Esta es una monografía que hice con una compañera para la materia "Culturas y estéticas contemporáneas" espero que si alguien busca algo de esto le sirva, o aprecie el arte surrealista aprenda algo!!
Fundamentación
Elegimos al surrealismo, más que nada por la temática del movimiento. Considerando el contexto en el que se desarrolla, nos pareció interesante que no hayan simplemente “copiado” la realidad, si no que todo lo contrario, apostaron por “su” realidad, lo que interpretaban ellos de sus sueños. De esta manera, relacionando la realidad subjetiva con objetos cotidianos, se obtuvo la llamada suprarrealidad.
Entre los exponentes de este movimiento desarrollamos a Dalí y Kahlo. A Dalí, por que además de ser el más conocido, introdujo en el surrealismo su propio método, el paranoico-crítico. Y a Frida Kahlo, por ser latinoamericana y más que nada su historia personal, de cómo a pesar de las adversidades pudo crear tan maravillosas obras, al igual que Dalí.
Marco teórico
Las Vanguardias Históricas surgen a partir de la Primera Guerra Mundial, el genocidio provoca en los jóvenes artistas la idea de protesta, de revolución a partir del arte, las letras y las ideas, para tomar conciencia de lo que había sucedido en la Guerra.
El arte vanguardista transmitirá dolor, que busca romper lo tradicional, argumentando que anteriormente las obras no reflejan la sociedad.
En Francia la vanguardia es el Fauvismo, inspirada en Gauguin. El color se independiza, colores imposibles (caballos verdes, por ejemplo). Es un arte decorativo. Un exponente de esta vanguardia es Mattise.
En cambio en Alemania es el Expresionismo, cuyo precursor fue Van Gogh, aquí los protagonistas son los sentimientos, lo gestual. El principal expresionista es Munch.
Otra vanguardia es el Dadaísmo, se caracteriza por el anti belicismo, usando la ironía y el sarcasmo. Utilizan objetos de la vida cotidiana para llevarlos a una obra artística.
En España los sueños parecen ser el único escape del mundo nefasto, así surge el Surrealismo, influenciado por la teoría psíquica de Freud. Dalí es el principal pintor de este movimiento, que coloca objetos de la realidad, pero fuera de contexto, creando combinaciones imposibles (por ejemplo, “La persistencia de la Memoria”. El surrealismo sostiene que la inconciencia refleja más de nuestro interior que lo que podríamos saber en un estado de conciencia, ya que se pueden ver los deseos y temores ocultos. Otra exponente de este movimiento es la mexicana Frida Kahlo, quien introduce, junto con otros, un fuerte color local en las pinturas
Todos estos movimientos artísticos surgidos a partir de la Guerra no son para nada homogéneos, cada uno es diferente al otro y representan o simbolizan cada uno su idea de la realidad o surrealidad. Todos ellos piensan a la sociedad como algo nefasto, de desolación, tristeza; pero cada uno tiene una visión y una perspectiva diferente.
Contexto
“No es posible considerar al surrealismo sin situarlo en su tiempo” Aragon
Entre los años 1914 y 1918 se produjo el conflicto armado que enfrentó a las potencias centrales de Europa: la Primera Guerra Mundial.
En la Europa pos- guerra se podía ver claramente dos sectores: el de los vencedores y el de los vencidos, sin embargo ambos se encontraron inmersos en una miseria total, donde a partir de ese momento, se empieza a mirar de una manera crítica al régimen. Esto provocó ideas de protesta y de revolución en los artistas, como André Breton, Paul Eluard, Louis Aragon, entre otros; que respondieron al llamado de movilización de sus clases con el sentimiento de inutilidad de ese conflicto bélico. Ellos buscaron que el público tome conciencia del genocidio al que han sometido a toda una generación y a la realidad de no haber hecho nada para evitarlo. Es entonces que se trata de romper con los cánones tradicionales existentes, por ver en ellos el reflejo de una sociedad con la que no se identifican.
Al respecto Maurice Nadeau plantea que “… A cambio de una destrucción radical, que era necesaria, construyeron valores nuevos en un clima de creación del mundo. Esta revolución poética fue posible mediante una revolución íntima del hombre y de sus relaciones con el mundo. Veinte siglos de opresión cristiana no consiguieron dominar el deseo del hombre y su intención de satisfacerlo. El surrealismo proclama la omnipotencia del deseo y la legitimidad de su realización… con su voluntad de destrucción total de esos vínculos impuestos por la familia, la moral y la religión”
El dadaísmo
Es fuera de Francia, en Suiza, donde se construyen un artificio de guerra especialmente mortífero para la poesía y arte tradicionales, como protesta ante cualquier orden establecido o cualquier sistema racional sujeto a normas. La impaciencia de vivir y la náusea ante la lógica y el lenguaje de la vida moderna provocaron que, en 1916, en Zurich,-lugar de refugio de emigrados de todo género y países-, Tristán Tzara junto con otros dos, abrieron un diccionario al azar, bautizan con el nombre de Dadá, un movimiento que obró poderosamente sobre los destinos del naciente surrealismo.
El dadaísmo se trató de una rebelión en la que lo absurdo y lo grotesco se impuso a los valores estéticos, manifestando su repudio creando obras escandalosas.
Si bien el dadaísmo es el precursor inmediato del surrealismo, cabe destacar que, tanto uno como el otro, hacían una dura crítica a la realidad bélica del momento. El cambio se produce a partir de la ruptura del dadaísmo como grupo, sus máximos pensadores, Breton y Tzara, se separan por tener distintos ideales, por ejemplo, la manera de pensar sobre los descubrimientos científicos, filosóficos y psicológicos de la época. Esto genera que cada uno siga por caminos diferentes.
SURREALISMO
A partir del dadaísmo, nace un movimiento artístico y literario, -en Francia, en el primer cuarto del siglo XX-, en torno a la personalidad del poeta André Breton e influido por la teoría sicoanalítica de Freud. Constituye una de las conocidas vanguardias históricas.
Breton expone la psicología surrealista desde el inconsciente que es la región del intelecto donde el ser humano no objetiva la realidad sino que forma un todo con ella. El arte, no es representación sino comunicación vital directa del individuo con el todo. Esa conexión se expresa en las casualidades significativas (azar objetivo), en las que el deseo del individuo y el devenir ajeno a él convergen imprevisiblemente, y en el sueño, donde los elementos más dispares se revelan unidos por relaciones secretas. El surrealismo propone trasladar esas imágenes al mundo del arte por medio de una asociación mental libre, sin la intromisión censora de la conciencia. De ahí que elija como método para lograr la plena libertad creadora, el automatismo, donde se habla a través del inconsciente y especialmente los sueños.
El surrealismo sostiene que la parte onírica y la actividad inconsciente de vigilia son esenciales, porque develan más de nuestro interior y de nosotros mismos, que todo lo que podríamos crear o elaborar de un modo más mediato y conciente.
Al surrealismo lo consideraron sus fundadores no como una nueva escuela artística, si no como un medio para el conocimiento de regiones novedosas que hasta el momento no habían sido sistemáticamente exploradas: el inconsciente, lo maravilloso, el sueño, la locura, los estados de alucinación. Si a esto se agrega lo fantástico y lo asombroso que existe en el mundo, tenemos, en una palabra, el reverso de la concepción lógica.
El médico austriaco Sigmund Freud, presenta en su teoría el primer esquema del aparato psíquico, el cual está conformado por: el Inconsciente, el preconciente y el conciente.
Llamamos conciente a las representaciones mentales que provienen del exterior, es decir, a las imágenes mentales de lo que percibimos en la realidad.
Llamamos preconciente a las ideas latentes que pueden volver a la conciencia, voluntaria o involuntariamente.
El inconsciente no se muestra directamente a nuestro conocimiento, si no que se manifiesta por otras vías, por ejemplo el sueño. En él se encuentran los deseos e ideas reprimidas no accesibles al conciente. El conciente está regulado por sus propias leyes, como la ausencia de negación, donde no existe el no, nada está prohibido; la ausencia de duda, la falta de principio de contradicción, cuando soñamos la lógica no existe, los muertos viven, podemos ser niños y viejos; y la falta de temporalidad, hechos y personas del pasado conviven en el presente. Las ideas y deseos reprimidos que se encuentran en el inconsciente son resultado del conflicto entre el principio del placer con rectoría de la atracción sexual, y la realidad que reprime al instinto, al deseo, al temor y la esperanza.
Este movimiento surrealista preconizaba la abolición de los valores culturales tradicionales, así como el rechazo a las tradiciones estéticas y los procesos racionales. Es por este motivo que a través de sus manifiestos representan violentas rupturas con todo lo conocido hasta el momento.
TÉCNICAS
El surrealismo tomó del dadaísmo algunas técnicas de fotografía y cinematografía así como la fabricación de objetos. Extendieron el principio del collage (el "objeto encontrado" al ensamblaje de objetos incongruentes, como en los poemas visibles de Max Ernst. Este último inventó el frottage (dibujos compuestos por el roce de superficies rugosas contra el papel o el lienzo) y lo aplicó en grandes obras.
Otra de las nuevas actividades creadas por el surrealismo fue la llamada cadáver exquisito, en la cual varios artistas dibujaban las distintas partes de una figura, sin saber lo que el compañero había dibujado; las criaturas resultantes pudieron servir de inspiración a Miró. Otra manera de realizar la actividad es: en un grupo una persona escribe una palabra en un papel, luego lo dobla y lo pasa al compañero, quien deberá hacer lo mismo y así sucesivamente hasta terminar la ronda. Luego se abrirá el papel y se dará lectura al resultado. Por ejemplo: “el cadáver exquisito beberá el vino nuevo” (éste ejemplo sirvió para dar el nombre al juego)
En el terreno literario, el surrealismo supuso una gran revolución en el lenguaje y la aportación de nuevas técnicas de composición. Como no asumía tradición cultural alguna, ni desde el punto de vista temático ni formal, prescindió de la métrica y adoptó el tipo de expresión poética denominado como versículo: un verso de extensión indefinida sin rima que se sostiene únicamente por la cohesión interna de su ritmo. Igualmente, como no se asumía la temática consagrada, se fue a buscar en las fuentes de la represión psicológica (sueños, sexualidad) y social. Para ello utilizaron los recursos de la transcripción de sueños, la escritura automática y engendraron procedimientos metafóricos nuevos como la imagen visionaria. El lenguaje se renovó también desde el punto de vista del léxico dando cabida a campos semánticos nuevos y la retórica se enriqueció con nuevos procedimientos expresivos.
La pintura surrealista
Dalí utilizaba la fijación de imágenes tomadas de los sueños, según Breton, «...abusando de ellas y poniendo en peligro la credibilidad del surrealismo...»; inventó lo que él mismo llamó método paranoico-crítico, una mezcla entre la técnica de observación de Leonardo da Vinci por medio de la cual observando una pared se podía ver como surgían formas y técnicas de frottage (francés: frotar. Técnica de dibujo basada en aplicar un papel sobre una superficie irregular y frotarla con lápices o crayones para trasladas al papel los detalles de la superficie subyacente); fruto de esta técnica son las obras en las que se ven dos imágenes en una sola configuración. Óscar Domínguez inventó la decalcomanía (aplicar gouache negro sobre un papel el cual se coloca encima de otra hoja sobre la que se ejerce una ligera presión, luego se despegan antes de que se sequen). Además de las técnicas ya mencionadas de la decalcomanía y el frottage, los surrealistas desarrollaron otros procedimientos que incluyen igualmente el azar: el raspado, el fumage y la distribución de arena sobre el lienzo encolado.
Otra técnica utilizada por los surrealistas era el montage, que es la combinación de elementos de la realidad que se disponen, creando contradicciones absurdas.
Miró fue para Breton el más surrealista de todos, por su automatismo psíquico puro. Su surrealismo se desenvuelve entre las primeras obras donde explora sus sueños y fantasías infantiles (El Campo labrado), las obras donde el automatismo es predominante (Nacimiento del mundo) y las obras en que desarrolla su lenguaje de signos y formas biomorfas (Personaje lanzando una piedra). Arp combina las técnicas de automatismo y las oníricas en la misma obra desarrollando una iconografía de formas orgánicas que se ha dado en llamar escultura biomórfica, en la que se trata de representar lo orgánico como principio formativo de la realidad.
René Magritte dotó al surrealismo de una carga conceptual basada en el juego de imágenes ambiguas y su significado denotado a través de palabras poniendo en cuestión la relación entre un objeto pintado y el real. Paul Delvaux carga a sus obras de un espeso erotismo basado en su carácter de extrañamiento en los espacios de Giorgio de Chirico.
El surrealismo penetró la actividad de muchos artistas europeos y americanos en distintas épocas. Pablo Picasso se alió con el movimiento surrealista en 1925; Breton declaraba este acercamiento de Picasso calificándolo de «...surrealista dentro del cubismo...». Se consideran surrealistas las obras del período Dinard (1928-1930), en que Picasso combina lo monstruoso y lo sublime en la composición de figuras medio máquinas medio monstruos de aspecto gigantesco y a veces terrorífico. Esta monumentalidad surrealista de Picasso puede ponerse en paralelo con la de Henry Moore.
DALÍ
Salvador Felipe Jacinto Dalí i Domènech, Marqués de Pujol, más conocido como Salvador Dalí, fue un pintor, escultor, diseñador, escritor y cineasta español. Dalí nació el 11 de mayo de 1904, en España. A los cinco años, sus padres le llevaron a la tumba de su hermano y le contaron que él era su reencarnación, hecho que llegó a creer. De su hermano, Dalí comentó: "Yo he vivido la muerte antes de vivir la vida. Mi hermano murió a causa de una meningitis, a la edad de siete años, tres antes de mi nacimiento" [...] "nos parecíamos como dos gotas de agua, sólo que con diferentes reflejos".
En 1922, Dalí fue a estudiar a la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando. Dalí ya llamaba la atención por su excentricidad; llevaba pelo largo y patillas y vestía con abrigo, medias y pantalones bombachos, al estilo de la moda del siglo anterior. Pero sus pinturas, en las que experimentaba con el cubismo, le hicieron ganar la mayor atención de sus compañeros estudiantes. Es probable que, en sus primeras obras cubistas, Dalí no entendiera bien este movimiento artístico, ya que la única información sobre el cubismo le llegaba a través de algunos artículos de revistas y de un catálogo que le dio Pichot-un pintor amigo-, ya que, por aquellas fechas, no había pintores cubistas en Madrid.
Dalí también experimentó con el dadaísmo, que influyó en su obra a lo largo de su vida. En la Real Academia, se hizo gran amigo del poeta Federico García Lorca y del director de cine Luis Buñuel.
Dalí fue expulsado de la Academia en 1926, poco antes de sus exámenes finales, tras afirmar que nadie en la Academia era lo bastante competente para examinarlo. Su maestría en las habilidades pictóricas está bien documentada ya por aquella época, como queda patente en su Cesta de pan, un cuadro de un realismo impecable que fue pintado en 1926. Ese mismo año, hizo su primer viaje a París, donde conoció a Pablo Picasso, a quien el joven Dalí reverenciaba; Picasso ya había oído palabras favorables sobre Dalí en boca de Joan Miró. Dalí realizó un gran número de obras con una fuerte influencia de Picasso y Miró durante los siguientes años mientras avanzaba desarrollando su propio estilo.
Sin embargo, algunas tendencias de la obra de Dalí que continuarían a lo largo de su vida ya se hicieron evidentes en la década de 1920. Dalí devoró influencias de todos los estilos artísticos que podía encontrar y produjo obras que iban desde el clasicismo más académico hasta el avant-garde más puntero, unas veces en obras separadas y otras combinadas. Las exposiciones de sus obras en Barcelona llamaron mucho la atención de la crítica, que entremezclaba de alabanzas con muestras de perplejidad.
En 1929 Dalí colaboró con el director de cine surrealista Luis Buñuel en el cortometraje Un chien andalou ("Un perro Andaluz". Fue el encargado de ayudar a Buñuel a escribir el guión para la película y ahí conocío a su musa de inspiración y su futura esposa Gala Eluard Dalí o simplemente Gala. Principalmente, era responsable de ayudar a Buñuel escribiendo el guión para la película. Dalí declaró más tarde, haber estado involucrado más profundamente en la filmación del proyecto, pero esto no está corroborado por relatos contemporáneos. En el mismo año, Dalí tuvo importantes exhibiciones profesionales y se unió, oficialmente, al grupo surrealista en el barrio de Montparnasse, en Paris (aunque, durante dos años, su trabajo ya había sido fuertemente influenciado por el surrealismo).
Se convierte en un punto de referencia del movimiento surrealista. Dalí utilizaba más la fijación de imágenes tomadas de los sueños, según Breton, "...abusando de ellas y poniendo en peligro la credibilidad del Surrealismo...". Inventó lo que él mismo llamó "método paranoico-crítico", una mezcla entre la técnica de observación de Da Vinci por medio de la cual observando una pared se podía ver como surgían formas y técnicas de frottage; fruto de esta técnica son las obras en las que se ven dos imágenes en un sola configuración.
En 1936, Breton expulsó a Dalí por sus tendencias fascistas y a Paul Éluard. En 1940, debido a la Segunda Guerra Mundial, Dalí se fue a vivir con Gala a los Estados Unidos, donde permaneció hasta 1948, una de las épocas más fructíferas de su vida.
Después de la muerte de Gala en 1982, la salud de Dalí decayó muchísimo y él se trasladó a vivir desde Cadaqués a su casa en Pubol. El rey Juan Carlos I le concedió el título de Marqués de Pubol. Un incendio en su habitación en 1984 hizo que se trasladase a unas habitaciones en Torre Galatea, edificio anexo al Teatro-Museo, donde permaneció prácticamente recluso hasta su muerte el 23 de enero de 1989. La mayor parte de su obra fue donada por él mismo a España.
El gran masturbador
Es un famoso cuadro del pintor español Salvador Dalí pintado en 1929. Está hecho mediante la técnica del óleo sobre lienzo, es de estilo surrealista y sus medidas son 110 x 150 cm. Se conserva en Madrid, en el Museo Reina Sofía pues fue legado por Dalí al Estado español.
Este cuadro tiene las características de toda su pintura surrealista y posee una unidad equilibrada a pesar del gran número de elementos que presenta. Refleja el malestar del autor que temía, incluso, perder la cordura. Tanto el título, como el motivo central no dejan dudas sobre las implicaciones sexuales del cuadro; el sexo era una de las obsesiones del pintor.
En la pintura están retratadas todas las obsesiones del autor:
• El elemento principal es su autorretrato, mezcla de cabeza humana y rocas de la costa Brava de los alrededores de Cadaqués, que repetirá en muchos otros cuadros como La persistencia de la memoria y El enigma del deseo. Estilizado pero reconocible, se caracacteriza por su color amarillento, su gran nariz apoyada en el suelo y su cara alargada. Las pestañas largas representan la contraposición entre el sueño anodino de una consumación física irremediable y el sueño de que nuestros deseos se cumplan.
• El saltamontes, un animal que le provocaba terror desde su infancia y que se encuentra pegado a la boca de su autorretrato. Está en estado de descomposición, lo que atrae muchas hormigas que simbolizan la muerte.
• Un anzuelo como atadura a su familia que quería retenerle a su lado y volver a un modo de vida tradicional del que él da muestras de querer desprenderse definitivamente.
• El león como deseo sexual, con una lengua rosada como símbolo fálico.
• Unas piedras como su pasado.
• Una figura aislada como soledad.
• El tema de la masturbación aparece en la mujer que emerge de su retrato y cuyo rostro esta cerca de unos genitales masculinos escondidos en unos ceñidos calzoncillos.
• Un lirio pegado a la mujer que simboliza la pureza, una enrevesada forma de definir a la masturbación como la relación sexual más pura. El pistilo de la flor es, además, otro símbolo fálico.
• Como es normal desde que la conoció, Gala aparece representada, en este caso en la pareja que se abraza, donde ella se metamorfosea en una roca, recuerdo de los paseos que dieron por la playa.
La persistencia de la memoria
Conocido también como Los relojes blandos es un famoso cuadro del pintor español Salvador Dalí pintado en 1931. Está hecho mediante la técnica del óleo sobre lienzo, es de estilo surrealista y sus medidas son 24 x 33 cm. Se conserva en el MoMA (Museo de Arte Moderno) de Nueva York. Llegó allí en 1934 a través de una donación anónima. En una revisión posterior creó La desintegración de la persistencia de la memoria. Antes de ser adquirida por el MoMA, la pintura fue expuesta en la Galería Pierre Colle de París, del 3 al 15 de junio de 1931, y, en enero de 1932, en la galería Julien Levy de Nueva York, en una retrospectiva dedicada a los surrealistas.
Sueño causado por el vuelo de una abeja alrededor de una granada un segundo antes de despertar
Realizado en 1944, está hecho mediante la técnica del óleo sobre lienzo, es de estilo surrealista y sus medidas son 51 x 41 cm. Se conserva en Madrid, en el Museo Thyssen-Bornemisza.
Dalí, siguiendo las teorías de Freud, quiso representar en el cuadro el hecho de que, a veces, se introducen en el sueño estímulos derivados de acontecimientos exteriores que son integrados en él. También se ha sugerido que la pintura es "una surrealista interpretación de la Teoría de la Evolución".
Este fue uno de los pocos cuadros pintados por Dalí en 1944. En esos momentos se dedicaba a diseñar escaparates, a hacer decorados para películas de Hollywood o a diseñar portadas para la revista Vogue, y le quedaba poco tiempo para pintar.
A pesar de que por aquel entonces pintaba sobre temas religiosos y había abandonado el surrealismo ortodoxo, en donde se introducía en el mundo de los sueños, el largo título del lienzo muestra su intención de otorgarle al cuadro un carácter psicoanalítico.
En el cuadro aparece un paisaje marino, quizás Port Lligat, en el que aparece la mujer del artista, Gala desnuda. Junto a su cuerpo, flotando sobre una roca, que a su vez levita sobre el mar, hay dos gotas de agua suspendidas y una granada. Gala se despierta en el momento en el que el zumbido de una abeja que vuela alrededor de la granada le evoca la imagen de una bayoneta a punto de herirla. La bayoneta procede a su vez de un tigre, este sale de la boca de otro tigre, este de la de un pez y este de una granada gigante. El sueño es representado a través de las imágenes oníricas que vemos en ellos. Al fondo se ve un elefante de largas y delgadas patas con el que Gala estaba soñando antes de las terroríficas imágenes que le evoca la avispa. Esta imagen, inspirada en la escultura del elefante con el obelisco en el lomo que se encuentra en la plaza de Santa Maria sopra Minerva en Roma, obra de Bernini, reaparecerá en otros cuadros del pintor como La tentación de San Antonio y en la escultura de oro y piedras preciosas de 1956 llamada El elefante espacial.
La imagen de la mujer tumbada en las rocas aparece en algunas pinturas y dibujos de 1926, pero el expresionismo de entonces se ha transformado en un clasicismo que se objetivará en algunos desnudos como los de Leda atómica, Dalí desnudo en contemplación ante cinco cuerpos regulares o el Cristo de Gala.
Palabras de Dalí
En este sueño, Dalí pretendía, según explicó en 1962: “Poner en imágenes por primera vez el descubrimiento de Freud del típico sueño con un argumento largo, consecuencia de la instantaneidad de un accidente que provoca el despertar. Así como la caída de una barra sobre el cuello de una persona dormida provoca simultáneamente su despertar y el final de un largo sueño que termina con la caída sobre ella de la cuchilla de una guillotina, el ruido de la abeja provoca aquí la sensación del picotazo que despertará a Gala”.
Frida Kahlo
Magdalena del Carmen Frida Kahlo Calderón, mejor conocida como Frida Kahlo (n. Coyoacán, Ciudad de México; 6 de julio de 1907 - 13 de julio de 1954) A pesar de haber nacido en 1907, Frida decía haber nacido en 1910, año del inicio de la Revolución Mexicana: "Nací con la Revolución" , porque quería que su vida comenzara con el México moderno. Este detalle nos muestra su singular personalidad, caracterizada desde su infancia por un profundo sentido de la independencia y la rebeldía contra los hábitos sociales y morales ordinarios, movida por la pasión y la sensualidad. Orgullosa de su mexicanidad y de su tradición cultural, se enfrentó a la reinante penetración de las costumbres estadounidenses, todo ello mezclado con un peculiar sentido del humor.
Su vida quedó marcada por el sufrimiento físico que comenzó con la poliomielitis que contrajo en 1910 y continuó con diversas enfermedades, lesiones, accidentes y operaciones. Esta primera enfermedad le dejó una secuela permanente: la pierna derecha mucho más delgada que la izquierda.
En 1922 entró en la Escuela Nacional Preparatoria de Ciudad de México, la más prestigiosa institución educativa de México. Allí sus travesuras la convirtieron en la cabecilla de un grupo mayoritariamente formado por chicos rebeldes. Fue precisamente en esta escuela donde entraría en contacto con su futuro marido, el conocido muralista mexicano Diego Rivera, a quien le había sido encargado pintar un mural en el auditorio de la escuela.
En 1925 aprendió la técnica del grabado con Fernando Fernández Domínguez. El 17 de septiembre de ese mismo año un accidente de tranvía la dejó con lesiones permanentes debido a que su columna vertebral quedó fracturada y casi rota, así como diversas costillas, cuello y la pelvis, su pie derecho se dislocó quedando machacado, su hombro se descoyuntó y un pasamanos le atravesó el vientre, introduciéndosele por el costado izquierdo. La medicina de su tiempo la torturó con operaciones quirúrgicas (32 a lo largo de toda su vida), corsés de distintos tipos y diversos mecanismos de "estiramiento".
El aburrimiento que le provocaba su postración la llevó a empezar a pintar: en 1926, todavía en su convalecencia, pintó su primer autorretrato, el primero de una larga serie en la cual expresará los eventos de su vida y sus reacciones emocionales ante los mismos. La mayoría de sus pinturas las realizará estirada en su cama y en el baño. Sin embargo su gran fuerza y energía por vivir le permitieron una importante recuperación.
La artista contrajo matrimonio con Rivera el 21 de agosto de 1929. Su relación consistió en amor, aventuras con otras personas, vínculo creativo, odio y un divorcio en 1940 que solamente duró un año.
Poco después de su divorcio con Diego Rivera, Frida Kahlo terminó un autorretrato constituido de dos personalidades: Las Dos Fridas. Con este cuadro, asimila la crisis marital, a través de la separación entre la Frida en traje de tehuana, el favorito de Diego, y la otra Frida, de raíces europeas, la que existió antes de su encuentro con él. Los corazones de las dos mujeres están conectados uno al otro por una vena, la parte europea rechazada de Frida Kahlo amenaza con perder toda su sangre.
Frida, debido a sus lesiones, nunca pudo tener hijos, cosa que tardó muchos años en aceptar. A pesar de las aventuras de Diego con otras mujeres (que llegaron a incluir a la propia hermana de la pintora), ayudó a Frida en muchos aspectos. Él fue quien le sugirió a Frida que vistiera con el traje tradicional mexicano consistente en largos vestidos de colores y joyería exótica. Esto, junto a su semblante cejijunto, se convirtió en su imagen de marca. Él amaba su pintura y fue también su mayor admirador. Frida, a cambio, fue la mayor crítica de Diego y el amor de su vida.
En 1938 el poeta y ensayista del surrealismo André Bretón califica su obra de surrealista en un ensayo que escribe para la exposición de Kahlo en la galería Julien Levy de Nueva York. No obstante, ella misma declara más tarde: "Creían que yo era surrealista, pero no lo era. Nunca pinté mis sueños. Pinté mi propia realidad".
En 1939 expone en París en la galería Renón et Collea gracias a Bretón. Su estancia en la capital francesa la llevó a relacionarse con el pintor malagueño Picasso y a aparecer en la portada del Vogue francés. Por entonces Frida era conocida en el mundo entero.
En la primavera de 1953 la Galería de Arte Contemporáneo de esta misma ciudad le organizó, por primera vez, una importante exposición. La salud de Frida era muy mala por entonces y los médicos le prohibieron el asistir a la misma. Minutos después de que todos los invitados se encontraran en el interior de la galería se empezaron a oír sirenas desde el exterior. La muchedumbre enloquecida se dirigió al exterior, allí estaba una ambulancia acompañada de una escolta en motocicleta. Frida Kahlo había sido llevada a su exposición en una cama de hospital. Los fotógrafos y los periodistas se quedaron impresionados. Ella fue colocada en el centro de la galería. La multitud fue a saludarla. Frida contó chistes, cantó y bebió la tarde entera. La exhibición había sido un éxito rotundo.
Ese mismo año le tuvieron que amputar la pierna por debajo de la rodilla debido a una infección de gangrena. Esto la sumió en una gran depresión que la llevó a intentar el suicidio en un par de ocasiones. Durante ese tiempo, debido a que no podía hacer mucho, escribía poemas en sus diarios, la mayoría relacionados con el dolor y remordimiento.
Murió en Coyoacán el 13 de julio de 1954. No se realizó ninguna autopsia . Fue velada en el Palacio de Bellas Artes de la Ciudad de México y su féretro fue cubierto con la bandera del Partido Comunista mexicano, un hecho que fue muy criticado por toda la prensa nacional. Su cuerpo fue incinerado y sus cenizas las alberga la Casa Azul de Coyoacán, lugar que la vio nacer.
Sus últimas palabras en su diario fueron: "Espero que la marcha sea feliz y espero no volver".
De sesgo muy personal, se caracteriza por una síntesis de elementos expresionistas y surrealistas, con una temática popular y autobiográfica.
• Las dos Fridas, 1939
• La columna rota, 1944 (der)
• El abrazo de amor de El universo, la tierra (México), Yo, Diego y el señor Xólotl, 1949
• Diego y yo, 1949
Diego y yo
Ella era su chiquita y él su "príncipe sapo". Sin embargo, el transcurrir de este amor no fue nunca fácil para Frida y Diego. Al poco tiempo de su matrimonio en 1929, empezaron los problemas. El año de 1949, la relación tocó el punto más bajo cuando corrió el rumor de que Diego intentaba casarse con la estrella de cine, María Félix, con quien mantenía un romance. A pesar de que nada de esto resultó y Diego permaneció al lado de Frida, ella terminó profundamente herida. El autorretrato Diego y yo proviene de esta experiencia vivida.
Tercer ojo: La admiración de Frida por la inteligencia y sabiduría de Diego es sugerida en el tercer ojo incluido en la frente de Diego. De esta manera expresa su convicción acerca de la superioridad intelectual y artística de Rivera.
Diego en la frente de Frida: Diego está presente en los pensamientos de Frida, tal como lo sugiere el retrato de Diego entre las oscuras cejas de Frida.
Lágrimas de Frida: Por años, Frida hizo chistes y se rió de las indiscreciones de Diego pero, las lágrimas de Frida en este retrato nos muestran su pena y dolor. Una vez Frida comentó: "Yo he sufrido dos accidentes graves en mi vida; uno, en un autobús que me tumbó... el otro accidente es Diego".
Cabello: En la mayoría de los retratos el cabello de Frida aparece arreglado elegantemente, en éste por el contrario, su cabello se encuentra suelto y enredado en su cuello sugiriéndonos un estado de ahogamiento o estrangulamiento; sin Diego, Frida pierde el respiro por la vida.
El abrazo de amor de El universo, la tierra (México), Yo, Diego y el señor Xólotl, 1949
Conclusión
El surrealismo ha sido, seguramente, una de las experiencias más vitales del pensamiento y del arte del siglo XX. La crítica radical al arte y a la sociedad, la transformación de la vida, la exploración del sueño, la invención de nuevos métodos para interrogar los colores y las palabras; ninguna experiencia fundante de la aventura humana quedó fuera del campo de acción de esta vanguardia imaginativa y rebelde.
A lo largo de este trabajo hemos desarrollado los inicios del surrealismo a partir del surgimiento de las vanguardias históricas, planteándolo desde la vinculación con el contexto histórico de la época. Dejamos fuera del trabajo el cómo y por qué fue decayendo este movimiento particular dado que consideramos más interesante el nacimiento y desarrollo del mismo.
Cabe destacar cómo a partir de las nuevas teorías que salen a luz, se rompe con todo un modelo tradicional que regía la vida de las personas en esos tiempos.
BIBLIOGRAFÍA
• Diccionario Enciclopédico Marred, Ediciones Trébol, 1998, Esp.;
• Enciclopedia Sociales del Estudiante, Ed. Alfa Centro Literario, 1997;
• Material aportado por la cátedra.
• Nadeau, Maurice. “Historia del Surrealismo” Ediciones Derramar, 2008, Bs. As., Arg.,
• WikiPedia, www.wikipedia.com,
ESPERO HABER APORTADO ALGO!!
SURREALISMO
Fundamentación
Elegimos al surrealismo, más que nada por la temática del movimiento. Considerando el contexto en el que se desarrolla, nos pareció interesante que no hayan simplemente “copiado” la realidad, si no que todo lo contrario, apostaron por “su” realidad, lo que interpretaban ellos de sus sueños. De esta manera, relacionando la realidad subjetiva con objetos cotidianos, se obtuvo la llamada suprarrealidad.
Entre los exponentes de este movimiento desarrollamos a Dalí y Kahlo. A Dalí, por que además de ser el más conocido, introdujo en el surrealismo su propio método, el paranoico-crítico. Y a Frida Kahlo, por ser latinoamericana y más que nada su historia personal, de cómo a pesar de las adversidades pudo crear tan maravillosas obras, al igual que Dalí.
Marco teórico
Las Vanguardias Históricas surgen a partir de la Primera Guerra Mundial, el genocidio provoca en los jóvenes artistas la idea de protesta, de revolución a partir del arte, las letras y las ideas, para tomar conciencia de lo que había sucedido en la Guerra.
El arte vanguardista transmitirá dolor, que busca romper lo tradicional, argumentando que anteriormente las obras no reflejan la sociedad.
En Francia la vanguardia es el Fauvismo, inspirada en Gauguin. El color se independiza, colores imposibles (caballos verdes, por ejemplo). Es un arte decorativo. Un exponente de esta vanguardia es Mattise.
En cambio en Alemania es el Expresionismo, cuyo precursor fue Van Gogh, aquí los protagonistas son los sentimientos, lo gestual. El principal expresionista es Munch.
Otra vanguardia es el Dadaísmo, se caracteriza por el anti belicismo, usando la ironía y el sarcasmo. Utilizan objetos de la vida cotidiana para llevarlos a una obra artística.
En España los sueños parecen ser el único escape del mundo nefasto, así surge el Surrealismo, influenciado por la teoría psíquica de Freud. Dalí es el principal pintor de este movimiento, que coloca objetos de la realidad, pero fuera de contexto, creando combinaciones imposibles (por ejemplo, “La persistencia de la Memoria”. El surrealismo sostiene que la inconciencia refleja más de nuestro interior que lo que podríamos saber en un estado de conciencia, ya que se pueden ver los deseos y temores ocultos. Otra exponente de este movimiento es la mexicana Frida Kahlo, quien introduce, junto con otros, un fuerte color local en las pinturas
Todos estos movimientos artísticos surgidos a partir de la Guerra no son para nada homogéneos, cada uno es diferente al otro y representan o simbolizan cada uno su idea de la realidad o surrealidad. Todos ellos piensan a la sociedad como algo nefasto, de desolación, tristeza; pero cada uno tiene una visión y una perspectiva diferente.
Contexto
“No es posible considerar al surrealismo sin situarlo en su tiempo” Aragon
Entre los años 1914 y 1918 se produjo el conflicto armado que enfrentó a las potencias centrales de Europa: la Primera Guerra Mundial.
En la Europa pos- guerra se podía ver claramente dos sectores: el de los vencedores y el de los vencidos, sin embargo ambos se encontraron inmersos en una miseria total, donde a partir de ese momento, se empieza a mirar de una manera crítica al régimen. Esto provocó ideas de protesta y de revolución en los artistas, como André Breton, Paul Eluard, Louis Aragon, entre otros; que respondieron al llamado de movilización de sus clases con el sentimiento de inutilidad de ese conflicto bélico. Ellos buscaron que el público tome conciencia del genocidio al que han sometido a toda una generación y a la realidad de no haber hecho nada para evitarlo. Es entonces que se trata de romper con los cánones tradicionales existentes, por ver en ellos el reflejo de una sociedad con la que no se identifican.
Al respecto Maurice Nadeau plantea que “… A cambio de una destrucción radical, que era necesaria, construyeron valores nuevos en un clima de creación del mundo. Esta revolución poética fue posible mediante una revolución íntima del hombre y de sus relaciones con el mundo. Veinte siglos de opresión cristiana no consiguieron dominar el deseo del hombre y su intención de satisfacerlo. El surrealismo proclama la omnipotencia del deseo y la legitimidad de su realización… con su voluntad de destrucción total de esos vínculos impuestos por la familia, la moral y la religión”
El dadaísmo
Es fuera de Francia, en Suiza, donde se construyen un artificio de guerra especialmente mortífero para la poesía y arte tradicionales, como protesta ante cualquier orden establecido o cualquier sistema racional sujeto a normas. La impaciencia de vivir y la náusea ante la lógica y el lenguaje de la vida moderna provocaron que, en 1916, en Zurich,-lugar de refugio de emigrados de todo género y países-, Tristán Tzara junto con otros dos, abrieron un diccionario al azar, bautizan con el nombre de Dadá, un movimiento que obró poderosamente sobre los destinos del naciente surrealismo.
El dadaísmo se trató de una rebelión en la que lo absurdo y lo grotesco se impuso a los valores estéticos, manifestando su repudio creando obras escandalosas.
Si bien el dadaísmo es el precursor inmediato del surrealismo, cabe destacar que, tanto uno como el otro, hacían una dura crítica a la realidad bélica del momento. El cambio se produce a partir de la ruptura del dadaísmo como grupo, sus máximos pensadores, Breton y Tzara, se separan por tener distintos ideales, por ejemplo, la manera de pensar sobre los descubrimientos científicos, filosóficos y psicológicos de la época. Esto genera que cada uno siga por caminos diferentes.
SURREALISMO
A partir del dadaísmo, nace un movimiento artístico y literario, -en Francia, en el primer cuarto del siglo XX-, en torno a la personalidad del poeta André Breton e influido por la teoría sicoanalítica de Freud. Constituye una de las conocidas vanguardias históricas.
Breton expone la psicología surrealista desde el inconsciente que es la región del intelecto donde el ser humano no objetiva la realidad sino que forma un todo con ella. El arte, no es representación sino comunicación vital directa del individuo con el todo. Esa conexión se expresa en las casualidades significativas (azar objetivo), en las que el deseo del individuo y el devenir ajeno a él convergen imprevisiblemente, y en el sueño, donde los elementos más dispares se revelan unidos por relaciones secretas. El surrealismo propone trasladar esas imágenes al mundo del arte por medio de una asociación mental libre, sin la intromisión censora de la conciencia. De ahí que elija como método para lograr la plena libertad creadora, el automatismo, donde se habla a través del inconsciente y especialmente los sueños.
El surrealismo sostiene que la parte onírica y la actividad inconsciente de vigilia son esenciales, porque develan más de nuestro interior y de nosotros mismos, que todo lo que podríamos crear o elaborar de un modo más mediato y conciente.
Al surrealismo lo consideraron sus fundadores no como una nueva escuela artística, si no como un medio para el conocimiento de regiones novedosas que hasta el momento no habían sido sistemáticamente exploradas: el inconsciente, lo maravilloso, el sueño, la locura, los estados de alucinación. Si a esto se agrega lo fantástico y lo asombroso que existe en el mundo, tenemos, en una palabra, el reverso de la concepción lógica.
El médico austriaco Sigmund Freud, presenta en su teoría el primer esquema del aparato psíquico, el cual está conformado por: el Inconsciente, el preconciente y el conciente.
Llamamos conciente a las representaciones mentales que provienen del exterior, es decir, a las imágenes mentales de lo que percibimos en la realidad.
Llamamos preconciente a las ideas latentes que pueden volver a la conciencia, voluntaria o involuntariamente.
El inconsciente no se muestra directamente a nuestro conocimiento, si no que se manifiesta por otras vías, por ejemplo el sueño. En él se encuentran los deseos e ideas reprimidas no accesibles al conciente. El conciente está regulado por sus propias leyes, como la ausencia de negación, donde no existe el no, nada está prohibido; la ausencia de duda, la falta de principio de contradicción, cuando soñamos la lógica no existe, los muertos viven, podemos ser niños y viejos; y la falta de temporalidad, hechos y personas del pasado conviven en el presente. Las ideas y deseos reprimidos que se encuentran en el inconsciente son resultado del conflicto entre el principio del placer con rectoría de la atracción sexual, y la realidad que reprime al instinto, al deseo, al temor y la esperanza.
Este movimiento surrealista preconizaba la abolición de los valores culturales tradicionales, así como el rechazo a las tradiciones estéticas y los procesos racionales. Es por este motivo que a través de sus manifiestos representan violentas rupturas con todo lo conocido hasta el momento.
TÉCNICAS
El surrealismo tomó del dadaísmo algunas técnicas de fotografía y cinematografía así como la fabricación de objetos. Extendieron el principio del collage (el "objeto encontrado" al ensamblaje de objetos incongruentes, como en los poemas visibles de Max Ernst. Este último inventó el frottage (dibujos compuestos por el roce de superficies rugosas contra el papel o el lienzo) y lo aplicó en grandes obras.
Otra de las nuevas actividades creadas por el surrealismo fue la llamada cadáver exquisito, en la cual varios artistas dibujaban las distintas partes de una figura, sin saber lo que el compañero había dibujado; las criaturas resultantes pudieron servir de inspiración a Miró. Otra manera de realizar la actividad es: en un grupo una persona escribe una palabra en un papel, luego lo dobla y lo pasa al compañero, quien deberá hacer lo mismo y así sucesivamente hasta terminar la ronda. Luego se abrirá el papel y se dará lectura al resultado. Por ejemplo: “el cadáver exquisito beberá el vino nuevo” (éste ejemplo sirvió para dar el nombre al juego)
En el terreno literario, el surrealismo supuso una gran revolución en el lenguaje y la aportación de nuevas técnicas de composición. Como no asumía tradición cultural alguna, ni desde el punto de vista temático ni formal, prescindió de la métrica y adoptó el tipo de expresión poética denominado como versículo: un verso de extensión indefinida sin rima que se sostiene únicamente por la cohesión interna de su ritmo. Igualmente, como no se asumía la temática consagrada, se fue a buscar en las fuentes de la represión psicológica (sueños, sexualidad) y social. Para ello utilizaron los recursos de la transcripción de sueños, la escritura automática y engendraron procedimientos metafóricos nuevos como la imagen visionaria. El lenguaje se renovó también desde el punto de vista del léxico dando cabida a campos semánticos nuevos y la retórica se enriqueció con nuevos procedimientos expresivos.
La pintura surrealista
Dalí utilizaba la fijación de imágenes tomadas de los sueños, según Breton, «...abusando de ellas y poniendo en peligro la credibilidad del surrealismo...»; inventó lo que él mismo llamó método paranoico-crítico, una mezcla entre la técnica de observación de Leonardo da Vinci por medio de la cual observando una pared se podía ver como surgían formas y técnicas de frottage (francés: frotar. Técnica de dibujo basada en aplicar un papel sobre una superficie irregular y frotarla con lápices o crayones para trasladas al papel los detalles de la superficie subyacente); fruto de esta técnica son las obras en las que se ven dos imágenes en una sola configuración. Óscar Domínguez inventó la decalcomanía (aplicar gouache negro sobre un papel el cual se coloca encima de otra hoja sobre la que se ejerce una ligera presión, luego se despegan antes de que se sequen). Además de las técnicas ya mencionadas de la decalcomanía y el frottage, los surrealistas desarrollaron otros procedimientos que incluyen igualmente el azar: el raspado, el fumage y la distribución de arena sobre el lienzo encolado.
Otra técnica utilizada por los surrealistas era el montage, que es la combinación de elementos de la realidad que se disponen, creando contradicciones absurdas.
Miró fue para Breton el más surrealista de todos, por su automatismo psíquico puro. Su surrealismo se desenvuelve entre las primeras obras donde explora sus sueños y fantasías infantiles (El Campo labrado), las obras donde el automatismo es predominante (Nacimiento del mundo) y las obras en que desarrolla su lenguaje de signos y formas biomorfas (Personaje lanzando una piedra). Arp combina las técnicas de automatismo y las oníricas en la misma obra desarrollando una iconografía de formas orgánicas que se ha dado en llamar escultura biomórfica, en la que se trata de representar lo orgánico como principio formativo de la realidad.
René Magritte dotó al surrealismo de una carga conceptual basada en el juego de imágenes ambiguas y su significado denotado a través de palabras poniendo en cuestión la relación entre un objeto pintado y el real. Paul Delvaux carga a sus obras de un espeso erotismo basado en su carácter de extrañamiento en los espacios de Giorgio de Chirico.
El surrealismo penetró la actividad de muchos artistas europeos y americanos en distintas épocas. Pablo Picasso se alió con el movimiento surrealista en 1925; Breton declaraba este acercamiento de Picasso calificándolo de «...surrealista dentro del cubismo...». Se consideran surrealistas las obras del período Dinard (1928-1930), en que Picasso combina lo monstruoso y lo sublime en la composición de figuras medio máquinas medio monstruos de aspecto gigantesco y a veces terrorífico. Esta monumentalidad surrealista de Picasso puede ponerse en paralelo con la de Henry Moore.
DALÍ
Salvador Felipe Jacinto Dalí i Domènech, Marqués de Pujol, más conocido como Salvador Dalí, fue un pintor, escultor, diseñador, escritor y cineasta español. Dalí nació el 11 de mayo de 1904, en España. A los cinco años, sus padres le llevaron a la tumba de su hermano y le contaron que él era su reencarnación, hecho que llegó a creer. De su hermano, Dalí comentó: "Yo he vivido la muerte antes de vivir la vida. Mi hermano murió a causa de una meningitis, a la edad de siete años, tres antes de mi nacimiento" [...] "nos parecíamos como dos gotas de agua, sólo que con diferentes reflejos".
En 1922, Dalí fue a estudiar a la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando. Dalí ya llamaba la atención por su excentricidad; llevaba pelo largo y patillas y vestía con abrigo, medias y pantalones bombachos, al estilo de la moda del siglo anterior. Pero sus pinturas, en las que experimentaba con el cubismo, le hicieron ganar la mayor atención de sus compañeros estudiantes. Es probable que, en sus primeras obras cubistas, Dalí no entendiera bien este movimiento artístico, ya que la única información sobre el cubismo le llegaba a través de algunos artículos de revistas y de un catálogo que le dio Pichot-un pintor amigo-, ya que, por aquellas fechas, no había pintores cubistas en Madrid.
Dalí también experimentó con el dadaísmo, que influyó en su obra a lo largo de su vida. En la Real Academia, se hizo gran amigo del poeta Federico García Lorca y del director de cine Luis Buñuel.
Dalí fue expulsado de la Academia en 1926, poco antes de sus exámenes finales, tras afirmar que nadie en la Academia era lo bastante competente para examinarlo. Su maestría en las habilidades pictóricas está bien documentada ya por aquella época, como queda patente en su Cesta de pan, un cuadro de un realismo impecable que fue pintado en 1926. Ese mismo año, hizo su primer viaje a París, donde conoció a Pablo Picasso, a quien el joven Dalí reverenciaba; Picasso ya había oído palabras favorables sobre Dalí en boca de Joan Miró. Dalí realizó un gran número de obras con una fuerte influencia de Picasso y Miró durante los siguientes años mientras avanzaba desarrollando su propio estilo.
Sin embargo, algunas tendencias de la obra de Dalí que continuarían a lo largo de su vida ya se hicieron evidentes en la década de 1920. Dalí devoró influencias de todos los estilos artísticos que podía encontrar y produjo obras que iban desde el clasicismo más académico hasta el avant-garde más puntero, unas veces en obras separadas y otras combinadas. Las exposiciones de sus obras en Barcelona llamaron mucho la atención de la crítica, que entremezclaba de alabanzas con muestras de perplejidad.
En 1929 Dalí colaboró con el director de cine surrealista Luis Buñuel en el cortometraje Un chien andalou ("Un perro Andaluz". Fue el encargado de ayudar a Buñuel a escribir el guión para la película y ahí conocío a su musa de inspiración y su futura esposa Gala Eluard Dalí o simplemente Gala. Principalmente, era responsable de ayudar a Buñuel escribiendo el guión para la película. Dalí declaró más tarde, haber estado involucrado más profundamente en la filmación del proyecto, pero esto no está corroborado por relatos contemporáneos. En el mismo año, Dalí tuvo importantes exhibiciones profesionales y se unió, oficialmente, al grupo surrealista en el barrio de Montparnasse, en Paris (aunque, durante dos años, su trabajo ya había sido fuertemente influenciado por el surrealismo).
Se convierte en un punto de referencia del movimiento surrealista. Dalí utilizaba más la fijación de imágenes tomadas de los sueños, según Breton, "...abusando de ellas y poniendo en peligro la credibilidad del Surrealismo...". Inventó lo que él mismo llamó "método paranoico-crítico", una mezcla entre la técnica de observación de Da Vinci por medio de la cual observando una pared se podía ver como surgían formas y técnicas de frottage; fruto de esta técnica son las obras en las que se ven dos imágenes en un sola configuración.
En 1936, Breton expulsó a Dalí por sus tendencias fascistas y a Paul Éluard. En 1940, debido a la Segunda Guerra Mundial, Dalí se fue a vivir con Gala a los Estados Unidos, donde permaneció hasta 1948, una de las épocas más fructíferas de su vida.
Después de la muerte de Gala en 1982, la salud de Dalí decayó muchísimo y él se trasladó a vivir desde Cadaqués a su casa en Pubol. El rey Juan Carlos I le concedió el título de Marqués de Pubol. Un incendio en su habitación en 1984 hizo que se trasladase a unas habitaciones en Torre Galatea, edificio anexo al Teatro-Museo, donde permaneció prácticamente recluso hasta su muerte el 23 de enero de 1989. La mayor parte de su obra fue donada por él mismo a España.
El gran masturbador
Es un famoso cuadro del pintor español Salvador Dalí pintado en 1929. Está hecho mediante la técnica del óleo sobre lienzo, es de estilo surrealista y sus medidas son 110 x 150 cm. Se conserva en Madrid, en el Museo Reina Sofía pues fue legado por Dalí al Estado español.
Este cuadro tiene las características de toda su pintura surrealista y posee una unidad equilibrada a pesar del gran número de elementos que presenta. Refleja el malestar del autor que temía, incluso, perder la cordura. Tanto el título, como el motivo central no dejan dudas sobre las implicaciones sexuales del cuadro; el sexo era una de las obsesiones del pintor.
En la pintura están retratadas todas las obsesiones del autor:
• El elemento principal es su autorretrato, mezcla de cabeza humana y rocas de la costa Brava de los alrededores de Cadaqués, que repetirá en muchos otros cuadros como La persistencia de la memoria y El enigma del deseo. Estilizado pero reconocible, se caracacteriza por su color amarillento, su gran nariz apoyada en el suelo y su cara alargada. Las pestañas largas representan la contraposición entre el sueño anodino de una consumación física irremediable y el sueño de que nuestros deseos se cumplan.
• El saltamontes, un animal que le provocaba terror desde su infancia y que se encuentra pegado a la boca de su autorretrato. Está en estado de descomposición, lo que atrae muchas hormigas que simbolizan la muerte.
• Un anzuelo como atadura a su familia que quería retenerle a su lado y volver a un modo de vida tradicional del que él da muestras de querer desprenderse definitivamente.
• El león como deseo sexual, con una lengua rosada como símbolo fálico.
• Unas piedras como su pasado.
• Una figura aislada como soledad.
• El tema de la masturbación aparece en la mujer que emerge de su retrato y cuyo rostro esta cerca de unos genitales masculinos escondidos en unos ceñidos calzoncillos.
• Un lirio pegado a la mujer que simboliza la pureza, una enrevesada forma de definir a la masturbación como la relación sexual más pura. El pistilo de la flor es, además, otro símbolo fálico.
• Como es normal desde que la conoció, Gala aparece representada, en este caso en la pareja que se abraza, donde ella se metamorfosea en una roca, recuerdo de los paseos que dieron por la playa.
La persistencia de la memoria
Conocido también como Los relojes blandos es un famoso cuadro del pintor español Salvador Dalí pintado en 1931. Está hecho mediante la técnica del óleo sobre lienzo, es de estilo surrealista y sus medidas son 24 x 33 cm. Se conserva en el MoMA (Museo de Arte Moderno) de Nueva York. Llegó allí en 1934 a través de una donación anónima. En una revisión posterior creó La desintegración de la persistencia de la memoria. Antes de ser adquirida por el MoMA, la pintura fue expuesta en la Galería Pierre Colle de París, del 3 al 15 de junio de 1931, y, en enero de 1932, en la galería Julien Levy de Nueva York, en una retrospectiva dedicada a los surrealistas.
Sueño causado por el vuelo de una abeja alrededor de una granada un segundo antes de despertar
Realizado en 1944, está hecho mediante la técnica del óleo sobre lienzo, es de estilo surrealista y sus medidas son 51 x 41 cm. Se conserva en Madrid, en el Museo Thyssen-Bornemisza.
Dalí, siguiendo las teorías de Freud, quiso representar en el cuadro el hecho de que, a veces, se introducen en el sueño estímulos derivados de acontecimientos exteriores que son integrados en él. También se ha sugerido que la pintura es "una surrealista interpretación de la Teoría de la Evolución".
Este fue uno de los pocos cuadros pintados por Dalí en 1944. En esos momentos se dedicaba a diseñar escaparates, a hacer decorados para películas de Hollywood o a diseñar portadas para la revista Vogue, y le quedaba poco tiempo para pintar.
A pesar de que por aquel entonces pintaba sobre temas religiosos y había abandonado el surrealismo ortodoxo, en donde se introducía en el mundo de los sueños, el largo título del lienzo muestra su intención de otorgarle al cuadro un carácter psicoanalítico.
En el cuadro aparece un paisaje marino, quizás Port Lligat, en el que aparece la mujer del artista, Gala desnuda. Junto a su cuerpo, flotando sobre una roca, que a su vez levita sobre el mar, hay dos gotas de agua suspendidas y una granada. Gala se despierta en el momento en el que el zumbido de una abeja que vuela alrededor de la granada le evoca la imagen de una bayoneta a punto de herirla. La bayoneta procede a su vez de un tigre, este sale de la boca de otro tigre, este de la de un pez y este de una granada gigante. El sueño es representado a través de las imágenes oníricas que vemos en ellos. Al fondo se ve un elefante de largas y delgadas patas con el que Gala estaba soñando antes de las terroríficas imágenes que le evoca la avispa. Esta imagen, inspirada en la escultura del elefante con el obelisco en el lomo que se encuentra en la plaza de Santa Maria sopra Minerva en Roma, obra de Bernini, reaparecerá en otros cuadros del pintor como La tentación de San Antonio y en la escultura de oro y piedras preciosas de 1956 llamada El elefante espacial.
La imagen de la mujer tumbada en las rocas aparece en algunas pinturas y dibujos de 1926, pero el expresionismo de entonces se ha transformado en un clasicismo que se objetivará en algunos desnudos como los de Leda atómica, Dalí desnudo en contemplación ante cinco cuerpos regulares o el Cristo de Gala.
Palabras de Dalí
En este sueño, Dalí pretendía, según explicó en 1962: “Poner en imágenes por primera vez el descubrimiento de Freud del típico sueño con un argumento largo, consecuencia de la instantaneidad de un accidente que provoca el despertar. Así como la caída de una barra sobre el cuello de una persona dormida provoca simultáneamente su despertar y el final de un largo sueño que termina con la caída sobre ella de la cuchilla de una guillotina, el ruido de la abeja provoca aquí la sensación del picotazo que despertará a Gala”.
Frida Kahlo
Magdalena del Carmen Frida Kahlo Calderón, mejor conocida como Frida Kahlo (n. Coyoacán, Ciudad de México; 6 de julio de 1907 - 13 de julio de 1954) A pesar de haber nacido en 1907, Frida decía haber nacido en 1910, año del inicio de la Revolución Mexicana: "Nací con la Revolución" , porque quería que su vida comenzara con el México moderno. Este detalle nos muestra su singular personalidad, caracterizada desde su infancia por un profundo sentido de la independencia y la rebeldía contra los hábitos sociales y morales ordinarios, movida por la pasión y la sensualidad. Orgullosa de su mexicanidad y de su tradición cultural, se enfrentó a la reinante penetración de las costumbres estadounidenses, todo ello mezclado con un peculiar sentido del humor.
Su vida quedó marcada por el sufrimiento físico que comenzó con la poliomielitis que contrajo en 1910 y continuó con diversas enfermedades, lesiones, accidentes y operaciones. Esta primera enfermedad le dejó una secuela permanente: la pierna derecha mucho más delgada que la izquierda.
En 1922 entró en la Escuela Nacional Preparatoria de Ciudad de México, la más prestigiosa institución educativa de México. Allí sus travesuras la convirtieron en la cabecilla de un grupo mayoritariamente formado por chicos rebeldes. Fue precisamente en esta escuela donde entraría en contacto con su futuro marido, el conocido muralista mexicano Diego Rivera, a quien le había sido encargado pintar un mural en el auditorio de la escuela.
En 1925 aprendió la técnica del grabado con Fernando Fernández Domínguez. El 17 de septiembre de ese mismo año un accidente de tranvía la dejó con lesiones permanentes debido a que su columna vertebral quedó fracturada y casi rota, así como diversas costillas, cuello y la pelvis, su pie derecho se dislocó quedando machacado, su hombro se descoyuntó y un pasamanos le atravesó el vientre, introduciéndosele por el costado izquierdo. La medicina de su tiempo la torturó con operaciones quirúrgicas (32 a lo largo de toda su vida), corsés de distintos tipos y diversos mecanismos de "estiramiento".
El aburrimiento que le provocaba su postración la llevó a empezar a pintar: en 1926, todavía en su convalecencia, pintó su primer autorretrato, el primero de una larga serie en la cual expresará los eventos de su vida y sus reacciones emocionales ante los mismos. La mayoría de sus pinturas las realizará estirada en su cama y en el baño. Sin embargo su gran fuerza y energía por vivir le permitieron una importante recuperación.
La artista contrajo matrimonio con Rivera el 21 de agosto de 1929. Su relación consistió en amor, aventuras con otras personas, vínculo creativo, odio y un divorcio en 1940 que solamente duró un año.
Poco después de su divorcio con Diego Rivera, Frida Kahlo terminó un autorretrato constituido de dos personalidades: Las Dos Fridas. Con este cuadro, asimila la crisis marital, a través de la separación entre la Frida en traje de tehuana, el favorito de Diego, y la otra Frida, de raíces europeas, la que existió antes de su encuentro con él. Los corazones de las dos mujeres están conectados uno al otro por una vena, la parte europea rechazada de Frida Kahlo amenaza con perder toda su sangre.
Frida, debido a sus lesiones, nunca pudo tener hijos, cosa que tardó muchos años en aceptar. A pesar de las aventuras de Diego con otras mujeres (que llegaron a incluir a la propia hermana de la pintora), ayudó a Frida en muchos aspectos. Él fue quien le sugirió a Frida que vistiera con el traje tradicional mexicano consistente en largos vestidos de colores y joyería exótica. Esto, junto a su semblante cejijunto, se convirtió en su imagen de marca. Él amaba su pintura y fue también su mayor admirador. Frida, a cambio, fue la mayor crítica de Diego y el amor de su vida.
En 1938 el poeta y ensayista del surrealismo André Bretón califica su obra de surrealista en un ensayo que escribe para la exposición de Kahlo en la galería Julien Levy de Nueva York. No obstante, ella misma declara más tarde: "Creían que yo era surrealista, pero no lo era. Nunca pinté mis sueños. Pinté mi propia realidad".
En 1939 expone en París en la galería Renón et Collea gracias a Bretón. Su estancia en la capital francesa la llevó a relacionarse con el pintor malagueño Picasso y a aparecer en la portada del Vogue francés. Por entonces Frida era conocida en el mundo entero.
En la primavera de 1953 la Galería de Arte Contemporáneo de esta misma ciudad le organizó, por primera vez, una importante exposición. La salud de Frida era muy mala por entonces y los médicos le prohibieron el asistir a la misma. Minutos después de que todos los invitados se encontraran en el interior de la galería se empezaron a oír sirenas desde el exterior. La muchedumbre enloquecida se dirigió al exterior, allí estaba una ambulancia acompañada de una escolta en motocicleta. Frida Kahlo había sido llevada a su exposición en una cama de hospital. Los fotógrafos y los periodistas se quedaron impresionados. Ella fue colocada en el centro de la galería. La multitud fue a saludarla. Frida contó chistes, cantó y bebió la tarde entera. La exhibición había sido un éxito rotundo.
Ese mismo año le tuvieron que amputar la pierna por debajo de la rodilla debido a una infección de gangrena. Esto la sumió en una gran depresión que la llevó a intentar el suicidio en un par de ocasiones. Durante ese tiempo, debido a que no podía hacer mucho, escribía poemas en sus diarios, la mayoría relacionados con el dolor y remordimiento.
Murió en Coyoacán el 13 de julio de 1954. No se realizó ninguna autopsia . Fue velada en el Palacio de Bellas Artes de la Ciudad de México y su féretro fue cubierto con la bandera del Partido Comunista mexicano, un hecho que fue muy criticado por toda la prensa nacional. Su cuerpo fue incinerado y sus cenizas las alberga la Casa Azul de Coyoacán, lugar que la vio nacer.
Sus últimas palabras en su diario fueron: "Espero que la marcha sea feliz y espero no volver".
De sesgo muy personal, se caracteriza por una síntesis de elementos expresionistas y surrealistas, con una temática popular y autobiográfica.
• Las dos Fridas, 1939
• La columna rota, 1944 (der)
• El abrazo de amor de El universo, la tierra (México), Yo, Diego y el señor Xólotl, 1949
• Diego y yo, 1949
Diego y yo
Ella era su chiquita y él su "príncipe sapo". Sin embargo, el transcurrir de este amor no fue nunca fácil para Frida y Diego. Al poco tiempo de su matrimonio en 1929, empezaron los problemas. El año de 1949, la relación tocó el punto más bajo cuando corrió el rumor de que Diego intentaba casarse con la estrella de cine, María Félix, con quien mantenía un romance. A pesar de que nada de esto resultó y Diego permaneció al lado de Frida, ella terminó profundamente herida. El autorretrato Diego y yo proviene de esta experiencia vivida.
Tercer ojo: La admiración de Frida por la inteligencia y sabiduría de Diego es sugerida en el tercer ojo incluido en la frente de Diego. De esta manera expresa su convicción acerca de la superioridad intelectual y artística de Rivera.
Diego en la frente de Frida: Diego está presente en los pensamientos de Frida, tal como lo sugiere el retrato de Diego entre las oscuras cejas de Frida.
Lágrimas de Frida: Por años, Frida hizo chistes y se rió de las indiscreciones de Diego pero, las lágrimas de Frida en este retrato nos muestran su pena y dolor. Una vez Frida comentó: "Yo he sufrido dos accidentes graves en mi vida; uno, en un autobús que me tumbó... el otro accidente es Diego".
Cabello: En la mayoría de los retratos el cabello de Frida aparece arreglado elegantemente, en éste por el contrario, su cabello se encuentra suelto y enredado en su cuello sugiriéndonos un estado de ahogamiento o estrangulamiento; sin Diego, Frida pierde el respiro por la vida.
El abrazo de amor de El universo, la tierra (México), Yo, Diego y el señor Xólotl, 1949
Conclusión
El surrealismo ha sido, seguramente, una de las experiencias más vitales del pensamiento y del arte del siglo XX. La crítica radical al arte y a la sociedad, la transformación de la vida, la exploración del sueño, la invención de nuevos métodos para interrogar los colores y las palabras; ninguna experiencia fundante de la aventura humana quedó fuera del campo de acción de esta vanguardia imaginativa y rebelde.
A lo largo de este trabajo hemos desarrollado los inicios del surrealismo a partir del surgimiento de las vanguardias históricas, planteándolo desde la vinculación con el contexto histórico de la época. Dejamos fuera del trabajo el cómo y por qué fue decayendo este movimiento particular dado que consideramos más interesante el nacimiento y desarrollo del mismo.
Cabe destacar cómo a partir de las nuevas teorías que salen a luz, se rompe con todo un modelo tradicional que regía la vida de las personas en esos tiempos.
BIBLIOGRAFÍA
• Diccionario Enciclopédico Marred, Ediciones Trébol, 1998, Esp.;
• Enciclopedia Sociales del Estudiante, Ed. Alfa Centro Literario, 1997;
• Material aportado por la cátedra.
• Nadeau, Maurice. “Historia del Surrealismo” Ediciones Derramar, 2008, Bs. As., Arg.,
• WikiPedia, www.wikipedia.com,
ESPERO HABER APORTADO ALGO!!