AdrianVeidt

El Sueño Americano Por Silvio Pratto 1) Vale la pena, aunque ya lo haya hecho en alguna crítica pretérita, citar esa utópica -pero no por eso menos loable- intención de la escuela francesa de “cambiar el mundo” desde el arte. Intención tácita que Godard hizo verbo, y que sus detractores convirtieron en espada, sin comprender que la literalidad es la madre de la psicosis. Y vale la pena porque James Cameron crea con “Avatar” una trinchera inesperada para una película de estas características. La publicitada superproducción no sólo se escuda en los recursos técnicos y visuales, sino que se permite bajar línea desde un lugar de privilegio, con un mensaje no demasiado encriptado -lo que resta puntos pero suma efectividad- en desmedro del poco escrúpulo ambiental , pero principalmente, a una política estadounidense apoyada en la invasión, justificada por un repugnante endiosamiento del capital. Así, Pandora (el planeta de los Na`vy y uno de sus clanes, los Omaticaya) se transforma en la versión alienígena de Vietnam, Irak o Afganistán, dándole al guión un saludable aroma denuncista, que -nobleza obliga- hacen necesario reconocer que Estados Unidos es un país que ha logrado consolidar un estado de derecho con leyes individuales que permiten que este tipo de cintas salgan a la luz. No olvidemos que Avatar es una superproducción fordiana “made in Hollywood”, lo que obliga a destacar al menos, que la película se haya gestado en el mismo Estado, cuyas políticas históricas son criticadas con muy poca delicadeza, con metáforas que son más bien paralelismos. Y no es que Avatar vaya a cambiar el mundo, pero encontrar un mensaje tan corrosivo (después se podrá discutir su profundidad y tratamiento) en el mainstream, es desde el vamos una muy agradable sorpresa 2) Es una pena que el impresionante despliegue de recursos puestos al servicio de la película, no esté apoyado por un guión mejor elaborado. La cinta es por momentos previsible y peca por ser poco original por su -repito- metáforas simplonas. No obstante, sus casi tres horas de duración transcurren céleres, el guión se desliza sobre los rieles creados por una experiencia visual alucinante, que lleva a los FX a un territorio extremo y expone diseños maravillosos que hacen honor al estilo que Cameron ya supo mostrar en películas como “Terminator” o la secuela de la maravillosa “Alien”. Así, nos encontramos con una mitología bellísima y estupendamente diseñada que es un verdadero deleite visual. La puesta en escena es puntillosa y en su afán de impactar es exitosa. A diferencia de la otra superproducción del año, 2012, los efectos especiales no son el fundamento único de Avatar. Detrás de la vorágine digital, existe un relato que vale la pena contemplar, aunque ese carácter lineal y simplón ya mencionado no nos permita desmenuzar una pieza audiovisual compleja. 3) El reparto tiene sin lugar a dudas en Sigourney Weaver su punto más alto. La actriz destaca en su rol de científica humana como en su maravilloso “avatar”, demostrando sin exigirse demasiado porque Cameron volvió a elegirla (quién no recuerda a la avasallante Ripley) y su carisma le permite erigirse con un rol secundario, en un personaje tan atractivo como la dupla protagónica de Sam Worthington y Zoe Saldaña. El papel principal recae en Worthington, un marine lisiado que acabará por encarnar la quintaesencia del héroe, edulcorando, aunque sea un poco, el mensaje corrosivo central de la película. Sin embargo, la condena no debe ser carcelaria, teniendo en cuenta el papel que cumple en la película (¿en la película?) un Estado impiadoso y por la conformación perfecta de estereotipos como el militar de Stephen Lang y su entorno. En resumen: El trabajo de James Cameron es consecuente. La película evidencia una mano detallista y meticulosa, que procura no dejar detalles librados al azar y que además de generar un producto de eficacia asegurada en términos de taquilla, se convierte en una cinta que vale la pena ver. Avatar resalta en tiempos de bodrios millonarios y marca un camino a seguir en el que los resultados económicos van de la mano con cierto interés por transmitir un mensaje entre el aluvión de efectos especiales. Fuentes: Nubosidad Variable y www.diariopanorama.com

Cambiar el mundo Por Silvio Pratto Los románticos integrantes de aquel movimiento artístico reconocido como La Nouvelle Vague sostenían (con cierto desdén) que la realización de una película excedía meros recursos técnicos y estéticos, las líneas narrativas iban más allá de un clásico esquema de introducción-nudo-desenlace y su contenido, era un arma que bien utilizada podía romper estructuras y transformarse en un bastión contracultural inquebrantable. De hecho, el mismísimo Jean-Luc Godard afirmó en su iluminada década del 60: “hago cine para cambiar el mundo” por lo que tejer elucubraciones en torno a los dogmas de los realizadores integrantes de esta corriente sería en vano. Y es cierto. El séptimo arte –sostenido en el valor de su registro documental- es un elemento de denuncia capaz de hacer tambalear los cimientos más sólidos. El hombre, los cineastas, los artistas, están capacitados para modificar su visión de un mundo injusto, sin que esto implique dejar de ver en el cine un medio de expresión ungido de otros fundamentos. “Changeling”, la última película de Clint Eastwood tiene esa tónica denuncista. Al innegable aroma documental que impregna la cinta, se suma un argumento trabajado en pos de reflejar una sociedad cuyas instituciones han sido vencidas por una corrupción sostenida por oradores sofistas y uniformados de celoso y célere gatillo. La película gira en torno a un hecho ocurrido en Los Ángeles en la década del 20. El hijo de Christine Collins –una madre soltera interpretada por Angelina Jolie- desaparece misteriosamente, llevando a la policía local a una búsqueda no demasiado exhaustiva, realizada por efectivos duchos en el arte de disparar primero y preguntar después. No obstante, esta fuerza policial devaluada, encontró en el caso Collins un salvoconducto, un recurso perfecto para poner paños fríos a una reputación al borde del colapso. La opinión pública puede ser letal y es mejor tenerla como aliada, por eso, urdieron una historia fantástica: darle a la mujer un hijo que no era el propio, argumentando que su desequilibrio mental no le permitía reconocerlo. En épocas ayunas de psicofármacos, la excusa parecía perfecta y así, un sistema apestoso tomó los recuerdos de la mujer utilizándolos como si se tratasen de una "tabula rasa", de una hoja en blanco, de arcilla virgen presta a ser moldeada por sus manos nerviosas y apremiadas por encontrar un caso exitoso, sin esperar que el espíritu materno mute en una suerte de ángel vengador, tan tosco como persistente. La batalla de Christine Collins por encontrar a su hijo, luchando contra un engranaje municipal repleto de artimañas arteras, se transformó en una situación más extraña que la ficción, por citar una frase hecha, que terminó por derrumbar un imperio escrito con sangre, y que Clint Eastwood refleja con maestría en la pantalla grande, guiado por un guión maravilloso de Michael Straczynski, tradicional desde lo narrativo, pero de un contenido tan rico como destacable. Eastwood se ha encargado de demostrar en sobradas oportunidades que es un director soberbio, capaz de generar películas de una terminación destacable, con montajes asombrosos y planos de una belleza estricta a los fines de la narración. La cinta fluye a lo largo de sus más de dos horas de duración y en ningún momento decae en su dramatismo. La ambientación es soberbia y Angelina Jolie se aleja con inteligencia de la Femme Fatale que el público se acostumbró a recibir, generando un personaje perfectamente configurado, que no necesita de la innegable belleza física de su intérprete para cobrar entidad. Angelina tiene en Changeling su papel definitivo, ese que la consagra como una actriz dramática con todas las letras y que la eleva lejos del encasillamiento de Action Girl al que parecía estar encadenada. Su interpretación no tiene fisuras y genera una empatía absoluta con un espectador que se sumerge en los mares convulsos que propone la historia. La película pone sobre la mesa un cuerpo diseccionado, para que un público curioso y reflexivo lo inspeccione y encuentre en él, aristas que quizás puedan equipararse con situaciones cotidianas. La cinta denuncia, moviliza y muestra las miserias humanas en su grado más supino, sin una intención tendenciosa o misántropa, sino revelando el contraste existente entre quienes luchan con bravos mares por lo que consideran justo, y aquellos que navegan en la parsimoniosa de las calmas, sin imaginar que un maremoto llamado justicia puede desencadenarse en cualquier momento. Fuente: http://www.diariopanorama.com/diario/noticias/2009/02/18/a-35187.html

Estereotipos lácteos Por Silvio Pratto De un tiempo a esta parte, la realización de películas biográficas ha reflotado con una fuerza particular. Los resultados son disímiles y la fuerza de atracción de las figuras que se intentan retratar, por momentos puede ejercer un proceso de validación similar a aquel del que hablaba Foucault en referencia al orden del discurso, en este caso, aplicado a la obra o las características particulares que hacen a una figura, lo suficientemente importante como para que su vida, obra o historia sea reflejada en la pantalla grande. Con “Milk” Gus Van Sant vuelve a demostrar su afán documentalista. Así como en la formidable “Elephant” el director norteamericano apuntó sus cañones digitales hacia un hecho histórico como la Masacre de Columbine, en esta película centra su atención en la figura de Harvey Milk, político y activista gay norteamericano; y primer funcionario en acceder a un cargo público asumiendo abiertamente su condición sexual. Así, con la leche en el fuego, Van Sant comenzó a gestar esta biopic de tintes pluralistas. Sin maniqueísmos –que se esperan, cuando las sanas intenciones de no demonizar a un sector o persona particular se tornan demasiado evidentes- y con lo dicho, claras intenciones abarcativas e integradoras… propósitos que se diluyen con un mensaje político no lo suficientemente corrosivo, aunque en honor a la verdad, algo ácido e intenso. La película no deja claro si pretende que el espectador se alinee con la causa gay, o que reflexione a partir de la absorción de argumentos plausibles. Sin embargo, el mástil que sostiene a la bandera multicolor –como una metáfora fálica involuntaria- revela un mensaje claro: si bien la problemática gay gira en torno al libre albedrío sexual, el sexo no gira en torno a la vida de una persona homosexual. El sencillo concepto de que el sexo para un gay representa lo mismo que para un heterosexual, es abordado nuevamente, con la terca convicción de que los cerebros pacatos serán capaces de entender que detrás de todo ese telón genital, hay personas con vidas que no son devoradas por una libido insaciable, sino más bien, como las de cualquier ser humano al que le gusta sentarse a mirar televisión después de cenar. Lo curioso, es que a pesar de construir este verídico escenario, la gran fisura de la cinta es la innecesaria construcción de la identidad gay desde un estereotipo, ese que muestra a Harvey Milk como un amante de la ópera, impresionable, soñador y amanerado hasta el hastío, recurso que tan sólo exacerba una sensiblería útil a los fines de sumarle dramatismo a la cinta, pero que se transforma en un molde que hace del universo queer un espacio plagado de lugares comunes. Por eso Sean Penn en ningún momento fagocita la película. Su actuación es excelente, como se preveía –teniendo en cuenta sus pergaminos- pero dista mucho de ser la mejor de su carrera. La figura de Harvey Milk es retratada con una rigurosidad mentirosa, que se evidencia en el intencional parecido de los actores con las verdaderas personas (Penn utilizó una nariz postiza para lograr una semejanza física aún mayor) y se apoya demasiado en el documental precedente sobre la vida del activista. En cuanto a los personajes secundarios, James Franco y Emile Hirsch generan interpretaciones mucho más sutiles y trabajadas que las de un Josh Brolin injustamente nominado a mejor actor de reparto, un Diego Luna que como gay latino perdido y obnubilado repulsa con su insoportable patetismo, y de una Alison Pill que lleva adelante un papel sin ningún pasaje destacado. Todos ellos conforman el séquito activista que siguió al político californiano en su cruzada por los derechos civiles de los homosexuales, durante el férreo movimiento de liberación sexual vivido en San Francisco en la década del 70. El guión de Dustin Lance Black tiene interesantes recursos narrativos, con el protagonista oficiando por momentos de narrador y con algunos flashbacks muy oportunos. Además, hay un buen trabajo intertextual, reproduciendo los videos originales en los que se anuncian los asesinatos de Harvey Milk y el Alcalde Moscone, y el registro audiovisual de las revueltas entre homosexuales y policías en los bares de la calle Castro. Y así, en esa vorágine ideológica y cultural, surge la concepción de la pluralidad como ideal inalcanzable, dorado fetiche de quienes se atreven a asomar a un mundo distinto. La utopía de un planeta equitativo en la voz de quien se sabía diferente… como todos. Las velas que iluminaron San Francisco tras la muerte del activista, son el corolario de un trabajo mediocre de Gus Van Sant y al mismo tiempo sirven como contraste, para revelar una película sin demasiadas luces. Fuente: http://www.diariopanorama.com/diario/noticias/2009/03/04/a-36024.html

Registrate y eliminá la publicidad! Interpretaría una versión del personaje Sylvester Stallone podría ser el próximo Batman Ante el interés de Hollywood de adaptar el cómic “Batman: El Regreso del Caballero Nocturno” a la pantalla grande, Frank Miller el guionista de uno de los cómics más aclamados del hombre murciélago manifestó su deseo de que Silvestre Stallone interprete una versión cincuentona del superhéroe. En 1986 Frank Miller revolucionó el mercado de las historietas en Estados Unidos. Tras años de intentos infructuosos de reivindicar la imagen del hombre murciélago, el guionista y dibujante daba forma a “Batman: The Dark Knight Returns”, una versión futurista y oscura del personaje, que lo transformó al instante en uno de los nombres más respetados de la cultura popular norteamericana. Miller mantuvo su nombre en lo más alto gracias a sus posteriores trabajos, cuya calidad artística hizo crecer aún más el número de sus seguidores. Es así que en los últimos años, varias de sus obras fueron llevadas a la pantalla grande, con mayor o menor éxito. Tal es el caso de Sin City y 300, dos películas recientes de las que Miller fue un colaborador activo por expreso pedido de sus guionistas, fanáticos confesos del escritor. Ahora resulta que productores tentaron al autor para llevar a la pantalla grande la versión de su cómic más aclamado. Ante la propuesta, Miller sorprendió a propios y extraños con sus declaraciones, en las cuales expresa que le gustaría que Sylvester Stallone encarnara una versión vieja, cansada y arrugada del multimillonario Bruce Wayne y, por supuesto, su alter ego. Y es que en el cómic se muestra una versión futurista del encapotado. En ella, se nos muestra a un hombre murciélago entrado en años, con algunos kilos de más y que perdió por completo el control de una Ciudad Gótica sumida en el caos más profundo. Miller explicó en una nota que publicó el diario Los Angeles Times, que su gusto por Stallone se debe a que le “encanta Rocky Balboa porque es un guerrero herido, tal cual es Batman en El regreso del señor de la noche”. Así, y si todo cierra (sobre todo los números) podríamos ser testigos en algunos años, de una adaptación a la pantalla grande de uno de los cómics más leídos de todos los tiempos, con el mismísimo Frank Miller tras bambalinas, y con Stallone vistiendo el manto del caballero oscuro. fuente: http://www.diariopanorama.com/diario/noticias/2008/09/08/a-25459.html

Registrate y eliminá la publicidad! Wanted: violencia light y con glamour Tengo cierta debilidad por ver en la pantalla grande adaptaciones de historias nacidas en las páginas de una comic. Sin embargo, fui al cine a ver esta película frunciendo el ceño. Había leído la muy buena historieta de Mark Millar en el que se basó el guión, por lo que al ver los adelantos de la película ya preveía iba a tratarse de una adaptación libre y para nada estricta. El primer pecado hollywoodense era obviamente la inclusión de Angelina Jolie en el papel femenino principal, teniendo en cuenta que el personaje de la historieta es una voluptuosa y despiadada fémina afroamericana, pero este, no sería sino un pequeño gran detalle, ya que mi principal temor radicaba en como iban a manejar los timoneles del largometraje la desmesurada, cruda y visceral violencia que surca la historieta. Y claro, atentar contra la sensibilidad de un público demasiado susceptible no es una maniobra comercial muy recomendada, por lo que el resultado es una versión extremadamente diluida del comic original, en el que los pasajes más interesantes de la historia son extirpadas estratégicamente. Y es una verdadera lástima, porque la historieta es realmente genial, y muy original. Mark Millar es un guionista británico joven que ya ha demostrado con creces que puede jugar en primera, al dar vida a títulos de mucha calidad como “Superman: Red Son”, “The Authority” y la que es para mí, su obra maestra: “The Ultimates”. Sin embargo, “Wanted”, pareciera ser su hijo pródigo, la historia de un mundo donde todos los héroes fueron brutalmente asesinados por villanos organizados en un gremio cuyo poder asusta. El espectador que no haya leído la historieta (porque, en honor a la verdad, mi visión estuvo siempre condicionada por la comparación) se encontrará con una película con violencia y acción a raudales, dos recursos no siempre bien utilizados y que en todo momento nos recuerdan a filmaciones pretéritas. Esa estética “matrix” instaurada desde la aparición de la taquillera trilogía, vuelve a decir presente, y particularmente, ya me tiene un poco cansado. En cuanto al reparto, Angelina pareciera ser un apéndice de la asesina a sueldo de “Sr. Y Sra. Smith”, siempre se las arregla para disparar contra sus enemigos como si estuviese posando para el último número de Vanity Fair. Es adorable, de eso no hay dudas, pero creo que su elección para el papel fue otro cliché de los tantos a los que nos tiene acostumbrados Hollywood. El escocés James McAvoy es el protagonista principal y cumple sin demasiadas luces, lejos de ese actor que asombró a más de uno en “El Último Rey de Escocia”. El siempre cumplidor Morgan Freeman es en la película poco más que una figurita decorativa que no goza ni por asomo del carisma que Millar le otorga en la historieta. El director ruso Timur Bekmambetov naufraga en su primera incursión por las aguas de Hollywood. Su auspicioso pasado no se deja ver en una película olvidable, donde la idea central de Millar se desdibuja con el correr 110 minutos eternos. Por Silvio Pratto Para Diario Panorama Link: http://www.diariopanorama.com/diario/noticias/2008/09/24/a-26461.html <a href='http://207.182.129.178/www/delivery/ck.php?n=a2afc290&amp;cb=INSERT_RANDOM_NUMBER_HERE' target='_blank'><img src='http://207.182.129.178/www/delivery/avw.php?zoneid=58&amp;cb=INSERT_RANDOM_NUMBER_HERE&amp;n=a2afc290' border='0' alt='' /></a>

Registrate y eliminá la publicidad! Perjudicial para la salud Estudio revela que el consumo de alcohol achica el cerebro Un estudio que pretendía corroborar si el consumo de alcohol protegía contra la pérdida de volumen cerebral propia del envejecimiento, reveló justamente lo contrario. Un grupo de científicos reveló que cuanto más alcohol toma una persona, más se encoge su cerebro. Muchos estudios habían demostrado que el consumo moderado de alcohol puede ser bueno para el corazón. Los investigadores dirigidos por Carol Ann Paul, del Wellesley College en Massachusetts, querían saber si el consumo de bebidas alcohólicas también protegía contra la pérdida inevitable de volumen cerebral que experimentan las personas a medida que envejecen. Pero comprobaron que no es así. De hecho, los abstemios longevos tenían la menor pérdida de volumen cerebral, mientras que los ex bebedores, los consumidores moderados de alcohol y los que tomaban grandes cantidades de bebidas alcohólicas experimentaban más achicamiento cerebral progresivo, escribió el equipo en la revista Archives of Neurology. La tendencia era más pronunciada en las mujeres que en los hombres. Esto podría deberse a la mayor sensibilidad femenina a los efectos del alcohol y a su menor tamaño en promedio, comparado con los varones, indicaron los investigadores. "Se sabe que las personas que consumen mucho alcohol tienen un deterioro en el volumen cerebral. Lo que estábamos buscando era un efecto protector en las personas que bebían entre una y siete copas por semana", dijo Paul durante una entrevista telefónica. "Mi expectativa era que (el alcohol) fuese (protector). Y no resultó ser así", agregó el director del estudio, de la Escuela de Salud Pública de la Boston University. Los resultados se basaron en datos de 1.839 adultos de entre 33 y 88 años que informaron su consumo de alcohol y se sometieron a resonancias magnéticas para revisar su volumen cerebral. Los pacientes eran parte de un estudio de salud más amplio que se está realizando en Massachusetts. Comparadas con los que se abstenían de consumir alcohol, las personas que más tomaban (más de 14 bebidas por semana), tenían el cerebro un 1 por ciento más chico, reveló el equipo. En general, el volumen cerebral disminuye con la edad a una tasa estimada del 2% por década, indicaron los expertos. La atrofia cerebral se ha relacionado con problemas cognitivos y en las funciones motrices. La ingesta moderada de alcohol demostró en muchos estudios tener beneficios cardíacos, pero beber demasiado puede provocar daños graves a la salud en general, como deteriorar el hígado, el cerebro y otros órganos y aumentar el riesgo de desarrollar algunos tipos de cáncer. Fuente: http://www.diariopanorama.com/diario/noticias/2008/10/13/a-27753.html <a href='http://b.t.net.ar/www/delivery/ck.php?n=a2afc290&amp;cb=INSERT_RANDOM_NUMBER_HERE' target='_blank'><img src='http://b.t.net.ar/www/delivery/avw.php?zoneid=58&amp;cb=INSERT_RANDOM_NUMBER_HERE&amp;n=a2afc290' border='0' alt='' /></a>

La Renga en Santiago Teté Iglesias: "Santiago va a tener el show más potente de los últimos tiempos" Este sábado a partir de las 20, La Renga se presentará de nuevo en Santiago del Estero. La plaza Añoranzas volverá a palpitar el rock más crudo de una de las bandas más convocantes de la escena nacional, que presentará su último trabajo Truenotierra en lo que promete ser un espectáculo inolvidable. Diario Panorama habló con Gabriel "Teté" Iglesias, bajista y miembro fundador del grupo, quien prometió el show “más potente y salvaje de los últimos tiempos en Santiago". La cuenta regresiva para un nuevo show de La Renga en la Madre de Ciudades ha comenzado. La banda liderada por Chizzo Nápoli se presentará en el escenario de Plaza Añoranzas, presentando su último trabajo, Truenotierra, un ambicioso disco doble que refleja el crecimiento artístico de una banda que pronto estará cumpliendo 20 años en las rutas argentinas. Diario Panorama dialogó telefónicamente con Teté, bajista del grupo, quien anticipó que los fanáticos se encontrarán con “el show más potente y salvaje de los últimos tiempos”, entusiasmado por la idea de tocar nuevamente en la provincia, se refirió además a la actualidad del rock y a las aristas que han transformado a La Renga en una banda de culto, que rompe el molde y que optó por seguir un camino alternativo al que propone la industria. “Va a ser uno de los últimos lugares donde vamos a presentar el disco. Después nos vamos a España, hacemos los últimos conciertos y nos metemos de lleno a grabar un nuevo disco”. Truenotierra es el primer disco doble de la banda y quizás su trabajo más ambicioso. Registrado íntegramente en primeras tomas y sin sobregrabaciones, posee zapadas instrumentales que hasta el momento no habían sido incluidas en ninguna placa, y que reflejan, según Teté, “un estado de ánimo”. “Para grabar el disco cambiamos de sala y buscamos sonidos nuevos, grabando en lugares raros de una casa inmensa que alquilamos para la grabación. Los discos están hechos en una sola toma y con el sonido de monitoreo, nacieron con esa idea en la cabeza y persiguiendo esa idea, probando cosas, quedaron esas zapadas”, explicó el bajista. El rock como ideología La Renga no sólo es reconocida por su música, sino por una postura ante la industria. La banda siempre se mostró antagónica a la hegemonía que propone la escena rock local. No participan de festivales auspiciados por grandes marcas ni gastan dinero en publicidad. Se nutren principalmente del “boca en boca” de sus fanáticos más acérrimos, y eso parece ser suficiente para llenar los lugares en los que se presentan. “A fin de año cumplimos 20 años juntos. Somos 30 amigos que andan por el país tocando rock, que es una forma de vida, va más allá de un estilo, es una ideología. Con el tiempo nos dimos cuenta que los chicos que realmente se nutren de rock como nosotros, son los que nos vienen a ver y los que en cierta forma difunden nuestros shows”, indicó Teté. “No estamos muy de acuerdo con los festivales, creemos que las bandas necesitan un lugar y no un tiempito para poder sacar un hit, no creo que eso le sirva a los músicos. Muchas veces las bandas carecen de contenido y los grupos de rock no hacen algo comprometido. Eso es peligroso porque puede hacer que el rock con el tiempo se transforme en un género más. Por eso el rock se tiene que mantener al margen de eso. Yo rescato la esencia rockera, más allá que la música sea fuerte, la ideología es una parte fundamental, tocar bien puede tocar cualquiera, pero sentir… por eso creo que el rock es solamente para rockeros” sentenció. Teté se despidió invitando a todos los santiagueños a participar del show, animado e impaciente, palpitando el día en el que La Renga vuelva a sonar en Santiago del Estero, con la misma intensidad que los miles de fanáticos que ya esperan, entrada en mano, volver a disfrutar de la música, o mejor dicho, del rock, como un estilo de vida.

Espero que este artículo que escribí para el diario en el que trabajo y mi blog personal, sobre el accionar de la Inquisición en mi provincia, sea de utilidad para historiadores, estudiosos e investigadores de Taringa. Caza de brujas, Inquisición y Santo Oficio en Santiago del Estero Por Silvio Pratto El misterio religioso “Arderían las piras en la ciudad de Santiago como un símbolo de la purificación de las costumbres, pero el gobernador sería considerado como uno de los más crueles representantes de aquellas épocas bárbaras, de tormentos, de Inquisición y Santo Oficio”. Orestes Di Lullo, del libro Santiago de Estero: Noble y leal ciudad ¿Cuáles son los misterios ocultos detrás de años de historia santiagueña? Esta tierra antiquísima, también fue el escenario de etapas cosmopolitas cuyos momentos claves se recuerdan a kilómetros de distancia, difusos, casi ajenos. La conformación de este suelo caminó al unísono con momentos históricos cuyo conocimiento es general, tangencial, pero que ocultan circunstancias acaecidas en puntos de la ciudad que transitamos a diario, y que son testigos silenciosos de centurias enteras. El siguiente artículo pretende pararse en una etapa histórica comprendida por los siglos XV al XVII. Dejemos libre la quimera, y permitámonos creer que unas meras líneas bastarán para viajar en ese marco de tiempo, omitiendo los detalles claro, pero procurando generar imágenes de un Santiago pretérito, añejo y particularmente cruel y despiadado. La Congregación para la Doctrina de la Fe (o Santo Oficio, o meramente Inquisición) fue un sistema impulsado e implementado por la Iglesia Católica durante el medioevo. La intención primaria –y con esta aseveración no se pretende destacar minuciosamente su accionar- era erradicar de las sociedades cualquier corriente de pensamiento que difiriese de la inherente a la grey católica. Así, protestantes, cristianos nuevos o conversos, científicos, pensadores y más adelante cualquier persona que evidenciara ideas demasiado progresistas (principalmente si se trataba de nociones importadas de Inglaterra, donde las ideas tenían un tinte netamente liberal) era rápidamente juzgados por un tribunal que actuaba célere y qué avalaba métodos como la tortura para indagar o castigar a sus acusados. Claro está, el catolicismo era tan sólo una de las instituciones que impulsaban y legitimaban el método inquisidor. Detrás de él, el poder político hegemónico trabajaba de manera articulada con la iglesia generando una maquinaria de control político, social y económico, tan temida como despiadada. En el caso de Argentina, y particularmente de Santiago del Estero, el Santo Oficio operaba en conjunto con la colonización de la monarquía española. No obstante, la Inquisición enjuiciaba sólo a blancos, españoles o europeos, por lo que los indios nativos eran juzgados por tribunales ordinarios, que sin embargo utilizaban los métodos impulsados por esta doctrina. En Santiago del Estero no existía un tribunal de la Santa Inquisición. Las centrales del Santo Oficio estaban apostadas en Cartagena de Indias, Lima y México. Conformadas por sacerdotes, colonizadores y “familiares del Santo Oficio”. Todos ellos gozaban de una serie de privilegios que hacían tentador ingresar en una organización casi sectaria, poderosa y temida. Historias de Inquisición en Santiago "E pur si muove" Galileo Galilei El suelo provincial fue testigo del accionar del brazo inclemente de la Inquisición. Los archivos históricos de la provincia revelan historias de escarnio público, de torturas y tormentos, de persecución y muerte. Quizás el más representativo de ellos es el de la india Lorenza, musa que impulsó la investigación de la historiadora Judith Farberman (que encontró numerosos procesos por hechicería iniciados en la provincia). Lorenza fue acusada junto a otra india conocida simplemente como Pancha, de ser la culpable por la enfermedad desconocida que aquejaba a la criada del alcalde. Cómo este caso, existen otros. Innumerables procesos seguidos contra frailes y sacerdotes, pero principalmente contra indios y librepensadores. La hechicería, el encantamiento y cualquier práctica ajena a una cultura instaurada, era rápidamente castigada por una doctrina cuyos engranajes estaban aceitados a la perfección, prestos para acallar voces irreverentes. El investigador local Luís Garay menciona otros casos relevantes. Entre ellos, destacan el del conquistador español Juan Ramírez de Velasco, quien quemó cerca de 40 mujeres acusadas de brujería al llegar a Santiago del Estero como gobernador. Otro hecho tiene lugar a principios del siglo XVII, cuando el inquisidor Francisco de Luna y Cárdenas, acusa a una criada india de envenenarlo. “Tenía el estomago lleno de fístulas… nosotros creemos que podría haber sido un envenenamiento provocado por la jana de la tuna”, explica Garay. El español, utilizaba un método de tortura que ni la cruel de las mentes podría imaginar. Ponía los dedos pulgares de la mujer en los percutores de las escopetas –el espacio donde se colocaba la pólvora- para luego dejar caer el mecanismo sobre ellos. Había otro tipo de torturas más usuales, como el potro, el garrote y los ladrillos fríos y calientes. El escritor Raúl Lima, recuerda el caso de dos indias que por una enfermedad de su patrón son acusadas de brujería. “Terminan confesando, pero sólo para que dejen de martirizarlas. La tortura era un método legal e inhumano de indagar”, explica. El escenario de este espectáculo atroz, habría sido la plaza Libertad, un punto neurálgico de la capital provincial. Incluso Francisco de Aguirre tuvo que vérselas con las autoridades inquisidoras. El fundador de la provincia fue detenido tres veces por el Santo Oficio, principalmente por el rechazo natural que sentía por el clero. “Es más útil un herrero que un sacerdote”, supo sentenciar, dicho que lo llevó a un juicio, en el que él tuvo que abjurar, para salvar la vida, como un Galileo Galilei vernáculo. El modus operandis de la Inquisición incluía el secuestro, encierro y la confiscación de los bienes de las personas acusadas. Los mismos, eran encerrados en cárceles secretas, ubicadas generalmente en los sótanos de los conventos (no existe la constancia de la existencia de estos en Santiago). Los acusados podían sufrir dos tipos de condenas una leve y otra grave. La primera implicaba simplemente desdecirse, acto que permitía salvar la vida tras de un proceso que podía durar muchos años, y en los que uno era debía hacerse cargo de los daños que podría sufrir su cuerpo. Cualquier lesión, era responsabilidad del acusado, “por no decir la verdad al ser interrogado”. La condena siempre se consumaba, si el acusado había muerto durante el proceso, se quemaba una estatua, y se dejaba en las iglesias un San Benito, a modo de prueba. El San Benito era una túnica con la que se vestía a los condenados. Por lo general, se encontraba hecha de un color fuerte y estampada con símbolos relacionados a la brujería y la hechicería. Lo que fue, lo que es, lo que será Cuáles son las consecuencias de que instituciones como el Santo Oficio o la propia colonización española hayan ocupado un lugar preponderante en la cultura de nuestra provincia -y, como es obvio, de Argentina- durante siglos. Las huellas trazadas en los aspectos sociales de nuestro país e incluso de Sudamericana, son inmunes al olvido que propone el paso del tiempo. Y es que los procesos de la Inquisición, parecieran haber marcado el rumbo, trazando un camino que la historia de nuestro país volvería a recorrer. Es simple entonces establecer un paralelismo entre las formas de enjuiciar, encarcelar y matar. El control descontrolado, la condena al pensamiento libre, la captura ilegal y el abuso del poder. Puntos comunes que bien podrían disparar una señal de alarma. Y es que las similitudes, aterradoras, parecieran repetirse cíclicamente en un país donde la memoria se proclama pero rara vez se usa. La historia manchada de sangre, sangre que tal vez haya sido limpiada del suelo en el que ahora mismo estamos parados. "Si la libertad significa algo, será, sobre todo, el derecho a decirle a la gente aquello que no quiere oír". George Orwell, 1984 Fuentes: www.nubosidadvariable2.blogspot.com http://www.diariopanorama.com/diario/noticias/2008/10/01/a-26963.html

Por Silvio Pratto Tengo que confesarlo: soy un eterno mártir de las ciencias exactas. Durante mi estadía en el colegio secundario, he urdido innumerables excusas para escapar de las clases de matemática, física y química, yugos semanales a los que era sometido por profesores impiadosos, que no dejaban escapar una oportunidad de hacerme pasar al pizarrón para humillarme ante una clase que se deleitaba con mi ignorancia aritmética. La tabla del 6 fue el tope de mis capacidades numéricas y la solidaridad de compañeros talentosos en esos avatares (y en los de dictar durante los exámenes) el salvoconducto que me permitió terminar el colegio secundario sin adeudar materias que el tiempo transformó en un karma ineludible. Y claro, el carácter indispensable de las ciencias exactas en este plano de la existencia, hace que su utilidad misma pueda ser aplicada hasta en el cine. Ejemplos hay miles y guiones por montones, pero el más reciente es el de “Los Crímenes de Oxford”, flamante película del español Alex de la Iglesia, realizada en base a la novela “Crímenes Imperceptibles” del argentino Guillermo Martínez, un matemático devenido en escritor que respiró el añejo aire inglés de esa ciudad, lugar donde consiguió uno de los doctorados que engrosan su currículum. De la Iglesia sale airoso de una incursión arriesgada por partida doble. Primero, al generar un guión exento de errores flagrantes, donde el más nimio fallo generaría un efecto bola de nieve, extirpando todo el sentido a una cinta donde la lógica se erige como principio fundamental e ineludible. Y segundo al no apoyar todas las esperanzas de largometraje en la historia de nuestro compatriota, sino realizando un trabajo interesante desde lo estético, con planos que buscan salir de lo usual con éxito, aunque no llegan a ser completamente novedosos. El reparto tiene como protagonistas salientes al multifacético John Hurt y al insoportable Elijah Wood. Ambos conforman una dupla alumno/profesor no demasiado interesante, cuyo carisma cae bajo los irascibles rostros de confusión del joven actor. No quiero ser injusto, pero ¿alguien en este bendito planeta le cree a Elijah Wood? Es decir, alguien que no sea un fanático acérrimo de la trilogía de los anillos. A mí particularmente, su extensa trayectoria no me resulta un fundamento lo suficientemente sólido para sostener su endeble talento actoral. Es un tipo con suerte, eso hay que reconocerlo. Con un rostro de inexpresividad supina que nada debe envidiarle a Nicholas Cage, ha logrado participar en un par de muy buenas películas (Sin City, Back To The Future II) e incluso huir al encasillamiento que podría haberle valido ser Frodo Bolsón en El Señor de los Anillos. Claro, mi paciencia se terminó con esta cinta, Elijah es muchas cosas, pero… ¿un galán?. Hubiese preferido que su talento ficticio se haya limitado a cierta virtud con los números, y no a la segregación masiva de feromonas. Y si hay un galán -aunque en este caso sea Frodo- debe necesariamente haber féminas (al menos en los largometrajes occidentales). Ese papel es curiosamente, también de un binomio. Leonor Watling y Julie Cox son las actrices de turno, adornando la pantalla no sólo con su belleza indiscutible, sino también con actuaciones convincentes que encajan perfectamente con la tónica de la película. De la Iglesia logra darle a la cinta un estilo misturado entre el cine negro norteamericano y los lugares comunes de las historias de Sherlock Holmes. Misterio y lógica se equilibran llevando el guión con soltura y manteniendo el interés de un espectador necesariamente activo. Una cinta recomendable, que no necesariamente debe verse en la pantalla grande y que puede resultar gratificante aún para quienes, como yo, los números son una tortura indescriptible. Fuente: Diario Panorama Link: http://www.diariopanorama.com/diario/noticias/2008/09/01/a-25043.html

Fuente La editorial norteamericana de historietas Marvel Comics, continúa el camino que comenzó con Iron Man con una nueva versión de Hulk. Este sendero (que parece conducir indefectiblemente a un largometraje de Los Vengadores) parece no presentar baches considerables hasta el momento. Lejos de las paupérrimas producciones realizadas en torno a personajes de la editorial, las dos últimas películas son francamente esperanzadoras. Empecemos por decir que esta nueva versión del gigante esmeralda es muy superior a su opaca predecesora de Ang Lee. Realizado íntegramente por ordenador, el personaje se muestra mucho más feroz, violento, oscuro, irascible, irracional y atractivo que la sosa versión anterior, de un verde manzana que hubiese sido más apropiado para el vestido de Betty Ross, que para un monstruo de dos metros movilizado por la ira. Edward Norton es elegido en esta oportunidad para encarnar al siempre sufrido Dr. Bruce Banner. La elección, se sabía de antemano acertada. Norton es largamente reconocido por su versatilidad, esa misma que le permite interpretar desde un neo nazi fundamentalista (América X) hasta un joven con severos problemas psicomotrices (The Score). La interpretación del fugitivo científico, es aprobada con creces, y los fundamentos se basan exclusivamente en el talento del actor. Junto a él, se encuentran un puñado de actores de extensa trayectoria hollywoodense. Liv Tyler interpreta a Betty Ross, con una belleza que opaca preocupantemente a la actriz (algo similar ocurrió con Jennifer Connely en la película anterior) y Tim Roth junto a William Hurt conforman el binomio de villanos de turno, ambos geniales, particularmente Roth quien da forma a un fanático militar ruso curiosamente mezclado en las tropas yankees, cuya obsesión por derrotar a Hulk vence cualquier atisbo de racionalidad posible, transformándolo en La Abominación, clásico personaje que en las historietas de la bestia verde repartió sopapos a diestra y siniestra, y que finalmente llegó al cine en un acto de extrema justicia. La cinta está plagada de guiños para los fanáticos. Desde la clásica aparición de Stan Lee, pasando por detalles más finos como la negativa de Edward Norton a utilizar el clásico pantalón violeta (el mismo que Hulk utilizó en los cómics de la década del 60) o un pequeño papel interpretado por el mítico Lou Ferrigno, el mismo que pintado completamente de verde, encarnaba al coloso esmeralda en la recordada serie televisiva, a puro músculo y sin complementos digitales. Y por supuesto, el ingrediente principal de este cóctel es la violencia arrolladora, desmedida, ingente y desproporcionada. La misma con la que esperamos encontrarnos en una película de Hulk, un lugar común, ineludible e indispensable. Los escombros vuelan por los aires destrozando todo alrededor con una fuerza arrolladora durante cada una de las escenas de acción de la película. Hulk rompe todo, destruye, aplasta y se transforma con el correr de los minutos en la versión más decente realizada hasta el momento del personaje. El resultado final es una equilibrada proporción de entretenimiento –para el público masivo- misturado con un guión respetuoso a la historia del personaje, un bálsamo para el fanático fundamentalista. “The Incredible Hulk” propone entretenimiento sin límites y es a la vez una golosina para los amantes del cómic y la ciencia ficción. Una pena que las salas locales hayan optado por la versión doblada al castellano, procurando acaparar un público infante. Una prueba más, de que el género fantástico continúa siendo subestimado.