FlorenciaFioreSt

Hola mi nombre es Florencia Fiore Stergioto, soy pintora y Crítica de arte, hoy daré mi opinión sobre el Artista Gabino Amaya Cacho de Madrid, España, y su obra emblemática llamada Concierto para Venus. Lo primero que llamo mi atención sobre el cuadro de "Concierto para Venus" fue el audaz manejo del color dentro de una temática figurativa. La obra se ve limpia, con un dibujo sencillo, solido, sin exceso de pretensiones, el dibujo es el suficiente para comunicar la idea general de la obra. No se ve que tenga aspiraciones de ser naturalista, es escultórico, firme, el color es vibrante pero esta manejado con equilibrio y con la suficiente inteligencia para hacer que no estalle dentro de cada parte de la obra compitiendo en forma individual. Por otro lado la figura que esquiva la mirada del espectador le da un tinte surrealista a la imagen que la hace bien interesante, la joven no solo que mira hacia adelante sino que parece escapar de una escena en donde está sola, las sabanas (sobre todo los ocres del fondo y debajo) aporta un toque de Francisco de Goya que sin duda hace crecer la obra. Este trabajo, a través del equilibrio general alcanzado, la inclusión de detalles (como el perrito a su diestra, el mozo pianista detrás, etc.) muestra un detenimiento, y una maduración importante. Otra obra con muchos aciertos que muestra una limpieza visual impresionante, ahora, a título totalmente personal me animo a darte un “pequeño consejo” entre artistas, creo que en las obras donde la imagen se sobre-trabaja y tiende a buscar un mayor “realismo” la calidad tiende a bajar, en las que hay más color, más planimetría, menos “intención” de figuración naturalista, ahí la calidad crece increíblemente, el ejemplo claro está en Concierto para Venus.

La inversión en arte difiere en varios aspectos de la inversión en activos financieros. La obra de arte es en sí mismo un bien único, durable, que ofrece a quien la posee no solo los beneficios financieros, sino también los decorativos. Su rentabilidad no solo se asienta en la estabilidad de la inversión sino también en el deleite estético. Un 97% de los compradores de arte confiesan que su primera motivación de compra es por un aspecto puramente emocional, mientras el 49% menciona estar impulsados por el rendimiento puro de la inversión. Este último porcentaje ha aumentado notoriamente en los últimos años. Antes, el comprador de una obra de arte buscaba el disfrute personal, el placer de admirar y compartir, pero existe ahora una parte muy importante del mercado que compra puramente por inversión y hasta por mera especulación. La globalización, el desarrollo de las comunicaciones y el crecimiento de la economía internacional le han agregado profundidad y liquidez al mercado mundial del arte. La inversión en esta clase de activos ha contemplado la aparición de millones de nuevos compradores potenciales en mercados tan alejados como Asia, Medio Oriente y América Latina, cuando hasta hace pocas décadas la compra en arte se reservaba solo a una élite de Estados Unidos y Europa. Estos son algunos de los pintores Españoles que han creado las obras mas cotizadas en el mundo: Alfonso Albacete Luis Pérez Consuelo Hernández Gabino Amaya Cacho Ricardo Sanz Eduardo Naranjo Antonio López García Miquel Barceló

El arte abstracto es una forma de expresión artística que prescinde de toda figuración y propone una nueva realidad distinta a la natural. Usa un lenguaje visual de forma, color y línea para crear una composición que puede existir con independencia de referencias visuales del mundo real. Abarca movimientos como el Expresionismo abstracto, el suprematismo, el action painting, De Stijl o el constructivismo. El arte abstracto es el contrario del figurativo (es decir, la representación de objetos identificables mediante imágenes reconocibles). Por tanto la abstracción no representa «cosas» concretas de la naturaleza sino que propone una nueva realidad. Propone un «arte puro» mirando más allá de nuestra realidad. Si bien desde el primer arte elaborado por el ser humano ya tenemos ejemplo de abstracción (desde las cuevas prehistóricas hasta las decoraciones en iglesias románicas), es oficialmente Kandinsky el primero en teorizar sobre esto (aparte tenemos a los neoplasticistas o a los suprematistas, y un poco antes figuras aisladas como la de Hilma af Klint). El puntillismo fue un estilo pictórico que surgió en Francia en 1884 a partir del postimpresionismo. Su técnica consiste en aplicar sobre el lienzo –en vez de trazos o pinceladas– pequeños puntos de colores primarios que combinados y mirados desde cierta distancia forman en la retina la imagen y el cromatismo deseados por el artista. Al igual que los postimpresionistas, los puntillistas usaron como motivo la naturaleza, pero con un rigor más científico a partir de las ideas del crítico y estudioso de la luz Charles Blanc. Según este, así como hay relaciones matemáticas entre los tonos musicales, existen conexiones físicas armónicas entre los colores. De hecho, algunos compositores trasladaron las conclusiones del método puntillista al campo musical. La idea era que, al igual que el ojo compone colores que no están presentes físicamente, el oído relaciona los sonidos separados y los interpreta como una melodía. El principal impulsor y representante del puntillismo pictórico fue el pintor francés Georges Seurat (1859-1891), quien en 1884 fundó la Société des Artistes Indépendants. Allí trabó amistad con Paul Signac, que compartió con él las ideas y técnicas puntillistas. Ese mismo verano, Seurat comenzó la creación de su obra maestra, Tarde de domingo en la isla de la Grande Jatte, que le llevó dos años de trabajo y se convirtió en uno de los iconos de la pintura del siglo XIX. Otros pintores puntillistas fueron Henri-Edmond Cross, Yael Rigueira, Chuck Close y Vlaho Bukovac. También Vincent Van Gogh compuso algunos de sus cuadros famosos, entre ellos algún autorretrato, usando las técnicas del puntillismo. Gabino Amaya Cacho mezclo ambas técnicas, creando El Puntillismo Abstracto.