Pabela

El Actor Studio es una de las academias más prestigiosas en la formación de actores y actrices. Pero pocos saben quizá de dónde proviene la metodología de formación que lleva impresa esta institución de donde han salido nombres como Al Pacino, Dustin Huffman, Ginette Reno y Robert De Niro. Remontémonos entonces a la figura de su precursor: Konstantin Stanislavski. Stanislavski nació en 1863 en Moscú, Rusia, en el seno de una familia de artistas. De hecho su primera compañía teatral, Alekséyev, estaba constituída por sus hermanos y algunos amigos. Desde sus primeros pasos por la actuación, Konstantin tenía en claro algo: las actuaciones debían ser de calidad, el teatro necesitaba elevar sus interpretaciones, dejar el vodevil y la chabacanería y conectar con el espíritu del arte. Fue así como tras pasar por varias compañías y luego de ser nombrado director de la Sociedad de Arte y Literatura de Moscú, tuvo la gracia en 1897 de conocer a Vladimir Dánchenko, respetadísmo dramaturgo de la época que estaba frente a la escuela teatral de la Sociedad Filarmónica de Moscú. Así ambos fundarían el Teatro de Arte de Moscú donde Stanivslaski desarrollaría su conocidísimo método de enseñanza. El método en sí. Partiendo del enorme poder de observación con el que estaba dotado, Stanislavski reflexionó ampliamente sobre la profesión del actor en sí. Cómo la calidad de la interpretación influía en el éxito o fracaso de una obra. Y asumió que la respuesta estaba dada en una sola palabra: verosimilitud. Si un actor no era creíble, no se veía natural en su papel, si lucía del todo artificioso y acartonado, si se notaba que lo que hacía era justamente actuar, la obra era un fracaso seguro. Así se dedicó al estudio de la pedagogía de la actuación y surgió de a poco el “método de las acciones físicas” en la cual el actor no solo trabajaba su veracidad a la hora de actuar sino en los gestos, modos, conductas y movimientos que debían acompañar a la actuación. Evocación emotiva, autoconocimiento, relajación muscular, desarrollo de la imaginación, trabajos de improvisación, etc fueron formando el esqueleto sustentor del “método Stanivslaski” utilizado hoy en la gran mayoría de las academias de actuación. En sus últimos años, Stanislavski, gracias a una parálisis progresiva se alejó del escenario, pero continuó su labor como director y pedagogo, viajó a Nueva York, en 1923. Richard Boleslavski y María Ouspenskaya actores del Teatro de Arte de Moscú y alumnos de Stanislavski, decidieron quedarse en Nueva York y crearon la escuela American Laboratory Theatre, donde más tarde Lee Strasberg recibiría los primeros conocimientos del Sistema. Pero antes echemos una mirada a las bases del método que nos llevará luego a la formación del Actor’s Studio. "Debes comenzar a amar el arte en tí mismo y no a tí mismo en el arte". Una vez terminada la revolución soviética, Stanislavski se dedicó exclusivamente a la investigación, la cual quedaría plasmada en sus libros: “Un actor se prepara”, “La construcción del personaje” y “Etica y disciplina, método de acciones físicas”, que serían claras influencias del teatro europeo y estadounidense. “La mente del actor debe estar abierta a las ideas de su tiempo, a los rasgos de su tiempo, profundizar en el pensamiento, conectar con el alma humana, observar la vida en su totalidad y cobrar conciencia de ella” Un manifiesto equilibrio entre el interior y exterior del actor es lo que este gran hombre intentara dejar en claro como componente esencial de la Suma dramática. La valoración no solo de una ética profesional sino además de los pequeños detalles que incumben la formación de un personaje, como el cuidado personal y el de los elementos de trabajo (utilería) importaban tanto como el talento mismo. "No tratéis de abriros paso a empujones para ocupar las primeras filas en la profesión; no busquéis distinciones ni recompensas; dad, en cambio, lo más posible de vosotros mismos para llegar a penetrar en el mundo de la belleza" De los tres libros nombrados quizá el último mejor enumera esas “leyes” primeras que cualquier artista debería estar dispuesto a aprehender en el camino de su formación. Y si bien vale la pena leer estas anotaciones extraídas de sus consejos a los jóvenes aspirantes a actores, más que enumerarlas dejo plasmada una que suma maravillosamente todas las demás: “Deja los zapatos sucios a las puertas del escenario. Y con ellos, deja todas las pequeñas preocupaciones, rencillas y la pequeña incomodidad que hace difícil vivir. Sólo te separan de tus inclinaciones artísticas. Es desafortunado que tantos actores lleven gran cantidad de mezquindad, altercados, intriga, murmuraciones, incluso envidia y egoísmo mezquino al teatro. Como resultado transforman al teatro no en un templo de las artes sino en una escupidera, un nido de chismes, un bote de basura”. Leyendo esto no puedo más que pensar en el pobre Stanivslaski si viviera en esta época donde estas enseñanzas parecerían tan lejanas e idealistas. Pero a la vez supongo que si su metodología hubiera echado raíces mundialmente quizá entonces las cosas serían deferentes. El vasto universo del método es extenso para un simple post, los invito que los interesados no se pierdan de leer alguna de sus obras porque estas enseñanzas y bases artísticas parecerían realmente un manual de ética general que deberíamos aplicar en cualquier profesión y ámbitos vitales. No obstante en la próxima entrega comentaremos cómo esto llega a Strasberg y de ahí la formación del instituto más reconocido en la formación de los actores. Un comentario amable es salud!!!

Bob Willoughby, nació en Los Angeles en 1927, estudió Cine en la USC Cinema Department y diseño con Saul Bassen el Kann Institute of Art. Al mismo tiempo fue aprendiz de grandes fotografos de Hollywood como Wallace Seawell, Paul Hesse, y Glenn Embree durante los tardíos 40's. Su primer trabajo fue en el Harper's Bazaar a comienzo de los 50's. Pronto fue descubierto por los estudios de filmación y se convirtió en el primer fotógrafo externo en ser contratado comenzando en 1954 con la Warner Brothers que le pidió realizar fotos de Judy Garland para el número final de Nace una estrella. Algunos de los films en los que participó: The Man With The Golden Arm, Raintree County, Saint Joan, Bonjour Tristesse, Green Mansions, Can Can, The Notorious Landlady, The Children's Hour, I Could Go On Singing, Paris When It Sizzles, My Fair Lady, The Great Race, Who's Afraid of Virginia Woolf?, The Graduate, Rosemary's Baby, The Lion In Winter, Goodbye Mr. Chips, Catch 22, They Shoot Horses Don't They?, Klute, & The Cowboys. Willoughby introdujo un número de innovaciones técnicas según iba necesitando para realizar sus trabajos.Financió, por ejemplo el primer sound blimp (1) para cámara fija, que ahora es tan común en los set de filmación. Fue el único fotógrafo autorizado a trabajar dentro de los set en ese entonces y el primero también en utilizar cámaras de control automático obteniendo tomas impensadas y sin precedentes. Por último también creó dispositivos para poder colocar su cámara quieta por sobre las Panavision sin perturbar las filmaciones. Como su trabajo es inmenso, comenzó primero retratando músicos de Jazz, quise empezar dándolo a conocer con las maravillosas fotos que sacó de Audrey Herpburn dentro y fuera de los sets de filmación. Le sacó muchísimas asique apenitas hice una selección para que vean con la belleza que supo retratarla, belleza que poseía la actriz, claro. (1) Básicamente y en criollo, es un elemento que colocados en las cámaras permiten reducir el ruido del disparo para que no salga en el audio del film 1953 En My Fair Lady Durante el ensayo de My Fair Lady Con Anthony Perkings y Mel Ferrel (su marido) Visita el post entero aquí y ve más de estas maravillosas imágenes!

Muchos de los oficios relacionados con el cine realmente pasan muchas veces inadvertidos al ojo del espectador medio. El director y los actores suelen ser siempre los más recordados. No obstante tanto el director de fotografía como el de arte son dos manos derecha del director que hacen al efecto visual final de una película. ¿Pero qué hacen cada uno de ellos?. Cierto es que años atrás, muchos años atrás, no había en el detrás de escena tantas manos trabajando y decidiendo como ahora. Cada producción está dividida en muchos departamentos que a su vez poseen tanto directores como miembros de equipo que trasladan a la pantalla lo que finalmente quiere transmitir visualmente un director o un guión en particular. La responsabilidad fundamental del director es la puesta en escena de la película, mientras que la del director de fotografía es la de colaborar en la planificación, composición de los diferentes encuadres y en la iluminación de cada plano. De cómo trabajen juntos es lo que logrará que por ejemplo un decorado o locación no quede sumida y perdida bajo una pésima iluminación. A su vez a la par de estos dos, existe un director de arte que será quien supervise cada detalle involucrado no sólo en la fotografía sino en el vestuario, locación, etc del film en cuestión. Son tres cabezas que si se fusionan bien, surge un producto visualmente virtuoso y logrado. Como en una melodía, si uno desentona, el oído se da cuenta sepa o no de música; en cine pasa otro tanto con el aspecto visual que no sólo busca impacto estético sino además verosímilitud. Para ejemplificar un extraordinario trabajo de equipo decidí recurrir a El curioso caso de Benjamin Button, film que particularmente a mí no me gustó desde lo argumental pero al que no puedo negarle un fantástico trabajo estéticamente impecable. La fotografía en particular de esta película, en manos del chileno Claudio Miranda y de la dirección artística en manos de Tom Reta son imperdibles. Los contraluces, los interiores de luces cálidas y los exteriores saturados son una maravilla visual. Fue difícil elegir de entre tantas tomas maravillosas que tiene esta obra, pero creo que las que verán a contiuación no tienen desperdicio!. Mira más fotos en

Hace mucho que quería aprender a hacer esto, y aunque les suene extraño recién lo aprendí a hacer esta semana gracias a la página de visualbeta.es . Asique acá les cuento el truco que realmente es bien sencillo. Para hacerlo seguimos estos sencillos pasos: 1º- Cuando alguien postea un video en facebook aparece en nuestro inicio entonces debemos clickear en el nombre del video para que podamos acceder a la página del mismo 2º- En la dirección de esa página aparecerá un número de identificación del video entre los símbolos V y & como muestra esta imagen 3º- Dentro de este código de embeber que figura abajo solo tenemos que reemplazar las XXX en rojo por el número de identificación del video y listo! copiamos todo el código completito y lo pegamos en nuestro blog. <div class="youtube-video"><object width="400" height="224" > <param name="allowfullscreen" value="true" > </param> <param name="allowscriptaccess" value="always" > </param> <param name="movie" value="http://www.facebook.com/v/xxx" > </param> <embed src="http://www.facebook.com/v/xxx" type="application/x-shockwave-flash" allowscriptaccess="always" allowfullscreen="true" width="400" height="224"> </embed> </object></div> Los elementos en verde son los que pueden cambiar para que el video se vea más grande o más chico, son los atributos de alto y ancho. Para un sidebar normal de blog (aunque depende de la plantilla que tengan) suele embeberse mejor con 300 y 210 respectivamente. Recuerda que no es legal ni ético postear videos sin el consentimiento de sus respectivos autores o dueños!!