirlo a Epstein para sustituir a Starr. Jimmie Nicol en el aeropuerto rumbo a unirse con los Beatles Fue fichado por teléfono el 3 de junio. Al día siguiente tenía que incorporarse. Aceptó, por supuesto. Excepto una simbólica protesta de George Harrison quien declaró “si no va Ringo, yo tampoco” Aunque cambió de opinión al saber que Ringo se reincorporaría durante la gira. A Nicol le cortaron el pelo a lo mocker, le dieron permiso para que usara los uniformes beatle de Ringo (los pantalones le quedaban cortos, pero no era plan encargar prendas nuevas para un mercenario), eliminaron de las actuaciones I Wanna Be Your Man, la canción que cantaba Ringo (no se notó demasiado, los conciertos de los Beatles eran de solamente once temas, que pasaron a ser diez) y lo soltaron en la arena del circo. Fue un beatle en ocho actuaciones en Australia —donde el grupo fue recibido por la mayor multitud que congregó nunca: 300.000 personas— , Hong Kong, Dinamarca y Holanda. En este último país también participó en un programa de televisión e incluso fue entrevistado. “Mejórate, Ringo. Jimmie está usando todos tus trajes“, telegrafió John Lennon al postrado batería oficial. Paul McCartney no llegó a tanta ironía e hizo uso de la portavocía de carita guapa del grupo: “Jimmie no deja de mirar a las fans y se olvida de tocar la batería”. Rara foto donde se aprecia a 5 Beatles La mañana en que la reincorporación de Ringo en Australia acabó con el sueño, Nicol salió temprano hacia el aeropuerto de Melbourne. Los demás Beatles dormían y no se atrevió a despertarlos para despedirse. Antes de dejar el hotel Epstein le dió un cheque de 5.000 libras esterlinas y un reloj Eterna-matic en el que había encargado que grabasen: “De los Beatles y Brian Epstein a Jimmie, con agradecimiento y gratitud”. Los diez días de Nicol como beatle dejaron cicatrices. El músico no pudo superar la sensación de que había salido del mundo real, caído en una fantasía de veneración ciega, fama sideral y admiración sin condiciones para ser arrancado de ella y arrojado de nuevo a la vulgaridad de la vida. Retomó su puesto de batería en Georgie Fame and the Blue Flames, aunque poco después dejaría la banda. Los siguientes años tocó en diversos proyectos aunque uno más mediocre o que el otro hasta por fin retirarse del ámbito musical. La confusión y desazón de pasar de ser un beatle a un don nadie lo llevó a tal extremo que tan solo 9 meses después de la gira australiana se declarase en bancarrota. Nicol expresaría su desilusión muchos años después: "Ocupar el lugar de Ringo fue la peor cosa que me haya sucedido", hasta entonces estaba tranquilo y feliz ganando treinta cuarenta libras a la semana. Cuando los encabezados murieron, comencé a morir yo también". Nicol resistió la tentación de vender su historia, afirmando en una rara entrevista datada en 1987: "Después de que el dinero se acabó, pensé en hacerme de plata de alguna u otra forma. Pero el tiempo no era el adecuado. Y no quise colgarme de la fama de Los Beatles, Ellos habían sido muy buenos para conmigo". Canción inspirada y dedicada a Jimmie Nicol quien solía usar la frase "Getting Better" al igual que el título de la canción. Durante los breves diálogos con Los Beatles, Lennon y McCartney frecuentemente le preguntaban cómo se sentía y si sentía que estaba comprendiendo, a lo cual su respuesta siempre era. "It's Getting Better(Está mejorando)".Tres años después. McCartney se encontraba paseando con su perra Martha y con Hunter Davis (El biógrafo oficial de Los Beatles), cuando salió el Sol. McCartney comentó que el clima "estaba mejorando", y comenzó a reír, al recordar a Nicol. Este hecho inspiró la canción "Getting Better"(Mejorando) del Álbum Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band.McCartney hizo referencia a Nicol nuevamente en las cintas de Let It Be de 1969, al decir: "Creo que hallarás que no salimos al extranjero porque Ringo simplemente dijo que no quería salir al extranjero, ¿sabes?, puso los pies en el suelo. A pesar de que Jimmie si podría ir al extranjero". Desde hace más de quince años, Jimmie Nicol vive recluido en su casa de Londres y tiene una empresa de reformas hogareñas.

A principios de los 40's Edgar Rice Burroughs deja de escribir las novelas de Tarzán, serie que había comenzado casi 30 años antes en 1912 con "Tarzan de los monos" La colección original constaría así finalmente de 24 volúmenes. Sin embargo, en 1964, a 14 años de la muerte de Burroughs sale una nueva novela de Tarzan, Tarzan and the Silver Globe (El globo plateado) revolucionando el mercado editorial después de más de 20 años de ausencia del hombre mono. El escritor era un tal Barton Werper, que en realidad era un seudónimo usado por el matrimonio de escritores de Peter T Scott y Peg O'Neill Scott, quienes además escribían libros de ciencia ficción de escaso éxito (bajo el nombre Scott O'Neill) por lo que un día decidieron escribir acerca de su personaje favorito: Tarzan. Lo grave del asunto fue que lo hicieron sin autorización oficial alguna e incluso consiguieron la editorial que les publicase sus ilícitos escritos, con lo que llegaron a escribir 5 novelas además de la mencionada más arriba: Tarzan y la ciudad de la cueva (1964) Tarzan y los hombres serpiente (1964) Tarzan y el abominable hombre de las nieves (1965) y Tarzan y los invasores alados (1965) Éstos libros mas allá de la violación a los derechos de autor que significaban se caracterizaron por ser muy pobres en contenido, siendo comprados por ilusos fanáticos de las novelas originales. Ya para empezar las páginas rondaban las 100 mientras que Burroughs siempre andaba por las 300. Pero lo peor sin dudas fue el desconocimiento de los escritores con respecto a las novelas originales (ya que pretendían mantenerse en la línea de continuación) siendo claramente más influenciados por las numerosas películas que había sobre el hombre mono que por los libros. Su desconocimiento era tal que ignoraban datos básicos de la historia original como personajes, lugares, acontecimientos, etc. Incluso no falto que reutilizaran algún viejo personaje pero con personalidad muy distinta a la ideada por Burroughs originalmente. Por otra parte sus pobres habilidades escritas hacían muy aburrida la lectura, llenando las páginas tanto de clichés que el final se vislumbraba ya leyendo el primer capítulo. Para colmo los personajes inventados en estas nuevas novelas eran bastante pobres, especialmente los villanos los cuales eran las mayores víctimas de clichés y gags desde su apariencia, dialogo y accionar. Además se abusaba al por mayor del recurso literario de la coincidencia y el azar. Tampoco hay que olvidar que las novelas de Burroughs de por sí eran de lo más trillado, pero con la diferencia que sabía meter suspenso y hacía detalladas descripciones en gral, cosa que Werper no. Finalmente ERB Inc, la compañía dueña de los derechos de Tarzan inicia un pleito legal del que sale airosamente ganando, con lo que todas las novelas escritas por Werper son retiradas tanto de la editorial como los comercios y posteriormente destruidas. Hoy en día éstas revistas tienen un cierto valor en el mercado debido a su rareza, y es que a pesar de tener un muy pobre contenido muchos coleccionistas y/o fanáticos de Tarzan están dispuestos a pagar una interesante suma por el ejemplar adecuado.

La biblia no menciona exactamente el acto de masturbación, sin embargo, varios fanáticos y/o estudiosos la identifican en una cita al apostol Pablo en su epístola a los Colosenses 3:5 "Amortigüen por tanto los miembros de su cuerpo que están sobre la tierra en lo que toca a fornicación , inmundicia, apetito sexual deseo perjudicial y codicia" Según los estudiosos y/o fanáticos en sus cartas Pablo destaca la avaricia y codicia, puntos que confrontarían el acto de la masturbación. ¿Por qué? Según estos estudiosos Dios ha suministrado el placer sexual para nuestros miembros a través del matrimonio, no antes ni fuera de él, eso incluiría la auto satisfacción que reflejarían actitudes de avaricia y egoísmo (2 de los pecados capitales) al no cumplir con lo designado por Dios. El precio del placer sexual es el asumir la responsabilidad de contraer matrimonio y posteriormente formar una familia. Por otro lado, se hace mención a los consejos que Pablo dio la personas "perdidas" en deseos sexuales: buscar alivio por medio de la provisión del matrimonio hecha por Dios. También a la hora de hablar de esto se cita lo siguiente: " En los últimos días llegarán tiempos difíciles. Pues muchos serán egoístas y amantes más de los placeres que de Dios " 2ª.Timoteo 3:1b-4b También se ha hablado de la relación entre la masturbación y la homosexualidad, pero esto se basa en prejuicios posteriores de autoridades de la iglesia y no tienen prácticamente fundamentos. El argumento más aceptado dentro del radicalismo religioso es que como la masturbación es una perversión va pervirtiendo del todo al individuo hasta caer en otras actividades prohibidas como la homosexualidad. Muchas guías para jovenes y autoridades dictan los siguientes consejos para evitar " aberrante " práctica: hacer deportes, recitar la palabra de Dios en voz alta, en la noche compartir habitación con algún familiar, charlar con alguien " sano " , entre otros..

En 1943 Columbia Pictures lleva por primera vez a Batman en carne y hueso través de una serie de cortos de 15 minutos cada uno. Éstos capítulos se emitían en los cines de todo el país antes de la película central. El argumento de la serie poco y nada tenía que ver con el comic, a pesar de contar con Bob Kane (creador de Batman) entre los guionistas. De hecho solo había un villano central, el Dr. Daka, un científico loco japonés que quería convetir a todo el mundo en zombies para así gobernarlos. Dicho argumento como habrán notado se veía influenciado por la guerra que entonces estaba en curso contra Japón. Los comentarios antialemanes tampoco faltaban y los comentarios racistas menos. "Japoneses ojos tramposos" "retorcido cerebro Oriental" o "Su alma es tan amarilla como su piel" son tan solo algunos de tantos comentarios xenofobos. Para la comercialización en VHS de los 80's esos dichos racistas fueron removidos, aunque en su salida en DVD el año 2005 los diaologos están sin censura. Los roles protagónicos estaban a cargo del debutante Lewis Wilson como Batman y Douglas Croft como Robin. Como curiosidad, el hijo de Wilson Michael G. Wilson es uno de los productores de la saga de James Bond. Por otro lado el mismo Batman y Robin tampoco tenían mucho que ver con el comic. Aquí son agentes encubiertos del gobierno con la misión de acabar con Daka. Al ministerio de propaganda del gobierno no les convencía la idea de un vigilante oscuro defendiendo los valores estadounidenses, por lo que lo convirtieron en una suerte de Boy Scout. Los otros personajes secundarios destacables son Alfred y Linda Page, el interés amoroso de Bruce Wayne la cual muchas veces cae secuestrada por el villano principal. Otro punto remarcable dentro de esta serie fue su bajo presupuesto aunque es entendible ya que el tipo de formato que tenía era de "entrada" antes del plato principal que era la película central que el espectador iba a ver. Sin embargo no deja de ser curioso que el auto que usaba Bruce Wayne en el día a día era el mismo que usaba como Batman en la noche. A pesar de los contras que pudo haber tenido esta serie gustó lo suficiente como para que en 1949 Columbia la relanzase bajo el título de "Batman y Robin" Ahora con Robert Lowery como Batman/Bruce Wayne y Johnny Duncan como Robin/Dick Grayson. Alfred también estaría a cargo de otro actor mientras que el nuevo interés amoroso de Bruce Wayne sería Vicky Vale interpretada por Jane Adams. El comisionado Gordon aparecería como aliado de Batman dentro de la ley siendo encarnado por Lyle Talbot. Sin Bob Kane en guíones esta vez. La dirección recaería en Spencer Gordon Bennet, conocido como el director de cine más prolífico de Hollywood con más de 100 series dirigidas. Esta serie era mucho mas fiel al comic que la anterior. Batman volvía a ser un vigilante oscuro tratando de detener al villano The Wizard (El mago) un enmascarado quien roba un aparato capaz de controlar cualquier vehículo con lo que ocasionará numerosos estragos. Su identidad se mantendría en secreto hasta el final de la serie. En esta serie no solo Batman conducía el mismo auto que usaba a diario como Bruce Wayne, si no que el vestuario en gral era tan malo que la capucha del batitraje le quedaba grande a Lowery mientras que Duncan debía usar medias de mujer color rosa para cubrir la vellosidad de sus piernas, y sin olvidar los cutres decorados. Vale destacar de estas series (especialmente de la primera) El hecho de ser pioneras en traer un personaje de comics a la vida. Aparte de eso popularizó aún más al personaje de Batman y por otra parte (buena o mala según quien lo vea) fue la inspiración directa para la icónica serie de los 60's

Aunque muchos lo desconozcan, la afamada del náufrago que supo florecer de una recóndita isla hasta vivir plenamente explotando al máximo todos sus recursos para su comodidad cuenta con una segunda parte publicada en 1719 tan solo 4 meses después de la primer parte. En esta continuación vemos a un Robinson Crusoe convertido en un próspero hombre de negocios de fines del siglo 17 viajando alrededor del mundo (Asia, Europa, Oceanía) junto a su fiel Viernes (indígena que salvo y adoptó al dejar la isla) Y también por supuesto cuenta con el suficiente tiempo y deber de volver a la isla que en su momento lo acogió casi 30 años para ver como se desenvolvían los hombres y mujeres que allí habían quedado tras su partida. A través de la mirada del protagonista se aprecian numerosas reflexiones acerca del colonialismo de la época y los efectos del choque de culturas muchas veces desastroso para algunos pueblos. También se hace incapie en los avances tecnológicos de la época y sus múltiples usos (para el bien y el mal) Finalmente se halla una 3era parte de Robinson Crusoe (1720) llamada "Serias reflexiones de Robinson Crusoe" que nos muestra al aguerrido náufrago ya en su edad anciana haciendo reflexiones acerca de los acontecimientos de su vida (haciendo varias referencias a los 2 anteriores libros) y algunos hechos inéditos. Si bien es mucho más tedioso y lento que las primeras partes se destacan las notables reflexiones sobre religión y moralidad entre otras cuestiones que allí se plantean.

El cómico mudo más famoso así como el cantante de tango rioplatense más grande coincidieron allá por los 30's y de qué manera que fundaron una entrañable amistad. Todo comenzó cuando ambos coincidieron en un famoso hotel de la costa azul francesa, donde Chaplin asistió para celebrar junto a sus amigos el éxito de su nueva película "City Lights" y Gardel por su parte debutaba como cantante junto a su orquesta en tierras galas y de paso negociaba con la paramount un contrato de cine. Chaplin desde hacía años le había tomado el gusto al tango desde que lo bailó en algunos de su primeros filmes, así que esa noche asistió al casino con la idea de bailar unos tangos desconociendo quienes iban a tocar y/o cantar. El famoso actor Cesar Romero estuvo present en el mítico encuentro. Apenas oyó a Gardel quedó totalmente cautivado y apenas terminada su actuación lo invitó a su mesa a compartir una botella de Champagne donde de paso se encontraban otros grandes actores como Cesar Romero, quien décadas después sería reconocido como El Guasón en la serie de Batman de los 60's. El casino donde éstos 2 grandes se encontraron tal y como está hoy día Allí conversaron largo y tendido en francés, idioma que ambos conocían, y entre tema y tema a Chaplin se le ocurrió preguntarle a Gardel acerca de su imagen en Latinoamérica a lo que el zorzal respondiéndole en puro lunfardo le dijo: "¿Qué dicen...? Vos te metiste a todos los criollos en el bolsillo..." a lo que Chaplin apenas se lo tradujeron estalló en risa y recordó por años tan espontánea y franca respuesta. Gardel junto a Chaplin bien en el medio, ambos sentados y sonrientes hacia la cámara La fiesta continuó días después en casa de la amiga que tenían en común Sadie Baron Wakenfield, veterana viuda y rica instalada en Francia quien para homenajear a su amigo actor en la reunión que le organizó pidió a Gardel que le cantase y así lo hizo aunque esta vez acompañado de un guitarrista. Según se cuenta Chaplin observo todo esto botella de coñac en mano acompañado de una generosa porción de torta. Mansión de Chaplin en Los Angeles donde Gardel fue huésped de honor Finalmente ambos retomaron sus rumbos, aunque sin perder contacto, ya que Gardel quedó comprometido a visitar la mansión de Chaplin en Los Angeles promesa que cumplió cuando años más tarde se instaló en suelo estadounidense para emprender su fugaz paso por el cine. De hecho hay quien dice que en parte es gracias al mismo Chaplin los trabajos que al morocho del abasto le surgieron en Hollywood. Pero siendo ambos amantes de la buena vida, la diversión y mujeriegos empedernidos no todo se quedaba en el trabajo, se comenta que juntos asistiían a las míticas fiestas de famosos y ricos hollywoodenses las cuales estaban llenas de locura, sexo, drogas y ostentación al por mayor. Otro rumor dicta que el carlitos gringo pensó en comprar los derechos de Gardel entonces en manos de la Paramount y llevarlos a su propia productora "United Artist" para así explotar mejor su imágnes de latino seductor, aunque esto obviamente no podría ser debido a la temprana trágica muerte del morocho en tierras colombianas. “Siempre me impresionó hondamente. Tenía un don superior al de su voz y su figura y una enorme simpatía singular con la que se ganaba de inmediato el afecto de todos y de todas. Perdí a un gran amigo y el cine a una de sus figuras más importantes con mucho futuro”, dijo Chaplin al enterarse del accidente que se cobró la vida de su buen amigo. Procesión de admiradores colombianos llevan el feretro de Gardel que más tarde sería trasladado a Bs As

Lenin en sus últimos días Vladímir Ilich Uliánov, mejor conocido como Vladimir Lenin muere en enero de 1924 de un infarto cerebral, causado por una bala alojada en su cuello, muy cerca de su espina dorsal, secuela de un intento de asesinato. Además de padecer sífilis, enfermedad degenerativa que no le ayudaba en nada a su frágil estado y por la que además era tratado con algo tan fuerte como el arsénico. Contrario a lo que muchos piensan Lenin no quería ser venerado en muerte, por lo que había dejado claras instrucciones de no ser venerado en muerte ni tener memorial alguno. Si embargo Stalin necesitaba un Mártir, por lo que decidió conservar el cadaver del responsable del triunfo socialista embalsamándolo para las futuras generaciones como símbolo de perduración y fortaleza del comunismo. Y como si eso no bastar de paso le construyó un imponente mausoleo en la plaza roja de Moscuú que a día de hoy puede visitarse viendo el cuerpo del antiguo líder como centro dentro del mismo. link: https://www.youtube.com/watch?v=YqEAZKZFIAM Video del proceso que realizan todos los años al cuerpo de Lenin (En ruso) Tras la muerte, al cadáver se le había aplicado un sistema de conservación consistente en inyectarle en la aorta seis litros de alcohol, formol y glicerina, destinado a preservar el cuerpo. Pero el rostro de Lenin se resquebrajaba ante la mirada de los miles de soviéticos que confluían a diario en la Sala de las Columnas para despedir a quien siete años antes había encabezado la insurrección que llevó a los bolcheviques al poder y que fundó la Unión Soviética en 1922, tras una cruenta guerra civil cuyo triunfo apenas pudo saborear. Por ello, tres meses después del deceso se opta por otro sistema más radical de embalsamamiento. A finales de marzo de 1924 los profesores Vorobiov y Zbarski sumergieron por primera vez el cadáver de Lenin en una viscosa mezcla de glicerina y acetato de potasio. En las primeras sesiones le extrajeron los pulmones, el hígado y el bazo, tras lo cual se lavó por completo la caja torácica. Con el consiguiente permiso previo del Partido, se le practicaron incisiones por todo el cuerpo, en el vientre, en los hombros, en las piernas, en la espalda y en las palmas de las manos, para que el bálsamo penetrara y saturase bien todo el cuerpo. Sólo después sumergieron a Lenin en una bañera de caucho colmada del elixir, que estaba compuesto en su mayoría de glicerina y acetato de potasio, agua y cloro de quinina. Los ojos fueron sustituidos por bolas de cristal y los labios cosidos por debajo del bigote. El cerebro fue extraído, analizado concienzudamente en el intento de encontrar algún indicio del supuesto talento de su propietario y desde 1928 se conserva en una solución de alcohol y formol, dividido en lóbulos y cubierto de parafina, dentro de una caja fuerte en el Instituto de Investigación Cerebral de la URSS. Los conservadores aplicaban el líquido milagroso en la cara y en las manos, tres o cuatro veces por semana. Una vez al año, el mausoleo cierra durante mes y medio para poder sumergir el cuerpo en el baño e impregnarlo con el preparado químico. Como dato anecdótico cabe destacar que se deteriora más rápido el traje que viste que el cuerpo en sí, por lo que debe ser cambiado todos los años

Bettie Mae Page (1923-2008) más conocida como Bettie Page es quizás la modelo pin-up más icónica y el símbolo erótico de toda una generación. Saltó a la fama al ser Miss Enero de Playboy en 1955, donde cautivó a todos con su pícara mirada, gruesas formas pero de torneadas curvas. También fue famosa por publicaciones más under donde posaba al estilo fetichista de bondage y masoquismo. Además supo ser fuente de inspiración a miles de ilustradores pin up que crearon cientos de obras muy exitosas basados en su figura. Incluso inspiró la famosa enemiga de Batman, Hiedra Venenosa (Poison Ivy) personaje de gran carisma sexual lo que llevo a sus creadores a tomar a Page como guía. Sus fotos eran tan polémicas para la época que fue convocada por un jurado a comparecer en un tribunal que estudiaba la relación entre la pornografía y la delincuencia juvenil, aunque finalmente nada pasó ya que ni siquiera se molestó en ir y poco después desaparecería de la escena pública. Nunca se aclaró el por qué de su retiro. Algunos rumores citan la muerte de un joven por asfixia al emular las poses de Page haciendo bondage, lo que habría hecho que el senado que la citó le hiciese renunciar apresuradamente a su emergente carrera. Sin embargo lo más plausible haya sido su conversión al cristianismo en 1959. Su última sesión fotográfica fue hecha por Sam Menning. 4 años duró su apogeo, lo suficiente sin embargo para quedar en la historia. Debido a los malos contratos que firmó (y mala administración propia) vería muy poco del dinero que producía con su imagen. Solo por la sesión de Playboy que tanto rédito le generó a Heffner ella recibió el pago por posar nada más. La humildad financiera sería algo que la acompañaría el resto de su vida. Durante la década del 60 trató de unirse en misiones de rescate a África de las que fue rechazada porque un requerimiento de ese entonces era el no tener divorcios (Page tenía 2) Aunque el volver a casarse con su primer marido le ayudó a viajar. En los 70's, viviendo de nuevo la soltería fue diagnosticada con esquizofrenia la cual le trajo algunos incidentes con la ley a lo que fue condenada a 20 meses de reclusión en un hospital psiquiatrico. Hacia fines de dicha década y durante los 80's su imagen se vio renacida gracias al trabajo de artistas y compañías que usaban sus viejas fotos (las de estética pin-up) para exposiciones y marcas. A raíz de este revival se creó un culto alrededor de su figura que le permitió volver tímidamente a la vida pública y editar su propia biografía. Curiosamente durante ésta época sus fotografías son escasas y casi nulas. Page accedió a entrevistas y demás ofertas relacionadas con su imagen pero a condición de que no se mostrasen fotos suyas. La coquetería le pudo más llegando hasta brindar entrevistas a cara pixelada. En sus últimos años, Page contrató una firma de abogados para recuperar dinero de ciertos plagios que ella creía que le habían hecho, tales como el personaje de Uma Thurman en Pulp Fiction, el sitio web suicide girls, el grupo musical Pussycat Dolls, entre otros. Aunque al final poco y nada sacó de esta estrategia. A pesar de lucrar toda su vida con su pasado erótico y sexual Page dejó en claro reiteradas ocasiones su arrepentimiento respecto a sus acciones en los 50's. Según ella el cristianismo le salvó la vida y no volvería a repetir su camino de poder volver atrás. Muere finalmente en diciembre 11 del 2008. Según un estudio de Forbes en 2014 Page está en el puesto 13 de celebridades fallecidas que mayores ingresos genera con 6 millones de dólares anuales. Su imagen fue plasmada durante casi 50 años hasta hoy en calcomanías, guitarras, coches, pinturas de arte, tatuajes, etc. Todo esto cautivado por sus contornos y provocativa actitud a la cámara, lo que la hace la reina del pin up y uno de los símbolos sexuales más famosos de la cultura popular. Además está considerada una pionera y referente del fetiche bondage (ataduras y sado) por lo que sus fotos de esta práctica son muy cotizables y requeridas por los aficionados a dichos fetiches.