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Pintura de 1950: Las manchas del expresionismo abstracto Actualmente pareciera que en el arte no hay límites ni fronteras. Todo objeto puede ser arte: una lata de sopa, un tiburón embalsamado, excremento. En fin, enfrentarnos a estos objetos nos obliga a cuestionarnos si ¿es o no es arte?, ya que todos estos objetos parecen no tener ese rótulo a priori. En la década de 1950, sin embargo, la realidad era muy distinta. Nadie se preguntaba si algo era arte o no. Había reglas y estándares. En aquellos años la pintura reinaba con total impunidad. Los lienzos eran la el medio más legitimado para consagrarse artísticamente. En las décadas pasadas las vanguardias habían arrasado con el arte figurativo, podría decirse. En consecuencia, estos años pertenecen al arte abstracto, aquel que no toma elementos del mundo natural, sino que crea nuevos espacios. Del purismo y la forma severa de los artistas concretos y los pioneros (suprematismo, De stijl), los expresionistas abstractos agregan, como los indica el término, la expresión a la abstracción. Y esa es la clave: la gestualidad. ¡Ahora los rastros del pincel son la figura estelar!. No más contornos definidos o planos, sino más bien, manchas, pinceladas, espasmos, potencias. Y entonces, ¿como interpretar estas obras?. En definitiva estas obras podían confundir a cualquiera. Eran pinturas idealistas, sin contenido político, alejadas de la materia. Su reino era atemporal, elevadas por encima del ruido de la historia, las modas pasajeras, o los ciclos naturales. Un arte que podía sobrevivir 10000 años. Su contenido era tan indescifrable, como un jeroglífico, hasta tal punto que podría decirse que ignoraba al público. No necesitaba ser interpretado. Era arte, PUNTO. Vale decir que este movimiento tuvo su epicentro en EEUU, luego de la 2 guerra mundial, y se nutrió de muchos emigrados europeos. NY ahora era la capital del arte. Todo cambiaría en la década del 60: aparecería una nueva juventud sin recuerdos de las guerras, los bienes de consumo ya habrían inundado al mundo, se impondría la TV, habría más descontento social. En fin, es otra historia. Y otra pintura. Mi segundo post. ACEPTO CRÍTICAS o CORRECCIONES.  Ahora los protagonistas: Obra de Clyfford Still Willem De Kooning, Un figurativo!!! Robert Motherwell El célebre Jackson Pollock Rothko... un místico . no? Barnett Newman

Bueno, sigo con mis posteos de arte . Me gusta agregar diversidad, por que sino Maringa se convertiría en un mero portal de descargas. Por ahora, que persista la utopía. (aclaro: esto NO es copia y pega). Un pionero de la pintura abstracta: Wassily Kandinsky Wassily nace en Moscú en 1866. Su pasión por el arte se materializa relativamente tarde, alrededor de sus 30 años (1896). En ese momento se traslada a Munich, Alemania. Muy cerca de allí, en Viena, se desarrollaba un nuevo movimiento: la secesión, el cual iba en contra del arte académico (un claro exponente es Klimt). Durante la primera década del S XX, Kandinsky toma clases de dibujo, con un profesor asociado al Jugendstil (art nouveau alemán), y sus obras tomásn un carácter fauvista. En 1911 funda el grupo expresionista “Der Blaue Reiter” (el jinete azul). A continuación comienzan las obras abstractas de Kandinsky. Anteriormente gracias al fauvismo y el expresionismo había adquirido la audacia del color y de la forma. La abstracción plena era solo un peldaño. Para entender todos sus años posteriores, es mejor marcar ciertas “etapas”. Entre 1910 hasta 1920, Kandinsky realiza una obra abstracta muy lírica y espontánea. Manchas de color, líneas, pequeños cuerpos. Wassily, de hecho, quería inyectar en sus pinturas un ritmo musical. En 1921, luego de retornar a Rusia y defraudarse con los pasos de la revolución, Kandinsky viaja a Alemania. Allí se desempeñará como profesor de la Bauhaus (la célebre escuela de artes aplicadas). En está década sus obras serán completamente formales y geométricas. Eso si siempre manteniendo la audacia del color, pero sin la libertad y el fluir liviano de las obras anteriores. Finalmente durante la década de 1930, Kandinsky entrará en contacto con los surrealistas. De este modo, sus pinturas, cederán de la geometría a composiciones más libres. Algunas de sus obras de esta época están inspiradas en juguetes o microorganismos. Bueno, en definitiva, la obra de Wassily Kandinsky ha tenido una TREMENDA influencia en el arte abstracto, y posteriormente en el concreto. Gracias a el, y a otros pioneros, la pintura ha cobrado nuevas posibilidades, y ha encontrado nuevas maneras de afectar nuestra sensiblidad (sin despreciar las otras). Ahora algunas obras en orden cronológico: Cuadro de 1909 Iglesia de Murnau. 1910 Impresion III. 1911 Acuarela de 1913 Moscu I. 1916 Composición VIII. 1923. (Su obra geométrica). Amarillo, Rojo y Azul. 1925 Cuadro de 1938 (superr orgánico) Cielo azul. 1940 (este esta medio pizelado, pero es fantástico, en esta época Kandinsky concoe a Joan Miró). El que quiera ponga críticas, comentarios, lo q sea.

Es mi cuarto post de arte, esta vez sobre Matisse. Aún no me animo a postear sobre pintores argentinos, o algún artista contemporáneo… sin embargo, creo que postear algunos clásicos funciona para levantar cimientos fuertes. Yo tomo estos posteos como una manera de revolver la historia del arte, para no quedarme encasillado en ismos (ej. Fauvismo), movimientos, o categorías. Henri Matisse Una breve reseña histórica: Henri Matisse nace en 1869 en el norte de Francia. En 1898 estudia con Gustave Moreau. En un viaje a las orillas del Mediterráneo, Matisse se deslumbra por las posibilidades de la luz. Esta emoción por la luz lo acerco a pintores impresionistas y postimpresionistas (Seurat). Posteriormente Matisse redescubre la luz en un viaje a Argel. En 1905 su estilo se desarrolla en el fauvismo. La característica principal es el impacto del color: los pasajes se efectúan de un color a otro sin gradaciones, y el brillo se hace más intenso. En la década de 1910 las obras de Matisse comienzan a ser más cotizadas, y en 1912 expone en New York. Muere en 1954 en Niza. Su carácter: Matisse es una figura muy importante de la era de las vanguardias. Creo que es uno de los pocos grandes nombres que abren el portón del arte moderno, por supuesto que antecedido por los pintores de S XIX (Ej. Cezanne). Personalmente considero que el gran atractivo de Matisse es que el busca la alegría en el color, la fuerza de la vida, la fluidez en el ornamento. Lo cierto es que el S XX ha sido un siglo de tragedias, de movimientos bruscos, de cambios insospechados (y especialmente los años en los que vivió Matisse). Es la era de las grandes matanzas, pero también de grandes descubrimientos y de un nuevo desarrollo: una época de muchas luces y sombras. A toda esta película Matisse puede agregarle un respiro esperanzador y reconfortante. Entre tanto blanco y negro, Matisse aporta color y energía. Esa potencia y ganas de vivir se manifiesta más intensamente al final de su vida. Y es que en sus últimos años Matisse estuvo casi incapacitado, solo podía armar sus obras con recortes de papel. Aún con semejantes obstáculos, su obra prevalece. Yo personalmente considero que para mirar sus cuadros hay que sumergirse en la marea de color y ornamento. Esa actitud escasea hoy en día en el mundo del arte, o por lo menos no aparece en primera plana, y creo que eso se debe por que en 1960 ha ocurrido una gran fractura. Hoy en día las obras de arte buscan sorprender, inquietar, escandalizar. Son obras que no tienen demasiado “espesor sensible”, sino que ofrecen inmediatez. Por ello es que abunda tanto la acción de apropiarse de objetos. La impresión sensible (estética) ya no es tan importante, como la impresión intelectual. Estilo: Respecto al estilo de Matisse, el nunca se despegó de la figura humana, pero en ciertos momentos la subordinaba a los fondos. En muchas de sus obras el espacio se aplana, quedando sustentado en algunos pocos signos. Los planos se mezclan, alejan, funden. Los arabescos avanzan, se cruzan, entrelazan y abrazan. En definitiva habla más el color o la textura, que la forma en sí; cabe decir que ese es un componente bastante “abstracto. Conclusión: Lo que pienso, y aconsejo acerca de los cuadros de Matisse, es que es bueno “recorrerlos” y disfrutar de su calidez y su temperamento suave ( un pintor completamente opuesto sería Francis Bacon). ¡El no quiere herir, llamar la atención, o denunciar! más bien deleitar, pero no superficialmente. Sus cuadros carecen de soberbia y de grandiosidad, pero desbordan de pasión por el oficio y por la vida. Modelo masculino. 1900 Retrato de mujer (con franja verde). 1905 Portrait of Andre Derain Collioure. 1905 Armonía en rojo. 1908. Estudio rojo. 1911 Odalisca con pantalones rojos. 1922 Figura decorativa sobre fondo ornamental. 1925

pintura de la decada de 1980: la lujuria posmodernista. Posterior al arte pop, en la década de 1960 y 1970, la pintura se vió fuertemente desacreditada. Los hubo, incluso, quienes anunciaban la muerte de la pintura, enmarcada en la muerte del arte. Simultaneamente explotaban en Europa varias corrientes que explroaban la poética del objeto (es decir que no representaban, como en la pintura, sino que usaban objetos reales). Sin embargo, en los 80, renació la pintura. Esta década es la era del posmodernismo por excelencia. Un tiempo de desiluciones, exceptiscismo y cinismo. Nadie conserva ya esperanzas para el futuro, como si se ocurrió en las décadas de 1950 y 1960. Para ilustrar: el petroeo subió sus precios hasta el cielo, se impuso el neoliberalismo, existían hambrunas en el tercer mundo, la izquierda se pudría desde adentro con la dictadura de la URSS. Nadie creía en las viejas utopías. Nadie creía en el Progreso. El modernismo había muerto, y consigo la razón. Todo lo reprimido volvía a emerger, como una especie de neoromanticismo. Lo narrativo, lo lírico, lo poético. La metáfora, el erotismo, el cuerpo. Ahora la pintura abstracta podía convivir con la figurativa!!!. Bueno ahora algunos grandes exponentes: cabe destacar que en los 80 el mercado es bastante hegemónico, asi que la figura del artista se adapta a los nuevos tiempos. Del genio romántico de las vanguardias, se pasa al artista famoso, social y rico. el alemán Gearge Baselitz este cuadro es del italiano Sandro Chia Esta obra, hecha de platos rotos, es del famoso Julian Schnabel Finalmente, una obra de Miguel Barceló