kiarasalem

Sin preambulos Quino solo Quino y los Valores de la Sociedad. Biografía 1932 QUINO, Joaquín Salvador Lavado, nace, hijo de inmigrantes españoles, andaluces, en la ciudad de Mendoza (Argentina) el 17 de julio aunque en los registros oficiales conste nacido el 17 de agosto. Desde que nació se lo llamó Quino para distinguirlo de su tío Joaquín Tejón, pintor y dibujante publicitario con quien a los 3 años descubre su vocación. Argentina Fin del gobierno militar surgido del golpe del 6 de septiembre de 1930. Presidencia de otro militar. Internacional En Italia gobierna el fascismo con Mussolini. En Alemania está llegando al poder el nazismo de Hitler. Primer año de la 2ª República en España se evidencian tensiones que la llevarán a la Guerra Civil. En Portugal comienza la dictadura fascista de Salazar. 1939 Comienza la escuela primaria donde descubre que su verdadero nombre es Joaquín y vive las dificultades de su personaje Felipe: «Me angustiaba tanto que en los primeros tres meses tenía malas notas, pero después terminaba el año con notas altas, aunque nunca era el primer alumno y eso me daba bronca». Internacional Fin de la Guerra Civil Española, derrota de la República: dictadura de Franco. Hitler invade Polonia: inicio de la 2ª Guerra Mundial. 1943 Argentina Golpe Militar del 4 de junio. 1945 Muere su madre, termina la escuela primaria y decide inscribirse en la Escuela de Bellas Artes de Mendoza. Aparece en Buenos Aires la revista "Rico Tipo", dirigida por Divito. Publicar en ella es el sueño de Quino. Argentina Surge el Coronel Juan Domingo Perón. 1ª manifestación Popular del 17 de octubre. Internacional Derrota de Alemania, suicidio de Hitler. Lanzamiento de las dos primeras bombas atómicas sobre Hiroshima y Nagasaki: rendición de Japón. Nace la Era Atómica. Se crea la ONU. 1946 Argentina Presidente electo General Juan Domingo Perón, crece la figura política de Eva Duarte, «Evita». 1948 Muere el padre 1949 «Cansado de dibujar ánforas y yesos» abandona la Escuela de Bellas Artes. Piensa en una sola profesión posible: dibujante de historieta y humor. Internacional Mao Tse Tung llega al poder en China. 1950 Logra vender su primer historieta. "Recuerdo que era para una tienda de sedería y que se llamaba Sedalina, pero prefiero no tratar de pensar cómo era esa publicidad, porque seguramente me avergonzaría" 1951 Quino viaja a Buenos Aires y recorre todas las redacciones de diarios y revistas posibles. Tres semanas más tarde regresa a Mendoza sin haber podido conseguir trabajo. Argentina Comienzan las emisiones regulares de televisión. Internacional En EEUU el senador Mc Carthy comienza la persecución anticomunista en el mundo del cine y las letras. En la URSS y paises del bloque comunista se impone un riguroso dogmatismo en cuestiones intelectuales y artísticas. 1952 Argentina Perón reelecto presidente. Muere «Evita». 1953 El año del servicio militar, otro motivo para sentirse «terriblemente angustiado. Pensaba que nunca iba a salir de allí y tenía ganas de matar a todos, pero compartir mi vida con muchachos de diferente extracción social… Fue una ruptura muy grande, un enriquecimiento. Empecé a dibujar algo distinto». 1954 Se instala en Buenos Aires. Continúa el deambular por las redacciones. «Sufrí mucho porque vivía en condiciones muy precarias. Compartí una pieza de pensión con tres o cuatro tipos». El semanario "Esto es", de Buenos Aires, le publica su primera página de Humor Gráfico que se alterna semanalmente con otro dibujante. «El día que publicaron mi primera página pasé el momento más feliz de mi vida». A partir de este año fue publicando en diversos medios "Vea y Lea", "Leoplán", "Damas y Damitas", "TV Guía", "Usted", "Che", "Panorama", "Atlántida", "Adán", diario "Democracia", etc. Desde entonces y hasta la fecha sus dibujos de humor se vienen publicando ininterrumpidamente en infinidad de diarios y revistas de América Latina y Europa. Internacional EEUU interviene militarmente contra el gobierno legal de Guatemala. 1955 Argentina La «Revolución Libertadora» derroca a Perón, que inicia su exilio. 1957 Cumple uno de sus objetivos como dibujante: publicar regularmente en "Rico Tipo". También lo hará en "Dr. Merengue" y "Tía Vicenta". Divito le exige que sus dibujos sean con texto. Argentina Convocatoria de elecciones. Internacional Se inicia la era espacial. La URSS lanza el primer satélite artificial Sputnik I. 1960 Se casa con Alicia Colombo. No tuvo hijos. La luna de miel en Brasil es la primera salida de la Argentina. En Río de Janeiro se relaciona por primera vez con colegas y editoriales extranjeros 1962 Primera exposición de Quino en una librería de Buenos Aires con dibujos expresamente realizados para esta muestra. Argentina Es depuesto el presidente Arturo Frondizi. 1963 Aparece su primer libro de humor, "Mundo Quino", una recopilación de dibujos de humor gráfico mudo con prólogo de Miguel Brascó. El mismo Brascó lo presenta a Agens Publicidad, que busca a un dibujante para que cree una historieta «mezcla de Blondie y Peanuts»para publicitar el lanzamiento de una recopilación de dibujos de humor gráfico mudo con prólogo de Miguel Brascó. El mismo Brascó lo presenta a Agens Publicidad, que busca a un dibujante para que cree una historieta «mezcla de Blondie y Peanuts» para publicitar el lanzamiento de una línea de productos electrodomésticos llamados Mansfield, razón por la que el nombre de algunos de los personajes debían comenzar por la letra M, de ahí Mafalda. Agens no hace su campaña, pero Quino se queda con unas pocas tiras. Argentina Se proscribe el peronismo y Arturo Ilia es electo presidente. Internacional En EEUU es asesinado Kennedy. Se produce la ruptura URSS- China. 1964 Después de 10 años de publicar los dibujos de humor, que continuará creando hasta la actualidad ininterrumpidamente, aparece Mafalda por primera vez en "Gregorio", suplemento de humor de la revista "Leoplán", que publica 3 tiras. El 29 de septiembre el semanario "Primera Plana", de Buenos Aires, comienza a publicar Mafalda regularmente Internacional Golpes militares en Brasil y Bolivia. Comienza la intervención de EEUU en Vietnam. 1965 El 9 de marzo Quino termina la relación con "Primera Plana". Mafalda se muda al diario "El Mundo". Internacional EEUU invade Santo Domingo. 1966 Jorge Álvarez Editor publica el primer libro de Mafalda que reúne las primeras tiras en orden de publicación, tal como se hará en los siguientes. Sale para Navidad y en dos días se agota su tirada de 5.000 ejemplares. Argentina Deponen al presidente Ilia y prohiben la actividad de los partidos políticos. Asume el poder el General Onganía. Represión en las universidades y medios culturales. 1967 El 22 de diciembre cierra el diario "El Mundo" y la tira queda interrumpida. Jorge Álvarez Editor publica el segundo libro de Mafalda bajo el título de "Así es la cosa, Mafalda". Internacional Muerte del Che Guevara. Golpe Militar en Grecia. Guerra de los 6 Días entre Israel y Egipto. Se agrupa la OLP (Organización por la Liberación de Palestina). 1968 El 2 de junio se reanuda la historieta en "Siete días". Aparecen "Mafalda 3" y "Mafalda 4". Treinta tiras son traducidas al italiano e incluidas en una antología de textos literarios y dibujos humorísticos que se tituló "Libro dei Bambini Terribili per adulti masochisti". Quino viaja por primera vez a Europa para recorrer París, Londres y Madrid exclusivamente. Internacional Año de conmociones mundiales ideológicas y políticas. Mayo francés, cuyo eslogan era «llevar la imaginación al poder». En España, primeros atentados de ETA. En EEUU asesinan a Martin Luther King. Golpe de estado en Perú. 1969 Aparece "Mafalda 5" en la Argentina, el último libro con el sello de Jorge Álvarez Editor. MAFALDA por primera vez en el extranjero: en Italia se edita el primer libro, "Mafalda la Contestataria", con la presentación de Umberto Eco, director de la colección. Argentina Levantamiento popular en Córdoba el 29 de mayo («el cordobazo»). Internacional El 21 de junio se ve por televisión en todo el mundo cómo el hombre, el norteamericano Neil Amstrong, pone pie en la Luna. 1970 Ediciones De La Flor publica la sexta recopilación de tiras, "Mafalda 6", y desde entonces hasta el presente es la única editora de sus libros en Argentina. En España, Editorial Lumen lanza el primer libro de Mafalda y la censura del gobierno franquista obliga a los editores a ponerle una franja en la tapa que dice «para adultos». También en Portugal se edita Mafalda bajo el sello Dom Quixote. Primer libro de humor gráfico en el extranjero: en Italia, Editorial Bompiani edita "Mondo Quino". Argentina Derrocan a Onganía; toma el gobierno otro general. Internacional Salvador Allende es elegido presidente de Chile. Se disuelve el grupo The Beatles. 1971 Ediciones de La Flor edita "Mafalda 7". Argentina Nuevo jefe de gobierno, el General Lanusse, que restablece la actividad de los partidos políticos. Internacional En EEUU se crea el primer microprocesador, decisivo para el desarrollo de la informática. 1972 La editorial Siglo XXI, de México, publica "A mí no me grite", segundo libro de humor gráfico de Quino; Ediciones De La Flor presenta el octavo libro de la historieta Mafalda, "Mafalda 8". En España el sello Lumen edita "Mundo Quino". En Finlandia se publican 3 libros de Mafalda sin mayor éxito. Dada la proliferación de productos piratas con la figura de Mafalda, Quino acepta firmar un contrato de merchandising y un contrato con Daniel Mallo para realización de una serie de cortometrajes basados en la historieta. Argentina Episodio de Trelew, Patagonia: ejecutan a 16 guerrilleros presos en una base de la Marina. Perón vuelve al país, permanece 25 días y regresa a España; desde allí lanza la candidatura de Héctor Cámpora. 1973 El 25 de junio Quino se despide formalmente de los lectores de "Siete días" y no volverá a dibujar nuevas tiras de Mafalda. Quino pasará a publicar en ese semanario sus páginas de humor que hasta ese momento publicaba "Panorama". Ediciones de La Flor edita "Mafalda 9" y Siglo XXI, México, el tercer libro con recopilaciones de humor gráfico: "Yo que usted". Primeros libros de Mafalda en Francia y en Alemania con escasa repercusión. Primer libro de humor en Portugal: "Nao me Grite!". Argentina Triunfo victorioso de Cámpora, que deja paso a Perón. Organizada por el ala derechista del movimiento peronista, el día de la llegada de Perón al aeropuerto de Ezeiza, Buenos Aires, se produce una horrible masacre de militantes que fueron a recibirlo. Internacional En Chile, un cruento golpe militar termina con la vida del Presidente Allende. El General Pinochet inicia su larga dictadura durante la cual miles de personas son torturadas, fusiladas y desaparecidas. 1974 Ediciones de La Flor lanza la última recopilación de las tiras de Mafalda: "Mafalda 10". Primer viaje de Quino a Estados Unidos. Argentina Muere Perón; asume el poder su esposa, vicepresidenta en ejercicio, María Estela Martínez «Isabelita». Se acentúa la acción de las bandas paramilitares: torturas, secuestros, desapariciones y muertes. Internacional En Grecia cae el gobierno de los coroneles y en Portugal la dictadura salazarista. 1975 Internacional Muerte de Franco. Juan Carlos de Borbón, Rey de España. 1976 En marzo, Quino y Alicia se trasladan a Milán: «La Patria significa juventud, por lo tanto el hecho de estar lejos de ella ha hecho que mi humor se haya vuelto un poco menos vivaz pero tal vez algo más profundo». Primer libro de humor en Alemania. Argentina Golpe militar; toma el mando el General Videla. La Junta de Comandantes de las Fuerzas Armadas (Videla, Massera, Agosti) derroca a «Isabelita» y nombra presidente al General Videla, que instaura el llamado «Proceso de Reorganización Nacional», iniciando el período más negro de la historia argentina: el terror como método de gobierno. Internacional Muere en China Mao Tse Tung. 1977 A pedido de UNICEF, ilustra con Mafalda y los personajes de su tira la Edición Internacional de la campaña mundial de la Declaración de los Derechos del Niño. En México se inicia la edición de libros de Mafalda. 1978 El Salón Internacional del Humorismo de Bordighera le confiere el Trofeo Palma de Oro, su más alta distinción. En Francia, Editions Glénat publica el primer libro de humor "Pas mal, et vous?". En Grecia se publican los libros de Mafalda. Internacional En Inglaterra nace el primer ser concebido en probeta. 1979 En Francia, Editions Glénat, edita el primer libro de Mafalda a color. Argentina Comienzan a movilizarse las Madres de Plaza de Mayo, que denuncian la desaparición de sus hijos. Internacional En Irán cae el Sha y se instaura la revolución islámica. 1980 Quino deja "Siete días" y pasa a publicar sus páginas de humor en la revista dominical del diario "Clarín". Argentina Pérez Esquivel, vocero de las Madres de Plaza de Mayo, recibe el premio Nobel de la Paz. Internacional Un desequilibrado asesina a John Lennon en Nueva York. 1981 En Holanda se publican sólo dos libros de Mafalda y un libro de humor. 1982 Es elegido por sus colegas de todo el mundo Dibujante del Año. Como tal, preside el jurado del Salón Internacional de Humorismo de Montreal, Canadá. Se le otorga el Premio Konex de Platino: Artes visuales - Humor Gráfico. En Brasil se publican sólo tres libros de Mafalda y una comunidad de uruguayos residente en Suecia publica los libritos de Mafalda. Argentina Guerra de Las Malvinas. Desprestigio de las fuerzas Armadas. 1983 Quino retoma los personajes de Mafalda para ilustrar una campaña lanzada por odontólogos argentinos (LASAB) sobre la higiene bucal. En Grecia publican el primer libro de humor de Quino. Argentina Recuperación de la democracia. Elecciones generales; triunfa por amplia mayoría Raúl Alfonsín. Internacional En EEUU se aplica por primera vez un corazón artificial. 1984 Invitado para integrar el jurado del Festival de Cine Latinoamericano de La Habana, viaja a Cuba, donde comienza su amistad con el director de cine de animación Juan Padrón y firma un contrato con el ICAIC para la realización de cortometrajes con sus páginas de humor. La serie se llama Quinoscopios, dirigidos por Juan Padrón sobre dibujos e ideas de Quino.Con motivo del festejo por el advenimiento de la democracia en Argentina, la fundación San Telmo organiza una muestra retrospectiva en Buenos Aires; a finales de noviembre se organiza otra muestra en Mendoza, su ciudad natal. En Italia se festejan los 20 Años de Mafalda. En España se publican los únicos cuatro libros de Mafalda en gallego. En Dinamarca sale el primer y único libro de Mafalda. Argentina Alfonsín crea la Comisión Nacional sobre la Desaparición de Personas, CONADEP, que trabaja nueve meses para recoger pruebas acusadoras contra más de mil miembros de las Fuerzas Armadas, publicándose un informe con el título "Nunca más", que Eudeba (Editorial Universitaria de Buenos Aires) publica en forma de libro. Internacional En Uruguay, fin de la dictadura militar, que duró ocho años. Primeras elecciones en Nicaragua desde la revolución sandinista de 1979. 1985 En Cuba, Casa de las Américas publica "Mundo Quino" y el ICAIC produce los primeros Quinoscopios Argentina Juicio civil a los jefes del gobierno militar que dura ocho meses y termina con sentencias a prisión perpetua para algunos de los miembros. Internacional En Brasil, fin de la dictadura militar que duró 2 décadas. 1986 Mafalda es la protagonista de una campaña publicitaria para promover las primeras elecciones de los Consejos Escolares en España. Por primera y única vez se publica un libro de humor en Estados Unidos: "The world of Quino". Fue uno de los ganadores, entre otros latinoamericanos, de la Segunda Bienal Internacional de Artes Plásticas de La Habana. Argentina Mediante diversas manifestaciones se pone en evidencia la resistencia de los militares a los juicios. Como concesión, Alfonsín hace aprobar la ley de «punto final» que establece un plazo límite para resolver la situación procesal de personas acusadas de violación de los Derechos Humanos. 1987 Argentina Sublevación Militar. Alfonsín va personalmente a negociar con los rebeldes y pocos días después hace aprobar la ley de «obediencia debida», por la que el responsable era el mandante y no el ejecutor 1988 La ciudad de Mendoza, le otorga el título de Ciudadano Ilustre y se le hace entrega de la llave de la ciudad. Quino dibuja a Mafalda y Libertad para un afiche del Ministerio de Relaciones Exteriores de la Argentina que celebra el Día de los Derechos Humanos y el quinto año de la recuperación de la vida democrática en Argentina. En Erlangen, Alemania, el Tercer Salón Internacional del Cómic otorga a Mafalda el gran premio internacional Max und Moritz. En Brasil se publica por primera y única vez un libro de humor, y en Noruega sale un libro de Mafalda. 1989 Para celebrar los veinticinco años de la publicación de la primera tira de Mafalda, Ediciones de La Flor presenta "Mafalda Inédita" en una exposición de dibujos originales y documentos organizada en el Teatro San Martín de Buenos Aires. Argentina Elección presidencial; triunfo de Carlos Saúl Menem. Internacional Referéndum en Chile por la continuidad del dictador Pinochet, quien pierde el referéndum pero no el poder. Inicia su caída el muro de Berlín. 1990 En Taiwán se publican ediciones piratas de Mafalda en idioma chino, que al cabo de dos años regularizan la situación. Argentina Indulto presidencial a los jefes de la dictadura militar que habían sido condenados por el juicio civil de 1985. Internacional Reunificación de Alemania. 1991 Internacional Tratado de Maastricht sobre eliminación de barreras entre los países de la Comunidad Europea. 1992 La Sociedad Estatal Quinto Centenario organiza en Madrid una gran muestra de 1.200 m2 titulada "El Mundo de Mafalda", en la que además se exhibe un cortometraje realizado en Cuba por Juan Padrón sobre un dibujo de Quino de Mafalda con Colón, y se publica un catálogo con el nombre de la muestra. Se le otorga nuevamente el Premio Konex de Platino: Artes Visuales - Humor Gráfico. Argentina Un atentado vuela la Embajada de Israel en Buenos Aires, sin que se conozcan, hasta el momento, los autores. 1993 La empresa española D.G. Producciones S. A., en coproducción con Televisiones Españolas produce 104 episodios de Mafalda en dibujos animados de 1 minuto de duración dirigidos por Juan Padrón en el ICAIC. En octubre, Quino realiza una muestra de humor gráfico en el Centro Cultural Recoleta de Buenos Aires organizada por la Fundación Omega 1994 En Milán se celebran los treinta años de Mafalda con una reunión en el Circolo della Stampa. Se inaugura en Buenos Aires la Plaza Mafalda ubicada en el barrio de Colegiales. Ediciones de La Flor y Cancillería invitan a Quino a la Feria del Libro de Bogotá, Colombia, en la que Argentina es el país invitado. Argentina Destrucción total de la Asociación Mutual Israelita-Argentina (AMIA), con la misma suerte que la destrucción de la Embajada en 1992. Reforma constitucional. 1995 En Milán, el Centro de Promoción Argentina del Consulado General Argentino organiza una exposición de dibujos de humor. En octubre, comienza a publicar en semanarios de España sus páginas de humor. Argentina Es reelecto presidente Carlos Saúl Menem. 1996 Ediciones de La Flor edita "Cuentecillos y otras alteraciones", libro de Jorge Timossi ilustrado por Quino con su personaje Felipe. Argentina Votaciones en Buenos Aires para elegir por primera vez el Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires. 1997 Quino asiste a la Feria del libro de Guadalajara, México, en la que Argentina es el país invitado y el Galardón Arnaldo Orfila Reynal a la Trayectoria Editorial es otorgado a Ediciones de la Flor. Recibe en Madrid un curioso premio: la Placa de Plata, otorgada por la Asociación Madrileña de Empresarios de Restaurantes y Cafeterías, por haber contribuido con sus manifestaciones gráficas al prestigio y la difusión gastronómica. También se le otorga el premio de la Asociación Profesional de Ilustradores de Madrid Argentina En enero, asesinato del periodista José Luis Cabezas, cuyo autor o mandante se desconoce hasta el momento. Internacional El 30 de junio Gran Bretaña restituye Hong Kong a China. 1998 En abril, Ediciones De La Flor, después de muchos años de haberse agotado, reedita el primer libro de Quino, "Mundo Quino", con prólogo del autor.Es distinguido por la Secretaría de Cultura del Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires como Maestro de Arte en reconocimiento de su labor.Recibe el Premio B'nai B'rith Derechos Humanos, que esa organización otorga anualmente a personas que se han destacado en la promoción y defensa de esos derechos.Publica su página web. En Buenos Aires, el Centro de Arte Moderno de Quilme expone una muestra de Humor de Quino. 1999 En abril, Ediciones de la Flor reedita el libro "A mí no me grite". La Librería Internacional invita a Quino a San José, Costa Rica, con el auspicio del diario "La Nación". 2000 En febrero, el Instituto Cubano del libro expone la muestra El Mundo de Quino en el Centro Wilfredo Lam, subsede de la Novena Feria Internacional del Libro de La Habana. Litexa Boliviana S.A. invita a Quino a La Paz, Bolivia, con motivo de la Feria del Libro, con el auspicio de Lloyd Aéreo Boliviano y la Alcaldía de La Paz. En esta oportunidad, la relación establecida con el público lo llevó a comprometerse a asistir a la Feria del Libro 2001. En Grecia, con motivo del 5º Festival Internacional del Humor, Quino expone una muestra de sus dibujos y de algunas tiras de Mafalda, contando con el auspicio del Ministerio de Cultura de Grecia, el Municipio de Atenas y la Unesco. En Octubre es invitado al Salón Internacional del Cómic de Gijón. Con motivo de la muestra Iberoamericana de Humor Gráfico, la Universidad de Alcalá de Henares le nombra Catedrático Honorífico del Humor.En noviembre, Ediciones Glénat y Hachette Canadá invitan a Quino al 23º Salon du livre de Montreal.El 11 de diciembre, Quino se convirtió en el segundo galardonado con el prestigioso premio Quevedos de Humor Gráfico, promovido por los Ministerios de Educación y Cultura y Asuntos Exteriores de España a iniciativa de la Fundación General de la Universidad de Alcalá. 2001 Durante julio y agosto se realiza una muestra itinerante de Humor en Bolivia (La Paz, Cochabamba, Santa Cruz de la Sierra y Tarija). Con motivo de la VI Feria Internacional del Libro de La Paz se inaugura la muestra y se realizan diversas actividades con la presencia de Quino, tal como había prometido en su visita del año anterior. Todo esto fue posible gracias a la Cámara Boliviana del Libro. A iniciativa de la Fundación General de la Universidad de Alcalá de Henares, entre el 4 y el 30 de octubre expone en esa cuidad una retrospectiva de su obra en correspondencia con la VIII Muestra Iberoamericana de Humor Gráfico. El 15 de octubre recibe el Premio bienal Iberoamericano de Humor Gráfico "Quevedos", que le fuera otorgado por Fundación General de la Universidad de Alcalá de Henares en diciembre de 2000, en el Paraninfo de la Universidad. Un emotivo acto presidido por el Secretario de Estado de Cultura, Luis Alberto de Cuenca, con la presencia de Antonio Mingote, primer Premio Quevedos 1998 y otras importantes personalidades de la cultura. Entre octubre y diciembre editan Ediciones de La Flor en Argentina y Editorial Lumen en España "Esto No es Todo", libro de más de 500 páginas, recopilación de sus mejores trabajos de Humor Gráfico, excepto !Cuánta Bondad!, seleccionados por los editores de sus libros de humor. En enero 2002 será editado también por Tusquets Editores México. Argentina En diciembre renuncia el presidente electo Dr. Fernando De La Rúa luego de días de protesta social por la situación económica que vive el país. Asume el presidente provisional del Senado Sr. Federico Ramón Puerta. En las siguientes 48 horas la Asamblea Legislativa designa a Dr. Adolfo Rodríguez Saa, quien 10 días después renuncia ante la reiterada presión de la gente que expresa su disconformidad hacia toda la clase política argentina inaugurando una nueva modalidad argentina de protesta: "el cacerolazo". Nuevamente se reune la Asamblea Legislativa y elige al Dr. Eduardo Duhalde Presidente de la Nación. Internacional En septiembre se produce en EEUU el terrible atentado sobre las Torres Gemelas y el Pentágono. Se inicia la guerra en Afganistán en búsqueda de Bin Laden, a quien se atribuye la responsabilidad de los atentados. 2002 Septiembre: es invitado a exponer su obra de humor gráfico y Mafalda en el "21ème Salon Interncional de la Caricature, du Dessin de Presse et d'Humour" de Saint Just le Martel del 27 de septiembre al 6 de octubre. Noviembre: el IILA (Instituto Italo-Latino Americano) y la Embajada de la República Argentina organizan en Roma una exposición de Quino "Il Padre di Mafalda ha altri figli" en la Scuderie del Palazzo Santacroce, del 21 de noviembre al 21 de diciembre. 2003 En agosto realiza una exposición de sus trabajos en el Museo de Arte Contemporáneo de Bahía Blanca, Provincia de Buenos Aires, Argentina. En esa oportunidad es invitado a una charla en la Escuela de Artes Visuales de esa ciudad.A fines del mes de agosto es invitado a inaugurar la Feria Internacional del Libro de Guayaquil, Ecuador, en la que participó además de una charla con el público. Con motivo de su visita, el Alcalde de la ciudad, Jaime Nebot lo declaró Huésped Ilustre de la Ciudad de Guayaquil. En septiembre realiza una exposición de su obra en Biarritz, Francia, con motivo del festival de la CITA 2003.El 6 de diciembre la Universidad de Guadalajara en el marco del "II Encuentro Internacional de Caricatura e Historieta" y de la Feria Internacional del Libro de Guadalajara, otorga a Quino el premio-homenaje "La Catrina". Dicha distinción es entregada por Sergio Aragonés (figura homenajeada el año anterior). Con motivo de estos acontecimientos se realiza una exposición de su obra en la sala Tolsa del Museo de las Artes de la Universidad de Guadalajara. Argentina Las elecciones presidenciales del 27 de abril determinan por primera vez en Argentina un ballotage, que no se lleva a cabo debido a que uno de los dos candidatos (Carlos Saúl Menem) desiste de su candidatura a dos días de efectuarse la elección en segunda vuelta.El 25 de mayo asume la presidencia de la Nación el santacruceño Néstor Kirchner tras haber obtenido el 22,04% de los votos. Internacional El 19 de marzo EEUU declara la guerra a Irak. 2004 En enero inaugura en Milán la exposición “De viaje con Mafalda” conmemorando los 40 años de la primera publicación del personaje en Argentina. La muestra, patrocinada por el Touring Club Italiano - curador Ivan Giovannucci -, se traslada a varias ciudades de Italia en una itinerancia que habrá de prolongarse los dos años siguientes. En julio, Ediciones de la Flor publica su nuevo libro: ¡Qué presente impresentable! y publica por primera vez los volúmenes 1 y 2 de Mafalda traducido al inglés bajo el nombre "Mafalda& Friends" que incluye una selección de tiras de la historieta Mafalda En agosto inaugura en Buenos Aires la exposición “Quino, 50 años”, organizada por la Fundación Andreani, curada por Julieta Colombo Marrón, celebrando los 50 años de la publicación --el 9 de noviembre de 1954-- de su primer dibujo humorístico en la revista “Esto Es”. La exposición se traslada luego a Córdoba y Mar del Plata y proseguirá durante 2005 y 2006 en otras ciudades de la Argentina. El 9 de noviembre Éditions Glénat (Francia) organiza en la Maison de l’ Amérique Latine en París, un homenaje a Quino acompañado de una exposición de dibujos de sus colegas franceses que agasajan a Mafalda y lanza el libro Un présent impresentable. El 17 de noviembre es declarado Ciudadano Ilustre de Buenos Aires. Internacionales: 11 de marzo atentado terrorista, 3 días antes de las elecciones presidenciales, en la estación Atocha de Madrid y otras dos estaciones ferroviarias de cercanías que se definió como el más sangriento en la historia española. 26 de diciembre: una serie devastadora de tsunamis en el Océano Índico. causa la mayor catástrofe natural ocurrida desde la explosión del volcán Krakatoa Argentina: 29 de diciembre: Trágico incendio a causa de una bengala, en un recital al que asistían 3000 personas con un saldo de 192 muertos y cientos de heridos. Accidente sin precedentes que obligó a reformular la seguridad de los espacios multitudinarios. 2005 La exposición “De viaje con Mafalda” se presenta en Roma, Nápoles, Zagarolo (Roma), Voghera (Pavía), Jesolo (Venecia) y Bologna. En marzo Ediciones de La Flor edita el tercer volumen de Mafalda & Friends. A fines de marzo se inaugura la exposición “De viaje con Mafalda” en la Biblioteca Fort Pienc de Barcelona organizada por Editorial Lumen, Biblioteques de Barcelona y Barcelona 2005 Any del Libre i la Lectura. La exposición “Quino 50 Años” continúa su itinerancia por Argentina presentándose en Rosario, Casilda, Mendoza y San Rafael. En agosto, la Orden de Isabel la Católica, del Reino de España, lo declara "Caballero de la Orden Isabel la Católica". En coincidencia con el cierre de la exposición "Quino 50 Años" en Mendoza, el cónsul español en esa ciudad, Miguel Albero Suárez le hace entrega de la distinción y un diploma firmado por los reyes de España. Asimismo la Municipalidad de Guaymallén, Mendoza, lo declara "Cuidadano ilustre de ese Departamento, se le hace entrega de la llave de la Cuidad e inaugura una plaza con el nombre de Mafalda. -El Concejo Deliberante de la Ciudad de Mendoza lo nombra "Huésped de Honor" de esa Cuidad. El 16 de agosto, en el Salón Dorado de la Legislatura Porteña, Quino es declarado Ciudadano Ilustre de la Ciudad de Buenos Aires. El 21 de agosto, dentro del Programa de Caracterización de Espacios Verdes de la Cuidad de Buenos Aires, fue reinaugurada la Plaza Mafalda, sectorizada en zonas, bautizadas con los personajes de la historieta. En septiembre la Fundación Príncipe Claus para la Cultura y el Desarrollo de La Haya, Holanda, le otorga uno de los once premios Prince Claus 2005 dedicados este año al "Humor y la Sátira". El 7 de septiembre, coincidente con el día del maestro, la CTERA (Confederación de Trabajadores de la educación de la República Argentina) entrega la distinción "Maestros de Vida" a Quino, junto a otras personalidades de la cultura, en reconocimiento a su trayectoria. En septiembre Tusquets Editores México publica ¡Qué Presente Impresentable! En octubre este mismo libro es publicado en España por Editorial Lumen SA. Internacionales: 16 de febrero: Entra en vigor el Protocolo de Kioto, convenio mundial para reducir el efecto invernadero en el planeta. 1 de marzo: La FAO advierte que la inanición amenaza la vida de 800 millones de personas en 36 países, 23 de ellos africanos. 2 de abril: Muere S.Santidad el Papa Juan Pablo II. Joseph Ratzinger es elegido Papa de la Iglesia Católica con el nombre de Benedicto XVI. 29 de agosto - El huracán Katrina produce una catastrófica inundación que destruye la ciudad de Nueva Orleans Argentina: 10 de febrero: Investigadores argentinos hallan en la Patagonia el único yacimiento existente hasta ahora de huevos de dinosaurio con embriones en su interior. 2006 La Muestra "De viaje con Mafalda" continúa su itinerancia en Italia y en junio, en el marco del Festival Internacional de Films de Animación de Annecy(Francia), se exhibe en la municipalidad de Cran-Gévrier ( Annecy). Quino inaugura la exposición y los talleres pedagógicos para niños . En febrero Ediciones de La Flor, Argentina, publica el volumen 4 de” Mafalda & Friends” en inglés. En abril Magazzini Salani publica los 2 primeros libros de Mafalda: "I piccoli libri di Mafalda" En mayo, el Ayuntamiento de Quijorna, Madrid, en colaboración con la empresa "Juguemos al Teatro" le otorga un Premio Honorífico por su contribución a la vida intelectual de los niños. Finaliza, en Argentina, la itinerancia de la muestra "Quino 50 años" presentándose en el mes de mayo en Tucumán y en agosto, Salta En julio, la Universidad de Córdoba, República Argentina , nombra a Quino junto con Roberto Fontanarrosa "Doctores Honoris Causa" de esa Institución Académica. En agosto, en Francia, Edtions Glénat edita el catálogo de la muestra "En voyage avec Mafalda" y en Italia Magazzini Salani editada los libros 3 y 4 de la serie "I piccoli libri di Mafalda" En septiembre, en Portugal, Editorial Teorema edita el primero de cuatro volúmenes con la recopilación de las tiras de Mafalda En octubre, , la Fundación Cultural de Curitiba(Brasil) inaugura la exposición "Simplemente Quino" curada por Julieta Colombo Marrón. El 26 de octubre de 2006, el Embajador de los países Bajos en Argentina, Señor Henk Soeters, entrega formalmente en la Cuidad de Buenos Aires el Premio Prince Claus al Humor y la Sátira otorgado el año anterior. 2007 En enero, en Italia Magazzini Salani, publica Mafalda 5 y 6, en Portugal, Teorema, publica el volumen Mafalda 3. En marzo Ediciones de La Flor edita "Mafalda & Friends" volumen 5. El 25 de abril se inaugura en el Museo de los Niños Barrilete, la Vieja Usina de la ciudad de Córdoba (Argentina), la muestra interactiva "El mundo según Mafalda", sobre idea y dirección general de Sabina Villagra. En abril, La Fundación del Libro, en el marco del 10º Congreso de Promoción de la Lectura en la 33ª Feria Internacional del Libro de la Cuidad de Buenos Aires, rinde a Quino un homenaje por su trayectoria En mayo, en Meknés (Marruecos) se inaugura la muestra "En Viaje con Mafalda”, con la presencia de Quino. En junio en Italia, Magazzini Salani edita Mafalda 7 y en Portugal, Teorema, Mafalda 4. En septiembre, el Presidente de la Junta de Extremadura, D. Guillermo Fernández Vara, le entrega el Premio Extremadura a la Creación a la mejor Trayectoria Artística de Autor Iberoamericano. En noviembre la Diputación Provincial de Guadalajara, España, entrega el premio La Hoja en la sesión inaugural del VIII Ciclo Cursos de Otoño de Guadalajara Invitado por el Programa Presencias Literarias en la Universidad Huelva y de la Universidad de Cádiz , Quino mantuvo en ambas sedes un diálogo con alumnos y público en el que se habló de su vida y su obra. En diciembre 2007 Ediciones de La Flor publica su libro “La Aventura de Comer” 2008 En febrero, en Italia, Magazzini Salani publica “Mafalda oltre le strisce…” adaptación del libro Mafalda inédita. El 11 de marzo la Facultad de Trabajo Social de la Universidad Nacional de Entre Ríos(Argentina)lo nombra Dr. Honoris Causa. En este mes se edita “La Aventura de Comer” tanto en España como en Portugal. En Argentina, Ediciones de La Flor, edita el sexto libro de Mafalda en inglés: “Mafalda & Friends 6”. En el mes de abril es invitado a participar del 26º Salón Internacional del Cómic de Barcelona junto a Liniers. Se expone en Tokio, la exposición Simplemente Quino, del 23 de mayo al 27 de junio en el Edificio del Instituto Cervantes. Esta exposición fue organizada por Instituto Cervantes en Tokio en colaboración con la Embajada Argentina en Japón En julio, en el marco del Ciclo de Humor Gráfico de Santa Cruz Diseña con la organización de La Opinión de Tenerife, se expone una muestra de los trabajos de Quino en el Círculo de Bellas Artes de Tenerife. El 5 de agosto el Instituto Cultural de la Provincia de Buenos Aires le otorga el Premio José Hernández por su contribución a la cultura. El Mundo Según Mafalda, itinera por Argentina: en agosto en el Centro de Conocimiento de la Provincia de Misiones, recientemente inaugurado y en septiembre, en Jujuy, en el Centro Cultural y Museo “Culturarte” Editorial Teorema, en Portugal, publica “Mafalda inédita” y en Italia, Magazzini Salani su libro de humor gráfico “Quanta Bontà”. El 20 de noviembre recibe el Premio al Humor otorgado por La Sociedad de Distribuidores de Diarios, Revistas y Afines en su 63º Aniversario en Buenos Aires La Agrupación Española de Fomento Europeo y la Hidalga Cortesía Española, en su labor de difusión de la cultura, le otorga la Cruz de Oro de AEFE, por su meritoria trascendencia y labor. En noviembre se inaugura el Mural Metrovías: El Mundo Según Mafalda, en la histórica estación Perú línea A, subterráneos de Buenos Aires. A fines de ese mismo mes Quino es invitado a participar de la FIL de Guadalajara donde presentó su libro “Mafalda Inédita” editado por primera vez en México por Tusquets Editores México. 2009 En marzo Ediciones de La Flor, Argentina, edita el séptimo libro de Mafalda en inglés: “Mafalda & Friends ”.En ese mismo mes Magazzini Salani publica la nueva edición de “Tutto Mafalda”. La muestra Se fosse per me, farei la pace! continúa su itinerancia en la Biblioteca dell’Emilia Romagna. El 2 de julio, en la Comédie Français de París el Gourmand Award otorga a Quino un premio en la categoría “mejor libro del año de viñetas sobre gastronomía del 2008” por su libro “La aventura de comer” Ediciones de La Flor(Argentina) El 20 de agosto La Academia Nacional de Periodismo le hizo entrega del premio, La Pluma de Honor 2009. En el acto, Sábat destacó el papel clave de Quino en el periodismo argentino. El 30 de agosto Quino recibe la primera Medalla del Bicentenario que el Gobierno de Buenos Aires entregará a personalidades argentinas en el marco de los festejos por el Bicentenario de la revolución del 25 de mayo de 1810. La medalla diseñada por el escultor Antonio Pujía, será posteriormente entregada a 200 personas que se destacan en su labor profesional, intelectual, humanitaria, social y artística.En el mismo acto es inaugurada, la escultura de Mafalda en el barrio de San Telmo. La obra fue realizada por el artista Pablo Irrgang. En el acto se descubrió, además, una placa recordatoria colocada en el frente del edificio de la calle Chile donde Quino vivío y creó Mafalda con la leyenda "Aquí vivió Mafalda". El Mundo Según Mafalda, continúa su itinerancia por Argentina, en agosto y septiembre en el Espacio Contemporáneo de Arte de la Provincia de Mendoza. Para festejar los 45 de Mafalda, en Milán, el 10 de octubre se inaugura una muestra organizada por l’Associazione Amici del Loggione del Teatro alla Scala de Milano. El 13 de noviembre UNICEF-Comité Español reconoce con sus Premios 2009 a Quino, entre las 15 personas e instituciones premiadas por su contribución a la defensa de los derechos de los niños 2010 En febrero se realiza la muestra “Mafalda nos visita” en el Centro de Visitantes y Museo del Parque Nacional Lanín, Provincia de Río Negro. Dicha muestra incluye las tiras de Mafalda en sus vacaciones en el sur argentino. En este mes Del 12 al 15 de ese mismo mes, en Le Cent Quatre, París, Francia, expone la muestra “L´Odyssée à Table”en el marco de la Feria Cookbook París. En marzo, en Italia, Magazzini Salani publica su libro de humor gráfico “Che presente impresentabile!”. En el mes de abril, en el Palacio del Condestable de Pamplona, España, expone una selección de su obra en el marco del I Salón Internacional del Cómic de Navarra. En el 23 abril en la XV edición recibe Premio Internacional de Humor Gat Perich junto a otros dos premiados: Tricicle y Fernando Krahn. El Premio Internacional de Humor Gat Perich desde 1996 es un galardón otorgado en memoria del dibujante y humorista Jaume Perich para reconocer a los profesionales del humor. Por decreto del 23 de abril, el señor Frédéric Mitterrand, ministro de la Cultura y de la Comunicación, lo nombra "Oficial de la Orden de las Artes y de las Letras.” En Argentina, Ediciones de La Flor, edita el octavo libro en inglés: “Mafalda & Friends 8” La muestra El mundo según Mafalda se presenta en la Feria del libro infantil Papirolas de Guadalajara (México)d el 2 al 7 de marzo de 2010, y se traslada al Museo Raúl Anguiano durante los meses de marzo-mayo 2010 en la misma ciudad mexicana. Al regreso a la Argentina retoma su itinerancia por el país en las ciudades de Ushuaia y Río Grande. La expo En voyage avec Mafalda, se exhibe en enero en el Centre International de la Bande Dessinée de la ciudad de Angoulême (Francia) Karmafilms Distribution produce la mini exposición de Mafalda destinadas escuelas y bibliotecas de varios departamentos franceses En noviembre, en Italia, Magazzini Salani edita “Mafalda: oggi mordo!” un maletín metálico con la coleccíon completa de los libros de Mafalda.

El Autor François Soulages hace una propuesta en pos del desarrollo de una estética de la imagen o estética general que, según él, debe estar soportada por estéticas regionales, siendo la de la fotografía una de ellas. Plantea como metodología la de aplicar a la obra el enfoque estético, que sería la síntesis de los enfoques sensible (relación sensible y existencial con el objeto) y teorético (reflexión crítica y conceptual). Al aplicar sus ideas a una estética de la fotografía concluye que debe estar basado en un enfoque teorético de la técnica, que es la condición de este arte, y en la práctica de esta técnica. Ello le lleva a estudiar varias relaciones: de lo real y lo "infotografiable"; la foto y la "fotograficidad" y, por último, la relación real/foto y el "a la vez". Conviene destacar que lo que distingue este plateamiento de estética es su carácter inductivo. "Desde una estética de la fotografía hacia una estética de la imagen". Este título tiene como primera función designar un movimiento: el movimiento de investigación y de enseñanza que me ocupa desde hace más de 20 años al mismo tiempo que tendría que guiar mis trabajos, creaciones y compromisos futuros. En efecto, la investigación y la enseñanza son primero movimiento, si no repetición; y Freud nos avisa: "La repetición, es la muerte." Investigación y enseñanza tienen que ser entonces movimiento y vida. ¿Movimiento? más precisamente movimiento de pensamiento, movimiento de acción, movimiento de implicación, movimiento de creación; pero también desplazamiento, superación, progreso, metamorfosis. En resumen, utilización del tiempo para investigar y enseñar, aprender algo y enseñar a algunos, prenderse y desprenderse, utilización del tiempo para teorizar y sensibilizar, descubrir y abrir, crear y escuchar. Mejor aún, articulación de nuestro tiempo, que la muerte recorta, con el tiempo de los demás artistas, miembros de la sociedad y de las instituciones, hombres sin calidad, pero también, por supuesto, investigadores, profesores, estudiantes. De esta forma, nuestro tiempo ya no es más egocentrado, egoísta y arrugado: está abierto y enriquecido por el tiempo de los demás; puede así estar habitado por un sentido una dirección a la vez que un significado- que supera la esfera del ego y que mira la comunidad de los hombres. Nuestro tiempo es entonces el hilo de un tejido más ancho y más sólido, el del tiempo ético. Trataré rápidamente tres problemas: el de la estética, el de la estética de la fotografía, y el de la estética de la imagen, aclarando de esta manera el movimiento de una estética de la fotografía hacia una estética de la imagen. 1. LA ESTÉTICA Para ser riguroso y pertinente, el enfoque estético de un objeto tiene que basarse primero en un enfoque sensible de este objeto, y luego en su enfoque teorético. Son fundamentales, en esta propuesta, en la misma medida, el fundamento y el método de la estética. 1.1. El enfoque sensible Cronológicamente, es el primer enfoque que tenemos de una obra. Es el enfoque a través de nuestros sentidos. Pero no seamos inocentes. El hombre que recibe por primera vez una obra de arte no es virgen de todo pasado, o de todo pensamiento. En efecto, el hombre es el ser del sentido y del sentido, quiero decir, de la sensación y del significado. Y la palabra más importante de esta fórmula antropológica es, por supuesto, la palabra "y". El hombre es el ser del "a la vez", a la vez receptor de sensación y donador de significado, a la vez gozador de sensaciones e interrogador de significado. Este enfoque sensible de la obra no es único. Puede tener modalidades diferentes que van desde la recepción sensible, aparentemente total, a la creación sensible e intelectual de nuevas obras: del enfoque acogedor al enfoque creador. El enfoque creador puede ser una continuación del enfoque acogedor; no lo niega, lo completa, lo corona. Puede ser llevado a cabo de dos formas: Gracias a una combinatoria que, al reunir varias obras, crea un conjunto, incluso una obra. Puse en práctica tal combinación creadora, por ejemplo, como comisario de exposición o director de colección; Gracias a una creación propiamente dicha de obras nuevas, o sea con "el encargo", con "el arte potencia de dos", es decir la creación de una obra a partir de otra obra, con la acción del "recept-autor" de las imágenes numéricas. Llevé a cabo, de forma asidua, encargo y arte potencia de dos. El enfoque poético es un caso particular del enfoque creador. Es un enfoque mediante el lenguaje en el cual el sujeto ya no está al nivel del idioma o de la reflexión cotidiana, ni al nivel científico, teórico, analítico y conceptual: el sujeto utiliza la imagen, lo imaginario y la metáfora, a veces la ficción, para retener una palabra o producir una escritura que vibra al contacto de la obra. Por ser específico y rico, practiqué este enfoque en cinco de mis libros. 1.2. El enfoque teorético Es llamado "teorético", el enfoque teórico de una práctica considerada primero como el arte-hecho, o el sin-arte, para distinguirlo del enfoque "estético" que es un enfoque teórico de una práctica considerada primero como el arte-valor, o el arte; por supuesto, estos dos enfoques son teóricos. De esta manera, el enfoque teorético prescinde de la dimensión artística de su objeto. Puede ser llevado a cabo por la filosofía, las ciencias humanas como, por ejemplo, la historia o el psicoanálisis-, las ciencias experimentales y las ciencias lógico-matemáticas. Este enfoque es necesario por tres motivos: libera del idealismo, del subjetivismo y del relativismo, ofrece nuevas representaciones del objeto estudiado, puede ser un fundamento necesario para el enfoque estético, tal como lo experimenté en Estética de la fotografía, Fotografía e inconsciente y Fotografía, conocimiento y existencia. 1.3. El enfoque estético Este último enfoque se basa en los dos primeros. El que hace investigación en estética tiene que tener primero una relación sensible y existencial con su objeto, y luego realizar sobre ello una reflexión crítica y conceptual practicando un enfoque teorético. Entonces, después de esta antítesis teorética opuesta a la tesis sensible, puede intervenir el tercer momento de la dialéctica, quiero decir la síntesis estética que, gracias a una transformación, reúne lo que ha estado separado y va más allá de lo que ha sido negado. Por ello, el enfoque estético es a la vez existencial, crítico y conceptual: existencial, porque una obra de arte en su creación y su recepción afecta muy de cerca la existencia del sujeto; crítico, porque va más allá de las representaciones estereotipadas y de los presuntos inmediatos; conceptual, porque busca establecer una teoría gracias a unos conceptos especificados rigurosamente y articulados entre sí. Para desplegarse, la estética cumple tres funciones: la descripción, la problematización y el juicio de valor. La descripción tomará sentido siempre que se articule con una problematización. Son las dos, realizadas en función de juicios de valor. Es "axiológica" tal orientación de la estética que toma en cuenta la cuestión del juicio de valor. Afirmar la existencia de esta posible dimensión de la estética es doblemente necesario: por una parte es de iure una tarea ideal para cumplir, a pesar de ser de facto difícil y quizás a veces imposible; por otra parte es la condición de posibilidad de una crítica de arte que quiere ser otra cosa que imprecación o anatema, simplificación o arbitrariedad, ideología o moda. Una estética es especifica según tres puntos de vista: Considerando su relación con el enfoque teorético, el enfoque estético se compone primero en su fundamento de una estética primera que es la resultante directa de los conocimientos teoréticos. Constituye el fundamento de todo el edifico estético. Sobre este zócalo estético pueden venir a tomar sitio y sentido estéticas segundas. La investigación en estética tiene primero que ceñirse a un sector estrecho, preciso y limitado a una "región" dada; la estética tiene que ser primero regional. Sólo paciente y prudentemente puede pretender ser más general. "Regional" y "general" son conceptos operatorios relativos y correlativos entre sí. Esta última estética puede ser una generalización de una o de varias estéticas regionales: es entonces el fruto de una inducción generalizante realizada a partir de una o varias estéticas regionales. Esta estética inductiva se distingue de una estética deductiva general que sería el fruto de una deducción llevada a cabo a partir de una filosofía. Mi estética es, por supuesto, inductiva. 2. LA ESTÉTICA DE LA FOTOGRAFÍA ¿Cómo fundar una estética para que sea pertinente y rigurosa? ¿En qué tiene que basarse? No en ella misma: toda auto-fundación es una auto-invalidación. No en el enfoque sensible: ¿Por qué privilegiar tal obra y en nombre de qué afirmar que es una obra? En consecuencia, una estética sólo se puede basar en el enfoque teorético no del arte en cuestión aquí la fotografía- sino de la técnica que es la condición de este arte, y en la práctica de esta técnica. ¿Cuál es entonces el análisis teorético de la fotografía que puede ser fundador de su estética? El que mejor analice la especificidad de la fotografía, o sea la relación con lo real, la relación con la foto y la relación real / foto 2.1. La relación con lo real y lo "infotografiable" ¿Qué relación tiene entonces la fotografía con lo real y, más precisamente, con el objeto para fotografiar? El objeto para fotografiar tiene el estatuto de la cosa en sí, este absoluto inasible e incognoscible. Sin embargo, el hombre se encuentra sólo con fenómenos y el fenómeno siempre es fenómeno particular para un sujeto particular. La cámara de fotos sólo puede captar un fenómeno particular posible que depende de un aparato, de un material, de un dispositivo y de un fotógrafo particulares. Se crea entonces un negativo. A partir de este negativo se saca una foto. Esta foto nueva cosa en sí- es recibida fenoménicamente por el hombre. Este fenómeno-foto es a su vez recibido por un sujeto particular. Esta serie de rupturas entre el objeto para fotografiar y la foto recibida por un sujeto particular es la prueba de que lo real, incluido el objeto para fotografiar, es infotografiable. Esta última propuesta es paradójicamente uno de los fundamentos de la estética de la fotografía. 2.2. La relación con la foto y la "fotograficidad" El segundo fundamento se refiere a la fotograficidad, o sea esta propiedad abstracta que constituye la singularidad del hecho fotográfico. El concepto de fotograficidad no designa la foto obtenida, ni sus condiciones de posibilidad, ni sus condiciones de recepción sino sus condiciones de producción. Estudia la producción de la matriz de partida y del producto que se saca, y, más precisamente, la relación entre esta matriz y este producto. La fotograficidad no remite a una materia cualquiera, ni a un tipo de forma cualquiera, ni a un ser cualquiera, sino a una relación habitada por un sinfín de posibilidades. Este enfoque teorético no es pues ontológico, sino operatoriamente conceptual. El enfoque materialista de la fotografía muestra que el corte significante no se sitúa entre el acto fotográfico y la acción en laboratorio, como lo cree el enfoque humanista, sino entre la obtención generalizada del negativo es decir la articulación del acto fotográfico y la obtención restringida del negativo, o sea las seis operaciones (exposición, revelado, paro, fijado, lavado, secado) que van desde la primera exposición hasta el secado del negativo y el trabajo del negativo-es decir la obtención restringida de la foto, o sea las mismas seis operaciones que van de la segunda exposición al secado de la foto. ¿Qué es lo que caracteriza estos dos procedimientos? En los dos casos, llegan a una cosa que será fija definitivamente (a no ser que actuemos voluntariamente sobre ella): obtenemos en un caso un negativo, en el otro una foto. En cambio, la obtención generalizada del negativo y el trabajo del negativo se distinguen fundamentalmente en cuanto a su forma de ser: en efecto, la primera está marcada por la irreversibilidad: así, el acto fotográfico una vez hecho es irreversible, ya no se puede hacer de forma que no haya sido, el fotógrafo siempre puede volver a sacar una foto, pero no volver a iniciar el mismo proceso: la película ya no es virgen, sino expuesta; de la misma forma, las cinco operaciones siguientes revelado, paro, fijado lavado, secado- son irreversibles. en cambio, a partir de un mismo negativo, podemos hacer un sinfín de fotos diferentes, interviniendo de forma particular en cada una de las seis operaciones exposición, revelado, paro, fijación, lavado, secado-; de esta forma, a partir de un mismo negativo, el trabajo del negativo es inacabable en la medida en que siempre puede ser reanudado y realizado de nuevo, y esto de formas potencialmente distintas. La fotograficidad es entonces esta curiosa articulación de lo irreversible y de lo inacabable, de la irreversible obtención generalizada del negativo y del inacabable trabajo del negativo. Por ello, la fotografía es la articulación de la pérdida y de lo restante. Pérdida de las circunstancias únicas que fueron las causas del acto fotográfico, del momento de este acto, del objeto para fotografiar, de la obtención generalizada irreversible del negativo, es decir del tiempo y del ser pasados. Restante constituido por estas fotos que se pueden hacer a partir del negativo. La pérdida es irremediable: la fotografía nos lo dice a gritos, nos lo enseña, nos lo hace imaginar; si la pérdida es absoluta y violenta, no es porque el tiempo, el objeto o el ser perdidos eran antes de gran valor para nosotros o en sí mismos, sino porque este tiempo, este objeto o este ser están ahora para siempre perdidos. Lo restante no puede ser un remedio milagroso, menos para los que necesitan creer en los milagros; de hecho ¿nos consuela de la pérdida, nos permite despedirnos de ella? A veces, quizás; en todo caso, es lo único que nos queda, con lo que nos tendremos que batir, que debatir y combatir, lo único con lo que el artista podrá crear. Infinito de la pérdida, infinito de lo restante... La estética primera de la fotografía se funda entonces en este doble conocimiento teorético: lo infotografiable y la fotograficidad. Es la articulación de la estética de lo infotografiable y de la estética de la fotograficidad. Precisamente, la estética de lo infotografiable puede ser integrada en la estética de la fotograficidad, como elemento constitutivo fundamental correlativo de la estética de lo irreversible. La fotograficidad parece ser entonces, en este momento de la investigación, el fundamento de la estética de la fotografía. 2.3. La relación real / foto y el "a la vez" Ahora bien la fotografía se articula con el "a la vez". La estética del "a la vez" se funda efectivamente en la esencia misma de la fotografía: cualquier foto es la foto de algo. Unos privilegiaron el algo, otros la foto en su materialidad; siempre se consiguió acercarse a la fotografía, pero nunca en su especificidad misma. Hay que privilegiar el "de", es decir pensar las relaciones que existen entre este algo y la materia fotográfica, entre lo real y la foto, y entonces entender las contradicciones y las tensiones que las componen, las oponen y las reúnen. En resumen, para la fotografía, llevar a cabo una reflexión dialéctica y una estética del "a la vez" a la vez el infotografiable objeto para fotografiar y la materia fotográfica y rechazar por un lado la ingenuidad realística, y por el otro, la reducción formalista o materista. Entonces hay que pensar estas tensiones y estas disensiones, el referente y la foto, entre el objeto para fotografiar y la materia, entre el acontecimiento pasado y las formas: hacen el valor y la unicidad de la fotografía. Hace falta ponerlas en relación con otras relaciones y tensiones que alimentan la fotografía: lo irreversible y lo inacabable, el pasado y el presente, el fue y el se cumplió, la huella y el trazado, lo real y lo imaginario, el objeto para fotografiar y el sujeto fotografiando, la técnica y el arte, el sin-arte y el arte, etc. En todos estos pares, lo que más importa, lo más fotográfico y lo más rico de potencialidades artísticas, es precisamente el "y", el fundamento mismo de estos pares, o sea el "a la vez". Esta estética del "a la vez" es entonces la matriz en la cual encuentran sitio y sentido la estética de la articulación de lo irreversible con lo inacabable, la de la articulación del pasado con el presente, la de la articulación del fue con el se cumplió, la de la articulación de la huella con el trazado, la de la articulación de lo real con lo imaginario, la de la articulación del objeto para fotografiar con el sujeto fotografiando, la de la articulación de la técnica con el arte, la de la articulación del sin-arte con el arte, etc. Esta estética del "a la vez" tiene como correlato la antropología del "a la vez". Así pues, el enfoque teorético demuestra que la fotografía se caracteriza por el a la vez, concepto que puede integrar el de la fotograficidad, este último concepto integrando el de lo infotografiable. Es en este conocimiento teorético que se funda la estética de la fotografía. La estética primera de la fotografía es entonces la del "a la vez"; integra la de la fotograficidad y la de lo infotografiable. En ella y dentro de ella se fundan las estéticas segundas: la nutren y la desarrollan de manera específica, y así le dan todo su sentido y todos sus sentidos a la estética general de la fotografía. 3. LA ESTÉTICA DE LA IMAGEN La estética de la fotografía es una estética regional con respecto a la estética más general que es la de la imagen. Es entonces uno de los pasos necesarios para establecer esta estética de la imagen. Para que se pueda poner en práctica, la estética de la imagen primero debe partir de una serie de aparentes antinomias, luego intentar resolverlas y/o superarlas. 3.1. Las antinomias 3.1.1. Las antinomias relativas al método mismo en estética Hay que: - a la vez empezar por las estéticas segundas y reconocer que es la estética primera que las funda; - a la vez estar lo más cerca de las imágenes y fundar una estética primera en la razón; - combinar a la vez la confrontación y el compromiso prácticos dentro y para la imagen y la teorización de la imagen; - tener a la vez una un enfoque sensible, incluso poético, y un enfoque teorético de la imagen; - tener a la vez un enfoque teorético de la imagen sin-arte y un enfoque estético de la imagen en el campo del arte, esperando que el segundo se pueda fundar en el primero; - pensar a la vez la autonomía del arte y el paso necesario del sin-arte al arte; - analizar las imágenes a la vez desde el punto de vista del arte hecho y desde el del arte valor. 3.1.2. Las antinomias relativas a la naturaleza misma de la imagen Hay que: - plantear a la vez que lo real no lo puede dar la imagen y que no se pueden ocultar el problema de lo real ni la relación que uno puede tener con él; - reconocer a la vez que la imagen posee su autonomía y que siempre la recibe una conciencia creadora de imágenes; - aceptar que la imagen la trabaje una conciencia que sueña con dominarla y un inconsciente que la domina muchas veces; - comprender que la imagen está del lado de la imaginación reproductora y a la vez del lado de lo imaginario creador; - contestar a la vez a los por qué y a los cómo de la imagen. 3.1.3. Las antinomias relativas a la pluralidad misma de las imágenes Hay que reunir en la misma estética a la vez: la imagen de Lascaux y la imagen digital, la imagen de lo real y la imagen de lo virtual, la imagen fruto de la representación y la imagen fruto de la simulación, la imagen objeto y la imagen matriz, la imagen cosa y la imagen número, la imagen calco y la imagen calculada, la imagen huella y la imagen trazada, la imagen única y la imagen de imágenes, la imagen una y la imagen múltiple, la imagen aislada y la imagen multimedia, la imagen muda y la imagen sonora, la imagen fija y la imagen movimiento, la imagen temporal y la imagen atemporal, la imagen irreversible y la imagen inacabable, la imagen dada una vez por todas y la imagen transformada sin cesar por el observador la imagen visual y la imagen psíquica, la imagen matemática y la imagen ideológica, la imagen material y la imagen poética, la imagen sin-arte y la imagen artística, etc... 3.1.4. Las antinomias relativas a la existencia misma de la estética de la imagen Hay que considerar la estética de la imagen a la vez como de iure necesaria y de facto imposible. 3.2. El pensamiento de las antinomias Frente a una antinomia, hay que aprovechar para pensar mejor enfrentándose a esta contradicción, en la medida en que este pensamiento siempre es fruto de la incomodidad. Estas antinomias son entonces una ocasión y una oportunidad para el que quiere llegar a una estética de la imagen. Esto implica llevar a cabo tres tareas: - primero hacer un inventario sistematizado de las antinomias relativas a la imagen: no se trata de realizar una simple recolección empírica y pragmática de estas contradicciones, sino organizar de manera racional y ordenada un sistema de estas contradicciones; - para conseguirlo hay que practicar una relación activa y estrecha con las imágenes para alimentar desde el interior este pensamiento de la imagen; en este propósito, los trabajos de los artistas son especialmente instructivos, en la medida en que los artistas crean sus obras más interesantes cuando se enfrentan con un problema relativo a su objeto, en este caso a la imagen o a una o varias imágenes, incluso mejor, a ciertos tipos de imágenes: para el que practica la estética, es necesario que el trabajo del artista sea el principio y el fin; - por fin la última tarea sería intentar explicar estas contradicciones y superarlas. Este trabajo permite aproximarse al objetivo último de una estética de la imagen que es constituir una estética primera en la cual encuentran sitio y sentido estéticas segundas. 3.3. La investigación plural Una estética de la imagen debe tomar en cuenta todas las imágenes y, entre otras, las nuevas imágenes. Con el desarrollo de la imagen digital y de la interactividad, hemos llegado a un momento clave de la historia de las imágenes. Parafraseando a Koyré, podemos decir que pasamos otra vez del mundo cerrado (imagen cerrada sobre ella misma) al universo infinito (imagen infinitamente explorable y modificable): ¡es una nueva revolución copernicana! ¡Qué apasionante para la investigación y la enseñanza! Eso hace que nuestra tarea sea aprender y comprender, en fin reflexionar. Claro es que las artes de la imagen son las artes de la imagen material y visible. Pero estas artes de la imagen las aclaran enfoques teoréticos relativos a los otros sentidos de la palabra "imagen" (psíquica, representación, metáfora...). Localizar, concebir, articular y plantear la problemática de estas pluralidades es un eje necesario de una investigación con vistas a una estética de la imagen. Hay que pensar los lazos, las tensiones y las oposiciones entre varias artes de la imagen, incluso dentro de un mismo arte, hay que seguir con la reflexión relativa a las fronteras estéticas del arte y articularla con una investigación sobre la hibridación y sobre lo que es del ámbito del "a la vez". Una triple revolución se está llevando a cabo ante nosotros: revolución de la imagen, revolución de las artes de la imagen, revolución del arte. La investigación y la enseñanza, alimentados por una estética de la imagen, deben, entre otras cosas, tener como objetivo intentar comprender esta triple revolución, en resumen reflexionar claramente sobre esta complejidad tomando en cuenta estas diferentes imágenes, estas diferentes obras, estas diferentes artes y estos diferentes enfoques. Una vez más, la investigación en estética debe apoyarse en lo sensible y lo teorético y así aprender y comprender con modestia y ambición, con rigor y placer, lo que las artes de la imagen nos pueden revelar, anunciar y ofrecer. Las artes y los artistas tienen mucho que enseñarnos, tanto al nivel de lo sensible como al nivel de lo teorético, o sea al nivel de la estética. Una gran obra de arte enseña a ser más sensible y a la vez a pensar mejor; lo que hace la estética sólo es volver a decírnoslo. Las investigaciones regionales deben continuar de dos maneras: por una parte a partir de diferentes tipos de imágenes, por otra a partir de problemáticas vinculadas a la imagen. Gracias a estas investigaciones regionales se establecen estéticas regionales para desembocar en una estética general de la imagen. Entonces comprendemos un poco mejor, gracias a las artes de la imagen, por qué y cómo una imagen bella y rebelde y una obra creadora y crítica pueden surgir y cambiar completamente la historia de un sujeto.

Stanley Kubrick "Una Vida en Imagenes" Si puede ser escrito, o pensado, puede ser filmado. Stanley Kubrick durante la grabación de Barry Lyndon. link: http://www.youtube.com/watch?v=-WWN_oRVXc4 "Kubrick" de john scofield del disco "a go go" Nombre real Stanley Kubrick Nace en Nueva York, Estados Unidos 26 de julio de 1928 Fallecimiento Londres, Hertfordshire, Reino Unido 7 de marzo de 1999 (70 años) Premios Premio Óscar Mejores efectos visuales 1968 2001: A Space Odyssey Premios BAFTA Mejor película 1964 Dr. Strangelove Mejor director 1975 Barry Lyndon Ficha en IMDb Stanley Kubrick fue un fotógrafo, director de cine, guionista y productor estadounidense. Considerado por muchos uno de los más influyentes cineastas del siglo XX. Destacó tanto por su precisión técnica como por la gran estilización de sus cintas y su marcado simbolismo.1 Realizó trece películas, entre las cuales se encuentran varios clásicos del cine, como Lolita, ¿Teléfono rojo?, volamos hacia Moscú, 2001: Odisea del espacio, La naranja mecánica, El resplandor, La chaqueta metálica y Espartaco.2 http://es.wikipedia.org/wiki/Stanley_Kubrick link: http://www.youtube.com/watch?v=RECC4arqQow Hay algo en la personalidad humana que se resiente a las cosas claras, e inversamente, algo que atrae a los rompecabezas, a los enigmas, y a las alegorías. Kubrick por Spielberg link: http://www.youtube.com/watch?v=PHArjarmyqY&feature=related Te sientas frente a un tablero y repentinamente tu corazón brinca. Tu mano tiembla al tomar una pieza y moverla. Pero lo que el ajedrez te enseña es que tú deber permanecer ahí con calma y pensar si realmente es una buena idea o si hay otras ideas mejores. Kubrick por muchos mas link: http://www.youtube.com/watch?v=DOOCM7Tg7d4 Las grandes naciones han actuado siempre como gánsteres, y las pequeñas como prostitutas.

Paroxismo: exaltación violenta de una pasión o de un sentimento "loco, malo y peligroso de conocer" según una de sus amantes; el amor obsesivo lo llevó al paroxismo y puso fin a su propia vida. La depresión y la locura son temas recurrentes a lo largo de la historia de la poesía. Artepolis se hace realidad En el arranque del acto de lanzamiento del Plan Nacional de Igualdad Cultural, la presidente Cristina Kirchner anticipó la posibilidad de organizar una “Artepolis” el año que viene, en coincidencia con el Bicentenario de la Asamblea del año XIII. La iniciativa había sido pedida por el dibujante Miguel Rep en varias contratapas de Página/12. Durante el acto, la Presidenta argumentó que “la producción de arte y contenidos y la conexión de los trabajadores de la cultura es fundamental”. Allí fue cuando concluyó que “debemos hacer un Artepolis como hicimos Tecnópolis. Los argentinos nos debemos un Artepolis”. Lo dijo a poco de empezar el acto porque, explicó, después se podía olvidar. Comentó que le había preguntado al ministro de Planificación, Julio De Vido, cuándo estarían listas las obras de restauración del viejo edificio del Correo Central, o Palacio de Telecomunicaciones, que se transformará en el Centro Cultural del Bicentenario. “El Correo Argentino será un lugar impresionante”, aseguró la Presidenta e indicó que “los argentinos tenemos que organizar con todos los trabajadores de la cultura una Artepolis, porque el arte es lo más representativo de la lucha por las libertades”. En ese sitio, imaginó, habrá distintas salas con la posibilidad de “muchísimos lugares diferentes para producir cultura”. Con lo cual, en Artepolis habría lugar para “todos los artistas, desde los que hacen una caricatura, hasta los que hacen una ópera, los que cantan como Susana Rinaldi, que nos acompaña, hasta los que actúan como Andrea Del Boca, hasta los historiadores que también hacen cultura”. “Y el año que viene –Año del Bicentenario de la Asamblea del año XIII, de las libertades, porque se abolió la esclavitud– creo que le haríamos un buen homenaje al arte reconociéndolo, junto con la Asamblea”, reveló Cristina Kirchner. "El arte es lo mas representativo de la lucha por las libertades." dijo CFK Fuente pagina 12: http://www.pagina12.com.ar/diario/elpais/1-189468-2012-03-13.html Cristina anunció "Artépolis" y dijo que la política "es uno de los mejores lugares" donde pueden estar los jóvenes La presidenta Cristina Fernández de Kirchner anunció ayer para el año próximo la inauguración de Artépolis en el Centro Cultural del Bicentenario, y defendió la participación de los jóvenes en la política como uno de los mejores lugares donde pueden estar los chicos. La Primera Mandataria habló ayer tras encabezar el acto en el que ministros nacionales y varios gobernadores firmaron su adhesión al Plan Nacional Igualdad Cultural cuyo decreto fue suscripto en la fecha. Destacó que ese nuevo plan se suma al Conectar Igualdad y al de Televisión Digital Abierta, y permitirá la conexión de todos los argentinos también en el ámbito cultural. Elogió a la Televisión Pública, que calificó como “un ejemplo” por “difundir todas las voces” y las actividades culturales, lo que hoy le permite “estar en una franja horaria de competencia con los canales privados”. Dijo estar “muy contenta” por el programa de integración porque “todo lo que sea generar arte, cultura, participación con igualdad, conexión entre los argentinos, que tanto nos ha faltado”. “Tenemos que aprender todos los argentinos –agregó- tenemos una complejísima e inmensa diversidad cultural pero tenemos que respetarnos y reconocernos en cada uno de nuestros hermanos porque somos todos argentinos”. Mencionó también el logro de que “la mitad de los hogares” argentinos tiene internet, según el censo del 2010, y que hoy ese beneficio ya alcanza a 8.212.000 hogares. Destacó, asimismo, el crecimiento industrial y puso como ejemplo la presentación hecha hoy en la Casa Rosada de un nuevo modelo de cosechadora de alta tecnología fabricado en el país, así como la decisión de la empresa Sancor de asociarse a una compañía internacional para exportar leche maternizada. También mencionó que acababan de acercarle sus colaboradores las cifras del superávit comercial, que a febrero pasado alcanzaba 1.341 millones de dólares, lo que representa un 121 por ciento más que el mismo período del año anterior. Por otra parte, manifestó su satisfacción porque el secretario de Seguridad, Sergio Berni, le comunicó telefónicamente que ya se había levantado la protesta de habitantes de la Villa 31 porque firmaron un acuerdo con el Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires para que se restablezcan los micros que llevaban a niños de ese barrio a sus escuelas. Indicó que el gobierno porteño “se dio cuenta y rectificó” una medida y firmó el acta que, agregó, “esperemos que se cumpla, que no pase como nos pasó con el subte”. Esas personas que cortaban la autopista, dijo, “no es que quieren vivir en la villa; si pudieran vivirían en un barrio cerrado” y pidió que “terminemos con las estigmatizaciones que no nos hacen bien a los argentinos”. A continuación mencionó un artículo publicado hoy en el diario La Nación en el que se hacía referencia a los jóvenes militantes de La Cámpora y el Movimiento Evita, y dijo que cuando lo leyó “sentí un poco de desazón” . Indicó que en ese artículo periodístico “hablaba de una de las tantas organizaciones juveniles de nuestro espacio, en este caso, La Cámpora, que han elegido como objeto los monopolios”. Afirmó que “pasa una cosa rara: los de derecha dicen que somos marxistas, y los de la presunta izquierda dicen que somos de derecha: esto es el certificado perfecto de los peronistas”, puntualizó. Sostuvo que en ese artículo “había un cierto tufillo” en el que se tildaba al viceministro de Economía, Axel Kisillof de “marxista” y se mencionaba que su bisabuelo era rabino y era oriundo de Odessa. “Sentí cierto tufillo antisemita, una cosa de la derecha argentina, que siempre fue medio antisemita, además de ‘macartos’…las tienen todas, no les falta nada”, afirmó. “Eso –continuó- la verdad me suena a Mengele y ya no me gustó nada”, “me pareció muy nazi”. Señaló que en el mismo artículo se mencionaba a los dirigentes de La Cámpora con puestos legislativos o ejecutivos, y comparó el número de quienes ejercen esas funciones con el total de las personas que revisten en la actividad pública, e ironizó: “La verdad, van a tener que laburar un poco más para ser tan poderosos” como se dice en esa nota periodística. Dijo la Presidenta que esa parte del artículo “puede resultar graciosa” pero no otro párrafo donde se menciona que “esos jóvenes tienen el ‘gen’ de sus padres que eran montoneros”. Aseguró que a la hora de elegir a sus funcionarios “no les pregunto qué piensan en política o en religión, sino lo que pido es que tengan capacidad, contracción al trabajo y honestidad, que son los elementos básicos” no sólo para los dirigentes políticos sino “para todos, empresarios, periodistas, todos”. Afirmó que opiniones como las vertidas en esa nota “en otra época darían miedo, ahora dan pena” porque dicen que “se ‘adoctrina a jóvenes incautos, que se los intoxica con una falsa épica’” lo cual “me hace acordar lo que decía Videla, o ¿acaso no fue lo de los genes lo que fundamentó la doctrina de separar a los bebés y suprimir sus identidades?” cuando en la dictadura se secuestraba a bebés “Ellos deben saber bastante de eso, la verdad verdadera algún día se va a saber”, aseguró Cristina. También rechazó las críticas de la nota que dicen que los jóvenes militantes “berrean enojados desde las tribunas”, cuando en realidad, sostuvo la Presidenta, “no los he visto berrear, sino cantar con mucha alegría, creo que lo que les molesta es la alegría, que no estén enojados, porque si estuvieran enojados o hicieran cosas violentas, les sería más fácil estigmatizarlos”. “Yo los veo (a los jóvenes) construir, organizar”, agregó, y dijo que “ellos saben a quién desafían: desafían a quienes han destruido el país, a los que quieren monopolizar el uso de la palabra, a la concentración económica, a la miseria, a la desigualdad”. “Les digo a todos los chicos –siguió- que no se preocupen por las cosas que digan de ustedes desde los centros de emisión del poder que justificaron la represión y la tortura, que se quedaron con empresas: preocúpense si los alaban o si los ignoran”, aconsejó. “Ustedes –dijo a los jóvenes militantes- son una de las cosas más maravillosas”, que se incorporaron a un proyecto político “no por una ilusión, sino por lo que hemos construido desde el 2003”. “Por eso –continuó la Presidenta- los quiero mucho, les pido que sigan trabajando y participando, que vamos a seguir apoyando la cultura, la diversidad, la juventud que se organiza, participa, trabaja, canta y baila, se divierte”. “No sé dónde los querrán otros…los querrán fumando algo…, cuando uno de los mejores lugares donde pueden estar los chicos es en la política”, concluyó”. Entonces volvió a afirmar su propósito de crear “Artépolis” en el 2013 para inaugurarlo en coincidencia con el bicentenario de la Asamblea del Año XIII” en la ex sede del Correo Central, que se está refaccionando para convertirse en el Centro Cultural del Bicentenario”. Fuente Sala de Prensa: imagenes de Artepolis en facebook: dijo:dijo:@kiarasalem : Mantenerme expectante de todo, solo dar una opinión es demasiado depurado. Pero quienes trabajamos en cultura y no llevamos la bandera oficial tenemos que decir presentes de una u otra manera para contradecir y replantear el arte argentino[/quote] La sociedad del espectáculo y la mentira como herramienta política, o ¿Por qué arte y política deben ser fueros autónomos? En 1967, el filósofo Guy Debord publicó un libro que desde entonces se ha vuelto un clásico del análisis sociológico y politológico: La sociedad del espectáculo. En él, Debord presenta al espectáculo como la "relación social entre la gente que es mediada por imágenes" y sostiene que "todo lo que una vez fue vivido directamente se ha convertido en una mera representación". En otras palabras, creemos y decidimos según lo que los espectáculos de turno, omniabarcantes, nos mandan. Al tratarse de una relación, el espectáculo no es sino un artificio, que se convierte en un medio muy eficiente para la enajenación y la dominación política. Ese poder se debe por un lado a la importancia natural que tiene la estimulación estética, así como a la necesidad de diversión en medio de atmósferas asfixiantes; y, por el otro, al fetichismo que el bien llamado "capitalismo avanzado" ha trasladado de la mercancía a los medios de comunicación, para moverse impunemente en la realidad siempre y cuando sepan jugar sus cartas en el de las apariencias que ellos mismos crean y controlan. Fondo y forma. ¿A qué puede deberse que la forma del espectáculo nos esté ocultando el fondo de la política? A que, en medio de la confusión generalizada en la que se sabe mover bien el capitalismo avanzado, hemos desatendido la función crítica (delimitadora) de nuestra razón. En concreto, esto quiere decir que con tanta postmodernidad nos hemos quedado desprovistos de criterios diferenciadores entre el ámbito del arte y el de la política; con la consecuencia de perder la bien ganada autonomía del arte, a la vez que se abren de par en par las puertas para la mentira como herramienta política. En el arte, como en los sueños, sucede que no hay problema alguno en confundir lo real y lo imaginario, así como lo verdadero y lo falso. Es más, de esa ambigüedad y esa indistinción surge precisamente la riqueza de la experiencia artística. Por ello mismo decía Borges que en el arte toda ambigüedad es una riqueza (Pierre Menard, autor del Quijote). Sin embargo, esa es la prerrogativa del arte, que en nuestra vida cotidiana estamos absurdamente trasladando al terreno de la política. En ese sentido, la "espectacularización" de la política es el resultado de un olvido y un descuido nada inocentes. Nada inocentes porque tanto quienes lucran de ello como todos los demás sabemos que nos resulta más fácil asumir que "la política es así, qué se le va a hacer", En una sociedad como la nuestra, donde cada uno "baila con su pañuelo" y "aprende" que es mejor no quejarse ni plantear alternativas, esa actitud naturalista, fácil pero sumamente dañina, obtiene viada. A partir de ello la política se reduce a un juego de mentiras y desmentimientos poco o nada fructífero con miras al bien común. En ese contexto, la política sólo es vista desde la miseria de lo útil, y el artificio escandaloso y el miedo se vuelven aliados inmejorables de aquel político que, a final de cuentas, sólo busca su propio beneficio, su utilidad. El panorama no es muy alentador, es cierto, pero creo que haríamos mal si pretendemos que el pensamiento gobierne de algún modo por sobre la técnica, el arte o la política. Estas son más inmediatas y ya están de regreso cuando el buho de Minerva recién alza el vuelo (Hegel). Todo filósofo acucioso sabe que la filosofía es necesariamente tardía. Aunque Platón pretendió que la dialéctica fuese como una inmensa garrocha, una que llegase justamente al nivel de las nubes para poder saltar por encima de todo y llegar al Origen desde el cual ordenarlo y dirigirlo todo, eso no fue más que un sueño dogmático del que nos terminó despertando Kant; una bonita visión, pero nada más. También lo fue la idea del compromiso coactante de la eticidad hegeliana heredada luego por Marx y por Sartre. La filosofía (como el arte) no estuvo nunca hecha para gobernar, sino, en todo caso, como apunta Nietzsche, para quejarse por lo que encuentra (cf. Los filósofos preplatónicos). Es con esa queja como puede producir algún efecto, aunque meramente indirecto y subjetivo. En ese sentido (y por favor sólo en ése, porque también es necesario distinguirles), la filosofía no deja de ser arte: los filósofos somos otros poetas que no dicen la verdad. Lo que nos queda, entonces, es quejarnos de la mala manera que es la nuestra (es decir, sin notas diplomáticas), para unir lo que creemos que debe unirse y separar lo que debe estar separado, para hacer evidente la complejidad de aquello que quiere simplificarse grosera y fácilmente con una careta bonita y feliz (nuestro impulso trágico), y así como quería Platón (Apología), seguir haciendo de tábanos en nuestra polis; y así como quería Nietzsche de sí mismo, poder quizá en manos de nuestros lectores ser dinamita. Así se conjugan arte y política, sin confundirlas.

El deseo nace del derrumbe acciones, conceptos, escritos Roberto Jacoby Por primera vez se reúnen proyectos, manifiestos, canciones, conversaciones y otros textos del artista y sociólogo argentino Roberto Jacoby. Este libro da cuenta de su participación en iniciativas tales como: el grupo Arte de los Medios, Be at Beat Beatles, Tucumán Arde, ka antirevista Sobre, el grupo de rock-pop Virus, las fiestas itinerantes del club Eros, microsociedades como Chacra99 y el Proyecto Venus, la revista ramona, Darkroom, La Castidad, la Brigada Argentina por Dilma y muchas otras experiencias colectivas que exploran la capacidad del arte de inventar nuevas formas de vida. Un ejercicio vital de autocrítica (que elude la rememoración heroica y desencaja cualquier estereotipo), en donde un panfleto puede devenir discurso amoroso y una canción pop, revelar una cita de Marx. Con la intención de reflejar este carácter in-disciplinario, la exposición se ha distribuido en diferentes espacios que representan fragmentariamente alguna de las facetas, momentos y modos de producción de la obra de Jacoby. El Espacio Uno está dividido en dos apartados: Vivir aquí, reconstrucción realizada en colaboración con otros tres artistas (Marina Caro, Mariela Scafati y Daniel Joglar) de la acción inserta en la Semana de Happening de 1965, consistente en el traslado a la galería de los elementos de su vivienda-taller; 1968 el culo te abrocho* (2008) contiene impresiones del busto de Marx intervenido y una ambientación musical del grupo Virus, demostrando diversos modelos de politización que van desde la interpretación a la insubordinación corporal. En la Sala de Bóvedas se sitúa Darkroom (2005), una serie de registros de vídeo de la performance homónima desarrollada para un solo espectador en completa oscuridad, únicamente visible gracias a una cámara de visión nocturna. La castidad (2006-2007) es un vídeo que reconstruye en estilo fictiomental el contrato de convivencia casta que mantuvo durante un año con el artista Syd Krochmalny. En la Sala de Protocolo se encuentra el Gabinete de curiosidades, compuesto por diversa parafernalia procedente de sus acciones que reproduce conscientemente, las condiciones de distanciamiento, sacralización y fetichismo del documento exhibido. También está disponible en consulta un archivo digital de su trabajo. La obra de Jacoby, en conjunto, plantea un entorno complejo en el que las normas aceptadas se disuelven generando espacios en los que el vínculo con lo social es inevitable. Esa constante fluctuación entre lo propio y lo colectivo ha desembocado en la generación de redes tanto dentro como fuera del sistema del arte. Evidencia de ello son los diferentes proyectos que ha realizado desde los ’90 hasta hoy, en los que la colaboración y producción de redes es esencial, como Chacra (1999), Proyecto Venus (2000-2006) o la fundamental revista argentina de arte contemporáneo ramona (2000-2010). La polémica en torno a su participación en la Bienal de Sao Paulo de 2010, con una oficina de propaganda electoral no oficial organizada por varios artistas argentinos que apoyaba a uno de los candidatos en la elecciones brasileñas, atestigua la vitalidad y actualidad de su trabajo. El deseo nace del derrumbe Roberto Jacoby acciones, conceptos, escritos Ana Longoni Año de edición: 2011 Lugar: Barcelona ISBN: 8493814274 Precio: $ 198.- Índice: Introducción Experimentos en las inmediaciones del arte y la política.Por Ana Longoni/ La historia de este libro/ Instrucciones de uso Parte 1. La continuación del arte por otros medios (1966-1969)/ Conversaciones/ Desmaterialización, diseminación, intertextualidad/ Documentos/ Maqueta de una obra/ Catálogo de un environment/ Un arte de los medios de comunicación (manifiesto)/ Rescate del azar/ Primera audición de obras creadas con lenguaje oral/ Libro de arte o Museo sin paredes/ Manifestación: una obra de arte de los medios/ Un arte de los medios de comunicación (realización de la primera obra)/ Contra el happening/ Circuitos informacionales cerrados/ Tiempo de cine y tv/ Parámetros (homenaje a John Cage)/ Circuito automático (obra n° 1 para circuito telefónico)/ Central de control electrónico de estimulación ambiental/ Teleparticipación (un nuevo tipo de programa televisivo)/ Multivisión/ Libro-objeto/ Las experiencias en nuestro país/ Poética oral con medios magnetofónicos Parte 2. Nuevos conceptos de vida (1968-1975)/ Conversaciones/ Un arte posrevolucionario/ Documentos/ Mensaje en el Di Tella/ Tucumán Arde/ Declaración de Buenos Aires/ La nueva vanguardia cultural argentina/ Límites de lo legal/ Cultura subversiva: un manifiesto/ Balance, perspectivas/ Una vidriera de la burguesía industrial/ El Di Tella/ Intenso y poético experimento de comunicación política y estética/ Cámpora comprometió su apoyo al proyecto de una cultura nacional/ Sobre teatro popular latinoamericano/ Córdoba, 29 y 30 de mayo de 1969/ El avance sindical Parte 3. Teorías de la guerra, estrategias de la alegría (1975-1989)/ Conversaciones/ Entre el terror y la fiesta/ Documentos/ El asalto al cielo/ Sobre Ricardo Carreira/ La Vieja Loca y el coronel Militar/ Wadu-wadu/ Recrudece/ Hay que salir del agujero interior/ Pablo Suárez: machos, mechas y calisuarez/ Vida en episodios con subtítulos de película muda/ Presentación de Los hechos armados/ Vivir en un campo de concentración/ Internos/ Locura/ ¿Fracasó la dictadura?/ Efectos ideológicos de la dictadura militar/ Sacando la cabeza del pantano/ Chicos de sociología/ Revolución con sex appeal/ El deseo nace del derrumbe/ Notas dispersas sobre la cultura del rock/ El sonido, la imagen y la furia/ Imágenes paganas/ Rayuela/ ¡Mira cómo tiemblo!/ Una exploración sobre el miedo en la sociedad argentina/ Las herejías de León Ferrari/ Superficies de placer/ Tímida total/ Los 60: historia guacha y mito zonzo/ Diario/ Atahualpa y un panqui y Un país sin arte es un país que no existe (historietas)/ Parte 4. Cuestiones de amor y de muerte (1989-1998)/ Conversaciones. Algo tiene que ocurrir/ Documentos/ Despedida nocturna 340 Orgía/ Hacer obras sin mercado/ Arte y moda con Fabulous Nobodies/ Ricardo Carreira: un mito secreto, insoportable y ocultado/ El chiste y su relación con lo moderno/ Yo tengo sida/ Los culos de las estatuas/ Un "cóctel" para festejar/ Prólogo a Un año sin amor/ Año Nuevo en Varsovia Parte 5. Tecnologías de la amistad (1998-2010)/ Conversaciones/ Comunidades experimentales/ Documentos/ Proyecto Bola de Nieve o cómo crecer barranca abajo en épocas heladas/ Chacra99 Venus: moneda del deseo/ 1999: Arte y futuro/ La alegría como estrategia/ ramona/ 31 de diciembre de 1976/ Informe sobre el Proyecto Venus/ Arte Rosa Light y Arte Rosa Luxemburgo/ Sociedades experimentales/ Internarse en una situación mínima pero inolvidable/ Comunidades experimentales: archipiélagos en el océano de lo real/ La Castidad/ Otra vez arte y política: ¡Cristina lo hizo! Adriana hidalgo editora http://www.adrianahidalgo.com/detallelibro.php?ID=328 Roberto Jacoby Ciudadano alemán nacido en Buenos Aires en 1944, explora con ardor campos diversos bajo formas búdicas de inacción: la canción, la fiesta, los medios, las redes, la investigación sociopolítica. Actuó en el ámbito del Instituto Di Tella, participó de Tucumán Arde y Club Eros. Escribió letras para el grupo pop Virus. Es promotor de la revista ramona y el proyecto Venus. En sus diferentes reencarnaciones recibió acusaciones de vanguardismo, hedonismo, ligereza, acaso con razón. En años recientes la crítica resolvió considerarlo un iniciador del arte conceptual en el mundo. Publicó Orgía (2001, Belleza y Felicidad). Recibió la beca Guggenheim en 2002. Actualmente trabaja en un Laboratorio de la Oscuridad. “Quiero causar equívocos sobre qué es y no es arte” Clave en la escena cultural local desde los 60, el artista Roberto Jacoby no deja de provocar. Generó polémica en la Bienal de San Pablo. El Museo Reina Sofía de España expuso su obra. Hoy se presenta un libro con sus textos. Roberto Jacoby (1944) lleva casi cincuenta años de trabajo ampliando la idea lo que se entiende por arte. Su obra, vasta y heterogénea, difícil de exponer en galerías o museos por su carácter performático y colaborativo, tuvo su reconocimiento con la muestra retrospectiva que le dedicó este año el Museo Reina Sofìa, de Madrid. Jacoby se inició en tiempos del happening : participó de la muestra Homenaje a Vietnam (1966), integró ese año el Grupo Arte de los Medios, que construyó y difundió mediáticamente acciones artísticas que no tuvieron lugar, intervino en las actividades del Di Tella y en la realización colectiva Tucumán Arde (1968). Durante los años ’80 escribió canciones para el grupo Virus y produjo espectáculos en salas y discotecas. En el 2000 creó la revista de arte ramona y desarrolló el Proyecto Venus – una sociedad que funcionaba con su propia moneda –, por el que recibió la beca Guggenheim. Recién durante el 2001 hizo su primera muestra individual. El alma nunca piensa sin imagen , la intervención colectiva que propuso en 2010 a la Bienal de San Pablo – el rostro amistoso y atractivo de la entonces candidata a la presidencia Dilma Rousseff frente al gesto agrio de José Serra, su opositor socialdemócrata –, fue censurada por los propios curadores de la Bienal. Escritor prolífico, con el título de El deseo nace del derrumbe , acaba de publicarse por Adriana Hidalgo una amplia selección de sus textos, luego de una vasta investigación coordinada por Ana Longoni. Hoy, a las 19, los escritores Ricardo Piglia y María Moreno presentarán el libro en la Biblioteca Nacional. -Siempre trabajaste a favor de la confluencia entre el arte y los sistemas de comunicación; sin embargo, la comunicación no parece haber facilitado la circulación de tu obra. -Creo que hasta ahora mi trabajo tuvo una lectura fragmentaria debido a la multiplicidad de campos en los que actué. Mi producción no deja de circular, aunque lo hace en cada uno de esos campos por separado. Ahora bien, mi nombre no se asocia a esas intervenciones porque casi nunca operé como “autor” individual sino a través de grupos y colectivos. La autoría difusa fue para mí una elección estética. En ocasiones esa invisibilidad me dificulta lograr aceptación para nuevos proyectos. El nombre de autor sigue siendo decisivo en el valor que la sociedad otorga a una obra. En mi caso, esta situación se está modificando. La muestra en el Museo Reina Sofía y el libro El deseo… comienzan a facilitar una recepción conjunta de mi trabajo como un “cuerpo de obra”. -La economía es una preocupación muy presente en tu obra. ¿Cómo pensar hoy su interferencia con la creación de sentido en el arte? -La producción artística es la única que puede adquirir un valor inconmensurable, como si un artista tuviera el poder de imprimir dinero de curso universal. El proyecto Venus, una micro sociedad que funcionó desde 2002 a 2006 y emitía su moneda propia, era posible entenderlo como un comentario sobre esa propiedad particular. Los “venusinos” intercambiaban bienes y servicios por medio de esta moneda, mantenían su lazo social a través de lo que llamamos “tecnologías de la amistad”. Esa reciprocidad distraída que es la amistad es un rasgo de muchas iniciativas artísticas tales como Belleza y Felicidad, Tu rito, ramona, Bola de nieve y otros. Mi trabajo funcionó por fuera del mercado, en una versión naif de la “economía el don” enunciada por Marcel Mauss. Para las prácticas “no objetuales” no era fácil transmutarse en mercancías, pero en ésta época parte del sistema del arte orienta su interés hacia esas experiencias, generando cierto mercado para ellas. -¿Cuáles son hoy tus preocupaciones artísticas? -Seguir provocando equívocos sobre lo que es y no es “arte”. También me motoriza la posibilidad de afectar nuevos públicos, de crear “comunidad” a través de esta extraña actividad que se denomina “arte contemporáneo”. Y, sobre todo, me interesa el momento actual de la sociedad argentina y de los movimientos sociales que surgen, un poco por todas partes, como si los deseos de una democracia real fueran posibles de alcanzar. 'Se acabó la contemplación estetica porque la estetica se disuelve en la vida social'. Se acabó también la obra de arte, porque la vida y el planeta mismo empiezan a serlo. El futuro del arte se liga no a la creación de obras sino a la definicion de nuevos conceptos de vida, y el artista se convierte en el propagandista de estos conceptos. El 'arte' no tiene ninguna importancia. Es la vida la que cuenta. Es la historia de esos años que vienen. Es la creación de la obra colectiva más gigantesca de la historia: la conquista de la Tierra, de la libertad por el hombre. Roberto Jacoby, 1968. flickr Mueseo Reina Sofia España: http://www.flickr.com/photos/museoreinasofia/5491676096/in/photostream/ link: http://www.youtube.com/watch?v=YudRrRlvoJk Ricardo Piglia, escritor y novelista, habla de la obra del artista argentino Roberto Jacoby, en relación a la exposición "Roberto Jacoby, el deseo nace del derrumbe" (Museo Reina Sofía, 25 febrero al 30 mayo, 2011). La obra de Jacoby, explica Piglia, avanza la formación dos ideas clave a día de hoy: la constitución de redes y la noción de la inmaterialidad. Ambas ideas son ampliadas en la entrevista. Jacoby en el Reina Sofia Madrid En esta conversación entre Roberto Jacoby y Ana Longoni, artista y comisaria respectivamente de la muestra, se ha prestado especial atención a gran parte de la música que acompaña las intervenciones de Jacoby en el Museo. La conversación se detiene en las relaciones de Jacoby con la música rock (fue letrista del grupo argentino Virus), pensando ésta como un medio alternativo para materializar su discurso, pero también como una herramienta efectiva para desarrollar una política de lo personal centrada en la recuperación del entusiasmo en un contexto hostil. La obra de Jacoby subvierte distintas acepciones del arte de la performance y del happening, tal y como se conocen habitualmente. Desde la presentación de una acción fantasma a partir de la documentación mediática de ésta, a la descontextualización institucional de la acción. En este sentido, la acción no trata tanto de mostar los límites del arte, de sus lenguaje o de los centros en los que se distribuye, sino que busca reestructurar las relaciones personales dentro de una represión difícilmente comparable en magnitud y crueldad como es el de la dictadura argentina de los años 70. Partiendo de lo que ambos entrevistados denominan una estrategia de la alegría, el trabajo de Roberto Jacoby hace uso de las maniobras estéticas en el estrato más personal de la política. La exposición se construye desde el archivo de la producción del artista, tratando de reconstruir de una manera poética 1968, un 68 distinto y similar al europeo que tiene un protagonismo decisivo en la reordenación de la Colección del Museo Reina Sofía. En Buenos Aires, como en París, la negación de las estructuras de producción artísticas, tal y como venía establecida y el uso de la mesa de una bar como centro desde el que reconcebir la ciudad y sus micropolíticas, son evidentes. No por casualidad Jacoby describe en un momento dado su producción como una deriva. link: http://www.youtube.com/watch?v=F5EyZ2d1xRs Roberto Jacoby es un artista que, a partir de sus múltiples abandonos del arte, alimenta la práctica artística de posibilidades, momentos de tensión y nuevos agentes. Su trabajo se inicia en el ámbito del Instituto Di Tella y, en una serie de episodios radicales, deriva en Tucumán Arde (1968). Lejos de concluir aquí, su trayectoria posterior ha ensayado el trabajo con redes, con la memoria y sus activaciones (o aniquilaciones) en el archivo. "El deseo nace del derrumbe" es la exposición dedicada a Roberto Jacoby en el Museo Reina Sofía, del 25 de febrero al 20 de mayo de 2011. Roberto Jacoby en Los siete locos link: http://www.youtube.com/watch?v=HFGzyqbJOI0&feature=related el deseo nace del derrumbe (una reseña) “El deseo nace del derrumbe”, la retrospectiva sobre la obra de Roberto Jacoby que Ana Longoni organizó en el Museo Reina Sofía. Algunos más se sumarán a la partida. Ninguno tiene vinculación directa con “el campo del arte” pero todos han experimentado la potencia derivada de la articulación entre procedimientos estéticos e invenciones sociales, políticas o militantes. La imagen elegida para anunciar la muestra en el exterior del museo –una reproducción del ‘anti-afiche’ diseñado por Jacoby en 1969 con una imagen clásica de Ernesto Guevara y la leyenda «Un guerrillero no muere para que se lo cuelgue en la pared»- auguraban cierto grado de conexión –o, mejor, determinadas condiciones de recepción- entre la exposición y nuestro pequeño grupo. La muestra se organiza en tres espacios y comprende seis proyectos distintos. En un primer espacio, encontramos una recreación de la instalación Vivir Aquí de 1965 compuesta a partir un conjunto de elementos de su vivienda actual en Buenos Aires. Una operación de dislocación que funciona como mecanismo de legibilidad de las dinámicas de apertura relacional que insisten en los métodos de producción de Jacoby. También en este espacio se presentan las 28 imágenes de la obra 1968 el culo te abrocho. Una serie de documentos de las vanguardias políticas y artísticas de ese año intervenidos mediante frases sobreimpresas. Las relaciones entre los documentos y los fragmentos textuales son heterogéneas. Como instalando propensiones semánticas intensas pero difusas, forzando a la producción de sentidos sin resultados predeterminados. Un segundo espacio presenta dos video-instalaciones. Una de ellas está ligada a La Castidad, derivada del pacto de convivencia platónica que Syd Krochmalny y Roberto Jacoby sostuvieron durante un año en tanto experiencia de “comunismo molecular”. La segunda remite a Darkroom, que podría pensarse como una experiencia-límite en la producción de un régimen de sensibilidad: en la acción original un único espectador provisto de una cámara de rayos infrarrojos realizaba en la penumbra un registro fragmentario de los movimientos de ciertas presencias enigmáticas. Ambas video-instalaciones funcionan como operaciones de registro, que en su transmisión fragmentaria, nos permiten imaginar que las experiencias de las cuales derivan tuvieron como vectores constitutivos intensidades híbridas, en las cuales la dimensión estética operaba como un componente entre otros. La muestra se completa con un Archivo en uso que presenta en formato digital multimedia una inmensa cantidad de material documental sobre las actividades de Jacoby y con el Gabinete de Curiosidades que, de un modo casi arqueológico, presenta restos y huellas de diversas intervenciones. A medida que voy intentando responder a algunas preguntas “contextualizadoras” de mis amigos (¿Qué era el Instituto Di Tella? ¿Qué lugar tenía Virus en el rock latinoamericano de los 80? ¿Qué dimensión social/política/cultural tuvo el Cordobazo? Etc.) voy sintiendo que los elementos presentados en el gabinete operan como disparadores de reminiscencias. Son fragmentos que remiten a mundos. Conceptos como “tecnologías de la amistad”, “comunidades experimentales”, “biopolítica casera”, “estrategias de la alegría” pueden ser pensados entonces como elementos que dan cuenta de una apuesta por la invención –hecha de mil tramas y entrecruzamientos entre prácticas sociales, estéticas, teóricas, económicas, políticas, comunicacionales, etc.- de nuevas formas de vida. Invención de formas de vida que producen mundos. Los múltiples recorridos posibles de la exposición permiten experimentar –y posiblemente ese sea el mayor mérito del inmenso trabajo de Ana Longoni- “la intensidad de una vida”, la multiplicidad de las intensidades que la recorren, el punto abierto de entrecruzamiento de todas ellas que remite al nombre propio de Jacoby. Si el deseo nace del derrumbe es porque es intrínsecamente expansivo. No hay deseo que pueda persistir por demasiado tiempo en la solidez de las composiciones. Es en el lazo-por-venir que se juega su intensidad. Y es en ese punto que alguien puede decidir poner en juego, afectar sus recursos –intelectuales, estéticos, relacionales- en función de esta expansividad deseante. La exposición reseñada construyó la posibilidad de entrar en contacto con las huellas heterogéneas de este tipo de insistencia. La obra de Roberto Jacoby (Buenos Aires, 1944) se caracteriza por un constante tránsito por las áreas limítrofes de la producción artística. Desde sus primeros años como artista vinculado al famoso Instituto Di Tella, que desembocó en el mítico y revolucionario Tucumán Arde (1968), su obra se concibe como una ampliación continua de la noción de trabajo artístico. Entre otros desempeños, ha sido letrista del conocido grupo rock/glam Virus, ha estado vinculado a la sociología y a la teoría política y ha ejercido la crítica teatral y el periodismo para la prensa clandestina. Tal versatilidad ha complicado la exhibición sistemática de su obra, condición a la que esta exposición busca poner fin. Dossier de Roberto Facoby pdf. http://www.museoreinasofia.es/prensa/area-prensa/exposiciones-prensa/historico/2011/jacoby/dossier-jacoby2.pdf

artistas y experiencias link: http://www.youtube.com/watch?v=8N5xbLtokZY&feature=related “Experiencias ‘68” en el Instituto Di Tella, Oscar Bony exhibió en vivo a la familia de un obrero matricero (con su mujer y su hijo) contratado por el doble de su salario usual para que hicieran su vida cotidiana durante el horario de visita de la muestra. La familia era exhibida en vivo sobre la tarima de una sala de exposiciones. La polémica no tardó en iniciarse dado las connotaciones políticas, económicas y sociales que se creyó encontrar en la obra. Así grupos de derecha consideraron que la exhibición ofendía sentimientos religiosos al representar una parodia de la Sagrada Familia. Pero también resultó ofensiva para los grupos de izquierda o los gremios de trabajadores que no aceptaban se mostrara en vivo una familia de obreros, como una curiosidad. Sin descartar la carga ideológica que acompañó a la presentación de esta obra no debe desconocerse que la década de los “60 fue de experimentación para las artes en nuestro país, a la vez que se observaron signos de represión en lo político. El único interés aparente de Bony fue demostrar que podía contratar a la familia por un salario igual al que percibía el cabeza de familia en la fábrica. Pero entre uno y otro contrato existía una diferencia económica subyacente ya que, en su caso, el empresario se apoderaría de “la plusvalía”, que dentro de la teoría económica marxista comprendía la parte del salario del trabajador no remunerada. Todas estas especulaciones fueron el origen de polémicas que resultaron revulsivas para la época. No obstante insistimos y agregamos, que en un período de experimentación, el arte podía penetrar en las estructuras de lo político con un lenguaje propio: lo que no se podía hablar o escribir se podía expresar por medio de las técnicas de las artes plásticas adoptando entonces posiciones de denuncia inéditas. Curiosamente estas expresiones de rebeldía, estos intentos de un arte de denuncia o confrontación tenían lugar en un ámbito como el Instituto Di Tella, entidad privada que contaba con subvenciones de la Fundación Rockefeller para su funcionamiento. Anónimo - Buenos Aires, 2000. Formulación a partir de la obra de Bony afiche es parte de una intervencion urbana en la marcha 1 de mayo dia del trabajor en el año 2000 Aqui les dejo un Catalogo: "Oscar Bony. Fuera de la tirania de la imagen". de Rodrigo Alonso en Pdf. http://www.roalonso.net/es/pdf/arte_y_tec/bony.pdf Reseña: Oscar Bony (Posadas, Misiones, 1941-2002) fue un artista de vanguardia, pintor y fotógrafo argentino. Bony presentó su primera exposición individual, "Anatomías" , en 1964. Ese año fue invitado a participar en el prestigioso Premio Ver y Estimar, en el Museo Nacional de Bellas Artes. En la edición 1965 del mismo concurso obtuvo la Faja de Honor. La obra premiada "Organismo vivo" , era un extraño objeto blando que se expandía o reducía periódicamente, mientras emitía extraños sonidos, similares a los ronquidos humanos. Un año más tarde, en el Instituto Di Tella, presentó, "Fuera de las formas del cine" , cuatro cortometrajes filmados en 16 mm (blanco y negro, mudo). El conjunto ( El Paseo, El maquillaje, Clímax y El submarino amarillo ), centrado en cierta indagación sobre el tiempo, puede considerarse como un importante antecedente del videoarte en el país. En 1967 presenta "Sesenta metros cuadrados y su información" instalación (término que aún no había sido popularizado) que consistía en una pequeña sala, un proyector exhibiendo la imagen de una porción de alambre tejido, que también cubría el piso, acompañado de una voz grabada que describía al detalle el espacio delimitado, constituye una de las primeras obras conceptuales producidas en nuestro país. El hecho de la información detallada sobre un objeto -muy relevante en la obra- pero no muy llamativo y algo cotidiano, lleva a mirar más allá y estudiarlo con profundo detenimiento, buscando la atracción del objeto, el porqué de su descripción. Irónicamente, la sobre-información, logra transformar al alambre en un dato dudoso e impreciso. Una obra como "Pene"(1966), gigantesca escultura de un falo sentado sobre un inodoro, escandalizaba a la moral pública en un momento en que el gobierno regulaba hasta el uso de la vestimenta en las fiestas privadas. Y otra cuasi escultura como "Sinusoide" (1967), especie chillona de serpiente marina que entraba y salía del piso de la sala de exposición, desafiaba el rigor minimalista desde la alegría y la flexibilidad del pop. También en el Instituto Di Tella presenta su obra consagratoria La familia obrera (1968), una instalación que fue considerada subversiva y clausurada por la policía del régimen de facto de Juan Carlos Onganía; La obra consistía en la presentación en vivo de una auténtica familia, integrada por tres personas -padre, madre e hijo-, sentados sobre una tarima. El sentido de la obra se completaba con un pequeño letrero con los datos personales del jefe de la familia: Luis Ricardo Rodríguez, matricero de profesión, percibe el doble de lo que gana en su oficio por permanecer en exhibición con su mujer y su hijo durante la muestra . La obra clausurada fue recreada en 1998 en la Fundación Proa argentina, en Eslovenia y en el Museo de Artes de Houston. En 1977 se radica en Milán, donde logró un importante reconocimiento de la crítica. En 1988 regresó a la Argentina y siguió realizando muestras individuales y colectivas en el país y el exterior, entre ellas: Pared de ladrillo y cemento (CC Recoleta, 1993); De memoria (Fundación Banco Patricios, 1993); Objetos de amor y violencia (1994) que es el primer conjunto de obras "baleadas" de Bony (cuadros con vidrios astillados y planchas de plomo perforadas con disparos de armas de puño), como técnica se indica: "disparos de revólver Smith & Wesson 32 sobre blindex"; El límite (XLVI Biennale di Venecia, Italia, 1995), Fusilamientos y suicidios (Fundación Federico Klemm, 1996) integrado por fotografías de paisajes y cielos, de espacios suburbanos y autorretratos perforados a balazos.); En (1998) presentó en el Museo Nacional de Bellas Artes la serie "El triunfo de la muerte" (el título era una cita de William Blake). En estas obras, detrás de los cristales perforados, aparecía reiteradamente el autorretrato fotográfico del artista, indiferente ante la muerte, rodando por las escaleras, dando saltos o gritando. Un autorretrato, con múltiples perforaciones sobre el rostro, se titulaba "Finalmente, morimos"; Alguna vez Bony afirmó que su propia muerte le daba mucho miedo, que le aterraba la posibilidad de desaparecer físicamente. Por eso, según decía, quería hacer obras que permanecieran después de su muerte.

Reconstrucción del retrato de Pablo Míguez, Claudia Fontes, 1999-2009 Lo secuestraron cuando tenía 14 años. Al saber este tipo de datos me pregunto: ¿en qué están pensando aquellos que boquean cosas como "era una guerra", "fue una lucha contra los guerrilleros", "mirá que no eran ningunos santos, eh" y demás animaladas. Porque a ver, decime qué tan "guerrillero" podía ser un pibe de 14 años. O qué tan "no santo". O en qué guerra se secuestra gente -ya no importa la edad- y se los tortura hasta el cansancio o hasta la muerte, y se violan mujeres, y se secuestran bebés, y se roban bienes y pertenencias. Este nene estuvo detenido en la ESMA durante un mes. Después lo trasladaron, no se sabe adónde. Hoy continúa desaparecido. Lo que sigue es parte del testimonio de una compañera de detención. Gracias a Dios, ella sí pudo zafar con vida para contarnos esta historia, que es una manera de que Pablo no haya muerto tan en vano. "Cuando lo conocí, Pablo tenía 14 años pero no representaba más de doce con su carita de pibe travieso, sus pecas junto a la nariz, sus ojos de chispazos, su cuerpo esmirriado. Era tan chico, tan vivaz, aparecía tan indefenso en ese mundo alucinante, que no pocos guardias se conmovían por su presencia. Le habían puesto un “tabique” sobre los ojos que casi siempre usó como vincha y cada vez que podía se las arreglaba para salir de la cucheta, servir el mate cocido, leer una revista. En ese largo y fugaz mes que estuvimos juntos, Pablo me contó del Vesubio, de los presos trasladados desde allí, de su mamá, de quien no se despidió (”ella estaba en la cocina” ), de la esperanza de que lo llevaran con su padre, de su vida en el mundo de afuera –el colegio, la natación, los hermanos, la abuela, los primos y el turf–, de sus amores y sus miedos. Habíamos encontrado una forma para hablar sin que se notara y con los ojos cubiertos, cada uno tirado boca abajo en la cucheta o arrodillándonos contra el tabique de madera que nos separaba. Lo doblaba en años pero nos cuidábamos mutuamente. Yo intentaba protegerlo, sobre todo alguna noche que despertaba lloroso, “soñé con mi mamá”. El también intentaba protegerme: cuando me contó que lo habían picaneado y me descontrolé, se desesperó por tranquilizarme. "Tanto no me dolió”, decía. Mientras estuvo allí, nadie apareció haciéndose cargo de su caso. Eso lo angustiaba. No sabía quién era “dueño” de su vida, a quién rogarle su libertad. Se lo llevaron una tarde de fines de septiembre del 77. Yo venía del baño cuando en un instante vi que la puerta se cerraba tras él, que caminaba a ciegas, de la mano del jefe de guardia. Pensé que se trataba de algún trámite. Arriba, en “capuchita”, los otros presos me dijeron que no, que se lo habían llevado y que Pablo pedía verme. Quise creer entonces que lo liberarían. ¿Quién podía enviar a la muerte a un chico de 14 años? El día antes del Juicio a las Juntas, en Tribunales, alguien me dio un volante con su foto. “Pablo Míguez, desaparecido”, decía". Lila, sobreviviente de la ESMAFuente user @Tuqui1989 Reconstrucción del retrato de Pablo Míguez, Claudia Fontes, 1999-2009 La artista Claudia Fontes se planteó reconstruir el posible retrato de Pablo Míguez, un adolescente de catorce años secuestrado y desaparecido en 1977. La figura distante está de pie sobre el agua, en el Rio de La Plata, a unos setenta metros de la costa, brillando en colores espejados, reflejando, siempre imnóvil, los colores cambiantes de las corrientes acuáticas y los cambios de luz. El Parque de la Memoria abarca 14 hectáreas frente al Río de la Plata. En él se encuentra el Monumento a las Víctimas del Terrorismo de Estado y varias esculturas conmemorativas. Dicho monumento es un sendero-rampa con la forma de una herida gigantesca en el césped en dirección al río en donde están los nombres de cada uno de los desaparecidos y asesinados. Muchos de ellos fueron asesinados en los denominados vuelos de la muerte, mediante los cuales los detenidos-desaparecidos eran arrojados al río y al mar. El proyecto de Claudia Fontes, titulado “Reconstrucción del retrato de Pablo Míguez”, fue concebido específicamente para el lugar de su emplazamiento: el Río de la Plata, sitio donde fueron arrojadas muchas de las víctimas y referente simbólico del monumento. La obra propone una operación conceptual que articula la aparición/desaparición y se basa en el retrato de un individuo determinado, Pablo Míguez, un adolescente desaparecido. La elección de Míguez por parte de Fontes respondió a que ambos tendrían la misma edad, articulando una identificación concreta que se aleja de resoluciones alegóricas. Para la concreción conceptual y material de su proyecto, Fontes emprendió un trabajo de investigación que incluyó el contacto con la familia Míguez, entrevistas con sobrevivientes que compartieron el cautiverio en la ESMA con Pablo, un trabajo colectivo con niños en edad escolar y consultas con el Equipo Argentino de Antropología Forense que le permitieron sortear obstáculos técnicos en el proceso de reconstrucción del rostro del niño. Sin embargo, el trabajo minucioso de reconstrucción de los rasgos físicos de la figura no puede ser observado en detalle porque la pieza se encuentra emplazada “de espaldas” al espectador, a unos 70 metros de la costa. ¿Qué sentido tiene entonces la búsqueda de tanta precisión? La aspiración responde al deseo de captar la tensión que provoca una idea más allá de su materialización. Así lo expresa la artista: 'Me gusta creer que la imagen defintiva, la que me interesa comunicar como objeto de memoria, en tanto está cargada de la motivación e intención del trabajo, es visualmente inaccesible y se crea en la mente del espectador, mediante la evocación de su rastro (…) Para mí ésta es la representación de la condición del desaparecido: está presente, pero se nos está vedado verlo'. Ciertamente las marcas del discurso de Fontes no sólo expresan el andamiaje conceptual de su proyecto sino que revelan su toma de posición frente al concepto mismo de “memoria”, una práctica que adquiere sentido sólo a través del trabajo de todos los agentes involucrados. (texto de la Lic. Florencia Battiti). Las fotografías disponibles de Pablo Míguez no le proporcionaban a Fontes toda la información que ella consideraba necesaria para el modelado de la figura, por lo que realizó un trabajo colectivo con alumnos de una escuela platense. “A mí me interesaban varias cosas, recuperar la actitud corporal (…) y lo que aportaron estos chicos, que fue muy importante, es la energía de alguien de esa edad”, señaló Fontes. En la memoria descriptiva de la obra puede leerse, en palabras de Fontes: "Propongo reconstruir un posible retrato de Pablo Míguez a los catorce años, edad en la que fue secuestrado. Concibo la figura de tamaño real, de pie sobre el agua, de cara al horizonte. La escultura estaría vaciada en acero inoxidable, pulida espejo, de tal manera que refleje el color del agua del Río de la Plata en su superficie. Se ubicaría a aproximadamente 30 metros de la costa, sobre una plataforma flotante anclada al suelo del río, de tal manera que el oleaje le imprimiría un tenue balanceo. Desde la costa sería visible sólo de espaldas como una presencia a distancia que se descubre por los destellos de luz del sol que pueda reflejar. Tendría así la función metafórica de un faro, anticipándose a cualquier viajero desprevenido que decidiera desembarcar de este lado del río. Este es mi proyecto: nominal, explícito, particular, figurativo, descriptivo, personalizado, oportuno y puntual, fechado, anclado a una hora y lugar, y es en ese metro cuadrado de río donde puede adquirir significado. Participo en este concurso con este proyecto porque anhelo que al recordar que el día 12 de mayo de 1977 a las 3 de la mañana Pablo Míguez, de catorce años de edad, fue privado de su libertad y de su futuro, se mantenga en pie la verdad irreductible de que por lo menos esta tremenda injusticia sí tuvo y sigue teniendo lugar. Participo porque quisiera que nadie se atreviera a desvirtuarlo", concluye la artista. La obra se ubica en el Parque de la Memoria, Buenos Aires, Argentina. Claudia Fontes, su autora, así lo describe: «Propongo reconstruir un posible retrato de Pablo Míguez a los catorce años, edad en la que fue secuestrado. Concibo la figura de tamaño real, de pie sobre el agua, de cara al horizonte sosteniendo un megáfono. La escultura estaría vaciada en acero inoxidable, pulida espejo, de tal manera que refleje el color del agua del Río de la Plata en su superficie. Se ubicaría a aproximadamente 30 metros de la costa, sobre una plataforma flotante anclada al suelo del río, de tal manera que el oleaje le imprimiría un tenue balanceo. Desde la costa sería visible sólo de espaldas como una presencia a distancia que se descubre por los destellos de luz del sol que pueda reflejar. Tendría así la función metafórica de un faro, anticipándose a cualquier viajero desprevenido que decidiera desembarcar de este lado del río. Este es mi proyecto: nominal, explícito, particular, figurativo, descriptivo, personalizado, oportuno y puntual, fechado, anclado a una hora y lugar, y es en ese metro cuadrado de río donde puede adquirir significado. Participo en este concurso con este proyecto porque anhelo que al recordar que el día 12 de mayo de 1977 a las 3 de la mañana Pablo Míguez, de catorce años de edad, fue privado de su libertad y de su futuro, se mantenga en pie la verdad irreductible de que por lo menos esta tremenda injusticia sí tuvo y sigue teniendo lugar. Participo porque quisiera que nadie se atreviera a desvirtuarlo.» Claudia Fontes biografía Nació en Buenos Aires en 1964. Realizó estudios de pintura en la Escuela Nacional de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón de esa ciudad y de Historia de las Artes en la Universidad de Buenos Aires durante la época de transición de la dictadura a la democracia. Se entrenó como escultora practicando acrobacia con Luis Zembrosky y Osvaldo Bermúdez. Participó de la beca Taller de Barracas, Buenos Aires, en 1994 y 1995. Realizó una residencia de post grado en la Rijksakademie van beeldende kunsten en Amsterdam, Holanda durante el período 1996-1997. Obtuvo becas de perfeccionamiento profesional en Argentina (Fundación Antorchas) y en Holanda (Ministerio de Relaciones Exteriores Holandés/Cooperación y Desarrollo). Realizó exposiciones individuales en el I.C.I. (Instituto de Cooperación Iberoamericana), de Buenos Aires, en el Museo de Arte Moderno de la Ciudad de Buenos Aires, y en la galería de arte Luisa Pedrouzo. Su obra Reconstrucción del retrato de Pablo Míguez será emplazada sobre las aguas del Río de la Plata como parte del Parque de la Memoria, en la costanera norte de la ciudad de Buenos Aires. A través de su práctica artística se ha comprometido en el desarrollo y cuestionamiento de la comunidad artística en la que se inscribe su trabajo, no sólo a través de su obra individual, sino de manera comunitaria a través de distintos proyectos de estímulo y cooperación con sus pares, siendo el más importante Trama, del cual es responsable final y coordina desde su creación en 2000. Desde 2002 vive en Brighton, Inglaterra, y trabaja en Argentina. Comencé mi práctica artística a través de la escultura, tomando como punto de partida la relación corporal entre los objetos y el espectador y la construcción de un concepto a partir de la evidencia física del objeto. El material, la forma, el volumen, yel punto de equilibrio del objeto son elegidos en esta primera etapa como metáforas de una sensación física específica que evoco para representar cuestionamientos existenciales que me importan, en un intento por capturar el momento previo a que una situación en tensión se resuelva de manera irreversible. Paulatinamente surge en mi práctica la necesidad de tomar el proceso de transformación del material como parte constitutiva de la obra En 1996 y 1997 desarrollo el proyecto "Plan de Invasión a Holanda" durante un período de residencia en Amsterdam en la Rijksakademie van beeldende kunsten. El "Plan de invasión a Holanda" es un conjunto de acciones que funcionan entre sí con la estructura narrativa del cuento clásico: introducción, nudo y desenlace. Pertenecen a este grupo de acciones: A good wooden dog (un perro de madera que funcionó de señuelo para contactar colaboradores), The giving tree (un árbol tallado en madera que funcionó como objeto mágico) y About sinking (el hundimiento de un bote a manera de despedida). Mi llegada a Amsterdam, y la necesidad de apropiarme de un espacio de trabajo público para confrontar mis propias referencias culturales en este nuevo contexto, fueron la motivación inicial del proyecto. Coincidentemente, estas mismas motivaciones dieron impulso a mi regreso a Buenos Aires a la creación del programa Trama. En "Plan de invasión a Holanda" también me guió un particular interés por impulsar dentro de la realidad estructuras de sentido correspondientes a la ficción, poniendo en duda la identidad de ambas. En la instalación "Tres días antes" de 1999 aparece este impulso en tres piezas que exploran distintos niveles de representación de una misma inquietud existencial. Finalmente, "Plan de invasión a Holanda" también fue guiado por una creciente necesidad personal de acortar la distancia emocional con el espectador, para involucrar activamente su visión del mundo en el proceso creativo, otorgándole a esta relación emotiva un sentido de verdad irreductible. Esta necesidad me guió también en años posteriores a realizar "Reconstrucción del retrato de Pablo Míguez", proyecto escultórico de reconstrucción de la imagen de Pablo Míguez, niño detenido desaparecido durante la última dictadura militar en Argentina, dedicado a su padre sobreviviente, Juan Carlos Míguez. Las tres líneas de trabajo aquí expuestas son las que atraviesan el cuerpo de mi obra. Proyectos ganadores es el Retrato de Pablo Míguez, una fundición de acero inoxidable de 1,60 x 0,50 x 0,70 m

Una nueva economía cultural El festival Ars Electrónica de este año llevaba como título “Una nueva economía cultural” y como subtítulo “Los límites de la propiedad intelectual” (la versión alemana era aún más explícita: “cuando la propiedad llega a sus límites”). En cualquier caso, estas ideas, que enmarcaron algunos seminarios y conferencias, conceden total protagonismo a dos de los temas más discutidos durante los últimos meses tanto en ámbitos culturales como en otros puramente monetarios. Por un lado, cuál es la mejor forma para defender los derechos de los creadores sin limitar la creatividad. Por otro, cómo debe ser la industria de la cultura para que dé los mayores beneficios sin convertir la cultura en un objeto de consumo -de lujo- más. Thomas Macho, en su ponencia “La autopista que todos seguimos; robo: una historia exitosa aún en marcha” (“The Highroad which Everyone Follows. Theft: An Ongoing Sucess Story“), quiso aclarar que los derechos de propiedad intelectual se crearon no sólo para defender al autor económicamente, sino también artísticamente. Dicho de otra manera: de la industria, no del público. De hecho, abundan los ejemplos en la historia del arte y de la literatura en la que no podemos estar seguros de si las obras que nos han llegado son realmente las que crearon sus autores. Los más abundantes son quizás los de libros a partir del uso de la imprenta, existiendo obras con múltiples versiones con variaciones que dependían generalmente de los intereses del editor. Sin embargo, casos similares llegan prácticamente a nuestros días y el cine ha sido una de las víctimas más frecuentes. Al fin y al cabo, no hay nada más fácil que cortar algunas escenas… El propio Hitchcock, que después se afanaría por defender su autoría hasta donde la situación del momento le permitía (el famoso “Hitchcock presenta…” que introduce sus obras), relataba cómo un productor de la RKO mandó cortar tantas escenas de la película Suspicion (1941) que el metraje se quedó en 55 minutos y todo porque cronsideraba que daban a Cary Grant imagen de asesino. Sean quienes sean los enemigos a combatir de quien crea una obra de arte, de lo que creo que no cabe ninguna duda es de quién es su mayor aliado: la libertad creativa. Acabo de comentar que la falta de derechos de los autores provoca que haya varias versiones de libros de autores clásicos como Cervantes y que sea difícil determinar qué salió exactamente de la pluma del escritor. Es decir, tenemos varias versiones de las mismas obras. Además, el propio Cervantes, por seguir con el ejemplo, solía tomarse la libertad de copiar fragmentos de otras obras y textos como El Quijote se pueden interpretar, como todas las obras de la época, como un refrito, en este caso muy bien elaborado. Esto se debe en buena parte a cómo se entendía entonces la creatividad: siempre partiendo de modelos y con el concepto mágico de la “reelaboración”. Ningún creador de entonces se avergonzaría de haberse inspirado en otras obras, sino más bien al contrario. La clave estaba en elegir bien a los maestros y en ser capaces de aprender (imitar) sus técnicas. En otra de las ponencias del AE (“Agorafobia cultural”), James Boyle afirma que el Internet no existiría si se tuviera que desarrollar ahora o, lo que es lo mismo, no se hubiera desarrollado nunca si los gobiernos hubieran sabido anticipar la liberta que conllevaba. Quizá se pueda decir lo mismo en el plano artístico: ninguna de las obras clásicas podrían realizarse en la actualidad, por lo menos no sin terminar en los juzgados. La libertad creativa se ve coartada por las limitaciones que impone la rentabilización de las obras. No me extraña en absoluto que Michael Tienmann eligiera la música en su ponencia “Música, Software y cultura sostenible” para proponer un paradigma de la propiedad y del arte diferente que tenga en cuenta que el arte necesita poder utilizar los materiales existentes para evolucionar. Y digo que no me extraña porque creo que, en realidad y le pese a quien le pese, este nuevo paradigma lleva ya años en práctica. Tienmann realiza una bonito símil a partir de la relación entre las palabras cult-ura y cult-ivo, de origen evidentemente compartido. Lo que se cultiva es la tierra y la tierra tiene un dueño… Por lo que parece evidente la necesidad del concepto de propiedad. Sin embargo, también incorpora otro concepto de la agricultura: la sostenibilidad. Si sólo se recogen cosechas sin sembrar, la tierra muere. La tierra muerta se puede disfrazar con productos químicos, pero el sabor y demás cualidades de sus frutos traicionarán su auténtico estado. Michael Tienmann se fija en el mundo de la informática y de Internet para evitar que la tierra de la música muera. Más concretamente, en el software libre, en el open source y en las licencias Creative Commons. El nacimiento de nuevas creaciones no puede ser un obstáculo para las creaciones futuras. Hasta el año 1909 (desde el 1790), el derecho de copyright sobre una obra en los Estados Unidos duraba 14 años; hasta el 1976, eran 28 años; hasta el 1998, 75 años o 50 años a partir de la muerte del/a autor/a; a partir de entonces y hasta ahora, 95 o 120 años (dependiendo del estado) o 70 años tras la muerte del/a autor/a. Ahora un músico estrena una creación y lo único que importa es si fue el primero en usar uno de los versos. Tenemos que decidir si queremos que las creaciones del presente sean abono o jaulas para lxs futurxs artistas, pero quizá antes se debería concretar si preferimos que esa decisión la tomemos quienes creamos o quienes manejan nuestras cuentas bancarias. a raíz de algunas ponencias en el último Ars Electronica, el posible nacimiento -o la posible necesidad- de una nueva economía cultual. Soy consciente de que el tema es complicado y admite multitud de matices, lo que no quita para que sea una cuestión crucial para el actual y futuro desarrollo del mundo artístico. Por este motivo, he pensado que puede ser interesante que conozcamos lo que opinamos cada unx sobre ello de forma que nos podamos hacer una idea de cual es el sentir general. Lo he intentado resumir en tan sólo una pregunta y cuatro posibilidades: ¿Tiene sentido el copyright en el arte? 1: No, debería ser sustituido por licencias abiertas tipo "open source" o "creative commons". 2: No, propiedad intelectual y arte son incompatibles. 3: Sí, pero debería ser más flexible. 4: Sí, cumple su función. Así van las encuestas

Panorama artistico Argentino Cuando el arte ataca A mediados de los años ’60, un movimiento artístico recorrió América latina como una revolución. El conceptualismo se adaptó a cada lugar: el Di Tella en Argentina, los Grupos en México, el CADA en Chile, etc. Pero la revolución no era sólo estética: en él convergieron el arte, la educación, la poesía y la política. Ese mapa es el que traza el artista, docente y curador Luis Camnitzer en su reciente Didáctica de la Liberación: el de un movimiento que, más allá de fronteras formales, buscó los modos de “empoderar” al público como herramienta de cambio. Luis Camnitzer no necesita demasiada presentación: el prominente artista, docente y curador nacido en Montevideo en 1937 (actualmente residente en Nueva York) es bien conocido en la escena artística regional por el trabajo que ha llevado adelante a lo largo de cinco décadas, desde su inicial participación en el movimiento conceptual, tanto en Uruguay como en Estados Unidos, hasta proyectos curatoriales e intervenciones críticas muy relevantes para el arte de los últimos quince años. Camnitzer pasó por Buenos Aires para presentar su último libro, Didáctica de la Liberación, un multifacético ensayo sobre el conceptualismo latinoamericano. A lo largo de quinientas y tantas páginas, el libro cumple con el ambicioso proyecto de ofrecer una lectura cultural (en sentido amplio) del movimiento artístico que, promediando los ‘60, atravesó el subcontinente como una ráfaga de innovación estética y proyección política. Un movimiento muy glosado en cada contexto nacional (el Di Tella en Argentina, los Grupos en México, el CADA en Chile, etc.) pero pocas veces leído como un conjunto dinámico de prácticas, cargado de los intercambios complejos con cada idiosincrasia cultural. Generoso en hipótesis arriesgadas, Camnitzer dedica su frondosa capacidad de análisis no sólo a reconstruir los orígenes del gran estallido que implicó el conceptualismo en Latinoamérica, cuestionando e impugnando las presuntas filiaciones con el arte de los países centrales, sino también a poner en claro los vínculos sutiles con la cultura latinoamericana entendida como un todo cargado de elementos utópicos y disruptivos. Ya desde su título, esta “historia cultural-intelectual” hace énfasis en la importancia de situar al conceptualismo sobre el mismo eje que la pedagogía del oprimido, la Teología de la Liberación y muchas otras corrientes que, socavando los límites de sus respectivas disciplinas, se encargaron de la realidad latinoamericana como problema. Ejemplo de ello es el capítulo inicial (e imprevisible) dedicado al pedagogo colombiano Simón Rodríguez, quien fue tutor de Simón Bolívar a fines del siglo XVIII y, en las primeras décadas del 1800, escribió abundantemente sobre el papel de la educación en la sociedad republicana, en libros extraños caracterizados por el uso enfático y original de tipografías y cajas de texto, precedentes legítimos tanto de los caligramas y la poesía visual como de la estética del arte correo y los libros de artista de 1970. La obra curiosa de Rodríguez aparece como una inicial (e ignorada) confluencia de compromiso social y construcción de cultura, que será recurrente en los sucesivos análisis y dará el tono del libro. Que Rodríguez no haya sido un artista, que no haya sido hasta hoy leído como artista, es lo de menos: desde el punto de vista de Camnitzer, lo que importa es que “en América latina, el arte, la educación, la poesía y la política convergen, y lo hacen por motivos enraizados en la propia América latina”. De este modo el libro inscribe un conjunto de fenómenos que tuvieron lugar en la coyuntura artística regional desde mediados del siglo pasado en el cauce de la historia del pensamiento latinoamericano, lo que obliga a una muy nutrida revisión de fuentes y a la definición antagónica del conceptualismo latinoamericano como un movimiento preocupado por el contexto social y político, en oposición al “arte conceptual” anglosajón. “El conceptualismo aquí se caracterizó por la asunción de un conjunto de problemas políticos, que tienen que ver con el contenido de las obras de arte. Esto no es lo que ocurrió en Estados Unidos, donde la palabra clave fue desmaterialización, un término de sentido eminentemente formal”. Según Camnitzer, las investigaciones sobre la naturaleza del lenguaje del arte de Joseph Kosuth y otros conocidos artistas de vanguardia de Nueva York y Londres derivó en una “teología conceptual”, caracterizada por una serie de discusiones endógenas al campo artístico, sin contacto con el mundo exterior. Pero para entender el conceptualismo latinoamericano, las referencias no deben buscarse en esa biblioteca de artistas internacionales, sino en la propia realidad cultural de nuestra región, por fuera del marco de cualquier disciplina. “No me interesa el arte como cosa especializada sino como metodología del conocimiento. Como cosa especializada, el arte no es más que una artesanía, utilice los medios que utilice”. En este pasaje de la forma al contenido, el conceptualismo latinoamericano integró el uso de herramientas inéditas con el objetivo de hacer circular mensajes en determinados contextos. En el trabajo de Camnitzer los poemas pedagógicos (¿o pedagogía en versos?) de Simón Rodríguez conviven con el trabajo sobre circuitos de información de Cildo Meireles, la poesía de Cecilia Vicuña y la obra de Camilo Torres. Para Camnitzer, lo que debe rescatarse de estas prácticas no es tanto su carácter novedoso (en términos de originalidad) ni su “rupturismo” con respecto a una tradición, sino el modo en que apuntaron positivamente al “empoderamiento del público” como una herramienta de cambio. “El arte tiene que ver con resolver problemas. Cuando encuentro un problema, puedo pensar en elegir los medios adecuados para resolverlo. No antes. No veo ninguna razón para preferir un medio por sobre otro. Por eso no entiendo bien qué se dice cuando alguien le pregunta a un artista qué hace y el artista dice yo pinto, yo hago fotografía. Lo que está diciendo no es qué hace sino cómo lo hace. Sería como si yo dijera yo escribo libros, una total generalidad, cuando en verdad escribí este libro por una serie de razones muy específicas y particulares.” Didáctica de la Liberación analiza el modo en que distintas prácticas artísticas construyeron estrategias de comunicación para contextos específicos. En este punto (y sin desmedro de las valiosísimas páginas dedicadas a clásicos como Hélio Oiticica y Alfredo Jaar) es destacable que se destine un importante capítulo a la historia y el análisis de las acciones de los Tupamaros. No sólo por la originalidad de encontrar a una guerrilla en un libro de historia del arte. Amén de su importancia en el cuadro general de la lucha armada en América latina, los Tupamaros constituyen un provocativo caso de estudio para una revisión del vínculo entre estrategias estéticas y motivaciones políticas en su modus operandi. “A diferencia de otras guerrillas, los Tupamaros se arrogaban un rol de catalizador del cambio social y, en un sentido preciso, no buscaban la conquista del poder sino despertar a las masas, ponerlas en un movimiento consciente.” Para lograrlo, recurrían tanto a los afiches y la publicidad como a manifestaciones cercanas al happening y el teatro. Con la propaganda como objetivo central, Camnitzer sitúa los míticos operativos de los Tupamaros en línea con las experiencias del movimiento estudiantil mexicano, el EPS Huayco del Perú o las acciones de Tucumán Arde, en las cuales los medios estéticos se subordinaban a la agitación política. En este sentido, no importa tanto la reinvención del canon del arte latinoamericano que acomete Camnitzer como su convicción fundamental de que la imaginación es un proceso colectivo, pues “la cultura es algo anónimo”. Uno de los logros más meritorios del libro, en este sentido, es el de borrar las fronteras entre prácticas y estilos tradicionalmente considerados irreconciliables, como son el movimiento abstracto, el realismo en todas sus formulaciones a lo largo del siglo XX y el conceptualismo que vino a heredarlos. Según Camnitzer, la distribución de estos tres campos como cajones incomunicados oculta los núcleos subyacentes de afinidad política y proyectual entre artistas tan distantes formalmente como Joaquín Torres-García, Diego Rivera y León Ferrari. Doblando la apuesta, el autor incluso le reconoce su parte al realismo socialista soviético que, en plena Guerra Fría, se había convertido en el demonio del arte occidental: “Dejando de lado el paternalismo y las concesiones demagógicas que convirtieron al realismo socialista en una cháchara infantil, uno podría encontrar en él una buena plataforma para el conceptualismo latinoamericano”. Con una capacidad extraordinaria para reponer referencias y matices, el libro indexa un impresionante arco de tradiciones por fuera de cualquier tipo de esquema, señalando las peculiaridades de cada región y su clima epocal, así como las estrategias adoptadas por los artistas: las tensiones entre una estética de ruptura y el intento de generar un arte popular que acarreó el conceptualismo en México, en relación con la herencia del muralismo y la gráfica popular, o bien el tardío caso chileno, marcado por los cruces con la poesía y las negociaciones permanentes con la censura pinochetista, son dos ejemplos del enfoque cercano, complejo y al mismo tiempo desafiante que ofrece el libro, en el cual el arte latinoamericano de los últimos cincuenta años no es tanto un argumento para el juego doctoral como la excusa para una experiencia inmersiva en la cultura de América latina.

¿Hasta dónde crees que pueda llegar la maldad de algunos? Con episodios inimaginables, que parecerían ficción, la historia de crímenes se va desarrollando. La realidad de los asesinos en serie sale a la luz y nos deja perplejos. Tal como las historias de estas mujeres, de quienes sus expedientes están llenos de maldad. ¿Quiénes son y qué hicieron? Con información del sitio web Urbantitan.com, éstas son las mujeres más malas de la historia, las verdaderas mujeres asesinas. Mujeres asesinas Tops 10 1. Katherine Knight. Acabas de leer el nombre de la única mujer que tiene cadena perpetua en Australia. Desde el año 2000, Katherine se encuentra recluida, acusada de asesinato. Pero no cualquier tipo de asesinato, a la australiana se le compara con Hannibal Lecter. La historia de violencia comienza desde el primer matrimonio que tuvo, donde trató de estrangular a su marido, porque se quedó dormido después de tener sexo en la noche de bodas. En su segunda relación amorosa, los celos la dominaron y mató, cortándole el cuello, al perro de su pareja para demostrarle de lo que sería capaz. Esa relación acabó, se vio involucrada en una más, la última. Katherine ahora estaba con John Price, quien no se imaginaba que su compañera sentimental acabaría con su vida. La noche del 29 de febrero del 2000, la mujer tomó un cuchillo de carnicero y apuñaló 37 veces a su "amor"; a John no le dio tiempo ni de correr. Katherine nunca explicó las causas que la llevaron a cometer el sangriento asesinato, pero tiene un amplio historial psiquiátrico, aunque según los estudios, estaba lúcida cuando mató. El blog Thewomanwhokil anunció también que su abogado ha solicitado una revisión del caso para que le quiten la cadena perpetua. 2. Elizabeth Bathory. Aristócrata, pertenecía a una de las familias húngaras más poderosas. Vivió de 1560 a 1614, y fue conocida como "La Condesa Sangrienta". A ella se le atribuyen 616 asesinatos de mujeres, lo que la hace llevarse el récord mundial de asesinatos seriales que ha hecho una mujer, explica Helektron.com. Todo inició cuando tomó a sus doncellas y las forzaba a tener relaciones sexuales con ella, luego les clavaba alfileres para que ellas sufrieran y ella se divirtiera. Su obsesión por hacer esto la llevó a conseguir una corte que le ayudaba conseguir chicas del pueblo para su placer. Más adelante, un "accidente" la llevó a "descubrir" que la sangre de las féminas la hacían permanecer joven. Entonces creó una especie de laboratorio donde les extraía la sangre a las mujeres mientras ella se bañaba con ellas. Los alrededores de donde vivía la condesa empezó a quedarse sin población de mujeres jóvenes, así que los rumores empezaron a correr y ella fue descubierta. A pesar de que pidió ayuda a su familia, Elizabeth Bathory fue condenada a vivir recluida de por vida en un cuarto que sólo tenía una pequeña rendija para pasarle comida y otra para respirar. Su séquito fue condenado a la hoguera. Tres años después de su arrestó, murió; el 21 de agosto de 1614, pasando los cincuenta años. 3. Mary Ann Cotton. Cuando tenía 16 años se casó con William Mowbray, con quien tuvo una hija que murió a los 4 años de fiebre gástrica. Luego tuvo otra hija y decidió asegurar a toda su familia para no pasar por lo mismo que con su primera hija. Y "tenía razón", su hijo John William falleció al poco tiempo de lo mismo que su hermana. Cuatro meses después, su marido murió de lo mismo. Siguió la muerte de Mary Jane, su segunda hija, y de otra más pequeña. Después tuvo un segundo matrimonio, del que terminó quedándose viuda por las mismas razones: fiebre gástrica. Se casó por tercera vez con James Robinson, viudo con tres hijos y con quien tuvo dos más. Murieron cuatro de ellos, y la pareja se separó. Se casó de nuevo. Esta vez con Frederick Cotton, con quien tuvo un hijo. Los dos murieron. Así como hijastros y un amante. El motivo de Mary Ann era el dinero, cobrar el seguro, por eso acabó con la vida de entre 18 y 21 personas, siendo 15 de estas, parte de su familia. Al final fue encontrada culpable y sentenciada a morir en la horca, así que fue colgada en 1873, publica Hoymujer.com. 4. Irma Grese. "La nazi condenada" fue una mujer que trabajó como cadenera en uno de los campos de concentración nazis durante la Segunda Guerra Mundial. Los prisioneros la apodaban "el ángel de la muerte", "la perra de Belsen" o "la bella bestia". Una de las más crueles criminales nazis. A su cargo tenía a más de 30 mil mujeres judías, en su mayoría polacas y húngaras. A Irma se le acusó de crímenes contra la humanidad, pues, según el blog Elsecretodezara, cuando era supervisora, se encargó de acabar con la vida de cientos de mujeres, pues golpeaba de manera brutal a las reclusas, con un látigo. Cualquier pretexto era bueno para hacerlo, y muchos de esos ataques terminaban en muerte. Se cree que mataba alrededor de 30 personas a diario, pues también seleccionaba a quienes irían a las cámaras de gas. Asimismo, con un grupo de perros entrenados, atacaba a los internos. Tanto métodos psicológicos como físicos utilizó para torturar y asesinar. En septiembre de 1945, fue capturada por los ingleses, así que fue sometida a juicio donde fue condenada a morir en la horca. Su vida terminó el viernes 23 de diciembre de ese mismo año. Tenía 22 años. 5. María I de Inglaterra. Conocida como María Tudor, fue la tercera mujer en acceder al trono, la cuarta monarca de la dinastía Tudor. Hija de Enrique VIII y Catalina de Aragón, después de que su padre se casara con Ana Bolena, decidió inclinarse por la fe católica de su madre, así que fue la reina que decidió derrocar todas las reformas religiosas que su padre había introducido y someter a todos los ingleses al catolicismo. Con el apoyo del cardenal Reginal Pole, condenó a casi 300 personas que no eran católicas, a morir en la hoguera. De ahí que a ella se le llamara "la sangrienta María", explica Historiang.com. 6. Belle Gunness. Se casó con Max Sorensen, quien falleció al poco tiempo dejándole un seguro de vida y dos hijos que también fallecieron. Así que Gunness se mudó a Indiana, donde abrió algunos negocios que misteriosamente se quemaron. Se volvió a casar, pero su esposo murió "accidentalmente", resbalándose y dándose un golpe mortal. Ella cobró el seguro. La "viuda negra" había nacido, ya que cuando se dio cuenta que sus matrimonios le dejaban dinero, decidió poner un anuncio que decía: "Viuda, rica, atractiva, joven y dueña de una granja busca esposo". Al anuncio respondieron alrededor de 14 hombres adinerados. Ella contrató a un hombre para que le ayudara en la granja y quien también era su amante. Un día, la granja se incendió; los vecinos dicen que vieron a un hombre correr, alejarse del lugar, con lo que se confirmaba que el accidente había sido planeado. Adentro de la granja se encontraron los cuerpos de todos esos hombres que habían respondido al anuncio, así como los de sus hijos, pero no se encontró el cuerpo de ella, publica Ciberanika.com Pasando el tiempo, se dio con el hombre que lo inició y fue arrestado y condenado a 21 años de prisión. Él confeso cómo ayudó a Belle a cometer asesinatos y esconder cuerpos. De ahí que se encontraran cuerpos desmembrados, asesinados con golpes y con arsénico en el estómago. A ella se le buscó por todos lados, pero sin resultado alguno. En 1932, una mujer llamada Esther Carlson fue acusada de asesinar a su esposo con arsénico, tal como había muerto el primer marido de Belle. Así la policía la encontró y se le acusó de más de 20 muertes y fue condenada a muerte. Así se ganó el apodo de la mujer más peligrosa de los Estados Unidos. 7. Beverley Allitt. Durante 59 días, entre febrero y abril de 1991, en el hospital Grantham y Kesteven, Lincolnshire, Inglaterra, trabajó una enfermera que "odiaba" a los niños. En sus manos murieron cuatro infantes, pues la mujer les inyectaba insulina o cloruro de potasio. Pero ellos no fueron los únicos que sufrieron, pues bajo el título de enfermera pediátrica, Beverley realizó heridas a otros niños que estaban bajo su cuidado. El personal médico empezó a tener sospechas y llamó a la policía. Ella fue capturada infraganti, ya que era la única enfermera en servicio durante los ataques; además de que tenía acceso a los medicamentos. En mayo de 1993 recibió 13 condenas a cadena perpetua por sus crímenes. Y ahora se encuentra en el Hospital Rampton Secure en Notthinghamshire, porque se cree que es un peligro para cualquiera. 8. Gertrude Baniszewski. En juilio de 1965, los señores Betty y Lester Linkens, quienes trabajaban en una feria ambulante, pidieron a Gertrude Baniszewski, cuidar de sus hijas mientras ellos viajaban de trabajo. Ella aceptó. Sylvia Marie Likens de 16 años y Jenny Faye Likens de apenas 15 años, eran las hijas de la pareja, a quienes Gertrude cuidaría por 20 dólares a la semana. Todo iba bien, las jóvenes iban a la escuela con los hijos de Gertrude y la acompañaban a la iglesia, pero cuando el dinero de los padres se empezó a retrasar, la mujer enfureció y mandó a las niñas al sótano, donde las inclinó sobre la cama y las golpeó. Tan sólo el inicio de lo que sería su peor pesadilla. Gertrude agarró un especial odio hacia Sylvia y reunió a vecinos jóvenes, para maltratarla. La mujer le apagaba cigarrillos en su cuerpo, la golpeaba con una paleta y cuando se cansaba, le ordenaba a su hija Paula Baniszewski que lo hiciera, o hasta a la propia Jenny. El novio de Paula solía aventarla y hacer que esta cayera en el piso, una vez la aventaron de las escaleras y perdió la conciencia durante dos días. Las torturas iban desde maltrato psicológico hasta físico como golpes, quemaduras, violaciones con objetos, limitación de comida. Incluso, con una aguja y sin ningún tipo de anestesia, le escribió en el estómago y abdomen de ella: "Soy una prostituta y estoy orgullosa de serlo". Esto con la ayuda de sus hijos. Después planeó su muerte, quería deshacerse de ella tirándola en un basurero cuando estuviera desfallecienda. El 26 de octubre se dieron cuenta que Sylvia ya no respiraba, murió de desnutrición, shock y hemorragia cerebral. Richard Hobbs, uno de los vecinos dio aviso a la policía, cuando éstos llegaron, Jenny soltó el llanto y les pidió la sacaran de allí para contarles todo. Así, Gertrude, sus hijos y vecinos fueron arrestados, dice el blog Cronicas-psycho. 9. Myra Hindley. A mediados de la década de los sesenta, una serie de asesinatos empezaron a ocurrir en el área de Manchester en Gran Bretaña. El responsable era un hombre llamado Ian Brady, junto con su novia, Myra Hindley; cometieron secuestros, torturas, abusos sexuales y asesinatos. En 1966, los condenaron a cadena perpetua por matar a cuatro niños, pero en 1987 confesaron dos asesinatos más. Ian, al principio, se había echado toda la culpa; y ella, sin remordimientos, dijo que sí, que él era el culpable de todo. Ian se sintió traicionado y relató a detalle cómo habían cometido los asesinatos, así que eso convirtió a Myra en la mujer más odiada de Gran Bretaña. Murió dentro de la cárcel en 2002, cuando tenía 60 años. Mientras tanto, Brady sigue internado en un psiquiátrico. 10. Marybeth Tinning. Casada con Joe Tinning, formaban una familia con hijos que era respetada por su comunidad. En diciembre del 71, la pareja anunció el nacimiento de Jennifer; una niña que murió aún estando en el hospital. Ellos parecían consternados y los amigos también, pero apenas empezaba el problema. 17 días después de la muerte de Jennifer, Joseph, su hijo de dos años murió. En 1972, el 2 de marzo, su hija Bárbara, de cuatro años, también falleció. Los Tinning se habían quedado sin hijos. Pero nueve meses más tarde, Marybeth anunciaba el nacimiento de un hijo más, quien moriría catorce días después de nacer. Las muertes eran atribuidas a causas naturales, pero la gente empezaba a sospechar que algo raro estaba pasando o ¿era una especie de maldición? Año y medio después tendrían un quinto hijo que murió el 2 de septiembre de 1975. Ante las sospechas, se hicieron diferentes pruebas pero no se encontraba nada que estuviera fuera de lo normal. Pasaron 3 años y Marybeth no había tenido más hijos, hasta que llegó Mary Frances, quien murió a los 3 meses y medio. Se dieron una oportunidad más y tuvieron a Michael, quien murió en 1981. Pero, aquí la muerte era todavía más inexplicable, porque suponiendo que sus hijos morían por algún gen maligno, Michael no podía morir así porque era adoptado. Él falleció de neumonía viral. Con tantas muertes había muchas sospechas por lo que fueron exhumados los cuerpos de los hijos de la pareja, pero no se encontró nada malo. Pasaron 3 años y Marybeth quedó de nuevo embarazada. Cuatro meses después, la hija murió. La más sospechosa era Marybeth, pero seguía sin encontrarse pruebas contra ella. Sin embargo, detectives a cargo del caso, sometieron a la mujer a un exhaustivo interrogatorio, donde confesó haber matado a tres de sus hijos. Fue arrestada y acusada, pero un mes después salió de la cárcel bajo fianza. Sin embargo, su caso se reabrió y con la confesión detallada de la muerte de su hija Tami Lynn, fue condenada a 20 años de prisión. Mujeres que matan: Las mujeres asesinas llegan al Museo del Policía Albert Fish, Charles Manson, Andrey Chikatilo, Jeffrey Dahmer, Wayne Gacy, Ed Gein, Ted Bundy, todos personajes reales que, durante algunos años, aterrorizaron al mundo con sus atroces asesinatos y excentricidades. Asesinos que han servido de inspiración para crear algunas de las películas más aterradoras de la historia, la Masacre en Texas, Viernes 13, El Silencio de los Inocentes, entre muchas otras. Podríamos pensar todos los asesinos son hombres, sin embargo, el asesinato no es algo único de los hombres, también existen un gran número de mujeres que han pasado a la historia por sus atrocidades y su sangre fría. ¿Sabías que, en promedio, el tiempo que toma atrapar a un hombre desde que inicia sus asesinatos es de 4 años, mientras que en una mujer es de 8? El FBI ha creado una tipología con siete categorías diferentes de mujer asesina, en la que se clasifica dependiendo del motivo y el arma que usaron las homicidas para acabar con la vida de sus víctimas. La Viuda Negra, probablemente el tipo más conocido por todos, es aquella que asesina a su marido o pareja para quedarse con su dinero o bienes materiales; también se dan muchos casos de Ángel de la Muerte, nombre que se le da a las enfermeras o doctoras (también aplica a algunos hombres) que recorren los hospitales envenenando poco a poco a los pacientes, acabando con sus vidas. Cuando una mujer cree que es víctima de una maldición, o las voces en su cabeza la orillan a asesinar, se les conoce como Asesinas Mentalmente Perturbadas. ¿Sabías que, los hombres suelen preferir asesinar a sus víctimas con armas de alcance corto, como cuchillos o estrangulamiento, mientras que las mujeres suelen preferir no acercarse mucho a su víctima y, por lo tanto usan pistolas o veneno? Para divulgar y concienciar sobre el tema de las mujeres asesinas, el Museo del Policía creo la exposición “Mujeres Que Matan”, una muestra en la que, a través de diferentes recreaciones en tamaño real de las escenas de crimen más famosas explica el mundo de las “Mujeres que matan”. La exposición retoma, principalmente, la tipología de las mujeres asesinas, según el FBI, y da ejemplos de las historias más importantes de asesinas seriales, incluyendo toda la información al respecto. ¿Sabías que los hombres suelen ser asesinos pasionales y sexuales, mientras que las mujeres suelen hacerlo más racionalmente? La exposición es bastante interesante, pues el recorrido se hace con ayuda de una audioguía que va explicando cada una de las perturbadoras escenas que se pueden encontrar en el recorrido. De esta manera, podrás escuchar la historia de Leonarda Cianciulli (La Jabonera de Correggio), mientras ves cómo convierte a sus víctimas en jabón; así como escuchar la historia de Belle Gunness (Lady Bluebeard), mientras ves como despedaza a su segundo esposo para ocultar el cuerpo; sabrás quién es Enriqueta Martí (La Vampira del Carrer Ponent), mientras ves a dos niños enjaulados que tienen que comer restos humanos para engordar, mientras la policía trata de entrar al lugar de los hechos; y conocerás la historia de Juana Barraza Samperio (la Mataviejitas) mientras ves cómo estrangula a sus víctimas. ¿Sabías que las mujeres suelen ser mucho más organizadas que los hombres al momento de asesinar a sus víctimas? Desde las Pochiaquis, hasta Sweeney Todd y su fiel compañera Mrs. Lovett. Un gran número de historias de mujeres asesinas se reúne en el Museo del Policía, para que los visitantes conozcan y se asombren con el lado más obscuro del ser humano. Página oficial: