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Registrate y eliminá la publicidad! Cómo levantarse a una mina en 20 millones de pasos Tiene problemas con las minitaaasssss!!!! Por eso, desarrollamos este curso para que te levantes a la minita de tus sueños* en sólo 20 MILLONES DE PASOS!!! PASO 1: Usted es James Bond A partir de ahora usted siempre estará en misión secreta, y su objetivo principal será el siguiente: que no se enteren que es un pelotudo. Yo lo sé, usted lo sabe: por eso, máxima discreción. Cuando nerdee con sus amigos, hagalo por líneas seguras. Haga que la SIDE le queme su colección de muñequitos de Star Wars, y que lo trompeen en el cuello hasta que le dejen un moretón para que parezca que anduvo con alguna señorita. Sino cómprese uno de esos peces que tienen como sopapas en la boca, y aplíquelos. Después, con una bufanda, tápese el moretón y déjelo entrever, pero con cuidado... cuando alguien lo note, ríase estúpidamente y habrá tenido éxito. PASO 2: Usted no acepta mierda de nadie Rudo! Macho! Macho! A partir de ahora, usted no acepta mierda de nadie! No aceptará "No" como respuesta. Verá que todas las puertas se abren, sobre todo si son de esas que detectan cuando se acerca la gente. Su jefe le dice que llegue temprano? Hágalo matar y "que parezca un accidente". Llama a un 0800 y le hacen comer musiquita? Anote el nombre del empleado, diríjase al call center en cuestión, y bájele los dientes. Pero cuidado: luego de que pasara un par de veces, pusieron a muchos cordobeces a atender a la gente, siendo altamente trompeables por la forma en la que atienden. En ese caso, recuerdo el PASO 1. Usted es James Bond, use misiles intercontinentales. Y si esa chica se le niega? Ah pero... en algún momento escuchó que dijo "no"? No pudo ser un "sí" espasmódico y desesperado? Lo que nos hace pasar al próximo punto. PASO 3: Usted es sordo No deje que la realidad lo afecte! Viva en sueños! Un "no" puede ser un "sí"!!! PUEDE SER! Usted también puede ser acusado de violación, pero que eso no lo detenga, porque no debe importarle... no le dijimos acaso que usted es James Bond y no acepta mierda de nadie? PASO 4: Usted es un hombre interesante Su vida está llena de anécdotas increibles, vivencias que harían derretirse a cualquier mujer... o no? En tal caso, que es lo más seguro, invéntelas. Concurra a un bar lleno de la peor gente que está viendo "Boca - Chacarita", y en el entretiempo, escuche las más alocadas historias y hágalas propias. Vea alguna tira costumbrista argentina como Gasoderos (El sodero de mi vida + Gasoleros) y vea qué hace esta gente en su vida. BAJO NINGÚN PUNTO DE VISTA relate cosas como la vez que tuvo que formatear el rígido 3 veces seguidas en una noche (que encima disfrutó), y no se le ocurra comentar cosas como que dio vuelta el super mario 3 el día de su cumpleaños porque no concurrieron sus invitados. Nada que tenga que ver con su lado nerdil... lo que nuevamente nos lleva al siguiente punto. PASO 5: Usted no sabe nada de computadoras Cuando vea a algún/alguna idiota enfrentándose a un programa de computadora, no diga nada, no haga ningún comentario. Aunque un sudor frío recorra su cuerpo al ver que esa persona se pone a borrar todo un párrafo con el backspace. Ni aunque haga doble click sobre cualquier cosa que ES OBVIO QUE REQUIERE UN SOLO CLICK, IMBÉCIL!!! Si la otra persona quiere pensar que internet está basada en la magia, déjala. Y no trate de explicar nada nada nada del mundo virtual, ni qué es un foro, ni un hosting, mucho menos qué es php, asp, o CUALQUIER COSA QUE SEA UNA SIGLA O PALABRA EN OTRO IDIOMA. Hable en términos sencillos claros. Si usted es un mal James Bond, y lo vieron posteando en un foro (le había dicho que su misión era que no descubrieran su ñoñez), díga entre risas "JA JA creo que es una especie de CHAT... un chat OFFLINE... JAJA puedes creer las palabras que inventan estos tipos? Entré buscando fotos de pampita, QUÉ BUENA QUE ESTÁ!". CHAT! Es un gran avance de la tecnología que ahora cualquier zarlanga pueda decir esa palabra sin implotar. PASO 5: No sea un mala onda Cópate hermano! Eh... bueno, viva la vida con ganas, con alegría! Aunque le repugne, tome a ese compañero de trabajo de los rollos que le salen y súmese al trencito humano que se arma cuando suena la peor música. SÚMESE, USTED PUEDE! Aplauda cuando termine la película... y cuando se pierda un chico en la playa! Aplauda, es muy importante. El aplauso es lo que más nos hace parecer como un grupo de monos vestidos, aunque sus ondas mentales reverberen y le comuniquen que está realizando la peor cosa en la tierra. Quién necesita un sentido del ridículo? Cuando vaya a un velatorio, cuente un chiste. Cuando metan un gol, no importa qué equipo sea, grítelo, con pasión, golpee la mesa, agarre al mozo y póngase a saltar. Felicite a la gente por cualquier cosa: porque se cortó el pelo, porque lo dejó la pareja, porque volvió con ella. PASO 6: Usted es un malabarista social Cuál es la diferencia entre ser despreciado socialmente y ser elevado al nivel de un dios por el resto de la sociedad? No lo sabemos... pero inténtelo! Chequee sus límites. No se quede atrás! En una fiesta, les caerá bien a todos que se emborrache como un hijo de puta y le toque el culo a todo el mundo? Es difícil saberlo... pero tal vez al otro día no pueda creer la cantidad de tarjetas de felicitaciones que le llegaron por su VIVEZA CRIOLLA. Sea zarpado, pero hasta ahí. No te pases de la raya, pero hacete el loquito. Contá chistes zafados pero que no tengan que ver con niños con cancer que los confundieron con skin heads. Cuál es el punto justo... NO LO SABEMOS NO LO SABEMOS! Pero usted es un malabarista... métase en el laberinto del inconciente colectivo y atérrese, huya desparavorido, grite, aplauda, actúe como un mono con escritorio, intérnese en ese tren fantásma hasta que su sentido del rídiculo se haga trizas y se convierta mágicamente en un imbécil funcional. PASO 7: Usted es un tipo apuesto Sí, lo sabe muy bien! Usted es un tipo apuesto... apuesto que es horrible! Ja! Dejando los chistitos tontos de lado, usted, déjeme que se lo diga en estos términos, GUAPO, usted es hermoso y me lo cojería ahora mismo. Ve? Es fácil recuperar la autoestima. Concéntrese. Alguna vez habrá pensado "Maldición! No me parezco para nada a ese tipo Brad Pitt, debo ser defínitivamente grotesco!". Y de hecho usted lo es, pero no desespere. Un paso importante es darse cuenta que usted nació así, y que debieron haberlo abortado. El segundo paso es olvidarse de eso, y pensar que es uno más en la sociedad, que si quisiera saldría en las tapas de las revistas pero que por el momento no tiene ganas. Crea eso de la bellesa intererior, y trate que la chica esa lo crea también (sinceramente... lo cual es lo más difícil del mundo). Lávele el cerebro. PASO 8: Usted es un vivo bárbaro Señor, usted lleva la alegría consigo! Hace las delicias de la población argentina, alegra a las viejas y a las señoritas por igual. Pero, es bueno hacer féliz a los demás? NO! Hágalos sentir que son los seres más despreciables de la tierra. Sino, se va a quedar contando chistes mientras el tipo ese con aires de matón de circo se lleva a la chica cual cavérnicola... usted se quedará abrazando el aire y comiendo manices!!! A las chicas se las llama "Putas" y a los chicos "Infradotados". Es la fórmula ganadora!!! Pero no se lo diga directamente... trátela como a una puta, y estará en sus brazos en un santiamén. ---------- Faltaron unos 19.999.992 pasos, que se irán completando en próximas esperas... mientras improvise... USTED PUEDE SEÑOR, le tengo puestas todas mis fichas

Registrate y eliminá la publicidad! Hola queridos taringueros!!! Aquí comparto estas cartas de un gran hombre...disfrutenlas Carta de Ernesto Guevara a sus hijos Marzo 1965 A mis hijos, Queridos Hildita, Aleidita, Camilo, Celia y Ernesto: Si alguna vez tienen que leer esta carta, será porque yo no esté entre ustedes. Casi no se acordarán de mí y los más chiquitos no recordarán nada. Su padre ha sido un hombre que actúa como piensa y, seguro, ha sido leal a sus convicciones. Crezcan como buenos revolucionarios. Estudien mucho para poder dominar la técnica que permite dominar la naturaleza. Acuérdense que la Revolución es lo importante y que cada uno de nosotros, solo, no vale nada. Sobre todo, sean siempre capaces de sentir en lo más hondo cualquier injusticia cometida contra cualquiera en cualquier parte del mundo. Es la cualidad más linda de un revolucionario. Hasta siempre hijitos, espero verlos todavía. Un beso grandote y un gran abrazo de Papá Carta de Ernesto Guevara a sus padres Marzo 1965 Queridos viejos: Otra vez siento bajo mis talones el costillar de Rocinante, vuelvo al camino con mi adarga al brazo. Hace de esto casi diez años, les escribí otra carta de despedida. Según recuerdo, me lamentaba de no ser mejor soldado y mejor médico; lo segundo ya no me interesa, soldado no soy tan malo. Nada ha cambiado en esencia, salvo que soy mucho más consciente, mi marxismo está enraizado y depurado. Creo en la lucha armada como única solución para los pueblos que luchan por liberarse y soy consecuente con mis creencias. Muchos me dirán aventurero, y lo soy, solo que de un tipo diferente y de los que ponen el pellejo para demostrar sus verdades. Puede ser que ésta sea la definitiva. No lo busco pero está dentro del cálculo lógico de probabilidades. Si es así, va un último abrazo. Los he querido mucho, sólo que no he sabido expresar mi cariño, soy extremadamente rígido en mis acciones y creo que a veces no me entendieron. No era fácil entenderme, por otra parte, créanme, solamente, hoy. Ahora, una voluntad que he pulido con delectación de artista, sostendrá unas piernas flácidas y unos pulmones cansados. Lo haré. Acuérdense de vez en cuando de este pequeño condotieri del siglo XX. Un beso a Celia, a Roberto, Juan Martín y Patotín, a Beatriz, a todos. Un gran abrazo de hijo pródigo y recalcitrante para ustedes. Ernesto El “Che” por América Latina Lima, Mayo de 1952 Mi querida Tita: Seguramente le asombrará asistir a este nuevo milagro de la resurrección representado por la carta que tendrá entre manos dentro de algunos días, sin embargo, hace mucho tiempo que hubiera querido escribirle, y si no lo hice antes fue porque a un cúmulo de factores, digamos psico tiempo, se unía en gran proporción el factor económico, ya que mi desesperante situación económica hace que el sol de la estampilla se sienta inmensamente en el presupuesto (no es esto preámbulo de ningún pechazo). Afortunadamente encontramos en Lima, junto con un maestro de la lepra un espíritu comprensivo como es el Dr. Hugo Pesce, que ha solucionado la mayoría de nuestros problemas más apremiantes ($$-$$, etc.) De paso le diré que las ideas de este señor se parecen mucho a las suyas pero no es tan romántico como Ud. Creo que le interesará saber cómo diablos estoy en esto que ampulosamente se llama la Ciudad de los Virreyes, de modo que me voy a historiar: De Córdoba me fui al sur siguiendo amorosamente el camino veraniego de mi cara aspiración que descansaba en Miramar de su agitada vida invernal (observe qué claro queda el hecho paradójico de que vaya al norte por el sur, a la luz del materialismo histórico). Después de babear abundantemente, mi compañero de viaje, Alberto Granado, me arrancó del palacio de Ciprisy nos largamos a conocer el sur argentino, que será muy lindo y todo lo que quiera pero que está demasiado cerca para que ejercite mis dotes periodísticas. En Chile, a donde entramos con la rueda izquierda, estrellamos la moto cuando no habíamos recorrido un tercio total de su longitud, de modo que a partir de un pueblo llamado Los Ángeles, demostramos el gran talento dramático que poseemos a dúo. Hasta Valparaíso llegamos por el discutido y siempre eficaz método del “dedo”, pero en puerto, Satanás metió el rabo y nos introdujo la idea de viajar de polizones; el resultado fue que nos metimos en un barquito llamado San Antonio y permanecimos día y medio en los baños. Cuando alguien se acercaba a abrir la puerta una voz cavernosa le decía: ocupado, al siguiente una meliflua vocecilla: no se puede; y cuando no había moros en la costa pasábamos al baño vecino para repetir alternadamente la contestación. A nadie se le ocurría hacer una estadística para ver quien era el ocupante de modo que podíamos haber estado 15 días cómodamente, pero Gandhi ha muerto! A las tres de la tarde del día siguiente a la partida, el capitán, despidiendo fuego por los ojos nos mandaba respectivamente a pelar papas y limpiar letrinas; desgraciadamente yo era el segundo término y la sanidad del buque estaba profundamente resentida debido al hecho demostrado de que hacía tiempo que faltaba un polizón. Al tercer día de viaje, cómodamente instalados, discutíamos de temas varios con la oficialidad sin mover un dedo y al llegar a puerto (Antofagasta) fuimos despedidos con la habitual forma “cariñosa” de los chilenos que consiste en agarrarse un peludo macanudo. Desde ese puerto fuimos hasta uno de los yacimientos de cobre más grande del mundo, Chuquicamata; y realmente nos impresionó el rigor de la vida del obrero y su falta de defensa contra las contingencias de un trabajo peligroso como es ese. La grandeza de la planta minera está basada sobre los 10 mil cadáveres que contiene el cementerio más los miles que habrán muerto víctimas de neumoconiosis y sus enfermedades agregadas. Cuando le pregunté a un empleado de la compañía cuánto se pagaba por accidentes que costaran la vida al obrero, su repuesta fue un encogimiento de hombros, cuyo significado exacto no pudimos precisar porque nadie conoce exactamente las leyes obreras y su aplicación, pero me imagino que no quería decir nada bueno para la familia del trabajador en esas condiciones. La policía chilena poco tiene que hacer por iniciativa propia ya que recibe directamente órdenes de los jerarcas de la compañía que fueron las encargadas de autorizar nuestra entrada al pueblo, no digamos al terreno de la mina, y en general la prensa chilena presenta el panorama minero con un desconocimiento de la realidad y una falsía que invitan realmente a reflexionar. La persecución es encarnizada e indiscriminada; tuvimos oportunidad de conversar con algunos obreros, de la más baja condición intelectual, gente que no podía ser peligrosa en ningún momento y que sin embargo deambulaba de un lado para otro sin poder conseguir trabajo porque tiene el estigma de haber pertenecido a un movimiento huelguístico declarado ilegal y sofocado por el gobierno. Las minas de salitre, sin llegar al extremo de Chuquicamata, presentan un parecido aspecto de sumisión hacia el gran capital que vuelve odiosa todas las gigantescas obras construidas en los desiertos de la región. A Perú entramos por Tacna y de allí en línea quebrada fuimos por Puno en el lago Titicaca hasta el Cuzco, que es realmente una de las cosas importantes que queda en América del pasado precolombino. A pesar del sistemático saqueo que los conquistadores españoles primero, y los conquistadores yanquis después, ejercieron sobre sus monumentos públicos y reliquias artísticas, todavía quedan edificios que dan cuenta del extraordinario adelanto de esa civilización, hay una serie de detalles técnicos e históricos –anecdóticos que sería muy largo referirle ahora–, pero queda en pie una invitación a que conozca esa región en cuanto pueda. Cuzco mismo presenta la ansiada revancha de Viracocha sobre Jesucristo, ya que las iglesias levantadas sobre los cimientos de los antiguos templos y edificios públicos incaicos se han venido abajo vergonzosamente, durante el terremoto de 1950, mientras su base permanece indemne. Es curioso el hecho de que los aviones de la Ayuda Social que volaron aquí en esa época han hecho más por los vínculos argentino-peruanos –transcribo párrafos de un entusiasta cuzqueño– que la obra de todos los gobiernos anteriores. El hecho es que el nombre argentinos nos abre todas las puertas sin grupo. Conocimos también Macchupicchu, que es una ciudad perdida, recién localizada hace pocos años y donde los cuatro últimos incas trataron de hacer una guerra de guerrillas contra los españoles, guerra que acabó con el martirio del último de ellos en la plaza del Cuzco. Es muy interesante porque, salvo los techos, se conserva completa y permite estudiar bien el sistema de distribución de las viviendas, los adoratorios, etc., cosa que en las ruinas cercanas a Cuzco no se puede apreciar porque el saqueo fue tan grande que sólo dejaron diseminado lo inservible para las construcciones de los españoles, de modo que eso es un matete sin pies ni cabeza. De esta región nos encaminamos, siempre por el centro del país, a visitar un leprosario que queda a unos doscientos kilómetros de la ciudad, para seguir rumbo a la montaña, que aquí se llama así a la región de la selva; estuvimos pocos días en esa región y vinimos a dar con nuestros huesos en esta gran aldea, donde hemos encontrado gente de mucho valor y donde pensamos estar una semana más. De aquí iremos hacia el “nororiente” a la región boscosa limítrofe con Colombia y Brasil, donde se encuentra el más importante de los leprosarios del país, para seguir a través de una serie de ríos colombianos hasta puerto Leguísamo, y de allí, por tierra hasta Bogotá. Me gustaría mucho tener noticias suyas en esa ciudad, donde estaré dentro de un mes y medio, aproximadamente. Ahora, Tita, viene la sección pechazos: Le incluyo la dirección de un médico peruano que es anátomo-patólogo y tiene interés en las clasificaciones del sistema nervioso de Pío del Río Ortega. Yo creo que su amigo Polack hizo una modificación y me gustaría que Ud. la consiguiera; si así no fuera, haga lo siguiente: hable a 71-9925, que es la casa de Jorge Ferrer, gran amigo mío y le dice que busque en casa esa clasificación, es un folleto que Ud. debe conocer. Si por cualquier causa fallara ese puede llamar a mi hermano Roberto, 72 -2700 y encargar que manden el librito, lo más pronto posible a Dr. Anselmo Pineda M. Jirón Pichis 307 Lima, Perú, con una tarjeta mía. Bueno, Tita, por supuesto que me dejo en el tintero —la cinta— mucho de lo que hubiera podido conversar con Ud. sobre este viaje que nos está resultando muy interesante pero hay limitaciones de tiempo en el uso de la máquina, y escribirle a mano en papel transparente sería perder el tiempo porque no me entendería nada; sólo me resta pedirle disculpas en nombre de la ignorancia por toda las faltas de ortografía* que no dudo habrá a montones y darle un fuerte abrazo de despedida epistolar; tal vez en agosto pueda conversar en Buenos Aires con Ud., pues estaría allí en esa fecha en un desesperado intento por no perder el año y recibirme de una vez. Hasta la vista, entonces. A Bogotá escríbame al Consulado, Argentino, si quiere, por supuesto. Extra: El asesinato de Ernesto “Che” Guevara El 9 de octubre de 1967, un día después de ser capturado por el ejército boliviano, el “Che” Guevara fue asesinado en la localidad de La Higuera, Bolivia. Lo que sigue es la carta que dirigió Juan Domingo Perón al Movimiento peronista al confirmarse la caída en combate del guerrillero. Fuente: Revista Sala 2, Año 1, Nº 5. Compañeros: Con profundo dolor he recibido la noticia de una irreparable pérdida para la causa de los pueblos que luchan por su liberación. Quienes hemos abrazado este ideal, nos sentimos hermanados con todos aquellos que, en cualquier lugar del mundo y bajo cualquier bandera, luchan contra la injusticia, la miseria y la explotación. Nos sentimos hermanados con todos los que con valentía y decisión enfrentan la voracidad insaciable del imperialismo, que con la complicidad de las oligarquías apátridas apuntaladas por militares títeres del Pentágono mantienen a los pueblos oprimidos. Hoy ha caído en esa lucha, como un héroe, la figura joven más extraordinaria que ha dado la revolución en Latinoamérica: ha muerto el Comandante Ernesto “Che” Guevara. Su muerte me desgarra el alma porque era uno de los nuestros, quizás el mejor: un ejemplo de conducta, desprendimiento, espíritu de sacrificio, renunciamiento. La profunda convicción en la justicia de la causa que abrazó, le dio la fuerza, el valor, el coraje que hoy lo eleva a la categoría de héroe y mártir. He leído algunos cables que pretenden presentarlo como enemigo del peronismo. Nada más absurdo. Suponiendo que fuera cierto que en 1951 haya estado ligado a un intento golpista, ¿qué edad tenía entonces? Yo mismo, siendo un joven oficial, participé del golpe que derrocó al gobierno popular de Hipólito Yrigoyen. Yo también en ese momento fui utilizado por la oligarquía. Lo importante es darse cuenta de esos errores y enmendarlos. ¡Vaya si el “Che” los enmendó! En 1954, cuando en Guatemala lucha en defensa del gobierno popular de Jacobo Arbenz ante la prepotente intervención armada de los yanquis, yo personalmente di instrucciones a la cancillería para que le solucionaran la difícil situación que se le planteaba a ese valiente joven argentino; y fue así como salió hacia México. Su vida, su epopeya, es el ejemplo más puro en que se deben mirar nuestros jóvenes, los jóvenes de toda América Latina. No faltarán quienes pretendan empalidecer su figura: el imperialismo, temeroso del enorme prestigio que ya había ganado en las masas populares; otros, los que no viven las realidades de nuestros pueblos sojuzgados. Ya me han llegado noticias de que el Partido Comunista Argentino, solapadamente, está en campaña de desprestigio. No nos debe sorprender, ya que siempre se ha caracterizado por marchar a contramano del proceso histórico nacional. Siempre ha estado en contra de los movimientos nacionales y populares. De eso podemos dar fe los peronistas. La hora de los pueblos ha llegado y las revoluciones nacionales en Latinoamérica son un hecho irreversible. El actual equilibrio será roto porque es infantil pensar que se pueden superar sin revolución las resistencias de las oligarquías y de los monopolios inversionistas del imperialismo. Las revoluciones socialistas se tienen que realizar; que cada uno haga la suya, no importa el sello que ella tenga. Por eso y para eso, deben conectarse entre sí todos los movimientos nacionales, en la misma forma en que son solidarios entre sí los usufructuarios del privilegio. La mayoría de los gobiernos de América Latina no van a resolver los problemas nacionales sencillamente porque no responden a los intereses nacionales. Ante esto, no creo que las expresiones revolucionarias verbales basten. Es necesario entrar a la acción revolucionaria, con base organizativa, con un programa estratégico y tácticas que hagan viable la concreción de la revolución. Y esta tarea, la deben llevar adelante quienes se sientan capaces. La lucha será dura, pero el triunfo definitivo será de los pueblos. Ellos tendrán la fuerza material circunstancialmente superior a las nuestras, pero nosotros contamos con la extraordinaria fuerza moral que nos da la convicción en la justicia de la causa que abrazamos y la razón histórica que nos asiste. El peronismo, consecuente con su tradición y con su lucha, como Movimiento Nacional, Popular y Revolucionario, rinde su homenaje emocionado al idealista, al revolucionario, al Comandante Ernesto “Che” Guevara, guerrillero argentino muerto en acción empuñando las armas en pos del triunfo de las revoluciones nacionales en Latinoamérica. Juan Domingo Perón Madrid, 24 de octubre de 1967 GRACIAS... ESPERO LES HAYA GUSTADO ESTE APORTE

Expresionismo Alemán Surgimiento Es una corriente artística que apareció en los últimos años del siglo XIX y los primeros del XX como una reacción frente a los modelos que habían prevalecido en Europa desde el renacimiento, particularmente en las anquilosadas academias de Bellas Artes. Deberíamos remontarnos a los acontecimientos ocurridos en esa época para poder comprender su nacimiento. La Historia del Siglo XX aparece indefectiblemente bañada de negatividad. Hay quienes lo recuerdan como el siglo más terrible de la historia, otros lo consideran un siglo de matanzas y de guerras". Dumont dice que "ha sido el siglo más violento de la historia humana". En este contexto de negatividad surge el expresionismo, éste aparece como la primera manifestación o como la primera reacción, que testimonia el extrañamiento del mundo y la crisis que estaba atravesando el positivismo. Pues, como dice Hobsbawm, con la Primera Guerra Mundial comienza el derrumbe de la civilización occidental del siglo XIX, "una civilización que era capitalista desde el punto de vista económico, liberal en su estructura jurídica y constitucional, burguesa por la imagen de su clase hegemónica característica y brillante por los adelantos alcanzados en el ámbito de la ciencia, el conocimiento y la educación, así como del progreso material y moral." Y en este panorama el expresionismo aparece ineluctablemente como uno de los primeros movimientos de vanguardia que ha articulado estéticamente este comienzo de crisis en la apertura violenta del nuevo siglo. Es sobre el presupuesto de crítica y oposición al positivismo que se proyectan las líneas de fuerza de los expresionistas. Si para los impresionistas la realidad era un dato exterior que estos pintores intentaban captar desde un pretendido efecto óptico (con el famoso golpe de vista) para los expresionistas la realidad era algo que había que experimentar desde la más profunda interioridad, y así apelaban a vivencias corporales y emocionales del mundo más que a su captación por el ojo. El artista expresionista trató de representar la experiencia emocional en su forma más completa, sin preocuparse de la realidad externa sino de su naturaleza interna. Así los autores en sus obras elegían algunos de los temas que consideraban más representativos de sus sentimientos, generalmente eran emociones relacionadas con la repulsión como muerte, angustia, tortura, sufrimientos. El expresionismo alemán en el cine. El expresionismo, no sólo dominó a las artes plásticas, a la música y a la literatura, sino que también estuvo presente en la mayoría de las producciones cinematográficas alemanas de esa época. En ellas preponderaba lo subjetivo que afloraba todo el universo mítico y fantástico a través de las formas y de las imágenes que reflejan un estado espiritual de angustia. Ella es la respuesta hacia un entorno que se muestra hostil, al cual el hombre no puede integrarse. Algunos ejemplos… El primer antecedente del expresionismo en el cine es “El estudiante de Praga” de Paul Wegener. Expresionismo Expresionismo, corriente artística que buscaba la expresión de los sentimientos y las emociones del autor más que la representación de la realidad objetiva. El arte expresionista trató de representar la experiencia emocional en su forma más completa, sin preocuparse de la realidad externa sino de su naturaleza interna y de las emociones que despierta en el observador. Para lograrlo, los temas se exageran y se distorsionan con el fin de intensificar la comunicación artística. En pintura buscaron mostrar sus aspectos mas atormentados mediante el uso de colores agresivos, la convulsión de las líneas, los colores manchados, las formas disgregadas, las líneas fracturadas, contorsionadas, ondulantes. Sintieron que el mundo se deshacía a sus pies, advertían los síntomas proféticos y proyectaban sobre el mundo exterior su vivencia de angustia. En la literatura también significo una renovación de formas, se puso énfasis en las deformaciones que sufre el ámbito objetivo como consecuencia de estados anímicos o perturbaciones íntimas. Se busco el significado esencial de las palabras, lo que hizo que se tendiera a la síntesis, la economía verbal y a la ausencia de nexos lógicos. Los objetivos de los expresionistas en el campo de la literatura, particularmente en la novela y el teatro, respondieron a las mismas características que las artes plásticas. Los personajes y las escenas se distorsionaban intencionalmente para producir un fuerte impacto emocional. Un claro ejemplo de la literatura expresionista alemana fue Franz Kafka. El teatro expresionista también introdujo nuevas formas de representación, puesta en escena y dirección. El objetivo consistía en crear un cuadro escénico globalizado que incrementara el impacto emocional sobre el público. La pintura y el teatro expresionistas también influyeron en el cine como se aprecia en “El gabinete del Dr. Caligari” y en “Nosferatu, el vampiro”, con sus perspectivas distorsionadas y sus rostros mascarados. La música expresionista, que alcanzo su apogeo en el periodo de entre guerras, busco la expresión de las ansiedades, los terrores ocultos y el cinismo de la sociedad contemporánea. Para ello empleo composiciones cuidadosamente estructuradas y emocionalmente intensas, deformando las técnicas convencionales y remplazando las armonías tradicionales por otras más complejas y disonantes. La música es a menudo a tonal o producto de la distorsión, la polifonía es con frecuencia desnuda, y la melodía, prácticamente irreconocible. Características técnicas de las películas expresionistas La escenografía: Como las películas se filmaban íntegramente en estudios, se utilizaban decorados pintados para ambientarlas. En “El gabinete del doctor Caligari” (1919) de Robert Wiene, la escenografía adquiere trascendencia. Realizada con un sentido planimétrico, las calles y perspectivas no tienen profundidad real, sino que esto se logra mediante un telón de fondo que representa la prolongación de las callejuelas mediante líneas onduladas. No se respetan los ejes verticales, se transforman los interiores de exteriores en un marco inestable a punto de desintegrarse, con un movimiento que no es real pero si psicológico dado por la gran cantidad de direcciones diagonales. Las curvas inesperadas provocan una reacción psíquica distinta del que provocarían las líneas de corte armónico. Mediante estas deformaciones de los planos escenográficos, el expresionismo alemán buscaba representar la complejidad psíquica con intensidad. Fueron varias películas en las que se desarrolló esta artificialidad en las escenas: “Genuine” y “Desde el alba a medianoche” de K.H. Martin y “Turgus” de H. Kobe. Las excepciones son “Nosferatu” de Murnau y “Metrópolis” de H.Lang, ya que estas también realizaron filmaciones en ambientes naturales. La iluminación Las experiencias de iluminación llevadas a cabo por Mac Reinhardt en sus puestas teatrales fueron asimiladas por los directores de cine expresionistas y le dieron a las películas un sello muy particular a partir de la elaboración del claro oscuro, que es el contraste acentuado de luces y sobras; consiste en subrayar y destacar con exceso el relieve y contorno de un objeto a las molduras de un decorado. Los decorados se iluminan en la base, para acentuar el relieve deformado y transformado mediante una reunión de líneas. Para la iluminación se dispone de grande proyectores sobre los costados de los decorados, para eliminarlos en forma oblicua y aclarar violentamente la arquitectura o producir, con ayuda de las superficies salientes, esos estridentes acordes de luces y sombras. Esta aplicación la encontramos en películas como “Humunculus” (1916) de Rippert y Neuss, en “Metropolis” y La muerte cansada (ambas de Lang), donde se encuentran todos los contrastes en blanco y negro, los choques de luces y sombras. El paisaje natural y el estudio Como para los alemanes es imposible separar al hombre de la naturaleza, optaban por construir paisajes artificiales, para poder hacer uso de la iluminación para construir personajes y objetos. Existen vínculos profundos entre los paisajes y los seres humanos, esto se convierte en un factor dramático. El expresionismo construye su universo, Lang comprendió que no se puede eliminar la naturaleza, sin embargo crea abstracciones y por ello volvió al paisaje expresionista para componer su jardín de los ricos en “Metropolis”. Hay una excepción notable a esta tendencia y es la que se da en el filme “Nosferatu”, donde contrariamente a lo que sucedía en la mayor parte de las películas de la época, los paisajes y las vistas de la ciudad o del castillo se rodaron al aire libre. Los personajes Hay una influencia directa de la literatura romántica en el delineamiento de los personajes, donde se caracterizan por su ambigüedad y desdoblamiento. En todas las películas se encuentra la temática del amor; como este transforma a los individuos y les causa sufrimiento, de esta manera las películas nunca tienen final feliz. Sus personajes son lúgubres, ocupan un lugar central en las películas a la vez que aquellos aparentemente siniestros se revelan como bastante inofensivos o viceversa. El desdoblamiento, con características demoníacas es frecuente en las películas alemanas: “Caligari” es al mismo tiempo un charlatán en una feria como un eminente doctor, o el personaje de la muerte en “Una muerte cansada” figura como un viajero común y corriente en busca de un terreno en venta. El vestuario El vestuario es también, al igual que la iluminación y el escenario, un factor dramático para el cine expresionista alemán. Sus personajes visten capas y sombreros de copas. Se maquillan sus caras de blanco para dar la idea de mascaras, símbolo recurrente de los expresionistas al igual que sus manos extremadamente salientes o crispadas. En numerosas películas se mueven personajes con ropas de la época en donde comienza la caída de Napoleón hasta 1848 aproximadamente. La interpretación Los personajes tienen movimientos abruptos y duros, quebrados a mitad de camino, que componen un rasgo habitual. Se produce una deformación de los gestos por medio de movimientos intensos que superan la realidad. Las sombras El cine expresionista alemán supo sacar provecho de las sombras para connotar lo amenazante, el presagio siniestro o el destino implacable. De esta manera se convierten en símbolos. En la película “espectros” de 1916 la madre enloquecida que corre detrás de su hijo que delira, al pasar delante de cámaras encendidas, proyecta sombras intensas que se deslizan por las paredes de la escena evocando una persecución de demonios También se utiliza para destacar el carácter de los personajes o dar sentido dramático a alguna escena; “cesare” de “el gabinete del doctor Caligari” al extender sus manos, proyecta su sombra sobre el muro. Principales Obras El estudiante de Praga El primer antecedente del expresionismo es El estudiante de Praga, de Paul Wegener. Es la historia del estudiante Baldwin que cede al hechicero Scapinelli su imagen reflejada en el espejo para obtener, a cambio, riquezas innumerables y a la mujer amada. Se muestran el “yo” codicioso que lo hace sucumbir a tentaciones diabólicas y el otro “yo” bueno, que el ha traicionado, revelando con ello el miedo del individuo ante la emergencia de sus deseos ocultos y haciendo que los alemanes se den cuenta que el cine puede ser el médium de excelencia de su angustia romántica. Henrik Galeen hace la segunda versión (1926), acomodándose en el psicoanálisis y abandonando la ambigüedad de la primera. El gabinete del doctor Caligari Un paradigma de del cine expresionista Alemán fue El gabinete del doctor Caligari de Robert Wiene (1919), película que sentaría las bases de este movimiento llevado al cine. La película narra como dos amigos visitan una feria. En ella, un tal Dr. Cligari anuncia a alguien que es capaz de adivinar el futuro. Uno de los dos amigos le pregunta al vidente hasta cuando ha de vivir, a lo que el adivino (Cesare) le contesta que no pasará de esa noche. Efectivamente, el joven amanece apuñalado en su propio cuarto. El otro amigo comienza a investigar al adivino y al siniestro doctor para averiguar la verdad sobre lo ocurrido. La idea de los guionistas era la de denunciar la actuación del Estado alemán durante la guerra. Robert Wiene, el director, añadirá dos nuevas escenas al guión, una al principio y otra al final, que cambiarán todo el sentido de la historia, pues se convierte en el relato imaginario de un loco que cree ver en el director del hospital psiquiátrico en el que se halla el terrible doctor Caligari. Será junto al personaje de Charlot, el primer gran mito de la historia del cine. Los críticos franceses acuñaron la palabra caligarismo para designar las películas alemanas de la nueva estética. link: http://www.videos-star.com/watch.php?video=MrNJBbXhvOs El Golem Mostrando la afición hacia los temas fantásticos que habrían de caracterizar al cine alemán de los ´20, Paul Wegener protagonizó, rescribió, dirigió El Golem (1920). Se trataba de un muñeco hecho de barro al que un medallón mágico le hace cobrar vida para ayudar a los judíos en épocas adversas. Buena atmósfera dominada por la astrología y por la superstición y una explicación del porqué del fracaso de los judíos del ghetto de Praga para forjarse como una nación. Nosferatu Una de las películas cumbres del movimiento fue Nosferatu, de Friedrich Murnau. Se presentó el e zoológico de Berlín (1922), y a causa de la censura, se tuvieron que cortar algunas escenas consideradas macabras, hasta se tuvo que realizar una redición del filme original. Es una adaptación furtiva del texto de Stoker (Drácula), al que sus creadores modificaron tanto el título como el nombre de sus personajes, pero ello no evitó que la viuda de Stoker les llevara a juicio por plagio y ganara; lo que obligó destruir las copias. Sin embargo ya se habían vendido algunas copias a EE.UU y a algunos países europeos, lo que permitió que la película sea popularizada recién el 1972, cuando sale por primera vez en video. Murnau, respetando y a la vez renovando las claves estéticas del expresionismo germánico, consiguió plasmar la terrible personalidad del conde y sus inquietantes atributos: un cuerpo rígido, rostro decrépito, orejas de rata, cabeza calva, dos colmillos horripilantes y largas uñas. La novela El Dr. Mabuse de N. Jaques, constituye la base de la historia de este genio del mal, llamado Dr. Mabuse, cuya imponente figura se convertirá en el antecedente fílmico de todas las grandes mentes criminales que han asolado las pantallas desde entonces. El conde Orlock cambará su residencia desde los Cárpatos a occidente. Para ello se procura al contable que lo visita para acompañarlo en su mudanza como un servidor. Una vez instalado, conoce a una joven, ya prometida, de quien se enamora. Comenzará a visitarla por las noches para ir bebiendo su sangre de a poco, y convertirla así en su esposa. Pero el malestar que sufre la joven alerta a su familia, que se contacta con el profesor Bulwer, quien tiene que enfrentarse con el mal encarnado en aquel conde. Cosa destacable es, el que se presentase el vampiro, demás de cómo bebedor de sangre como portador de la plaga: aya por donde pasa Nosferatu estalla la peste negra con efectos aniquiladores. Para acentuar el aire de cosa impura y putrefacta, al vampiro se le ve a menudo rodeado de ratas. Cabe señalar la idea romántica de que el vampiro puede ser destruido si una mujer de corazón puro ofrece su vida haciéndolo quedarse junto a ella hasta que surja el sol y sus rayos desintegren a la bestia. Metrópolis Otro icono del movimiento, fue Metrópolis de Fritz Lang (1926). Esta película es una adaptación de una novela de la esposa de Lang (Thea Von Harbour), que hace referencia al asombro de este director cuando vio por primera vez los enormes edificios de Nueva York La historia se desarrolla en el año 2000, cuando la acaudalada clase dominante vive en enormes rascacielos de lujo, mientras que los obreros esclavizados trabajan en una rutina de pesadilla debajo de la tierra. El héroe, Freder, es el hijo mimado de Fredersen, uno de los dirigentes ricachones. Freder se reforma cuando conoce a María, la más hermosa de los habitantes subterráneos. Él viaja de incógnito por este mundo escondido y se queda espantado de la vida que llevan, por lo que comienza de inmediato una campaña de reformas humanitarias. El malvado industrial Rottwang no puede permitir que esto ocurra, por lo que planea que los esclavos se vuelvan contra los reformadores. En su laboratorio iluminado por luces de neón, Rottwang, crea un robot a imagen de María concebido para ser un profeta que pierda a las masas. Después de una revuelta que destruye todo lo que encuentra a su paso y un a inundación subterránea de proporciones bíblicas el déspota Fredersen, ve la verdad y decide tratar a la clase trabajadora con justicia y compasión. Metropolis fue concebida como una gran producción de 205 minutos. Con un rodaje de 2 años y con un presupuesto de más de 5 millones de marcos de la época, el filme se convirtió en el más caro de su tiempo y llevó a la ruina a la poderosa Productora nacional UFA. Expresionismo hoy La influencia del expresionismo ha llegado hasta nosotros a través de directores particularmente notables: Tim Burton es uno de ellos y hace guiños en la mayoría de sus producciones a la temática tan querida por los directores alemanes de los años veinte, terror, oscuridad, ambiente gótico, etc. En Batman vuelve la estética está claramente influida por los clásicos del expresionismo alemán. La nueva Ciudad Gótica —donde nieva todo el tiempo— está constituida por monstruosas estructuras, dignas de Metrópolis (Fritz Lang, 1927). Un entorno con más de cuento de hadas que de film noir. Y el ambicioso magnate encarnado por Christopher Walken se llama Max Schreck, como el actor que hizo del vampiro en Nosferatu, una sinfonía de horror (Nosferatu, eine symponie des grauens, Friedrich Willhem Murnau, 1922). Burton ha absorbido estas características de un modo indirecto, a través de las películas de terror que formaron parte de su educación sentimental. Ya hemos visto que ha reflejado a lo largo de toda su carrera su pasión por las películas de monstruos, el oscuro y fantástico mundo de Vincent Price y sus películas sobre textos de Poe y la estética del cine de la República de Weimar. Las películas de Tim Burton recogen elementos de las distintas concepciones del gótico su obra se inserta en lo que es toda una tradición gótica. En Alemania, la acusada tradición gótica tuvo una especial continuidad, una manifestación más virulenta y adaptada a las nuevas circunstancias socioculturales, que recibió al llegar al siglo XX el nombre de expresionismo. En Burton, ciertamente, convergen toda una serie de influencias a cuya lectura, necesariamente postmoderna, podríamos denominar expresionismo gótico. Se consideran el gótico y el expresionismo manifestaciones de un espíritu común cuya estética y posicionamiento vital se oponen a la actitud racionalista del clasicismo. En el caso del cine ambos términos acaban por confluir y son numerosos los teóricos que hablan indistintamente de cine gótico alemán y de cine expresionista. Movimientos Dark y Gótico El Movimiento Gótico: Iniciado en 1981 Londres en un club nocturno llamado la cueva del murciélago. Los seguidores del movimiento gótico, se visten de negro, con la cara pálida, labios y uñas negras, usan capas, son habitantes de la noche, quienes abrazan sacrilegios, rebeldes de toda religión, y muchos de ellos consumados poetas, artistas, músicos. El llamado movimiento gótico, se distingue por ser "contra cultural", y cuyos miembros se describen así: "almas lastimadas que se sienten desarraigados de la sociedad, se sienten solos de alguna manera". Los góticos celebran la muerte, incluyendo la muerte de la esperanza y la humanidad para nuestra cultura. El Dark tuvo sus inicios en Francia en 1860 con un movimiento social encabezado por obreros y estudiantes. Se maquillaron la cara de blanco y se vistieron de negro para simbolizar la opresión que, según ellos mismos, "los tenía muertos en vida". Sin embargo, el dark como movimiento contracultural nació a principios de los 80´s y se consolidó a mediados de esa misma década en el siglo XX. El dark junto con el gótico son unos de los movimientos contraculturales que más relación tienen con las bellas artes, ya que se pueden encontrar en la literatura, el teatro, la fotografía y la música. Aquí les dejo un video expresionista, no es alemán, pero sirve para darse una idea... es de Tim Burton... seguramente alguna vez lo habrán visto link: http://www.videos-star.com/watch.php?video=4z_G_ETyCoo

Registrate y eliminá la publicidad! Lo que me pasa es que no consigo andar por el mundo tirando cosas y cambiándolas por el modelo siguiente sólo porque a alguien se le ocurre agregarle una función o achicarlo un poco. No hace tanto con mi mujer lavábamos los pañales de los críos. Los colgábamos en la cuerda junto a otra ropita; los planchábamos, los doblábamos y los preparábamos para que los volvieran a ensuciar. Y ellos, nuestros nenes, apenas crecieron y tuvieron sus propios hijos se encargaron de tirar todo por la borda (incluyendo los pañales). ¡Se entregaron inescrupulosamente a los desechables! Si, ya lo sé. A nuestra generación siempre le costó tirar. ¡Ni los desechos nos resultaron muy desechables! Y así anduvimos por las calles guardando los mocos en el bolsillo y la grasa en los repasadores. Y nuestras hermanas y novias se las arreglaban como podían con algodones para enfrentar mes a mes su fertilidad. ¡Nooo! Yo no digo que eso era mejor. Lo que digo es que en algún momento me distraje, me caí del mundo y ahora no sé por donde se entra. Lo más probable es que lo de ahora está bien, eso no lo discuto. Lo que pasa es que no consigo cambiar el equipo de música una vez por año, el celular cada tres meses o el monitor de la computadora todas las navidades. ¡Guardo los vasos desechables! ¡Lavo los guantes de látex que eran para usar una sola vez! ¡Apilo como un viejo ridículo las bandejitas de espuma plástica de los pollos! ¡Los cubiertos de plástico conviven con los de acero inoxidable en el cajón de los cubiertos! Es que vengo de un tiempo en que las cosas se compraban para toda la vida. ¡Es más! ¡Se compraban para la vida de los que venían después! La gente heredaba relojes de pared, juegos de copas, fiambreras de tejido y hasta palanganas y escupideras de loza. Y resulta que en nuestro no tan largo matrimonio, hemos tenido más cocinas que las que había en todo el barrio en mi infancia y hemos cambiado de heladera tres veces. ¡Nos están fastidiando!¡Yo los descubrí! ¡Lo hacen adrede! Todo se rompe, se gasta, se oxida, se quiebra o se consume al poco tiempo para que tengamos que cambiarlo. Nada se repara. Lo obsoleto es de fábrica. ¿Dónde están los zapateros arreglando las medias suelas de las odo? ¿Alguien ha visto a algún colchonero escardando sommiers casa por casa? ¿Quién arregla los cuchillos eléctricos? ¿El afilador o el electricista? ¿Habrá teflón para los hojalateros o asientos de aviones para los talabarteros? Todo se tira, todo se desecha y mientras tanto producimos más y más basura. El otro día leí que se produjo más basura en los últimos 40 años que en toda la historia de la humanidad. El que tenga menos de 40 años no va a creer esto: cuando yo era niño por mi casa no pasaba el basurero. ¡Lo juro! ¡Y tengo menos de… años! Todos los desechos eran orgánicos e iban a parar al gallinero, a los patos o a los conejos (y no estoy hablando del siglo XIII). No existía el plástico ni el nylon. La goma solo la veíamos en las ruedas de los autos y las que no estaban rodando las quemábamos en San Juan. Los pocos desechos que no se comían los animales, servían de abono. De por ahí vengo yo. Y no es que haya sido mejor. Es que no es fácil para un pobre tipo al que educaron en el ‘guarde y guarde que alguna vez puede servir para algo’ pasarse al ‘compre y tire que ya se viene el modelo nuevo’. Mi cabeza no resiste tanto. Ahora mis parientes y los hijos de mis amigos no sólo cambian de celular una vez por semana, sino que además cambian el número, la dirección electrónica y hasta la dirección real. Y a mí me prepararon para vivir con el mismo número, la misma mujer, la misma casa y el mismo nombre (y vaya si era un nombre como para cambiarlo) Me educaron para guardar todo. ¡¡¡ odo!!! Lo que servía y lo que no. Porque algún día las cosas podían volver a servir. Le dábamos crédito a todo. Sí, ya lo sé, tuvimos un gran problema: nunca nos explicaron qué cosas nos podían servir y qué cosas no. Y en el afán de guardar (porque éramos de hacer caso) guardamos hasta el ombligo de nuestro primer hijo, el diente del segundo, las carpetas del jardín de infantes y no sé cómo no guardamos la primera caquita. ¿Cómo quieren que entienda a esa gente que se desprende de su celular a los pocos meses de comprarlo? ¿Será que cuando las cosas se consiguen fácilmente no se valoran y se vuelven desechables con la misma facilidad con que se consiguieron? En casa teníamos un mueble con cuatro cajones. El primer cajón era para los manteles y los repasadores, el segundo para los cubiertos y el tercero y el cuarto para todo lo que no fuera mantel ni cubierto. Y guardábamos… ¡Cómo guardábamos! ¡Todo lo guardábamos! ¡Guardábamos las chapitas de los refrescos! ¡¿Cómo para qué?! Hacíamos limpia calzados para poner delante de la puerta para quitarnos el barro. Dobladas y enganchadas a una piola se convertían en cortinas para los bares. Al terminar las clases, le sacábamos el corcho, las martillábamos y las clavábamos en una tablita para hacer los instrumentos para la fiesta de fin de año de la escuela. ¡Todo guardábamos! Las cosas que usábamos: mantillas de faroles, ruleros, ondulines y agujas de primus. Y las cosas que nunca usaríamos. Botones que perdían a sus camisas y carreteles que se quedaban sin hilo se iban amontonando en el tercer y en el cuarto cajón. Tubitos de plástico sin la tinta, tubitos de tinta sin el plástico, capuchones sin la lapicera, lapiceras sin el capuchón. Encendedores sin gas o encendedores que perdían el resorte. Resortes que perdían a su encendedor. Cuando el mundo se exprimía el cerebro para inventar encendedores que se tiraban al terminar su ciclo, inventábamos la recarga de los encendedores descartables. Y las Gillette se convertían en sacapuntas por todo el ciclo escolar. Y nuestros cajones guardaban las llavecitas de las latas de sardinas, por las dudas que alguna lata viniera sin su llave. ¡Y las pilas! Pasaban del congelador al techo de la casa porque no sabíamos bien si había que darles calor o frío para que vivieran un poco más. No nos resignábamos a que se terminara su vida útil, no podíamos creer que algo viviera menos que un jazmín. Las cosas no eran desechables. Eran guardables. ¡Los diarios! Servían para todo: para hacer plantillas para las botas de goma, para poner en el piso los días de lluvia y por sobre todas las cosas, ¡para envolver!. ¡Las veces que nos enterábamos de algún resultado leyendo el diario pegado al trozo de carne! Y guardábamos el papel plateado de los chocolates y de los cigarrillos para hacer guías de pinitos de navidad y las páginas del almanaque para hacer cuadros y los cuentagotas de los remedios por si algún medicamento no traía el cuentagotas y los fósforos usados porque podíamos prender una hornalla desde la otra que estaba prendida y las cajas de zapatos que se convirtieron en los primeros álbumes de fotos. Y los frasquitos de las inyecciones con tapitas de goma se amontonaban vaya a saber con qué intención, y los mazos de naipes se reutilizaban aunque faltara alguna, con la inscripción a mano en una sota de espada que decía ‘este es un 4 de bastos’. Los cajones guardaban hasta pedazos broches de ropa. Yo sé lo que nos pasaba: nos costaba mucho declarar la muerte de nuestros objetos. Así como hoy las nuevas generaciones deciden ‘matarlos’ apenas aparentan dejar de servir, aquellos tiempos eran de no declarar muerto a nada. Ni a Walt Disney. Y cuando nos vendieron helados en copitas cuya tapa se convertía en base y nos dijeron: ‘Cómase el helado y después tire la copita’, nosotros dijimos que sí, pero, ¡minga que la íbamos a tirar! Las pusimos a vivir en el estante de los vasos y de las copas. Las latas de arvejas y de duraznos se volvieron macetas. Las primeras botellas de plástico se transformaron en adornos de dudosa belleza. Las hueveras se convirtieron en depósitos de acuarelas y las primeras latas de cerveza en portalápices. Y me muerdo para no hacer un paralelo entre los valores que se desechan y los que preservábamos. Ah ¡No lo voy a hacer! Me muero por decir que hoy no sólo los electrodomésticos son desechables; que también el matrimonio y hasta la amistad es descartable. Pero no cometeré la imprudencia de comparar objetos con personas. Me muerdo para no hablar de la identidad que se va perdiendo, de la memoria colectiva que se va tirando, del pasado efímero. No lo voy a hacer. No voy a mezclar los temas, no voy a decir que a lo perenne lo han vuelto caduco y a lo caduco lo hicieron perenne. No voy a decir que a los ancianos se les declara la muerte apenas empiezan a fallar en sus funciones, que los cónyuges se cambian por modelos más nuevos, que a las personas que les falta alguna función se las discrimina o que valoran más a los lindos, con brillo y glamour. Esto sólo es una crónica que habla de pañales y de celulares. De lo contrario, si mezcláramos las cosas, tendría que plantearme seriamente entregar a la bruja como parte de pago de una señora con menos kilómetros y alguna función nueva. Pero yo soy lento para transitar este mundo de la reposición y corro el riesgo de que la bruja me gane de mano y sea yo el entregado. Eduardo Galeano COMENTEN!!!!

Registrate y eliminá la publicidad! Hola queridos Taringueros, espero disfruten de este material!!!!! COMENTEN!!!! Hiperrealismo: Introducción El hiperrealismo es una tendencia surgida en Estados Unidos a finales de los ’60 que propone reproducir la realidad con más fidelidad y objetividad que la fotografía. La primera exposición que dio a conocer esta tendencia fue "The Photographic Images", celebrada en el Museo Guggenheim de Nueva York en 1966. Adquiere un gran desarrollo durante la década de los setenta a raíz de su difusión en la Documenta 5 de Kassel, en 1972. El Pop Art es su precursor inmediato pues toma la iconografía de lo cotidiano, se mantiene fiel a la distancia de su enfoque y produce las mismas imágenes neutras y estáticas. Sus características son: aproximación nueva y radical al mundo real; carácter distanciado y frío; afirmación de la realidad mediante su plasmación tal como la vería una cámara fotográfica, de aquí que a esta tendencia también se la denomine fotorrealismo; empleo de la cámara y la fotografía para obtener información y como elemento modelo a partir del cual se construye el cuadro (el pintor hiperrealista no se enfrenta directamente con la realidad); utilización de perspectivas típicas de la fotografía con objetivos angulares; empleo de medios mecánicos (proyección o retícula) para transferir las imágenes fotográficas al lienzo; aplicación de la pintura en capas finas y lisas, generalmente con pistola o aerógrafo; color realista; utilización de nuevos materiales: pintura acrílica, látex y resinas sintéticas: iconografía preferentemente relacionada con la sociedad de consumo (automóviles, vidrieras de comercios, automóviles, motos, estaciones de servicios, lencería erótica, etc.); generalmente, plasmación ampliada (tamaño mayor que el natural) de detalles de objetos, personas y ambientes con gran detallismo. En la década del sesenta, la abstracción era la tendencia dominante y el hiperrealismo estaba mal visto; se consideraba un arte que copiaba de fotografías sin ningún interés. Sin embargo, artistas como Close y Estes desarrollaron técnicas totalmente nuevas de representación de la realidad, consiguiendo resultados asombrosos. Pintura hiperrealista Chuck Close (1940) crea sus obras colocando una malla sobre la foto y luego, sobre el lienzo, copia celda por celda. En 1988, quedó parapléjico pero siguió pintando con un pincel entre los dientes, con la misma técnia. Desde la distancia, sus retratos, que se apartan totalmente del retrato tradicional, se acercan más al cartelístico y sugestivo principio cinematográfico del primer plano en superpantalla, hacia la no-distancia de la técnica de la instantáneas y hacia el gesto objetivador de las fotografías clínicas o policiales. John Kacere (1920-1999) se ha concentrado en la temática femenina erótica. Richard Estes, conocido por sus cuadros de vidrieras y escenas urbanas, utiliza varias diapositivas del mismo objeto, de modo que en sus cuadros se ve no sólo el escaparate sino también lo que hay dentro del comercio y lo que se refleja en la vidriera. Sus lugares públicos están desiertos, en un modo de abstraer la funcionalidad de lo representado que es típica del hiperrealismo. La escultura hiperrealista La escultura hiperrealista recoge temas cotidianos, con un toque de humor, y señala los aspectos más banales de la vida. Gracias a nuevos materiales como la fibra de vidrio, que permite un gran verismo, las esculturas aparecen a escala humana, y una vez colocadas en las salas de exposición se entremezclan con el público, jugando con el engaño al espectador. Duene Hanson (1925-1996) reproduce a tamaño natural personajes sacados de las clases trabajadoras. Sus esculturas, moldeadas en varios materiales, incluyen resina de poliéster y fibra de vidrio. La mayoría de las esculturas son elaboradas directamente en moldes tridimensionales, una técnica conocida como fundición viva. La superficie del molde es cuidadosamente pintada en tonos color piel; retrata al ciudadano común, ese ser del cotidiano que podemos encontrarnos en cualquier momento, inclinándose por adultos mayores y personas de gran porte. John de Andrea (1941) esculpe desnudos de un hiperrealismo tan acusado que parecen personas reales. Desde sus primeras obras es apreciable el interés del artista por la figura femenina, y en particular por el desnudo, en lo que, según él mismo explica, es una búsqueda de la belleza perfecta. Este es el motivo por el que sus esculturas siempre han sido relacionadas con la escultura clásica griega, con la única diferencia de que en de Andrea es más real que ideal, representando normalmente a sus figuras femeninas tal y como las ve. Por lo tanto, es un hiperrrealista con actitud clásica. Ron Mueck (australiano, 1958) utiliza silicona y acrílico para crear sus piezas porque estos materiales permiten una alta maleabilidad. La diferencia con de Andrea y Hanson es que las esculturas de estos hiperrealistas son en tamaño real mientras que Mueck juega con escalas impresionantes. Georges Segal (1924-2000) hace figuras de tamaño natural en escayola; con su aspecto fantasmal, provoca un enigmático contraste entre el anonimato de los individuos, completamente deshumanizados, y la vida que poseen los entornos. Nueva Figuración: Introducción También contemporáneamente a los años en que se desarrolló el expresionismo abstracto, un grupo de artistas preocupados por la figuración intentó recuperarla, pero no de imágenes de los mass media, como el Pop Art, ni de fotografías, como el Hiperrealismo. El movimiento se conoce como Nueva figuración o Neofiguración. Las fuertes distorsiones de las figuras y la indeterminación del espacio conectan nuevas preocupaciones figurativas con el realismo descarnado del expresionismo, por un lado, y con las técnicas del informalismo -chorreado, gestualidad, textura-, por el otro. Los neofigurativos quieren dar una nueva imagen del hombre, rechazando el esteticismo de la pintura; optan por la transgresión, la libertad absoluta, el estallido de formas y colores, el empleo del gesto libre, el uso de la mancha y otros recursos del informalismo (textura, materialidad, chorreado, ejecución rápida), junto a un expresionismo crispado y un tratamiento de la imagen de alto contenido comunicativo. Configuran sus obras desde el concepto de caos: consideran que la planificación es fútil, crean numerosas anamorfosis y acentúan la crudeza de las imágenes. Intensifican el dinamismo que distorsiona a las figuras, elaboran contextos dramáticos y generan seres monstruosos. Principales representantes de la Nueva Figuración Jean Dubuffet (1901–1985) construye la figura humana como los informalistas matéricos, es decir, textura los lienzos con arena, alquitrán o paja. Antonio Saura (español, 1930-1998), fundador del movimiento El Paso, opositor al régimen franquista, se caracteriza por una pintura áspera y directa, basada en el empleo de acromáticos. Sus elecciones temáticas -retratos, desnudos, multitudes y crucifixiones- eliminan todo lo que puede resultar extraño a la idea fundamental. En los últimos años, comenzó a incorporar cromáticos. Willem de Kooning (estadounidense, 1904-1997) pinta mujeres con pincelada violenta, color agresivo y una gestualidad contundente. Francis Bacon (irlandés, 1909-1992) expresa, en sus pinturas, una desolada desesperación: un hombre alienado, plagado de vicios y heridas es el protagonista de un mundo sin esperanza, dominado por la brutalidad y la violencia. CoBrA (Copenhague, Bruselas, Amsterdam) es el nombre del grupo formado en 1948 en París por artistas de Dinamarca, Bélgica y Holanda. Al igual que en el expresionismo abstracto, buscaba una figuración espontánea, sin racionalización. El arte del grupo CoBrA posee unos rasgos comunes, en tanto que se trata de un tipo de manifestación de carácter espontáneo que reivindica la intuición por encima de todo. Es un arte figurativo, muy esquemático, casi naif, en el que uno de los aspectos más interesantes lo constituye el empleo de una gama cromática exaltada al máximo en la que los colores aparecen vivos y brillantes. Los contrastes son asimismo muy violentos en la mayoría de las ocasiones. Por otra parte, estos colores quedan acentuados gracias al empleo de una técnica en la que los empastes se disponen en grandes planos. Las manchas abstractas y los elementos filiformes que a veces cruzan las superficies de las telas, para separar o unir los distintos personajes y los objetos, recuerdan la iconografía de Miró y remiten a la espontaneidad de sus trazos. El grupo CoBrA se disolvió en 1951. Karel Appel (holandés, 1921-2006) fue el artista más destacado del grupo. Su obra, una auténtica explosión de vitalidad, combina informalismo y figuración con una pintura de trazos empastados y gran violencia tanto en los gestos como en los colores. La temática es siempre descarnada e inocente, al mismo tiempo. Appel pintaba figuras simples (lo animal y lo humano apenas diferenciado) con marcados perfiles negros, influido por el dibujo infantil y el arte de los enfermos mentales. Bibliografía Arnason, A.H. (1972) Historia del arte contemporáneo. Editorial Planeta, Barcelona. Brughetti, H. (1991) Del impresionismo a la Nueva Figuración, Bs. Aires Ediciones de Arte Gaglianone. Cirlot, Juan Eduardo (1972) El arte del siglo XX. Barcelona. Cirlot Valenzuela, Lourdes (1994) Historia del Arte. Últimas tendencias. Editorial Planeta. Barcelona. Cirlot Valenzuela, Lourdes (1988) Las claves de las Vanguardias artísticas en el siglo XX. Cómo identificarlas. Editorial Ariel, S.A. Barcelona. Glusberg, J. (1985) Del Pop a la Nueva Imagen, Buenos Aires, Gaglianone. González Rodríguez, A.M. (1991) Las claves del Arte. Ultimas tendencias. Barcelona, Planeta. Güasch, A.M. (2000) El arte último del SigloXX, Madrid, Alianza. Lippard, Lucy (1993) El Pop Art. Barcelona: Ediciones Destino. López Anaya, Jorge (2004) La vanguardia informalista en Buenos Aires, Ediciones Alberto Sendros, Buenos Aires, Argentina. Lucie-Smith, Edgard (1983) El arte hoy. Del expresionismo abstracto al nuevo realismo. Catedra, Madrid. Marchán Fiz, Simón (1994) Del arte objetual al arte de concepto. Epilogo sobre la sensibilidad potmoderna. Akal. Madrid. Micheli, M. de (1989) Las vanguardias artísticas del siglo XX, Madrid, Alianza. Perazzo, Nelly (2001) Vanguardia, internacionalismo y política. Arte argentino en los sesenta, Editorial Paidós, Buenos Aires, Argentina. Restany, Pierre (1984) Tendencias actuales. En "La Pintura Moderna". Volumen 3. Barcelona: Carroggio. Espero les haya gustado... saludos!!! COMENTEN!!!!

Hola queridos taringueros!!!: espero que lo disfruten... Comenten!!!! Pop Art 1. Pop Art: Introducción El Pop Art tiene sus orígenes en Londres, en 1952, cuando un grupo de jóvenes artistas se propusieron una renovación del hecho artístico. La obra de Richard Hamilton, ¿Qué es lo que hace que las cosas de hoy sean tan diferentes, tan agradables? es un collage fotográfico calificado como el primer cuadro Pop del mundo. En él se representa un interior con diversos elementos, que después serán típicos de la iconografía Pop (televisor, grabador, una viñeta de cómic ampliada, fotos de revistas, carteleras de cine, etc.). La obra representa dos absurdas figuras que se pavonean en una sala llena de objetos y se pueden apreciar los principales rasgos del Pop Art: descontextualización, incongruencia, provocación y buen humor. El nombre apareció en Gran Bretaña acuñado por Lawrence Alloway en 1955 y se utili¬zó para designar una tendencia que retoma las imágenes de los mass-media y otros productos destinados al consumo de masas. Como sus formas y temas son fáciles y divertidos, como su contenido más superfi¬cial puede ser captado sin dificultad, el Pop fue apreciado y aplaudido por un público amplio. De hecho, fue reconocido antes por el gran público y revistas de gran tirada como Life que por los museos de arte contemporá¬neo y por los críticos. El Pop Art, al inspirarse en las imágenes de la publi¬cidad y al ser ovacionado por un público de masas, en¬cantado de reconocer objetos corrientes en los cuadros y de ahorrarse el esfuerzo que representaba la interpreta¬ción de las obras del expresionismo abstracto, se vio en una situación que hacía difícil comprender su carga de ironía y de ambigüedad, que ocultaba su relación con el dadaísmo o el surrealismo. Además, en el Pop Art seguían ex¬presándose algunos aspectos característicos del expresio¬nismo abstracto, principalmente la insistencia en las cualidades táctiles de la superficie y la estrecha relación del arte de hoy con su entorno y la vida urbana. La finalidad del Pop era describir lo que hasta entonces había sido considerado in¬digno de atención e impropio del arte: la publicidad, las ilustraciones de las revistas, los muebles, los vestidos, las latas de conservas, la comida, los cómics”, etc. Se habían roto todos los tabúes: para el Pop parecían mejores las cosas cuanto más vulgares y baratas fuesen. Muchos de los artistas pop ni siquiera se preocupaban de inventar imágenes: lo único que hacían era tomarlas ¬de la realidad. De¬sarrollaron sus obras utilizando las imágenes desacredi¬tadas, tomadas de la cultura de masas. Empeñados en minar la historia del arte, estaban convencidos de que el cine y la televisión habían modificado los hábitos visuales y de que la divulgación y abundancia de las reproducciones artísticas habían convertido lo que hasta entonces eran obras maestras en lugares comunes repetidos. Pero además de emplear las imágenes de la cultura de masas, el Pop se apropió de las técnicas de la producción masiva. Rauschenberg y Johns abandonaron la idea de obra única en favor de la producción de composiciones seriadas; Warhol llevó esta idea un poco más lejos al adoptar la técnica de la serigrafía, capaz de imprimir cientos de estampas idénticas. Wesselmann utilizaba un carpintero para un acabado industrial perfecto en sus construc¬ciones. Pop no tiene nada que ver con el concepto de popular, que reconoce la creatividad del pueblo, sino más bien con la no-creatividad de la masa. Cuando se habla de arte popular, se habla de una arte como resultado de la experiencia directa del individuo en su comunidad y en su ambiente natural: el conjunto de obras realizadas por individuos fuertemente arraigados en la tradición estética de su comunidad. 2. Principales artistas pop en Nueva York Roy Lichtenstein (estadounidense, 1923-1997) desarrolló una pintura estre¬chamente vinculada al comic. Su método estriba en copiar de manera fidedigna determinadas bandas de cómics, alterando alguno de los detalles, en grandes formatos, con colores primarios sin gradaciones intermedias, potenciando los contornos. Los tonos de piel los conseguía mediante una trama de puntos, realizada vaporizando colores a través de una lámina metálica perforada. Sus temas son el amor -figuras femeninas en espera del amado- y las hazañas bélicas. También introduce textos en globos como en las viñetas del género James Rosenquist (1933) nació en Dakota del Norte y fue a Nueva York para ganarse la vida. Mientr¬as estudiaba Arte, trabajó para una empresa de publicidad como pintor de letreros. Acostumbrado a ver de cerca formas gigan¬tescas, objetos enormes y océanos de colores, se dio cuenta de que tales imágenes, vistas así, adquirían una nueva significación. Entonces comprendió las posibilidades que ofrecían las grandes dimensiones. “Mi obra -dijo¬- es una inflación visual. Vivo dentro de ella. La pintura es más apasionante que la publicidad, ¿por qué no ejecutarla con el mismo brío y la misma fuerza?”. Jasper Johns (1930- ) empezó con una serie de cuadros en los que la tela aparecía enteramente cubierta por una imagen plana y árida de la bandera americana; a partir de ese momento utilizó imágenes tales como blancos de tiro y números, íconos que se graban en la imaginación con la inmediatez de la señalización. Pintaba aplicando gruesas capas de pintura de modo que el propio cuadro se convirtiera en un objeto y no sólo en la reproducción de objetos reconocibles. David Hockney (inglés, 1937) pinta a partir de fotografías –preferentemente escenas en piscinas-, en un estilo deliberadamente ingenuo y colorista: superficies planas de pintura acrílica y gran profusión de líneas de esmerado dibujo. La figura del Pop, en la escuela de Nueva Cork, es Andy Warhol (estadounidense, 1928-1987). Comenzó su carrera haciendo publicidad para zapatos, tarjetas postales y vidrieras. Técnicamente introdujo el procedimiento de la serigrafía, la que le permitía efectuar series sobre un mismo tema con variación de los colores empleados. Basándose en el original fotográ¬fico, utilizaba la imagen de famosos y de los productos de consumo para realizar una transformación del color y de la mancha ofreciendo imágenes aparentemente idénticas. El mundo de los mitos cinematográficos, las noticias sensacionalistas, las imágenes publicitarias y los objetos más banales del entorno inmediato constituyen su iconografía. Utilizando fotogra¬fías de prensa contemporáneas, y repitiéndolas en la misma superficie múltiples veces, logró hacer impresio¬nantes las escenas a las que estamos acostumbrados, arran¬cándolas a su contexto habitual y trasladándolas al dominio del arte. Tom Wesselmann (1931) pintó bodegones y desnudos de una simplicidad agresiva, en colores planos. Lo más original de su aporte al pop art son sus assemblage (pintura y collage de objetos). En estas obras, que representaban interiores con desnudos sin rostro o sumariamente indicado, incorporaba teléfonos reales que sonaban, aparatos de radio y televisores encendidos. 3. El pop europeo Los europeos son más críticos. Wolf Vostell (alemán, 1932) acuñó el término decollage para distinguirlo del collage y designar así la técnica mediante la cual desgarra a medias carteles para dejar ver trozos de otros carteles, pe¬gados debajo de los primeros. Estas obras responden a la estética de la destrucción y con ello pretende decir que este mundo contemporáneo es tan negativo y agresivo que no permite entender el presente y menos el pasado. La misma técnica del decollage ha hecho célebres las obras del italiano Mimmo Rotella (1918-2006). 4. La escultura pop Claes Oldenburg (sueco, 1929) es el principal representante de la escultura pop. En 1961, abrió un negocio en Nueva York donde vendía reproducciones en escayola de hamburguesas, sandwiches, tortas, helados y otros tipos de comida. Más tarde construyó nuevas versiones de estos objetos, a escala gigantesca, realizados con vinilo relleno de espuma de caucho. Luego incorporó a su repertorio elementos cotidianos de todo tipo. Este acercamiento al arte, descarado, a menudo humorístico, se oponía a la sensibilidad predominante de que, por su propia naturaleza, el arte tiene que ver con ideas o expresiones profundas, trascendentes. Muchas de las esculturas gigantescas de Oldenburg fueron ridiculizadas por el público antes de ser asumidas como aportaciones originales y divertidas al paisaje urbano. Continuó utilizando materiales blandos, sobre todo el vinilo y las lonas para sus series de objetos escultóricos posteriores como accesorios de cuarto de baño y electrodomésticos. Estas obras, llamadas esculturas blandas, transforman el objeto de uso cotidiano gracias al cambio de escala y de material (vinilo, fibra de vidrio, yeso, plásticos), pero a su vez, trastoca el concepto de escultura tradicional que consistía en encerrar la forma en un material rígido. ESPERO HAYAN DISFRUTADO DE ESTE HERMOSO ARTE!!!!