liacomodoro

Buenas gente! Hoy les dejo una monografia que hice para el area "Historia de la Educacion Argentina", la cual consistia en tomar dos modelos de desarrollo asociados a la educacion y compararlos. Me parecio mas que interesante tomar estos 2 momentos históricos en la Argentina del SXX... espero que lo lean y saquen sus propias conclusiones! Saludos, Lía HISTORIA DE LA EDUCACIÓN ARGENTINA Modelo de Desarrollo Productivo asociado a la Escuela: El Peronismo y La Dictadura INTRODUCCIÓN La escuela ha sido atravesada por distintas épocas en las cuales, según el momento histórico prevalecía una tendencia ideológica u otra. Las hubieron más o menos democráticas y, en el caso de Latinoamérica, extensos períodos de dictadura. En cada época siempre hubieron voces que registraban estos fenómenos socio políticos asociados a la escuela. Voces que sostenían el aparato ideológico o que lo cuestionaban. Entonces, la escuela se levanta en medio de una sociedad que responde a un modelo social, político, económico, cultural. Las prácticas que se gestan en dicha sociedad afectan e influyen en la escuela. Históricamente hubieron diferentes modelos sociales que hicieron de la escuela un ámbito más cerrado hacia la comunidad como por ejemplo el modelo de escuela tradicional o tecnicista. Esta escuela se caracterizó por desarrollar un currículum que formara un modelo de ciudadano de corte netamente funcional, se destacaban los contenidos como única forma de acceder al conocimiento y se negaba todo aprendizaje que partiera de la vida cotidiana. Otro modelo de escuela fue el llamado “Escuela nueva”, que intentó contrarrestar los excesos de la tecnicista, se trataba de preponderar las formas de aprender de los niños, sus necesidades biológicas y psicológicas, era una escuela muy abierta a la comunidad, que planteaba una nueva relación entre los educadores y educandos. De todas maneras, aún cuando diferentes modelos políticos educativos intentaron cerrar las fronteras de la escuela hacia la comunidad esto no se pudo lograr de manera íntegra, el afuera siempre estuvo presente dentro la escuela, nunca se pudo aislar totalmente a la escuela de la realidad social. El tema del presente trabajo es “Modelo de desarrollo productivo asociado a la escuela”, se tratará de hacer un análisis de cómo los distintos estamentos socio políticos ideológicos han incidido en las prácticas educativas, tomando para ello dos momentos históricos: los dos primeros Gobiernos de Perón, 1946 al 1955. El segundo momento histórico sería el período de dictadura desde 1976 hasta 1983. La escuela y Perón: Desarrollo productivo asociado al mejoramiento de las capas populares. Acceso de las capas populares a la escuela. Plan Quinquenal- Reformas educativas- Las escuelas técnicas- Conflictos escuela-Gobierno. Proliferación del Sistema educativo. La escuela y la dictadura: contexto histórico- mecanismos de represión ideológica- la intervención del Estado en la universidad y en la escuela- La Censura- La Persecución- DESARROLLO PERONISMO 1943-1955 Para poder analizar a la escuela dentro del marco de cada época es necesario remontarnos a algunos procesos históricos. Anterior a la época peronista la sociedad trabajadora estaba representada por organismos sindicales que respondían a un pensamiento de corte socialista, Perón ya era conocido por estar al frente Dirección de Trabajo que luego, por intervención de él mismo, se llamó Secretaría de Trabajo. Perón estaba fuertemente influenciado por las ideas de Mussolini a quién admiraba y deseaba llevar a su país esas ideas. Ya conocido como un actor social de fuerte participación logra congregar a diferentes asociaciones sindicales dejando al margen aquellas con ideas comunistas, quienes fueron perseguidas y erradicadas de sus posiciones, tal era ya la fuerza y la presencia social de Perón. Este ya era considerado un líder de las masas sin que todavía hubiese accedido al poder, por esa razón es encarcelado en la Isla Martín García por el oficialismo que veía en esa figura un elemento de fuerza en su contra. Sus seguidores exigieron su liberación el día 17 de Octubre del 1945, que se denominó “Día de la Lealtad peronista”. Ese hecho favoreció su acceso al poder de la Nación. Lo que siguió después no hizo más que acentuar su figura como líder de las masas. Perón encontró un fondo enriquecido y lo utilizó para promover el desarrollo productivo, se abrieron fábricas, se mejoraron los salarios de los trabajadores, que tuvieron acceso a todo lo que la modernidad traía a través de la actividad industrial. El hecho de que el país se viera inmerso en un programa de desarrollo industrial afectó considerablemente a la escuela. Ésta, hasta ese momento tenía como población de estudiantes a la clase media, y media alta, quienes vieron con preocupación un avance de las clases populares conviviendo con ellos, los diferentes estratos sociales estaban fuertemente marcados y comenzaba una nuevo modelo de sociedad, clases desposeídas podían tener oportunidades. Además este hecho se relacionaba con un programa de convertir a la escuela en la cuna de formación de profesionales. El hecho de que se promovieran las fábricas requería de mano de obra calificada y se apuntó a la escuela para ello. Las mujeres también tendrían acceso a la escuela por la sencilla razón de que se requerían puestos femeninos en fábricas como por ejemplo las textiles. Además se trataba de pasar de una sociedad con fuerte rasgo europeizante a una sociedad que valorara lo regional y esto también estaría dentro de la formación escolar. Se destinaron presupuestos para la construcción de escuelas en todos los departamentos y proliferó la educación llegando a todos los sectores populares. No obstante este hecho estuvo acompañado de una imposición doctrinaria en la cual la figura de Perón como el Mesías aparecía tanto en las instituciones, a través de cuadros y fotografías, como en los libros de textos. Estar en desacuerdo con ello era visto como estar en contra de Perón y eso era un riesgo que a la sociedad popular no le preocupaba pero que sí ponía en tensión a la relación de la escuela, los docentes, profesores y el Gobierno. Esta tensión venía de varios caminos, el cambio de una educación tradicional a una con fuerte impronta técnica colocaba a las instituciones con un vacío de capacidad operativa, había que revisar y ordenar la enseñanza en ese sentido. Los docentes no tenían una representación ajustada a esa problemática y por lo tanto sus reclamos hacían agua. Esto se terminó de romper cuando el propio gobierno elabora un estatuto docente de corte peronista donde se contemplaban algunos reclamos pero muchos otros quedaban en la nada. La enseñanza en ese período se caracterizó por ser conductista, el perfil de alumno que se pretendía era el ajustado al aparato productivo. Ordenado, eficiente, funcional. La democratización de la enseñanza presente en el plan Quinquenal del primer período peronista se relacionaba con una escuela para todos, con la posibilidad de acceso a la escuela de aquellos que nunca lo habían tenido. Los objetivos pedagógicos giraban en torno a la enseñanza práctica, al dominio de las normas, los sentimientos y a superación moral. Desarrollo de la historia nacional, del idioma. Además prevalecía el concepto religioso asociado a lo moral en detrimento de la razón. La relación que la escuela tenía con lo social era el trabajo. Esto se daba por ejemplo en la escuela primaria a través del desarrollo de destrezas de los alumnos tanto en el uso de la herramientas como en los diferentes oficios. Ya en el bachillerato, una vez superada la etapa de conocimientos generales, el alumno accedía a la capacitación de dos años en Artes y Oficios. Luego venían las escuelas técnicas de capacitación, perfeccionamiento y especialización. Estas escuelas eran gratuitas para todos los obreros, artesanos o empleados que vivieran de su trabajo. Además las empresas estaban obligadas a cooperar con becas para los tres grados de la enseñanza técnica. Las reformas educativas fueron paradigmáticas ya que trastocaba todo lo anterior, como un efecto cascada las escuelas primarias, que siguieron manteniendo una enseñanza más tradicional desde el nivel inicial, no obstante aparecía en ellas rasgos curriculares en consonancia con esta modalidad de enseñanza para el trabajo. La reforma de 1949 con la caída de Plan Quinquenal pone en tercer lugar la capacitación profesional priorizando en primer lugar el desarrollo de las virtudes y en segundo lugar perfeccionamiento de las facultades intelectuales y sociales. Con este cambio de metas educativas se pretende bajar los decibeles de una educación fuertemente tecnicista. El avance de los acuerdos del gobierno de Perón con los EEUU deterioró las relaciones con la Iglesia, esto derivó en una Ley sancionada en el Congreso donde se suprimía la enseñanza religiosa en las escuela públicas y se reducían los presupuestos del Estado a las escuelas religiosas privadas. LA DICTADURA 1976-1983 El segundo período de análisis pone en relación la escuela con la época de la dictadura de los años 1976 hasta 1983. Ese Gobierno De Facto irrumpió en gestión de Isabel de Perón, se impuso en medio de un moderado acompañamiento de la clase media conservadora que veía en ello una posibilidad de volver a un modelo social ordenado. De eso se trataba, reestablecer el orden perdido, perseguir y ultimar a los revolucionarios. El Gobierno de Videla se impuso de inmediato a través de metodologías de terror, la prohibición a determinadas prácticas sociales y culturales, la censura en cuanto a la opinión y la libre expresión. Los militares estaban en todos lados, formaban parte del paisaje de todos los días, pronto se instaló el miedo en la población y ganó la obediencia a las órdenes impartidas a través de sendos comunicados del Estado Mayor Conjunto. Los centros de mayor vulnerabilidad fueron las universidades, la dictadura, conciente de que el desarrollo del intelecto no se corresponde con formas de opresión, vieron allí un semillero de grupos de oposición al Estado, entonces implementó una metodología compuesta por listas de participantes en los centros de estudiantes que representaban un riesgo para el Estado. Gran cantidad de jóvenes fueron secuestrados, torturados para que declaren otros nombres y luego asesinados. La intervención de la Dictadura en la Escuela fue de carácter catastrófico. Los militares son esencialmente de “elite” y buscaron en todo momento quitar de ella a las capas populares, favoreciendo la deserción y la repitencia. Muy pronto las estadísticas daban cuenta de la tremenda población estudiantil que quedaba fuera del Sistema escolar. Esta situación trajo aparejado otro fenómeno que proliferó rápidamente, la delincuencia infanto-juvenil. Se instaló de manera alarmante el analfabetismo. Esto se suma a otros elementos aberrantes de las políticas de Estado, la censura bibliográfica. Las bibliotecas, símbolos de la cultura no tenían razón de ser. Había gruesas listas de libros prohibidos, su no cumplimiento exponía a la detención. Las prácticas educativas giraban en torno a metodologías estructuralistas que no ponían en riesgo un lectura del contexto. Las lecturas rondaban la moral, la religión y las buenas costumbres. Se veneraban los símbolos patrios, las fechas alusivas, la participación de eventos deportivos y fiestas cívico-militares. A través de un documento de circulación, se trataba de someter a la escuela bajo el dominio de la dictadura instalando conceptos denominados pedagógicos tales como: guerra, enemigos, infiltración y subversión. La dictadura veía en la escuela el campo propicio para la penetración de la ideología dominante. Se consideraba a los docentes con un alto riesgo de pensamiento marxista, este documento trataba de frenar dicho riesgo a través de instrumentos de presión. La tendencia educativa conservó, el carácter tecnocrático industrialista a pesar de que la dictadura provocó un proceso agudo de desindustrialización, esto se corresponde con las contradicciones propias de ese modelo de Estado como por ejemplo cuando Adriana Puigróss dice: “(..) se prometía libertad ...para después de la limpieza ideológica de los establecimientos educativos(...)” La dictadura militar pretendió imponer un modelo de país en el cual primara un sentimiento nacionalista que poco a poco se fue traduciendo a un sentimiento de gran impotencia. La acción genocida ya conocida por todos, la inflación desmedida, el creciente problema económico para todos los sectores, las fábricas cerradas, la desocupación, la censura. Todo esto se sumó a la locura de una guerra sin sentido de la mano de Galtieri que sólo sumó víctimas. Sin argumentos para sostener su propio Gobierno Galtieri entrega el mando, y se recompone la democracia. La escuela ya sido herida fatalmente. CONCLUSIÓN El análisis que se pretendió hacer de estos dos momentos históricos de la historia de nuestro país asociados a la escuela, es de qué manera el desarrollo productivo afectó el desarrollo de la escuela. Como se pudo apreciar la época peronista estuvo marcada fuertemente por el desarrollo de la producción, y la escuela como institución regulada por el estado se vio muy afectada a ese proceso porque fue el instrumento en el cual se podía desarrollar en los alumnos todo tipo de competencias asociadas al aparato productivo. Era necesario instruir, alfabetizar para incorporar mano de obra calificada en los diferentes puestos de trabajo. Hubo un gran movimiento social donde las ciudades se convertían en grandes conglomerados como Buenos Aires, Córdoba, Rosario. No obstante este período estuvo atravesado por diferentes conflictos educativos, el cambio radical en los modos de enseñar, la burocratización del sistema educativo trajo aparejadas serias demandas del sector con el Estado, además de la fuerte imposición doctrinaria en la escuela. En segundo período de Perón se descomprimió el programa de capacitación laboral que se venía aplicando y se fijaron otras metas. Así y todo el desarrollo productivo afectó de manera paradigmática a la escuela. La dictadura, en cambio, no fijó metas asociadas al desarrollo productivo sino todo lo contrario, sus metas tenían que ver con un país ordenado por arriba y un país oculto que se quebraba lentamente por el accionar de los mecanismos de represión. La escuela, para los militares, era un peligro, con planes educativos absolutamente incoherentes se trataba de formar un individuo obediente y temeroso de la autoridad, esto, también iba para los docentes. Un aparato productivo inerte se tradujo también en la escuela que, al igual que la sociedad se desmoronaba en un sin sentido. En la etapa de Perón la escuela de alguna manera daba respuestas a la sociedad porque había un modelo de desarrollo productivo, en cambio esa función de la escuela se ve interrumpida en la dictadura y sin tener otro modelo a cambio. El continuar con la modalidad técnica en el proceso fue una falacia que no se pudo sostener mucho tiempo y que colaboró junto a otros factores para el derrocamiento de la dictadura.

bueno gente, este es mi primer post, espero que les sirva para la tarea! Sistema Digestivo: conceptos básicos Digestión: La digestión es el proceso por el cual el alimento es desintegrado en moléculas que pueden ser incorporadas por las células que tapizan el intestino, las cuales son transferidas al torrente sanguíneo y se distribuyen a las células individuales del cuerpo. Este proceso ocurre en etapas sucesivas, que son reguladas por la interacción de hormonas y estímulos nerviosos. Absorción: En el proceso de absorción el intestino delgado y el intestino grueso toman los nutrientes y el agua del bolo alimenticio para su posterior transferencia al resto del cuerpo, o sea, al resto de las células. Excreción: Es el proceso por el cual el organismo elimina desechos metabólicos del cuerpo de un organismo. Es decir, desde el punto de vista del sistema digestivo, desecha lo que ha quedado del bolo alimenticio que no se pudo degradar o absorber. recorrido del alimento desde que se ingiere hasta que se excreta http://www.uploadfilesystem.com//viewimage.php?file=/imagenes/10/08/30/EuJ52374.jpg Glándulas anexas: Glándulas salivales: se encuentran en la boca y hay tres pares. Su función principal producir saliva, cuya tarea es humedecer y lubricar el alimento. La saliva es ligeramente alcalina debido a que contiene bicarbonato de sodio. En muchos mamíferos la saliva contiene una enzima, la amilasa salival, que digiere inicialmente hidratos de carbono como los almidones. Hígado: Almacena vitaminas solubles en grasas. Produce bilis que se almacena en la vesícula biliar y contribuye a la degradación de las grasas. Desempeña un papel fundamental en: la regulación del colesterol sanguíneo al producir lipoproteínas del plasma que transportan por el torrente sanguíneo colesterol, grasa y otras sustancias insolubles en agua; regulación hormonal, inactivando diversas hormonas; en la regulación de la glucosa sanguínea, almacenando y liberando carbohidratos. Fabrica proteínas del plasma y degrada: la hemoglobina de los glóbulos rojos muertos o dañados a bilirrubina; y sustancias extrañas, como el alcohol, que pueden formar productos metabólicos que dañan a las células hepáticas e interfieren en sus funciones. Vesícula biliar: luego de que el hígado produjo bilis, ésta circula a través de conductos hasta la VB, donde se acumula Páncreas: aporta la mayor parte de secreción neutralizante, secreta además agua, iones y diversas enzimas inactivas, que luego son activadas. Se diferencia en dos porciones: páncreas exocrino y endocrino. El exocrino secreta agua, iones y la amilasa pancreática que degrada el almidón, además de otras enzimas que degradan grasas y proteínas como la tripsina. El endocrino produce hormonas peptídicas como la insulina entre otras, que son liberadas al torrente sanguíneo. Estas hormonas participan en la regulación de los niveles de glucosa en sangre. La finalidad del proceso de digestión es poder generar energía o ATP para poder realizar las actividades físicas y psíquicas que realizamos a diario. A través del proceso de digestión y de respiración conjuntamente, se realizan una serie de procesos metabólicos que permiten la liberación de estas moléculas Adenosina Trifosfato. Cuando ingerimos alimentos estamos introduciendo a nuestro cuerpo moléculas combustibles: Hidratos de Carbono, Proteínas y Lípidos. Cada uno de ellos sigue un proceso diferente de fraccionamiento pero todos ellos terminan en el de la fosforilación oxidativa, que es allí donde se unen la respiración y la digestión. Sustancias y bacterias en el sistema digestivo: Flora intestinal: el intestino grueso aloja una población de bacterias simbióticas, como E. coli y especies de Lactobacillus. Estos microorganismos degradan el alimento que escapó la digestión y la absorción del intestino delgado y a partir de él sintetizan aminoácidos y vitaminas. Los humanos aprovechamos algunas de esas vitaminas, como la K, que no podemos sintetizar. Acido clorhídrico: en el estómago, las glándulas liberan protones e iones cloruro, formando HCl. El HCl destruye a la mayoría de los microorganismos presentes en el alimento, acidifica el jugo gástrico, cuyos niveles de PH varían normalmente entre 1,5 y 2,5, una acidez muy superior a la de cualquier otro líquido corporal. PH alcalino en el duodeno: la neutralización del PH en el duodeno es esencial, por que los ácidos estomacales llegan al duodeno, pero son neutralizados rápidamente por las enzimas alcalinas producidas por el hígado, para así poder llegar a un PH en el intestino delgado de entre 7 y 8. PH ácido en el estómago: el PH ácido del estómago (entre 1,5 y 2,5) del HCl cumple una función muy importante en el estómago, que es la de terminar con los microorganismos que puedan estar presentes en los alimentos que ingerimos que nos puedan hacer daño. Esfínteres: Cardias: es la abertura que vincula el esófago con el estómago en el ser humano y funciona a modo de válvula de ingreso a la bolsa gástrica. Píloro: es un esfínter que separa el estómago del intestino delgado, su función es controlar el vaciamiento del estómago, ya que en este proceso el alimento esta convertido en una masa semilíquida llamada quimo que tiene mucha acidez. El píloro controla la salida de esa masa para que pueda lentamente ir pasando al ID, donde lo reciben enzimas alcalinas para neutralizar la acidez y no dañarlo.

Esta es una monografía que hice con una compañera para la materia "Culturas y estéticas contemporáneas" espero que si alguien busca algo de esto le sirva, o aprecie el arte surrealista aprenda algo!! SURREALISMO Fundamentación Elegimos al surrealismo, más que nada por la temática del movimiento. Considerando el contexto en el que se desarrolla, nos pareció interesante que no hayan simplemente “copiado” la realidad, si no que todo lo contrario, apostaron por “su” realidad, lo que interpretaban ellos de sus sueños. De esta manera, relacionando la realidad subjetiva con objetos cotidianos, se obtuvo la llamada suprarrealidad. Entre los exponentes de este movimiento desarrollamos a Dalí y Kahlo. A Dalí, por que además de ser el más conocido, introdujo en el surrealismo su propio método, el paranoico-crítico. Y a Frida Kahlo, por ser latinoamericana y más que nada su historia personal, de cómo a pesar de las adversidades pudo crear tan maravillosas obras, al igual que Dalí. Marco teórico Las Vanguardias Históricas surgen a partir de la Primera Guerra Mundial, el genocidio provoca en los jóvenes artistas la idea de protesta, de revolución a partir del arte, las letras y las ideas, para tomar conciencia de lo que había sucedido en la Guerra. El arte vanguardista transmitirá dolor, que busca romper lo tradicional, argumentando que anteriormente las obras no reflejan la sociedad. En Francia la vanguardia es el Fauvismo, inspirada en Gauguin. El color se independiza, colores imposibles (caballos verdes, por ejemplo). Es un arte decorativo. Un exponente de esta vanguardia es Mattise. En cambio en Alemania es el Expresionismo, cuyo precursor fue Van Gogh, aquí los protagonistas son los sentimientos, lo gestual. El principal expresionista es Munch. Otra vanguardia es el Dadaísmo, se caracteriza por el anti belicismo, usando la ironía y el sarcasmo. Utilizan objetos de la vida cotidiana para llevarlos a una obra artística. En España los sueños parecen ser el único escape del mundo nefasto, así surge el Surrealismo, influenciado por la teoría psíquica de Freud. Dalí es el principal pintor de este movimiento, que coloca objetos de la realidad, pero fuera de contexto, creando combinaciones imposibles (por ejemplo, “La persistencia de la Memoria”. El surrealismo sostiene que la inconciencia refleja más de nuestro interior que lo que podríamos saber en un estado de conciencia, ya que se pueden ver los deseos y temores ocultos. Otra exponente de este movimiento es la mexicana Frida Kahlo, quien introduce, junto con otros, un fuerte color local en las pinturas Todos estos movimientos artísticos surgidos a partir de la Guerra no son para nada homogéneos, cada uno es diferente al otro y representan o simbolizan cada uno su idea de la realidad o surrealidad. Todos ellos piensan a la sociedad como algo nefasto, de desolación, tristeza; pero cada uno tiene una visión y una perspectiva diferente. Contexto “No es posible considerar al surrealismo sin situarlo en su tiempo” Aragon Entre los años 1914 y 1918 se produjo el conflicto armado que enfrentó a las potencias centrales de Europa: la Primera Guerra Mundial. En la Europa pos- guerra se podía ver claramente dos sectores: el de los vencedores y el de los vencidos, sin embargo ambos se encontraron inmersos en una miseria total, donde a partir de ese momento, se empieza a mirar de una manera crítica al régimen. Esto provocó ideas de protesta y de revolución en los artistas, como André Breton, Paul Eluard, Louis Aragon, entre otros; que respondieron al llamado de movilización de sus clases con el sentimiento de inutilidad de ese conflicto bélico. Ellos buscaron que el público tome conciencia del genocidio al que han sometido a toda una generación y a la realidad de no haber hecho nada para evitarlo. Es entonces que se trata de romper con los cánones tradicionales existentes, por ver en ellos el reflejo de una sociedad con la que no se identifican. Al respecto Maurice Nadeau plantea que “… A cambio de una destrucción radical, que era necesaria, construyeron valores nuevos en un clima de creación del mundo. Esta revolución poética fue posible mediante una revolución íntima del hombre y de sus relaciones con el mundo. Veinte siglos de opresión cristiana no consiguieron dominar el deseo del hombre y su intención de satisfacerlo. El surrealismo proclama la omnipotencia del deseo y la legitimidad de su realización… con su voluntad de destrucción total de esos vínculos impuestos por la familia, la moral y la religión” El dadaísmo Es fuera de Francia, en Suiza, donde se construyen un artificio de guerra especialmente mortífero para la poesía y arte tradicionales, como protesta ante cualquier orden establecido o cualquier sistema racional sujeto a normas. La impaciencia de vivir y la náusea ante la lógica y el lenguaje de la vida moderna provocaron que, en 1916, en Zurich,-lugar de refugio de emigrados de todo género y países-, Tristán Tzara junto con otros dos, abrieron un diccionario al azar, bautizan con el nombre de Dadá, un movimiento que obró poderosamente sobre los destinos del naciente surrealismo. El dadaísmo se trató de una rebelión en la que lo absurdo y lo grotesco se impuso a los valores estéticos, manifestando su repudio creando obras escandalosas. Si bien el dadaísmo es el precursor inmediato del surrealismo, cabe destacar que, tanto uno como el otro, hacían una dura crítica a la realidad bélica del momento. El cambio se produce a partir de la ruptura del dadaísmo como grupo, sus máximos pensadores, Breton y Tzara, se separan por tener distintos ideales, por ejemplo, la manera de pensar sobre los descubrimientos científicos, filosóficos y psicológicos de la época. Esto genera que cada uno siga por caminos diferentes. SURREALISMO A partir del dadaísmo, nace un movimiento artístico y literario, -en Francia, en el primer cuarto del siglo XX-, en torno a la personalidad del poeta André Breton e influido por la teoría sicoanalítica de Freud. Constituye una de las conocidas vanguardias históricas. Breton expone la psicología surrealista desde el inconsciente que es la región del intelecto donde el ser humano no objetiva la realidad sino que forma un todo con ella. El arte, no es representación sino comunicación vital directa del individuo con el todo. Esa conexión se expresa en las casualidades significativas (azar objetivo), en las que el deseo del individuo y el devenir ajeno a él convergen imprevisiblemente, y en el sueño, donde los elementos más dispares se revelan unidos por relaciones secretas. El surrealismo propone trasladar esas imágenes al mundo del arte por medio de una asociación mental libre, sin la intromisión censora de la conciencia. De ahí que elija como método para lograr la plena libertad creadora, el automatismo, donde se habla a través del inconsciente y especialmente los sueños. El surrealismo sostiene que la parte onírica y la actividad inconsciente de vigilia son esenciales, porque develan más de nuestro interior y de nosotros mismos, que todo lo que podríamos crear o elaborar de un modo más mediato y conciente. Al surrealismo lo consideraron sus fundadores no como una nueva escuela artística, si no como un medio para el conocimiento de regiones novedosas que hasta el momento no habían sido sistemáticamente exploradas: el inconsciente, lo maravilloso, el sueño, la locura, los estados de alucinación. Si a esto se agrega lo fantástico y lo asombroso que existe en el mundo, tenemos, en una palabra, el reverso de la concepción lógica. El médico austriaco Sigmund Freud, presenta en su teoría el primer esquema del aparato psíquico, el cual está conformado por: el Inconsciente, el preconciente y el conciente. Llamamos conciente a las representaciones mentales que provienen del exterior, es decir, a las imágenes mentales de lo que percibimos en la realidad. Llamamos preconciente a las ideas latentes que pueden volver a la conciencia, voluntaria o involuntariamente. El inconsciente no se muestra directamente a nuestro conocimiento, si no que se manifiesta por otras vías, por ejemplo el sueño. En él se encuentran los deseos e ideas reprimidas no accesibles al conciente. El conciente está regulado por sus propias leyes, como la ausencia de negación, donde no existe el no, nada está prohibido; la ausencia de duda, la falta de principio de contradicción, cuando soñamos la lógica no existe, los muertos viven, podemos ser niños y viejos; y la falta de temporalidad, hechos y personas del pasado conviven en el presente. Las ideas y deseos reprimidos que se encuentran en el inconsciente son resultado del conflicto entre el principio del placer con rectoría de la atracción sexual, y la realidad que reprime al instinto, al deseo, al temor y la esperanza. Este movimiento surrealista preconizaba la abolición de los valores culturales tradicionales, así como el rechazo a las tradiciones estéticas y los procesos racionales. Es por este motivo que a través de sus manifiestos representan violentas rupturas con todo lo conocido hasta el momento. TÉCNICAS El surrealismo tomó del dadaísmo algunas técnicas de fotografía y cinematografía así como la fabricación de objetos. Extendieron el principio del collage (el "objeto encontrado" al ensamblaje de objetos incongruentes, como en los poemas visibles de Max Ernst. Este último inventó el frottage (dibujos compuestos por el roce de superficies rugosas contra el papel o el lienzo) y lo aplicó en grandes obras. Otra de las nuevas actividades creadas por el surrealismo fue la llamada cadáver exquisito, en la cual varios artistas dibujaban las distintas partes de una figura, sin saber lo que el compañero había dibujado; las criaturas resultantes pudieron servir de inspiración a Miró. Otra manera de realizar la actividad es: en un grupo una persona escribe una palabra en un papel, luego lo dobla y lo pasa al compañero, quien deberá hacer lo mismo y así sucesivamente hasta terminar la ronda. Luego se abrirá el papel y se dará lectura al resultado. Por ejemplo: “el cadáver exquisito beberá el vino nuevo” (éste ejemplo sirvió para dar el nombre al juego) En el terreno literario, el surrealismo supuso una gran revolución en el lenguaje y la aportación de nuevas técnicas de composición. Como no asumía tradición cultural alguna, ni desde el punto de vista temático ni formal, prescindió de la métrica y adoptó el tipo de expresión poética denominado como versículo: un verso de extensión indefinida sin rima que se sostiene únicamente por la cohesión interna de su ritmo. Igualmente, como no se asumía la temática consagrada, se fue a buscar en las fuentes de la represión psicológica (sueños, sexualidad) y social. Para ello utilizaron los recursos de la transcripción de sueños, la escritura automática y engendraron procedimientos metafóricos nuevos como la imagen visionaria. El lenguaje se renovó también desde el punto de vista del léxico dando cabida a campos semánticos nuevos y la retórica se enriqueció con nuevos procedimientos expresivos. La pintura surrealista Dalí utilizaba la fijación de imágenes tomadas de los sueños, según Breton, «...abusando de ellas y poniendo en peligro la credibilidad del surrealismo...»; inventó lo que él mismo llamó método paranoico-crítico, una mezcla entre la técnica de observación de Leonardo da Vinci por medio de la cual observando una pared se podía ver como surgían formas y técnicas de frottage (francés: frotar. Técnica de dibujo basada en aplicar un papel sobre una superficie irregular y frotarla con lápices o crayones para trasladas al papel los detalles de la superficie subyacente); fruto de esta técnica son las obras en las que se ven dos imágenes en una sola configuración. Óscar Domínguez inventó la decalcomanía (aplicar gouache negro sobre un papel el cual se coloca encima de otra hoja sobre la que se ejerce una ligera presión, luego se despegan antes de que se sequen). Además de las técnicas ya mencionadas de la decalcomanía y el frottage, los surrealistas desarrollaron otros procedimientos que incluyen igualmente el azar: el raspado, el fumage y la distribución de arena sobre el lienzo encolado. Otra técnica utilizada por los surrealistas era el montage, que es la combinación de elementos de la realidad que se disponen, creando contradicciones absurdas. Miró fue para Breton el más surrealista de todos, por su automatismo psíquico puro. Su surrealismo se desenvuelve entre las primeras obras donde explora sus sueños y fantasías infantiles (El Campo labrado), las obras donde el automatismo es predominante (Nacimiento del mundo) y las obras en que desarrolla su lenguaje de signos y formas biomorfas (Personaje lanzando una piedra). Arp combina las técnicas de automatismo y las oníricas en la misma obra desarrollando una iconografía de formas orgánicas que se ha dado en llamar escultura biomórfica, en la que se trata de representar lo orgánico como principio formativo de la realidad. René Magritte dotó al surrealismo de una carga conceptual basada en el juego de imágenes ambiguas y su significado denotado a través de palabras poniendo en cuestión la relación entre un objeto pintado y el real. Paul Delvaux carga a sus obras de un espeso erotismo basado en su carácter de extrañamiento en los espacios de Giorgio de Chirico. El surrealismo penetró la actividad de muchos artistas europeos y americanos en distintas épocas. Pablo Picasso se alió con el movimiento surrealista en 1925; Breton declaraba este acercamiento de Picasso calificándolo de «...surrealista dentro del cubismo...». Se consideran surrealistas las obras del período Dinard (1928-1930), en que Picasso combina lo monstruoso y lo sublime en la composición de figuras medio máquinas medio monstruos de aspecto gigantesco y a veces terrorífico. Esta monumentalidad surrealista de Picasso puede ponerse en paralelo con la de Henry Moore. DALÍ Salvador Felipe Jacinto Dalí i Domènech, Marqués de Pujol, más conocido como Salvador Dalí, fue un pintor, escultor, diseñador, escritor y cineasta español. Dalí nació el 11 de mayo de 1904, en España. A los cinco años, sus padres le llevaron a la tumba de su hermano y le contaron que él era su reencarnación, hecho que llegó a creer. De su hermano, Dalí comentó: "Yo he vivido la muerte antes de vivir la vida. Mi hermano murió a causa de una meningitis, a la edad de siete años, tres antes de mi nacimiento" [...] "nos parecíamos como dos gotas de agua, sólo que con diferentes reflejos". En 1922, Dalí fue a estudiar a la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando. Dalí ya llamaba la atención por su excentricidad; llevaba pelo largo y patillas y vestía con abrigo, medias y pantalones bombachos, al estilo de la moda del siglo anterior. Pero sus pinturas, en las que experimentaba con el cubismo, le hicieron ganar la mayor atención de sus compañeros estudiantes. Es probable que, en sus primeras obras cubistas, Dalí no entendiera bien este movimiento artístico, ya que la única información sobre el cubismo le llegaba a través de algunos artículos de revistas y de un catálogo que le dio Pichot-un pintor amigo-, ya que, por aquellas fechas, no había pintores cubistas en Madrid. Dalí también experimentó con el dadaísmo, que influyó en su obra a lo largo de su vida. En la Real Academia, se hizo gran amigo del poeta Federico García Lorca y del director de cine Luis Buñuel. Dalí fue expulsado de la Academia en 1926, poco antes de sus exámenes finales, tras afirmar que nadie en la Academia era lo bastante competente para examinarlo. Su maestría en las habilidades pictóricas está bien documentada ya por aquella época, como queda patente en su Cesta de pan, un cuadro de un realismo impecable que fue pintado en 1926. Ese mismo año, hizo su primer viaje a París, donde conoció a Pablo Picasso, a quien el joven Dalí reverenciaba; Picasso ya había oído palabras favorables sobre Dalí en boca de Joan Miró. Dalí realizó un gran número de obras con una fuerte influencia de Picasso y Miró durante los siguientes años mientras avanzaba desarrollando su propio estilo. Sin embargo, algunas tendencias de la obra de Dalí que continuarían a lo largo de su vida ya se hicieron evidentes en la década de 1920. Dalí devoró influencias de todos los estilos artísticos que podía encontrar y produjo obras que iban desde el clasicismo más académico hasta el avant-garde más puntero, unas veces en obras separadas y otras combinadas. Las exposiciones de sus obras en Barcelona llamaron mucho la atención de la crítica, que entremezclaba de alabanzas con muestras de perplejidad. En 1929 Dalí colaboró con el director de cine surrealista Luis Buñuel en el cortometraje Un chien andalou ("Un perro Andaluz". Fue el encargado de ayudar a Buñuel a escribir el guión para la película y ahí conocío a su musa de inspiración y su futura esposa Gala Eluard Dalí o simplemente Gala. Principalmente, era responsable de ayudar a Buñuel escribiendo el guión para la película. Dalí declaró más tarde, haber estado involucrado más profundamente en la filmación del proyecto, pero esto no está corroborado por relatos contemporáneos. En el mismo año, Dalí tuvo importantes exhibiciones profesionales y se unió, oficialmente, al grupo surrealista en el barrio de Montparnasse, en Paris (aunque, durante dos años, su trabajo ya había sido fuertemente influenciado por el surrealismo). Se convierte en un punto de referencia del movimiento surrealista. Dalí utilizaba más la fijación de imágenes tomadas de los sueños, según Breton, "...abusando de ellas y poniendo en peligro la credibilidad del Surrealismo...". Inventó lo que él mismo llamó "método paranoico-crítico", una mezcla entre la técnica de observación de Da Vinci por medio de la cual observando una pared se podía ver como surgían formas y técnicas de frottage; fruto de esta técnica son las obras en las que se ven dos imágenes en un sola configuración. En 1936, Breton expulsó a Dalí por sus tendencias fascistas y a Paul Éluard. En 1940, debido a la Segunda Guerra Mundial, Dalí se fue a vivir con Gala a los Estados Unidos, donde permaneció hasta 1948, una de las épocas más fructíferas de su vida. Después de la muerte de Gala en 1982, la salud de Dalí decayó muchísimo y él se trasladó a vivir desde Cadaqués a su casa en Pubol. El rey Juan Carlos I le concedió el título de Marqués de Pubol. Un incendio en su habitación en 1984 hizo que se trasladase a unas habitaciones en Torre Galatea, edificio anexo al Teatro-Museo, donde permaneció prácticamente recluso hasta su muerte el 23 de enero de 1989. La mayor parte de su obra fue donada por él mismo a España. El gran masturbador Es un famoso cuadro del pintor español Salvador Dalí pintado en 1929. Está hecho mediante la técnica del óleo sobre lienzo, es de estilo surrealista y sus medidas son 110 x 150 cm. Se conserva en Madrid, en el Museo Reina Sofía pues fue legado por Dalí al Estado español. Este cuadro tiene las características de toda su pintura surrealista y posee una unidad equilibrada a pesar del gran número de elementos que presenta. Refleja el malestar del autor que temía, incluso, perder la cordura. Tanto el título, como el motivo central no dejan dudas sobre las implicaciones sexuales del cuadro; el sexo era una de las obsesiones del pintor. En la pintura están retratadas todas las obsesiones del autor: • El elemento principal es su autorretrato, mezcla de cabeza humana y rocas de la costa Brava de los alrededores de Cadaqués, que repetirá en muchos otros cuadros como La persistencia de la memoria y El enigma del deseo. Estilizado pero reconocible, se caracacteriza por su color amarillento, su gran nariz apoyada en el suelo y su cara alargada. Las pestañas largas representan la contraposición entre el sueño anodino de una consumación física irremediable y el sueño de que nuestros deseos se cumplan. • El saltamontes, un animal que le provocaba terror desde su infancia y que se encuentra pegado a la boca de su autorretrato. Está en estado de descomposición, lo que atrae muchas hormigas que simbolizan la muerte. • Un anzuelo como atadura a su familia que quería retenerle a su lado y volver a un modo de vida tradicional del que él da muestras de querer desprenderse definitivamente. • El león como deseo sexual, con una lengua rosada como símbolo fálico. • Unas piedras como su pasado. • Una figura aislada como soledad. • El tema de la masturbación aparece en la mujer que emerge de su retrato y cuyo rostro esta cerca de unos genitales masculinos escondidos en unos ceñidos calzoncillos. • Un lirio pegado a la mujer que simboliza la pureza, una enrevesada forma de definir a la masturbación como la relación sexual más pura. El pistilo de la flor es, además, otro símbolo fálico. • Como es normal desde que la conoció, Gala aparece representada, en este caso en la pareja que se abraza, donde ella se metamorfosea en una roca, recuerdo de los paseos que dieron por la playa. La persistencia de la memoria Conocido también como Los relojes blandos es un famoso cuadro del pintor español Salvador Dalí pintado en 1931. Está hecho mediante la técnica del óleo sobre lienzo, es de estilo surrealista y sus medidas son 24 x 33 cm. Se conserva en el MoMA (Museo de Arte Moderno) de Nueva York. Llegó allí en 1934 a través de una donación anónima. En una revisión posterior creó La desintegración de la persistencia de la memoria. Antes de ser adquirida por el MoMA, la pintura fue expuesta en la Galería Pierre Colle de París, del 3 al 15 de junio de 1931, y, en enero de 1932, en la galería Julien Levy de Nueva York, en una retrospectiva dedicada a los surrealistas. Sueño causado por el vuelo de una abeja alrededor de una granada un segundo antes de despertar Realizado en 1944, está hecho mediante la técnica del óleo sobre lienzo, es de estilo surrealista y sus medidas son 51 x 41 cm. Se conserva en Madrid, en el Museo Thyssen-Bornemisza. Dalí, siguiendo las teorías de Freud, quiso representar en el cuadro el hecho de que, a veces, se introducen en el sueño estímulos derivados de acontecimientos exteriores que son integrados en él. También se ha sugerido que la pintura es "una surrealista interpretación de la Teoría de la Evolución". Este fue uno de los pocos cuadros pintados por Dalí en 1944. En esos momentos se dedicaba a diseñar escaparates, a hacer decorados para películas de Hollywood o a diseñar portadas para la revista Vogue, y le quedaba poco tiempo para pintar. A pesar de que por aquel entonces pintaba sobre temas religiosos y había abandonado el surrealismo ortodoxo, en donde se introducía en el mundo de los sueños, el largo título del lienzo muestra su intención de otorgarle al cuadro un carácter psicoanalítico. En el cuadro aparece un paisaje marino, quizás Port Lligat, en el que aparece la mujer del artista, Gala desnuda. Junto a su cuerpo, flotando sobre una roca, que a su vez levita sobre el mar, hay dos gotas de agua suspendidas y una granada. Gala se despierta en el momento en el que el zumbido de una abeja que vuela alrededor de la granada le evoca la imagen de una bayoneta a punto de herirla. La bayoneta procede a su vez de un tigre, este sale de la boca de otro tigre, este de la de un pez y este de una granada gigante. El sueño es representado a través de las imágenes oníricas que vemos en ellos. Al fondo se ve un elefante de largas y delgadas patas con el que Gala estaba soñando antes de las terroríficas imágenes que le evoca la avispa. Esta imagen, inspirada en la escultura del elefante con el obelisco en el lomo que se encuentra en la plaza de Santa Maria sopra Minerva en Roma, obra de Bernini, reaparecerá en otros cuadros del pintor como La tentación de San Antonio y en la escultura de oro y piedras preciosas de 1956 llamada El elefante espacial. La imagen de la mujer tumbada en las rocas aparece en algunas pinturas y dibujos de 1926, pero el expresionismo de entonces se ha transformado en un clasicismo que se objetivará en algunos desnudos como los de Leda atómica, Dalí desnudo en contemplación ante cinco cuerpos regulares o el Cristo de Gala. Palabras de Dalí En este sueño, Dalí pretendía, según explicó en 1962: “Poner en imágenes por primera vez el descubrimiento de Freud del típico sueño con un argumento largo, consecuencia de la instantaneidad de un accidente que provoca el despertar. Así como la caída de una barra sobre el cuello de una persona dormida provoca simultáneamente su despertar y el final de un largo sueño que termina con la caída sobre ella de la cuchilla de una guillotina, el ruido de la abeja provoca aquí la sensación del picotazo que despertará a Gala”. Frida Kahlo Magdalena del Carmen Frida Kahlo Calderón, mejor conocida como Frida Kahlo (n. Coyoacán, Ciudad de México; 6 de julio de 1907 - 13 de julio de 1954) A pesar de haber nacido en 1907, Frida decía haber nacido en 1910, año del inicio de la Revolución Mexicana: "Nací con la Revolución" , porque quería que su vida comenzara con el México moderno. Este detalle nos muestra su singular personalidad, caracterizada desde su infancia por un profundo sentido de la independencia y la rebeldía contra los hábitos sociales y morales ordinarios, movida por la pasión y la sensualidad. Orgullosa de su mexicanidad y de su tradición cultural, se enfrentó a la reinante penetración de las costumbres estadounidenses, todo ello mezclado con un peculiar sentido del humor. Su vida quedó marcada por el sufrimiento físico que comenzó con la poliomielitis que contrajo en 1910 y continuó con diversas enfermedades, lesiones, accidentes y operaciones. Esta primera enfermedad le dejó una secuela permanente: la pierna derecha mucho más delgada que la izquierda. En 1922 entró en la Escuela Nacional Preparatoria de Ciudad de México, la más prestigiosa institución educativa de México. Allí sus travesuras la convirtieron en la cabecilla de un grupo mayoritariamente formado por chicos rebeldes. Fue precisamente en esta escuela donde entraría en contacto con su futuro marido, el conocido muralista mexicano Diego Rivera, a quien le había sido encargado pintar un mural en el auditorio de la escuela. En 1925 aprendió la técnica del grabado con Fernando Fernández Domínguez. El 17 de septiembre de ese mismo año un accidente de tranvía la dejó con lesiones permanentes debido a que su columna vertebral quedó fracturada y casi rota, así como diversas costillas, cuello y la pelvis, su pie derecho se dislocó quedando machacado, su hombro se descoyuntó y un pasamanos le atravesó el vientre, introduciéndosele por el costado izquierdo. La medicina de su tiempo la torturó con operaciones quirúrgicas (32 a lo largo de toda su vida), corsés de distintos tipos y diversos mecanismos de "estiramiento". El aburrimiento que le provocaba su postración la llevó a empezar a pintar: en 1926, todavía en su convalecencia, pintó su primer autorretrato, el primero de una larga serie en la cual expresará los eventos de su vida y sus reacciones emocionales ante los mismos. La mayoría de sus pinturas las realizará estirada en su cama y en el baño. Sin embargo su gran fuerza y energía por vivir le permitieron una importante recuperación. La artista contrajo matrimonio con Rivera el 21 de agosto de 1929. Su relación consistió en amor, aventuras con otras personas, vínculo creativo, odio y un divorcio en 1940 que solamente duró un año. Poco después de su divorcio con Diego Rivera, Frida Kahlo terminó un autorretrato constituido de dos personalidades: Las Dos Fridas. Con este cuadro, asimila la crisis marital, a través de la separación entre la Frida en traje de tehuana, el favorito de Diego, y la otra Frida, de raíces europeas, la que existió antes de su encuentro con él. Los corazones de las dos mujeres están conectados uno al otro por una vena, la parte europea rechazada de Frida Kahlo amenaza con perder toda su sangre. Frida, debido a sus lesiones, nunca pudo tener hijos, cosa que tardó muchos años en aceptar. A pesar de las aventuras de Diego con otras mujeres (que llegaron a incluir a la propia hermana de la pintora), ayudó a Frida en muchos aspectos. Él fue quien le sugirió a Frida que vistiera con el traje tradicional mexicano consistente en largos vestidos de colores y joyería exótica. Esto, junto a su semblante cejijunto, se convirtió en su imagen de marca. Él amaba su pintura y fue también su mayor admirador. Frida, a cambio, fue la mayor crítica de Diego y el amor de su vida. En 1938 el poeta y ensayista del surrealismo André Bretón califica su obra de surrealista en un ensayo que escribe para la exposición de Kahlo en la galería Julien Levy de Nueva York. No obstante, ella misma declara más tarde: "Creían que yo era surrealista, pero no lo era. Nunca pinté mis sueños. Pinté mi propia realidad". En 1939 expone en París en la galería Renón et Collea gracias a Bretón. Su estancia en la capital francesa la llevó a relacionarse con el pintor malagueño Picasso y a aparecer en la portada del Vogue francés. Por entonces Frida era conocida en el mundo entero. En la primavera de 1953 la Galería de Arte Contemporáneo de esta misma ciudad le organizó, por primera vez, una importante exposición. La salud de Frida era muy mala por entonces y los médicos le prohibieron el asistir a la misma. Minutos después de que todos los invitados se encontraran en el interior de la galería se empezaron a oír sirenas desde el exterior. La muchedumbre enloquecida se dirigió al exterior, allí estaba una ambulancia acompañada de una escolta en motocicleta. Frida Kahlo había sido llevada a su exposición en una cama de hospital. Los fotógrafos y los periodistas se quedaron impresionados. Ella fue colocada en el centro de la galería. La multitud fue a saludarla. Frida contó chistes, cantó y bebió la tarde entera. La exhibición había sido un éxito rotundo. Ese mismo año le tuvieron que amputar la pierna por debajo de la rodilla debido a una infección de gangrena. Esto la sumió en una gran depresión que la llevó a intentar el suicidio en un par de ocasiones. Durante ese tiempo, debido a que no podía hacer mucho, escribía poemas en sus diarios, la mayoría relacionados con el dolor y remordimiento. Murió en Coyoacán el 13 de julio de 1954. No se realizó ninguna autopsia . Fue velada en el Palacio de Bellas Artes de la Ciudad de México y su féretro fue cubierto con la bandera del Partido Comunista mexicano, un hecho que fue muy criticado por toda la prensa nacional. Su cuerpo fue incinerado y sus cenizas las alberga la Casa Azul de Coyoacán, lugar que la vio nacer. Sus últimas palabras en su diario fueron: "Espero que la marcha sea feliz y espero no volver". De sesgo muy personal, se caracteriza por una síntesis de elementos expresionistas y surrealistas, con una temática popular y autobiográfica. • Las dos Fridas, 1939 • La columna rota, 1944 (der) • El abrazo de amor de El universo, la tierra (México), Yo, Diego y el señor Xólotl, 1949 • Diego y yo, 1949 Diego y yo Ella era su chiquita y él su "príncipe sapo". Sin embargo, el transcurrir de este amor no fue nunca fácil para Frida y Diego. Al poco tiempo de su matrimonio en 1929, empezaron los problemas. El año de 1949, la relación tocó el punto más bajo cuando corrió el rumor de que Diego intentaba casarse con la estrella de cine, María Félix, con quien mantenía un romance. A pesar de que nada de esto resultó y Diego permaneció al lado de Frida, ella terminó profundamente herida. El autorretrato Diego y yo proviene de esta experiencia vivida. Tercer ojo: La admiración de Frida por la inteligencia y sabiduría de Diego es sugerida en el tercer ojo incluido en la frente de Diego. De esta manera expresa su convicción acerca de la superioridad intelectual y artística de Rivera. Diego en la frente de Frida: Diego está presente en los pensamientos de Frida, tal como lo sugiere el retrato de Diego entre las oscuras cejas de Frida. Lágrimas de Frida: Por años, Frida hizo chistes y se rió de las indiscreciones de Diego pero, las lágrimas de Frida en este retrato nos muestran su pena y dolor. Una vez Frida comentó: "Yo he sufrido dos accidentes graves en mi vida; uno, en un autobús que me tumbó... el otro accidente es Diego". Cabello: En la mayoría de los retratos el cabello de Frida aparece arreglado elegantemente, en éste por el contrario, su cabello se encuentra suelto y enredado en su cuello sugiriéndonos un estado de ahogamiento o estrangulamiento; sin Diego, Frida pierde el respiro por la vida. El abrazo de amor de El universo, la tierra (México), Yo, Diego y el señor Xólotl, 1949 Conclusión El surrealismo ha sido, seguramente, una de las experiencias más vitales del pensamiento y del arte del siglo XX. La crítica radical al arte y a la sociedad, la transformación de la vida, la exploración del sueño, la invención de nuevos métodos para interrogar los colores y las palabras; ninguna experiencia fundante de la aventura humana quedó fuera del campo de acción de esta vanguardia imaginativa y rebelde. A lo largo de este trabajo hemos desarrollado los inicios del surrealismo a partir del surgimiento de las vanguardias históricas, planteándolo desde la vinculación con el contexto histórico de la época. Dejamos fuera del trabajo el cómo y por qué fue decayendo este movimiento particular dado que consideramos más interesante el nacimiento y desarrollo del mismo. Cabe destacar cómo a partir de las nuevas teorías que salen a luz, se rompe con todo un modelo tradicional que regía la vida de las personas en esos tiempos. BIBLIOGRAFÍA • Diccionario Enciclopédico Marred, Ediciones Trébol, 1998, Esp.; • Enciclopedia Sociales del Estudiante, Ed. Alfa Centro Literario, 1997; • Material aportado por la cátedra. • Nadeau, Maurice. “Historia del Surrealismo” Ediciones Derramar, 2008, Bs. As., Arg., • WikiPedia, www.wikipedia.com, ESPERO HABER APORTADO ALGO!!

Hola gente! hoy les traigo lo que fue parte de un parcial domiciliario de la materia Cultura y estéticas contemporáneas... me súper gustó el tema y quería compartirlo con ustedes! espero que les sirva! EL ARTE DEL SXX: UN CAMINO A LA ABSTRACCIÓN La cultura contemporánea nace con el surgimiento de la llamada Revolución Industrial. Los cambios provocados por esta revolución transformarán la cultura, la economía, los actores sociales, la ciencia y tecnología. La Revolución industrial se desarrolla a mediados del SXIX, es el auge de la industria en Inglaterra. Se inventan máquinas para las fábricas que producirán bienes en cantidad y a menor costo. Esto provoca cambios sociales que conllevan una migración de gente que trabajaba en los campos y que son atraídos por las nuevas ciudades industria, llenas de oportunidades y progreso para ellos. Estas ciudades fueron fundadas alrededor de las fábricas, eran llamadas también ciudades negras, debido al hollín que provocaban las máquinas que funcionaban con carbón. Esto trajo enfermedades a los trabajadores, que además vivían en condiciones infrahumanas, vivían muchas personas en lugares con poco espacio, el brote de enfermedades como la tuberculosis fue rápido. Si sumamos que además los trabajadores no tenían seguro social, ni sindicato, que explotaban a los trabajadores y que además hacían trabajar a los niños podemos decir que fue una época poco feliz para la clase trabajadora de aquellos años. La burguesía se consolida como clase social privilegiada a partir del enriquecimiento de los dueños de las fábricas. La clase burguesa no pertenecía a la nobleza ni mucho menos, la mayoría era analfabeta. Esta clase estaba conformada por dueños de fábricas, financistas, banqueros y comerciantes. La ciencia y la tecnología avanzan con la invención de todo tipo de máquinas que facilitan el trabajo. Uno de los elementos más importantes que produjo la tecnología fue la máquina fotográfica, ésta podía atrapar la realidad tal cual era cumpliendo con los postulados de la modernidad. Con el descubrimiento de la máquina a vapor se perfeccionan los medios de transporte, como el tren, los barcos y los transatlánticos. La ciencia se desarrolla a partir de la observación y la experimentación. La visión del mundo y de las cosas cambia radicalmente ya se va abandonando la perspectiva teológica, y es el hombre el que origina las acciones y hechos que se suceden. La tradición cultural de la época se ve trastocada por el tema de “la desaparición de las clases nobles”, quienes son suplantados por los “nuevos ricos”, o sea, la burguesía. Estos adquieren la cultura que no poseen, quieren ser como los nobles, pretenden ese modo de vida, pero no admiran el mismo tipo de arte ya que los burgueses valoran las obras por criterios puramente estéticos y no les interesan los temas mitológicos o religiosos, sino escenas de la vida cotidiana, algo más entendible para ellos. Los temas serían naturaleza muerta, paisajes o escenas costumbristas. El empobrecimiento de la nobleza y la consolidación de la clase burguesa provocan cambios sociales de gran impacto. Los artistas ya no pueden contar con esa suerte de “sponsors oficiales”, como lo eran los nobles, reyes y la iglesia; en cambio vivirían de la venta de sus obras, así nace el mercado del arte. Esto trae aparejado otros problemas, los mercaderes de obras se quedaban con grandes porcentajes de la venta de las mismas, dándole una ínfima cantidad al pintor, por esa razón los artistas tienen que vivir en la bohemia. Esta nueva forma de vida produce una evolución en el arte como nunca antes, ya que los artistas se conocen unos con otros, comparten ideas, experimentan cosas nuevas, se enriquecen mutuamente en lo artístico. El primer movimiento estético que surge a partir del SXX es el Impresionismo: los pintores crean un arte totalmente nuevo (influidos por Manet, entre otros), en este movimiento la luz es la protagonista, la pincelada deja de ser disimulada y ahora el ojo del que ve realiza la síntesis de color, la mezcla de colores ya no se hace en la paleta, sino en la tela. No se utiliza blanco para la luz ni negro para las sombras, se utilizan otros colores complementarios. Este movimiento se considera homogéneo porque todos los artistas y sus obras tienen elementos en común y no son difíciles de identificarlos como impresionistas. Es por esa superficialidad, sumado al poco compromiso y falta de personalidad (según quienes lo criticaban) que surge un nuevo movimiento: el Post Impresionismo, este movimiento, al contrario de su antecesor, no es homogéneo, debido a una gran carga de personalidad en sus obras. Son 3 los máximos exponentes de este movimiento, y cada uno influirá después en otros. Van Gogh, que por su locura introducirá al expresionismo; Gauguin, que al utilizar colores fuertes y símbolos llevará al “naive” y al fauvismo, y Cézzane, porque con su geometrización conducirá al Cubismo. Desarrollaré sólo uno de éstos artistas: Van Gogh. Van Gogh De familia protestante holandesa, crece en un entorno de fuertes valores morales. Van Gogh comienza su carrera artística pintando obras de denuncia social, que reflejan las duras condiciones de vida de los campesinos y obreros holandeses. Sus obras eran realmente expresivas y sombrías. No utilizaba mucho color, tampoco luz; debido a que en Holanda tiene un clima de mucho frío y no hay mucha luz solar en el día. Tras la muerte de su padre se muda a París, donde se siente liberado de las ataduras morales, y allí descubre un nuevo mundo, de color, de luz, otra forma de vida, la bohemia. Conoce a otro artista, Gauguin, de quien queda totalmente atraído, por ser tan diferente a él, por su filosofía de vida, salvaje. Establece una relación íntima con él, esto le provoca un gran conflicto interior, por un lado está la educación moral que tuvo desde niño, y por el otro la homosexualidad. Esto se ve reflejada en sus obras, en las pinceladas, violentas; el uso del color rojo, evidente de la esquizofrenia. Esta locura no lo deja vivir, estuvo internado en psiquiátricos, hasta que finalmente se suicidó. Las Vanguardias Históricas surgen a partir de la Primera Guerra Mundial, el genocidio provoca en los jóvenes artistas la idea de protesta, de revolución a partir del arte, las letras y las ideas, para tomar conciencia de lo que había sucedido en la Guerra. El arte vanguardista transmitirá dolor, que busca romper lo tradicional, argumentando que anteriormente las obras no reflejan la sociedad. En Francia la vanguardia es el Fauvismo, inspirada en Gauguin. El color se independiza, colores imposibles (caballos verdes, por ejemplo). Es un arte decorativo. Un exponente de esta vanguardia es Mattise. En cambio en Alemania es el Expresionismo, cuyo precursor fue Van Gogh, aquí los protagonistas son los sentimientos, lo gestual. El principal expresionista es Munch. En España los sueños parecen ser el único escape del mundo nefasto, así surge el Surrealismo, influenciado por la teoría psíquica de Freud. Dalí es el principal pintor de este movimiento, que coloca objetos de la realidad, pero fuera de contexto, creando combinaciones imposibles (por ejemplo, “La persistencia de la Memoria”). El surrealismo sostiene que la inconciencia refleja más de nuestro interior que lo que podríamos saber en un estado de conciencia, ya que se pueden ver los deseos y temores ocultos. Otra exponente de este movimiento es la mexicana Frida Kahlo, quien introduce, junto con otros, un fuerte color local en las pinturas. Otra vanguardia es el Dadaísmo, se caracteriza por el anti belicismo, usando la ironía y el sarcasmo. Utilizan objetos de la vida cotidiana para llevarlos a una obra artística. Todos estos movimientos artísticos surgidos a partir de la Guerra no son para nada homogéneos, cada uno es diferente al otro y representan o simbolizan cada uno su idea de la realidad o surrealidad. Todos ellos piensan a la sociedad como algo nefasto, de desolación, tristeza; pero cada uno tiene una visión y una perspectiva diferente. A partir de la 2da Guerra Mundial, que dejó una realidad oscura, de intolerancia, de muerte masiva surgen las nuevas vanguardias, su leiv motiv es negar esa realidad. Entonces aparece una nueva corriente filosófica: el Nihilismo de Nietzsche, quien propone que lo único que va a salvar a la humanidad es la creatividad y el arte; que es “el camino de salida de la opresión de la razón...” El arte entonces se convierte en un producto de consumo masivo, el público es el receptor de muestras en galerías. Los nuevos movimientos reconstruyen lo hecho por las Vanguardias Históricas a nivel de la imagen. Se llega a la abstracción en el afán de alejarse lo más posible de la realidad. Ya no interesa reproducir la realidad, sino mostrar los colores, las texturas, las formas en sí. Surgen varios movimientos, uno de ellos la Abstracción Lírica, la cual la musa inspiradora es la música, los artistas escuchaban música y se dejaban llevar por lo que las notas les decían, los cuadros eran dinámicos, con color, muy subjetivos. El máximo exponente es Kandinsky. Pero no estaba del todo alejado de la realidad, ya que la música es un elemento de la misma, así que en vez de inspirarse en la música se inspirarían en las figuras geométricas, nace así la abstracción geométrica, liderada por Mondrian. La obras son estáticas, planas, con colores primarios. Surgen otras corrientes, como el Action Painting, que consiste en chorrear pintura sobre el lienzo, plasmando así, el color, el movimiento, la acción principalmente. Otros artistas se pintaban los cuerpos y caminaban, bailaban, hacían el amor sobre la tela, entonces lo que quedara registrado en el lienzo sería la obra de arte. Pero como todavía esto se puede llegar a relacionar con la realidad, por cierto nefasta, surge el Informalismo, las obras se pueden ver y tocar, ya que son obras con texturas, como las de la madera, aserrín, piedras y todo lo que aporte textura. Otra forma de arte abstracto es el Op- Art, ayudados por los fenómenos científicos, buscaban objetos cinéticos a través de métodos como el estiramiento, juegos de movimiento y luces de colores. Luego aparece el Pop- Art, inspirado en imágenes publicitarias, presentaban como arte todo aquello que antes no se había considerado como tal. Latas de conserva, ilustraciones de revista entre otros. También en este movimiento entran las ilustraciones semejantes a las de las historietas, se destaca Andy Warhol. Todas estas vanguardias, en todas sus variantes cumplieron su cometido, alejarse lo más posible de la realidad, eso es lo que las diferencia de las vanguardias históricas, que lo que buscaban era representar la realidad, cada uno desde su propia perspectiva, pero representarla al fin. El posmodernismo se caracteriza por un compendio de corrientes artísticas, algunas acentuando el carácter abstracto de la realidad, buscando borrar toda huella de ella como ya lo hicieran los oníricos y surrealistas. Otras retomando el carácter impresionista pero con un fuerte condimento a favor de las figuras representativas del desastre industrial, la contaminación, la pobreza o la discriminación. El artista posmoderno piensa en un espectador desestructurado, que aporte una visión amplia y se descubra como integrante de una realidad fallida, alejada de la verdadera condición de la naturaleza humana pero con un halo de esperanza, ya no el nihilismo total que caracterizó a las corrientes modernas como por ejemplo Nietzche. Para ello son válidos todo tipo de recursos estéticos, el arte urbano expresado en graffiti, también las gigantografías, que buscan captar la atención de la masa. De esta manera el arte posmoderno evoluciona a favor de la pluridad estética, el artista está abierto a todo, tanto lo tradicional artesanal como los medios técnicos y científicos que aportan instrumental de alta complejidad, sobre todo en los planos de luces y colores. Hoy la creación artística es tan variada que el espectador se para frente a ella con cierta incertidumbre. El espectador debe entonces ordenar su mirada: desde una perspectiva amplia, o sea del todo, o bien de cada parte. El ser humano, como en épocas anteriores, aparece con el cuerpo disociado, apenas insinuado o desvanecido. Los colores se ven favorecidos por la tecnología y muchas veces toman la delantera visual. Estas cuestiones determinan una forma de ver. Hoy ya no hay manifiestos, hay sí muchos críticos de arte que pueden influenciar le mirada del hombre común que asiste a un exposición artística, seguramente no es lo que el artista pretende ya que siempre el arte ha buscado ojos puros para ser interpretado. Las esculturas realizadas con materia prima de desecho atrapan la mirada, el hecho de que un montón de chatarra se convierta en una danza de bailarines o en un escenario de dinosaurios es muy visual y convocante.

Buenas, hoy les traigo algo que yo entendí ya de grande, en el profesorado, pero que debí haber aprendido en la primaria, a uno les dan los sistemas por separado y no llega a comprender muy bien el panorama general. Para dar mi residencia tuve que dar la Integración de los Sistemas, en un 5to grado. Esto es parte de ese plan de clase que hice y dí. Espero que si tienen que estudiar o hacer un trabajo les sea de ayuda y si no siempre se aprende algo nuevo! Es bastante corto (el original que escribí es mucho mas largo) y explica paso por paso cómo hace nuestro cuerpo para poder generar la energía para vivir.. El tema a través del cual podremos integrar los Sistemas de Órganos es la Nutrición, ya que para nutrirnos necesitamos de nutrientes, como la glucosa, que nos provee el Sistema Digestivo; y de oxígeno, que va a actuar sobre la glucosa en la célula para generar energía para vivir y es provisto por el Sistema Respiratorio. Quien se encarga de “repartir” los nutrientes y el oxígeno a las células es el Sistema Circulatorio. Luego de los procesos de Respiración Celular (donde se genera la energía en ATP) se generan desechos, que son expulsados del organismo gracias al Sistema Excretor. En este gráfico se puede visualizar la entrada y salida de nutrientes y desechos más claramente Podemos estudiar las funciones de nutrición teniendo en cuenta que se inscribe en una idea mucho más general, que es entender los seres vivos (en particular el organismo humano) como sistemas abiertos que realizan intercambios de materia, energía e información. Con esta propuesta podemos ampliar el modelo de ser vivo, incluyendo descripciones de los órganos y procesos involucrados. De este modo los chicos podrán comenzar a comprender la complejidad estructural de los seres vivos, que es lo que les permite funcionar autónomamente. La nutrición es un proceso mediante el cual los seres vivos obtienen la energía y los materiales necesarios para mantener su funcionamiento, reparar tejidos y crecer. Cabe aclarar que cuando nos referimos a las funciones de nutrición no nos referimos solo al estudio del sistema digestivo y la digestión, sino que estamos incluyendo a la “respiración”, la circulación y la eliminación de desechos del metabolismo celular. La célula, como los seres vivos, tiene un ciclo de vida: nacimiento, desarrollo, reproducción y muerte; para realizar estas acciones necesita de energía, que la obtiene a partir de la molécula de ATP. Para que la célula pueda sintetizar esta molécula de Adenosina Trifosfato debe realizar la respiración celular, la cual consta de: un proceso catabólico, el cual parte de moléculas complejas, como la glucosa, y mediante la utilización del oxígeno como función oxidativa en el Ciclo de Krebs, a partir de este proceso la célula produce ATP, CO2 y desechos. El ciclo de Krebs se produce en la Mitocondria, más específicamente en las crestas de la Matriz Mitocondrial. La forma por la cual la célula obtiene la glucosa es a partir del Sistema Digestivo, el cual consiste en la ingesta de alimento que se fragmentará en moléculas pequeñas que puedan ser absorbidas por las vellosidades intestinales y de allí al torrente sanguíneo. El alimento se ingiere por la boca y es fragmentado por la dentadura y emulsionado por la saliva. Es deglutido por la acción de la lengua y por movimientos peristálticos sigue por el tubo digestivo. En el estómago el bolo alimenticio es convertido en quimo, ese quimo está compuesto por el bolo y la acción del ácido clorhídrico, que elimina agentes extraños que pueden haber entrado con el alimento. Ese ácido tiene un pH de 1,5. Luego, mediante el esfínter llamado píloro, pasa al duodeno, en ese lugar lo reciben los jugos pancreáticos altamente alcalinos para neutralizar los ácidos y no dañar el intestino, además allí también actúa la bilis, proveniente del hígado y almacenada por la vesícula biliar. Es en el intestino delgado donde están las vellosidades intestinales, que absorben los nutrientes (que han sido degradadas por las enzimas) que pasan al torrente sanguíneo y de allí a las células del cuerpo. El oxígeno se obtiene a partir del Sistema Respiratorio. El proceso de respiración se sucede en 3 momentos: el primero es la ventilación. Se produce la inspiración del aire (que tiene O2 entre otros gases) por las fosas nasales, las cuales, gracias a los vellos y capilares sanguíneos, “limpian” y calientan el aire que entra, luego pasa por la faringe, la laringe y la tráquea, entra a los pulmones y allí a los bronquios, bronquiolos y alvéolos. Allí se produce el segundo momento: el de la hematosis, este proceso se sucede en el alveolo, que está recubierto por capilares que traen glóbulos rojos, por difusión simple, pasa el O2 a la sangre y de allí a las células del cuerpo. El tercer momento: la respiración celular, se produce allí en las células del cuerpo, en las mitocondrias, específicamente en la cresta y matriz mitocondrial. Allí se oxida la glucosa y se produce el ATP. Luego de la respiración celular, quedan desechos y CO2 que hay que excretar (mediante el Sistema Excretor). Para ello intervienen los subsistemas: Urinario y Respiratorio. En el Urinario el plasma con desechos metabólicos es filtrado por los riñones, específicamente en el nefrón donde pasa por 4 procesos: filtración, secreción, reabsorción y excreción. Allí se produce la orina, la cual sale del riñón por el uréter. En el Respiratorio el CO2 sale de la célula hacia el plasma y/o glóbulos rojos. Por el torrente sanguíneo llega al alveolo, el cual por hematosis pasa al alveolo, bronquiolos, bronquios, sale del pulmón, pasa por la tráquea, laringe, faringe y se exhala por la boca. Además como podemos ver, el Sistema Circulatorio oficia de “transporte” de las sustancias necesarias para la respiración celular y de la “recolección de los desechos”. La sangre es donde se encuentran las sustancias y las “vías” son los vasos sanguíneos: arterias, venas y capilares transportan la sangre bombeada por el corazón. Y para cerrar, una forma mas animada para ver la integración sería este gif: Bueno, espero que les sea de utilidad!