Si tienen alguna duda sobre cualquiera de estos albums, comuníquense conmigo por MP.
Hola a todos. Como dice el título, la idea del post es dar un "paseo" por lo que fue la escena musical del año 1967. Este fue un año muy prolífico para la música, lleno de debuts extraordinarios dentro del rock y también época de florecimiento de la psicodelia.
Vamos a escuchar algunos discos de bandas muy conocidas y otras no tanto, de estilos variados, para ver cómo se empezaba a gestar por el mundo la era de oro del rock clásico y del rock psicodélico.
1967 fue un año muy particular alrededor del mundo, icónico por la contracultura que se estaba gestando en Estados Unidos y el rechazo total a la guerra de Vietnam por parte de los jóvenes. San Francisco sería la ciudad sede del llamado "Verano del amor", que movilizó a miles de miles de estudiantes de las universidades del área. Se trató de un festival hippie que marcó el nacimiento de dicha expresión contracultural.
Todo en estos momentos se asociaba al "flower power", lo tecnicolor, la paz, el amor, lo lisérgico. El Verano del Amor comenzó con un gigantesco show en el Golden Gate Park de San Francisco que se llamó "Human Be-In", preludio de todo lo que vendría, algunas de las ideas que manifestaban las personas reunidas eran: el empoderamiento personal, la descentralización política y cultural, la conciencia ecológica, la conciencia política, la aceptación del uso de drogas psicodélicas, etc.
Se realizaron multitudinarias marchas para repudiar las bombas y el horror de la guerra. Un fenómeno de crítica social que se estaba expandiendo a escala mundial, porque toda la década de los '60 fue una muestra de que la población estaba inconforme con el contexto macroeconómico, social, político y cultural que imperaba en el mundo por aquel entonces.
El "Verano del Amor" estuvo fuertemente influenciado por la música de The Beatles, que en 1965 abandonaron su era pop para experimentar con un sonido más rockero y distorsionado, desarrollando el rock psicodélico (e influido por la música india). Recordemos que el aclamado "Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band" salió en 1967. Además, su canción "All You Need Is Love", dio la vuelta al mundo gracias a la radio; esta canción, por su canto a la libertad y a la unidad, marcó a la contracultura de la época, ya que captó la esencia de los principios sobre los que se fundamentaba el Verano del Amor.
Aparte de ellos esta festividad estuvo marcada por dos discos americanos, "Surrealistic Pillow" de Jefferson Airplane, y el debut homónimo de The Doors. También se dieron a conocer a escala mundial por estos años tres grandísimos exponentes del rock: Jimi Hendrix, Pink Floyd y Janis Joplin (con su banda Big Brother and the Holding Company).
Pero esto es apenas nombrar algunos, fueron demasiados. 1967 fue el año de los debuts más espectaculares de la historia de la música y para mucha gente, el incipiente nacimiento del llamado Rock clásico y también del Rock psicodélico.
Por otro lado, tenemos que recordar que también en este año se celebró el Festival Internacional de Música Pop de Monterrey, del 16 al 18 de Junio. Asistieron más de 200.000 personas y es a menudo considerado como el precursor del Festival de Woodstock de 1969. El LSD fue muy abundante en el evento, bajo el nombre de "Purple Monterrey" (muestra de cómo la lisergia se estaba instalando en aquella época en Estados Unidos).
Esta fue la espectacular grilla que ofreció el Festival:
Viernes 16: The Association, The Paupers, Lou Rawls, Beverly Martyn, Johnny Rivers, Eric Burdon and The animals y Simon and Garfunkel.
Sábado 17: Canned Heat, Big Brother and The Holding Company, Country Joe and The Fish, al Kooper, The Butterfield Blues Band, The Electric Flag, Quicksilver Messenger Service, Steve Miller Band, Moby Grape, Hugh Masakela, The Byrds, Laura Nyro, Jefferson Airplane, Booker T. and The M. G’s., Otis Redding.
Domingo 18: Ravi Shankar, The Blues Project, Big Brother and The Holding Company, The Group With No Name, Grateful Dead, The Jimi Hendrix Experience, The Who, The Buffalo Springfield, The Mamas & The Papas (que cerraron el Festival).
Sábado 17: Canned Heat, Big Brother and The Holding Company, Country Joe and The Fish, al Kooper, The Butterfield Blues Band, The Electric Flag, Quicksilver Messenger Service, Steve Miller Band, Moby Grape, Hugh Masakela, The Byrds, Laura Nyro, Jefferson Airplane, Booker T. and The M. G’s., Otis Redding.
Domingo 18: Ravi Shankar, The Blues Project, Big Brother and The Holding Company, The Group With No Name, Grateful Dead, The Jimi Hendrix Experience, The Who, The Buffalo Springfield, The Mamas & The Papas (que cerraron el Festival).
Entre algunas de las cosas destacadas que sucedieron:
- Esta fue la gran oportunidad de Janis Joplin para firmar un contrato discográfico como solista debido a que su voz eclipsó a todo el público y la puso muy por delante de su banda de blues.
- Otis Redding, la inmensa voz del Soul, se despidió de la música con este Festival sin saberlo, ya que moriría 6 meses después en un accidente de avión.
- Ravi Shankar dejó estupefacto al público presentando su música india con sitar, un instrumento del que se valdrían tanto George Harrison en The Beatles como Brian Jones en The Rolling Stones.
- The Who dejó como saldo una excelente presentación y también algunos instrumentos rotos, ya que Pete Townshend y Keith Moon rompieron sus guitarras y baterías. Escena icónica que dejaría una marca registrada en el terreno del rock. Muchísimas bandas repitieron esta conducta después, como símbolo de rebeldía.
- Lo más impresionante fue el recital que brindó Jimi Hendrix con su banda. Al final de la canción Wild Things, Jimi ejecutó su ritual más famoso, aquel que le valió tantas imágenes y frases sobre el sacrificio: quemó su guitarra sobre el escenario.
- Otis Redding, la inmensa voz del Soul, se despidió de la música con este Festival sin saberlo, ya que moriría 6 meses después en un accidente de avión.
- Ravi Shankar dejó estupefacto al público presentando su música india con sitar, un instrumento del que se valdrían tanto George Harrison en The Beatles como Brian Jones en The Rolling Stones.
- The Who dejó como saldo una excelente presentación y también algunos instrumentos rotos, ya que Pete Townshend y Keith Moon rompieron sus guitarras y baterías. Escena icónica que dejaría una marca registrada en el terreno del rock. Muchísimas bandas repitieron esta conducta después, como símbolo de rebeldía.
- Lo más impresionante fue el recital que brindó Jimi Hendrix con su banda. Al final de la canción Wild Things, Jimi ejecutó su ritual más famoso, aquel que le valió tantas imágenes y frases sobre el sacrificio: quemó su guitarra sobre el escenario.
En nuestro país, Argentina, el rock todavía era una semilla y faltarían un par de años para la aparición de músicos como Spinetta o Charly García. Sin embargo, el gran antecedente de todos ellos es Lito Nebbia con su reconocida banda Los Gatos. Se podría decir que Litto Nebbia fue el único músico del núcleo inicial, que estableció un estilo de rock moderno con resonancias sudamericanas (emparentado con la bossa nova) y una fuerte vocación de masividad.
A mediados de 1967, sacaron a la luz "La Balsa", que hoy en día es considerada la canción icónica que dio inicio al rock Argentino. La compusieron entre Nebbia y Tanguito (otro músico pionero del rock en español). Si bien La Balsa a primera escuchada puede resultar simple, la letra en sí misma era una declaración de libertad generacional. Toda una revolución en ese momento.
Pero si hay un cantante de música popular que por aquel momento se destacaba (y que los más importantes músicos de rock de Argentina siempre citan como inspiración), ese era Sandro, el Gitano. Antes de convertirse en un ídolo de la platea femenina que entonaba solo baladas en español, Sandro tenía su grupo de música rockero: Los De Fuego, donde interpretaba canciones de rock and roll en español, con un estilo derivado de artistas como Elvis Presley o Jerry Lee Lewis y, por supuesto, The Beatles. Claramente, la onda era más Rockabilly. Ya para el año 1967, Sandro sacó su último disco solista con tendencia rock" Luego de esto cambió radicalmente su estilo y su aspecto para convertirse en cantante romántico.
Uno de los países más prolíficos de Latinoamérica en materia musical en esta época fue, sin dudas, Brasil. Con exponentes tales como Vinicius de Moraes, João Gilberto, Elis Regina, Chico Buarque y Tom Jobim en la bossa nova, un género de la música popular brasileña derivado del samba y con una fuerte influencia de jazz. También fue un año que coincidió con varios debuts de cantantes históricos de dicho país como Milton Nascimento.
Cabe destacar que en 1967 Brasil se encontraba bajo una dictadura militar que se extendió 11 largos años, por lo que en ese momento los Festivales de música popular brasilera fueron un modo más de resistencia y de disgusto frente al régimen militar.
Yendo un poco al terreno del Jazz, en 1967 se celebró por primera vez el Festival Internacional de Jazz de Montreux, en Suiza. Es el más conocido de los festivales de música de Suiza. Comenzó siendo puramente de jazz pero posteriormente se incorporaron otros estilos. De hecho, son muchas las bandas que grabaron discos en vivo en este Festival.
Pasemos ahora a ver un poco de lo que surgió en el año 1967 en materia musical. Obviamente para mí es imposible abarcar toooodos los albums que se publicaron este año en cada género. Elegí algunos, incluí también lo que se me iba ocurriendo (y también de acuerdo a mis gustos, imaginen que ni en pedo conozco todo tipo de música que se haya hecho en aquella época). Espero que se entienda. Las reseñas las escribí yo, así que ni a palos son la verdad absoluta ni el conocimiento entero de todo.
Si tienen algún artista o album que quieran agregar, bárbaro, lo pueden comentar abajo, pero sin hinchar las pelotas ni con faltas de respeto. No es necesario y me ahorra a mí explicar esto 90 veces.
Esta es una banda muy particular ya que no es tan conocida como otras listadas, surgida en el año 1965 en Florida por el músico Tom Rapp. Hacían folk rock y un tipo de folk psicodélico muy interesante. Esto más que nada debido a la época en que comenzaron, era lo que se usaba, así que ellos también tomaron elementos de la corriente psicodélica. Fueron 6 los albums que sacaron al mercado aunque tan poco se haya hablado de Pears Before Swine (nombre sacado de un pasaje bíblico, cabe destacar).
One Nation Underground fue su debut soñado, un album muy satisfactorio de escuchar a pesar de que no parezca que las canciones guarden alguna línea entre sí. En general utilizan muy pocos instrumentos por canción y una única voz cantante que es la de Tom Rapp (muy parecida a otros trovadores como Donovan o Bob Dylan). Es un trabajo muy personal, muy íntimo, por momentos melancólico y triste, con una atmósfera fría; mientras que otras veces cobra fuerza y se dejan fluir los sonidos más psicodélicos y alegres. Muchas canciones comienzan de la misma forma con un banjo muy suave y de a poquito se van incorporando otros instrumentos como el bajo, la guitarra y el órgano. La otra constante en las canciones es la suave voz de Rapp que conserva cierto aire campechano en su entonación.
En definitiva, esto es un hermosísimo trabajo en su mayoría folk pero con ingredientes psicodélicos marcados en gran parte por el órgano y el clavioline (algo parecido al sintetizador electrónico) de Roger Crissinger. Lo más genial para mí es el buen uso que le dieron a un instrumento tan complicado y clásico como es el banjo. Supieron sacarlo de su uso netamente country para crear sonidos más complejos. Recomiendo sobre todo Another Time, Playmate, Ballad to an Amber Lady, Surrealistic Waltz y Morning Song.
Cosmic Sounds es un disco único porque no hay ninguna banda detrás del mismo sino que esto es fruto de un grupo de músicos que se juntaron con el solo fin de crear este album conceptual, basado en los 12 signos que componen nuestro zodíaco. Se lanzó a la venta en Mayo de 1967 y las personas responsables fueron Paul Beaver, quien tocaba el sintetizador Moog cuando aún no era un instrumento de amplio uso en la música rock; Bud Shank, quien tocaba la flauta traversa; Hal Blaine, quien tocaba la batería; Carol Kaye, quien tocaba el bajo; Mort Garson, quien fue el encargado de escribir la música; Jacques Wilson, quien escribió las letras y Cyrus Faryar, quien va narrando una a una las canciones.
La idea no tiene desperdicio alguno. La instrumentación es una maravilla del rock psicodélico en todo su esplendor, con una serie de canciones de rock and roll que te vuelan la cabeza por completo. Impecable la performance de estos músicos, bien elegidos cada uno en su rol. Fue Garson el que los juntó aunque muchos de ellos lamentablemente no aparecieron en los créditos del album.
En cuanto a las letras y a las narraciones, si bien son un elemento interesante, no son la gran cosa. Es preferible centrarse en la música. Cada canción te transporta a un lugar diferente, son profundamente originales. El sintetizador Moog está TAN bien usado que parece algo "desubicado" en la estructura de las canciones tal como son presentadas. Una belleza.
Como curiosidad, Cosmic Sounds venía con una recomendación en la parte de atrás de la caja: "Debe ser escuchado en la oscuridad". Si bien aún no lo intenté (y la verdad es que algunos efectos de los instrumentos te pueden llegar a sobresaltar) yo diría que lo hagan a ver si se potencian los efectos de tan hermosa música.
Ten Years After fue una banda británica de rock, blues y jazz formada entre 1966 y 1967 por Alvin Lee, Ric Lee, Leo Lyons y Chick Churchill, que si bien es bastante conocida de nombre quizás se mantuvo con un bajo perfil durante sus primeros albums. Sus integrantes, que eran todos muy virtuosos para tocar, se iniciaron en el terreno más blusero y posteriormente viraron hacia la psicodelia. Debutaron oficialmente en un Festival de Jazz y Blues celebrado en Windsor en Mayo de 1967 y en Octubre lanzaron su debut homónimo Ten Years After. Un debut que no les hace justicia todavía pero que fue un gran paso para hacerse un nombre en la escena rock.
Como dije más arriba, en esta época la banda todavía hacia rhythm and blues con retazos jazz. En el debut hay muchos covers y poco despliegue de lo que verdaderamente eran capaces, a pesar de ejecutar las canciones de manera maravillosa. Talento tenían, solo les faltaba tener más libertad para mostrar sus composiciones (que en grandísima parte de su carrera fueron todas obra de Alvin Lee). El album original de 1967 contenía 9 canciones, 4 de ellas son covers. En la remasterización del año 2002 se incluyeron 6 canciones más siendo casi todas de Alvin Lee.
Lo que más me gusta de Ten Years After es que, junto a Cream, son una de las mejores bandas en el terreno del blues ácido y el jazz rock. Su sonido es bien crudo, representa muy bien los años '60. Y lo mejor es que sus miembros eran verdaderos talentos en la instrumentación. Algunas recomendables: Help Me, I Want to Know, Adventure of A Young Organ, Feel It For Me y la graaan versión que hicieron de Spoonful (que también hizo Cream en su debut Fresh Cream, recordemos).
Si hablamos de psicodelia, uno de los mayores exponentes sin ninguna duda fue el grupo estadounidense 13th Floor Elevators que ya había iniciado su historia en el rock un año antes, con un debut impecable que titularon The Psychedelic Sounds of The 13th Floor Elevators como para dejar en claro lo que venían a hacer. Sin embargo, el debut no solo intenta sacudir el piso de la música psicodélica, sino que combina elementos del folk, del blues y del garage rock, convirtiéndose en uno de los albums más influyentes para el desarrollo de este último estilo. En 1967 sale a la venta Easter Everywhere donde profundizarían su veta psicodélica de lleno, dejando menos lugar a la mezcla de estilos, pero también con un gran aporte de la música hindú, étnica y oriental. Lo más destacable es que las canciones ahora son de larga duración, con una atmósfera muy envolvente, rock duro y buena voz de Roky Erickson, perfecto para esto. Roky tuvo una historia particular dentro de la música porque en 1968 fue diagnosticado de esquizofrenia paranoide (debo decir que en esa época diagnosticaban con mucha ligereza cualquier tipo de psicosis). Sufrió mucho estando internado en el hospital, recibiendo más de una vez terapia de electroshock. Una barbaridad. Un año después lo arrestaron por posesión de marihuana, fue un quilombo bárbaro su vida durante los '60 pero muy injusto todo. Es un músico fantástico, un pionero de la psicodelia y del rock duro y merece todo el respeto por eso.
Easter Everywhere es un album increíble ya que se puede palpar la madurez de la banda en las composiciones, más largas, complejas, profundas en concepto (las letras tenían mucho de la cultura oriental y la espiritualidad) y con la incansable voz de Roky Erickson dándole un sello inconfundible de rockero apasionado. Algo copado también es que las reverberaciones tan características que escucharán de fondo en TODOS los temas son obra de Tommy Hall, que creó un instrumento especial para esto utilizando tan solo un jarrón. Sí, un jarrón. Un capo.
Recomendables: Slip Inside This House, la canción psicodélica por excelencia de 13th Floor Elevators, Slide Machine, Levitation, Baby Blue y Earthquake. Discazo para mí.
No soy muy fanática de The Beach Boys pero para mí tanto Pet Sounds como Smiley Smile son albums excelentes, que incursionaron en el terreno de la psicodelia pero desde el pop más pegajoso, las melodías dulces, los coros armónicos y los arreglos de órgano. Si bien Smiley Smile es un trabajo bastante conocido y aclamado por la prensa, quizás pasó un poco desapercibido dentro de la extensa discografía de The Beach Boys en cuanto al nivel musical que tiene.
Su producción tiene una complicada historia detrás, entre 1966 y 1967 la banda estuvo grabando The Smile Sessions, un album que nunca salió a la venta porque quedó inconcluso. Fue comenzado en 1966 pero nunca fue terminado en su forma original, esto debido a ciertos problemas que tuvieron con el líder. El proyecto fue resucitado en 2004 por su autor, Brian Wilson (que siempre fue el principal compositor). En su lugar lo que se lanzó a la venta en 1967 fue este album, un reciclado de canciones que pertenecían originalmente a The Smile Sessions, algunas de ellas con versiones alternativas como Vegetables y Wind Chime, como también había algunas canciones nuevas.
Si hay una canción verdaderamente destacable esa es la archifamosa Good Vibrations que fue publicada como single un año antes porque la idea de la banda era incluirla en Pet Sounds pero Brian Wilson no lo quiso así y terminó siendo parte de Smiley Smile. Esto fue un punto de quiebre para ellos y pronto Wilson sería desplazado de su rol como líder y productor de The Beach Boys.
La verdad a mí me gusta mucho lo que hicieron, es un album genial, con toda la vibra psicodélica y mucha armonía en cada canción si bien la producción no es de primer nivel. Sobre todo teniendo detrás el peso de lo que fue Pet Sounds. Muy recomendable para continuar conociendo su extensa obra, pueden escuchar sobre todo Heroes and Villans, Vegetables, Fall Breaks and Back to Winter, Good Vibrations, Wind Chimes y Wonderful.
Este es un señor disco del blues más clásico, interpretado por el aclamadísimo y multiversionado blusero de Mississippi Albert King. Son incontables las bandas que han interpretado alguna vez sus canciones y que se vieron influenciados por él. Por mencionar algunos tenemos a Eric Clapton (como solista y con Cream), Stevie Ray Vaughan y el mismísimo Jimi Hendrix. Los tres tomaron riffs suyos y emularon su estilo. Además, Albert King forma parte del tridente de blues más famoso junto con B.B. King y Freddie King: "Los tres reyes del blues".
Born Under a Bad Sign es su segundo trabajo de estudio, lanzado varios años después de su debut de 1962, en parte porque recién en 1966 consiguió firmar con la discográfica Stax, en Memphis. Los que quieran escuchar este hermoso trabajo encontrarán un blues exquisito, excelentemente bien llevado por Albert que además tiene una voz perfecta, una de las más reconocidas voces del blues, además. El que nunca haya escuchado a este músico notará la cantidad de cosas que ha sacado Eric Clapton de él, sus estilos son muy parecidos. Es que se trata de un sonido muy limpio, de altísimo nivel. Como dicen varios críticos, con este album se "modernizó" el blues. Fijense la producción que tiene cada canción detrás, no son composiciones simples, hay sutiles elementos que acompañan como el piano, el saxo o el bajo, muy elegantes.
El inicio con Born Under a Bad Sign es insuperable, una de las marcas registradas de Albert King (a pesar de que no fue escrita por él, solo interpretada). Luego podría recomendarles cualquier otra canción del disco, todas tienen un groove muy particular, fantástico: Kansas City, Down Don't Bother Me, The Hunter, Laundromat Blues...
Tercer album de John Mayall and the Bluebreakers, banda de blues rock que sufrió varios cambios de formación de acuerdo a la época. Para este album, A Hard Road la formación era con Peter Green en guitarra, John McVie en bajo, Aynsley Dunbar en batería y John Almond en saxo mientras que John Mayall hacía de multi-instrumentista tocando el órgano, la armónica, la guitarra y también cantando. Su trabajo anterior, With Eric Clapton fue un hito del blues, pero luego Eric saltaría a la fama con Cream, su banda siguiente. Siempre fueron muy sólidos en composición, haciendo un blues muy clásico, típico de la época. Hay que tomarlos como lo que fueron: una inmensa agrupación que siempre se eligió quedarse en el terreno del blues, sin demasiadas complicaciones.
En este caso, Peter Green (en el lugar de Eric Clapton) fue una incorporación fantástica porque tocaba la guitarra como los dioses, lo demuestra en los instrumentales The Supernatural y The Stumble. Peter sería luego el fundador del famoso grupo musical Fleetwood Mac. Su estilo era innovador, su forma de tocar era cruda y ácida, algo que lo marcaría siempre como músico. Sin duda era un futuro prometedor para él en aquel momento. Fijense lo que es The Supernatural, un estilo increíblemente parecido al que luego tomaría Santana.
Algunas canciones recomendables son también You Don't Love Me, la apertura a todo ritmo con A Hard Road, Hit The Highway, Dust My Blues, Top of the Hill, etc. En fin, si bien todas son blues rock puro, vale la pena darle una escuchada a este album. Y también al anterior con Eric Clapton ya que en sí no hay tantas diferencias entre ambos, las diferencias las pusieron Green y Clapton con su presencia.
Miles Davis era un músico fuera de serie, tanto en composición como en instrumentación (no hay duda de que fue el mejor trompetista de la historia). Y lo es porque nunca fue un artista cerrado en un solo estilo, no hacía simplemente jazz, supo combinarlo con otros sonidos, otros géneros, era abierto y buscaba la innovación de forma constante. Por eso también se puede decir que fue un pionero del jazz rock junto con otras variantes del jazz.
En este disco (que NO es de 1966 como veo que figura en varios lugares, fue lanzado a la venta en Enero del '67), uno de tantos otros dentro de su discografía (que realmente fue muy vasta, tuvo cualquier cantidad de músicos a su disposición), pertenece a una etapa que deja un poco atrás el jazz bebop pero aún se encuentra en transición hacia su época más famosa (la llamada época eléctrica) que va desde 1969 hasta mediados de los '70, cuando se alejó un poco de todo debido a sus problemas de salud.
Ahora, Miles Smiles es una alusión a su buen estado de salud en aquel momento, donde tocaba con su quinteto (formado por él, Wayne Shorter, Herbie Hancock, Ron Carter y Tony Williams) y que juntos sacaron una seguidilla de albums a la venta. En esta oportunidad fueron todas canciones que se acercaban más al jazz acústico, con mucha improvisación. Si bien son solo 6 canciones, tienen mucha complejidad que yo en mi vida podría explicar porque jamás estudié música. Miles era muy técnico y eso se nota, pero dicha técnica no le quitaba pasión porque cualquiera de nosotros puede sentirlo y disfrutarlo. Las que más me gustaron a mí son Circle, Freedom Jazz Dance y Orbits pero creo que las 6 piezas son preciosas. Una muestra más de su infinito talento.
Este también es un discazo de otro músico increíble dentro del jazz como es Thelonious Monk, el gran pianista estadounidense que surgió en 1947 y que tuvo una sólida carrera en el estilo bebop, intentando correrse del estilo de jazz más tradicional para crear ritmos rápidos y atrayentes, con gran complejidad y armonía. Monk obviamente está relacionado con Miles Davis a pesar de que mucha gente que los conocía afirmaba que eran completamente diferentes en cuanto a personalidad. Pero no hay duda de que los dos (junto a otros grandes) fueron una corriente fundadora del jazz tal como se lo conoce hoy. Monk, sin embargo, no combina con el rock ni con otros géneros, su estilo apenas ha variado en sus casi 30 años de discografía. Su sello distintivo son las largas improvisaciones que creaba en el piano de forma irreverente, desafiando los límites del jazz convencional, siendo además un reconocido compositor de canciones clásicas del género junto con Duke Ellington que fue un campeón en la materia.
Straight, No Chaser es todo esto que acabo de mencionar, si bien quizás no es un disco tan conocido, compuesto por solo 6 canciones de las cuales hay 3 que pasan los 10 minutos de duración (lo cual es muchísimo decir en esta época eh). El disco dura más de una hora, esto debido a que hay variados pasajes de piano que se extienden durante bastante tiempo, es pura creación. Hay que tener ganas de escuchar los matices que ofrece. Increíble trabajo, para los que conozcan estos estilos de jazz seguro les va a gustar. Yo que no se nada del tema me volé la cabeza.
Aretha Franklin es considerada la Lady del Soul, una de las cantantes más influyentes de la historia de la música contemporánea. Seas del palo que seas escucharla cantar es una bendición y para mí es emocionante, una de mis voces femeninas favoritas junto a Whitney Houston. Además de soul, Aretha Franklin cantaba gospel y R&B. I Never Loved a Man The Way I Love You es el debut de la cantante en el sello Atlantic y fue la inclusión de su más grande éxito, que es la interpretación sublime de un hit de Otis Redding llamado Respect, la que hizo del álbum un clásico del soul. No es la única joya con la que cuenta este album, Aretha era una intérprete increíble, apasionada, llena de brillo, que realmente sentía lo que estaba diciendo. Utilizó a su favor la letra de canciones como Respect levemente modificadas y cantadas con mucha seguridad para expresar su acuerdo con la libertad y los derechos de la mujer, además de cantar por el movimiento racial. Recordemos que Estados Unidos es uno de los países que más ha ejercido políticas de segregación racial en dichas épocas (y que continúa haciendo hoy en día de manera velada).
Además de Respect hay un cover fantástico de Ray Charles llamado Drown in My Own Tears que se lleva todos los aplausos; como también algunas canciones de ella que resultan muy interesantes como Don't Let Me Lose This Dream y Save Me. Me parece un gran disco para relajarse y emocionarse con algo distinto siendo que el post está compuesto en su mayoría de discos de rock. El rock no lo es todo, hay muchísimas cosas más fuera de él que son preciosas, como Aretha Franklin.
Un trabajo de lo más relajante es Wave, el más recordado album de Tom Jobim, que fue lanzado en Septiembre de 1967. Esta belleza compuesta por 10 canciones finísimas de la mejor bossa nova/jazz es absolutamente toda obra de él, de Jobim, un compositor, pianista, cantante, guitarrista, un todoterreno en definitiva.
Como conté en la parte de Historia, Brasil fue un exponente de la bossa nova y el jazz durante los '60 y los '70. Son muchos los músicos del jazz fusión y hasta del rock que han colaborado con artistas brasileros de la bossa nova porque fueron géneros muy emparentados. Esa rica incorporación de ritmos africanos (la samba) hace que las composiciones sean muy relajantes e inviten a tirarse un rato a contemplar el techo. Este disco de Jobim no tiene un ritmo frenético, justamente, ese elemento que quizás va más con el jazz en la bossa desaparece. El piano es suave, casi como si se mezclara en el aire. Hay algunas flautas también que provocan el mismo efecto. Un paisaje de sonidos de lo máaaas variado, pero que sin duda conserva la vibra de las tribus africanas como base en todas las canciones.
Wave dura apenas 31 minutos lo cual para un disco de estas características tan exquisitas es muy poco. Jobim es un maestro en el arte de manipular los sonidos desde lo más suave hasta lo más estrepitoso. Creo que si tuviese que elegir una canción sería The Red Blouse, PERFECTA. No se pierdan tampoco la canción Lamento con letras de Vinicius de Moraes, otro renombrado de la bossa nova.
Es imposible dejar pasar esta colaboración entre dos gigantes, Tom Jobim en la instrumentación y Frank Sinatra en la voz. Mejor combinación imposible. Y esto era lo que quería significar con esto de que la bossa nova y el jazz estaban emparentados, este es un ejemplo de la combinación entre ambos mundos. Las canciones estaban ejecutadas por una orquesta, mientras que Jobim tocaba la guitarra y coreaba en portugués, Sinatra obviamente cantaba en inglés, con esa voz que parecía bajada del cielo.
La idea era conservar un sonido estrictamente de la bossa nova y con las composiciones de Jobim, aunque incluyeron tres canciones clásicas de la música popular americana: Baubles, Bangles and Beads, Change Partners y I Concentrate on You. Las texturas que muestra Frank Sinatra en la voz, que utiliza de forma suave y calma (como nunca antes había mostrado) te derrite. Es una combinación perfecta. La cultura anglosajona se mezcla con los ritmos latinos de la bossa nova y pareciera que en ocasiones uno se adapta al otro: ya sea la voz de Sinatra a la canción o al revés, los ritmos del tema a él.
No dejen de escuchar Garota di Ipanema, es la mejor versión de este tema. Está Frank por un lado llevando la historia en inglés y por el otro Jobim haciendo los coros en portugués. Bella.
Milton Nascimento es uno de los músicos más populares de Brasil, su ámbito musical es amplio y abarca la música popular brasileña, la samba, el pop, el rock, y la fusión musical con diversas tradiciones musicales regionales e internacionales. Es famoso por su falsete, su rango tonal y por la alta calidad de muchas de sus composiciones. También lo es por su compromiso social, lo que se refleja, tanto en algunas de sus letras. Comenzó su carrera este año, en el que debutó con su trabajo Travessia, fue el momento de aprovechar su exposición ya que había participado de un importante Festival de Pop Internacional celebrado en Río de Janeiro. Con su debut se posicionó como uno de los talentos jóvenes más importantes de Brasil, pero fue con sus trabajos posteriores que demostró por qué merecía tener un lugar.
El estilo de Travessia oscila entre la bossa nova, el jazz y la música popular brasilera. La mayoría son canciones amistosas con el oyente y de gran armonía. Un excelente trabajo en el que resalta sobre todo Velho Amigo que sería, con el tiempo, una de sus canciones más conocidas.
Realmente quería cerrar con un album especial, que sea nuestro, y por eso elegí el debut de Los Gatos.. Ellos representan el inicio del rock and roll en Argentina, con el temazo que fue La Balsa y todo lo que significó.
En Junio de 1967 Los Gatos grabaron dos temas de rock en español para el sello RCA: Ayer Nomás (tema compuesto por Mauricio Birabent, o sea, Moris) y La Balsa. El 3 de Julio ambos temas fueron lanzados en un simple, que se convirtió en un éxito masivo e impensado entre la juventud, vendiendo 250.000 placas. La Balsa se convirtió en el tema del verano 1967/1968. El éxito de la banda desmintió la opinión de aquella época que afirmaba que el rock debía cantarse en inglés y que el español carecía de la sonoridad adecuada y sería rechazado por el público.
En Noviembre de 1967 Los Gatos lanzaban su primer álbum, con la mayoría de los temas de rock en español compuestos por Litto Nebbia. El primer álbum de Los Gatos estaba integrado por 11 temas. Además del éxito de su canción emblema, hay dos más que se volvieron muy reconocidas: Ayer Nomás y El Rey Lloró. Así, Los Gatos fue un album exponente de la música beat y el incipiente rock and roll.
Acá finaliza el post. Si les gustó pueden Compartirlo en el botón de acá abajo. Siempre pueden dejar su comentario también. Recuerden que esto son apreciaciones subjetivas y que no conozco ni voy a conocer jamás toda la música del planeta. Por eso faltan cosas.
Saludos!