RaissaOzsari

○○•••○○ Parte III: http://www.taringa.net/posts/arte/18913221/Coloreando-en-Photoshop-Parte-III-Teoria-del-color.html ○○•••○○ Hola, otra vez Proseguimos con este tutorial. Trataré de hacer todo lo más rápido posible para poder pasar a la parte práctica. Como siempre, pueden pasar al siguiente post si ya conocen sobre el tema. ○○•••○○ MÁS SOBRE EL COLOR Los colores y los efectos visuales que pueden crear entre sí, y la sensación que estos nos crean. Para poder continuar sobre el color antes de realizar un dibujo, hay que tener en cuenta todavía más propiedades y situaciones. Los colores se influyen entre sí, muchas veces tener un mismo color se ve diferente según el color que le rodeé. Varias ilusiones ópticas se basan en el color (y de cómo lo perciben los ojos) para poder engañar el cerebro (y claro, la vista). Por lo que muchas veces nos puede pasar que al pintar, el color que creíamos correcto no encaja con el resto de la obra, y el proceso de obtener el color exacto y tener un buen dibujo puede resultar difícil. Todo es a base de la experiencia. En la imagen, tanto la casilla A y B son del mismo color, lo podemos verificar ocultando las casillas alrededor. Así mismo, tener un color claro en un ambiente oscuro se puede ver demasiado claro, más tener el mismo tono en un ambiente claro, puede notarse más oscuro. Y sigue siendo el mismo color. EL COLOR Y SUS SIGNIFICADOS. No. No es nada de astrología. Muchas veces en publicidad los colores influyen más de lo que se cree. Sin embargo, en algunos dibujos tenemos la necesidad de pintar de cierto color… Sin embargo, no transmite lo que deseamos, incluso también en la manera que queremos presentar un personaje. No siempre se aplica, pero puede servir bastante. Rojo: Se relaciona con el amor, la valentía y el coraje (se puede notar en el día de San Valentín) o el peligro y advertencias (como en señales de tránsito) Azul: Muestra frescura, tranquilidad y paz. También en su contrario la tristeza y la depresión, en sus tonos oscuros da seriedad (como en oficinas). Amarillo: Al contrario del azul, es alegría y optimismo. Se puede percibir un tanto infantil y no se recomienda para situaciones serias, también por su manera de resalto puede atraer la atención (tal y como en señales de advertencias). Verde: Aparte de estar relacionado con el ambiente y campañas ecológicas, también da la sensación de paz, frescura, renacimiento y la primavera, se usa mucho en medicina y en tonos oscuros en finanzas. Naranja: Es un color lleno de alegría, como el amarillo (un ejemplo es que es el color del verano), es un color que también se relaciona con ser extrovertido y arriesgado. Blanco: Transmite pureza y un nuevo comienzo. Dan la sensación de tranquilidad. Es muy usado para el matrimonio (vestidos de novia), también en medicina y salud. Por otro lado, también puede representar la muerte en un aspecto bueno (funerarias pintan paredes de este color). Negro: Elegancia y misterio. Denota autoridad y a veces puede ser abrumador si se usa en exceso. Gris: Transmite seguridad, conocimiento y sabiduría. También ofrece elegancia, compromiso y neutralidad. A veces puede ser un color aburrido (ya que recuerdan los días de lluvia), abandono y tristeza. Violeta: Nobleza, independencia, dignidad, creatividad. También ofrece magia y misterio y a veces se puede relacionar con los niños. En su tono claro puede dar la sensación de romance y en los oscuros de melancolía. Rosa: Se relaciona con la feminidad y las niñas. En este color se puede dar la sensación de ingenuidad y también de inocencia. Café: La tierra se relaciona con este color, sin embargo, puede transmitir miedo a lo exterior y falta de conocimiento a sí mismo. También puede ser fertilidad y realismo. Teniendo en cuenta las sensaciones que deseamos dar, esta pequeña guía nos puede ayudar. Calidez: Colores relacionados al fuego: amarillo, rojo, naranja. Emoción: Colores brillantes, amarillo y dorado, ya que son colores que dejan un fuerte impacto visual. Feminidad: Colores rosa y hasta lavanda. Dramatismo: Verde en sus tonos oscuros. Naturalidad: Gris y verde en tonos sutiles. Masculinidad: Marrones y azul. Juvenil: Todos los colores brillantes, muy saturados (recordando que es una época llena de alegría). Serenidad: Colores frescos, como el verde y violeta. Frescura: Grises, azul y violeta (ya que son colores fríos). ○○•••○○ Gracias por comentar y por los puntos dejados Parte V: http://www.taringa.net/posts/arte/18918139/Coloreando-en-Photoshop-Parte-V-Luz-y-sombra.html

○○•••○○ Parte V: http://www.taringa.net/posts/arte/18918139/Coloreando-en-Photoshop-Parte-V-Luz-y-sombra.html ○○•••○○ Hola Aquí ya comenzamos a usar el programa de photoshop y utilizamos la herramienta pluma. A algunos se les puede hacer complicada su utilización o ya de plano la evitan, pero les aseguro que al final su uso es muy fácil. Ojalá pudiera ayudar con un vídeo, pero por ahora no puedo. En cuanto pueda mostrarle el uso de la pluma, dejaré uno aquí, de lo contrario, nos apoyaremos con las imágenes por ahora. ○○•••○○ DELINEADO UN DIBUJO ESTILO ANIME/CÓMIC Utilizaremos la herramienta pluma. Si ya sabes usarla y/o tienes un estilo definido, puedes pasar al siguiente post. En el post anterior indiqué comenzar con un dibujo para poder comenzar con el proceso de pintado. En esta ocasión utilizaré un dibujo —algo viejo— al estilo anime. A medida que el curso avance, aumentaremos la dificultad hasta realizar un trabajo semi-realista. El dibujo en cuestión es este: Cabe recordar que cada persona puede desarrollar su propio estilo. Esta es solo una guía para aquellos que se inician en el arte de dibujar. Retomando el título, iniciaremos con el lineart o proceso de delineado. Es importante tener una imagen de tamaño considerable, al menos de más de 800px (píxeles), para conseguir un buen acabado, en especial con los detalles. Nota: El proceso de scanneado es fácil, lo importante es tener la imagen en alta resolución, 300dpi, que casi siempre viene por determinado en el dispositivo. Para conseguir una imagen dinámica, la línea influye bastante. La línea también puede ser parte de nuestro estilo. Fuente: Draw with Jazza. El primer dibujo utiliza bastante variación de línea, cambio el grosor de esta. Conseguir el efecto con solo el mouse y en Photoshop puede ser algo complicado, pero el resultado vale la pena. Illustrator nos puede ayudar un poco en esta parte del dibujo. Por otro lado, el segundo dibujo se nota algo ‘muerto’, pero si notamos algunas animaciones, podemos ver que la línea es estática. Si queremos conseguir un efecto de animación, la línea estática puede ser correcta, pero como mencioné anteriormente, la línea puede ser parte de nuestro estilo. Aclarando lo anterior, abriremos el programa de Photoshop. Abriremos nuestro dibujo y bloquearemos dicha capa con el candado (en rojo). Creamos una nueva capa (ctrl+shift+n) y la nombraremos lineart (o alguna guía que nos sirva). Es importante nombrar las capas en caso de querer modificar algo más adelante (por si tenemos bastantes de ellas). Nos aseguramos de estar ubicados en la capa nueva. Configuraremos el pincel a usar. Seleccionamos la herramienta o bien oprimimos la letra B en el teclado. En el espacio de dibujo daremos clic derecho y usaremos un pincel duro al 100%. El tamaño del pincel puede variar según el tamaño del dibujo o lo que necesitemos delinear. Usaré 3px de tamaño. También escogeremos el color, por defecto, dejaré el negro. Ahora, usaremos la herramienta pluma (P en el teclado) y veremos que el cursor ha cambiado. Es importante configurar el pincel primero, ya que esta será la herramienta que usará la pluma para poder ser usada. Generalmente comienzo por el rostro. Daremos clic en algún punto para comenzar. Aparecerá algo como esto: Aquel es un nodo, y a medida que creamos uno de ellos, se formará un trazado. Daremos otro clic y se formará una línea recta en gris. Cambié el color del dibujo en la segunda imagen para que se pudiera notar más el trazado. Si continuamos dando clics, veremos que solo se hacen líneas rectas. No hay necesidad de hacer infinidad de nodos para crear una línea curva. Entre menos nodos creemos, será mejor. Para hacer una línea curva, daremos otro clic al ‘final’ de la curva, y sin soltar el clic, comenzaremos a mover el cursor y veremos cómo la línea se deforma, creando una curva. Como no necesitaba crear una curva pronunciada, no es notorio del todo, pero podemos ver que del nodo salen un par de líneas, estos son los manejadores. Aunque soltemos, estos quedarán ahí. Si la curva que se creó no nos gusta, podemos mover los manejadores y modificar a nuestro gusto. Oprimimos alt y tomamos el manejador, soltamos la tecla alt y moveremos hasta quedar satisfechos. Siempre podemos deshacer la acción con ctrl + z. Como no necesito la curva en ese lugar, ejecuto el comando. En Photoshop, para deshacer varias acciones, lo haremos con ctrl+alt+z. Si es solo una acción, lo haremos con el típico ctrl+z. Para rehacer una acción, lo haremos con ctrl+shift+z. A veces, algunos de los manejadores nos pueden causar problema creando curvas innecesarias. Para evitarlo, podemos dar alt en el teclado y luego dar clic, sin soltar alt, en el nodo. Veremos que uno de los manejadores desaparecerán y nos dejarán camino para crear una línea recta o una curva según nuestra necesidad. La herramienta pluma puede ser algo difícil de usar al comienzo, para ello, debemos practicar bastante para tener algo de habilidad con esta herramienta. En algunas ocasiones, necesitaremos acercar el dibujo para mirar mejor el trazado. Podemos dar zoom con la lupa (Z) u oprimir ctrl+(+) o ctrl+(-) (signo positivo y negativo del teclado numérico). Otro modo es, sin cambiar de la herramienta pluma, es dando alt en el teclado y mover hacia arriba (acercar) o hacia abajo (alejar) con la rueda o botón central del mouse. Si necesitamos movernos a través del dibujo sin tener que quitar el zoom, lo haremos con la herramienta mano (H) o solo oprimiendo la tecla espacio y sin soltar, nos movemos con el cursor dando clic. La pluma no dejará crear un nuevo trazado desde otro punto hasta que hayamos cerrado un trazado anterior. Muchas veces los trazados quedarán abiertos o ser solo una línea. En mi caso, sería cuando haga la nariz, que son un par de líneas cortadas. Una vez lleguemos a esto, tenemos que contornear el trazado para seguir con el próximo. Aquí, he llegado a terminar la barbilla y no puedo seguir con el cabello. Cuando tengamos el trazado, daremos clic derecho en el área de trabajo y seguidamente en Contornear trazado… Una ventanilla se abrirá y veremos lo siguiente: Como vemos, se usará la herramienta pincel para dibujar una línea en el trazado realizado. Abajo, como vemos, tenemos la opción de Simular presión. Esta opción nos dará esa variación de línea que se logra con la tableta graficadora, pero no es tan atractiva. Pueden ver el resultado en una línea bastante gruesa, pero no recomiendo usarla, así que la deshabilitaremos. Damos en OK. Debajo del trazado vemos que se ha creado una línea. Algunas veces esta no se ve ya que puede ser muy delgada. Para quitar el trazado, daremos de nuevo clic derecho y seleccionamos Eliminar trazado. Como se ve en la siguiente imagen, el trazado desaparece y podemos comenzar en otro punto y realizar el mismo proceso. Al inicio puede ser agotador, ya que es bastante monótono. Proseguiremos hasta terminar todo. Podemos cambiar el grosor de la línea según sea la piel, cabello, ojos, e incluso si un objeto está más cerca o más lejos. Podemos ver nuestro avance ocultando las capas inferiores. Recomiendo también ir guardando el trabajo a medida que se realiza un cambio importante, por si la energía se va o algún otro evento imprevisto. Lo haremos dando ctrl+s y el guardado tardará según el avance que se tenga, a más trabajo, más tardará. El lineart terminado quedaría así. Agregué una capa debajo del lineart y la rellené con blanco para visualizar mejor el trabajo. A partir del dibujo inicial, eliminé algunas arrugas que agregaré más adelante con sombras. Podemos dar un poco de vida a algunas líneas borrando el inicio el final de estas con un borrador suave (dureza 0%) Es opcional. Sin embargo, dejo un ejemplo por si se animan: ANTES: DESPUÉS: Con un poco de trabajo extra, repasando algunas líneas podemos crear el efecto de presión o bien de la variación de la línea. El lineart, ahora sí, hecho: ○○•••○○ Hasta aquí esta parte del tutorial. Recuerden practicar y practicar y ¡no ser perezosos!, los buenos dibujos no se hacen tan rápido... (a no ser que sea una bruja o hechicero ) Gracias por comentar y por los puntos dejados Parte VII: http://www.taringa.net/posts/arte/18918215/Coloreando-en-Photoshop-Parte-VII-Coloreando-anime-comic.html

○○•••○○ Parte IX: http://www.taringa.net/post/arte/18980683/Coloreando-en-Photoshop-Parte-IX-Sombras-y-luces-II.html ○○•••○○ Hola de nuevo!!. En esta ocasión seguiremos sombreando y dando luces para ya finalizar nuestro dibujo. Algunas herramientas me quedan pendientes pero ya las veremos más adelante en el tutorial semi-realista. ○○•••○○ DANDO SOMBRAS PARTE III Aplicamos sombras con la herramienta de pluma, modos de fusión, borrador y filtros. Con la última parte del tutorial de sombras al estilo anime/cómic, por fin veremos nuestro dibujo terminado. Por supuesto, siendo este muy básico omitimos muchas cosas. Sin embargo, conociendo un poco las herramientas podemos ir explorando nuevas opciones de trabajar. Una vez terminado todo el tutorial, incluido el semi-realista con mouse, dejaré unos extra que seguro disfrutarán y les serán útiles tanto como a mí. Abriremos nuestro archivo donde íbamos y terminaremos de formar nuestras sombras. Recuerden que según el estilo que queramos mostrar, podemos omitir este paso o realizarlo de otro modo. Todo es simplemente una muestra de cómo se puede trabajar. Si recuerdan la primera parte, usamos la pluma para dar sombras. Lo haremos de nuevo. En caso contrario, podemos hacerlas con un pincel duro, de más del 80%. Recuerden hacer una copia de la capa a modificar o trabajar en una nueva. Crearé un grupo nuevo y haré las sombras con la pluma en capas diferentes. Por costumbre, comenzaré con la piel y haré el trazado. Una vez hecho el trazado lo vamos a rellenar. Pero, en este caso, no usaremos negro. Siguiendo con el degradado de colores, optaré por usar colores fríos como el azul, violeta, o un vino tinto, todos en un tono muy oscuro para notar que son sombras. Si usamos colores claros, estos nos darán la sensación de luz. También debemos tener en cuenta el ambiente, y como pintaré este en un colores cálidos, iré por los rojos oscuros (vino tinto). Rellenamos el trazado con el color escogido. Como vemos, me queda un color muy similar a la sangre. Favorece bastante ya que, recordando, la sangre fluye bajo la piel dándole el color a esta. Parece que se vea más uniforme, le bajaré la opacidad. En este dejé la opacidad al 40%. También podemos probar los modos de fusión. Usualmente uso Multiplicar. Bajando la opacidad, podemos ver que la sombra se mezcla con lo que tiene abajo, así que podemos ver nuestras pinceladas. En multiplicar, las partes oscuras se mezclan y quedan aún más oscuras. Como no quiero oscuridad en exceso, simplemente le dejo la opacidad y el modo de fusión normal. En caso de que el color no nos convenza, podemos cambiarlo oprimiendo Ctrl + U y nos aparecerá una ventana como esta: Marcando la casilla de Colorear, podemos mover las flechillas. En Tono, escogemos el color base, la saturación nos dejará marcar qué tan brillante queremos el color, y en luminosidad qué tan oscuro o claro queremos este. Probaré con violeta y modificando este. Como vemos, los números en las casillas cambian. Así mismo, la capa también fue cambiando de color y se ve el tono un poco más violeta. No se nota tanto ya que la opacidad está activada. Como me gustó más en rojo, doy cancelar. Si desean mantener el cambio, dan en OK. Creando una capa nueva para cada parte del dibujo (ropa, cabello, etc.), trabajaremos con la pluma teniendo en cuenta la degradación de colores. La capa la sigo trabajando en rojos o ya casi negros por lo oscura que es, al igual que el cabello. La toga la trabajaré con azules y las joyas de oro en café. Por ahora el dibujo queda así. Como podemos notar, tiene un efecto más tridimensional. Podemos aprovechar el dar sombras de este modo para marcar músculos, pliegues de la ropa, o algún otro elemento que con el lineart hubiera quedado pesado. Antes de terminar las sombras, hay que tener en cuenta que no siempre estas son tan marcadas. Para suavizarlas, usaré el borrador con un pincel suave al 0%. Para mostrar lo que digo, les dejo la imagen de cómo quiero que queden las sombras: Borré algunas puntas sobresalientes cerca de la nariz, en el cuello y algunos bordes en los dedos. La sombra propia de un cuerpo es más suave que la que recibe de un objeto. También influye la distancia, entre más lejano esté el objeto, la sombra será más borrosa. Continuaré borrando un poco de las sombras antes de dar luces. Por ahora, queda así. Las luces son un poco más fáciles. Vamos a duplicar, del grupo Sombras I, las partes que necesitamos realzar. Bien podemos duplicarlas todas, nos queda un poco más fácil. Si trabajaron estas sombras en capas aparte, también lo pueden hacer con las luces, según les quede más cómodo. Aquí están ya las copias. Debemos tener en cuenta que estas deben estar bajo el grupo de sombras II. En este punto comenzamos, si queremos, a dar unos últimos detalles. No quiero iluminar la piel, ya que quedaría muy femenino. Si embargo, si se tratara de una chica, podríamos dar brillo en las uñas, pintar estas, ruborizar las mejillas, maquillar sutilmente, como sombras en los párpados y el labial. Optaré únicamente por brillar las uñas. Recordemos bloquear la transparencia para no salirnos y tomar los colores en diagonal. En caso de que no nos quede espacio, nos moveremos hacia arriba y abajo, o a los lados, como en el caso de llegar a las esquinas o a los bordes. Lo dejé apenas visible, ya que de marcar demasiado el blanco, parecería pintado (de esmalte transparente). Seguiré iluminando el cabello, ya que este refleja bastante luz. También debemos tener en cuenta si queremos mostrar que es un cabello cuidado, o personaje descuidado, en este último caso, un cabello con poco brillo sería útil. Lo anterior también sirve para las propiedades de materiales como telas, que según como coloquemos el brillo, puede parecer seda (muy brillante, cuero) u opaca, como lana. Volviendo al cabello, daré un poco de luz, con el pincel al 0% de dureza, en el espacio que dejé libre de sombras. El cabello realza sin duda todo el dibujo. Como no veo necesidad de dar brillo a las telas, dejaré tal y como están. Sin embargo, el cabello y los ojos pueden tener un poco más de trabajo. De igual modo que con el cabello, iluminaré un poco los ojos. Poco a poco el dibujo toma más vida. Terminando esta parte de dar luces con el pincel, terminaré de dar luz al cabello, ojos y las joyas. Crearemos un nuevo grupo al que llamaremos Luces, allí crearemos las capas para los elementos que necesitemos modificar. Como solo quiero dar luces al cabello, ojos y joyas, terminaremos pronto. Crearemos este encima del grupo de Sombras II. Según nuestro estilo de dibujo/pintando, podemos agregar unos brillos bastante llamativos, o apenas sutiles. También podemos dar el brillo del cabello en blanco puro, o disminuir este con opacidad o escoger un color claro desde la base del cabello. Usaré rosa y haré unos brillos pequeños. Para los ojos, lo único que haré es dar el reflejo de la luz (pueden ser varias luces si están más de una en el ambiente). Creo una capa nueva y usaré un pincel duro. En el anime, según sean los ojos (que generalmente son más grandes), se pueden usar diferentes clases de pinceles y el porcentaje de dureza deseado. Recordemos que la forma del ojo es esférica y la forma en que interactúa la luz con este es diferente, por eso, aunque el reflejo de la luz está a la izquierda de la pantalla, la luz no rebota sino hasta el otro lado (derecha). Para las joyas, en la forma en que las trabajamos, bien no necesitarían de más luz. Todo depende del estilo en que quisiéramos trabajar. Me gusta realzar un poco estos materiales con brillos dados por pinceles especiales, aquellos que se instalan. Tengo ya varios instalados. Para instalar un pincel, podemos buscar unos en la red. Estos tienen formato .abr. Algunas personas los suben comprimidos, así que ante de todo los extraemos. Debemos tenerlos guardados en una carpeta que no olvidemos, por si tenemos que reinstalarlos. Me gusta dejarlos en la carpeta de Brushes del propio programa de Photoshop. Si tienen instalado el programa desde el archivo que dejé, tendrán esta ruta o similar: Brushes siempre estará en la carpeta de Presets. Pueden guardar los pinceles en otra carpeta, pero por comodidad dejo todos en esta. Ahora, para instalarlo en Photoshop, iremos a la siguiente pestaña. Allí, despliegaremos el menú (las rayas horizontales con la flecha hacia abajo), y buscaremos donde dice Cargar pinceles… Se nos abre una ventana donde buscaremos la carpeta donde están nuestros pinceles. Por lo general, abre la carpeta de Brushes. Una vez lo localicemos, damos en cargar y nos aparecerá la miniatura en la misma pestaña que estamos. Para confirmar si se cargó, desplegaremos el menú de nuevo y nos saldrá una lista con los pinceles cargados. Aparte de los predeterminados, debe estar el nuestro, hay que recordar el nombre del pincel. Entre más pinceles carguemos, la lista se alargará. La mía está así: (XD) Ocupa, literalmente, toda la pantalla. No temamos en renombrar los pinceles para saber cuál es cuál sin tener que revisarlos todos, pues nos quita mucha tiempo. Como ya tengo todos los pinceles instalados, solo buscaré la miniatura en la pestaña donde estamos. Usaré uno como de estrella. Más adelante dejaré los pinceles para su descarga. Es como cualquier otro pincel que trae por defecto photoshop. En este no podemos manejar la dureza, pero las otras opciones como flujo y opacidad están activas. Esto cambia según el pincel. Daré unos cuantos toques en las joyas para emular que estas brillan. Apenas es visible, pero cualquier detalle realzar aún más la imagen. Ahora solo nos queda el fondo. Si tenemos algún paisaje, solo es seguir las mismas indicaciones, teniendo en cuenta los factores que caracterizan cada material. Yo solo haré un cielo rojo. Me apoyaré en pinceles para hacer las nubes y otras cosas que necesite. Crearé una capa nueva debajo de todo este trabajo, incluso debajo del color base, pues queremos que este esté al fondo. También podemos plasmar nuestro estilo cambiando el color del lineart. Podemos hacerlo con Ctrl + U. Como no va mucho con lo que quiero transmitir, le dejo en un tono más oscuro o ya de plano negro. Todo según lo que necesitemos. Para guardar nuestra imagen vamos Archivo>Guardar Como… Allí podemos ver varios formatos. Nos aparece .psd, que claro es el formato donde podemos editar por capas y dado por photoshop. Las opciones más usadas son .png, donde podemos guardar las imágenes con transparencia. Aquí se mantienen con alta calidad. El otro es .jpg. Usaré este para mostrarles lo siguiente: Aquí, como vemos, el programa nos da la opción de escoger qué tan alta es la calidad que queremos para nuestra imagen. Si nuestra imagen es muy grande y no queremos que sea tan pesada pero que mantenga calidad, usaremos como mínimo 9, donde la calidad sigue siendo alta. A un costado podemos ver qué tan pesada nos quedará. Dejándolo en 12, me queda en 780K. Esta opción nos sirve en caso de que necesitemos que nuestras imágenes tengan una restricción de peso a la hora de subirla a sitios web sin tener que hacerla más pequeña. Como no tengo que hacer cambios, simplemente dejo como está y le doy OK. En la ventana donde escogimos el formato, ahí tuvimos la opción de escoger dónde guardarla, así que vamos allí y verificamos la imagen. Aquí está en el visor de imágenes. Pero, se me hace que está muy brillante el color para estar en un paisaje tan oscuro. Como solo es un detallito el que quiero cambiar, abriré esta imagen .jpg en Photoshop. Voy a Imagen>Ajustes, y allí puedo escoger el filtro necesario para arreglar el color. Exploramos todas las que tenemos, pero como solo quiero agregar un poco de naranja, voy a Filtro de Fotografía y busco uno que se ajuste a mi necesidad. Dando Ctrl + S la imagen .jpg guarda los cambios. Finalmente, nos queda nuestro trabajo algo así: Espero que les haya gustado. No olviden que continuaremos con el tutorial semi realista en adelante. ○○•••○○ Si desean descargar Photoshop (ya que lo menciono en el tutorial), en este link lo pueden tener, ya full y en español: https://mousedraw.wordpress.com/photoshp-cs5/ ○○•••○○ Gracias por comentar y por los puntos dejados Parte XI: ...

○○•••○○ Parte VII; http://www.taringa.net/posts/arte/18918215/Coloreando-en-Photoshop-Parte-VII-Coloreando-anime-comic.html ○○•••○○ Hola a todos En esta ocasión veremos la manera de dar sombras a nuestro dibujo y que este comience a dar forma y vida. ○○•••○○ DANDO SOMBRAS PARTE I Aplicar sombras básicas con las herramientas de subexponer/sobreexponer y el modo de fusión multiplicar. Existen varias formas de dar sombras. El modo de aplicarlas definirán el estilo, al igual que las herramientas que usamos, como los pinceles, el borrador y las combinaciones de varias de estas. Mostraré las maneras más sencillas de dar sombras en esta entrada, luego iremos viendo otros métodos. Un modo sencillo de dar luces y sombras es con la herramienta de sobreexponer y subexponer. La herramienta de sobreexponer nos permite realizar las luces, mientras que la otra, sombras. No se garantiza que el modo en que estas herramientas nos aplican las luces y las sombras sea el más adecuado, pero en algunas ocasiones nos pueden servir de ayuda, en especial cuando necesitamos dar un retoque o se trabaja en conjunto con otras herramientas. Antes de hacer cualquier cosa, en especial si es algo que toma bastante tiempo, lo que haremos es duplicar la capa donde vamos a trabajar. Podemos ubicarnos en la capa que vamos a modificar y dar ctrl + j o clic derecho en la capa y seleccionamos Duplicar…, luego renombramos y bloqueamos la capa que no usaremos. Como en mi caso necesito duplicar toda la carpeta donde tengo las capas, lo que haré es ubicarme en la carpeta y dar clic derecho, duplicar grupo. Allí, sale una ventanilla donde puedo nombrar la carpeta, cambio de ser necesario y damos aceptar, quedando una carpeta con las mismas capas. Abajo se puede ver la carpeta Color base, la bloqueo con el candado y comenzaremos a trabajar. Lo primero que siempre trabajo es la piel. Seleccionamos la herramienta de subexponer (la mano con el pulgar y el índice unidos) y vemos que en la parte superior nos aparece esto: Como vemos, está la mano, seguido del tamaño del pincel, Rango, exposición y una casilla con Proteger tonos. El pincel lo podemos modificar normalmente en el panel o dando clic derecho en el área de trabajo. Aquí usaremos a gusto la dureza del pincel, yo usaré uno suave al 0%. El rango nos permite hacer las modificaciones, dejaremos en medios tonos para que se realice el cambio en la capa. En la exposición deberemos tener en cuenta qué tanta sombra queremos generar. Si queremos que se vea más oscuro porque hay menos luz, subiremos el porcentaje, o en caso contrario, si queremos que sea apenas visible, dejaremos uno bajo. Pueden hacer una prueba en la capa y luego dar ctrl + z. En proteger tonos, evitamos que el color cambie de tono bruscamente, podemos activar o desactivar la casilla según sea necesario. Dejaré tal y como está, modificando las opciones según sea necesario. Ubicaremos mentalmente dónde queremos que provenga la luz. Como siempre, si tienen duda sobre cómo hacer esto pueden realizar una búsqueda. Haré que la luz provenga del lado izquierdo de la pantalla, es decir, la derecha de mi personaje. Ubicándonos en la capa a modificar (piel en este caso), comenzaré con la cara con un clic, sosteniendo hasta ‘sombrear’ el cuello. Como siempre, hacemos zoom de ser necesario. Como vemos, se oscurece el color un poco. Podemos repetir el proceso para oscurecer más. Debemos tener en cuenta que cada vemos que damos un clic, se oscurece. Tenemos que evitar dar clics seguidos. Hacemos el sombreado de manera uniforme manteniendo el clic sostenido. Vamos a repetir el proceso hasta sombrear toda la cara. Modificamos el tamaño del pincel según sea más grande o pequeño el lugar donde damos sombra. Como vemos, no es una herramienta difícil de usar. Podemos usar la otra herramienta de sobreexponer para dar luz. En la parte superior aparecen las mismas opciones, que actúan de igual modo. Haremos lo mismo teniendo en cuenta dónde rebota luz, que generalmente son las partes que más sobresalen, como la nariz, labio inferior y las mejillas. Siendo la piel, se nota muy poco el efecto de luz. Lo único que nos pide esta herramienta es que sepamos dirigir el mouse. El efecto no es muy agradable, pues degrada la piel en colores no adecuados para la piel (pues esta debería de oscurecer en cafés y no en amarillos). Podemos seguir trabajando con la herramienta hasta terminar el resto de la piel, cabello y otros objetos. Sin embargo, como la idea no es hacer un trabajo fácil, mostraré otro modo un poco mejor de hacer las sombras. Elimino el grupo de capas con clic derecho. Si tengo capaz bloqueadas dentro del grupo, no me dejará eliminar, por lo que primero desbloqueo. Nos da la opción de eliminar el grupo, es decir, solo la carpeta para que nos queden las capas, o el contenido también, que borra todo. Borraré todo. Ahora me queda el primer grupo de Color base. Como estaba bloqueado, en el área de trabajo veo un signo de prohibido en negro. Para seguir trabajando crearemos una capa nueva sobre la carpeta, y la llamaremos sombras: Ahora, seleccionaremos la herramienta pluma (P) y nos aseguraremos de estar en la capa recién creada. De nuevo, vamos a tener en cuenta la dirección de donde proviene la luz para poder ubicar las sombras. De nuevo voy a comenzar con el rostro y comenzaré a trazar el contorno de la sombra: Sigo realizando, en el rostro, los demás contornos: Hasta el momento, queda así. Daremos clic derecho, rellenar trazado, y rellenaremos el trazado con negro. Como vemos, nos queda el relleno muy intenso, y no es exactamente la sombra que buscamos. Por lo que cambiaremos primero el modo de fusión. Cambiaremos de Normal a Multiplicar, o bien explorar otras opciones, y reducimos la opacidad, según la intensidad de la luz/sombra, y veremos que nos queda algo así: (20% en este caso) Como vemos, queda mucho mejor, además de tener las sombras de los colores más aceptables que con la herramienta de sobreexponer/subexponer. Seguimos dando las sombras según sea conveniente, si quieren, en capaz aparte y creando una carpeta únicamente para las sombras. Con la herramienta pluma podemos trabajar mejor el cabello y otras cosas, como arrugas. Ahora tiene mejor presentación. También podemos hacer las luces del mismo modo, rellenando con blanco y usando un modo de fusión como superponer o simplemente cambiando la opacidad según sea necesario. Como vemos, ahora con las luces se realza aún más el dibujo. Podemos crear tantas capaz sea necesario, para crear más profundidad o para tener en cuenta el modo en que actúa un material con la luz (como ser que no refleje luz o como que refleje mucha, como con los objetos metálicos): Es un modo sencillo pero más presentable de realizar sombras y luces. Más adelante veremos otras formas de sombreado para que sea un trabajo aún más llamativo. ○○•••○○ Por ahora queda así. No publico una imagen de cómo queda con este sombreado, pues más adelante realizaré otro e igual eliminaré lo hecho en este tutorial, por lo que en el siguiente post sí colocaré la imagen tal y como queda, pues hasta ahí llegaría el cómo trabajar al estilo cómic/anime para poder trabajar ya semi realista. Espero les guste Gracias por comentar y por los puntos dejados ○○•••○○ Parte IX: http://www.taringa.net/posts/arte/18980683/Coloreando-en-Photoshop-Parte-IX-Sombras-y-luces-II.html

○○•••○○ Parte II: http://www.taringa.net/posts/arte/18913155/Coloreando-en-Photoshop-Parte-II-El-programa.html ○○•••○○ Hola de nuevo Esta vez seguimos con un poco de teoría. Puede ser algo pesado pero útil. Muchas veces en los tutoriales esta parte es la que falta y casi nadie la coloca, diciendo únicamente las técnicas que usan. A veces intentamos hacer lo mismo pero sobre el color quedamos perdidos. Trato de no hacerlos tan complicados para que sean fácil de entender. ○○•••○○ TEORÍA DEL COLOR Una vista rápida a las propiedades del color El color es el atributo que se percibe a través de la luz. Todo objeto tiene color, el cual es la reflexión del tono que no puede absorber. Todos los colores se encuentran en la luz. Según esto, la luz blanca es la mezcla de todos los colores y la ausencia de color se detona como negro u oscuridad. Cuando observamos un objeto de cierto color, por ejemplo una manzana, decimos que esta es roja. Sin embargo, esta no es de este color, de hecho, es de todos los colores menos roja. ¿Por qué? Lo que percibe nuestro ojo es la onda de color que la manzana no puede absorber, y por ello decimos que es roja. EL COLOR Y SUS PROPIEDADES Tono/Matiz: Es por el cual diferenciamos un color. Ej: Rojo, verdad, magenta. Saturación: La intensidad o pureza de un color, donde se nota la cantidad de luz que tiene el color. Brillo: Es la luz emitida por una fuente. COLORES PRIMARIOS Síntesis aditiva: Son los producidos por luces, por ejemplo, los de nuestro monitor. Es conocido como RGB (rojo, verde, azul) Las mezclas parciales de estos colores crean los demás. La mezcla total de estos forman el color blanco. Sístesis sustractiva: Son los pigmentos que aplicamos en superficies. Por ejemplo, al pintar una pared. Conocido como CMYK (cyan, magenta, amarillo, negro) Al igual que el anterior, mezclando parcialmente estos colores se generan los demás, más la mezcla total de estos generan el color negro. CÍRCULO CRÓMATICO Para poder pintar adecuadamente, debemos recordar, además de los puntos anteriores, el cómo poder utilizar los colores de manera correcta. El círculo cromático es una ayuda, sin embargo, no una herramienta en la que debamos apoyar todo nuestro trabajo. Con la práctica, sabremos ubicar los colores en el punto exacto. Colores primarios: Amarillo, azul, rojo. Con la mezcla de estos, se obtienen los demás colores según el porcentaje que colocamos de cada cual. Además, también pueden ser los anteriormente nombrados. (Rgb, Cmyk) Colores secundarios: Verde, violeta, naranja. Provinen de la mezcla de los colores primarios. Colores terciarios: Verde amarillento, rojo anaranjado… Son la mezcla de un color primario y uno secundario. Colores fríos: Son aquellos que van del azul al verde, donde dan una sensación términa de frío. Colores cálidos: Del rojo al amarillo y dan una sensación de calor. >>También hay colores que pueden ser tanto fríos como cálidos, según su saturación: colores ambivalentes. Colores complementarios: Son aquellos colores que en conjunto se muestran de manera agradable. En el círculo cromático, son aquellos que se ubican en el opuesto de otro. Ej: Amarillo se complementa con violeta. ○○•••○○ Como la idea es no agobiar con la teoría, pero si desean leer más sobre el color, hay varios libros sobre estos y su psicología. Gracias por comentar y por los puntos dejados Parte IV: http://www.taringa.net/posts/arte/18918109/Coloreando-en-Photoshop-Parte-IV-Mas-sobre-el-color.html

○○•••○○ Parte VI: http://www.taringa.net/posts/arte/18918183/Coloreando-en-Photoshop-Parte-VI-Delineando-o-Lineart.html ○○•••○○ Hola a todos Aquí ya comenzamos a darle vida a nuestro dibujo, ¡con el color! Sobre cómo dar sombras lo veremos en el siguiente post. ○○•••○○ COLOREANDO ESTILO ANIME/CÓMIC Vemos el modo más rápido de dar color a un dibujo con la herramienta pluma. Una vez tengamos nuestro lineart, comenzaremos a dar color. Antes de comenzar, nos aseguraremos de que la capa donde está el lineart esté bloqueada, para evitar arruinar nuestro trabajo. Una recomendación es crear una capa para diferente parte del dibujo, es decir, si vamos a colorear la piel, irá en una capa con solo aquel color, si pasamos al cabello, será una capa nueva para dicho color. Esto nos facilitará el trabajo cuando deseemos cambiar una tonalidad sin tener que realizar el trabajo de nuevo. Si llegáramos a tener tantas capas, lo mejor sería organizarlas por carpetas. Para poder crear una carpeta o un grupo de capas, daremos ctrl + g o daremos clic en la carpeta que está en el panel de capas (círculo rojo). Nos aseguraremos de crear esta debajo del lineart. Si esta se crea arriba o en otro lugar, daremos clic encima y arrastraremos hasta el lugar deseado. Nombraremos nuestra carpeta según su contenido y dentro de esta crearemos una capa nueva, nombrándola también con su contenido. Crearé una carpeta para el color base, otra para las sombras y también, de ser el caso, para efectos especiales. Si tenemos pocas capas, o por comodidad, podemos omitir el paso de la creación de carpetas. Comenzaré con la piel. Creo una capa para dicho color y selecciono el color. Como la piel de mi personaje es muy clara, con el fondo blanco puede ser un poco difícil rellenar el trazado. Si se creó una capa blanca durante el lineart del post anterior, podemos cambiar el relleno de este a un color que resalte, por lo general uso fucsia o un verde muy brillante, que son colores que no estarán en mi paleta de personaje. De lo contrario, creamos una capa nueva debajo de la capa piel y rellenamos con el bote de pintura (g en el teclado). Ahora sí podemos continuar. Para rellenar nuestro trazado tenemos varias maneras de hacerlo. Un modo fácil de hacerlo es seleccionando la varita mágica (w en el teclado), y seleccionar los espacios a rellenar, seguidamente, usar el bote de pintura con el color y queda hecho. Sin embargo, si lo hacemos, podemos notar que algunos espacios, como en las esquinas, queda sin colorear. Como vemos en los círculos en rojo, los espacios quedan sin color. No solo eso, sino que también queda un fino espacio entre los trazados y el color dado. La solución puede ser fácil: rellenar con un pincel. Un consejo a seguir es no ser perezosos. Si en verdad queremos mejorar y tener calidad en nuestros trabajos, lo mejor es dar un poco de nuestro tiempo a nuestros propios dibujos. Desharemos lo anterior (si se hizo) y lo haremos de mejor manera. Seleccionaremos la herramienta pluma, sin necesidad de configurar antes el pincel, y realizaremos nuestro trazado. Como en esta ocasión no haremos lineart, haremos grandes trazados. Comenzaré con la mano y la parte del brazo que se ve. Como se puede ver, realicé un trazado por el contorno de la mano y el brazo. El brazalete será pintando en otra capa después, por lo que no evité pasar el trazado por allí. Si se desea, se pueden rellenar por los sectores de la piel nada más, sin rellenar otros objetos. Es importante que el trabajo se vea limpio al final sin importar el modo en que se trabajó. Una vez terminemos el trabajo, nos aseguraremos de que el trazado esté cerrado. Como realizaremos rellenos, lo mejor es evitar que estos estén abiertos. Cuando el trazado está cerrado, los nodos desaparecen. Cerraremos el trazado dando clic en el primer nodo que creamos. Daremos clic derecho y luego en Rellenar trazado… Nos aparecerá esta ventana; En contenido podemos ver que está color frontal, si desplegamos, podemos ver otras opciones. Nos aseguraremos de que en fusión, esté en modo normal y la opacidad al 100%. Daremos en OK y nuestro trazado se rellenará. Una vez hecho, daremos clic derecho, eliminar trazado, y nos quedará algo como esto: Ahora podemos ver que no quedan espacios en las esquinas ni tampoco un pequeño espacio entre el color y el lineart, de modo que no perdemos el hecho de haber usado la pluma. Una vez tengamos control sobre esta herramienta, veremos que el tiempo que ahorraremos pintando será enorme. Continuaremos pintando la piel en la misma capa hasta terminarla. Por el momento queda así. Algunos trazados son algo ordinarios, para ganar algo de tiempo. Creamos una capa nueva para el cabello, toga, joyas y también para los ojos. Bloqueamos una capa a medida que terminemos con ella, para evitar colorear donde no es. Hasta ahora, nos quedará así: Como se puede ver, algunos de los trazados bruscos de antes los cubrí con una capa de los otros objetos. Así nos queda el dibujo sin espacios libres y ya listo para sombrear. A este momento, es seguro que algunos se hayan sentidos cansados por el fondo rosa que dejamos mientras trabajamos. Es importante recordar que debemos sentirnos cómodos y darnos un pequeño descanso, las pausas harán más llevadero el trabajo. Así mismo, podemos cambiar el fondo, lo importante es tener bien pintando el trabajo. Como hemos terminado, podemos quitar el fondo rosa y dejarlo listo con el fondo deseado o simplemente en blanco. ○○•••○○ Hasta aquí llegamos y nos preparamos para la parte que más trabajo nos dará. Gracias por comentar y por los puntos dejados Parte VIII: http://www.taringa.net/posts/arte/18932261/Coloreando-en-Photoshop-Parte-VIII-Sombras-y-luces-I.html