Hola gente! Bien, hoy traigo una pequeña guía de ilustración que si bien obviamente no comprende todo lo que tiene que ver con Ilustración (de hecho no existe una guía completa), si te intentará explicar un poco sobre mi proceso creativo y un desarrollo técnico; Una de las cosas que quisiera dejar claro antes de comenzar con el desarrollo, es que, como dice el titulo de este post, esto se trata de una guía mas no de un tutorial, por lo cual, mi intención no es que generes la misma imagen, sino que comprendas algunos parámetros que uso en la elaboración de algunas piezas y que comiences a desarrollar tu propio estilo aplicando algunos consejos que podrás leer aquí.
Otra de las razones por las cuales quiero crear esta entrada, es porque si bien en Internet existen miles de páginas con contenido extremadamente útil, en muchas de ellas encontrarás dos problemas: 1. Las mejores páginas y contenido de ilustración que conozco, se encuentran en otros idiomas y esto si bien no debería ser un impedimento.. si deja un "sin sabor" si no comprendes y manejas bien otro idioma. 2. En algunas páginas encuentras contenido en el que se enfocan mucho a "ay! pero mira que bonito dibujo" pero no te solucionan preguntas o inquietudes básicas que tienes con respecto al proceso... lo que lleva a decir: "cómo carajos le hace!", yo lo que pretendo aquí es que comprendas un poco más sobre algunos trucos y por qué no, las cosas básicas para ir mejorando como artista, realmente.. REALMENTE espero que te sea muy útil.
Una última cosa, hace más de tres años subí un post, en donde explico cosas nuy interesantes sobre la ilustración digital, sería de mucha ayuda que le echaras un vistazo para que comprendas muchos de los temas aquí tratados:
El tiempo de esta pieza de aproximadamente 9 horas de corrido.
Bueno amigos, esta pieza fue creada a medida que me enteré de un Contest realizado por una escuela de arte digital en mi país (Colombia), siempre es bueno estar interactuando con el medio, ya sea por algunas comunidades que por lo general siempre realizan concursos y esto te ayuda a empaparte mucho sobre el tema! En esta ocasión, ellos colocaban el tema y las dimensiones, no importaba la técnica.
No.1 Si quieres realizar una pieza y no quieres frustrarte a los 10 minutos, siéntate en tu ordenador, o en tu mesa de dibujo o donde sea que te pondrás a dibujar, con una idea clara de lo que quieres hacer, si bien es para relajarte y hacer garabatos “a ver que sale” es completamente valido, pero tienes que estar predispuesto para eso, pero en mi caso, al saber que voy a realizar una pieza de un minotauro, ya sé a qué voy. Otro asunto que es muy importante es LA MOTIVACIÓN, esta, llega de muchas fuentes, ya sea por asuntos personales, una idea que llegó mientras esperábamos el autobús, o simplemente por trabajo, sea cual sea, esta motivación será la que te impulsará y te animará a la hora que comiences a luchar contigo mismo, porque si bien dibujar debe ser una experiencia muy divertida, muchas veces vas a estar tomando decisiones y vas a estar en conflicto contigo mismo, pero vamos! Respira profundo y recuerda, que con cada cosa que realices, estás avanzando un poquito y también recuerda que una vez dibujas, solo estás caminando hacia adelante, las cosas y experiencias que aprendas, de seguro las usarás más adelante.
No.2 Casi siempre comienzo tomando referencias fotográficas basado en búsquedas en google y a veces en artistas que conozco y admiro mucho; la investigación hace parte del inicio de un proyecto, hoy en día los artistas gráficos deben ser conocedores de todo un poco y si no lo conoces… lo investigas! Yo al principio solía omitir este paso, siempre me dejaba llevar de mi intuición y dibujaba las cosas como yo consideraban que eran, eso está bien (para un uso artístico personal) pero a la hora de plantearte y competir en el mundo profesional, muchas veces las cosas no resultan ser así. De paso piensa que con las referencias te ahorrarás más adelante dolores de cabeza.
No.3 Una vez he completado la información que hasta este punto considero necesaria, me dispongo a comenzar con algunos bocetos y garabatos en Photoshop (realicé aproximadamente 6 bocetos previos, pero por obvias razones mostraré tan solo el que elegí a desarrollar)
Aquí quiero enfatizar en algo: Existen mil maneras de comenzar el dibujo o la pintura digital, pero eso debe ser acorde a cómo te sientes con la técnica que usas, algunos comienzan con dibujos rápidos en línea, otros con algunas figuras, otros con pincelazos y etc. Puedes usar la que desees siempre y cuando cumpla con algunas pautas: Tienes que entenderlo, te debe dar una idea básica de lo que quieres hacer, debes sentirte cómodo con ella.
Yo, en lo personal la mayoría de veces comienzo con dibujos en línea.
No.4 Una vez tengo una base, comienzo a dar algo de idea del volumen con trazos sueltos a nivel muy general, sin detallar nada, simplemente observando donde deberían ir algunas luces, pero de forma muy simple.
No.6 Una vez tengo he elegido la idea y el concepto del personaje que quiero, ya puedo ir a lo que será mi ilustración completa. Inicialmente, comienzo con un lienzo de tamaño pequeño, aproximadamente unos 700px x 400px en donde hago una idea básica de lo que será la ilustración, en este punto es bueno cuando observas “reglas” de composición, las cuales puedes encontrar muy fácilmente en google, libros de arte o fotografía.
Básicamente mi personaje al ser un humanoide, tiene una estructura basada en un humano real aunque con distintas proporciones, así que para esta imagen usé un esqueleto simplificado para que me ayude a dar la posición que yo deseaba.
No.7 Seguido de esto, comienzo a dejar la línea cada vez más “pulida”, en donde pueda ir resolviendo la mayor parte de lo que será la ilustración o al menos, lo que será el personaje principal. En esta parte, muchos artistas apenas si hacen la línea y de una vez comienzan a pintar, yo considero que eso es realmente increíble, aunque yo a decir verdad, me siento más cómodo y seguro si voy paso a paso y trato de dejar lo más claro la idea con el fin de que cuando esté más avanzado en la ilustración, no tenga la necesidad de corregir demasiado.
No.8 Aquí comienza lo Hardcore (jaja), A partir de este momento dejaremos salir toda nuestra experiencia desde nuestros primeros rayones sobre las paredes de la casa, hasta el momento en el que estás leyendo esta entrada. Lo digo porque es el momento en el que comenzarás a desarrollar la imagen final y aunque igual debes meterte en la cabeza que en CUALQUIER MOMENTO SE PUEDE CORREGIR LA IMAGEN, muchas veces nos dará un poco de miedo alterarla una vez ya estamos más avanzados en la pieza.
Muchas veces comienzo la imagen en escala de grises y mirando dos cosas: la volumetría-adjunto: Luz y sombra y los planos.No suelo detallar mucho en escala de gris, porque me gusta hacerlo cuando ya esté sobre el color, sin embargo esta pieza se basa en el personaje, lo que es el entorno y demás elementos quedarán en un segundo plano, así que me dediqué a interpretar lo mejor posible la estructura del personaje y lo que sería su volumetría.
Si bien, el dibujo y la pintura son medios de expresión, muchos artistas siempre tratan de que sus obras tengan una carga técnica muy buena, me explico, cuando comienzas a ver obras de distintos artistas que te gusten mucho, lo que tus ojos verán y reconocerán como “bueno” o “malo” son varios parámetros que el artista ha puesto en su obra, por ejemplo: cuando hablamos del buen manejo del color, texturas realísticas, conceptos extraordinarios, dibujos muy bien empleados, manejo de luz y sombra, estudio anatómico, etc. A lo que voy es que si quieres que tus obras sean cada vez mejor, debes estudiar (esto obviamente dependerá de a lo que te quieres dedicar) cosas como:
- Anatomía humana (rostros/retratos, las manos, los pies, incluso la propia ropa).
- Gestos y estilos
- Entornos (Jungla, montañas, ciudades industrializadas, desiertos, un dormitorio, etc)
- Animales (caballos, gatos, perros, aves y las millones de especies que pueden existir)
- Maquinaria (carros, industrial, objetos militares, etc)
Como ves son muchas cosas que podemos estudiar y eso sin contar las que van detrás de esto, como lo son la composición, el color, el contraste, los planos, dibujo técnico, perspectiva, el desenfoque, etc.
Muy seguramente esos artistas que te gustan tanto, han desarrollado especial interés en estudiar algunos de estos temas, fíjate bien cuando veas una obra y pregúntate: ¿Qué es lo que tanto me gusta de esta pieza? Y tal vez así comenzarás a ver las ilustraciones o pinturas con otros ojos.
Yo por mi parte debo decir que sigo estudiando este tipo de cosas y aunque aún me falta demasiado, comienzo a través de los años a tener algunos conceptos cada vez más claros, espero no quedarme por el camino
No.10 Muchas de las imágenes que realizamos siempre tendrán hmm “objetos especiales”; llamo así a aquellas partes de nuestra imagen que por lo general se crean de forma diferente esto generalmente se tratan de elementos con texturas únicas.
Para realizar este tipo de cosas, con buenos efectos, existe una diversidad enorme de pinceles en Photoshop que podemos usar, puedes encontrarlos buscando alguna textura en google y de seguro la encontrarás gratuita o si ya tienes un poco más de experiencia puedes crear tus propios pinceles dependiendo lo que necesites. Un claro ejemplo es el cabello, el cual podremos crear a partir de algunos pinceles (esto hablando de la pintura digital) en vez de hacer pelo por pelo, pero no solo quiero hablar del pelo, sino de la textura que tiene la ropa por ejemplo, en fin, miles de cosas que podremos solucionar con algunos pinceles y mucho ingenio.
No.11 Partamos de que la luz cae sobre una superficie y se refleja de diferentes formas dependiendo de la composición de la superficie, una vez más, siento ser tan técnico pero trataré de explicarte de forma más simple: No es lo mismo cuando apuntamos con una linterna la tela de un saco que cuando apuntamos a una esfera de plástico, la razón es por el material, el material tiene una superficie, esta superficie va a tomar la luz que cae sobre ella y la va a reflejar. Esa es la clave para comprender un poco más como interpretar los materiales de las cosas, en esta página (en inglés) podrás ver algunos tutoriales, entre los primeros, encontrarás imágenes explicativas de lo que estoy diciendo. http://www.floobynooby.com/ICG/artvalues.html
Retomando esto a la ilustración que estamos realizando, algunos elementos van a ser pieza clave en nuestra imagen, por lo tanto andamos pendiente de este tipo de cosas.
Aquí por ejemplo algunos picos de metal, una arete, unos colmillos, un hacha, etc
No.12 Ajustamos la mayor cantidad de arreglos que necesitemos, es el momento justo antes de comenzar con el color.
No.13 Como he repetido, cada cosa en Photoshop se puede hacer de diferentes formas, así que lo que explico en esta guía, obviamente no es una absoluta verdad, puedes lograr el mismo resultado con tus propias técnicas o formas de hacer las cosas.
Para esta imagen seleccionamos la capa que queremos iniciar a colorizar y presionamos “Ctrl +U” o vamos a Imagen/ajustes/Tono-saturación.
Se nos abrirá un panel en el cual activaremos la opción “Colorear” y manipularemos los balances del panel, para esta ocasión quiero un color que asemeje el color de la piel que tendrá el minotauro, y luego, simplemente le damos OK.
No.14 Una vez tenemos el color base, podemos comenzar a generar los colores a manera más detallada, para esto, emplearemos la ayuda de los modos de fusión de las capas, dos en especial: Superponer y Color. Ambas son funcionales pero no actúan de la misma forma, este tema creería que será mejor tratarlo en otro post. Creamos una capa superior con estas propiedades y comenzamos a colorear a fondo.
No.15 Los labios, los parpados, la lengua, los dientes, el cabello, todas estas cosas tienen colores diferentes incluso la piel está compuesta por varios colores, yo para esta pieza seleccioné no más de 3 tonos, para el resto de elementos nombrados antes, he usado colores distintos
No.16 Ya es hora de comenzar con el fondo (que como dije antes, ya había dejado atrás porque no es mi prioridad) sin embargo, el personaje no debe estar en la nada, no? Así que bien, decidí ajustarlo sobre un templo griego destruido, que a duras penas tiene espacio a relucir debido a que mi personaje abarca casi toda la composición.
El contraste entre mi personaje y el fondo quiero que sea bastante alto, para ello, he seleccionado una paleta de color complementaria al personaje que he creado, pero con una luminosidad más alta (este tipo de cosas las explicaré más adelante).
No.17 Cuando tenemos el personaje y el entorno debemos hacer que se vea que nuestro personaje REALMENTE se encuentra allí, no cortado y pegado, sino que el entorno interactúa con nuestro personaje, como interactúa? Bien, de varias maneras: La luz que cae sobre nuestro personaje, la manera en la que el color del fondo afecta al color de nuestro personaje, los reflejos del entorno sobre los materiales reflectivos, etc. De igual manera, nuestro personaje debe interactuar con el fondo, ya sea porlas sombras, por el reflejo, por el movimiento de partículas, en fin… DEBEN ESTAR ANCLADOS UNO DEL OTRO.
Para ello comenzamos con una capa de relleno o ajuste (se encuentran en la parte inferior de nuestra ventana de capas), yo usé una capa de “filtro de fotografía” y una capa de mezclador de canales, debo advertir que para cada imagen las cosas pueden variar, así que et recomiendo que le eches un vistazo a estas propiedades y veas por ti mismo que efecto tienen sobre las imágenes.
No.18 La forma en que el entorno trabaja con nuestro personaje, hace que los colores del entorno se mezclen un poco con los de nuestro protagonista, así que comenzamos a hacer pequeñas intervenciones de color sobre nuestro personaje, esto dependiendo también del material que vamos a intervenir nunca debemos olvidar esto.
No.19 Agregamos más detalles, nuestro render final puede ser tan pulido como queramos o dependiendo de con cuanto tiempo contamos, para esta pieza he decidido hacer un poco más macabra la escena y agregar algo de sangre sobre el personaje, algunas babas saliendo de su boca y algunos símbolos sobre su rostro, todo esto depende de la escena de la que estamos hablando y por supuesto… nuestra imaginación.
No.20 Por último una vez que estemos conformes con nuestra imagen nos dispondremos a colocarle nuestro segundo sello personal, el primero, ha sido la forma en la que interpretas todo lo que has leído aquí y básicamente todo lo que nosotros somos, estas cosas se ven en nuestra imagen.
Amigos, cada uno de nosotros somos diferentes, únicos e inigualables, cuando estás aprendiendo a dibujar o pintar, te verás buscando asemejarte a alguien, muchas veces diciendo “quisiera pintar tan bonito como el” y de hecho al comienzo está bien, pero recuerda que no harás exactamente lo mismo que esa persona, porque todos hacemos las cosas de distinta manera, así que... busca tu propio camino y forma de hacer las cosas, que si lo haces adecuadamente y sobre todo con mucha muchísima paciencia, de seguro te sentirás muy bien contigo mismo y comenzarás a ser mejor con cada imagen que realices.
Así que no sobra recomendarte que estudia mucho, las cosas que a veces son aburridas hacen la diferencia, nunca subestimes a nadie, siempre recuerda cuando estabas empezando y querías que la gente viera tu trabajo, ayuda al que quiere y necesita, por ejemplo: una de las razones por las que yo realicé esta y las demás guías es porque comenzamos a crear comunidad, entre más compartas este post, ayudarás a otros a saber algunas cositas que le ayudarán y de paso me ayudas a mí, ya que a mayor cantidad de lectores más es la gracia y dedicación que podré dedicar a estas guías o tutoriales. Así que comparte, suscríbete si te gustó o si estás interesado en más entradas, has que este post lo vea la gente y nada… SIGUE PÁCTICANDO.
POWER UP!
YAPA:
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