Espero que Disfruten la lectura, los que ya lo conocen no habrà nada que ya no sepan (creo yo jeje) y los que no lo conocen los invito a que lo lean ya que es una lectura muy interesante (y de paso lo que necesiten hacer algùn trabajo les viene como anillo al dedo
)
Bueno, paso a brindarles la info:
El Surrealismo
A lo largo del siglo XIX, los progresos técnicos, el desarrollo de la economía y el continuo avance de las ciencias habían forjado un tipo de sociedad occidental que se asentaba en una creencia que les parecía firme e inmutable: la fe en el progreso de la ciencia como elemento imprescindible un desarrollo humano que parecía ilimitado e incuestionable.
Sin embargo, las teorías de algunos pensadores y científicos como Nietzche, Einstein y Freud pusieron en cuestión la bondad del progreso basado en un desarrollo incontrolado de la técnica, la validez de principios éticos y morales no cuestionados hasta el momento y la importancia de la parte no racional de la persona, quebrando con ello la confianza y la seguridad de las hasta aquel momento optimistas sociedades de Occidente. Los malos presagios que auguraban que el desarrollo de la tecnología no tenía por qué ir necesariamente ligado al progreso y bienestar se confirmaron plenamente en el período 1914 - 1918, durante la cual una espantosa guerra sembró el horror y la muerte por todo el continente europeo.
Tras la guerra, nació un mundo distinto. Por un lado, la URSS, Italia, Alemania y, en menor medida, otros países, vieron nacer y esarrollarse filosofías que dieron lugar al establecimiento de regímenes autoritarios; por otro, el sistema capitalista, basado en la iniciativa privada y la inhibición del Estado en la economía, entró en profunda crisis con sus secuelas de paro y miseria, y por último, el sistema democrático sufrió un cierto desprestigio al ser incapaz de garantizar seguridad y bienestar. Todos estos profundos cambios no fueron ajenos al mundo del arte. A partir de entonces, el artista, en buena medida racionalista, academicista y confiado, dejó su lugar a otro con inquietudes distintas, más escéptico y receloso ante un porvenir incierto e inquietante. El nuevo artista reniega de la misión que hasta ese momento realizaban sus colegas: la de plasmar la realidad. Lo que le interesa, por el contrario, es trasladar a sus lienzos o a la piedra sus inquietudes, su visión del mundo, sus sueños. En definitiva, el artista dejó de ser un fiel transmisor de lo que veía para convertirse en un creador. Aunque surgieron movimientos de índole diversa, todos tenían un denominador común: la convicción de que el arte debía encontrar nuevos derroteros, liberarse de normas y formalismos pasados y de ser el resultado de las vivencias e inquietudes de cada autor. A estos movimientos se les conoce como vanguardias del siglo XX. Uno de ellos es el surrealismo.
Pero... Donde nace el Surrealismo oficialmente?
El surrealismo nació oficialmente en 1.924, con la publicación del "Manifiesto del surrealismo", obra del escritor francés André Bretón. Aunque el propio Bretón lo llegó anegar, el surrealismo, que no sólo abarca el arte sino también la literatura, el cine (un perro andaluz, de Buñuel), la fotografía... Nació estrechamente ligado al movimiento dadaísta.
Surgido tras la I Guerra Mundial y con una decidida orientación nihilista, el dadaísmo significó ante todo una abierta manifestación contra toda forma de arte tradicional, y llegó incluso al rechazo de cualquier forma de arte producida por formas convencionales... Y en este punto de rechazo y ruptura con el pasado se entronca con el surrealismo. La diferencia está en que el surrealismo sustituyó el nihilismo dadaísta por una experimentación científica, con ayuda de la filosofía y la psicología. Esta conexión entre ambos movimientos explica que muchos de los componentes del dadaísmo (Ernst, Arp, Picabia, Ray) se adhiriesen posteriormente al surrealismo y que muchas obras se puedan encuadrar perfectamente en ambos movimientos.
El surrealismo fue definido por el propio Bretón como "automatismo psíquico puro, por el cual se propone expresar verbalmente, por escrito, o bien de otra manera, el funcionamiento real del pensamiento, en ausencia de todo control ejercido por la razón, fuera de cualquier preocupación estética o moral". El impacto que causó en los medios intelectuales de la época no fue inferior al escándalo provocado por el dadaísmo. Los surrealistas criticaban la pérdida de la libertad en los creadores, debida a que el pragmatismo, la rutina, el peso de la educación, "las buenas maneras" coarten al individuo de tal manera que no es necesario que exista una coacción física: la propia autocensura se encarga de limitar la capacidad de creación del individuo al no ser capaz de romper sus ataduras y dejar que la imaginación vague sin lazos ni trabas de clase alguna. El creador es, pues, un alienado de la sociedad, de la que sólo puede librarse mediante la exaltación de lo irracional, de la locura, del sueño; es decir, mediante la oposición de "otro mundo" al establecido y dominado por las clases dirigentes. Es esta la razón por la que algunos surrealistas se adhieren al marxismo, pues piensan que es el instrumento capaz de destruir el orden social y crear una nueva sociedad.
En el primer "Manifiesto del surrealismo", la pintura apenas fue objeto de atención. De hecho, los pintores que más tarde se integraron en el grupo mantuvieron, en principio, una cierta distancia, recelosos de perder su independencia.
En 1927, aparecieron una serie de artículos de Bretón con el título de "Surrealismo y pintura", en los que trataba de las vías por las que el pintor conseguía adentrarse en el mundo surrealista: la vía del automatismo y la del mundo de los sueños.
Automatismo significaba para los surrealistas el mecanismo por el que las ideas y las asociaciones de imágenes surgían al exterior a través de la palabra, la escritura o la imagen de manera rápida, espontánea, fluida, sin hacer caso para nada de la coherencia y el sentido. Así aparecieron diferentes técnicas en el campo de las artes visuales como el collage, los fotomontajes y el frottage (procedimiento por el cual se pasa un lápiz sobre el lienzo extendido sobre una superficie rugosa), cuyos resultados eran la aparición de un conjunto de imágenes yuxtapuestas, en apariencia faltas de sentido.
En cuanto a la vía de la exploración onírica, no se trataba del estudio de símbolos de los sueños, sino de la plasmación de imágenes oníricas, que podían proceder de sueños diferentes o podían recordarnos tan solo ciertas características de los mismos.
La complejidad del movimiento surrealista, que más que una doctrina o escuela era una toma de postura frente a la realidad que les tocó vivir, explica la variedad de estilos. Los hubo que se inclinaron por un surrealismo figurativo (Ernst, Dalí, Magritte, Delvaux), mientras otros como Masson, Miró y Tanguy optaron por la abstracción.
Salvador Dalí: creó un método propio que denominó "crítico paranoico" para "materializar las imágenes de la irracionalidad concreta". En sus obras, dotadas de una técnica extraordinaria gracias a la calidad del dibujo y el color, abunda la mezcla de detalles provenientes de la observación de la realidad con otros originados por los sueños. El resultado es un conjunto de imágenes delirantes, a veces desagradables, enigmáticas o escatológicas ("El gran masturbador", "La persistencia de la memoria"
.
Max Ernst:, llegó al surrealismo procedente del expresionismo y el dadaismo. Su pintura, muy influenciada por De Chirico, sobre todo en lo que se refiere a la estructura y tratamiento de la luz, fría e intensa, es laque mejor representa las imágenes inquietantes del surrealismo. Fue capaz de crear un mundo alucinante, alternativo a lo cotidiano (Napoleón en el desierto); todo ello, junto a su trabajo de investigación y búsqueda de nuevas técnicas, le convierten, posiblemente, en el mejor representante del surrealismo.
René Magritte: pintó obras capaces de producir un fuerte impacto visual, en las que aparecen asociaciones de imágenes desconcertantes, como en el cuadro "La isla del tesoro", en el que unas palomas con el cuerpo de vegetal y raíces clavadas en tierra simbolizan el angustioso contrasentido de la naturaleza humana.
André Masson: basó su obra en la liberación total de la acción de pintar, dejando que el fluido de gestos y trazos fuese totalmente espontáneo sin intervención alguna de la mente. Fue el creador de dibujos sobre arena, consistente en rociar arena sobre un lienzo en el que se había extendido de manera aleatoria cola de pegar. Tras arrojar la arena sobre el lienzo, se agitaba y la arena quedaba adherida a la cola formando imágenes que luego el pintor completaba (Las constelaciones).
Joan Miró: se unió al surrealismo después de haber experimentado en el modernismo, fauvismo y cubismo. Su carácter le fue conduciendo hacia un tipo de pintura muy personal en la que crea un mundo propio de colores vivos y figuras cada vez más esquematizadas que aparecen trasladarse por el lienzo, a imagen y semejanza de un microcosmos (El bello pájaro descifra lo desconocido a una pareja de enamorados).
Ives Tanguy: recreó en sus obras un mundo inquietante, poblado de formas en las que algunos de sus críticos han querido ver evocaciones gráficas de la teoría de la evolución. En su cuadro "Cita de las paralelas", el pintor nos representa un paisaje desolado y misterioso en el que abundan minerales y huesos que sorprenden e impactan al espectador.
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Bien esa serìa la informaciòn del movimiento en si, como surgiò, porquè, donde, etc. y sus principales autores/personajes que lo componen.
Ahora voy a centrarme en èste ultimo punto: los autores. Voy a dar una biografìa de los supuestos "revolucionarios" en èste movimiento artìstico y a incluir algunas de sus obras para que vean su forma presonal de expresiòn.
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SALVADOR DALÍ DOMENECH
Pintor, creador plástico y escritor español nacido y muerto en Figueres, 1.904-1.989. Se formó inicialmente en la Escuela de Dibujo de su ciudad natal junto al maestro Juan Núñez. En 1921 se trasladó a Madrid, matriculándose en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando. En la Residencia de Estudiantes entabló amistad con Luis Buñuel, Federico García Lorca, Rafael Barradas y otros artistas y escritores.
Durante este período inicial su pintura estuvo marcada progresivamente por influencias cubistas y metafísicas, Naturaleza muerta (1924, Madrid, colección particular). Por otra parte, es evidente la influencia de Picasso en el Retrato de su hermana (1925) o del Retrato de su padre (1925, Barcelona, Museu d'Art Modern). En otros dos cuadros parece inclinarse por un realismo parejo al del pintor catalán Feliu Elias. Dentro de la misma línea se sitúa la famosa Cesta de pan (1926, San Petersburgo, Florida, Museo D.).
En 1925 llevó a cabo su primera exposición individual, en las galerías Dalmau de Barcelona. Hacia 1.927 su obra manifiesta un cambio de orientación estética. También sus actividades adquirieron un tono más polémico y combativo, como la proclamación del Manifesto groc junto a S. Gasch y L. Montanya (1928) o sus artículos en L'Amic de les Art.
En 1929 se estableció en París donde entró en contacto con el grupo surrealista, de cuya obra ya era conocedor. Así, se relacionó Arp, Eluard y Gala (Elena Diakonova), mujer de este último que se convertiría en su compañera y musa hasta su muerte en 1982. Obras de estos años son, El gran masturbador (1919), Retrato de Paul Éluard (1929) o Persistencia de la memoria (1931, Nueva York, Museo of Modern Art), así como los trabajos preparatorios para otra película de Luis Buñuel: L'age d'or. En 1933 fue expulsado del grupo surrealista por Bretón, quien criticó su actitud con el anagrama Avida Dollars compuesto con las letras de su nombre.
En 1934 realizó los primeros estudios del cuadro Premonición de la guerra civil española (Filadelfia, Museum of Art). De los grandes maestros del Renacimiento tomó el estudio de las proporciones y la temática religiosa, patentes en obras como El Cristo de san Juan de la Cruz (1950, Glasgow, Art Museum), La Madona de Port Lligat (1945, Wisconsin University), Leda atómica (1949, Figueres, Museo Dalí), Equilibrio interactivo de una pluma de cisne (1946), Cabeza rafaelesca estallando (1951) o Corpus hipercubicus (1954, Nueva York, Museum of Modern Art). El virtuosismo y su técnica minuciosa se aparejan a su aprecio por el arte realista y pompier, al cual rinde culto en, La batalla de Tetuán (1962). a partir de la obra de Fortuny.
En su producción escultórica predomina la combinación de elementos reales con otros oníricos, con ello pretende impactar al público. Utiliza otras esculturas, (Venus de Milo), a las que añade diversos objetos. También hizo numerosas obras en joyería: San Narciso, Cristo. La obra daliniana abarca también el grabado, la ilustración, el cartelismo, la escenografía, la manipulación de objetos, etc. De su actividad como escritor, pueden destacarse La vida secreta de Salvador Dalí (1942) o El mito trágico del Angelus de Millet (1963).
En 1974 se inauguró en su ciudad natal el Teatro-Museo Dalí. Otro museo dedicado a su obra se encuentra en San Petersburgo, Florida.
Algunas de sus obras:
"Apparition of Face and Fruit Dish on a Beach"
"Birth of a Goddess"
"Corpus Hipercubicus"
"Diurnal Illusion: The Shadow of a Grand Piano Approaching"
"Leda Atómica"
"Shades of Night Descending"
"Spain"
"The Ecumenical Council"
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GIORGIO DE CHIRICO
Pintor italiano (Volo, 1888 - Roma, 1978). Nació en Grecia, fundador de la "Escuela Metafísica". Del surrealismo derivó hacia el academicismo. En 1911 se instaló en París, pero permaneció ajeno a las vanguardias. Su encuentro con ellas en 1916 dio lugar a la teorización de la pintura metafísica.
Sus obras, ejecutadas con una técnica minuciosa, se pueblan de objetos de uso corriente (maniquíes), colocados en un contexto ajeno a ellos, como ciudades desiertas o ruinas. Algunos de sus cuadros más característicos son "Las musas inquietantes" (1.916), "Retrato premonitorio de Apollinaire", "Hector y Andrómaca" y "Gran interior metafísico" (estos tres, de 1917).
Algunas de sus obras:
"Love Song"
"Montparnasse Station"
"The Archaeologists"
"The Conquest of the Philosopher"
"The Disturbing Muses"
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PAUL DELVAUX
Pintor belga. Nació en Antheit, Lieja, en 1897. A los 21 años, el pintor Courten convenció a los padres de Delvaux para que lo enviaran a estudiar a la Academia de Bellas Artes de Bruselas, donde posteriormente fue profesor (1950-1962). Empezó pintando casi exclusivamente paisajes, para pasar a practicar una especie de realismo impresionista. En los años treinta notó la influencia del expresionismo flamenco, y, bajo la influencia de De Chirico y Magritte, una década más tarde, ya participaba en exposiciones surrealistas.
Considerado uno de los grandes maestros del surrealismo, junto con Dalí y Magritte. Su técnica, casi académica, contrasta con su afición por los temas misteriosos y por la plasmación de un mundo onírico y personal en el que la mujer se configura como un ser arcano, a veces sometido a metamorfosis vegetales, en una atmósfera inquietante marcada por un cierto erotismo ("Esqueletos", "Jardín nocturno", "La tentación de San Antonio"
. A causa de la pérdida progresiva de la vista, Delvaux dejó de pintar desde 1986, y su última gran exposición retrospectiva fue en París, en 1992. Falleció el 20 de julio de 1994 a los 96 años, en Furnes, Bélgica.
Algunas de sus obras:
"Skeletons"
"The Awakening of the Forest"
"The Village of the Mermaids"
"Untitled"
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MAX ERNST
Max Ernst nació en 1891, en la localidad alemana de Brühl. En 1909 inició sus estudios de filosofía en la Universidad de Bonn. Allí conoció al pintor August Macke que le puso en contacto con el grupo vanguardista de Munich. El Jinete Azul (Der Blaue Reiter), formado, entre otros, por Kandinsky, Delaunay, Marc, Jawlenky y Klee.
También gracias a Macke, se unió al grupo de la Joven Renania, cuyo lema principal era la espontaneidad. Decidió dedicarse a la pintura y, en 1912, pudo exhibir sus obras en Bonn, Colonia y Berlín, organizada esta última exposición por Macke y Kandinsky y con obras de Chagall, Delaunay y Klee. Conoció a Apollinaire y quedó impresionado por su pensamiento y por sus poemas. Participó, en 1931, en el Primer Salón de otoño alemán. Conoció casualmente a Hans Arp en una galería de arte y selló con él una amistad que duraría toda la vida.
Mientras en Zurich nacía el movimiento dadá, al terminar la guerra, Max Ernst quedaba en Colonia, donde la Dadahaus le facilitó el contacto con los medios artísticos subversivos de Munich, Berlín y Zurich y con pintores como Paul Klee y De Chirico. En homenaje a este último, publicó un álbum de ocho litografías titulado "Fiat modes, pereat ars" (1919). Ese mismo año empezó a hacer collages, algunos en colaboración con Arp y Baargelden (álbum Fatagaga). Los collages de Ernst no se parecían a los de Braque o Picasso, que se organizaban en un contexto, sino que eran fragmentos que organizaba siguiendo los impulsos irracionales de su imaginación y que anunciaban marcadamente el surrealismo plástico. Se dejaba guiar por el principio de la similitud, que modificaba la relación natural de objetos, situaciones, perspectivas o escalas, creando un efecto de choque en el espectador.
En una visita a Colonia, en 1921, Paul Éluard seleccionó algunos collages para ilustrar sus poemas; a partir de entonces se crearía una gran amistad entre ambos y, al año siguiente, colaborarían en la redacción e ilustración de "Los infortunios de los inmortales". En esa época pintó "Reunión de amigos" y otra serie de cuadros en los que aparecen máquinas, jeroglíficos, fantasías sobrecogedoras y simbologías oníricas y angustiosas, como "Élephant Célèbes", "Oedipus Rex", "Mujer, anciano y flor" y "Dos niños amenazados por un ruiseñor".
Tras un viaje a Oriente en 1924, Ernst se definió claramente surrealista, se adhirió al manifiesto que acababa de publicar Bretón y, junto con Masson, Miró y Dalí, formó la vanguardia de esta corriente pictórica.
En 1925 inventó los frottages, de una manera casual. Poco después utilizaría también una variante a la que llamó raclage, que consistía en raspar con un peine o una rasqueta la capa fresca de la pintura y dejar que asomara parcialmente el interior. En 1926 hizo la primera obra con esta técnica: "Bosque-artistas".
De 1927 a 1938, Max Ernst vivió en París, profundizando en las posibilidades del movimiento surrealista y dejándose llevar por sus vivencias personales. Para crear seguía el consejo de cerrar sus ojos físicos para poder ver primero las imágenes con el ojo espiritual y, luego, traspasar a la luz del día lo que había visto durante su noche, de modo que el orden que le guiara fuera del interior al exterior. No descartó ninguna forma de manifestar sus fantasmas interiores, su razonamiento consciente, su sensibilidad y su conducta espontánea, dejándose llevar por técnicas artísticas que, en principio, le eran ajenas.
En 1930 participó con Buñuel y Dalí en la realización de La edad de oro. En 1934 dejó en la casa de Giacometti numerosas esculturas de piedra. Pero siguió dedicándose a la pintura y, sobre todo, a los álbumes y las novelas collage, la más ambiciosa de las cuales sea "Une semaine debonté, ou les sept éléments capiteaux" (1934).
En 1936 participó en la exposición de Arte Fantástico, dadá y surrealismo de Nueva York. También empezó a aplicar sobre sus pinturas al óleo una técnica nueva, la decalcomanía, que desarrolló principalmente a partir de la década de los cuarenta.
Cuando estalló la guerra, en 1939, empezó un calvario, debido a su dependencia de la jurisdicción alemana. Fue internado y excarcelado de varios campos de concentración. En esos años sólo empezó "Europa después de la lluvia" cuando ya Francia estaba ocupada por los nazis y la Gestapo, que le consideraba un artista degenerado, le vigilaba estrechamente. Entonces decidió marchara EEUU e instalarse en Nueva York.
En 1942 expuso las primeras pinturas americanas ("Napoleón en el desierto", "Europa después de la lluvia II" y "El antipapa"
, en una muestra itinerante por Nueva York, Chicago y Nueva Orleans. También inició una serie, "La mosca no euclidina" (luego la llamaría "Hombre joven intrigado por el vuelo de una mosca no euclidiana" en la que se valió de un procedimiento nuevo para crear asociaciones consistente en una lata llena de pintura, a la que se ha practicado un agujero, y que se deja oscilar sostenida con una cuerda, sobre la tela.
En una exposición de pintoras había conocido a Dorothea Tanning, de la que se enamoró, permaneciendo junto a ella el resto de su vida. El día después del armisticio, Paul Éluard le organizó una exposición retrospectiva en París, mientras en Beverly Hills se celebraba la boda de ambos. El matrimonio viajó a Sedona, donde permanecieron cuatro años semiretirados de toda actividad mundana, dedicados a la construcción de la casa, a la pintura, a la escultura y a la escritura. Allí pintó "Siete microbios vistos a través de un temperamento", poco antes de obtener la ciudadanía norteamericana, de presentar una exposición en Nueva York y otra en Beverly Hills, y de que, en París, se publicara "En el interior de la vista: ocho poemas visibles", un libro de poemas de Éluard y antiguos collages suyos.
En 1950 regresó a Europa y revivió en París los últimos tiempos dramáticos. Ernst se había convertido en un artista reconocido y las exposiciones retrospectivas que se hicieron a su llegada tuvieron una enorme afluencia de público.
Ernst y Dorothea, que ejerció una benéfica influencia en Su vida y en su obra, residieron tres años más en Sedona, hasta que se trasladaron a París definitivamente en 1.958. Se cerraba una época en la que su obra había experimentado una profunda transformación, sustituyendo los fantasmas maléficos de antaño por ensueños menos dramáticos, quizá menos poéticos, pero más cristalinos.
La obtención del primer premio de pintura de la Bienal de Venecia le supuso su consagración como pintor y su exclusión del grupo surrealista, pero este hecho no se debió sólo al rechazo de su acceso a la fama y a los halagos mundanos que ésta comportaba. Había razones personales relacionadas con su falta de espíritu militante y su talento abierto y libre, receptivo física e intelectualmente a las continuas variantes de su vida.
Tras una corta etapa en París, el matrimonio se instaló, en 1955, en la región de Touraine, donde trabajaba en la ilustración de "Galápagos", de Antonin Artaud y prepararon una exposición colectiva en Tous, en la que participaron ellos dos junto a Man Ray y Mies van der Rohe.
La obra realizada en este segundo período francés, en la que combinó procedimientos técnicos que había utilizado con anterioridad, como la decalcomanía y el "raclaje", incluye "El caballero polaco" (1954), "El bosque rojo" (1956), "La tumba del poeta" (1958), los aguafuertes de "Maximiliana" y la pintura "Para luna escuela de monstruos" (1966) que le colocaron en un lugar privilegiado dentro de la escuela de París.
Desde su vuelta a Europa hasta su muerte se iban a suceder continuas exposiciones en Nueva York (1958), París (1959); Londres (1961) ,Colonia, Zurich, Tours, París, Helsinki, Estocolmo, Copenhague y Antibes (1963), y en la Galería Iolas de París (1964, 1966, 1968 y 1969). En 1970 se publicó una recopilación de sus textos con el nombre de "Escrituras", y en 1974 pintó su última obra, "El museo del hombre".
En 1975, un año antes de su muerte, Ernst formuló una pregunta abierta a sus seguidores: si había merecido el nombre que le aplicó uno de los mayores poetas de nuestro tiempo: "El mago de los apenas perceptibles sortilegios".
Murió en 1976, a los ochenta y cinco años, en París, a consecuencia de un paro cardíaco.
Algunas de sus obras:
"Élephant Célèles"
"Landscape with Sprouting Corn"
"Oedipus Rex"
"Saint Cecilia" (Invisible Piano)
"The Entire City"
"The Eye of Silence"
"The Wavering Woman"
"Two Children are Threatened by a Nightingale"
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RENÉ MAGRITTE
Pintor belga. (Lessines, 1898 - Bruselas, 1967). Se formó en la Academia de Bruselas. Tras realizar sucesivas búsquedas abstractas, futuristas y cubistas, se orientó hacia el surrealismo bajo la influencia de G. de Chirico, a cuyo movimiento se unió en París desde 1927 hasta 1931. En sus cuadros reproduce con técnica absolutamente académica objetos y personas convencionales agrupados de manera paradógica. Con posterioridad pasó por un período neoimpresionista así como por experiencias futuristas y abstractas, antes de volver a su verdadera vocación: un arte en el que la apariencia rigurosamente objetiva provocara inquietud o sorpresa. Inspirada en lo absurdo (El movimiento perpetuo), en la parodia (Esto no es una pipa) o en lo insólito (Filosofía en el gabinete), y basada en la técnica fría, su pintura reflexiona sobre temas metafísicos.
Algunas de sus obras:
"A La Suite De L'eau, Les Nuages"
"Homesickness"
"La Folie Des Grandeurs"
"Le Joueur Secret"
"L'Île Aux Trésors"
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ANDRÈ MASSON
(Balagny-sur-Thérain, 1896-París, 1987), fue uno de los más importantes y tal vez el menos conocido de los pintores surrealistas.
Se le considera tambìen, pionero del expresionismo abstracto y su etapa norteamericana (1940) resultó decisiva para la configuración de la action painting (‘pintura de acción’) de Jackson Pollock.
Su obra pictórica (inclasificable) pasa, en una primera etapa, por el cubismo y, a partir de 1922 (tras conocer a André Breton), por el automatismo con un método que consiste en pintar sobre el lienzo con pegamentos añadiendo después arena coloreada.
Su obra tiene la peculiaridad de visitar varios mundos al mismo tiempo. Desde la perspectiva técnica y compositiva, pasó por el automatismo, el cubismo, el expresionismo y el informalismo.
Algunas de sus Obras:
"Meditation on an Oak Leaf"
"Le Labyrinthe"
"Mannequin with a bird cage"
"Reve d'un Futur Destre"
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JOAN MIRÒ
(Barcelona, 20 de abril de 1893 — Palma de Mallorca, 25 de diciembre de 1983) pintor, escultor, grabador y ceramista español, considerado uno de los máximos representantes del surrealismo. En su obra reflejó su interés en el subconsciente, en lo "infantil" y en su país. En un principio mostró fuertes influencias fauves, cubistas y expresionistas, pasando a una pintura plana con cierto aire naïf, como lo es su conocido cuadro La Masía del año 1920. A partir de su estancia en París, su obra se vuelve más onírica, coincidiendo con los puntos del surrealismo e incorporándose a este movimiento. En numerosas entrevistas y escritos que datan de la década de 1930, Miró manifestó su deseo de abandonar los métodos convencionales de pintura, en sus propias palabras de "matarlos, asesinarlos o violarlos", para poder favorecer una forma de expresión que fuese contemporánea, y no querer doblegarse a sus exigencias y a su estética ni siquiera con sus compromisos hacia los surrealistas.
Uno de sus grandes proyectos fue la creación en 1975, de la Fundación Joan Miró, ubicada en Barcelona, centro cultural y artístico para difundir las nuevas tendencia del arte contemporáneo, constituyéndose con un gran fondo de obras donadas por el autor; otros lugares con importantes fondos de sus obras son la Fundación Pilar i Joan Miró de Palma de Mallorca, el MNAM de París y el MOMA de Nueva York.
Algunas de sus obras:
"Le coq"
"Dutch Interior I"
"The tilled field"
"La Masia"
"Woman in the Night"
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YVES TANGUY
Nació en París, (Francia) y era hijo de un capitán de marina retirado. Sus padres eran ambos de origen bretón. A la muerte de su padre en 1908, su madre volvió a su pueblo natal Locronan, Finisterre, y Tanguy convivió la mayor parte de su juventud con otros familiares.
En 1918, Yves Tanguy se embarcó en un navío mercante antes de unirse al ejército, donde se hizo amigo de Jacques Prévert. Al acabar el servicio militar en 1922, volvió a París, donde trabajó en diversos oficios. Por casualidad vio un cuadro de Giorgio de Chirico y quedó tan impresionado que decidió convertirse en pintor aunque no tenía la más mínima educación formal para dedicarse a ello.
Tanguy tenía la costumbre de quedar totalmente absorbido por la obra en la que estuviese trabajando. Esta forma de crear una obra de arte puede obedecer a que su taller era muy pequeño y sólo podía albergar con comodidad únicamente una obra secándose.
Gracias a su amistad con Jacques Prévert, Tanguy fue admitido alrededor de 1924 en el círculo de surrealistas de André Breton. Tanguy desarrolló con rapidez su propio estilo pictórico, celebrando su primera exposición individual en 1927 en París. Ese mismo año se casó por primera vez. Durante esta época tan ocupada de su vida, Breton celebró con Tanguy un contrato para pintar 12 cuadros al año. Con sus ingresos fijados, pintó menos y acabó haciendo sólo 8 obras de arte para Breton.
Los cuadros de Yves Tanguy tienen un estilo único, reconocible rápidamente, de un surrealismo abstracto. Muestran paisajes vastos y abstractos, en su mayor parte con una paleta de colores muy limitada, mostrando sólo destellos de colores que contrastan. Típicamente, estos paisajes de ensueño están poblados por formas abstractas variadas, a veces angulares y agudas como fragmentos de vidrio, otras veces con un aspecto orgánico introgante, como amebas gigantes repentinamente petrificadas.
Algunas de sus Obras:
"Divisibilidad Indefinida"
"Muerto acechando a su familia"
"Ni leyendas ni figuras"
"La dama ausente"
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PIERRE ROY
Nació en Nantes en 1880. Fue considerado como el padre del realismo mágico. Su primera exposición dentro del surrealismo fue en la Galerie Pierre en 1925, influenciado por Henri Rousseau y De Chirico. Su obra está llena de detalles meticulosos llenas de escenas y objetos creando un contexto natural, distorsionado y combinado con sueños fantásticos. Se calcula que pintó cerca de 200 cuadros. Falleció en 1950.
Algunas de sus Obras:
"Andromede Enchainee"
"Cabinet d'un Naturaliste"
"La Chambre de Chasse du Comte"
"Metric System"
(Info): Libros de Arte y Dibujo Clàsico/Contemporàneo.
(Imàgenes): Varios sites de internet (mayormente de Geocities)
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Bueno es una lectura un poco pesada, lo sè, pero es exquisita sin duda.
Asique invito como bien dije al comienzo del post a que vean las obras de èstos artistas y que se informen acerca de èste movimiento artìstico tan peculiar.
Espero que disfruten de la lectura y de las imàgenes tanto como yo.
Saludos y Èxitos.
PD1: El que quiera dejar alguna opiniòn o comentario sobre el tema en sì es libre de hacerlo.
PD2: Àquellos faltos de cultura que entren con afàn de ofender o dejar un comentario negativo ABSTENERCE, gracias.
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