Hola gente! hoy les traigo lo que fue parte de un parcial domiciliario de la materia Cultura y estéticas contemporáneas... me súper gustó el tema y quería compartirlo con ustedes! espero que les sirva!
EL ARTE DEL SXX: UN CAMINO
A LA ABSTRACCIÓN
La cultura contemporánea nace con el surgimiento de la llamada Revolución Industrial. Los cambios provocados por esta revolución transformarán la cultura, la economía, los actores sociales, la ciencia y tecnología.
La Revolución industrial se desarrolla a mediados del SXIX, es el auge de la industria en Inglaterra. Se inventan máquinas para las fábricas que producirán bienes en cantidad y a menor costo. Esto provoca cambios sociales que conllevan una migración de gente que trabajaba en los campos y que son atraídos por las nuevas ciudades industria, llenas de oportunidades y progreso para ellos. Estas ciudades fueron fundadas alrededor de las fábricas, eran llamadas también ciudades negras, debido al hollín que provocaban las máquinas que funcionaban con carbón. Esto trajo enfermedades a los trabajadores, que además vivían en condiciones infrahumanas, vivían muchas personas en lugares con poco espacio, el brote de enfermedades como la tuberculosis fue rápido. Si sumamos que además los trabajadores no tenían seguro social, ni sindicato, que explotaban a los trabajadores y que además hacían trabajar a los niños podemos decir que fue una época poco feliz para la clase trabajadora de aquellos años.
La burguesía se consolida como clase social privilegiada a partir del enriquecimiento de los dueños de las fábricas. La clase burguesa no pertenecía a la nobleza ni mucho menos, la mayoría era analfabeta. Esta clase estaba conformada por dueños de fábricas, financistas, banqueros y comerciantes.
La ciencia y la tecnología avanzan con la invención de todo tipo de máquinas que facilitan el trabajo. Uno de los elementos más importantes que produjo la tecnología fue la máquina fotográfica, ésta podía atrapar la realidad tal cual era cumpliendo con los postulados de la modernidad.
Con el descubrimiento de la máquina a vapor se perfeccionan los medios de transporte, como el tren, los barcos y los transatlánticos. La ciencia se desarrolla a partir de la observación y la experimentación. La visión del mundo y de las cosas cambia radicalmente ya se va abandonando la perspectiva teológica, y es el hombre el que origina las acciones y hechos que se suceden.
La tradición cultural de la época se ve trastocada por el tema de “la desaparición de las clases nobles”, quienes son suplantados por los “nuevos ricos”, o sea, la burguesía. Estos adquieren la cultura que no poseen, quieren ser como los nobles, pretenden ese modo de vida, pero no admiran el mismo tipo de arte ya que los burgueses valoran las obras por criterios puramente estéticos y no les interesan los temas mitológicos o religiosos, sino escenas de la vida cotidiana, algo más entendible para ellos. Los temas serían naturaleza muerta, paisajes o escenas costumbristas.
El empobrecimiento de la nobleza y la consolidación de la clase burguesa provocan cambios sociales de gran impacto. Los artistas ya no pueden contar con esa suerte de “sponsors oficiales”, como lo eran los nobles, reyes y la iglesia; en cambio vivirían de la venta de sus obras, así nace el mercado del arte. Esto trae aparejado otros problemas, los mercaderes de obras se quedaban con grandes porcentajes de la venta de las mismas, dándole una ínfima cantidad al pintor, por esa razón los artistas tienen que vivir en la bohemia. Esta nueva forma de vida produce una evolución en el arte como nunca antes, ya que los artistas se conocen unos con otros, comparten ideas, experimentan cosas nuevas, se enriquecen mutuamente en lo artístico.
El primer movimiento estético que surge a partir del SXX es el Impresionismo: los pintores crean un arte totalmente nuevo (influidos por Manet, entre otros), en este movimiento la luz es la protagonista, la pincelada deja de ser disimulada y ahora el ojo del que ve realiza la síntesis de color, la mezcla de colores ya no se hace en la paleta, sino en la tela. No se utiliza blanco para la luz ni negro para las sombras, se utilizan otros colores complementarios.
Este movimiento se considera homogéneo porque todos los artistas y sus obras tienen elementos en común y no son difíciles de identificarlos como impresionistas.
Es por esa superficialidad, sumado al poco compromiso y falta de personalidad (según quienes lo criticaban) que surge un nuevo movimiento: el Post Impresionismo, este movimiento, al contrario de su antecesor, no es homogéneo, debido a una gran carga de personalidad en sus obras. Son 3 los máximos exponentes de este movimiento, y cada uno influirá después en otros. Van Gogh, que por su locura introducirá al expresionismo; Gauguin, que al utilizar colores fuertes y símbolos llevará al “naive” y al fauvismo, y Cézzane, porque con su geometrización conducirá al Cubismo. Desarrollaré sólo uno de éstos artistas: Van Gogh.
Van Gogh
De familia protestante holandesa, crece en un entorno de fuertes valores morales. Van Gogh comienza su carrera artística pintando obras de denuncia social, que reflejan las duras condiciones de vida de los campesinos y obreros holandeses. Sus obras eran realmente expresivas y sombrías. No utilizaba mucho color, tampoco luz; debido a que en Holanda tiene un clima de mucho frío y no hay mucha luz solar en el día.
Tras la muerte de su padre se muda a París, donde se siente liberado de las ataduras morales, y allí descubre un nuevo mundo, de color, de luz, otra forma de vida, la bohemia. Conoce a otro artista, Gauguin, de quien queda totalmente atraído, por ser tan diferente a él, por su filosofía de vida, salvaje. Establece una relación íntima con él, esto le provoca un gran conflicto interior, por un lado está la educación moral que tuvo desde niño, y por el otro la homosexualidad. Esto se ve reflejada en sus obras, en las pinceladas, violentas; el uso del color rojo, evidente de la esquizofrenia. Esta locura no lo deja vivir, estuvo internado en psiquiátricos, hasta que finalmente se suicidó.
Las Vanguardias Históricas surgen a partir de la Primera Guerra Mundial, el genocidio provoca en los jóvenes artistas la idea de protesta, de revolución a partir del arte, las letras y las ideas, para tomar conciencia de lo que había sucedido en la Guerra.
El arte vanguardista transmitirá dolor, que busca romper lo tradicional,
argumentando que anteriormente las obras no reflejan la sociedad. En Francia la vanguardia es el Fauvismo, inspirada en Gauguin. El color se independiza, colores imposibles (caballos verdes, por ejemplo). Es un arte decorativo. Un exponente de esta vanguardia es Mattise.
En cambio en Alemania es el Expresionismo, cuyo precursor fue Van Gogh, aquí los protagonistas son los sentimientos, lo gestual. El principal expresionista es Munch.
En España los sueños parecen ser el único escape del mundo nefasto, así surge el Surrealismo, influenciado por la teoría psíquica de Freud. Dalí es el principal pintor de este movimiento, que coloca objetos de la realidad, pero fuera de contexto, creando combinaciones imposibles (por ejemplo, “La persistencia de la Memoria”).
El surrealismo sostiene que la inconciencia refleja más de nuestro interior que lo que podríamos saber en un estado de conciencia, ya que se pueden ver los deseos y temores ocultos. Otra exponente de este movimiento es la mexicana Frida Kahlo, quien introduce, junto con otros, un fuerte color local en las pinturas. Otra vanguardia es el Dadaísmo, se caracteriza por el anti belicismo, usando la ironía y el sarcasmo. Utilizan objetos de la vida cotidiana para llevarlos a una obra artística.
Todos estos movimientos artísticos surgidos a partir de la Guerra no son para nada homogéneos, cada uno es diferente al otro y representan o simbolizan cada uno su idea de la realidad o surrealidad. Todos ellos piensan a la sociedad como algo nefasto, de desolación, tristeza; pero cada uno tiene una visión y una perspectiva diferente.
A partir de la 2da Guerra Mundial, que dejó una realidad oscura, de intolerancia, de muerte masiva surgen las nuevas vanguardias, su leiv motiv es negar esa realidad. Entonces aparece una nueva corriente filosófica: el Nihilismo de Nietzsche, quien propone que lo único que va a salvar a la humanidad es la creatividad y el arte; que es “el camino de salida de la opresión de la razón...”
El arte entonces se convierte en un producto de consumo masivo, el público es el receptor de muestras en galerías. Los nuevos movimientos reconstruyen lo hecho por las Vanguardias Históricas a nivel de la imagen.
Se llega a la abstracción en el afán de alejarse lo más posible de la realidad. Ya no interesa reproducir la realidad, sino mostrar los colores, las texturas, las formas en sí.
Surgen varios movimientos, uno de ellos la Abstracción Lírica, la cual la musa inspiradora es la música, los artistas escuchaban música y se dejaban llevar por lo que las notas les decían, los cuadros eran dinámicos, con color, muy subjetivos. El máximo exponente es Kandinsky.
Pero no estaba del todo alejado de la realidad, ya que la música es un elemento de la misma, así que en vez de inspirarse en la música se inspirarían en las figuras geométricas, nace así la abstracción geométrica, liderada por Mondrian. La obras son estáticas, planas, con colores primarios.
Surgen otras corrientes, como el Action Painting, que consiste en chorrear pintura sobre el lienzo, plasmando así, el color, el movimiento, la acción principalmente. Otros artistas se pintaban los cuerpos y caminaban, bailaban, hacían el amor sobre la tela, entonces lo que quedara registrado en el lienzo sería la obra de arte. Pero como todavía esto se puede llegar a relacionar con la realidad, por cierto nefasta, surge el Informalismo, las obras se pueden ver y tocar, ya que son obras con texturas, como las de la madera, aserrín, piedras y todo lo que aporte textura.
Otra forma de arte abstracto es el Op- Art, ayudados por los fenómenos científicos, buscaban objetos cinéticos a través de métodos como el estiramiento, juegos de movimiento y luces de colores.
Luego aparece el Pop- Art, inspirado en imágenes publicitarias, presentaban como arte todo aquello que antes no se había considerado como tal. Latas de conserva, ilustraciones de revista entre otros. También en este movimiento entran las ilustraciones semejantes a las de las historietas, se destaca Andy Warhol.
Todas estas vanguardias, en todas sus variantes cumplieron su cometido, alejarse lo más posible de la realidad, eso es lo que las diferencia de las vanguardias históricas, que lo que buscaban era representar la realidad, cada uno desde su propia perspectiva, pero representarla al fin.
El posmodernismo se caracteriza por un compendio de corrientes artísticas, algunas acentuando el carácter abstracto de la realidad, buscando borrar toda huella de ella como ya lo hicieran los oníricos y surrealistas. Otras retomando el carácter impresionista pero con un fuerte condimento a favor de las figuras representativas del desastre industrial, la contaminación, la pobreza o la discriminación. El artista posmoderno piensa en un espectador desestructurado, que aporte una visión amplia y se descubra como integrante de una realidad fallida, alejada de la verdadera condición de la naturaleza humana pero con un halo de esperanza, ya no el nihilismo total que caracterizó a las corrientes modernas como por ejemplo Nietzche.
Para ello son válidos todo tipo de recursos estéticos, el arte urbano expresado en graffiti, también las gigantografías, que buscan captar la atención de la masa. De esta manera el arte posmoderno evoluciona a favor de la pluridad estética, el artista está abierto a todo, tanto lo tradicional artesanal como los medios técnicos y científicos que aportan instrumental de alta complejidad, sobre todo en los planos de luces y colores.
Hoy la creación artística es tan variada que el espectador se para frente a ella con cierta incertidumbre. El espectador debe entonces ordenar su mirada: desde una perspectiva amplia, o sea del todo, o bien de cada parte. El ser humano, como en épocas anteriores, aparece con el cuerpo disociado, apenas insinuado o desvanecido. Los colores se ven favorecidos por la tecnología y muchas veces toman la delantera visual. Estas cuestiones determinan una forma de ver. Hoy ya no hay manifiestos, hay sí muchos críticos de arte que pueden influenciar le mirada del hombre común que asiste a un exposición artística, seguramente no es lo que el artista pretende ya que siempre el arte ha buscado ojos puros para ser interpretado. Las esculturas realizadas con materia prima de desecho atrapan la mirada, el hecho de que un montón de chatarra se convierta en una danza de bailarines o en un escenario de dinosaurios es muy visual y convocante.
EL ARTE DEL SXX: UN CAMINO
A LA ABSTRACCIÓN
La cultura contemporánea nace con el surgimiento de la llamada Revolución Industrial. Los cambios provocados por esta revolución transformarán la cultura, la economía, los actores sociales, la ciencia y tecnología.
La Revolución industrial se desarrolla a mediados del SXIX, es el auge de la industria en Inglaterra. Se inventan máquinas para las fábricas que producirán bienes en cantidad y a menor costo. Esto provoca cambios sociales que conllevan una migración de gente que trabajaba en los campos y que son atraídos por las nuevas ciudades industria, llenas de oportunidades y progreso para ellos. Estas ciudades fueron fundadas alrededor de las fábricas, eran llamadas también ciudades negras, debido al hollín que provocaban las máquinas que funcionaban con carbón. Esto trajo enfermedades a los trabajadores, que además vivían en condiciones infrahumanas, vivían muchas personas en lugares con poco espacio, el brote de enfermedades como la tuberculosis fue rápido. Si sumamos que además los trabajadores no tenían seguro social, ni sindicato, que explotaban a los trabajadores y que además hacían trabajar a los niños podemos decir que fue una época poco feliz para la clase trabajadora de aquellos años.
La burguesía se consolida como clase social privilegiada a partir del enriquecimiento de los dueños de las fábricas. La clase burguesa no pertenecía a la nobleza ni mucho menos, la mayoría era analfabeta. Esta clase estaba conformada por dueños de fábricas, financistas, banqueros y comerciantes.
La ciencia y la tecnología avanzan con la invención de todo tipo de máquinas que facilitan el trabajo. Uno de los elementos más importantes que produjo la tecnología fue la máquina fotográfica, ésta podía atrapar la realidad tal cual era cumpliendo con los postulados de la modernidad.
Con el descubrimiento de la máquina a vapor se perfeccionan los medios de transporte, como el tren, los barcos y los transatlánticos. La ciencia se desarrolla a partir de la observación y la experimentación. La visión del mundo y de las cosas cambia radicalmente ya se va abandonando la perspectiva teológica, y es el hombre el que origina las acciones y hechos que se suceden.
La tradición cultural de la época se ve trastocada por el tema de “la desaparición de las clases nobles”, quienes son suplantados por los “nuevos ricos”, o sea, la burguesía. Estos adquieren la cultura que no poseen, quieren ser como los nobles, pretenden ese modo de vida, pero no admiran el mismo tipo de arte ya que los burgueses valoran las obras por criterios puramente estéticos y no les interesan los temas mitológicos o religiosos, sino escenas de la vida cotidiana, algo más entendible para ellos. Los temas serían naturaleza muerta, paisajes o escenas costumbristas.
El empobrecimiento de la nobleza y la consolidación de la clase burguesa provocan cambios sociales de gran impacto. Los artistas ya no pueden contar con esa suerte de “sponsors oficiales”, como lo eran los nobles, reyes y la iglesia; en cambio vivirían de la venta de sus obras, así nace el mercado del arte. Esto trae aparejado otros problemas, los mercaderes de obras se quedaban con grandes porcentajes de la venta de las mismas, dándole una ínfima cantidad al pintor, por esa razón los artistas tienen que vivir en la bohemia. Esta nueva forma de vida produce una evolución en el arte como nunca antes, ya que los artistas se conocen unos con otros, comparten ideas, experimentan cosas nuevas, se enriquecen mutuamente en lo artístico.
El primer movimiento estético que surge a partir del SXX es el Impresionismo: los pintores crean un arte totalmente nuevo (influidos por Manet, entre otros), en este movimiento la luz es la protagonista, la pincelada deja de ser disimulada y ahora el ojo del que ve realiza la síntesis de color, la mezcla de colores ya no se hace en la paleta, sino en la tela. No se utiliza blanco para la luz ni negro para las sombras, se utilizan otros colores complementarios.
Este movimiento se considera homogéneo porque todos los artistas y sus obras tienen elementos en común y no son difíciles de identificarlos como impresionistas.
Es por esa superficialidad, sumado al poco compromiso y falta de personalidad (según quienes lo criticaban) que surge un nuevo movimiento: el Post Impresionismo, este movimiento, al contrario de su antecesor, no es homogéneo, debido a una gran carga de personalidad en sus obras. Son 3 los máximos exponentes de este movimiento, y cada uno influirá después en otros. Van Gogh, que por su locura introducirá al expresionismo; Gauguin, que al utilizar colores fuertes y símbolos llevará al “naive” y al fauvismo, y Cézzane, porque con su geometrización conducirá al Cubismo. Desarrollaré sólo uno de éstos artistas: Van Gogh.
Van Gogh
De familia protestante holandesa, crece en un entorno de fuertes valores morales. Van Gogh comienza su carrera artística pintando obras de denuncia social, que reflejan las duras condiciones de vida de los campesinos y obreros holandeses. Sus obras eran realmente expresivas y sombrías. No utilizaba mucho color, tampoco luz; debido a que en Holanda tiene un clima de mucho frío y no hay mucha luz solar en el día.
Tras la muerte de su padre se muda a París, donde se siente liberado de las ataduras morales, y allí descubre un nuevo mundo, de color, de luz, otra forma de vida, la bohemia. Conoce a otro artista, Gauguin, de quien queda totalmente atraído, por ser tan diferente a él, por su filosofía de vida, salvaje. Establece una relación íntima con él, esto le provoca un gran conflicto interior, por un lado está la educación moral que tuvo desde niño, y por el otro la homosexualidad. Esto se ve reflejada en sus obras, en las pinceladas, violentas; el uso del color rojo, evidente de la esquizofrenia. Esta locura no lo deja vivir, estuvo internado en psiquiátricos, hasta que finalmente se suicidó.
Las Vanguardias Históricas surgen a partir de la Primera Guerra Mundial, el genocidio provoca en los jóvenes artistas la idea de protesta, de revolución a partir del arte, las letras y las ideas, para tomar conciencia de lo que había sucedido en la Guerra.
El arte vanguardista transmitirá dolor, que busca romper lo tradicional,
argumentando que anteriormente las obras no reflejan la sociedad. En Francia la vanguardia es el Fauvismo, inspirada en Gauguin. El color se independiza, colores imposibles (caballos verdes, por ejemplo). Es un arte decorativo. Un exponente de esta vanguardia es Mattise.
En cambio en Alemania es el Expresionismo, cuyo precursor fue Van Gogh, aquí los protagonistas son los sentimientos, lo gestual. El principal expresionista es Munch.
En España los sueños parecen ser el único escape del mundo nefasto, así surge el Surrealismo, influenciado por la teoría psíquica de Freud. Dalí es el principal pintor de este movimiento, que coloca objetos de la realidad, pero fuera de contexto, creando combinaciones imposibles (por ejemplo, “La persistencia de la Memoria”).
El surrealismo sostiene que la inconciencia refleja más de nuestro interior que lo que podríamos saber en un estado de conciencia, ya que se pueden ver los deseos y temores ocultos. Otra exponente de este movimiento es la mexicana Frida Kahlo, quien introduce, junto con otros, un fuerte color local en las pinturas. Otra vanguardia es el Dadaísmo, se caracteriza por el anti belicismo, usando la ironía y el sarcasmo. Utilizan objetos de la vida cotidiana para llevarlos a una obra artística.
Todos estos movimientos artísticos surgidos a partir de la Guerra no son para nada homogéneos, cada uno es diferente al otro y representan o simbolizan cada uno su idea de la realidad o surrealidad. Todos ellos piensan a la sociedad como algo nefasto, de desolación, tristeza; pero cada uno tiene una visión y una perspectiva diferente.
A partir de la 2da Guerra Mundial, que dejó una realidad oscura, de intolerancia, de muerte masiva surgen las nuevas vanguardias, su leiv motiv es negar esa realidad. Entonces aparece una nueva corriente filosófica: el Nihilismo de Nietzsche, quien propone que lo único que va a salvar a la humanidad es la creatividad y el arte; que es “el camino de salida de la opresión de la razón...”
El arte entonces se convierte en un producto de consumo masivo, el público es el receptor de muestras en galerías. Los nuevos movimientos reconstruyen lo hecho por las Vanguardias Históricas a nivel de la imagen.
Se llega a la abstracción en el afán de alejarse lo más posible de la realidad. Ya no interesa reproducir la realidad, sino mostrar los colores, las texturas, las formas en sí.
Surgen varios movimientos, uno de ellos la Abstracción Lírica, la cual la musa inspiradora es la música, los artistas escuchaban música y se dejaban llevar por lo que las notas les decían, los cuadros eran dinámicos, con color, muy subjetivos. El máximo exponente es Kandinsky.
Pero no estaba del todo alejado de la realidad, ya que la música es un elemento de la misma, así que en vez de inspirarse en la música se inspirarían en las figuras geométricas, nace así la abstracción geométrica, liderada por Mondrian. La obras son estáticas, planas, con colores primarios.
Surgen otras corrientes, como el Action Painting, que consiste en chorrear pintura sobre el lienzo, plasmando así, el color, el movimiento, la acción principalmente. Otros artistas se pintaban los cuerpos y caminaban, bailaban, hacían el amor sobre la tela, entonces lo que quedara registrado en el lienzo sería la obra de arte. Pero como todavía esto se puede llegar a relacionar con la realidad, por cierto nefasta, surge el Informalismo, las obras se pueden ver y tocar, ya que son obras con texturas, como las de la madera, aserrín, piedras y todo lo que aporte textura.
Otra forma de arte abstracto es el Op- Art, ayudados por los fenómenos científicos, buscaban objetos cinéticos a través de métodos como el estiramiento, juegos de movimiento y luces de colores.
Luego aparece el Pop- Art, inspirado en imágenes publicitarias, presentaban como arte todo aquello que antes no se había considerado como tal. Latas de conserva, ilustraciones de revista entre otros. También en este movimiento entran las ilustraciones semejantes a las de las historietas, se destaca Andy Warhol.
Todas estas vanguardias, en todas sus variantes cumplieron su cometido, alejarse lo más posible de la realidad, eso es lo que las diferencia de las vanguardias históricas, que lo que buscaban era representar la realidad, cada uno desde su propia perspectiva, pero representarla al fin.
El posmodernismo se caracteriza por un compendio de corrientes artísticas, algunas acentuando el carácter abstracto de la realidad, buscando borrar toda huella de ella como ya lo hicieran los oníricos y surrealistas. Otras retomando el carácter impresionista pero con un fuerte condimento a favor de las figuras representativas del desastre industrial, la contaminación, la pobreza o la discriminación. El artista posmoderno piensa en un espectador desestructurado, que aporte una visión amplia y se descubra como integrante de una realidad fallida, alejada de la verdadera condición de la naturaleza humana pero con un halo de esperanza, ya no el nihilismo total que caracterizó a las corrientes modernas como por ejemplo Nietzche.
Para ello son válidos todo tipo de recursos estéticos, el arte urbano expresado en graffiti, también las gigantografías, que buscan captar la atención de la masa. De esta manera el arte posmoderno evoluciona a favor de la pluridad estética, el artista está abierto a todo, tanto lo tradicional artesanal como los medios técnicos y científicos que aportan instrumental de alta complejidad, sobre todo en los planos de luces y colores.
Hoy la creación artística es tan variada que el espectador se para frente a ella con cierta incertidumbre. El espectador debe entonces ordenar su mirada: desde una perspectiva amplia, o sea del todo, o bien de cada parte. El ser humano, como en épocas anteriores, aparece con el cuerpo disociado, apenas insinuado o desvanecido. Los colores se ven favorecidos por la tecnología y muchas veces toman la delantera visual. Estas cuestiones determinan una forma de ver. Hoy ya no hay manifiestos, hay sí muchos críticos de arte que pueden influenciar le mirada del hombre común que asiste a un exposición artística, seguramente no es lo que el artista pretende ya que siempre el arte ha buscado ojos puros para ser interpretado. Las esculturas realizadas con materia prima de desecho atrapan la mirada, el hecho de que un montón de chatarra se convierta en una danza de bailarines o en un escenario de dinosaurios es muy visual y convocante.