Dark-Overlord

Info sobre dos clásicos de la dupla Robert De Niro & Martin Scorsese El post no posee enlaces de ningún tipo cualquier información técnica que pueda poseer cumple una función meramente referencial y complementaria Cargando Raging Bull | 1980 Director: Martin Scorsese Intérpretes: Robert De Niro, Joe Pesci, Cathy Moriarty, Frank Vincent. Años 40, ciudad de Nueva York. Jake La Motta (Robert de Niro), un hombre de complicada personalidad, es un boxeador con ansias de convertirse en campeón de mundo de los pesos medios ayudado por su hermano Joey (Joe Pesci). A pesar de lograr su objetivo, La Motta, inmerso en una espiral de paranoias y complejos psicológicos, verá como su vida pasará del triunfo al ostracismo arrastrando consigo a la gente que lo rodea. Junto con otras excelentes películas como “El ídolo de barro”, “Cuerpo y alma” o “Más dura será la caída”, “Toro salvaje” se erige como uno de los mejores títulos cinematográficos jamás filmado sobre el mundo del boxeo y como una de las cimas del cine de los años 80. Recién salido de filmar con el grupo canadiense The Band el fenomenal musical “El último vals”, Martin Scorsese compone este biopic sobre la figura de Jake LaMotta, ofreciendo un agudo y áspero retrato sobre el ascenso y caída de un púgil, no sólo en el ring sino en su esfera vital, determinado por su acerba y desapacible naturaleza. La ceñuda personalidad de LaMotta está enfatizada por el desabrido trazo de una excelente fotografía en blanco y negro firmada por Michael Chapman. Este es el tipo de películas en la cual todos sus factores resultan perfectos, el guión de Paul Schrader y Mardik Matin y el trabajo narrativo de Scorsese (con un perfecto sentido en la utilización del slow motion) resultan contundentes y veraces en la descripción de las situaciones y en el estudio psicológico del personaje representado. Las actuaciones son inmejorables, con un Robert De Niro realmente excepcional (probablemente junto a Taxi Driver su mejor interpretación) y el trabajo técnico del citado Chapman y de la montadora Thelma Schoonmaker (esencial en el éxito de las inmejorables escenas de combate) es un claro ejemplo de cómo tienen que proceder los profesionales del ramo para consumar con acierto su trabajo. Trailer PICS Cape Fear | 1991 Director: Martin Scorsese Intérpretes: Robert De Niro, Nick Nolte, Jessica Lange, Juliette Lewis Sam Bowden (Nick Nolte) y su mujer Leigh (Jessica Lange) son un matrimonio feliz. Tienen una hija maravillosa de 15 años llamada Danielle y acaban de trasladarse a una bonita casa en una ciudad tranquila. Sam es un abogado de prestigio mientras que su mujer se dedica al diseño gráfico. Pero sus vidas tranquilas van a verse azotadas inesperadamente por Max Cady (Robert De Niro), quien acaba de salir de la cárcel, donde ha permanecido 14 años acusado de apalear y violar a una niña. Durante su tiempo de prisión ha estudiado leyes y ha llegado a la conclusión de que la culpa de su condena la tuvo el abogado, que era Sam Bowden. Max está decidido a hacerle pagar su error y va a dedicar cada minuto de su libertad a aterrorizar a los Bowden y convertir su vida en un infierno. Como siempre, Scorsese no ahorra escenas de gran crudeza en esta película interpretada soberbiamente por los tres protagonistas. Heredera de El cabo del terror, con Robert Mitchum a la cabeza, esta nueva y oscura versión aúna igual suspense y angustia y alcanza niveles parecidos a los de su antecesora. Trailer PICS Mira mis otros aportes

Blood Simple ★ The Hudsucker Proxy ★ Burn After Reading Tres películas indispensable para todo fan del duo dinamico de directores, escritores y productores Joel & Etan Coen empezando con la opera prima de los hermanos Blood Simple El post es una compilación de información que incluye trailer, fan art, gif, capturas, citas, sinopsis y algún que otro detalle cualquier información técnica que pueda poseer el post solo cumple un propósito referencial y complementario Al poseer muchas imágenes el post puede tardar un poco en cargar Sangre fácil | 1984 | 720p | V.O.S.E | Thriller / Cine negro / Película de culto / Cine independiente USA Sabes, un amigo mio, hace tiempo se rompió la mano y se la enyesaron. Al día siguiente, se cae, protegiendo la mano herida, y se rompe la sana. Así que se la rompe también, sabes. Entonces, ahora tiene dos aletas rotas. Entonces, yo le digo: "Creighton," le digo. "Espero que tu esposa de verdad te quiera, porque por las próximas cinco semanas, ni siquiera vas a poder limpiarte el jodido culo." Esa es la prueba, no es cierto? La prueba del verdadero amor. Detective Visser Título original: Blood Simple País: Estados Unidos Director: Joel Coen Guión: Joel Coen, Ethan Coen Música: Carter Burwell Fotografía: Barry Sonnenfeld Reparto John Getz, Frances McDormand, Dan Hedaya, Samm-Art Williams, M. Emmet Walsh, Deborah Newmann Productora: Foxton Entertainment / River Road Productions Género: Thriller. Cine negro | Neo-noir. Crimen. Película de culto. Cine independiente USA Sinopsis Texas. Una joven casada y muy seductora cae en brazos de Ray, uno de los empleados de su marido. Enterado por un detective privado de la infidelidad de su mujer y obsesionado por la traición, Julián se decide a preparar el asesinato de ambos. Premios 1985: Sundance: Gran Premio del Jurado. 1985: 2 premios Independent Spirit: Director, Actor (Walsh). 3 nominaciones. Críticas "He aquí el legendario debut de los hermanos Coen. Un trabajo visual, a la par preciosista y espeso, que reinventa los códigos del cine negro en un relato con pasiones desatadas, traiciones y mentiras, personajes desesperados y un ineludible destino que los alcanzará a todos (...) En un más difícil todavía, los Coen crean una trampa emponzoñada, que se desliza incluso hacia el terror, aderezada sorprendentes insertos de humor negro. Un desbordante ejercicio de imaginación" Miguel Ángel Palomo: Diario El País Calificación IMDb: 7,7/10 Blood Simple en IMDb Calificación Rotten Tomatoes: 8,1/10 Blood Simple en Rotten Tomatoes Trailer Capturas El gran salto | 1994 | 720p | V.O.S.E | Comedia / Años 50 / Bolsa & Negocios "Es una lastima desperdiciar un Montecristo" Sidney J. Mussburger al tomar el Cigarro empezado por Waring Hudsucker antes de suicidarse Título original: The Hudsucker Proxy País: Estados Unidos Director: Joel Coen Guión: Joel Coen, Ethan Coen, Sam Raimi Música: Carter Burwell Fotografía: Roger Deakins Reparto Tim Robbins, Jennifer Jason Leigh, Paul Newman, Charles Durning, Jim True, John Mahoney, Bruce Campbell, Bill Cobbs, Harry Bugin, Steve Buscemi Productora Warner Bros / Working Title Films / PolyGram Filmed Entertainment / PolyGram Filmproduktion / Silver Pictures Género: Comedia | Comedia negra. Años 50. Bolsa & Negocios Sinopsis Cuando el director de una importante empresa se suicida, todos los accionistas se ponen de acuerdo y elaboran un plan para obtener los mayores beneficios posibles: se trata de poner al frente del consejo de dirección a alguien fácilmente manipulable. Todo parece sencillo hasta que entra en escena Amy Archer. Premios 1994: Festival de Cannes: Nominada a la Palma de Oro (mejor película) 1994: Asociación de Críticos de Los Angeles: Mejor diseño de producción Calificación IMDb: 7,3/10 The Hudsucker Proxy en IMDb Calificación Rotten Tomatoes: 6,2/10 The Hudsucker Proxy en Rotten Tomatoes Trailer Capturas Quemar después de leer | 2008 | 720p | V.O.S.E | Crimen / Comedia negra Superior CIA : Que aprendimos, Palmer? Oficial CIA: No lo se señor. Superior CIA: Yo tampoco lo se. Supongo que aprendimos que no debemos hacerlo de nuevo. Oficial CIA: Si, Señor. Superior CIA: Si tan solo supiéramos que carajo fue lo que hicimos. Oficial CIA: Si, señor, es, uh, algo difícil de descifrar. Título original: Burn After Reading País: Estados Unidos Director: Joel Coen, Ethan Coen Guión: Joel Coen, Ethan Coen (Novela: Stansfield Turner) Música: Carter Burwell Fotografía: Emmanuel Lubezki Reparto George Clooney, Frances McDormand, Brad Pitt, John Malkovich, Tilda Swinton, Richard Jenkins, Elizabeth Marvel, David Rasche, J.K. Simmons, Olek Krupa, Michael Countryman, Kevin Sussman, J.R. Horne, Hamilton Clancy, Armand Schultz, Pun Bandhu Productora: Working Title Films Género: Comedia | Crimen. Comedia negra Sinopsis Ozzie Cox (John Malkovich) es un agente de la CIA que está escribiendo sus memorias en un CD, pero su mujer (Tilda Swinton) se lo roba y va a parar a manos de los empleados de un gimnasio (Brad Pitt y Frances McDormand), que no son muy listos, pero que intentan chantajear a Cox. La CIA, naturalmente, interviene en el asunto, que se complica cuando el empleado del gimnasio (Pitt) se encuentra con el amante (George Clooney) de la mujer de Cox. Basada en la novela "Burn Before Reading: Presidents, CIA Directors, and Secret Intelligence" del ex jefe de la CIA Stansfield Turner. Premios 2008: 2 nominaciones al Globo de Oro: Mejor comedia, Mejor actriz (McDormand) 2008: 3 nominaciones a los BAFTA: Mejor Guión, actor sec. (Pitt) y actriz sec. (Swinton) 2008: Nominada a Critics' Choice Awards: Mejor comedia Críticas "Esta no es una gran película de los Coen. Tampoco una de sus desconcertantes excursiones alejadas de los profundo. Es divertida, a ratos deliciosa, a ratos algo triste (...) Puntuación: ★★★ (sobre 4)." Roger Ebert: Chicago Sun-Times "Los hermanos han creado un thriller cómico como un puzzle loco, que toma nuestra creciente estupidez nacional y la torna en una farsa sexual. El resultado es salvajemente divertido, pero también salvajemente desigual. (...) Puntuación: ★★★ (sobre 4)." external-link Peter Travers: Rolling Stone "La cinta es, sencillamente, una deliciosa y perfectamente engrasada comedia idiota. Que no para idiotas." Luis Martínez: Diario El Mundo "El argumento es enredado, divertido, muy serio y destartalado, todo al tiempo si ello es posible (...) subraya casi sin esfuerzo las notables dosis de simpleza de los llamados Servicios de Inteligencia" E. Rodríguez Marchante: Diario ABC "Original comedia con humor de todos los colores (...) Lo mejor: La gesticulación y la dicción (imprescindible versión original) de Brad Pitt, candidato al título de cómico revelación de la temporada. (...) Puntuación: ★★★ (sobre 5)." Francisco Marinero: Diario El Mundo Calificación IMDb: 7,0/10 Burn after reading en IMDb Calificación Rotten Tomatoes: 6,8/10 Burn after reading en Rotten Tomatoes Trailer Capturas Otros post que pueden ser de tu interes Como descargar de 4Shared con JDownloader ★ Miller's Crossing ★ Barton Fink ★ The Big Lebowski ★ ★ Raising Arizona ★ Fargo ★ No Country for Old Men ★ Si te gusto este post deja un comentario y una reco para difundir recuerda el tiempo que te tome dejar un comentario no sera ni la mitad del tiempo que a mi me tomo realizar el post y realmente sera apreciado y motiva a seguir aportando Visita Mis otros aportes

Los peores superheroes del cine Ahora que las peliculas de superheroes estan en su mejor momento a nivel de taquilla y popularidad, es buen momento para hacer memoria y recordar algunos superhéroes que nos ha regalado el celuloide. Pero los mas incapaces, absurdos y estupidos. Les presento la primera hornada de todo un ejército de superhombres y supermujeres -o más bien lo contrario-, que no sé si son capaces de defender la justifica o luchar contra el crimen, pero en lo de generar carcajadas nadie les gana. Y puestos a elegir, prefiero que me defiendan estos tipos a que lo haga el sosainas de Batman o el tontorrón de Superman. A lo mejor acabamos en el hospital o muertos, pero al menos nos habremos reído un rato, que eso siempre es lo más importante. 1. ABAR, “El primer Superman Negro” El primer Superman negro. Así se hace se llamar Abar, que además de súper poderoso, también es súper racista. Como la película que protagoniza, y es que, al lado de todos los personajes blancos que aparecen en el metraje, Adolf Hitler parecería Papá Noel. Este superhéroe calvorota y vestido con motivos africanos, apareció por primera y única vez en la muy recomendada blaxploitation de tercera regional “Abar” (1977), y sus habilidades se las otorga un “suero” especial, que no empieza por c ni acaba en rack. Algo así como el suero del Capitán América pero con compuestos de dudosa procedencia. Sus ilimitados poderes, que le acercan al mismísimo Dios, no conocen límite y tan pronto consigue que todas las personas de su alrededor actúen con desgana o exagerado histrionismo como transforma cualquier objeto en otro que se le antoje, usando únicamente su mirada. Así, si Dios convertía el agua en vino, él es más chulo y convierte el vino en leche, e incluso, atención, puede transformar a un adolescente vago y maleante en un exitoso universitario, en apenas 3 segundos. Ni la Logse, oigan. Abar, la solución al problema de la educación. Abar, a punto de convertirte de internauta gordo a atleta de las Olimpiadas. Ponte a cubierto. 2. ALMIGHTY THOR, “El Thor zarrapastroso” ¿La peor película de la productora Asylum? ¿Es eso posible? Viendo únicamente el cartel y el título, uno se lo podría creer, sino fuera porque esa misma frase se repite cada vez que esta distribuidora de cine lanza su exploitation de turno, en este caso, una copia de, evidentemente, Spiderman. Exploitation, por cierto, un término que a Asylum se le queda francamente enano. Vestido como un zarrapastroso y con motivos tan nórdicos como una armadura ¿romana?, Almighty Thor (2011), más que el dios del trueno, parece el dios del calambre. Este hijo ilegítimo de Odín no dudará en cambiar su martillo de corchopán por una, que duda cabe, más efectiva Uzi, para salvar a la humanidad de la locura de su hermano Loki (interpretado por Richard “se me acumulan las facturas” Grieco) y de unos peligrosos lagartos CGI. “El martillo de mierda de corchopán os lo metéis por el culo!” 3. BIONIC BOY, “El repelente niño biónico de Singapur” Tras la muerte de sus padres en un accidente que le dejó hecho papilla, Sonny Li, el niño de cara plana y pelo grasiento más repelente de Singapur, es reconstruido con implantes biónicos y se convierte en el Chico Biónico (1977), cuya súper velocidad le permite correr a cámara lenta con mayor rapidez que cualquier otro ser humano del mundo. Interpretado por Johnson Yap, el niño también es cinturón negro de kárate y cuenta con otros poderes como la visión periscópica (que no telescópica, ¡ojo!), o el “pasarse por el culo una trampa imposible de sortear porque lo pone en el guión”, habilidades que le serán muy útiles para acabar con los malosos, liderados por la versión maligna de Tino Casal. 4. BLACK SCORPION, “La heroína de cuero de Roger Corman” De nuevo, la muerte de los padres vuelve a ser el detonante para que alguien salga a la calle a luchar contra el crimen vestido como un mamarracho. O más bien como una dominatrix, como es el caso de la playmate Joan Severance en “Black Scorpion” (1995), producción televisiva de Roger Corman, donde la actriz interpreta a una batman femenina de cuero, en una cinta de pocas pretensiones donde se repiten uno detrás de otro todos los tópicos de las pelis de superhéroes. Ideal para una tarde de verano en Antena 3 -sino fuera por sus raciones gratuitas de tetamen-, “Black Scorpion” cuenta la historia de Darcy Walker, una mujer policía que domina las artes marciales y que por las noches se lanza a las calles de la guisa que veis en el cartel. Y no, no lo hace para sacarse un sobresueldo, sino para luchar contra un Darth Vader salido de los Power Rangers y que pretende contaminar el aire, en una desvergonzada cinta que se toma poco en serio a sí misma y que no duda en copiar la escena final de El Retorno del Jedi. “Black Scorpion”, lejos de ser un hecho aislado, tuvo varias secuelas, a cada cual más cutre e infumable, según cuentan e incluso dio lugar a una teleserie que, cómo no, se considera de culto en Estados Unidos. 5. Blankman, “El irritante superman casero” He mentido. Dije que los superhéroes de este artículo hacían reir, pero retiro lo dicho. Y es que, aunque “Blankman” (1994), el segundo superhéroe negro de la lista, pretende que te descojones, sus gritos de loca cada vez que recibe una hostia y su humor de parbulario consiguen todo lo contrario. Capaz de irritar incluso al Risitas -ese sería su gran super poder-, Blankman hará todo lo posible por matarte de vergüenza. Damon Wayns interpreta a este Superman casero en una parodia adelantada a su tiempo, cuyo protagonista, un nerd vestido con un traje antibalas y la bata de su madre como capa, protegerá su barrio de los traficantes de droga con todo tipo de armas caseras, que van desde una pistola desatascadora a unos patines con cohetes. En su cruzada le acompaña su hermano, un negro aún menos gracioso (David Alan Grier), y un robot de mierda llamado J-5 y que pretende ser el puntazo cómico del filme. Que la nostalgia no os engañe; esto es un zurullo, y aquí os pongo la escena de la erección para recordároslo. 6. Blubberella, “Alguien se ha comido a Bloodrayne” En esta lista no sólo contamos con el primer Superman negro de la historia del cine, sino también con la primera heroína gorda del celuloide -así es como nos vende Uwe Boll a ”Blubberella”-, cuyo súper poder es ese, estar inmensamente gorda, lo que le genera un apetito insaciable y le permite tirarse unos cuescos que dejan en ridículo a los escapes de Fukushima. Protagonizada por Lindsay Hollister (la esposa gorda de “Postal”), las aventuras de esta ballena son un cúmulo de chistes que inducen al coma y que suponen el regreso del director alemán a sus orígenes cinematográficos, es decir, a la mierda más hedionda. Este engendro, que parece rodado sólo para ofender y tocar los cojones en plan troleo -si realmente le hace gracia a Boll, no es descartable lo de la hostia en la cabeza cuando era niño-, es una parodia de un filme que ya es una parodía en sí mismo, “Bloodrayne”, aunque en realidad se trata de una excusa de Herr Direktor para reutilizar los decorados, el vestuario y los actores de “Bloodrayne 3″, y así sacarse de la manga dos películas por el precio de una, con más jeta que el pedrusco ese de “Prometheus”. Y no me lo invento, ya que “Bloodrayne 3″ y “Blubberella” fueron rodadas a la vez. Poster de Bloodrayne 3 tambien dirigida por Uwe Boll 7. Cross, “de Beverly Hills a sensación de suicidarse dolorosamente” Una antigua cruz celta le da la habilidad de lanzar rayos verdes a Brian Austin Green -David de “Beverly Hills 90210”- en esta paupérrima cinta de acción llamada Cross (2011), rodada en vídeo digital con dos pesetas (sí, pesetas, de las antiguas) y donde se arrastran y rebozan por el suelo diversos actores de cierta fama (que no prestigio). No se entiende cómo todos estos intérpretes han acabado participando en esta cosa con estética de peli porno. Parecería que se van a sacar la minga de un momento a otro si no fuera porque son Vinnie Jones, Michael Clarke Duncan o Danny Trejo. Resulta difícil de creer que alguien cobrara por actuar en esta filme con un acabado amateur muy profesional. Comprobadlo en el siguiente vídeo. 8. Capitán Zoom, “Tim Allen en mallas” Sólo por estar interpretado por Tim Allen, este superhéroe ya merece estar en la lista. Y si la película que protagoniza está considerada por la crítica mundial como una de los peores de los últimos diez años (revisad metacritic.com o rottentomatoes.com), entonces ya casi merece el primer puesto. Allen, cuya jeta en un cartel de cine equivale al símbolo de Biohazard en un bidón de productos químicos, interpreta a un ex superhéroe, el Capitán Zoom, que no es la versión superheroica de Valerio Lazarov, sino un un super gañán que ha perdido sus poderes; en este caso, su súper velocidad. La súper velocidad es el poder que ganarán los espectadores de esta aberración para abandonar la sala en 2 segundos o para apagar la televisión como si de una amenaza nuclear se tratara, en una cinta donde Allen tendrá que entrenar a cuatro ahostiables chavales para que se enfrenten al maloso de turno. ¿Lo de Allen se considera reinserción en la sociedad? Más bien es reincidencia. Que alguien le devuelva a la cárcel de la que nunca debió salir… 9. Charro de las calaveras, “La justicia no tiene cara” (pero sí mucho morro) De todos los justicieros salidos del cine cutremex de los años 50 y 60, el “Charro de las calaveras” (1965), con su nombre que ya induce al descojone padre, es la estrella indiscutible. Un sosias de personajes como el Zorro o el Látigo Negro, que, con un trapo en la cara, y, cómo no, tras la muerte de sus padres a manos de malhechores, lucha contra el mal, que se manifiesta en forma de monstruos; unos monstruos que quedan en ridículo al lado de los marionetas del tren del terror de la feria de tu pueblo. “El charro de las calaveras”, posiblemente la más descacharrante obra maestra que ha parido el cine cutre mexicano, se trata en realidad de un fallido serial de tres episodios arrejuntados y sin transición alguna, con peleas subjetivas y rodada constantemente a pleno sol, aunque los enemigos sean vampiros que no soportan la luz del día u hombres lobo (o lobos humanos, mejor dicho) que se transforman en bestia con la luna llena. Algún día hablaremos de este filme en profundidad en esta web. 10. El Condenado, “El Cuervo de los Andes” Y hasta Los Andes nos vamos para encontrar al Condenado, protagonista de “Condenado en la pequeña Roma”, una versión peruana de El Cuervo, con más ponchos que un videoclip de Wendy Sulca y donde no se aprecia atisbo alguno de civilización. Todo lo que vemos son granjas, chamizos, chabolas y praderas, en una cinta en la que cuesta entender de dónde puñeta sacaron una cámara para filmarla, ya que ahí no deben tener ni televisión. Vestido con una gabardina mugrienta (o casaca, como dicen en la cinta) y armado con unas uñas postizas y una inmensa peluca, el Condenado, a ritmo de flauta, mete hostias que literalmente te dejan en pelotas, en su imparable venganza contra el malvado Leopoldo y aquellos que le mataron. Y es que el Condenado es un espectro que masacrará sin piedad ni clemencia (ni dignidad) a sus enemigos, en una sucesión de muertes a cada cual más sobreactuada y ridícula. 11. Copperhead, “desde Turquía y con pañuelo al cuello” “Copperhead” es el nombre del enmascarado más estiloso de la cinematografía turca, un justiciero con pañuelo al cuello (oish) y una estética que le acerca al Santo mexicano, que hará todo lo posible por detener al malvado Dr Satán, un turco intentando hacerse pasar por chino, en la cinta otomana “Deathless devil” (1973). Con música robada de James Bond, una provisión ilimitada de pins con forma de cobra (y es que Copperhead siempre deja uno allá donde actúa; son coleccionables), y sin entrenamiento alguno (sus habilidades le son innatas), nuestro héroe, ayudado (o más bien incordiado) por un cabreante compañero disfrazado de Sherlock Holmes, hará frente a los distintos peligros generados por su archienemigo bigotón, que tiene su base secreta situada en lo que literalmente parece una barraca de feria, en la que se esconde un robot de hojalata que mata dando abracitos. 12. Dev Adam, “el trío mierda seca” ¿Qué tienen en común el Capitán América, El Santo y Spiderman? Pues que, además de ser superhéroes, los tres protagonizaron la célebre (y no por buena) producción turca “3 Dev Adam”, cuyo cartel recuerda inevitablemente a esos carteles callejeros del Gran Circo Mundial, donde te meten personajes sin ton ni son, a ver si algún niño muerde el anzuelo. A quienes hay que destacar de este trío es al Capitán América (que ahora defiende Turquía) y al Santo, ya que el tercer héroe en cuestión es en realidad el villano de la función, un Spiderman psicópata que dispara, pero no precisamente telarañas, sino balas por una pistola, en una atropellada cinta donde todo discurre sin coherencia alguna, en la mejor tradición del cine pop turco. A los que tengan el valor suficiente para verla completa aqui la tienen subtitulada, eso si advierto que la calidad es malisima 13. Doctor Mordrid, “El falso Doctor Extraño” Un hechicero con poderes sobrenaturales ejerce como guardián entre nuestro mundo y otras dimensiones. ¿Os suena? Pues habéis acertado de pleno, ya que “Doctor Mordrid” (1992), protagonizada por Jeffrey Combs, es una versión apócrifa de las aventuras del Doctor Extraño de la factoría Marvel, acometida por el normalmente infame Charles Band y su productora Full Moon. Realmente, “Doctor Mordrid”, quizá la película más decente de las aquí comentadas (pero no por ello precisamente buena), iba a ser una adaptación oficial del famoso cómic, pero cuando ya tenían todo listo para hacer el filme, se perdieron los derechos del superhéroe y algunos detalles tuvieron que ser cambiados, para que la cosa no llegara a los tribunales. Lanzada directamente a vídeo también cuenta en su reparto con Brian Thompson (el malo de “Cobra” y Shao Khan en Mortal Kombat Aniquilación), que ejerce de villano, en una cinta de apenas hora y diez y cuyo clímax lo constituye una batalla por stopmotion entre esqueletos de dinosaurio de un museo de ciencias naturales. 14. Forest Warrior, “El Chuck Norris que se transforma en oso” ¿Hay algo más temible que Chuck Norris? Sí, Chuck Norris convertido en oso y, por si fuera poco, protagonizando una baratísima producción de carácter infantil y con exceso de glucosa, llamada “Forest Warrior” (1996) y que nuestro redactor Seagal ya comentó por estos lares, en una crítica que recuperaremos lo antes posible. Capaz de convertirse en águila también, Chuck da vida a un ermitaño de sangre cherokee, en una cinta de efectos especiales vergonzosos que parecen los animalitys de la ya citada Mortal Kombat Aniquilación. 15-Golden Bat, “El Batman coreano de animación” Y cierra esta entrega de superhéroes cutres uno de los justicieros de saldo por excelencia, Golden Bat (1979), el batman coreano, protagonista de, me atrevo a decir, y sin despeinarme, la peor película de animación de la historia de Corea del Sur, y mira que allí se ha hecho mierda. Lo que podría convertir a esta obra en la peor cinta de dibujos animados del universo. Obsesionado con los culos, Golden Bat, que cada vez que aparece se carcajea, no dudará en patear todos los traseros que se le crucen y girar su cuello en posiciones que harían temblar de miedo a la niña de El Exorcista, en una delirante cinta, animada durante un terremoto de escala de 10.5 y donde el héroe protagonista sólo sale unos 10 minutos, por lo que en su lugar tendremos que soportar a cuatro niños con problemas mentales. Y como regalo final, no os ponemos una escena concreta sino… la película entera

Jack Andraka: El quinceañero que revolucionó la detección temprana del cáncer En la primavera de 2011 el adolescente de 15 años Jack Andraka tuvo que sobreponerse a la pérdida de una persona muy cercana por culpa del cáncer de páncreas. Jack empezó a informarse sobre la enfermedad, y hubo un dato que le llamó la atención: el 85 % de los cánceres de páncreas se diagnostican demasiado tarde. Nanotubos de carbono para la detección del cáncer El joven decidió seguir investigando sobre la enfermedad, y descubrió que existe un biomarcador, llamado mesotelina, que aparece en el torrente sanguíneo en cantidades anormales en las primeras etapas de varios cánceres. Otro de los campos de interés de Andraka eran los nanotubos de carbono, pequeños cilindros hechos con grafeno con unas propiedades mecánicas y eléctricas realmente sorprendentes. Entonces, en clase de biología, y mientras le daban una lección sobre anticuerpos tuvo una idea. Tal vez usando anticuerpos específicos para la mesotelina atrapados en la red de nanotubos de carbono, pudiese conseguir un marcador eficiente. Si cambia la cantidad de mesotenlina atrapada en la red de nanotubos, cambiaría la conductividad eléctrica, y esto serviría como marcador, siendo necesario tan solo un ohmímetro para tomar la medida. Y después de clase... al laboratorio Andraka decidió enviar una propuesta de investigación a varios científicos hasta que Anirban Maitra, patologista en la Universidad John Hopkins, sintió interes por su propuesta, y le invitó a trabajar en su laboratorio después de clase. En ese momento comenzaron sus investigaciones, y en Enero del año 2012 obtuvo sus primeros resultados: demostró que mediantes unos sencillos test consistentes en unas tiras de papel conectadas mediante electrodos a un ohmímetro, se podían medir los niveles de mesotelina en la sangre de ratones transgénicos con tumores pancreáticos y en algunas muestras de suero humano. Los resultados preliminares han indicado que el método es 168 veces más rápido, 26,000 veces más barato, 400 veces más sensible y tiene una efectividad del 99%. "Es importante darse cuenta de que aún estamos en un estado preliminar, tenemos que hacer más pruebas en muestras de pacientes y comprobnar que en suero humano, donde los niveles de mesoterina son más bajos, también se puede detectar" afirmó Maitra. link: http://www.youtube.com/watch?feature=player_embedded&v=Nq4x8C6Dcf8 El trabajo de Andraka ha conseguido el premio Youth Award en 2012. Recientemente recibió en la Feria Internacional Intel de Ciencia e Ingeniería en Pittsburgh un premio de de 75.000 dólares en becas. Además ha dado seis charlas TED y su progreso parece imparable. Para su mentor Maitra, es un muchacho impresionante: "cualquier cosa que hace, le sale bien, espero que siga dedicándose a la biomedicina", dijo. Una historia impresionante para un muchacho de tan solo quince años, ¿no te parece? Normalmente no hago post de noticias pero esta en particular me llamo la atención sobre todo porque es la primera vez que escucho sobre este caso, pensé que era otra de esas noticias falsas que abundan en la red pero investigando y viendo las fuentes donde estaba publicada la noticia queda comprobada su autenticidad y me extraño que nunca había visto un post en Taringa dedicado siquiera mencionar a este chico y su logro, algo sobre todo llamativo en una pagina llena de post de noticias. Mientras la pagina se satura de post de noticias de Justin Bieber y Miley Cirus. Personas como estas y logros como este que realmente son significativos para la sociedad pasan completamente desapercibidos. Creo que habría que darle mas reconocimiento a quien realmente se lo merece.

¿Cómo celebró su 49 cumpleaños el intérprete de Tony Stark? Pues no con un fiestón épico, sino con dos... pero no como los que te estás imaginando. Reconozcamos algo que ya sabemos: Robert Downey Jr. es el mejor. Y no lo decimos sólo porque sea Tony Stark, porque sepa arriesgarse cuando toca o por cualquier otro de los 10 motivos que te proporcionamos en su día. Lo decimos porque, ante la tesitura de celebrar su 49 cumpleaños, el actor mejor pagado de Hollywood decidió conmemorar el evento mediante una fiesta épica. Claro que, con un pasado como el suyo, Downey no puede ni plantearse aquello que para el resto del mundo supone una cuchipanda, pero ni eso pudo detenerle: nuestro héroe organizó un pase privado de Capitán América: El soldado de invierno para 20 niños (acompañados por sus padres, eso sí) en forma de fiesta de pijamas. Puedes comprobarlo en la imagen de arriba, posteada por el propio Robert en su Facebook. Pero no pares de leer, porque todavía hay más. Hay más, decimos, porque si has visto el último estreno de Marvel recordarás la escena en la que Robert Redford le dice a Samuel L. Jackson aquello de "Quiero que Iron Man se pase por el cumple de mi sobrina". Pues bien: no sabemos si su álter ego superheróico cumpliría el trato, pero Robert Downey Jr. sí fue el invitado de honor en otra fiesta recientemente. Concretamente, en el cumpleaños de la hija de Jamie Foxx: a petición de su colega, Downey hizo los honores y estuvo firmando autógrafos como un señor. Algo a lo que Foxx correspondió posteando en Twitter un mensaje de agradecimiento acompañado de unas fotos que nos demuestran, una vez más, que este hombre mola. Y mucho.

El 'Lobo de Wall Street' arremete contra Leonardo DiCaprio "Yo le ayudé a preparar el papel y él no me ha dado nada a cambio", clama Jordan Belfort, el estafador en cuyas memorias se basó el filme de Scorsese. Es cierto que Leonardo DiCaprio se ha quedado una vez más sin Oscar, pero también es verdad que, gracias a El lobo de Wall Street, su prestigio como actor raya más alto que nunca. Una situación de bonanza que no excluye grandes (o enormes) patinazos de relaciones públicas. ¿Como cuáles? Pues como, por ejemplo, aparecer en un vídeo promocional para los cursos de Jordan Belfort. Exacto: hablamos del mismo Jordan Belfort en cuyas memorias se basó el filme de Martin Scorsese. Es decir, de un estafador convicto cuyos royalties de la película están embargados y que ahora vive de impartir seminarios motivacionales. La verdad, dado que su propia interpretación deja al personaje como un trapo ("amoral", "misógino" y "despreciable" son tres adjetivos que le pegan bastante bien) eso de definir al Belfort de hoy en día como "un ejemplo de las virtudes redentoras de la ambición y el trabajo duro" suena un poco fuera de tiesto. Pero ojo, porque DiCaprio podría haber cambiado drásticamente de actitud. Algo que a Belfort no le hace nada de gracia: según informa FilmDrunk, el auténtico 'Lobo de Wall Street' está empeñado en convertirse en actor, y ahora echa pestes de 'Leo' porque no quiere ejercer como su profesor particular de arte dramático. Según la noticia (citando a ShowBizSpy), Belfort ha afirmado en público que "pasó un montón de horas con 'Leo' ayudándole a preparar el papel, y 'Leo' no le ha dado nada a cambio". "Jordan pensaba que, si él era bueno con DiCaprio, DiCaprio sería bueno con él", prosigue el texto, lo que nos da pie a pensar dos cosas: o bien Belfort miente como un bellaco (si has visto la película creer en esta posibilidad te será fácil) o bien, efectivamente, Leonardo DiCaprio le cameló para conseguir información de primera mano antes de intervenir en el filme, para después pasar olímpicamente de él a fin de no perjudicar su imagen pública. Esta última opción tendría algo de justicia poética, dado que Jordan Bellfort ganó sus riquezas a base de abusos de confianza. En todo caso, parece que 'Leo' haría bien pensándoselo dos veces antes de cultivar ciertas amistades. Y, sobre todo, de grabar clips como el que puedes ver abajo.

Birdman y El Gran Hotel Budapest consiguieron nueve nominaciones para la ceremonia del 22 de febrero. Las favoritas Birdman y El gran hotel de Budapest obtuvieron nueve nominaciones, entre ellas la de mejor película, mejor director y mejor guión original. A diferencia de Birdman, El gran hotel de Budapest no obtuvo ninguna nominación para sus actores. Es decir la cinta llamada también La inesperada virtud de la ignorancia consiguió tres nominaciones en el rubro (mejor actor, mejor actor de reparto y mejor actriz de reparto). Acompañan a estos dos filmes en la categoría de mejor película: El francotirador, Boyhood, The imitation game, Selma, La teoría del todo y Whiplash. Asimismo, Alejandro González Iñárritu (Birdman) y Wes Anderson (El gran hotel de Budapest), competirán en la categoría de mejor director al lado de Richard Linklater (Boyhood), Bennett Miller (Foxcatcher)y Morten Tyldum (The imitation game). En la categoría de mejor actor, para muchos ha sido una sorpresa la nominación de Steve Carell, por la película Foxcatcher. Otros nominados son Bradley Cooper (El francotirador), Benedict Cumberbatch (The imitation game), Michael Keaton (Birdman) y Eddie Redmayne (La teoría del todo). Asimismo, consiguieron ser nominadas a mejor actriz: Marion Cotillard (Dos días, una noche), Felicity Jones (La teoría del todo), Julianne Moore (Siempre Alice), Rosamund Pike (Perdida) y Reese Witherspoon (Alma salvaje). MEJOR PELÍCULA - 'El francotirador' ('American Sniper) - 'Birdman o (La inesperada virtud de la ignorancia)' (9 nominaciones): El nuevo filme de Alejandro González Iñárritu, ya nominado por Babel. Aparte de sellar la resurrección de Michael Keaton, que probablemente optará al premio al mejor actor, Birdman espera superar la decepción de los Globos de Oro, donde el galardón a la mejor comedia acabó en las manos de El gran hotel Budapest. - 'Boyhood (Momentos de una vida)' (6 nominaciones): El reciente triunfo de los Globos de Oro es solo el último paso adelante del filme de Richard Linklater, aplaudido ya desde su debut en la Berlinale por su atrevido experimento. El proyecto del cineasta, que rodó durante 12 años la vida de un niño que se hace mayor, es el favorito número uno. - 'El Gran Hotel Budapest' (9 nominaciones): Se dice a menudo que a Wes Anderson o se le ama o se le odia. El estilo personalísimo del cineasta, según algunos expertos, no deja espacio para la indecisión. Hasta ahora, la Academia de Hollywood le ha nominado en tres ocasiones, aunque nunca se ha llevado un premio ni ha optado a la estatuilla por la mejor película. ¿Será hoy la primera vez? - 'The Imitation Game (Descifrando Enigma)' (8 nominaciones): Ninguneada en los Globos de Oro, la película sobre la vida de Alan Turing ha pasado de los focos a la sombra. Ahora encara la gala de los Oscar con menos certezas. Eso sí, su protagonista, Benedict Cumberbatch, sigue siendo uno de los nombres que más suena como mejor intérprete del año. - 'Selma' - 'La teoría del todo' (5 nominaciones): Otro genio, otro biopic. La película de James Marsh llega mañana a España. Con Eddie Redmayne como protagonista y reciente ganador del Globo de Oro al mejor actor, el filme narra la vida de Stephen Hawking y está basado en el libro Hacia el infinito, de su mujer, Jane Hawking. - 'Whiplash' MEJOR DIRECTOR - Alejandro González Iñárritu, 'Birdman o (la inesperada virtud de la ignorancia)' - Richard Linklater, 'Boyhood (Momentos de una vida)' - Bennett Miller, 'Foxcatcher' - Wes Anderson, 'El Gran Hotel Budapest' - Morten Tyldum, 'The Imitation Game (Descifrando Enigma)' MEJOR ACTOR - Steve Carell, 'Foxcatcher' - Bradley Cooper, 'El francotirador' - Benedict Cumberbatch, 'The Imitation Game (Descifrando Enigma)' - Michael Keaton, 'Birdman o (la inesperada virtud de la ignorancia)' - Eddie Redmayne, 'La teoría del todo' MEJOR ACTRIZ - Marion Cotillard, 'Dos días, una noche' - Felicity Jones, 'La teoría del todo' - Julianne Moore, 'Siempre Alice' - Rosamund Pike, 'Perdida' - Reese Witherspoon, 'Alma salvaje' MEJOR ACTOR DE REPARTO - Robert Duvall, 'El juez' - Ethan Hawke, 'Boyhood (Momentos de una vida)' - Edward Norton, 'Birdman o (la inesperada virtud de la ignorancia)' - Mark Ruffalo, 'Foxcatcher' - J.K. Simmons, 'Whiplash' MEJOR ACTRIZ DE REPARTO - Patricia Arquette, 'Boyhood (Momentos de una vida)' - Laura Dern, 'Alma salvaje' - Keira Knightley, 'The Imitation Game (Descifrando Enigma)' - Emma Stone, 'Birdman o (la inesperada virtud de la ignorancia)' - Meryl Streep, 'Into the Woods' MEJOR PELÍCULA ANIMADA - 'Big Hero 6' - 'Los Boxtrolls' - 'Song of the Sea' - 'El cuento de la princesa Kaguya' - 'Cómo entrenar a tu dragón 2' MEJOR GUIÓN ORIGINAL - 'Birdman o (la inesperada virtud de la ignorancia)' - 'Boyhood (Momentos de una vida)' - 'Foxcatcher' - 'El Gran Hotel Budapest' - 'Nightcrawler' MEJOR GUIÓN ADAPTADO - 'El francotirador' - 'The Imitation Game (Descifrando Enigma)' - 'Puro vicio' - 'La teoría del todo' - 'Whiplash' MEJOR PELÍCULA DE HABLA NO INGLESA - 'Ida' (Polonia) - 'Leviatán' (Rusia) - 'Tangerines' (Estonia) - 'Timbuktu' (Mauritania) - 'Relatos salvajes' (Argentina) MEJOR DISEÑO DE PRODUCCIÓN - 'El Gran Hotel Budapest' - 'The Imitation Game (Descifrando Enigma)' - 'Interstellar' - 'Into the Woods' - 'Mr. Turner' MEJOR FOTOGRAFÍA - 'Birdman o (la inesperada virtud de la ignorancia)' - 'El Gran Hotel Budapest' - 'Ida' - 'Mr. Turner' - 'Invencible (Unbroken)' MEJOR VESTUARIO - 'El Gran Hotel Budapest' - 'Puro vicio' - 'Into the Woods' - 'Maléfica' - 'Mr. Turner' MEJOR MONTAJE - 'El francotirador' - 'The Imitation Game (Descifrando Enigma)' - 'Whiplash' - 'El Gran Hotel Budapest' - 'Boyhood (Momentos de una vida)' MEJOR EFECTOS VISUALES - 'Capitán América: El soldado de invierno' - 'Interstellar' - 'Guardianes de la Galaxia' - 'X-Men: Días del futuro pasado' - 'El amanecer del planeta de los simios' MEJOR MAQUILLAJE Y PELUQUERÍA - 'Foxcatcher' - 'El Gran Hotel Budapest' - 'Guardianes de la Galaxia' MEJOR EDICIÓN DE SONIDO - 'Birdman o (la inesperada virtud de la ignorancia)' - 'El francotirador' - 'El Hobbit: La batalla de los cinco ejércitos' - 'Interstellar' - 'Invencible (Unbroken)' MEJOR MEZCLA DE SONIDO - 'El francotirador' - 'Birdman o (la inesperada virtud de la ignorancia)' - 'Interstellar' - 'Invencible (Unbroken)' - 'Whiplash' MEJOR BANDA SONORA - 'El Gran Hotel Budapest' - 'The Imitation Game (Descifrando Enigma)' - 'Interstellar' - 'Mr. Turner' - 'La teoría del todo' MEJOR CANCIÓN - "Everything is Awesome", 'La LEGO película' - "Glory", 'Selma' - "I'm Not Gonna Miss You", 'Glenn Campbell: I'll Be Me' - "Lost Stars", 'Begin Again' - "Grateful", 'Beyond the Lights' MEJOR DOCUMENTAL - 'Citizenfour' - 'Finding Vivian Maier' - 'Last Days in Vietnam' - 'La sal de la Tierra' - 'Virunga' MEJOR CORTOMETRAJE - 'Aya' - 'Boogaloo and Graham' - 'Burter Lamp' - 'Parvaneh' - 'The Phone Call' MEJOR CORTO DOCUMENTAL - 'Crisis Hotline' - 'Joanna' - 'Our Curse' - 'The Reaper' - 'White Earth' MEJOR CORTOMETRAJE ANIMADO - 'The Bigger Picture' - 'The Dam Keeper' - 'Buenas migas' - 'Me and My Moulton' - 'A Single Life' LA PREVIA Este jueves, en Los Ángeles, se conocerá la lista de los candidatos a los esperados Premios Óscar. El anuncio lo harán desde el Teatro Samuel Goldwyn de Beverly Hills y estará a cargo del actor Chris Pine, de los directores Alfonso Cuarón y J.J. Abrams y de la presidenta de la Academia de Hollywood, Cheryl Boone Isaacs. Los productores de la 87 edición de los Óscar, Craig Zadan y Neil Meron, se han arriesgado a realizar el anuncio en directo de las 24 categorías existentes. En otras ocasiones, simplemente se conocían los nombres más relevantes y el resto lo hacían vía internet o través de comunicados de prensa para los periodistas acreditados para el evento. "Cada uno de los tres años que hemos producido el show, hemos intentado modernizar elementos del proceso y de la retransmisión", explicaron Zadan y Meron. "Este año, nos honra comenzar una nueva tradición que celebra las contribuciones de todos los candidatos anunciando las 24 categorías", agregaron. SE DIVIDIRÁ LA CONFERENCIA EN DOS PARTES Cerca de las 5:30 a.m. hora local (13:30 GMT) empezará el evento, con la presentación de Abrams y Cuarón. Ambas celebridades darán a conocer las siguientes categorías: mejor película de animación, mejor documental, mejor corto documental, mejor montaje, mejor canción original, mejor diseño de producción, mejor corto de animación, mejor corto de acción real, mejor edición de sonido, mejor mezcla de sonido y mejores efectos visuales. Luego será el turno de Pine y la presidenta de la Academia. Los representantes de la Academia subirán a los escenarios e indicarán: mejor actor, mejor actriz, mejor actor de reparto, mejor actriz de reparto, mejor fotografía, mejor diseño de vestuario, mejor director, mejor película extranjera, mejor maquillaje y peluquería, mejor banda sonora original, mejor guión adaptado, mejor guión original y mejor película. Este evento reunirá a más de 400 periodistas de todo el mundo, según informa la Academia. Los nominados tendrán que esperar hasta el 22 de febrero para saber si se llevarán uno de los galardones de esta 87 edición de los premios más importantes en la industria del cine.

Un relato acerca de lo que nos define como humanos. INTRODUCCIÓN: Una experiencia personal. La sala de cine está totalmente en oscuridad. Suena un lejano sonido de percusión, y unos créditos iniciales comienzan a aparecer en pantalla, mientras una melodía electrónica, pausada, ascendente y descendente como una respiración, nos va preparando para lo que circulará ante nuestros ojos durante las siguientes dos horas. Una tremenda explosión de fuego nos sorprende, y en apenas un segundo, somos transportados a la infernal Los Ángeles del año 2019. Un turbio horizonte de altas y oscuras torres, con más explosiones por aquí, y por allá. Un vehículo aéreo Spinner pasa junto a nosotros con un sonido intenso. Al fondo, vislumbramos unas inmensas construcciones semejantes a los templos de un Dios, y de repente, el ojo del mismísimo ángel caído Roy Batty llena la pantalla mientras, tras descender de los cielos, contempla el infierno extendido ante él, como un reflejo de la fascinación del espectador ante un inicio fílmico tan sugerente y poético al son de la magistral composición de Vangelis. Viendo Blade Runner en el cine, las sensaciones se amplifican, y sentimos más miedo que nunca ante esa imagen de un futuro equivalente al fin de la humanidad. Un futuro tan distante, oscuro y pesimista, y al mismo tiempo tan cercano y tangible, en el que los seres humanos han perdido hasta la noción de su propia muerte y de un tiempo que nunca es suficiente. Vemos cómo un cínico "Bladerunner" llamado Rick Deckard (Harrison Ford) le demuestra a una replicante sin conocimiento de serlo llamada Rachel (Sean Young) que no es humana y que todos sus recuerdos y experiencias no son reales... y sentimos la mayor de las tristezas existenciales por ella. Vemos cómo un confuso Deckard colecciona recuerdos, sueña inconscientemente con la inmortalidad, y que de tan perdido no se da cuenta de que las constantes de los replicantes a quienes persigue son las constantes que también lo definen a él mismo... y sentimos empatía hacia él. Viendo Blade Runner en el cine, nos sentimos más dentro de la película que nunca, errando a través de esas sucias calles atestadas de individuos que van a lo suyo, respirando aire tóxico y enrarecido entre columnas de vapor y humo en una noche perpetua, rodeados de luminosos rótulos orientales, publicidad desmesurada, y protegiéndonos de la lluvia con nuestros paraguas luminosos. Alzamos la mirada hacia donde el cielo siempre es oscuro, y entre innumerables anuncios videográficos que nos incitan al uso del tabaco y los anticonceptivos para intentar controlar la superpoblación, una voz electrónica desde un aeroplano nos suiere huir hacia las colonias del “Off-World", el Mundo Exterior, donde hay terrenos libres, aire puro y oportunidades de vida. Pero en el fondo, sabemos que nunca podremos alcanzar ese sueño utópico y salir de este pedazo de roca industrializada y en decadencia llamada Tierra. He perdido la cuenta de las veces que habré visto esas mismas imágenes durante los últimos años, pero lo que no olvidaré es que nunca antes de contemplarlas en la pantalla grande las había sentido de tal modo. Alcanzando un especial punto máximo durante la secuencia final en el Edificio Bradbury: el enfrentamiento final entre Deckard y Roy Batty (Rutger Hauer) en el que el cazador se convierte en la presa. Una secuencia que emana de principio a fin un amplísimo catálogo de sensaciones como la locura, el miedo, la desesperación, el dolor físico, el dolor espiritual, la nostalgia... e incluso el amor. El amor de los replicantes por sus congéneres, por sus recuerdos y sus sentimientos. Y no sólo amor por la vida de cada uno... sino por todas. El fascinante Roy Batty, esclavo y ángel caído, concluye su trágico periplo personal habiendo alcanzado la mayor cota a la que puede aspirar la humanidad: la empatía. Y con ello, se prepara para aceptar su propia muerte, finalizando la secuencia con uno de los pasajes cinematográficos más evocadores que he visto en mi vida. ¿Qué esconde Blade Runner? ¿Qué oculta su aparente simplicidad argumental de corte “noir”, en la que un policía “Bladerunner” debe dar caza y “retirar” a cinco replicantes fugados y ocultos en una caótica Los Angeles del año 2019? ¿Qué la hace tan trascendental y poética? Intentemos llegar a alguna conclusión; pero antes de introducirnos en temas de tal profundidad, hagamos un repaso a la turbulenta historia de las distintas versiones por las que esta historia tuvo que atravesar. 1 RODAJE y VERSIONES Ridley Scott, que venía del infructuoso proyecto de trasladar Dune a la gran pantalla con la producción de Dino DeLaurentiis, aceptó encargarse del filosófico guión de Hampton Fancher y retocado por David Webb Peoples, basado bastante libremente en la obra de Philip K. Dick ¿Sueñan los androides con ojejas eléctricas? Se iniciaba, de esta forma, un complejo rodaje que fue un cúmulo de avatares en el que prácticamente todo se le fue viniendo encima: problemas de financiación con los desconfiados productores, malas relaciones entre los actores, choques de ego, quejas de miembros del equipo hacia Scott, la apatía de un Harrison Ford hastiado de un rodaje aburrido y de un personaje que a cada nueva revisión de guión perdía heroicidad a pasos agigantados, e incluso el creciente parkinson de un Jordan Cronenweth (director de fotografía) cada vez más enfermo. Una vez completado el complejo trabajo, por si fuera poco, Scott se vio ante la obligación por parte de los productores de mutilar su propio film, dado que el resultado final era demasiado oscuro y pesimista para los gustos acomodados de estos, temiendo que tanta complejidad y frialdad repercutiera negativamente en taquilla. La polémica escena del sueño del unicornio, que Scott rescataría en 1992, fue la primera secuencia en ser eliminada del montaje por ser "demasiado artística" y creer que no concordaba con el tono general. En este punto, se hace necesario insistir en la originalidad de dicha escena, pues uno de los bulos más grandes generados a lo largo de internet en relación a Blade Runner afirma que se trata de una escena eliminada de un largometraje posterior de Scott, Legend (1984), y que la idea de incluirla para dar una vuelta de tuerca al personaje de Deckard le vino a la mente en 1992. Sin embargo, estas afirmaciones son totalmente erróneas. No sólo la música de Vangelis que acompaña a esa escena es original de la época y no pertenece a ningún otro momento del film; también existen publicaciones de 1982 en las que el mismo Scott se refiere a la existencia de dicha escena antes de ser eliminada, y al propio mensaje que sugiere: que Deckard es un replicante, como analizaremos más adelante. De esta manera, las decisiones de los productores lograron acabar no sólo con la consistencia del film en su descripción de replicantes y humanos, sino con el golpe de ironía del final. La escena del Unicornio es original y NO pertenece a la película Legend. Otro de los grandes cambios a los que fue sometido el primer montaje consistió en la inserción de numerosos monólogos de voz en off del protagonista con la excusa de querer aportar al film un tono más "noir". Unos monólogos incómodos y redundantes cuyo único propósito era explicar lo que ya se sugería a través de las imágenes y que no hace falta explicar, haciendo de esta forma un film menos críptico y complicado, tal vez por causa de ese temor tan fuertemente arraigado en Hollywood a que los espectadores se vean obligados a pensar y deducir por ellos mismos. Por si fuera poco, un último cambio fue la inclusión de un lamentable final feliz en la peor tradición del cine comercial, mostrándonos a los dos protagonistas juntos y felices con el objetivo de que los espectadores salieran del cine con una sonrisa en sus rostros. Para tal, se hizo uso de una explicación metida con el más grande de los calzadores (“Tyrell me dijo que Rachel era especial...”) y de escenas aéreas que eran meros descartes del inicio de El Resplandor de Kubrick, sin que se nos explicara de dónde sale ese impresionante paisaje verde, natural, boscoso y de aire puro, si a lo largo de todo el metraje se ha reiterado la idea de un mundo superpoblado y contaminado en su totalidad. Estrenada en 1982, esta fue la versión que todos pudieron ver en cines, en televisiones y en su distribución en vídeo. Curiosamente, se trata de una versión que, hoy en día, bastante gente continúa considerando como la única y verdadera de Blade Runner aún a sabiendas de que fue el resultado de una mutilación ejecutada por los productores por motivos estrictamente comerciales; opinión supongo que debida, al menos en la mayoría de los casos, a conceptos subjetivos como la nostalgia o la costumbre. El total fracaso de taquilla y de crítica del film en el momento de su estreno es de todos bien conocido. Pero con el paso de los años, comenzó a alzarse entre un número cada vez más amplio de entornos y personas que descubrían que se trataba de una película más profunda de lo aparente. 1992 fue el año en que para celebrar el décimo aniversario de Blade Runner y editarla por primera vez en DVD, Ridley Scott se propuso a realizar las oportunas modificaciones para enseñar al mundo aquella que debería haber sido su propia visión del film, pudiendo por fin eliminar los elementos impuestos. Esto se debió a la fortuita aparición en los archivos de la Warner de una copia en mal estado de la secuencia inédita del unicornio, que al ser añadida acabó por desatar la polémica. El montaje fue conocido como Blade Runner: The Director’s Cut (el Montaje del Director). Pero a Scott no le fue concedido el tiempo suficiente para realizar todo cuanto tenía planeado, ni siquiera para restaurar debidamente la secuencia reaparecida, dando como resultado un “Montaje del Director” que en realidad lo era a medias, y que aunque otros pusieran las palabras en su boca, él jamás reconoció como tal. Toda esta larga historia de batallas concluyó el pasado 2007 en el 25 aniversario de la película, una vez los derechos del film se vieron libres de las manos de Jerry Perenchio y los demás productores. Así, Blade Runner: The Final Cut (el Montaje Final) es la versión supuestamente definitiva de esta obra maestra, gozando de una impecable limpieza de sonido e imagen (aún a costa de perder el ya familiar tono azulado de la fotografía por un tono más verdoso, que aporta al film un aspecto tal vez menos "bonito”, pero más opresivo y “tóxico”), y en la que se han ocultado digitalmente elementos como los cables de los Spinners aéreos, y especialmente solucionado los numerosos errores de continuidad del metraje: el rostro de Zhora (Joanna Cassidy) en la escena de su muerte, la boca de Harrison Ford durante su breve diálogo con el vendedor de serpientes, el primer plano de Roy en la cabina telefónica, etc. Una versión que probablemente salga a la luz en el dichoso formato 3D en un futuro próximo, pero sin ninguna modificación más allá del traspaso a este sistema. 2 CINEMÁTICA Al hablar de Blade Runner, es imposible no referirse a la pulcritud que manifiesta en todos sus apartados técnicos. La atmósfera del film se ha convertido en una de las más conseguidas e influyentes del cine moderno; una perfecta envoltura conseguida gracias a la unión de la fotografía del gran Jordan Cronenweth, con esas gamas cromáticas de la ciudad y ese magistral uso de los claroscuros con los haces de luz; el diseño artístico del film, fantástico a la vez que verosímil (algo muy complicado de conseguir cuando hablamos de ciencia-ficción) gracias a la irrepetible unión de la imaginación del diseñador “futurista” Syd Mead, la del propio Ridley Scott y muchos más; la música de Vangelis, quien cohesiona todos estos elementos gracias a una partitura orgánica rica en infinitas variedades de sonidos, estilos, texturas y sensaciones; y por supuesto la planificación y dirección del cineasta británico, muy alejado de sus tristes toques "videocliperos" de la actualidad. Ese perfecto equilibrio, logrado entre la extrema preocupación de Scott por todos los aspectos estéticos de la imagen y los recursos más aparentemente simples de un tipo de cine más impresionista y contenido, hace que se trate de una de las pocas películas de dicho director (al lado de Los Duelistas y de esa otra obra maestra titulada Alien) que no se ponen en entredicho por quienes vemos con escepticismo el resto de su filmografía hasta nuestros días. Toda esta pureza artesanal sirvió, por otro lado, para redondear el ya de por sí buen trabajo de guión de Fancher y Peoples, excelente tanto en los grandes -y reales- conocimientos científicos en materia de genética que maneja, como por la magnitud de su mensaje y la poesía de su final. 3 FILOSOFÍA y SIMBOLOGÍA Otra de las grandes cualidades de Blade Runner, si no la que más, es suponer una disertación acerca de cuestiones filosóficas de primer grado, implícitas en nosotros, y que nos llevan atormentando desde que la humanidad adquirió el uso de la razón; así como por hacer que el espectador se sumerja tras su visionado en un tormentoso mar de preguntas sin respuesta acerca de la existencia (“¿de dónde venimos?”), nuestra propia identidad (“¿qué somos?”), y el final al que nos conducen nuestros caminos (“¿a dónde vamos?”, “¿cuánto voy a durar?”), algo que pocas películas como 2001 Una Odisea Del Espacio de Kubrick (manteniéndome dentro del género) consiguen transmitir. Asimismo, Blade Runner es un film que juega mucho con el simbolismo. El grandísimo número de detalles, imágenes o elementos metafóricos y alegóricos que contiene, o que en su defecto creemos ver, refuerzan de alguna forma las cuestiones explicadas en el anterior punto y, al mismo tiempo, aportan a la película otro tipo de mensajes, como el religioso (las continuas referencias al Paraíso Perdido de Milton y el mito del ángel caído, el infierno representado en la ciudad de Los Ángeles, el énfasis de la película en los ojos y en el concepto de la inmortalidad, el intenso teocentrismo que rodea a la figura de Eldon Tyrell (Joe Turkell), el replicante Roy Batty presentándose ante su creador en busca de las Grandes Respuestas y su posterior descenso metafórico a los infiernos en el elevador, la paloma blanca ascendiendo tras su muerte, etc.), el mitológico (el tantas veces tocado discurso de la creación contra su creador… o en esencia el del Hombre contra Dios) e incluso el mensaje “Nietzschiano” (la muerte de Dios -Roy Batty matando a Tyrell- y la posterior consecución del "Superhombre" -las muestras de su poderío físico y su plena conciencia empática final-). 4 PROFECÍA Como tercer cualidad, podríamos destacar su minuciosa visión sociopolítica y, como se suele decir, lo bien que veinticinco años atrás supieron anticiparse a problemas de triste actualidad. Pongamos como ejemplos la globalización, el hermetismo individual, la contaminación ambiental, la extinción progresiva de especies animales, la búsqueda cada vez más necesaria de lugares mejores que el mundo que nos rodea (las colonias del "Off-World", las enfermedades y su cruel aprovechamiento con fines comerciales (tal es una de las posibles lecturas del caso de J.F. Sebastian y su dolencia degenerativa, posiblemente aprovechada para el control de los replicantes), la corrupción de elementos culturales como el lenguaje (ese idioma urbano, amalgama de muchos otros) o las tradiciones (esas Geishas fumando y tomando anticonceptivos), la cada vez mayor dominación de oriente sobre occidente, la inmigración (¿qué es Deckard sino un agente encargado de cazar y "retirar" -brillante eufemismo- a inmigrantes ilegales?), los peligros de jugar a ser Dios con la ciencia, el auge de los sistemas totalitarios más o menos encubiertos (la continua presencia de policías por las calles de la ciudad), y hasta el perenne uso del esclavismo (los replicantes en las colonias). Todo ello un fiel reflejo de problemas a los cuales no sólo no hemos encontrado solución, sino que cada vez están más y más presentes. 5 REALIDAD e IDENTIDAD: ¿Es Deckard un replicante? Finalmente, y no por ello menos importante, la otra gran cualidad es la confusión de identidades de los protagonistas y lo magistralmente bien utilizada que está a lo largo del metraje de cara al espectador. Una trama que, al lado de la descripción que se hace de la aséptica sociedad humana del futuro, es probablemente el más importante punto de contacto del film con la obra literaria en general de Philip K. Dick. Cuando comienza Blade Runner, creemos que los replicantes son algo semejante a cyborgs asesinos sin piedad. Sin embargo, cuando concluye, acabamos con la sensación no sólo de que así son en realidad los humanos, sino que la línea que separa ambas identidades (humana y replicante) es tan fina que tal vez ni siquiera exista, pues ambas funcionan a modo de metáfora del ser humano, diferenciando entre quienes han perdido todo rasgo de humanidad y quienes todavía son capaces de sentir como tal. Para intentar analizar este proceso de "metamorfosis" de replicantes que acaban por ser más humanos que los propios humanos, debemos meternos de lleno en la célebre y persistente polémica que atañe desde 1982 al personaje principal: ¿es Deckard un replicante, o es un humano? Y para tal, debemos regresar a la anteriormente mencionada escena del Unicornio. En el Blade Runner FAQ se destacan, a propósito de la misma, las siguientes interesantes y reveladoras declaraciones de Ridley Scott publicadas en el reportaje "The Blade Cuts", del número 51 de Noviembre de 1982 de la revista inglesa Starbust: Scott: ...has visto la versión [del guión] con el unicornio? McKenzie: No... S: Creo que la idea del unicornio es fantástica... M: La diferencia obvia es que el mismo Deckard es un replicante. S: Si. Es lógico, en particular si estás haciendo un film noir, puedes seguir en esa línea, y que el personaje central pueda, de hecho, ser lo que persigue... M: ¿Has rodado ya la escena en el claro con el unicornio? S: Totalmente. Se recortó en la película, y creo que funcionaba a la perfección. Deckard estaba sentado, tocando el piano bastante mal por estar bebido, hay un momento en que se queda traspuesto y entramos en las escenas del unicornio surgiendo del bosque. No es subliminal, pero es una escena muy corta. Volvemos a Deckard y no hay absolutamente reacción ante eso, simplemente la escena sigue. Ahí es donde reside toda la idea del personaje de Gaff con su papiroflexia -- la gallina y el pequeño hombre "empalmado", de manera que la figura del unicornio te dice que Gaff ha estado allí. Una de las interpretaciones de la película se refiere a pensamientos privados y recuerdos, así que ¿cómo sabía Gaff que ciertos pensamientos propios de Deckard eran sobre un unicornio? Es por ello que Deckard sacude su cabeza así [refiriéndose al asentimiento de Deckard tras recoger el unicornio de papel]." [...] M: ¿Te desagrada que las referencias a que Deckard sea un replicante ya no estén? S: La sugerencia sigue ahí. ¡Los franceses la pillaron en seguida! Creo que es interesante que pueda serlo. (Fuente: Blade Runner FAQ). La respuesta a la polémica pregunta sobre la identidad de Deckard es, indudablemente, sí. La versión original del film de 1982 eliminaba la escena clave de esta sugerencia, pero mucho antes de la aparición del montaje de 1992, las sospechas ya habían comenzado a extenderse entre los aficionados gracias al gran número de detalles del film que respaldan este hecho. Como tampoco es concluyente, podemos afirmar que esta versión manipulada mantiene una cierta ambigüedad, dejando la respuesta al antojo de las preferencias de cada uno. No obstante, en la versión definitiva de Blade Runner que es el Final Cut, esta idea se presenta de una forma muy clara. Para empezar, hay ciertos detalles repartidos a lo largo del metraje que funcionan a modo de indirectas dirigidas al espectador: no sólo la pregunta de Rachel sobre si alguna vez Deckard se ha aplicado el test a sí mismo, o la frase del jefe Bryant “Vamos, Deck, necesito al viejo Bladerunner”. También se nos dice que los replicantes coleccionan “preciadas fotografías”, y el piano de Deckard está totalmente cubierto de recuerdos y memorias de esa clase. Por no mencionar la escena en que, muy sutilmente, al Bladerunner le resplandecen los ojos como sucede con los demás seres artificiales mostrados en el film. En segundo lugar, existe otra serie de detalles a los que la gente no les suele prestar atención y pasan desapercibidos. Conforman la notable transformación psicológica de Deckard a lo largo del metraje, quien, por explicarlo sirviéndome de la ironía del film, se humaniza “pasando de humano a replicante”. Cuando comienza la película y no tenemos ningún motivo para pensar que Deckard puede ser un replicante, se comporta tal y como los demás humanos: es una persona fría, metódica, solitaria e incluso cruel, carente de empatía. No obstante, a medida que se desarrollan las situaciones a las que se ve enfrentado (y mientras, paralelamente, comprobamos que los replicantes son cada vez más un cúmulo de emociones y se muestran, tal y como dice el lema de la Tyrell Corporation, “más humanos que los humanos”), Deckard comienza a mostrar progresivamente sus sentimientos: el miedo, el dolor, las dudas sobre sus propios métodos... y el amor. No puede, por lo tanto, ser un humano por la sencilla razón de que estos, todos, son descritos como una sociedad de seres deshumanizados. Y si lo fuera, Deckard representaría entonces una especie de excepción heroica a la regla que, admitámoslo, conduciría el mensaje de la película hacia un callejón sin salida. Ese hipotético toque Hollywoodiano de “última esperanza” representado por un humano que todavía conservara su esencia, no casaría en absoluto en una película como Blade Runner. Deckard es un replicante porque, de este modo, todas las piezas mostradas y sugeridas a lo largo del film encajan a la perfección. Y en tercer lugar está, claro, la anteriormente referida escena del sueño del unicornio, y la conclusión final con el origami que Gaff (Edward James Olmos) deja a las puertas del apartamento. Las tres figuritas de papel que este misterioso personaje (el más “Orwelliano” del film, pues no deja de vigilar todos los movimientos de Deckard apareciendo en todos los puntos de inflexión del guión) hace en la película, son representaciones de los estados psicológicos de Deckard en cada momento. La gallina que hace en la comisaría al principio del film tiene que ver con la negativa de Deckard de aceptar la misión, sugiriendo que no lo hace por cobardía. La segunda figurita, la del hombrecillo con el miembro izado al viento, quizás quiere sugerir que Gaff conoce los sentimientos internos que Deckard ha comenzado o eventualmente comenzará a sentir por Rachel. Y finalmente tenemos el unicornio, ser mitológico símbolo de la eternidad, y que nos deja al mismo tiempo tres mensajes distintos: 1) Gaff sabe de la preocupación de Deckard por la efímera vida de Rachel (“¡Es una pena que ella no pueda vivir!”); 2) ha estado en el apartamento de Deckard, pero les da una oportunidad de vivir o un margen de tiempo para huir, una vez Deckard y Rachel se convierten en fugitivos; 3) y por supuesto, que conoce los sueños más íntimos y personales de Deckard, revelándole su verdadera naturaleza de replicante. Merece la pena destacar que, al hilo de este último punto, Gaff hace con Deckard exactamente lo mismo que este hace con Rachel cuando le revela cruelmente que ella es una replicante. Él ha leído los informes de Rachel, y conoce hasta el más íntimo de sus recuerdos, lo cual puede explicar, a su vez, por qué Gaff conoce los sueños de Deckard. De hecho, todo cuanto sucede con Rachel funciona como una especie de anticipación de lo que sucede posteriormente y a un nivel más amplio con Deckard. Las situaciones de ambos forman un perfecto paralelismo, hasta tal punto que una de las fotografías que cuelgan del piano de Deckard muestra un porche totalmente idéntico al de la fotografía de Rachel con su madre. Y la progresión “in crescendo” en la que, en este sentido, se va narrando la confusión de identidades primero de ella, y paralelamente la de él, es simplemente magistral por parte del realizador y el guionista. Cuando nosotros creemos que es una mujer normal y corriente (y ella también lo cree), se comporta de una manera fría y mecánica como una humana. Pero cuando sospecha de sí misma y finalmente Deckard le revela su verdadera naturaleza, Rachel da rienda suelta a sus sentimientos: las dudas, los llantos, el dolor y el amor. Todo ello reflejado en ese maravilloso segundo encuentro en el apartamento de Deckard (una de las escenas más intensas de la película) en el que, en el colmo de la ironía, nos asombramos ante la trascendental metamorfosis de Rachel: en apenas segundos, deja de ser un “muñeco humano” de cabello perfectamente repeinado, piel brillante como el plástico y de ángulos rectos y forzados (esas hombreras), para “transformarse” en una replicante absolutamente humana, bella, sensual, y de emociones tan desatadas como su cabello. Una escena tan trascendente, tan cargada de significado y resuelta con tal sencillez que es de asombro. CONCLUSIÓN Blade Runner es una película que, cada vez que la veo, más me hace reflexionar. No sólo en el oscuro y pesimista futuro que paso a paso ayudamos a construir. También me hace pensar en el tiempo. Me hace recordar que todos somos seres efímeros, y un día desapareceremos. ¿Cuánto tiempo me queda hasta entonces? ¿Me parecerá insuficiente el tiempo que he tenido? ¿Y a dónde se irán todas esas experiencias, todos esos recuerdos y todo el amor que habré sentido y que en estos momentos me son tan preciados? En estos tiempos en que somos cada vez más conscientes de enfermedades degenerativas todavía sin cura como el alzheimer, pocas cosas nos pueden parecer más injustas y crueles que el perder nuestros propios recuerdos; todas aquellas experiencias que, cual ladrillos de una estructura, conforman pieza por pieza lo que somos cada uno de nosotros como personas. Y las inmortales palabras finales de Roy Batty llorando en la lluvia resonarán por siempre en mi cabeza. Al igual que el mito de la caverna de Platón, Blade Runner funciona como una parábola pesimista sobre el ser humano y sobre el valor de todo aquello que nos hace como tales y nos estimula a mirar más allá, frente a un mundo que, cada vez más y más, se ahoga en su propia deshumanización.

Roberto Gómez Bolaños: El pequeño Shakespeare latino Sin querer queriendo al chaparro pero talentoso guionista mexicano Roberto Gómez Bolaños, popularmente conocido como "Chespirito", se le chispotearon personajes salidos del barril de su imaginación, con los que durante décadas ha logrado unir a la familia frente al televisor para disfrutar sus divertidas historias, generando incansables carcajadas que hoy en día siguen escuchándose en América Latina. El 21 de febrero de 1929, Ciudad de México vio nacer a Roberto Gómez Bolaños-Cacho, hijo de la secretaria Elsa Bolaños-Cacho y del pintor, dibujante e ilustrador Francisco Gómez Linares, cuyas obras dieron vida a portadas de revistas reconocidas como "El Universal Ilustrado" y "Continental", su talento hizo de él, el retratista más cotizado en la década de los 20's en México. Pese a los reconocimientos, el hogar Gómez Bolaños no nadaba en dinero, era una familia humilde y su condición económica empeoró cuando Francisco Gómez Bolaños murió, dejando a su joven esposa a cargo de tres hijos: Francisco, Roberto y Horacio. Ante tal escenario, Elsa Bolaños se vio en la necesidad de salir a trabajar para buscar el pan. Gracias a su carácter diligente consiguió un préstamo en el banco con el que pudo construir un pequeño edificio de comerciales ubicados en la planta baja y unos pocos apartamentos en los pisos de arriba, pero los pocos ingresos hicieron cuesta arriba el pago del crédito y el banco embargó la propiedad. Aún así, su madre se las arregló para educar a sus hijos sin que pasaran necesidad: "Mi mamá era tan sensacional que nunca me di cuenta que andábamos pobres. Nunca me compró una bicicleta, un tren eléctrico, pero nunca me faltó una pelota. Fui súper feliz. Ella se mataba trabajando, de eso me di cuenta después", comentó Roberto Gómez Bolaños con el pasar de los años. El segundo de los tres hermanos, practicó el boxeo y estudió Ingeniería en la Universidad Autónoma de México pero nunca ejerció la profesión, su verdadera vocación distaba mucho de los números y del ring, y se acercaba más al mundo de las letras en el arte de escribir historias cargadas de humor, lo que le brindó la oportunidad de trabajar en el mundo de la publicidad, iniciándose como creativo en la agencia D' Arcy cuando contaba con 22 años, éste fue sólo un primer paso en una fructífera carrera . Durante su trabajo en la agencia aprovechó para hacer contactos dentro del medio publicitario y artístico, que le permitieron incursionar en la televisión como guionista de los programas más populares de la época, por ejemplo "Viruta y Capulina". Ya para los 50's su trabajo como guionista lo mantenía activo en el cine, radio y televisión donde prestaba su inventiva para el exitoso programa "Cómicos y Canciones", show que durante la primera mitad de los 60's se disputaba el rating de la pantalla mexicana con el espacio "Estudio de Pedro Vargas" , cuyos guiones también pertenecían al ingenioso Bolaños. Su talento fue reconocido por el mismo Mario Moreno "Cantiflas" quien lo eligió para la serie "El Estudio de Cantinflas", proyecto que nunca vio luz debido a las exigencias y pretensiones del famoso comediante mexicano. Si bien se esfumaba una oportunidad, otras aparecerían con papeles en películas importantes entre las que destacó "Dos Criados Malcriados" de 1960, experiencia que le serviría luego para encarnar sus propios personajes. Sin duda, el arte corría por sus venas. Nace Chespirito Las puertas se abrieron para Bolaños en 1968, cuando comenzó a trabajar en la naciente Tele-visión Independiente de México (Cadena TIM), cuyos directivos le cedieron media hora semanal al aire para que desarrollara su propio proyecto. Así nacieron "Super-genios de la Mesa Cua-drada" y "El Ciudadano Gómez" en el que hacía de guionista y actor. Ambos espacios prece-derían éxitos contundentes. Tras dos años de cosechar buenas críticas, la televisora decidió extender el espacio a una hora y el programa pasó a llamarse Chespirito; su transmisión era en el horario estelar de los lunes a las 8:00 p.m. El singular apodo fue invento del director de cine Agustín Delgado, la palabra deriva de la pronun-ciación españolizada de Shakespeare. Algunos comentan que Delgado bautizó de esta forma a Bolaños en alusión a su baja estatura y a una cariñosa comparación con el famoso dramaturgo británico, pues para él, ambos eran semejantes en versatilidad y talento, pese a que muchos pusieran en entredicho la calidad literaria del trabajo de Chespirito. El primer personaje creado para el show de Chespirito fue el Chapulín Colorado, y un año más tarde se sumó el pequeñín del barril popularmente conocido como El Chavo del 8, ambos programas, de media hora de duración cada uno, comenzaron a transmitirse al poco tiempo por otros países de Latinoamérica y estuvieron al aire por 25 años ininterrumpidos durante los cuales Chespirito desarrolló otros proyectos artísticos igualmente exitosos; no sólo escribió libretos para telenovelas sino también para el teatro. De su trabajo en las tablas resalta la obra "11 y 12" estrenada en 1992 y vigente hasta la fecha. Un Chespirito con espíritu político Los arraigados valores de Roberto Gómez Bolaños no son cosa de pantalla, fuera de sus series de televisión, se ha preocupado por temas sociales lo que le llevó en 2006 a participar activamente en la campaña del Partido Acción Nacional de México y emitir fuertes críticas contra el entonces candidato de izquierda, Andrés Manuel López Obrador. El artista no comulga con dichas tendencias políticas, por el contrario, se manifiesta como un cristiano conservador y desde tal postura defendió la ley antiaborto en 2007 cuando la Asamblea Legislativa mexicana buscó despenalizar el aborto durante las doce primeras semanas de gestación, en respuesta Chespirito se valió de fuerte su imagen televisiva para lanzar anuncios pugnando iniciativa. Su pasión por el tema fue fruto de una situación poco conocida: su llegada al mundo casi se vio interrumpida pues durante el embarazo, su madre sufrió un accidente que puso en riesgo su vida por lo que los doctores sugerían abortar, algo inconcebible para la señora Bolaños quien decidió tener al bebé pese a todos los peligros que ello implicaba. Hoy día Chespirito da vida a su fundación Chespirito IAP, dedicada a cuidar a los niños mexicanos de bajos recursos en áreas como la salud, educación, integración social y familiar; organización que se rige por los valores de la honestidad, el compromiso, el respeto, la tolerancia y la generosidad, filosofía de vida que siempre plasmó en sus guiones y que hoy perdura en cada una de sus obras. Emblemáticos y queridos ¿Y ahora quién podrá defenderme? El Chapulín Colorado, primer personaje creado por Chespirito nació como un héroe de gran corazón, amante de las féminas y galante pero de extrema torpeza, cuyas armas, las antenitas de vinil (con las que detectaba el enemigo o los peligros), el chipote chillón (fiel arma con la que golpeaba a los malos), las pastillas de chiquitolina (con las cuales reducía aún más su tamaño al punto de entrar en una caja de fósforos) y la chicharra paralizadora (que, como su nombre lo dice, paralizaba a las personas) le ayudaban a luchar contra los enemigos a los que, pese a sus deficiencias, vencía en nombre de la nobleza. Pocos conocen que en principio el traje del Chapulín estaba destinado a vestir de verde, pero limitaciones técnicas de la época obligaron a usar el rojo, un color que se veía mucho más vivo en pantalla. Por su parte, los guiones de la serie eran cuidadosamente trabajados por Chespirito para evitar que aparecieran escenas peligrosas que los niños quisieran imitar. "Es que no me tienen paciencia" Nunca se conocieron a los padres del Chavo, pero los hogares de América no dudaron en adoptar a este pequeño de 8 años cuya ropa desgastada y su obsesión por las tortas de jamón dejaban expuesta su humilde condición. Un personaje que desborda la inocencia propia de su edad, curioso, travieso, de carisma especial y defensor de la amistad por lo que siempre tiene broncas con los "rajones". Un niño que no llora sino que dice "pi,pi,pi,pi,pi" y que se engarrota (se dobla y queda tieso) cuando tiene mucho miedo. El archiconocido Chavo del 8 fue concebido en principio como una serie humorística dirigida a un público adulto, pero la evolución natural de los personajes a medida que se escribían los capítulos, hizo que derivara en una serie para toda la familia. Contrario a lo que muchos creen, el 8 no hace alusión al apartamento donde vivía, pues su refugio era un viejo barril de cerveza, sino que se refiere al número del canal donde se producía. Chespirito se preocupaba de transmitir valores a través de la serie y lo hacía precisamente en el personaje que encarnaba en este pequeño niño huérfano y humilde y a través de un humor inteligente y reflexivo. "La tierna resignación del Chavo ante el infortunio es capaz de despertar la compasión del más duro de los corazones" (extraído de chespirito.com) Actualmente, El Chavo del 8 y el Chapulín colorado se siguen transmitiendo en su idioma original en América Latina y España y en países de distintas lenguas gracias a versiones dobladas, además el Chavo cuenta con su propia serie animada, estrenada en el 2006. "Es que me da cosa" Otro de los clásicos personajes de Chespirito es el Doctor Chapatín, quien es el despiste, la impaciencia y la testarudez en persona. Un viejito canoso, con lentes de botella y blancos bigotes, algo descuidado, que siempre viste un abrigo beige y una bufanda roja, cuyas chocheras y graves equivocaciones son perdonadas tal como se le perdonan los niños. Nunca se ha conocido qué lleva en la bolsita de papel que carga para arriba y para abajo y tampoco en qué especialidad médica se graduó, lo cierto es que ejerce la medicina aún cuando no cuenta con todas sus facultades y pese a que muchas veces evade la responsabilidad de sus acciones con su característico lema "es que me da cosa" De los personajes de Chespirito es uno de los pocos que hace uso del humor negro y debe su nombre al término chaparro muy extendido en México para referir a una persona corta de estatura. "Tómalo por el lado amable" Aquiles Esquivel Madrazo, mejor conocido como Chómpiras fue uno de los personajes que más impacto causó entre todos los seguidores de Chespirito por su reinserción a la sociedad luego de pasar muchos años dedicado al oficio de "caquito" junto a su eterno amigo "el Botija". Chaparron, ¿Sabías que la gente sigue diciendo que tú y yo estamos locos? Esta pareja de enfermos mentales o "chifladitos" (léase Chaparrón Bonaparte y Lucas Tañeda) hacen de sus males una diversión constante y no deja de regalarnos sonrisas con sus desordenadas pero hilarantes conversaciones. Menos a sus pobres vecinos. Vicente Chambon El reportero de "La Chicharra" estuvo con su público por pocas temporadas sin embargo nos regaló capítulos inolvidables. Junto a sus singulares compañeros de trabajo y sus increíbles aventuras hicieron de este personajes uno de los más impredecibles. Charles Chaplin Cómo olvidar la emulación de uno de los más grandes comediantes de la historia del cine. Chespirito rinde de esta manera un tributo a quien es uno de sus comediantes favoritos y a quien considera un maestro. Sin embargo, con los años el alumno logró superar al maestro Chaplin. El Gordo y El Flaco La magnífica adaptación de los geniales "Laurel y Hardy" mejor conocidos como el Gordo y el Flaco, son una muestra más del humor fino y de la mejor calidad brindado por don Roberto. Demostró a todas las nuevas generaciones que el chiste mudo está más vigente que nunca.. Qué bonita vecindad... Algunos personajes que le acompañaron en el Chavo del 8 El famoso Don Ramón interpretado por Ramón Valdés: Actor de profesión y de herencia, pues en su familia todos eran actores (era pariente de Tin Tan). Se destacó por su trabajo en películas de Cantinflas y Pedro Infante. Chespirito era su admirador y pensó que sería perfecto para este papel. Según él, Valdés fue el único actor que le "destornilló de la risa", y afirmaba que incluso en los ensayos era cómico y divertido. La Chilindrina encarnada por María Antonieta de las Nieves: Antes de iniciarse en la actuación, la veinteañera María Antonieta trabajaba haciendo doblajes de voces infantiles y la narración de documentales. Su hermosa voz llamó la atención de Bolaños, quien la convirtió de inmediato en la narradora de los primeros programas de Chespirito. No pasaría mucho tiempo para que María Antonieta participara como actriz invitada en uno de los capítulos de la serie encarnando a esa chiquilla llorona y traviesa que aparecía de tanto en tanto. El personaje gustó tanto que Chespirito decidió darle un rol protagónico y es así como la Chilindrina comenzó a presentarse como la hija de Don Ramón. Doña Florinda a cargo de Florinda Meza: Chespirito descubrió su talento cuando ella ensayaba un monólogo para un programa en el que participaba. En ese entonces, Bolaños estaba casado con Graciela Fernández, con quien tuvo seis hijos, matrimonio que sucumbió y finalizó en divorcio. Luego de la ruptura comenzó a florecer una relación amorosa entre ambos actores lo que dio fruto a una unión libre que sería reconocida ante las leyes luego de 27 años, el 19 de noviembre de 2004. Señor Barriga bajo la actuación de Edgar Vivas: Era médico de profesión pero su verdadera vocación estaba en la actuación. Fue Chespirito quien le dio la oportunidad de incursionar en las pantallas. Kiko, por el reconocido actor Carlos Villagrán: Chespirito lo conoció en una reunión en casa de un amigo haciendo el papel del muñeco de un ventrílocuo. Al ver sus cachetes inflados inmediatamente le prestó atención y pensó que podía ser la contraparte del Chavo. Chespirito en números El éxito de Chespirito y sus series trascendió. Su popularidad logró llenar en repetidas ocasiones los más grandes escenarios de América: • Llenó dos shows en el estadio de fútbol de Santiago de Chile, cuya capacidad es de 80.000 personas. • Venta total en el Auditorio Luna Park de Buenos Aires, Argentina, espacio que puede albergar 25.000 personas. • Según Florinda Meza, en 43 años de carrera como guionista, Chespirito ha escrito unas 60.000 cuartillas en limpio (sin contar los borradores) lo que es igual a 2.400.000 líneas. • En el 2006 presentó sus memorias, tituladas "Sin querer queriendo" • Caracterizó 21 personajes en cine y televisión • Ha escrito 40 guiones de series, películas y obras de teatro • Tiene 3 libros en su haber • Ha compuesto 4 temas originales además de las canciones de sus series Frases

Me parece importante abrir el post aclarando lo siguiente: No me parece justificable por ninguna razón el asesinato o la intimidación a través de la violencia, no justifico, ni apoyo, ni siento simpatía ideológica. ni de ningún tipo, por ningún grupo extremista y no es el objetivo del post justificar el cobarde asesinato de estos 12 periodistas. Es sin embargo mi intención aclarar algunas cosas ya que me parece que aprovechando esta tragedia ha habido una ola oportunista en los medios de comunicación y muchos políticos para vender una idea distorsionada de lo que es esta publicación y presentarlos como férreos e independientes luchadores por la libertad de expresión, al mismo tiempo políticos, entre ellos Sarkozy que bajo su administración se llego a censurar el propio semanario Charlie Hebdo, ahora están aprovechando la ocasión para venderse ante el mundo como defensores de la libertad de expresión. Empezare con esta noticia del año 2008 Un caricaturista del semanario satírico francés Charlie Hebdo ha sido despedido por publicar una crónica con comentarios antisemitas sobre el proyecto de bodas de un hijo del presidente francés Nicolas Sarkozy Resumida la noticia el director de la revista Philippe Val despidió al caricaturista Siné justificándolo de la siguiente manera "Muy pocas veces estoy de acuerdo con las cosas que cuenta Siné, pero hay espacio para expresar en Charlie opiniones diferentes de las mías. Ese espacio sin embargo está limitado por una carta que proscribe cualquier declaración racista y antisemita en el diario y Siné transgredió ese límite" Yo no soy Charlie... Yo soy Sine. Yo solía trabajar para Charlie como caricaturista, en 2009 dibuje una caricatura mostrando al hijo de Sarcozy controvertirse al judaísmo por razones financieras. Charlie me pidió que me disculpara y yo me negué. Charlie me despidió por ridiculizar al Judaismo Lamentablemente no encontré la caricatura en cuestión si alguien la encuentra la puede publicar en comentarios Algunos podrán decir que Val salio de su puesto poco después y así minimizar este hecho y hacerlo ver como algo simplemente anecdotico como si se tratase de solo un jefe editorial mas que paso esporadicamente por la revista pero la realidad es que Val fue uno de los principales accionistas y propietarios de la revista y tuvo voz y voto sobre la linea editorial de la misma hasta su dimisión en 2009 y de hecho conservo sus acciones de la empresa hasta 2011 estamos hablando de un periodo de mas de una década años asi que no fue solo un jefe editorial mas Phillppe Val Como director editorial de la revista decidió republicar en 2007 las ya famosas caricaturas sobre Mahomma que originalmente habían sido publicadas en el periódico danes Jyllands-Posten en el 2005 y que generaron tanta controversia y protestas en el mundo Musulman. De nuevo quiero aclarar que no justifico ni las protestas que me parece fueron totalmente desproporcionadas, ni los actos de violencia que sucedieron a consecuencia de estas. Simplemente quiero ilustrar con hechos precisos lo que la linea editorial de la revista le parece aceptable y no aceptable a la hora de publicar. Otras muestras de ilustraciones que no transgreden el limite de lo racista según el criterio de los responsables de la revista Esa portada, de 1980, reza: "Bombas en España: "- ¡Qué bien, esto me levanta los senos!"" Haciendo alusión a una ola de atentados con bomba perpetrados por E.T.A en uno de estos muere un niño de 12 años que jugando pelota pateo una bolsa sin saber que contenía una bomba en otro atentando con bomba murieron 4 personas http://www.elmundo.es/cronica/2002/356/1029139881.html Una de las portadas recientes mas famosas de la revista reza; "Matanza en Egipto. El Corán es una mierda: no detiene las balas" Haciendo burla de la matanza por parte del ejercito de un grupo de partidarios del anterior presidente depuesto. En su mayoría profesaban la religión islámica, en esa matanza murieron 525 civiles y hubo miles de heridos Calificado como el día mas violento en décadas en la historia de ese pais http://noticias.univision.com/article/1636088/2013-08-14/mundo/noticias/decenas-de-muertos-en-egipto-por-desalojo-de-partidarios-de-mursi-1 Paladines de la libertad de expresión y los derechos humanos Ahora hagamos un pequeño ejercicio mental imaginemos que un diario Francés lanza una portada como esta Pero en lugar de hacer mofa de la muerte de los 525 egipcios y del coran, hiciera burla de los 4 judíos asesinados el pasado 9 de enero en Francia y en la portada dijera que su religión es una... ya sabemos que, porque no los protegió de ser asesinados. Creo que no hay que ser muy suspicaz para suponer que la portada seria censurada, el diario cerrado y los responsable multados o incluso detenidos por antisemitas y apología al terrorismo ¿porque la ley solo sanciona imágenes u opiniones que se consideren antisemita? porque no una ley antidiscriminacion que vele por los derechos de todas las religiones, creencias y etnias, por igual ¿porque existe preferencia sobre un colectivo? los derechos deben ser para todos por igual, al un grupo tener privilegios por sobre los demás ya es discriminación y esa es una opinión personal Aclaro no tengo nada contra los judíos simplemente estoy poniendo un ejemplo que muestra el doble estándar bajo el que funciona la libertad de expresión en el mundo ya que esto no es solo Francia. Y para demostrar que no hay exageración en lo que digo veamos el siguiente caso Muchos hemos visto esta caricatura parodia sobre la ya mencionada portada de Charlie Hebdo (a la derecha la portada original a la izquierda la parodia) Esta parodia fue realizada y publicada en Facebook por un estudiante francés de 16 años el resultado; el estudiante fue arrestado el 15 de enero bajo los cargos de apología la terrorismo por esta portada y según la ley francesa podría afrontar entre 5 y 7 años de prisión. Y no es el único en solo una semana han habido 69 arrestos bajo los mismos cargos. En la última semana, una jovencita de 14 años fue detenida por apología del terrorismo porque le dijo al conductor del tranvía, "Somos las hemanas Kouachi y vamos a comprar nuestras Kalashnikovs". Los Kouachi fueron quienes atacaron a Charlie Hebdo. En Lille, tres trabajadores de una escuela fueron suspendidos por las autoridades por negarse a participar de un momento de silencio en honor de los asesinados. Los empleados justificaron su actuación diciendo que respetaban el minuto de silencio, pero que "el debate entre colegas debe darse fuera del horario de trabajo. Nada similar ocurrió con el periodista francés Philippe Tesson de la radio Europe 1 por decir que "Son los musulmanes los que trajeron esta mierda a Francia". http://www.mundiario.com/articulo/sociedad/arrestan-francia-adolescente-parodiar-charlie-hebdo/20150119204544026284.html El arresto al joven que hizo la caricatura sin que exista siquiera el factor religioso de por medio la sátira es solo hacia la revista y me parece que la sátira es justa y necesaria porque es una muestra que la libertad de expresión es una calle de doble vía si te da derecho de hacer comentarios hirientes contra alguien, también debe permitir que los mismos comentarios hirientes se puedan hacer en tu contra en las mismas circunstancia de lo contrario es solo hipocresía e hipocresía es lo que estamos viendo en este caso. Y hablando de mas hipocresía algunos medios que apoyan el derecho de Charlie Hebdo a satirizar y burlarse de lo que sea y como han reaccionado cuando las satiras sean realizado contra sus valores El diario ABC dedicó su portada del jueves al atentado contra la revista satírica Charlie Hebdo: “Ataque a la libertad”, titulaba a toda página. El editorial de ese día, que estaba encabezado por una frase contundente (“Salvaje amenaza a la democracia y a la libertad de expresión”), en su interior llamaba a las armas:“Europa no tiene tiempo para seguir especulando sobre la respuesta a la amenaza yihadista. Tanto el Estado Islámico como Al Qaida, Boko Haram o Al Sabah, han decidido convertir el planeta en un campo de batalla para su violencia terrorista y la reacción de los gobiernos democráticos debe situarse a la altura de las circunstancias. Y esto puede exigir adoptar medidas…”. Hace exactamente un año este mismo diario arremetía contra la revista satírica española Mongolia por “utilizar una imagen de la virgen para publicitarse”:“Nuevamente la Semana Santa y sus imágenes son motivo de utilización indebida”, aseguraba el diario que hoy defiende la libertad de expresión. ABC destacaba en esa noticia las declaraciones de Juan Ignacio Zoido, alcalde de Sevilla, que consideraba “una falta de respeto muy grave” utilizar la imagen de la Macarena. “La libertad de unos termina donde empieza la de otros”, aseguraba, y hablaba de “ofender los sentimientos de los sevillanos” y de “una falta de respeto muy grave y, sobre todo, innecesaria y gratuita”. ¿Qué tiene la Macarena que no tenga Mahoma? La libertad de expresión es sagrada, incluso para aquellos que no creen en la libertad de expresión. O tienen un concepto muy relativo de la libertad de expresión. O solo ven amenazada la libertad de expresión cuando hay muertos. No olvidemos que hay gente que defiende, al mismo tiempo, la libertad de expresión y la Ley Orgánica de Seguridad Ciudadana. Ahí tienen a La Razón, sin ir más lejos. El jueves colgaban en los quioscos una emotiva portada en negro, “Todos somos Charlie Hebdo”, y subtitulaban su cabecera con un emocionante “En defensa de la libertad de expresión”. Pues unos años antes los chicos de Marhuenda habían escrito y publicado un editorial en el que analizaban el secuestro del semanario satírico español El Jueves en cuya portada aparecían los entonces Príncipes de Asturias haciendo el trenecito. “La libertad de expresión tiene unos límites: la dignidad moral y las leyes”, aseguraba la Razón. “No es necesario denigrar al otro para hacer ironía o sátira, y menos aún cuando lo que se busca es cuestionar uno de los pilares de la democracia, esto es, la Jefatura del Estado encarnada en la Corona”. ¿Qué tiene la Corona que no tenga Mahoma? En TVE han defendido hoy, como no podía ser de otra manera, la libertad de expresión. El actual director de informativos de la televisión pública, José Antonio Álvarez Gundín, escribía en La Razón cuando era jefe de Opinión de este diario, allá por 2012: “La libertad de expresión es sagrada, pero no ampara el insulto ni encubre la falta de talento. Tampoco es patente de corso ni refugio de rufianes. Si por algo resultan indigestas las caricaturas francesas de Mahoma es porque carecen de calidad artística y de peso intelectual… son el producto mediocre y vulgar de quien pretende tocar las pelotas o mear el territorio… Una caricatura burda o una película insultante no aportan más de lo que aportaría un bidón de gasolina en un incendio”. Nadie es Mohamed El Makouli Un marroquí fue brutalmente asesinado a puñaladas en frente de su esposa y en su propio hogar por un hombre de 28 años que entro por la fuerza a la 1:30 de la madrugada mientras gritaba "yo soy tu Dios, Yo soy tu Islam" El atacante aparentemente sufre de esquizofrenia y bien podríamos haberlo considerarlo como un hecho aislado de no ser porque este es solo uno de mas de 60 casos de ataques contra musulmanes que se han sucedido en Francia en los últimos días y de los cuales nadie habla, de hecho no conseguí ninguna fuente en español de esta noticia todas están en francés o ingles http://www.independent.co.uk/news/world/europe/moroccan-man-in-france-killed-at-home-in-front-of-wife-by-intruder-shouting-about-islam-9985072.html 26 mezquitas has sido atacadas con disparos, bombas incendiarias, e en algunos casos incluso granadas el observatorio nacional Francés contra la islamophobia tiene conocimiento de al menos 60 incidentes y calculan que hay muchos otros incidentes menores que no han sido reportados Negocios propiedad de musulmanes tales como restaurantes también han sido atacados con bombas incendiarias Policía forense francesa analiza la escena de una explosión en una tienda de kebab dañada como consecuencia de una explosión cerca de una mezquita, en Villefranche-sur-Saone, al este de Francia http://www.independent.co.uk/news/world/europe/firebombs-and-pigs-heads-thrown-into-mosques-as-antimuslim-attacks-increase-after-paris-shootings-9977423.html De nuevo pocos medios en español hablan sobre esto en las mayorías de las fuentes donde tocan el tema encontramos este vídeo y poco mas. No se profundiza ni se habla sobre el papel de los medios tales como el propio Charlie Hebdo que hacen mucho por mantener incendiada la mecha de la discriminación y la confrontación solo para vender diarios. Subirse al tren del oportunismo Uno de los primeros beneficiados y que ha sabido manejar la opinión publica luego de los ataque a su favor ha sido el actual presidente francés Francois Hollande cuya popularidad se encontraba en su punto mas bajo frente a un desempleo sin precedentes y un lento crecimiento económico, pero tras haber organizado la llamada marcha por la unidad en París y las elegías que hizo de los tres oficiales de policía muertos durante los ataques lograron un tono adecuado ante una población confundida y temerosa. La popularidad de Hollande aumenta históricamente tras los ataques terroristas Y esto sin profundizar en las violaciones a los derechos humanos que tanto en sus países como en el exterior han cometido muchos otros lideres que participaron en esa marcha del 12 de Enero. A todo el mundo le gusta hablar de sus derechos y pocas veces piensan sobre las responsabilidades que conllevan esos derechos, la libertad de expresión no puede ser tomada como una carta en blanco que te permita pisar la dignidad de otras personas por ser diferentes. una de la portadas de Charlie Hebdo se burlo de la muerte de 525 Egipcios que murieron asesinados durante la primavera árabe colocando en la portada "El Coran es una mierda no detiene las balas" Imagínense una persona cualquiera tiene un familiar enfermo de cáncer, esta persona es creyente lleva a su familiar al medico y al mismo tiempo va a la iglesia y reza pidiendo la recuperación de su familiar tras una larga lucha su familiar muere. Ahora imaginen que al día siguiente alguien le dice sonriente "la Bilbia es una mierda no detiene el cáncer" ¿que creen que haría el agredido, como reaccionaria? ¿lo aceptaría con humor y aplaudiría su sagaz sentido de sátira? o reaccionaria de forma diferente ¿porque debe ser este tipo de periodismo apoyado en nombre de la libertad de expresión? no pregunto esto para justificar la masacre sino para cuestionar cual es el propósito real de este tipo de periodismo y porque nos lo quieren vender como algo necesario, ¿exactamente que nos aporta? Creo que su objetivo es minimizar y deshumanizar a las personas por sus creencias religiosas, eso es discriminación, eso es vender la idea que cualquier desgracia que suceda en un país de mayoría musulmana es un acto del que debemos reírnos porque son diferentes a nosotros porque de alguna manera son menos humanos y sus tragedias no deben generar simpatías sino burlas y menosprecio, asi es como nacen las ideologías racistas como el nazismo siempre se comienza con medios que buscan anular a ojos de la opinión publica cualquier rasgo humano que nos permita sentir empatia por los que tienen una religión o un pensamiento o una cultura diferente. No existe tal cosa como los derechos absolutos que a su vez anulen otros derechos como el derecho a la dignidad y a no ser discriminado por tus creencias o raza cuando un medio de comunicación utiliza la libertad de expresión como escudo para justificar la promoción de ideas racistas o discriminadoras deja de ser un medio de comunicación para ser un propagador de odio que pretende eternizar un ambiente de confrontación y eso los hace tan dañinos para la sociedad como los propios terroristas. No justifico los asesinatos simplemente hay que saber separar las cosas que no se apoye el terrorismo no significa que debamos apoyar este tipo de periodismo discriminador y racista porque tanto este periodismo como el terrorismo son dos caras de una misma moneda que es la intolerancia y el odio. Hablando un poco mas sobre la doble moral que hay con respecto al tema de la libertad de expresión, este post lo publique ayer y a los pocos minutos me lo borraron sin siquiera explicarme porque, así que decido publicarlo nuevamente de forma integra sin realizar ningún cambio, porque no veo en que forma el post viola el protocolo de la pagina. La próxima vez que decidan borrarlo cuando menos tengan la decencia de explicar la causa.