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Hiperrealismo:
Introducción
El hiperrealismo es una tendencia surgida en Estados Unidos a finales de los ’60 que propone reproducir la realidad con más fidelidad y objetividad que la fotografía. La primera exposición que dio a conocer esta tendencia fue "The Photographic Images", celebrada en el Museo Guggenheim de Nueva York en 1966. Adquiere un gran desarrollo durante la década de los setenta a raíz de su difusión en la Documenta 5 de Kassel, en 1972.
El Pop Art es su precursor inmediato pues toma la iconografía de lo cotidiano, se mantiene fiel a la distancia de su enfoque y produce las mismas imágenes neutras y estáticas. Sus características son: aproximación nueva y radical al mundo real; carácter distanciado y frío; afirmación de la realidad mediante su plasmación tal como la vería una cámara fotográfica, de aquí que a esta tendencia también se la denomine fotorrealismo; empleo de la cámara y la fotografía para obtener información y como elemento modelo a partir del cual se construye el cuadro (el pintor hiperrealista no se enfrenta directamente con la realidad); utilización de perspectivas típicas de la fotografía con objetivos angulares; empleo de medios mecánicos (proyección o retícula) para transferir las imágenes fotográficas al lienzo; aplicación de la pintura en capas finas y lisas, generalmente con pistola o aerógrafo; color realista; utilización de nuevos materiales: pintura acrílica, látex y resinas sintéticas: iconografía preferentemente relacionada con la sociedad de consumo (automóviles, vidrieras de comercios, automóviles, motos, estaciones de servicios, lencería erótica, etc.); generalmente, plasmación ampliada (tamaño mayor que el natural) de detalles de objetos, personas y ambientes con gran detallismo.
En la década del sesenta, la abstracción era la tendencia dominante y el hiperrealismo estaba mal visto; se consideraba un arte que copiaba de fotografías sin ningún interés. Sin embargo, artistas como Close y Estes desarrollaron técnicas totalmente nuevas de representación de la realidad, consiguiendo resultados asombrosos.
Pintura hiperrealista
Chuck Close (1940) crea sus obras colocando una malla sobre la foto y luego, sobre el lienzo, copia celda por celda. En 1988, quedó parapléjico pero siguió pintando con un pincel entre los dientes, con la misma técnia. Desde la distancia, sus retratos, que se apartan totalmente del retrato tradicional, se acercan más al cartelístico y sugestivo principio cinematográfico del primer plano en superpantalla, hacia la no-distancia de la técnica de la instantáneas y hacia el gesto objetivador de las fotografías clínicas o policiales.
John Kacere (1920-1999) se ha concentrado en la temática femenina erótica.
Richard Estes, conocido por sus cuadros de vidrieras y escenas urbanas, utiliza varias diapositivas del mismo objeto, de modo que en sus cuadros se ve no sólo el escaparate sino también lo que hay dentro del comercio y lo que se refleja en la vidriera. Sus lugares públicos están desiertos, en un modo de abstraer la funcionalidad de lo representado que es típica del hiperrealismo.
La escultura hiperrealista
La escultura hiperrealista recoge temas cotidianos, con un toque de humor, y señala los aspectos más banales de la vida. Gracias a nuevos materiales como la fibra de vidrio, que permite un gran verismo, las esculturas aparecen a escala humana, y una vez colocadas en las salas de exposición se entremezclan con el público, jugando con el engaño al espectador.
Duene Hanson (1925-1996) reproduce a tamaño natural personajes sacados de las clases trabajadoras. Sus esculturas, moldeadas en varios materiales, incluyen resina de poliéster y fibra de vidrio. La mayoría de las esculturas son elaboradas directamente en moldes tridimensionales, una técnica conocida como fundición viva. La superficie del molde es cuidadosamente pintada en tonos color piel; retrata al ciudadano común, ese ser del cotidiano que podemos encontrarnos en cualquier momento, inclinándose por adultos mayores y personas de gran porte.
John de Andrea (1941) esculpe desnudos de un hiperrealismo tan acusado que parecen personas reales. Desde sus primeras obras es apreciable el interés del artista por la figura femenina, y en particular por el desnudo, en lo que, según él mismo explica, es una búsqueda de la belleza perfecta. Este es el motivo por el que sus esculturas siempre han sido relacionadas con la escultura clásica griega, con la única diferencia de que en de Andrea es más real que ideal, representando normalmente a sus figuras femeninas tal y como las ve. Por lo tanto, es un hiperrrealista con actitud clásica.
Ron Mueck (australiano, 1958) utiliza silicona y acrílico para crear sus piezas porque estos materiales permiten una alta maleabilidad. La diferencia con de Andrea y Hanson es que las esculturas de estos hiperrealistas son en tamaño real mientras que Mueck juega con escalas impresionantes.
Georges Segal (1924-2000) hace figuras de tamaño natural en escayola; con su aspecto fantasmal, provoca un enigmático contraste entre el anonimato de los individuos, completamente deshumanizados, y la vida que poseen los entornos.
Nueva Figuración:
Introducción
También contemporáneamente a los años en que se desarrolló el expresionismo abstracto, un grupo de artistas preocupados por la figuración intentó recuperarla, pero no de imágenes de los mass media, como el Pop Art, ni de fotografías, como el Hiperrealismo. El movimiento se conoce como Nueva figuración o Neofiguración. Las fuertes distorsiones de las figuras y la indeterminación del espacio conectan nuevas preocupaciones figurativas con el realismo descarnado del expresionismo, por un lado, y con las técnicas del informalismo -chorreado, gestualidad, textura-, por el otro.
Los neofigurativos quieren dar una nueva imagen del hombre, rechazando el esteticismo de la pintura; optan por la transgresión, la libertad absoluta, el estallido de formas y colores, el empleo del gesto libre, el uso de la mancha y otros recursos del informalismo (textura, materialidad, chorreado, ejecución rápida), junto a un expresionismo crispado y un tratamiento de la imagen de alto contenido comunicativo. Configuran sus obras desde el concepto de caos: consideran que la planificación es fútil, crean numerosas anamorfosis y acentúan la crudeza de las imágenes. Intensifican el dinamismo que distorsiona a las figuras, elaboran contextos dramáticos y generan seres monstruosos.
Principales representantes de la Nueva Figuración
Jean Dubuffet (1901–1985) construye la figura humana como los informalistas matéricos, es decir, textura los lienzos con arena, alquitrán o paja.
Antonio Saura (español, 1930-1998), fundador del movimiento El Paso, opositor al régimen franquista, se caracteriza por una pintura áspera y directa, basada en el empleo de acromáticos. Sus elecciones temáticas -retratos, desnudos, multitudes y crucifixiones- eliminan todo lo que puede resultar extraño a la idea fundamental. En los últimos años, comenzó a incorporar cromáticos.
Willem de Kooning (estadounidense, 1904-1997) pinta mujeres con pincelada violenta, color agresivo y una gestualidad contundente.
Francis Bacon (irlandés, 1909-1992) expresa, en sus pinturas, una desolada desesperación: un hombre alienado, plagado de vicios y heridas es el protagonista de un mundo sin esperanza, dominado por la brutalidad y la violencia.
CoBrA (Copenhague, Bruselas, Amsterdam) es el nombre del grupo formado en 1948 en París por artistas de Dinamarca, Bélgica y Holanda. Al igual que en el expresionismo abstracto, buscaba una figuración espontánea, sin racionalización.
El arte del grupo CoBrA posee unos rasgos comunes, en tanto que se trata de un tipo de manifestación de carácter espontáneo que reivindica la intuición por encima de todo. Es un arte figurativo, muy esquemático, casi naif, en el que uno de los aspectos más interesantes lo constituye el empleo de una gama cromática exaltada al máximo en la que los colores aparecen vivos y brillantes. Los contrastes son asimismo muy violentos en la mayoría de las ocasiones. Por otra parte, estos colores quedan acentuados gracias al empleo de una técnica en la que los empastes se disponen en grandes planos. Las manchas abstractas y los elementos filiformes que a veces cruzan las superficies de las telas, para separar o unir los distintos personajes y los objetos, recuerdan la iconografía de Miró y remiten a la espontaneidad de sus trazos.
El grupo CoBrA se disolvió en 1951.
Karel Appel (holandés, 1921-2006) fue el artista más destacado del grupo. Su obra, una auténtica explosión de vitalidad, combina informalismo y figuración con una pintura de trazos empastados y gran violencia tanto en los gestos como en los colores. La temática es siempre descarnada e inocente, al mismo tiempo. Appel pintaba figuras simples (lo animal y lo humano apenas diferenciado) con marcados perfiles negros, influido por el dibujo infantil y el arte de los enfermos mentales.
Bibliografía
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Restany, Pierre (1984) Tendencias actuales. En "La Pintura Moderna". Volumen 3. Barcelona: Carroggio.
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