Grandes Obras de Arte Conceptual

ARTE CONCEPTUAL

El objeto de este post es presentar un poco de arte conceptual para los que les gusta esta corriente, para los que no la conocen y principalmente para los que creen que el arte quedo en la Gioconda y el Guernica - obras a las que no les resto ningun valor - y asi acceden a la produccion artistica de hombres que empujaron los limites de lo que puede considerarse arte. Veremos obras que detras de un aspecto simple y monotonamente efimero ocultan un concepto filosofico e ideologico mas profundo que grandes obras históricas de mayor renombre.
Debajo de cada obra voy a intentar explicar la idea detras de cada una de ellas, ya que despues de todo, es en la idea en donde se haya el verdadero valor de este estilo. Lo hago lo mas breve posible, porque se que es goma leer.








Esta temprana obra del artista frances Marcel Duchamp, muestra su influencia cubista y futurista. Los cubistas (entre los que se destaca Picasso) querían reducir las imagenes a formas geometricas simples, y junto a los futuristas buscaban capturar el tiempo, como otra dimension mas, representando las distintas fascetas de un objeto realizando una accion. Por ejemplo, un perro corriendo tenia doce patas y varias colas, similar a una fotografia de exposicion prolongada. En esta obra, como indica el titulo, Duchamp muestra a una mujer desnuda bajando una escalera







Aunque esta obra parezca casi una estafa del artista, o carente de merito artistico, para llegar a valorarla, hay que mirar mas alla del eponimo cuadrado negro. Malevich no pinta un cuadrado negro sobre un fondo blanco nada mas, logra crear un mundo nuevo de abstraccion total. Tecnicamente, es mas facil inspirarse para pintar la Gioconda o la Maja Desnuda ya que son cosas que existen y solo hace faltas verlas y considerarlas una buena idea para pintar, mientras que por otro lado el cuadrado negro es algo completamente inexistente dentro de nuestro mundo. Al ver un cuadrado negro, uno esta viendo la nada, algo nunca antes visto y sorprendentemente logrado a travez de una figura geometrica y un cuadro bicolor.
Si al ver esta obra pensas "Eso no es arte, yo puedo hacer eso" estas equivocado. Porque lo que hace que algo sea arte no es la capacidad de que solo una persona lo pueda hacer (Existen reproducciones de pinturas famosas, lo que demuestra que no es imposible pintar nada, sin importar su complejidad.) sino el hecho de que solo una persona pudo concebir esta idea. Tambien hay que valorar al cuadrado negro por su aspecto revolucionario. Piensenlo así: durante milenios existio la pintura, luego se descubre el punto de fuga, se abandonan los temas sacros, se evoluciona en la perspectiva, da Vinci crea el difuminado, etc, etc y de pronto un día un hombre decide desechar todo el trabajo artistico de miles de años y reducir la expresion artistica a su forma mas simple.






El aleman Paul Klee se inspiraba en el estilo simplista e ingenuo de los dibujo infantiles y tomaba este estilo para crear representaciones basicas centradas alrededor del sentimiento. Paul Klee sostenia que entre mas feo era el mundo - recordemos que fue pintado despues de la Primera Guerra Mundial - mas abstracto era el arte, despues de todo: como vamos a encontrar la belleza pintando al mundo si lo unico que ofrece es violencia y sufrimiento? Paul Klee entonces decide hacer pinturas que simbolizen un escape de la realidad, casi un viaje cosmico a un lugar pacifico dentro del arte. Esta idea de escape se manifiesta en la simbologia de sus obras, como la flecha y los barcos.







Yves Klein creía en el valor de los colores, ya sea interactuando entre si, como individualmente. Por eso es que a principios de su carrera habia realizado una exposicion que consistia de varios cuadros pintados de un solo color. Para su decepcion la gente los miraba como un conjunto e iba de cuadro en cuadro con rapidez, asumiendo que eran alguna especie de decoracion de interior, o patron cromatico. Entonces, el decidio reducir su paleta a un solo color: el azul. Desde ese momento inicio un período en el que realizo decenas de obras pintadas totalmente en azul, varias de ellas simples lienzos llanos con un solo tono, algunas otras incorporan relieves y mas.






Ad Reinhardt abandona las representaciones de cosas reales en favor de cuadros de color puro y tamaño monumental (algunos de ellos de mas de siete metros de ancho) que hacian que el espectador se sienta dentro de la obra. A simple vista, sus obras parecen completamente negras, pero en realidad ocultan sutiles tonos de grises y negros. El sentido de este tipo de obra, es que el espectador se viera a si mismo: al contemplar un espacio tan grande pero a la vez simple, no necesita estar una hora analizando el cuadro, con solo unos segundos basta. Entonces luego de hacer esto, lo unico que queda por ver es a uno mismo, por eso es que estas obras inducen a la reflexion.







El Colour-Field era una corriente artistica que se oponia al trabajo monocromatico de artistas como Yves Klein, sosteniendo que la belleza del arte no estaba en sus elementos individuales sino en como se situan estos en relacion con otros elementos. Josef Albers realiza un homenaje no solo a la obra de Malevich, sino que tambien muestra estas ideas nuevas, y propone que en su obra hay que apreciar los colores individualmente y luego apreciar el contraste entre ellos, la armonia que crean o la disonancia. Esta es una de tantas versiones de esta obra que pinto, con distintos colores.






En esta obra, el italiano Lucio Fontana logro introducir la tridimensionalidad al lienzo de una manera muy particular: Tomo un cuchillo y realizo varios tajos. Asi es como, sin relieves ni transparencias, ni siquiera arrancando un pedazo de tela, Lucio Fontan incorpora el mundo real a su obra ya que lo que sea que se coloque detras del lienzo, al ser visto por los agujeros, sera parte de el. Crea el espacio sin agregar ni quitar nada. El concepto de esta obra esta repetido muchas veces a lo largo de la obra de Fontana. Como yapa menciono que una de las versiones de concepto espacial esta en exhibicion en el MALBA.







Esta obra parece un chiste, y en cierto modo lo es, pero no por carecer de seriedad carece de valor artistico. En esta obra, Duchamp vuelve a hacer que la gente se pregunte que es y que no es arte, defamando a la Gioconda de Da Vinci, y asi atacando a las convenciones artisticas de su epoca y del presente. De hecho, ni siquiera se molesto en reproducirla, solo tomo una fotocopia barata y la escribio con tinta, y titulo "LHOOQ", que en frances se pronuncia parecido a la frase "Elle Au Chaud au Cul" que quiere decir "Ella esta caliente en el culo". No hace falta decir mucho más.





Aquí, el revolucionario Jackson Pollock muestra su gran creacion: el Dripping. Esta tecnica consistia en poner el lienzo en el piso (no necesariamente de manera estirada o prolija) y chorrear pintura encima, tirar lineas de color, caminar por encima con una lata agujereada, etc. De esta manera, Pollock logra un arte espontaneo, improvisado, completamente nuevo, y que al igual que la obra de Reinhardt, deja el proceso creativo en manos del espectador. Pollock encierra un momento en el tiempo en sus pinturas, ya que estas son la manifestacion del proceso al que fueron sometidas y son testigos de todas las acciones del pintor que se movia por encima de ellas.







Piero Manzoni vendio latas con la inscripcion "Artist's Shit" que supuestamente contenian treinta gramos de su propio excremento. Su idea era venderlas por su peso en oro. Era una critica hacia las cosas que artistas de renombre hacian pasar por arte, a la produccion en masa, al mundo del arte contemporaneo, y a la vez era parte de su investigación que queria unir la produccion artistica con la produccion humana.







Esta gran obra de Joseph Kosuth juega con los limites de lo que es real y lo que no lo es y demuestra a la gente que no hay que confundir lo representado con lo real. En esta obra, Kosuth muesta una silla, una foto de esa silla, y una ampliacion de una definicion de "silla" de un diccionario. La gracia detras de esta obra, era que la gente al ver la foto decia que eso era una silla, al ver la silla real decia que eso tambien era una silla, y al leer la definicion, afirmaban lo mismo. Entonces, el artista señalaba que si bien todas esas cosas eran identificadas como una silla, solo una de ellas realmente lo era.








"La Traicion de la Imagenes" de Rene Magritte tambien explota la idea de diferenciar realidad y representacion, haciendo una ataque directo al figurativismo. Representando una pipa realisticamente, y escribieno "Ceci n'est pas une pipe" (esto no es una pipa) demuestra su concepto. Cuando la gente, indignada, fue a decir que eso si era una pipa, la respuesta de Magritte fue: "Entonces pongale tabaco".