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Scott Adkins es un gran artista marcial que nunca supo elegir buenos papeles durante su carrera. La mejor película que tiene, es la poco conocida Undisputed 3: Redemption, donde tiene un protagónico. Pero mas allá de que no supo elegir bien sus papeles o nadie aun le dio el lugar que se merece, no tiene una corta trayectoria: supo destacarse en papeles secundarios con sus artes marciales en películas como Black Mask 2: City of Masks, Pit Fighter, The Bourne Ultimatum, X-Men Origins: Wolverine o The Tournament. Con un poco mas de protagonismo, lo hemos visto en Ninja, Assassination Games, Universal Soldier: Day of Reckoning o The Expendables 2. El mismo Scott Adkins produce y protagoniza esta cinta llama El Gringo, donde hace de policía que intentando escapar de su vida, cruza la frontera hacia México con un bolso lleno de dólares. Buscando llegar a Acapulco, el primer pueblo donde cae se llama El Fronteras, y es, definitivamente, el peor pueblo donde un turista puede caer. El Fronteras es como los bosques de los slashers americanos llenos de gente deforme o caníbales. En El Fronteras no hay gente buena, solo hay gente que intenta pasar el día, en un pueblo tomado por los carteles, un alcalde corrupto y un grupo de matones que están maquillados todo el día. El Fronteras es como el peor lugar del mundo. Mientras nuestro protagonista intenta conseguir un vaso de agua, vemos como nadie lo quiere ayudar, nadie acepta su dinero, y todos buscan estafarlo de alguna manera. Solo por ser americano, solo por ser un gringo. Todo esto fue lo que primero me choco al ver esta cinta, eso de mostrar a un pueblo de México como si fuese 1800, desvalorizar todo acto moral de la gente que allí vive, y poner, muy digno de los 80’s, a la gente de este país como “los malos de la película”. Pero claro, “el gringo” resiste, conoce a la dueña de un bar que es la única que le presta un poco de atención, y aun así se dispone a llegar a Acapulco. Pero claro, dentro de todo este embrollo, el propio guion de la cinta convierte a un hombre que viene escapando con dinero robado en un héroe, un héroe extranjero que viene a salvar a la gente sometida del pueblo. Un héroe que acaba con todos los malos, que acaba con la corrupción y le devuelve, de alguna forma, la vida a ese pueblo perdido. Y se queda con la chica linda. Por que claro, es un gringo en un país tercermundista. Dirigida por el venezolano Eduardo Rodríguez (Curandero, Stash House), la cinta esta protagonizado, como ya dijimos, por Scott Adkins. Le siguen Yvette Yates (I Hope They Serve Beer in Hell, The Lawyer, the Thug & the Princess, Sorority Party Massacre), Erando González (El Mago, El Carnaval de Sodoma, A través del silencio) y el venido a menos Christian Slater (The Name of the Rose, Robin Hood: Prince of Thieves, Broken Arrow). El Gringo por momentos recuerda a Get the Gringo, la de Mel Gibson. También recuerda en varios puntos a Desperado, de Robert Rodríguez. El Gringo es una de las pavadas mas grandes que vi en los últimos tiempos, con una edición absurda, una historia que no tiene ni pies ni cabeza, preconceptos paupérrimos y un verosímil totalmente tirado de los pelos. Algunas escenas de acción están bien, y las escenas de peleas también se rescatan. El resto, completamente olvidable. link: http://www.youtube.com/watch?v=hQvEHeuAYsc

Perdonen si sueno retro, pero el cine de terror de los 80’s fue lo mejor que le ha pasado al cine. En este contexto, algunos nombres me vienen a la mente y son hoy en día directores de culto: John Carpenter, Tobe Hooper y Wes Craven. Todos ellos tienen varias películas que son el deleite de más de un fanático del género, y han sido inspiración de la gran mayoría de los directores de hoy en día. Wes Craven, por su parte, no puede dejar de ser mi preferido, ya que su creación, llamada Freddy Krueger, fue el personaje que allá, a mis 9 años, hizo que el cine sea parte de mi vida. El haber visto en ese entonces A Nightmare on Elm Street no solo me hizo saber que el cine iba a ser una parte importante de mi vida, sino que me definió un gran amor hacia el género del terror, hacia los FX old school, hacia las animatronicas, las prostéticas y todas esas magias. Los años siguen pasando, y cada vez que vuelvo a ver A Nightmare on Elm Street me vuelvo a sorprender de lo mismo. Si bien con el paso de los años la cinta quedo añeja por una cuestión lógica casi evolutiva, la forma de plasmar la historia debería ser referencia para mucho director de hoy en día. Esta primera parte de la saga de Freddy es la más seria, el puntapié inicial. Freddy aun no era un showman como en las posteriores, y ese fue luego el gran acierto de Craven. El personaje “malo” había comprado al público y Craven decidió otorgarle el mayor protagonismo dotándolo de una personalidad abrumadora, casi de un cómico de stand ups. En esta primera parte todo eso no está, Freddy es un asesino despiadado, malo y sin otro objetivo que matar a sus víctimas: no tiene ganas de hacer reír a nadie. Si bien hoy puede parecer algo trillado, hay que retraerse a 1984 y entender la fuerza que podía llegar a tener una cinta donde un hombre asesinado por un grupo de padres vuelve a vengarse de sus hijos mediante sus sueños, lugar donde nadie lo puede contratacar. Como premisa es genial, siempre y cuando tengamos en cuenta que se trata de una película de terror y que, dentro de ese contexto, vale todo. Y acá es donde destaco la maestría de Wes Craven a la hora de plasmar las escenas de ensueño… mejor dicho, escenas dignas de las peores pesadillas que se puedan tener, sin reparar en nada, solo buscando el impacto por sobre el espectador. La escena donde la litro y litros de sangre salen de la cama hacia arriba, creo que esta entre las mejores escenas oníricas de terror de la historia. Como ya dijimos, la cinta está escrita y dirigida por el mítico Wes Craven (The Last House on the Left, The Hills Have Eyes, The Serpent and the Rainbow). Actúan Heather Langenkamp (A Nightmare on Elm Street 3: Dream Warriors, Shocker, The Demolitionist), el gran John Saxon (Enter the Dragon, Black Christmas, Tenebre), Johnny Depp (Platoon, Edward Scissorhands, Donnie Brasco) y el icónico Robert Englund (Dead & Buried, Galaxy of Terror, The Phantom of the Opera). Cuesta sacar el fanatismo de lado, pero más allá de algún que otro error sin mayor importancia, creo que A Nightmare on Elm Street es, por lejos, uno de los mejores comienzos de sagas emblemáticas del terror. Su concepto, los FX, toda la creatividad que tiene puesta encima la película, el trabajo minucioso de los detalles, la música, la fotografía, la creación de ambientes… Wes Craven supo llevar la propia irreverencia de las pesadillas y el terror que contienen a la pantalla grande. link: http://www.youtube.com/watch?v=PqZCh3fOUPg

Branded es como una crítica masiva a todo sin proponer nada. Branded critica al capitalismo, al consumismo, al marketing, a la publicidad. Branded critica al empresario y al político, critica a la sociedad. Branded critica a la codicia y al desgano, a la valentía y al temor. Critica a los medios, critica a los métodos de comunicación. Critica a los objetivos, a la competencia. Y, que irónico, lo hace mediante el cine, un medio de comunicación masivo. Esta coproducción entre EE.UU. y Rusia propone un gran círculo vicioso empezando desde el hecho más cotidiano y simple hasta el más pensado y rebuscado. El hombre de negocios quiere dinero para mantener su negocio, y contrata a alguien que se encarga del marketing. Lo primero que hace esta persona es ver que quiere la gente, e intenta ir por la competencia directa. Elimina la competencia manipulando la información, vende su producto. El consumidor contento, la empresa que produce también. Pero Branded quiere llegar al extremo, quiere hacer una crítica social tan profunda que a mi gusto, se le va de las manos. Porque intenta crear metáforas, intenta crear monstruos y paradigmas sociales, e intenta ponerse de juez y jurado. Y ahí, si bien la cinta tiene un enfoque interesante de las estrategias de marketing y publicidad, es cuando nos regala una historia bastante sosa, aburrida, que solo se construye bajo los fundamentos comerciales de lo que intenta criticar. Y claro, ahí es cuando entraría el gusto personal y la forma de ver las cosas. Pero si hablamos de cine, Branded peca de ostentosa en su concepto narrativo, en su forma de enfocar la historia. Y como no tiene como cerrar el círculo que ella misma se propone, acude a los efectos visuales, a las metáforas de las marcas, que si nos ponemos a mirar bien, vamos a reconocer a cada una de ellas porque, como vengo diciendo desde un principio, la crítica es evidente. La cinta está escrita y dirigida por el novato Jamie Bradshaw y por Aleksandr Dulerayn (Ivan-Durak). Los protagonistas son Ed Stoppard (The Pianist, Animal, Joy Division), la bella Leelee Sobieski (Deep Impact, Never Been Kissed, Joy Ride), Jeffrey Tambor (Meet Joe Black, Hellboy, The Hangover) y el gran Max von Sydow (The Exorcist, Il deserto dei tartari, Conan the Barbarian). Siempre creí que como crítica social, que si lo que se intenta es mostrar una verdad, ir mas allá de la ficción, el género documental es lo correcto, por la veracidad que maneja. ¿Por qué no hacer un documental mostrando, con la misma teoría, cómo marcas de la talla de Mc Donalds, Coca Cola, Microsoft, Apple y tantas otras hacen lo que hacen con la publicidad, con la comunicación, con sus agresivas estrategias de venta? Y la respuesta es simple: los documentales no son masivos, no recaudan dinero, generalmente no absorben producción ajena. Pero una película si, un largometraje disfrazado, sí lo hace. Y ahí, en ese momento, es cuando el mensaje que se intenta dar se convierte en la misma basura que está siendo criticada. Ahí es cuando el narrador busca crear controversia para generar revuelo, y él mismo es quien maneja la información de la misma forma que luego critica. link: http://www.youtube.com/watch?v=HInOg12jMiY

No puedo decir si esta película que voy a reseñar es buena o mala. Puedo decir que a mí me gusto, y me gustó mucho. Me paso algo similar a lo que me paso cuando vi la Star Trek de J.J. Abrams. Antes de esa película, el universo de Star Trek me parecía aburrido, soso, plano, no me había gustado ninguna de las incontables películas que había visto. No me atrapaba. Pero la visión que tuvo J.J. Abrams por sobre la película me genero un nuevo interés, me mostró algo que me gustaba y que antes no me había brindado esta franquicia. Con Man of Steel me paso lo mismo: no solo porque el mundo de DC nunca me atrapo demasiado, sino porque las películas hechas hasta el momento no me habían gustado, no voy a mentir. Sobre todo Superman Returns, película que me resulto muy aburrida, difícil de digerir. Y Man of Steel tenía un pro, que al mismo tiempo era una contra: su director. Zack Snyder, a mi criterio, es uno de los directores que más me gusta de los últimos años. Su concepto para hacer cine es el mismo concepto del cine que tengo yo a la hora de disfrutar una película. Los detalles que el acentúa son a los que yo les suelo prestar atención. El concepto visual y la importancia de esto con la que él suele adornar sus películas es lo que a mí me llama la atención. El pro de estar dirigida por Zack Snyder. ¿La contra? Que no a todo el mundo le gusta el cine de Snyder. Quizás por falta de información, o por falta de interés, no puedo reseñar esta película en base a su comic original. Conozco la historia de Superman pero no soy fanático, no conozco todos sus detalles, sus personajes, ni todos los hechos que rodean al superhéroe. Pero fui al cine y la pase mejor imposible. ¿Qué más se le puede pedir a una película? De entrada, el despliegue de VFX es increíble. No solo por la calidad de los mismos, sino por los diseños. Todos los elementos que rodean al planeta natal de Superman siguen un concepto visual bien marcado, tanto en su tecnología como en todos los animales que se pueden ver. Los trajes son otro apartado acertado, todos ellos parecen armaduras sofisticadas, mezcla entre lo rustico y lo tecnológico, dándole un aire más agresivo a los personajes. El sonido, por su parte, es el eje primordial de todas las escenas de acción. La música, impecable, compuesta por el gran Hans Zimmer. Y si hablamos de acción, acción es lo que no falta. Desde el comienzo de la película hasta el final, la dinámica de la cinta y su narrativa nos llevan a tener una escena de acción, conjunta de un despliegue de VFX explosivo, cada ciertos minutos. Esto hace que los 143 minutos de metraje se pasen casi sin darse uno cuenta. La historia, que nos lleva de un lado a otro continuamente, está contada a base de hechos sin seguir un hilo conductor demasiado recto. Desde el nacimiento de Kal-El, hasta su ingreso como Clark Kent al Daily Planet, el guion esta contado a base de diferentes hechos o situaciones que marcaron su vida para llegar a ser el superhéroe que es. Esto hace que la cinta, de alguna forma, haga mucho hincapié en la personalidad del personaje, en sus conflictos y en su búsqueda por saber quién es y de donde viene. Lógicamente no es una película que tenga tintes dramáticos, lejos está de serlo. Zack Snyder es un director que apuesta al despliegue visual, a la dinámica de la acción. Y claramente ese concepto, el guion parece está escrito para encajar perfectamente en esta estructura. Es como si Christopher Nolan y David S. Goyer hubiesen entendido de entrada este concepto y hubiesen escrito una historia que encaja perfectamente en las ideas cinematográficas que tiene el director. Luego de Dawn of the Dead, 300, Watchmen y Sucker Punch, no sé por qué habría de esperar otra cosa. Desde los primeros trailers ya se veía a donde apuntaba Snyder con esta película. Dirigida, como ya mencionamos, por Zack Snyder, y escrita por Christopher Nolan y David S. Goyer como también ya dijimos, la cinta está protagonizada por Henry Cavill (Stardust, Town Creek, Immortals), Amy Adams (Catch Me If You Can, Enchanted, The Fighter), Michael Shannon (Pearl Harbor, Bad Boys II, Machine Gun Preacher), Russell Crowe (Gladiator, A Beautiful Mind, American Gangster), Diane Lane (Judge Dredd, Unfaithful, Under the Tuscan Sun), Kevin Costner (Dances with Wolves, The Untouchables, Robin Hood: Prince of Thieves) y Laurence Fishburne (Apocalypse Now, The Matrix Trilogy, Mystic River). Mención especial para Michael Shannon, Russell Crowe, Kevin Costner y Diane Lane, impecables todos en sus roles. Sin más para decir, Man of Steel es una película llena de acción, con una dinámica que no te despeja del asiento ni por un segundo. Es de esas cintas con una adrenalina imparable. Cuenta de una forma resumida y clara la historia de Superman, de una forma simplificada para que lo más destacable pueda entrar en un metraje de poco más de 2 horas. ¿Una suerte de “precuela” a lo que estamos acostumbrados a ver? Sea como sea, la película cumplió con todas mis expectativas. Y un poco más también. Gracias Zack Snyder por seguir haciendo ese cine que tanto me gusta. link: http://www.youtube.com/watch?v=l8UrKWnwfWk

Cannibal Holocaust fue quien empezó este juego de los falsos documentales, los “mockumentary”, los “found footage films”. Pero claro, hoy en día el mainstream de la gente no recuerda ese clásico de 1980 perpetrado por Ruggero Deodato. Hoy todos creen que The Blair Witch Project fue la primera, pero no: hubo vida antes de MTV. Si bien es cierto que The Blair Witch Project “revivió” al género y Cloverfield lo llevo al extremo de la fama, hay algo más detrás de todo esto: la clara posibilidad de que cualquiera con un mínimo monto de dinero y un par de cámaras pudiera contar una historia. Paranormal Activity es el mejor ejemplo de esto. El problema es que esta comodidad fílmica que supone el falso documental por los bajos costos de producción que propone, lleva a que, como dije antes, cualquiera con una cámara pueda hacer una película. Y así como hoy vemos zombies hasta en la sopa, los falsos documentales se han convertido en el mismo declive para el cine en general. Salvo, claro está, contadas excepciones como , Noroi, The Tunnel o Evidence, la cinta que hoy voy a reseñar. Evidence es de esas películas que cuentan la clásica historia de un grupo de amigos que emprenden un viaje hacia un lugar remoto y alejado de toda civilización. Por supuesto, no hay nadie cerca que los pueda ayudar, los celulares no tienen señal y todos esos clichés que acompañan al género. En un principio, podemos pensar que Evidence va a ser más de lo mismo, pero una escena bastante particular nos hace ilusionar y pensar que, quizás, la película puede ser entretenida. Y ahí es cuando todo nos recuerda a Cabin in the Woods, en cuanto a su concepto. La estructura de Evidence tiene una dinámica bastante particular, donde a medida que pasan los minutos todo se va volviendo más extraño e imposible de imaginar. La historia nos intenta hacer creer que estamos ante un guion plano y obsoleto, pero en cierto momento, la narrativa se olvida de todos los preconceptos establecidos del cine de terror y empieza a mutar, comienza a cambiar el tono y la forma en que va contando los hechos, imposibles de prever. Una escena dispara a la otra, una es más extraña que la otra. Cuando pensamos que ya le encontramos la vuelta, la historia vuelve a cambiar y aparecen cosas nuevas, todo en cuestión de minutos, todo apuntando a un mismo lugar, con una coherencia establecida, con un fundamento sólido al que podemos conocer al final de la película. Dirigida por el novato Howie Askins (Devil Girl), la cinta está protagonizada por Ryan McCoy (Black), quien también escribió la película. Le siguen Brett Rosenberg (Scrappers, The Tale of a Suicidal Narcoleptic, Fear of Flying), la bella Abigail Richie (Bald, Knock Knock Killers) y Ashley Bracken en su primer protagónico en un largometraje. Ashley también fue productora ejecutiva y parte del equipo de FX de la cinta. Evidence no tiene un gran presupuesto, apenas unos 12.000 dólares para realizarla, y el resultado final es más que convincente. Evidence logra atrapar y sorprender por que el director, a pesar de no tener experiencia, sabe reparar en los detalles. La edición es impecable, realmente nos hace creer todos los escenarios que la historia propone. Los VFX son pocos pero bien perpetrados, utilizando distintos recursos de cámara como soporte. Y claro, si bien el concepto de “cámara en mano” ayuda muchísimo y creo que es el eje que permitió que esta película salga a la luz, la cinta es, sin duda alguna, un gran exponente de este subgénero que viene en caída libre. link: http://www.youtube.com/watch?v=KuhC95fR1Yg