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La película fue producida por United Artists cuya primera elección para director no había sido Brian de Palma, hasta ese momento sus trabajos más conocidos eran "El fantasma del paraíso" y "Hermanas". Como guionista el estudio contrató a Lawrence D. Cohen, cuyo primer borrador era bastante fiel a la novela, pero las limitaciones financieras hizo que se tuviera que modificar en varias ocasiones y omitir algunas escenas al final durante el rodaje. El anillo que Amy Irving lleva en la película, es un regalo que le hizo Stephen King. En la casa de Carrie hay una figura religiosa con flechas clavadas que representa a San Sebastián, no es un crucifijo ni representa a Jesucristo, como mucha gente piensa. Originalmente se rodó una escena en donde Carrie de niña es sorprendida por su madre hablando con una mujer tomando el sol en el césped. Margaret arrastra a Carrie al interior de la casa, y hace que lluevan rocas sobre su tejado; al igual que con la escena final de la película, el efecto no salía correctamente, por lo que la escena fue eliminada. Para meterse en el papel y poder rodar la escena de las duchas en la que sangra, Jack Fisk relató a Sissy Spacek una historia sobre un niño que había sido atropellado por un coche mientras desde la calle observaba las luces de Navidad en el tejado de su vecino. Cuando Carrie hace volcar el coche de Billy, la escena muestra como él gira junto con el coche. El efecto no fue realizado realmente con John Travolta en el interior de un coche girando, sino simplemente haciendo rotar el encuadre de la cámara en post-producción. La sangre falsa que cae encima de Sissy Spacek, se secó y adhirió a su piel debido al calor de los focos y a que la sangre contenía unos colorantes que en la industria de los cosméticos se conoce como sangre 7-11. La única solución fue mojarla con una manguera hasta que la sustancia se volvió pegajosa, y luego frotarla durante un largo tiempo. Para la filmación de la escena del baile entre William Katt y Sissy Spacek, los actores fueron colocados sobre una plataforma que les hacía girar en una dirección, mientras que la cámara lo hacía en sentido contrario. La voz del chico montado en la bici que se mete con Carrie es la de Betty Buckley, que interpreta en la película a Miss Collins. Se llegó a filmar una escena que posteriormente fue eliminada, en donde Carrie hacía que llovieran del cielo pequeñas rocas, para incluir en el final de la película, pero la máquina que lo provocaba se atoró y se rompió. Entonces el equipo técnico optó por quemar la casa; a pesar de que ya habían filmado algunas escenas en el interior de la casa con las rocas, ellos consiguieron subsanar ese detalle. Brian de Palma en un principio había pensado en Sissy Spacek para el papel de Chris Hargenson. Pero Spacek deseaba ser la protagonista, así que, tras conseguir una audición para el papel de Carrie, ella se presentó vestida con un traje que su madre le había hecho cuando estaba en séptimo grado. Sissy se mostró tímida, sensible, torpe; y el director le dio el papel. Gracias a la filmación de la escena del baile, ofrecieron a Brian de Palma dirigir "Fiebre del sábado noche" y Grease, ambos protagonizados por John Travolta, pero rechazó ambas ofertas. Originalmente el compositor de este filme iba a ser Bernard Herrmann (famoso por las películas de Alfred Hitchcock), quien ya había trabajado con De Palma en "Hermanas" (1973) y "Obsesión" (1976), pero falleció antes de empezar la fase de producción. El final de la novela de Stephen King es que Carrie destruye con sus poderes gran parte de la ciudad después de abandonar el gimnasio; en la película esto no se pudo realizar debido a que era un filme de bajo presupuesto y a limitaciones que tenían en cuanto a efectos especiales. Hubo que esperarse hasta el remake del 2002 para poder verlo. Los autores de los libros "Carrie" y "El Exorcista" habían elegido el mismo nombre para sus protagonistas: Carrigan. Así que al descubrirlo, hablaron y decidieron repartirse el nombre, Carrie por un lado y Reagan por otro. En la escena final cuando Sue Snell (Amy Irving) coloca unas flores sobre la tumba de Carrie, la mano que sale de debajo del suelo pertenece a Sissy Spacek. Ella estaba dentro de una caja enterrada en la tierra, no quiso que lo hiciera un especialista. Brian de Palma para crear una atmósfera de inquietud, rodó la escena final del sueño hacia atrás, es decir, Sue (Amy Irving) en realidad estaba caminando hacia atrás por la acera. Además, fue filmada en la noche, usando iluminación artificial para crear el efecto deseado. Para esta escena se inspiraron en la escena final de la película "Deliverance" (1972) de John Boorman.

Al Pacino fue considerado para hacer el rol de Justin Hammer. El papel finalmente fue para Sam Rockwell, quien había sido uno de los nombres posibles a interpretar a Stark antes de que le fuera otorgado a Robert Downey Jr.. El Precio del poder En el casting para interpretar a Tony Montana, pasaron entre otros Bruce Willis, Tom Cruise y Al Pacino. Según Brian de Palma (director del film) los tres actores lo hicieron a la perfección pero el que más destacó fué Al Pacino por su complejo de gangster e interpretación. Brian de Palma, dice que no dudó en decantarse por Pacino, tuvo la mayor esencia con el papel de Tony Montana en el casting y más tarde en los rodajes. S1m0ne Cuando Victor Taransky (Al Pacino) habla con su hija de los chats, en la pantalla del ordenador se puede leer "Pigmalion". Pigmalión es un escultor de la mitología griega que se enamoró de una estatua de una mujer que había hecho por lo bella que era. La escultura conquistó también a la diosa Afrodita, que le concedió la vida. La historia es algo parecida a la de la película. Acorralado o mas conocido como Rambo La Warner Bros. pensó en hacer la historia con Clint Eastwood, Steve McQueen, Al Pacino y Dustin Hoffman. Heat Es curioso que Al Pacino no inteprete a un lider del crimen organizado,sino al policía que persigue al mismo. Heat Aunque tanto Robert de Niro como Al Pacino participaron en la saga de El Padrino, no fue hasta el rodaje de esta película cuando trabajaron juntos, ya que en la saga no coincidieron en los rodajes. El Precio del poder En la edición latinoamericana del dvd, se incluye un documental en el cual se revela que la supuesta coca es en realidad talco y que Al Pacino tuvo problemas respiratorios debido a esto. El Padrino vito Corleone recibe su apellido del pueblo en la provincia de Sicilia del cual proviene, pues bien, los abuelos de Al Pacino son nativos de ese mismo pueblo, Corleone, Sicilia. El Precio del poder De todos los papeles que ha hecho en su larga carrera, Al Pacino siempre dice que el de Tony Montana es el mejor y que siempre admiró a Oliver Stone (autor del guión) por crear un personaje tan complejo y humano. ] El Precio del poder La actriz Miriam Colón, que interpreta a la madre de Al Pacino, era sólo cuatro años mayor que él. El Padrino Muy poca gente del equipo de rodaje de la película confiaba en Al Pacino. Lo criticaban por su estatura, su manera de hablar y actuar, y hasta se reían de él durante los primeros días de rodaje. Sin embargo, fue tras filmar la escena del asesinato del turco y el capitán de la policía, cuando se ganó el respeto de sus detractores. Parece ser que les impresionó su actuación. El Padrino III Coppola contaba con Robert Duvall para que retomase el papel del abogado de la familia, Tom Hagen. Pero este exigió que su salario estuviese a la misma altura que el de Al Pacino. Al no llegar a un acuerdo se decidió eliminar su personaje Apocalipsis now Las dificultades que atravesó Coppola para encontrar un protagonista superan las de cualquier película conocida: desde Al Pacino, Robert Redford, pasando por Steve Mcqueen y Jack Nicholson, todos se negaron a participar en tan demencial rodaje; al final se tuvieron que conformar con el desconocido Martin Sheen. El Padrino Brando, durante la prueba para la película, consiguió que la cara del Don Corleone ``fuera como un bulldog''. Lo hizo metiendose bolas de algodón en los carrillos. Durante el rodaje, utilizó una protesis dental hecha por un dentista. Al Pacino tambien utilizó una protesis, para simular que tenía la mandibula rota, después de que el Capitan McCluskey (Sterling Hayden) le golpeara en la cara en una escena de la película. La pieza dental utilizada por Brando en el film se conserva en el Museo de Vestuario de los Estudios Universal. La cara de Al Pacino ocupó la Homepage original de Facebook Las dos primeras partes de “El Padrino” (The Godfather, 1972 y The Godfather II, 1973) dirigidas por Francis Ford Coppola, le reportaron a Al Pacino el reconocimiento mundial y las nominaciones en los premios Oscar’s y los Globos de Oro durante dos años consecutivos. Cuando Coppola le planteó al actor la posibilidad de rodar una tercera parte de esta saga, Al Pacino, exigió cobrar 7 millones de dólares por protagonizarla. El director se enfureció con el actor y lo amenazó con reescribir de nuevo el guión y comenzar “El Padrino III” (The Godfather III,1990) con la escena del funeral de Michael Corleone. Finalmente llegaron a un acuerdo ambas partes, cobrando Al Pacino, por su intervención en el film, la nada despreciable cifra de 5 millones de dólares.

Harvey Keitell Harvey Johannes Keitel (n. 13 de mayo de 1939) es un actor estadounidense nominado al premio Óscar. Biografía Nació en el distrito neoyorquino de Brooklyn. Hijo de inmigrantes judíos de origen polaco (por parte de padre) y rumano (por parte de madre) tuvo una infancia turbulenta, llegando incluso a ser expulsado del colegio por absentismo. A los 17 años se alistó en los Cuerpo de Marines de los Estados Unidos e intervino en el conflicto de Líbano. Según sus propias palabras, su paso por el ejército fue su primera "experiencia espiritual", un punto de ruptura con el microcosmos del barrio y un medio para enfrentar sus miedos y conflictos. A su regreso a Nueva York trabajó vendiendo zapatos y como estenógrafo judicial en Manhattan, hasta que un compañero de trabajo le aconsejó tomar clases de interpretación, entre otros motivos para ayudarle a superar un grave problema de dislexia que arrastraba desde su infancia. Fue así como llegó al prestigioso Actor's Studio en donde tuvo profesores tan notables como Stella Adler y Lee Strasberg. Trabajó algunos años en el teatro, en obras menores hasta que respondió a un anuncio de la prensa en el que un joven director Martin Scorsese, buscaba actores para su primera película Who´s that Knocking at my Door, siendo seleccionado inmediatamente como protagonista. Posteriormente intervino en varias cintas del mismo director tales como Street Scenes, Mean Streets y Taxi Driver, en estas dos últimas compartiendo protagonismo con el también debutante Robert De Niro. Unos años más tarde su carrera sufrió un duro revés al ser sustituido por Martin Sheen en el papel protagonista de Apocalypse Now. A partir de entonces los papeles importantes escasearon e intervino en gran número de películas de dudosa calidad. Esta situación fue definida por el actor como "humillante" y pensó incluso en abandonar la profesión. A partir de entonces desarrolló gran parte de su trabajo en Europa, llegando a colaborar con directores tan eminentes como Bertrand Tavernier, Ettore Scola o Ridley Scott. Trabajó junto con Miguel Bosé en El caballero del dragón (1985). A pesar de su buen hacer interpretativo, no fue hasta bien entrada la madurez, en los años 1990, cuando logró un cierto reconocimiento a su carrera y una mayor popularidad obteniendo diversos premios de la crítica y una nominación a los premios Óscar. En esta etapa ha intervenido en películas tan renombradas como Reservoir Dogs, Pulp Fiction, El Piano, Thelma & Louise, Smoke o la controvertida y durísima Bad Lieutenant, que marcaron un antes y un después en su trayectoria. Aunque ha trabajado en títulos puramente comerciales, sus mejores trabajos se mueven en el terreno del cine independiente, del que es un firme defensor. Su físico poderoso le ha ayudado a encarnar papeles de "tipo duro" en muchas de sus películas, corriendo el riesgo de ser encasillado en este sentido, sin embargo, su gran versatilidad le ha permitido desarrollar personajes de exquisita sensibilidad, como el de George Baines en El Piano o de una humanidad conmovedora como el del protagonista de La mirada de Ulises. Keitel también es dueño de una productora llamada The Goatsingers con la que intenta dar salida a proyectos de jóvenes directores, por los que apuesta firmemente. En el terreno personal, es un hombre bastante comprometido con los problemas sociales (fue vocal de Unicef durante la Guerra de Bosnia), es un apasionado de la lectura, especialmente de la poesía y el ensayo, y un auténtico experto en puros habanos. Estuvo unido sentimentalmente a la actriz Lorraine Bracco entre 1982 y 1993, con quien tuvo una hija llamada Stella Keitel-Bracco. Posteriormente mantuvo relaciones (no demasiado duraderas) con varias mujeres, entre ellas la actriz Andie MacDowell, hasta que en 2001 se casó con la actriz y directora israelí Daphna Kashner con quien tiene un hijo llamado Roman Keitel. También es padre de otro hijo, Hudson, de una corta relación con una ceramista de California. Filmografía ¿Quién llama a mi puerta? SINOPSIS JR (Harvey Keitel) es un joven desempleado italoamericano satisfecho de la vida que lleva con sus compañeros en la denominada “pequeña Italia” de Nueva York. Pero el amor, personificado en una mujer con estudios (Zina Bethune), pronto le hará cuestionarse su propia vida. link: Mean Streets En el barrio de Little Italy de Nueva York, Charlie y Johnny Boy están tratando de entrar en el centro. Si Charlie tiene una oportunidad gracias a su tío bien integrada en la mafia que promete la gestión de un restaurante, Johnny Boy, que ha acumulado unas deudas que puede honrar y multiplicar parece cada vez más como provocaciones. Charlie, marcada por la religión y la figura de San Francisco de Asís, tratando de salvar a Johnny Boy, que condena a sí mismo todos los días... link: Alicia ya no vive aquí El marido de Alice (Ellen Burstyn) muere y ella se queda sin dinero, pero debe mantener y educar a su hijo de once años. Decide marchar de California a otro lugar con la esperanza de encontrar un sitio donde poder vivir sin carencias. En Arizona consigue trabajo como camarera, y allí conoce a un hombre generoso. link: Taxi Driver Travis Bickle (Robert De Niro) es un ex-combatiente de Vietnam sin mucha educación y con inteligencia básica que vive en Nueva York. Con depresión y ansiedad por sentirse rechazado por la sociedad, este adicto a la pornografía intenta conquistar a una promotora de un candidato a la presidencia de Estados Unidos y ésta le rechaza debido a los vicios de él. Bickle decide matar entonces al candidato a presidente, pero mientras tanto trabaja como taxista nocturno para ganar dinero. Lo que no imagina es que conocerá a Iris (Jodie Foster), una prostituta infantil a la que intentará alejar del mundo en el que vive. link: Los duelistas Los duelistas (The Duellists en inglés) es una película del director Ridley Scott premiada como «mejor ópera prima» en el Festival de Cannes del año 1977. Está protagonizada por Harvey Keitel y Keith Carradine. El guión es una adaptación de la novela The duel, de Joseph Conrad. Cuenta la historia de dos oficiales del ejército de Napoleón que se baten en una serie de duelos salvajes por honor. Todo comienza con un incidente de poca importancia, pero poco a poco alimenta una rivalidad de proporciones insospechadas que termina enfrentando a ambos hombres a lo largo de 15 años. Los duelistas destacó por su gran calidad visual. El propio Ridley Scott reconocía la influencia de otra película de época, Barry Lyndon, de Stanley Kubrick, obra en la que la fotografía y la iluminación jugaban un papel fundamental. link: La última tentación de Cristo La cinta narra la vida de Jesús (Willem Dafoe) de manera más o menos acorde con los Evangelios (al principio del filme Scorsese advierte que es una obra de ficción sin pretender describir de manera detallada la vida de Jesús). La trama cambia sustancialmente al momento de la crucifixión cuando un supuesto Ángel (Juliette Caton) llega a liberar al Cristo de su martirio para que pueda vivir una vida normal al lado de María Magdalena (Barbara Hershey). Jesús es un ser humano como todos, pero después de algunas señales divinas, pasa algunos días en el desierto. Ahí, resiste las tentaciones de Satanás, para al fin, descubrir y comenzar su vida como el Mesías. Durante la crucifixión, tras haber preguntado a Dios por qué lo ha abandonado, se le aparece su ángel guardián quien le dice que Dios le había ordenado que bajara a salvarlo, puesto que ya había sufrido bastante, y que él no es el Mesías. Con su ayuda, Jesús baja de la cruz. Los presentes continúan como si esto no hubiese ocurrido y continúan mirando la cruz, mientras el ángel y Jesús se retiran. Se encuentran con María Magdalena y Jesús se casa con ella. Pasado un tiempo, y tras la muerte de María Magdalena estando embarazada, Jesús se casa con Marta de Betania y forma una familia, viviendo como un hombre más. Un día, se encuentra con Pablo, quien predicaba sobre el Mesías, su sacrificio y resurrección. Jesús se le acerca y le dice que él es Jesús que vive como hombre, pero Pablo le contesta diciéndole que la gente es infeliz y sufre mucho, por lo que su única esperanza es el Jesús resucitado, quien salvará al mundo. Termina diciéndole que "su" Jesús es más importante y poderoso que él, quien trata de desmentirlo. Pasado un tiempo, y en medio de la conquista de Jerusalén por Tito, Jesús vive sus últimas horas. Entonces llegan algunos de los apóstoles a verlo. Judas Iscariote le recrimina el no haber consumado la Pasión. Entonces Jesús le indica que Dios le envió a su ángel guardián para salvarlo. Judas le hace ver la realidad de que quien creía era su ángel guardian es realmente Satanás. También le dice que si muere así, lo hará como hombre; dándole la espalda a Dios y que no habrá sacrificio ni salvación. Jesús, al darse cuenta de esto, se arrastra de su lecho para salir de su casa. Mientras, Satanás le dice que ya vivió y aceptó esa vida, la cual termina, por lo que tiene que morir como hombre. Ya afuera, Jesús le pide a Dios que lo perdone y que quiere ser crucificado para así traer la salvación. Entonces se da cuenta que sigue en la cruz y que podrá terminar su sacrificio. link: Thelma y Louise Thelma y Louise es una road movie de 1991 ideada y escrita por Callie Khouri, y dirigida por Ridley Scott, con Geena Davis haciendo el papel de Thelma y Susan Sarandon el de Louise. Otros protagonistas son Harvey Keitel en el papel de un detective que investiga los crímenes de las dos fugitivas, Michael Madsen como el novio de Louise, Christopher McDonald como el marido de Thelma y Brad Pitt (en su primer papel importante en Hollywood) como ladrón que engaña a las dos mujeres. Ganadora de un Óscar en 1991, al mejor guion original. La historia estuvo a punto de no ver la luz, ya que su guión suscitaba una importante desconfianza entre un buen número de productores y directores.1 De hecho, era sobre todo la temática que trataba la que costaba que los estudios aceptaran, en particular la escena final de antología que contrastaba con la producción clásica de Hollywood. Incluso, cuando se estrenó, la película suscitó una intensa polémica en Estados Unidos, básicamente porque mostraba dos heroínas que respondían con armas a la violencia machista.2 Sin embargo, situada en la intersección de varios géneros cinematográficos, la cinta está hoy considerada un clásico que ha llegado a influir en otras películas y obras de arte, y se ha convertido en un mito del movimiento feminista. link: Bugsy Bugsy es una película estadounidense de 1991, del género biopic, dirigida por Barry Levinson. Protagonizada por Warren Beatty, Annette Bening, Harvey Keitel, Ben Kingsley, Elliott Gould, Joe Mantegna, Bebe Neuwirth, Bill Graham. El guión fue escrito por James Toback, basado en el libro We Only Kill Each Other: The Life and Bad Times of Bugsy Siegel de Dean Jennings, que relata la historia del gangster Benjamín "Bugsy" Siegel, como uno de los fundadores de la ciudad de Las Vegas. Ganadora de dos premios Óscar: al Mejor diseño de vestuario y Mejor dirección artística. Candidata a ocho premios más. Ganadora del premio Globo de Oro 1993 a la Mejor película. link: Reservoir Dogs Reservoir Dogs (Perros de reserva en México y Perros de la calle en Chile) es una película estadounidense de 1992, debut de Quentin Tarantino como director, y protagonizada por Tim Roth, Harvey Keitel, Steve Buscemi, Michael Madsen, Chris Penn y Lawrence Tierney. La actuación de Tarantino es de menor trascendencia, como también la del escritor exconvicto, Eddie Bunker. Reservoir Dogs incorpora muchos temas y estéticas que se transformarían y se darían a conocer como sellos propios de Tarantino, como director y guionista. Tarantino, quien en sus inicios trabajó como empleado en una tienda de vídeos en Los Ángeles, originalmente iba a filmar la película junto a sus amigos con un presupuesto de 30.000 dólares, un formato de 16 mm y el productor Lawrence Bender sería quien realizaría el papel de "Eddie Cabot". Sin embargo, el actor Harvey Keitel se involucró en el proyecto por vía de la esposa del profesor de actuación de Bender, la cual entregó una copia del guion a Keitel, quien estuvo no sólo de acuerdo en tener un papel en el film, sino también en coproducirlo. Con la ayuda de Keitel, los realizadores fueron capaces de aumentar el presupuesto a 1,2 millones de dólares para la realización del film, demasiado extenso para una película realizada de forma independiente, pero una pequeña fracción de lo que sería una típica producción de Hollywood. La película desde ese entonces es vista como un importante y muy influyente hito del cine independiente. Sr. Blanco (Harvey Keitel) es un ladrón de edad media y con mucha experiencia. Su nombre verdadero es Lawrence "Larry" Dimick. Joe Cabot y él llevan muchos años amigos. Está acostumbrado a matar, pero no lo hace sin motivo. Parece el arquetipo del criminal honesto, con honor y principios. Para él los sentimientos valen más que la razón. Ha trabado amistad con Sr. Naranja y por eso lo defiende y conforta. Su confianza ciega en su nuevo amigo y su deseo de justicia lo traen a su muerte y la de Sr. Naranja. link: Bad Lieutenant Controvertida película sobre la corrupción policial, narra la historia de un policía (Harvey Keitel) con múltiples deudas de juego y que abusa continuamente de su autoridad, que se replantea su vida y su profesión cuando investiga un caso de violación de una joven monja. Sol naciente El teniente Web Smith (Wesley Snipes) es un detective de la policía encargado de investigar la muerte de una mujer estadounidense en una fiesta de una corporación japonesa. Un policía retirado, el capitán John Connor (Sean Connery), le dice que pasa algo más allá de lo que parece. link: Point of No Return Point of No Return es una película de 1993 de acción filmada por John Badham y protagonizada por Bridget Fonda. Es un remake de la película de 1990 por Luc Besson, Nikita. link: The Piano The Piano cuenta la historia de una mujer escocesa, Ada McGrath (Holly Hunter), cuyo padre la vende en matrimonio a un hombre, Alistair Stewart (Sam Neill), y es enviada junto con su joven hija Flora (Anna Paquin) y su piano a vivir con él a Nueva Zelanda. Ada no ha dicho una palabra desde hace años, sustituyendo su voz por la música del piano, mientras que su hija le sirve de traductora en su comunicación a través del lenguaje de signos. Ada y Flora llegan a Nueva Zelanda, siendo abandonadas junto con sus pertenencias por la tripulación del barco en el que han llegado desde Escocia. Su nuevo marido obliga a Ada a abandonar el piano en la playa, siendo luego vendido a George Baines (Harvey Keitel), vecino de Stewart y entusiasta de la música de piano, quien al principio le pide a Ada que le de clases de piano, pidiéndole seguidamente hacer un trato de que ella podra tocar el piano mientras que el la pueda tocar. A partir de aquí, empieza una relación entre Ada y George, que marcará el devenir de la historia. link: Pulp Fiction Pulp Fiction (conocida en Latinoamérica como Tiempos Violentos) es una película estadounidense de 1994 dirigida por Quentin Tarantino, quien coescribió el guion con Roger Avary. Está protagonizada por John Travolta, Bruce Willis, Samuel L. Jackson y Uma Thurman, entre otros. Debido a sus eclécticos diálogos, su combinación irónica de humor y violencia, y sus múltiples referencias cinematográficas a la cultura pop, que fueron tan utilizadas posteriormente, influyó en la forma de hacer cine. Es considerada también una de las películas más representativas del cine realizado por Tarantino. Se estrenó en mayo de 1994 en el Festival de Cine de Cannes, donde consiguió la Palma de Oro.1 Luego fue galardonada con el Globo de Oro al mejor guion y obtuvo siete candidaturas en la 67ª edición de los Premios Óscar, si bien solo ganó el Óscar al mejor guion original.2 Asimismo, recibió más de cuarenta premios internacionales y otras tantas nominaciones. link: Clockers Clockers es una película de 1995 dirigida por Spike Lee. El guión, escrito entre Lee y Richard Price, está basado en la novela de Price del mismo nombre. En la película aparece Mekhi Phifer en su primer papel. Fue filmada Brooklyn, Nueva York. link: From Dusk Till Dawn From Dusk Till Dawn conocido en idioma castellano como Del crepúsculo al amanecer en Latinoamérica y como Abierto hasta el amanecer en España, es una película de 1996, de los géneros acción, terror y comedia, dirigida por Robert Rodriguez con guión de Quentin Tarantino. George Clooney, Quentin Tarantino, Harvey Keitel y Juliette Lewis la protagonizan. Cheech Marin, Salma Hayek, Danny Trejo y Tom Savini también aparecen, el primero de los cuales haciendo varios papeles, destacando en el de Chet Pussy. link: Cop Land Murray 'Superboy' Babitch (Michael Rapaport), un oficial de la policía de Nueva York, conduce de vuelta a casa mientras anochece en la ciudad. Cuando está en el puente, su coche recibe un golpe de dos individuos. Lleno de rabia, Murray acelera para atraparlos y, al alcanzarlos, le están apuntando con una pistola. Por instinto, coge su propia arma, dispara, y ve como ambos se estrellan y mueren. En un instante, el puente se llena de policías, entre los que está el tío de Babitch (Harvey Keitel) que, al revisar el coche, descubre que el objeto con que apuntaban era un candado. Mientras tanto el Sheriff de un pueblo en Nueva Jersey, Freddy Heflin (Sylvester Stallone), es quien ostenta la autoridad, pero los policías de la gran ciudad que viven en el pequeño pueblo, son quienes mandan y dictan sus reglas. El caso ha invadido los medios de comunicación, por lo que el investigador de asuntos internos Moe Tilden (Robert De Niro), tiene que intervenir. link: Little Nicky Satán (Harvey Keitel), después de pasar 10.000 años al frente del Infierno, decide continuar al mando durante más tiempo. Dos de sus tres hijos, Cassius (Tiny Lister Jr.) y Adrian (Rhys Ifans), deciden ir a Nueva York en venganza para instaurar su propio reino del mal. Pero con esta acción lo que provocan es congelar la puerta del Infierno y, con ello, empezar a matar a su padre. Es por ello que éste recurre a su último hijo, el pequeño Nicky (Adam Sandler), para que traiga de vuelta a sus hermanos. Así será como Nicky empiece su aventura en la ciudad que nunca duerme, donde conocerá al perro Gordi (Robert Smigel), a su compañero de piso homosexual Todd (Allen Covert), a los heavys Peter (Peter Dante) y John (Jonathan Loughran), ambos admiradores de Satán, y al amor de su vida: Valerie (Patricia Arquette). link: National Treasure National Treasure es una película estadounidense de 2004, producida y dirigida por Jon Turteltaub. Protagonizada por Nicolas Cage, Diane Kruger, Justin Bartha, Sean Bean, Jon Voight,Harvey Keitel y Christopher Plummer en los papeles principales. link: Be Cool Be Cool es una película de cine norteamericana dirigida por F. Gary Gray en 2005, y protagonizada por Uma Thurman, Joe Pesci, James Gandolfini, John Travolta, Harvey Keitel, Danny DeVito, Vince Vaughn, Robert Pastorelli, Cedric the Entertainer y Dwayne Johnson. El director de esta secuela, F. Gary Gray (The Italian Job), vuelve a utilizar al personaje de Chili Palmer surgido de una novela del escritor Elmore Leonard. Un mafioso con habilidad negociadora y astucia callejera interpretado otra vez por Travolta que está acompañado por un auténtico reparto de lujo encabezado por Uma Thurman, Danny De Vito y Harvey Keitel. link: http://www.youtube.com/watch?v=HKXqEwDKuc Little Fockers Primero él (Ben Stiller) conoció a los padres de ella, después ella (Teri Polo) conoció a los de él y ahora los padres son ellos. Han tenido que pasar diez años, e incontables obstáculos para que Greg Focker (Ben Stiller) consiga finalmente “entenderse” con su exigente suegro Jack Byrnes (Robert de Niro). Tras los problemas económicos, Greg consigue un segundo empleo en una compañía farmacéutica. Sin embargo, los recelos de Jack hacia su enfermero favorito regresan con más fuerza que nunca. Cuando se presenta todo el clan de Greg y Pam incluido un antiguo amor rechazado por Pam, Kevin (Owen Wilson) para celebrar la fiesta de cumpleaños de los gemelos, Greg debe demostrar al escéptico Jack que es completamente capaz de ser el hombre de la casa. Pero con todos los malentendidos, el espionaje y las misiones secretas, ¿conseguirá Greg pasar el examen final de Jack y convertirse en el próximo patriarca? ¿O se romperá para siempre el círculo de su confianza? link: Eso es todo amigos espero que disfruten de este post por que para mi Hrvey Keitel esuno de los mejores actores del mundo es un personaje groso . Muchas gracias

En estos videos tarantino nos habla sobre sus influencias a la hora de dirigir una película; tales como Sergio Leone Brian de palma, o Martin Scorsese GRACIAS

FRANCIS FORD COPPOLA 10 - Tetro (2009) Diez años separan 'Legítima defensa' (1997) de 'Youth Without Youth (Juventud sin juventud)' (2007; aún sin estrenar en nuestro país), un periodo largo y difícil para Francis Ford Coppola, empeñado en sacar adelante su nuevo 'Apocalypse Now' (1979): la (ya imposible) 'Megalópolis'. Es entonces cuando el realizador decide dar un giro a su carrera, pese a contar ya con setenta años; tanto 'YWY' como 'Tetro' reconfiguran lo que se entiende como cine "indie": películas personales, de producción transnacional, hechas con bajo presupuesto pero con la apreciable colaboración de actores amigos (Tim Roth, Vincent Gallo). Ambas han sido denostadas por la crítica, incapaz en su ceguera patogénica de apreciar el resurgir de un cineasta a través de sus emociones más íntimas: la familia, la culpa, la creatividad, el desgarro, la fatalidad... link: http://www.youtube.com/watch?v=XJ_XTIsMKig 9 - Drácula de Bram Stoker (1992) El tiempo ha otorgado un carácter ambivalente a la versión de Coppola del mito vampírico de Bram Stoker. En el momento de su estreno la película fue lanzada como el no-va-más de los hits cinematográficos: un reparto de escándalo (Gary Oldman, Winona Ryder, Keanu Reeves, Anthony Hopkins, Tom Waits...), una fastuosa producción, un barroco diseño artístico, unos maquillajes propios de drag queen... Con un efecto parecido al Batman de Tim Burton -los efectos especiales eran mayoritariamente artesanales- la película ha adquirido un toque arty muy demodé que refleja con clase y estilo -la película está impecablemente rodada y montada- qué significaba hacer cine antes de la irrupción del cine digital. La crítica de la época la masacró: se esperaban una película de vampiros y se encontraron con una historia de amor. link: http://www.youtube.com/watch?v=7i4Ade2NunY 8 - Corazonada (1982) La película que casi acaba con Francis Ford Coppola es también, y pese a quién pese, una de las mejores del nuevo cine americano (al que también ayudó a... destruir). Fue un fracaso económico casi tan escandaloso como triunfante fue el de Spielberg/Lucas con 'Tiburón' (1975)/'La guerra de las galaxias' (1977), respectivamente. Un musical marciano donde los decorados adquirían vida propia en función de los estados de ánimo de los protagonistas. Cine impresionista al que puso banda sonora jazzística un Tom Waits pre-"Swordfish trombones" y que, pese a su impecable valía artística, tiró por tierra las aspiraciones de Coppola de lanzar Zoetrope -su productora- como cuna del cine independiente americano. Una grandísima película que merece ser recuperada ya mismo. http://www.filmaffinity.com/es/film353034.html link: http://www.youtube.com/watch?v=z1BgvrKn1Zs 7 - Llueve sobre mi corazón (1985) Los inicios de Coppola -de la mano de Roger Corman- fueron tan divertidos como entrañables: el terror de serie B 'Demencia 13' (1963), el drama intimista 'Ya eres un gran chico' (1966) o el infantilizado musical (con Fred Astaire) 'El Valle del Arco Iris' (1968), no serían más que las películas-calentamiento del cineasta que ayudaría a cambiar nuestra manera de ver el cine. Justos después llegaría Llueve sobre mi corazón, la primera película protagonizada por los populares outsiders coppolianos; mención especial para James Caan y su composición de un personaje frágil y ralentizado (un borderline, vamos) sometido a los agresivos avatares de la vida en este melodrama seco, duro y sin ambages. 6 - Rebeldes (1981) He aquí una película visionaria, al menos, en lo que se refiere al casting de los actores: unos imberbes Matt Dillon, Patrick Swayze, C. Thomas Howell, Rob Lowe, Emilio Estevez, Tom Cruise, Diane Lane y Ralph Macchio. Coppola recoge una historia de jóvenes pero alejándose del lado romántico de drive-inn y juergas universitarias que impresionó un modoso George Lucas en 'American graffiti' (1973); lo suyo es la calle, las peleas con navajas, los asesinatos, las venganzas... una historia dramática que esconde un canto a la amistad y la confraternización que aún consigue poner la carne de gallina al recordarla/revisarla. El mejor retrato de la furia juvenil de principios de los ochenta. Palabra. link: http://www.youtube.com/watch?v=la_-mTal7Gs 5 - La ley de la calle (1984) Rodada en un fascinante blanco y negro con mínimos apuntes en color, podríamos estar hablando de la última gran obra maestra de 'Coppola'. Si tanto con 'El Padrino' (1972) como con 'Rebeldes (Outsiders)' (1981) el realizador ya se había adentrado en los extraños hilos de conexión que unen a los miembros de una misma familia, en 'La ley de la calle' pone en escena la fascinación fraternal que surge entre los personajes de Rusty James (Matt Dillon) y El Chico de la Moto (Mickey Rourke antes de transmutarse en monstruo). Siguiendo la línea de 'Rebeldes (Outsiders)' pero estilizando el corpus narrativo hacia un corte más de tragedia griega que de ópera renacentista, esta apabullante película es el canto del cisne de Coppola en su perfecto equilibrio estético y dramático. link: http://www.youtube.com/watch?v=kTN5ptGpnWk 4 - Apocalypse now (1979) Aquellos que hayan leído el fascinante libro de Peter Biskind "Moteros tranquilos, toros salvajes" no podrán de rememorar una y otra vez la imagen de un Coppola desquiciado nadando en nubes de marihuana mandando una y otra vez telegramas a sus amigos barbudos -Scorsese, Lucas, Spielberg y De Palma- para que le enviaran más dinero para acabar su babélica película sobre Vietnam adaptando al Joseph Conrad de "El corazón de las tinieblas". Obra maestra sin paliativos reconfigurada en icono pop -las camisetas de Robert Duvall y su "Charlie don't surf" son tan habituales como las de 'La Naranja mecánica' (1971) o 'Taxi Driver' (1976)- es la película bélica de referencia para todos los amantes del cine. Imprescindible visionar en su versión Redux. link: http://www.youtube.com/watch?v=AO-QAT_8ANg 3 - El Padrino (1972) Cuenta la leyenda histórica que Coppola realizó 'El Padrino' como un encargo en el que no confiaba demasiado. Se trataba de adaptar el best-seller de Mario Puzo de la forma más artesanal posible, que ésta obtuviera dinero para así poder seguir realizando sus películas independientes del corte de 'Llueve sobre mi corazón' (1971) o 'La conversación' (1974). Nadie se podía imaginar que la película acabaría cambiando la historia del cine moderno, conquistando a la crítica, al público y a los académicos que la bañaron en una lluvia de Oscars. Entre los muchos logros que se pueden apuntar a la película quizás cabría señalar el rescate del gran Marlon Brando -un empeño personal de Coppola- en lo que acabaría siendo su interpretación más recordada (por encima de sus clásicos 'La ley del silencio' (1955) y 'Un tranvía llamado deseo' (1951)). link: http://www.youtube.com/watch?v=jk_QdJVv6Sk 2 - La conversación (1974) ¿Qué hace un director tras un éxito tan colosal como 'El Padrino' (1972)? Respuesta: la película que le da la gana. Y en este caso, una nueva obra maestra. Coppola revisita a Antonioni y su 'Blow up' (1966) (que a la vez releía en diagonal a Julio Cortazar y su "Las babas del diablo" y construye la asfixiante epopeya de un especialista en espionaje -sublime Gene Hackman- por descifrar una grabación tras la que se esconde un plan de asesinato. Un viaje hacia la locura de final nada gratificante donde queda en evidencia la sobrada maestría de un empeño personal de Coppola a la hora de poner en escena la obsesión humana. Para muchos, la mejor película de su director, obtuvo la Palma de Oro en Cannes-1974. link: http://www.youtube.com/watch?v=vrhRsZ56b4g 1 - El Padrino. Parte II (1975) Habrá discrepancias... pero no las admitimos. La segunda parte de la saga de los Corleone –sentimos desmerecer 'El Padrino. Parte III' (1990), pero pese a su innegable calidad, se nos queda fuera del top- convierte su film precedente en una mera película de gángsters. Doblemente ambiciosa, ésta era le película que Coppola quería hacer (y que nunca volvió a repetir): una doble narración que, por un lado, persigue los pasos de un joven Vito Corleone (oscarizado Robert De Niro) a su llegada a América y, por otro, continía la narración finalizada en la primera parte con Michael Corleone (terrorífico Al Pacino) como Padrino de la familia. Un festín inacabable que ha sido considerada, repetidamente, como la mejor película de la historia del cine (muy reñida tanto con 'Ciudadano Kane'(1940) como con 'Centauros del desierto' (1956) como con... 'El Padrino' (1972)). link: http://www.youtube.com/watch?v=qJr92K_hKl0&feature=fvst GRACIAS