PablitoMarmolin

DIFUNDIR. Mensaje de ultimo momento, publicado en http://www.facebook.com/LocosPorElBorda: AHORA LA METROPOLITANA Y DOS CAMIONES HORMIGONEROS ESTÁN INTENTANDO ENTRAR EN EL BORDA, HAY APROX 20 TRABAJADORES HACIENDO EL AGUANTE, ¡¡¡¡¡¡¡¡SALGAMOS PARA ALLÁ A HACERLES EL AGUANTE!!!!!!!!!!! Hasta ahora, todo indica que ya está en marcha la intención de hacer desaparecer los hospitales Borda, Moyano y Tobal García. Esto es algo que no está siendo difundido en NINGUN medio de alcance masivo, por eso es importante que nosotros divulguemos el hecho. El gobierno de Macri acaba de anunciar su intención de trasladar en el lapso de tres años cinco ministerios y distintas oficinas públicas del Estado (hoy situadas en el Edificio del Plata, el cual sería vendido) al interior del hospital Borda, en un sector de tres hectáreas, hoy “inhabilitadas”. El anuncio de Macri blanquea un “viejo” proyecto que se remonta a la gestión de Ibarra: la transformación de la zona sur de Barracas -donde se encuentran ubicados varios neuropsiquiátricos- en favor de negociados inmobiliarios. A diferencia del (abortado) Plan de Salud Mental en 2008 -donde Macri había anunciado el cierre directo de los neuropsiquiátricos y su reemplazo por once centros de internación y un centro de evaluación-, y que generó un contundente rechazo de los trabajadores, profesionales y usuarios de la Salud Mental, esta vez el Gobierno de la Ciudad se adelantó a afirmar que “el Borda no será cerrado”. Según los funcionarios, el traslado de las oficinas sería el puntapié inicial para la construcción de un “Centro Cívico” que insumiría una inversión aproximada de 250 millones de dólares. El “cinturón verde del sur” (un viejo anhelo de la Corporación Buenos Aires Sur desde la época de Ibarra y Telerman) entraría dentro del proyecto. “Las propiedades en la zona se valorizarán desde los actuales 900 dólares el metro cuadrado a unos 1.600, cuando se traslade allí la sede del gobierno” (Página/12, 8/9). En el caso del Borda, en las tres hectáreas a ocupar funcionaba antiguamente la morgue y es donde hoy están ubicados los Talleres Protegidos (que serían retrasladados). El Centro Cívico resultará ser un “caballo de troya”, para ir acorralando al Borda paulatinamente, hasta conseguir su traslado definitivo dentro de algunos años. Nadie podría imaginarse, en el cuadro social actual y frente al derrumbe de la salud pública en la Ciudad, la convivencia “armoniosa” de los neuropsiquiátricos con una zona que costará, al menos, 1600 dólares el metro cuadrado. Los sindicatos y asociaciones profesionales, que hasta ahora no se han pronunciado, deben discutir un plan de acción inmediato para enfrentar esta nueva escalada contra el Borda.

El biólogo Rupert Sheldrake propone una ciencia abierta a fenómenos que actualmente son invalidados por el dogma del mainstream científico link: http://www.youtube.com/watch?v=uD2qScZlvYE El biólogo Rupert Sheldrake, uno de los pocos científicos que se ha aventurado más allá de los límites impuestos por el paradigma de lo que supuestamente es la realidad establecida, explica en este video los diez dogmas que detienen la evolución de la ciencia. Como parte de su libro The Science Delusion, Sheldrake indaga cómo la ciencia, de manera similar a la religión de la cual intentaba liberar a la mente humana, sostiene ciertas creencias incuestionables sobre la naturaleza de la realidad. “La delusión de la ciencia es la creencia acrítica en estos dogmas, tratándolos no como creencias sino como verdades… La ciencia es mucho más divertida, interesante y libre cuando transformamos estos dogmas en preguntas”. Este es el gran valor de Sheldrake: tratar cuestiones que para otros científicos serían ridículas (o aterradoras puesto que podrían hacerles perder sus becas) como preguntas, posibilidades. ¿Tenemos comunicación telepática con nuestras mascotas? ¿Tiene la naturaleza una memoria incorpórea inherente? ¿Lo que hace una persona en otra parte del mundo nos afecta? Estas son solo algunas de las cosas que ha investigado Sheldrake, el biólogo graduado de Cambridge que ha sido excomulgado por los científicos oficiales –sacerdotes de una nueva religión. Los diez dogmas de la ciencia: 1. La naturaleza es mecánica – Se cree que todo es similar a una máquina, no a un organismo. “Somos robots ambulantes”, (dice Richard Dawkins) máquinas controladas por cerebros programados genéticamente. Una metáfora que ha dominado a la ciencia desde el siglo 17. 2. La materia es inconsciente — Todo el universo está hecho de materia inconsciente que misteriosamente se vulve consciente en el cerebro humano. 3. Las leyes de la naturaleza están fijas– Son igual hoy de lo que eran durante el Big Bang y lo serán para siempre. La vida evoluciona pero el substrato físico sobre el que lo hace es inmóvil. 4. La naturaleza no tiene propósito –Todo continua mecánicamente para siempre, sin una intención, siempre al azar. 5. El total de materia y energía siempre el mismo –La ley de la conservación de la materia (Sheldrake confiesa que nunca había pensado que esto podría ser de otra forma y sin embargo…) 6. La herencia biológica es material – Todo lo que heredamos es material, proviene de los genes o de modificaciones epigenética. 7. Las memorias están almacenadas como trazos materiales — Toda la memoria está almacenda en un lugar específico en el cerebro 8. La mente es el cerebro — Toda acción mental existe solo en el cerebro 9. La telepatía y los fenómenos paranormales son ilusorios –Ya que toda acción mental solo existe en el cerebro, las personas inteligentes saben que no es posible que una acción mental se transmita fuera del cerebro. 10. Solo la medicina mecanista funciona — Solo la medicina alópata, basada en la física y en la química conocida, funciona. Las terapias alternativas, la medicina homeopática y otros tratamientos de este estilo solamente son placebo.

Hola! Comparto con ustedes una selección de pinturas-dibujos de hace unos años. Corresponden a una busqueda de personalidad estetica, pero también a una catarsis, a una necesidad de expresarme de esa manera en aquel entonces. Mi idea fue intentar que la razón no interviniera demasiado, para dejar más lugar a la espontaneidad, que junto con el azar, me parece que pueden llegar a resoluciones de lo más atractivas. Partí de la base de que fueran sobretodo cuerpos, pero por momentos me pasé de rosca, asi que quizas noten que la abstracción fue lo que predominó. Pero si se fijan bien, ahi hay cuerpos, con piernas, brazos, y todo, jaja. Bueno, mejor dejar de dar tantas explicaciones y que los laburos hablen por sí solos. Ojala que sean de su agrado!

Aelita Andre, la niña pintora de 4 años que realiza coloridos prodigios Aelita Andre tendrá una exposición individual en la galería neoyorquina Agora lo cual la convierte en la pintora profesional más joven del mundo; su trabajo con el color ha sorprendido a críticos de arte, galeristas y, por supuesto, a sus familiares. Coloridamente extrovertida, Aelita es una niña de tan solo cuatro años que, desde hace aproximadamente un año, mantiene una sorprendente relación con el la abstracción del color. De descendencia rusa, Aelita Andre ya ha vendido varias de sus piezas alrededor del mundo y ha sido comparada (en una alusión evidentemente desmedida) a Jackson Pollock y a Wassily Kandinsky. Pero tal vez la clave de su talento descansa en que esta niña disfruta extasiantemente se sus procesos creativos y cuando se posa frente a un canvas su conciencia parece florecer a través de un risueño trance que la lleva a conseguir una admirable interacción con los colores. “El arte de Aelita es un antídoto a las cualidades opresivas de la expectativa ante la pintura occidental” afirma Robert Nelson, crítico australiano de arte y profesor de la Universidad de Monash. Y es que en este sentido la inocencia de Aelita representa una antítesis a la opulencia y la neurosis características de una buena porción de los artistas contemporáneos. sin embargo, si continúan comercializándola e inflando frivolamente su talento, lo más probable es que esa inocencia termine por esfumarse en poco tiempo. Mientras tanto el próximo 4 de junio, Aelita expondrá en la Agora gallery de Nueva York. link: http://www.youtube.com/watch?v=23hWMvSrZx8

Marina Abramovic Una artista de performance que investiga y explora los límites de lo fisico y mental. En sus performance se ha lacerado a sí misma, se ha flagelado, ha congelado su cuerpo en bloques de hielo, tomado drogas para controlar sus músculos (con las cuales ha quedado muchas veces inconsciente), y hasta en una ocasión casi muere de asfixia recostada dentro de una cortina de oxígeno y llamas. Los objetivos de Abramovic poco tienen que ver con el sensacionalismo. Sus performances resultan una serie de experimentos que pretenden identificar y definir los límites en el control sobre su cuerpo; la relación entre el público con la performer; del arte y, por extensión, de los códigos que gobiernan la sociedad. Su ambicioso y profundo proyecto se encamina a descubrir un método, a través del arte, que haga a la gente más libre. Para Abramovic, el performance es un intercambio inmediato de energía con el público que inicia con un contacto lo más personal posible. “Nunca podría dar performances privados, en casa, porque no tengo público… Entre más público hay, mejor el performance, más energía recorre el espacio.” Muchas de las performances de Abramovic han sido brutales y desconcertantes. Algunas de ellas concluyen sólo cuando alguien del público interviene. Buscando el límite en el cual el público comprueba su resistencia a atestiguar el dolor y el sufrimiento, Abramovic crea un punto de ruptura, marcando radicalmente las sensaciones del presente del espectador. Ella ha dicho: "Estoy interesada en un arte que perturbe y rompa ese momento de peligro; por eso, el público tiene que estar mirando aquí y ahora. Deja que el peligro te concentre; esta es la idea, que te concentres en el ahora". link: http://www.youtube.com/watch?v=VtC69jsqnpM Nacida en Belgrado en 1946, hija de guerrilleros yugoslavos, sus primeras performances fueron una forma de rebelarse contra su estricta educación y la cultura represiva del gobierno de posguerra. De este modo, cambió las armas por el arte, para perseguir un objetivo común: la resistencia al poder.“Hay diferentes tipos de poder y generalmente no me gusta ninguno de ellos, ya que supone que hay control de uno sobre otro. El único poder con el que me relaciono es con aquel que emana de la energía positiva” Como todo su trabajo, eran purificaciones rituales encaminadas a liberarla de su pasado. La serie “Rythm” realizada entre 1973 y 1974 fue quizás una de las más osadas y violentas de sus exhibiciones. La número 0 consistió en la total entrega de su cuerpo al público, quien podía ordenarle qué hacer con un sinfín de objetos como tijeras, cadenas, hachas e incluso, un arma cargada. La segunda de estas muestras, tuvo como objetivo experimentar con la inconciencia y la pérdida de control. Para ello, Abramovic tomó una droga prescrita para enfermos catatónicos, la cual le provocó intensas convulsiones en el cuerpo, pero sin perder la lucidez. Diez minutos después, ingirió un remedio destinado a combatir la depresión profunda, el que la llevó a un estado de total irreflexión. En “Rythm 5”, la artista estuvo a punto de perder la vida ahogada por la falta de oxígeno, al instalarse al centro de una estrella de cinco puntas en llamas. El fundamento, según Abramovic, se encuentra en la liberación mediante el dolor: “en cada una de las ceremonias tradicionales o rituales, la gente ha intentado traspasar el límite entre el dolor físico y la elevación de la mente, con el propósito de controlar el cuerpo y romper las cadenas del miedo”. En 1975 Abramovic conoce a Ulay, un artista con quien tiene en común sus preocupaciones artísticas. En las siguientes dos décadas viven y colaboran juntos, realizan performances y viajan alrededor del mundo. Sus performances exploran los parámetros del poder, la dependencia dentro de la relación triangular entre ambos y los espectadores, y sus propios límites hasta un agotamiento físico y mental, para así abrirse a nuevas experiencias. Abramovic y Ulay se autodenominaban “unidad andrógina”. link: http://www.youtube.com/watch?v=iAIfLnQ26JY En 1977 realizaron una performance titulada Breathing in/Breathing Out, en donde unieron sus bocas con fuerza y pegaron micrófonos a sus gargantas, respirando el oxígeno de los pulmones del otro, hasta que al final -al límite con la asfixia- sólo intercambiaban dióxido de carbono. En otra, Rest Energy (1980), sostenían un arco tirante cargado con una flecha y apuntando al corazón de Abramovic, con sólo la fuerza de sus cuerpos manteniendo la tensión. Micrófonos grabaron la rápida aceleración del pulso de ambos. link: http://www.youtube.com/watch?v=3Tz-K4EC8hw Entre 1981 y 1987 Abramovic y Ulay hicieron una serie de performances acerca del mundo titulada "Nightsea Crossing", en la cual se instalaron como tableaux vivants en museos. “The Lovers”, en el 88, aborda el tema del desgaste físico al recorrer 2.000 Km. de Muralla China en sentidos opuestos, alcanzándose mutuamente luego de 3 meses de caminata. El hombre partió del desierto de Gobi y la mujer del Mar Amarillo, emulando una antigua leyenda china que hablaba del reencuentro entre dos amantes. Luego de eso, nunca más trabajaron juntos. Después de la ruptura de dicha unidad andrógina, Abramovic comenzó a desarrollar los llamados Objetos Transicionales (Transitional Objects). Estos objetos están conformados de materiales naturales tales como piedras semipreciosas o imanes que no tienen una función autónoma – en otras palabras, no tienen la pretensión de ser colocados en un lugar a manera de escultura -, Abramovic las usa para generar experiencia y energía y como ritual de la vida cotidiana, tan pronto eso ocurre se puede precindir de los mismos. Estos objetos también sirven como auxiliares para involucrar activamente al público en el performance y para producir, alterar o transmitir energía. “La gente cambia sólo a través de su propia experiencia" Después de un breve paso por la instalación objetual, Abramovic retomó la performance como medio para purificar el pasado: "siempre he estado interesada en los aspectos espirituales del arte. El budismo tibetano y la cultura de los aborígenes han sido fuentes fundamentales de mi desarrollo artístico” link: http://www.youtube.com/watch?v=h9-HVwEbdCo Durante mucho tiempo, el video fue para Abramovic sólo un medio de registro de sus performances. Inicialmente, lo utilizaba como bitácora de su trabajo y para uso personal, para lograr ver el efecto generado por sus performances. Además, a través de las cintas de video, un público más amplio podía familiarizarse con sus trabajos anteriores. Mucho después, el video se convirtió en un medio para tender un puente entre sus performances y sus objetos. A partir de 1995, Abramovic comenzó a utilizar filme y video para realizar sus videoinstalaciones. link: http://www.youtube.com/watch?v=pno1gCrbeVk En "Balkan Baroque" de 1997, premiada con el León de Oro en la Bienal de Venecia, la artista se presenta en un escenario alumbrada solo por pantallas de video que exhiben imágenes de sus padres, mientras se dedica a limpiar lentamente los restos de carne de un montón de huesos de animales. Al mismo tiempo, narra la leyenda del lobo-rata, criatura que devora a los de su misma especie cuando tiene miedo. La alusión a la guerra de los Balcanes es evidente. En 2002, montó “The House with the Ocean View”, considerada por la propia artista como una de sus performances más importantes. En ella, construyó una casa compuesta por tres plataformas unidas al suelo por escaleras con peldaños de cuchillos. Durante 12 días, Abramovic permaneció ahí sin comer y sin hablar, demostrando su preocupación por la ritualización de lo cotidiano. En noviembre del 2004, la artista se unió con otro gigante de la performance, Jan Fabre, en “Virgin/Warrior, Warrior/Virgin”, realizado en el Palais de Tokyo de París. En esa ocasión, los dos se enfrentaron durante cuatro horas en una cápsula de vidrio en que ambos –protegidos por una armadura de metal en primera instancia, desnudos después- practicaron el culto al sacrificio y al perdón, hiriéndose mutuamente con armas de metal y comunicándose con el público mediante mensajes escritos con la propia sangre. El tema de los Balcanes, la violencia de su historia o la riqueza de su folklore también ha sido tratado. “Count on US” de 2005, es una de las últimas grandes presentaciones de Abramovic y su título podría ser traducido como “Cuenta con Nosotros” o “Cuenta con Estados Unidos”. En esta ocasión, Abramovic escoge nuevamente una escenografía ceremonial en la que cinco proyecciones conforman una estrella de cinco puntas, similar a la utilizada en “Rythm 5”. Las imágenes hacen alusión a la historia violenta de su país de origen y la indiferencia de la comunidad internacional frente a las atrocidades cometidas. “Balkan Erotic Epic” cierra por el momento el tema de Los Balcanes con una nueva forma de aproximarse a su historia. La muestra está compuesta por varias proyecciones que exploran el cuerpo humano y el erotismo presentes en las tradiciones paganas de aquella región. Luego de un estudio documentado, la yugoslava descubrió cómo la sexualidad era comúnmente utilizada en rituales cotidianos. Si llovía mucho, por ejemplo, las mujeres corrían hacia los campos y levantaban sus faldas para espantar a los dioses con sus cuerpos y frenar el temporal. “La cultura occidental ha vulgarizado la imagen de los cuerpos desnudos, transformando el erotismo en pornografía. Por eso, investigué antiguas tradiciones en la que los órganos sexuales eran utilizados como herramientas de sanación o canales para comunicarse con los dioses” link: http://www.youtube.com/watch?v=MIN8Cm5rYXY Con el título de The Artist is Present (El artista está presente) en el MOMA, Abramovic es objeto de la mayor retrospectiva que se la ha dedicado en América, reconociéndola, como es lógico, sobre todo en su faceta de innovadora performer. Por eso uno de los platos fuertes de la muestra será su presencia en una serie de intervenciones artísticas en las que volverá a utilizar su cuerpo como sujeto objeto y medio para explorar sus límites a nivel físico y psíquico. La más larga de las piezas será aquella en la que Abramovic se sienta sola en una mesa invitando de forma pasiva a que la gente se siente enfrente de ella todo el tiempo que quiera. Marina no se para, ni siquiera para comer, durante todo el horario de funcionamiento del museo. link: http://www.youtube.com/watch?v=ASS7xMOM1EE Algo sencillo pero está cargado de significado en los días actuales, cuando al parecer la gente tiene cada vez más miedo de mirarse a los ojos, especialmente de extraños. En la galería de imágenes del MOMA (http://www.flickr.com/photos/themuseumofmodernart/sets/72157623741486824/), se puede ver las distintas reacciones del público que se sentó frente a Marina, incluso el tiempo que cada persona estuvo mirándola. Expresiones que van desde risa, simpatía, hasta mucha pena. Vale la pena tomarse unos minutos y ver estas imágenes. Fuente: http://www.onirogenia.com/arte/marina-abramovic-el-propio-cuerpo-como-medio-expresivo/ http://www.enfocarte.com/1.12/performance.html http://www.artfacts.net/index.php/pageType/newsInfo/newsID/3344/lang/3 http://martamiraalrededor.lacoctelera.net/post/2010/04/24/marina-abramovic-el-artista-esta-presente

Artaud sube al estrado y empieza a hablar: "El teatro y la Peste". Me pidió que me sentara en primera fila. Me parece que no pide más que intensidad, una manera más alta de sentir y de vivir. ¿Trata de recordarnos que fue durante la Peste cuando llegaron a producirse tantas obras maravillosas de arte y de teatro, porque el hombre, fustigado por el miedo a la muerte, persigue la inmortalidad, la evasión, superarse a sí mismo? Pero luego, casi imperceptiblemente, abandonó el hilo que seguíamos y empezó a actuar como alguien que se estuviera muriendo de peste. Nadie se enteró cuándo empezó exactamente aquello. Para ilustrar su conferencia Artaud representaba una agonía. "La Peste", en francés, es una expresión mucho más terrible que The Plague en inglés. Pero no hay palabras capaces de describir lo que representaba Artaud en el estrado de la Sorbona. Se olvidó de su conferencia, del teatro, de sus ideas, del doctor Allendy sentado junto a él, del público, de los estudiantes, de su esposa, los profesores y los directores. Su rostro estaba contorsionado de angustia; sus cabellos empapados de sudor. Los ojos se le dilataban, se le tensaban los músculos, y sus dedos pugnaban por conservar su flexibilidad. Nos hacía sentir que tenía la garganta reseca y ardiente, el sufrimiento, la fiebre, la quemazón de sus entrañas. Estaba torturado. Gritaba. Deliraba. Representaba su propia muerte, su propia crucifixión. Al principio la gente contuvo la respiración. Después se puso a reír. ¡Todo el mundo reía! Silbaban. Luego, de uno en uno, empezaron a irse ruidosamente protestando, hablando. Al salir, daban un portazo [...] Más protestas. Más abucheos. Pero Artaud continuó, hasta el último aliento. Y quedó tendido en el suelo. Después, cuando la sala estuvo vacía y sólo quedaba allí un pequeño grupo de amigos, se levantó, vino directamente hacia mí, y me besó la mano. Me pidió que le acompañara a un café [...] Artaud y yo paseamos bajo la fina llovizna. Anduvimos y anduvimos por calles oscuras. Él se sentía herido, duramente afectado y desconcertado por los abucheos... Y escupió su ira: "Siempre quieren oír hablar de; quieren escuchar una conferencia objetiva sobre ‘El Teatro y la Peste’, y yo lo que quiero es darles la experiencia misma de ello, la peste misma, para que se aterroricen y despierten. Quiero despertarlos. No se dan cuenta de que están muertos. Su muerte es completa, como una sordera, una ceguera. Lo que yo les mostré es la agonía. La mía, sí, y la de todos los que viven." La lluvia caía sobre su cara, él se apartaba el cabello de la frente. Parecía tenso y obsesionado, pero hablaba ya sosegadamente. "Nunca he encontrado a nadie que sintiera lo que mismo que yo. Hace quince años que me drogo con opio. Me lo dieron por primera vez cuando era muy joven, para calmar los terribles dolores de cabeza que sufría. A veces creo que, en vez de escribir, lo que hago es describir la pugna por escribir, la pugna por nacer." Para él, morir víctima de la peste no es peor que ser víctima de la mediocridad, el espíritu comercial y la corrupción que nos rodea. Quiere que la gente tenga conciencia de que se está muriendo. Forzarla a entrar en un estado poético. "Su hostilidad demostró únicamente que usted les había inquietado", le dije. Cuando miré su boca, con las comisuras ennegrecidas por el láudano, una boca que no quería besar, por una curiosa estratagema de superimposición… supe que de nuevo me sentía empujada a la muerte, al final, a las culminaciones, a las locuras. “La gente cree que estoy loco”. Y supe en aquel momento, mirando sus ojos, que lo estaba y que yo amaba su locura…”No había esperado encontrar en ti mi locura”, me dijo. Hablaba como un poeta y me reí de mí cuando pensé en mi enorme ansia de poesía. ¿Estaba yo sentada allí, con Artaud, porque destilaba poesía, porque creía en la magia, porque se identificaba con Heliogábalo, el loco emperador romano, porque su teatro, su escritura y su ser estaban entretejidos, porque en el taxi hablaba como Hamlet y se apartaba el cabello del rostro sudoroso y deteriorado? Se ha apoderado de mi imaginación. Manda en ella. Camina, habla, lee, evoca momias, decadencia romana, drogas, locura, muerte. De nuevo, trataba de iniciar una experiencia, pasar por ella sin entregarme, y cada vez era más difícil… Y ahora me adentro cautelosamente en las regiones fantásticas de Artaud, y él, también, pone sobre mí sus pesadas manos, sobre mi cuerpo, y como la mandrágora al contacto con las manos humanas, grito. No pienso en Artaud como cuerpo. De su cuerpo sólo conozco sus ojos. Me gustan su delgadez, sus gestos. Se parecen a sus pensamientos. No quiero estar cerca de su cuerpo. Estoy enamorada de su mente, de la más sutil de las inteligencias, de todas las manifestaciones sobrenaturales. Hablamos apasionadamente de nuestra costumbre de condensar y tamizar con rigor las cosas, de buscar lo esencial, de nuestra afición a quitaesenciar todo en la vida y en la literatura, incansablemente. Discutimos sobre el psicoanálisis, al principio agresivamente. Me gustaría solo escribirle, no estar con él. Siento una inmensa piedad por Artaud, porque siempre sufre…Sé que los nervios y la sensibilidad de Artaud se alivian aquí. Es la oscuridad, la amargura de Artaud lo que quiero curar. Físicamente no quiero tocarlo. Amo la llama y el genio que lleva dentro. No tiene nada de extraño que me conmuevan los sentimientos de Artaud, su falta de autoestima. Sabía que Artaud era un hombre enloquecido, enfermo, atormentado, y me interesaba, pero no humanamente. Carta a Antonin Artaud Nanaqui, ojalá pudiera volver a vivir mil veces ese momento en los muelles y cada hora de esa noche. Quiero sentir otra vez tu violencia y tu dulzura, tus amenazas, tu despótico poder espiritual… el miedo que me provocas y las alegrías punzantes. Miedo porque esperas tanto de mí… eternidad, lo eterno, Dios… esas palabras… todas tus preguntas. Quisiera responderlas con ternura. Si te parecí esquiva, fue solo porque tenía mucho que decir. Siento que la vida es un ciclo, una larga serie de sucesos, un círculo y no puedo separar un fragmento porque me parece que los fragmentos no significan nada. Pero todo parece resolverse, fundirse en un abrazo, en la confianza en los instintos, en la tibieza y fusión de los cuerpos. Creo totalmente en lo que sentimos cuando estamos juntos. Creo en ese momento en que perdemos toda noción de realidad, en la separación y enajenación de nuestros seres. Cuando cayeron los libros, sentí alivio. Después, todo se volvió tan sencillo… hermoso y dulce. El tú que casi causa dolor, porque el lazo es tan apretado… el tú y todo lo que me dijiste… Recuerdo la ternura y recuerdo que estabas feliz. El resto es solo la tortura de nuestras mentes, fantasmas que creamos… porque para nosotros, el amor tiene repercusiones inmensas. Debe crear; tiene significado profundo, contiene y dirige todo. Para nosotros tiene la importancia de estar mezclado con nuestros impulsos. ¡Es demasiado importante…! Lo confundimos con la magia, con la religión… Cuando nos sentamos en el café, ¿Por qué pensaste que me distanciaba de ti? ¿Sólo porque estaba alegre, jubilosa…? ¿Jamás aceptarás esas corrientes subterráneas mías…? Nanaqui, debes creer en el eje de mi vida: la expansión de mi yo es inmensa; engañosa sólo en la forma. Ojalá pudieras leer mi diario de infancia para saber lo fiel que he sido a ciertos valores. Por ejemplo, cuando reconocí en tí a un ser majestuoso en un reino que me ha perseguido toda la vida. Nanaqui, esta noche no quiero agitar ciertas ideas… sólo quiero tu presencia. ¿No te pasa lo mismo, esto de elegir un momento amado (nuestro abrazo en los muelles) y aferrarte a él? Cierro los ojos y lo evoco intensamente, como en trance, y ya no percibo la vida presente, nada, nada sino ese momento. Y después la noche, la sucesión de tus gestos, la fiebre, el desasosiego, la necesidad de volver a verte, una gran impaciencia… ANAÏS, 18 de junio de 1933