Arte del Renacimiento y sus secretos[Da Vinci]

Arte del Renacimiento

La Mona Lisa



La Ultima Cena

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Para Aclarar lo que les Voi a Mostrar y para que esten En Tema Esto Cuadros de Leonardo Da Vinci fueron echos Derante el Renacimiento

Definición La época que comienza en el siglo XV y se prolonga hasta el XVII, y se caracteriza por un intenso florecimiento de todas las manifestaciones artísticas y un despertar vigoroso de todas las formas el pensamiento humano. Como una reacción natural contra el espíritu escolástico que durante la edad media limito todas las posibilidades humanas y creo un concepto metafísico de la vida imponiendo a la conciencia nociones teológicas y unilaterales, se inicio desde finales del siglo XIV, un momento de liberación que se traducía en el estudio apasionado de los modelos griegos y romanos y un afán de investigación en el campo de la ciencia.




Centenares de preguntas rodean el retrato más famoso de la historia. Tras medio siglo de vida, todavía siguen sugiriéndose nuevas interpretaciones sobre todos los elementos de esta obra. Habiendo recibido inevitablemente y merecidamente un reconocimiento como icono cultural, su hechizo traspasa las barreras pictóricas por alimentar todo tipo de ámbitos, ya sean el cine, la literatura o la religión.





¿Quién es ella?

Mirada de reojo, labios finos, cejas y pestañas ausentes, manos grandes, sonrisa imposible de describir... Todos estos rasgos, unidos a un paisaje extraño, lleno de sombras y colores indefinidos, son los que han despertado el interés y el ansia interpretativa de mucha gente, desde el momento que el retrato salió a la luz. Es inevitable observar o hablar de esta obra sin que aparezcan interrogantes cómo: ¿quién es esta mujer? ¿Sonríe? Y si sonríe, ¿a qué se debe? Hay quien se preguntará por qué un retrato es motivo de tanto jaleo y expectación. Seguramente, muchos sólo ven a una mujer posando, que parece sonreír tímidamente, y no encuentran razón para hacerse tantas preguntas ante una imagen que parece sencilla en cuanto a contenido. Pero si se tienen en cuenta las suposiciones y dilemas sobre la identidad de la mujer retratada, y que siempre se ha creído que Da Vinci introducía mensajes ocultos en sus obras, entre otras cosas, no es de extrañar que esta imagen cautive tan sólo con mirarla.





Posibles identidades


Por indagar más sobre la protagonista, haremos un repaso de algunas de las interpretaciones sobre quienes pueden ser esta mujer; aun así, todo son sospechas que no se han conseguido probar nunca:

* Lisa Gherardini, dama florentina que se casó con el banquero napolitano Francesco del Giocondo; de aquí el nombre de Gioconda. El de Mona o Monna seria apócope de "Madonna", expresión en italiano que quiere decir "mi señora".

*Quizás fue Isabella de Este, a la cual Da Vinci conoció en Milán y dibujó a lápiz para después hacer un aceite.

* Constanza d'Avalos, duquesa de Francaville, mencionada en un poema de la época, donde se lee que Leonardo la pintó "bajo bello velo negro"

* La teoría más llamativa es que sería el propio Leonardo con apariencia de mujer. Para llegar a esta conclusión, se analizó y se comparó con uno de sus autorretratos más famosos. Se vio, sorprendentemente, que los rasgos eran muy parecidos en las principales líneas de la cara (labios, ojos, nariz,...). La ausencia de cejas le daría una apariencia más ambigua.

*Pero la teoría más polémica, y recientemente popularizada tras la aparición del éxito de ventas El código Da Vinci, es que representa a la misma Maria Magdalena, y por añadir más polémica, que está embarazada. La teoría se fundamenta en la posición de las manos sobre el vientre y en la simbología oculta característica de la obra de Leonardo. Además, a la Virgen María también se la denominaba Madonna.

Da Vinci..
más allá del pintor renacentista

Si hacemos un repaso a la vida creativa de Da Vinci, comprobaremos que este genio no se quedó estancado en las artes plásticas. También experimentó de una forma sorprendente en zoología, cartografía, anatomía, botánica, etc. Muchos de sus proyectos se han dado a conocer forma de apuntes y dibujos, pero muchos quedaron sin materializar y han pasado a la historia como grandes ideas. El Hombre de
Vitruvio, diferentes códigos, planos de fortificaciones y multitud de inventos son ejemplos de su genialidad.

La sonrisa más polémica de la historia

A la incertidumbre sobre la identidad de la dama, se le unen otros enigmas que hacen más atractivo el retrato. El más famoso es el de su sonrisa. Es cierto que cuando observamos su mirada nos persigue desde cualquier ángulo, y con esto parece sonreír; esta es la sensación que tienen muchos en un primer momento. Entonces uno se pregunta por qué sonríe, y empiezan a nutrirse imparablemente las teorías. ¿Es una sonrisa dulce? ¿De felicidad? O ¿en realidad no sonríe? Hay dos interpretaciones muy discutidas que intentan responder a estas preguntas. Una atribuye la sonrisa al hecho de que se trata de una mujer embarazada (dejando de lado que sea Maria Magdalena o no).

La posición de las manos sobre el vientre, la serenidad del rostro, los dedos hinchados, etc., lo fundamentan. La segunda, habla de una sonrisa burlona en el supuesto de que fuera una imagen afeminada del propio Da Vinci. Este, bajo un disfraz de mujer, se estaría mofando del espectador y por esto nos sonríe maliciosamente. Pero todo esto no deja de ser puras suposiciones. Recientemente, Margaret Livingston, experta en percepción visual, se aventuró a decir que "la sonrisa de la Mona Lisa es una ilusión que aparece y desaparece debido a la forma en qué el ojo humano procesa las imágenes". De esta forma, si miramos la sonrisa directamente, este desaparece, mientras que si nos fijamos en otras zonas del cuadro, parece que sí que nos sonríe. ¿Por qué no lo comprobáis? ¿Os sonríe?






Datos de interés


*Mide 77 x 53 centímetros (¡es un cuadro bastante pequeño!)

* Es imagen de más de 400 marcas y nombre de 61 productos

*Es visitada por 6 millones de personas cada año

*El 1911 fue robada por el pintor italiano Vicenzo Perrrugia. Dos años más tarde apareció en Italia

*Fue salpicada con ácido y golpeada con una piedra en el Louvre, dónde ahora se expone tras una vitrina antibalas, en una sala especial que la protege.

La última cena
Leonardo da Vinci. 1495-1497

Encargante: Duque Ludovico Sforza

Ubicación: refectoria de la iglesia dominica de Santa María de las Gracias (Milán)

Estilo artístico: Renacimiento

Técnica: mural ejecutado al temple y óleo sobre dos capas de preparación de yeso extendidas sobre enlucido

Estado de conservación: malo

Más información: cena , última




*Historia: El Conde Ludovico Sforza le pidió pintar para la nueva iglesia de los dominicos de santa María de las Gracias en Milán un mural de grandes dimensiones. Su factura se demoró mucho tiempo, dado al gran cuidado que esgrimía Leonardo, así como la difícil técnica mural que empleó.

*Tema: El tema es uno de los más importantes y conocidos de los relatos bíblicos y viene de Juan 13.21. Se trata de la sagrada cena donde Cristo junto a sus apóstoles toma lo que va a ser su última cena. El momento es en el que Jesús explica que entre sus allegados hay un traidor, por lo que cada uno de ellos responde de una forma distinta, dado mucho movimiento y expresión a la representación.

*Perspectiva: Uno de los elementos que más llama la atención y que más fue aplaudido por los pintores de su época es la perspectiva, tanto en el fondo de la factura como en los propios personajes, todos ellos en movimiento e individualizados. La escena transcurre en una sala cerrada, con un tejado plano de casetones, al estilo clásico, y al fondo unas grandes vidrieras de donde emana la luz que incide en todos los personajes. Sin embargo, hay una luz frontal, que sobre todo incide en Jesús, en el centro de la composición.

*Composición: Se trata de una composición simétrica, son un punto de referencia que es Jesucristo, en el centro de la mesa y rodeado por sus apóstoles. Una fuerte línea horizontal marca la escena, que es la mesa de mantel blanco, incidiendo en el carácter de tranquilidad y sosiego de la misma. Asimismo, las líneas diagonales hasta el fondo de la sala añaden movimiento y profundidad de campo a la misma, aumentando su realismo.

*Personajes: Bartolomé, Santiago el Menor y San Andrés, Judas Iscariote, Simón Pedro y Juan

*Personajes: Mateo, Judas Tadeo, Simón Zelote, tomás Santiago el Mayor y Felipe

*Significado : : según la escuela florentina por Ficino y Mirandola, los personajes se dividían en varias triadas, o lo que es lo mismo, grupos de tres. En ellos se puede ver diferentes motivos y teorias filosóficas, como el amor platónico o el camino a Cristo a través del diálogo filosófico

*Técnica: . Para Leonardo el fresco no era una técnica óptima para este trabajo, así que prefirió experimentar con una solución de técnica al temple y óleo sobre capas de yeso en el enlucido. Esto provocó que, poco después de su realización, se empezara a deteriorar ya que el muro al secarse se agrietaba y se desprendía. Así, en la actualidad su conservación es muy cuidadosa y costosa, por lo que sus visitas están reducidas.

*Curiosidades: Se ha hablado mucho acerca de los significados de posibles figuras. Así, se especula sobre la figura del propio Leonardo en el cuadro. Sería uno de los apóstoles de la derecha. Sin embargo, esto se ha descartado ya que la edad del representado es bastante superior a la edad en ese momento del propio pintor, por lo que es poco probable que se representara así. Otra especulación trata de la figura de una daga en la parte izquierda. Los técnicos que hicieron radiografías al cuadro explican que en los dibujos preliminares la daga la sostenía Pedro, en relación con el capítulo por el que defiende con ella a Jesús. Por último, en cuanto a las especulaciones sobre la figura que hay a la derecha de Cristo con pelo largo comentar que se ha especulado mucho sobre si era una mujer e, incluso, se ha llegado a decir que es María Magdalena. Sin embargo, si observamos la tradición pictórica hasta la fecha y posteriores, siempre se ha representado a San Juan como un joven de pelo largo, delgado y joven, por lo que la imagen corresponde a la perfección con la que aparece de Leonardo. Además, si este apostol no apareciera y fuera María Magdalena, faltaría uno de los más importantes fieles de Jesús en una de las escenas más importantes, por lo que es una segunda razón para afirmar que dicha figura corresponde a la de San Juan y no la de una mujer.

El Nacimiento de Venus
ALESSANDRO DI MARIANO DI VANNI FILIPEPI (BOTTICELLI)

SIGLO XIV - XV . GOTICO--RENACIMIENTO. 1484-1485 . Temple sobre lienzo.

Botticelli nace en Florencia en el año 1445 .
Trabaja para las grandes familias florentinas, especialmente para los Medici.
Pinta retratos y escenas en las que amalgama el ideal neoplatónico clásico y el sentimiento cristiano.
En sus obras se percibe una exquisita belleza, plena de elegancia, fuerza y no exenta de cierta melancólica tristeza. El trazo es enérgico, muy expresivo.
Se le conoce por Botticelli, apelativo italiano de la palabra botijo. Probablemente el apodo que le puso su hermano mayor, o era el mote con el que le llamaba su maestro orfebre (Antonio del Pollaiuolo).
Fue discípulo de Fra Filippo Lippi.
Muere en Florencia en el mes de mayo de 1510, a los 65 años, enfermo y pobre.
Algunas de sus obras:
-- La Virgen del Rosal.
-- La Fortaleza.
-- La Primavera.
-- La Adoración de los Reyes Magos... etc.
Pero es El Nacimiento de Venus la obra que quizás refleje con más precisión, los rasgos más característicos,
que definen a este pintor del renacimiento florentino.



El Nacimiento de Venus


Es uno de los temas mitológicos más famosos de Botticelli . Parece ser que fué tomado de La Metamorfosis de Ovidio. La diosa Venus nace del dios Urano, que es castrado por su hijo Cronos, arrojando sus genitales al mar.
El cuadro recrea el momento en que la diosa llega a la isla de Cítera, empujada por el viento, como describe Homero.
Sobre una enorme concha, aparece la blanquecina y esbelta figura de la diosa del amor con sus largos cabellos en dorados tirabuzones, mecidos por el viento. La mano izquierda recoge un bucle de pelo con el que tapa su pubis. El brazo y la mano derecha tratan de velar sus pechos.
En la izquierda de la escena, aparecen fundidos en un cálido abrazo las figuras de Aura, diosa de la brisa y de Céfiro, dios del viento. ( Céfiro: Viento de poniente ).








En tierra, a la derecha, aparece presta Flora (diosa de la vegetacion y de la naturaleza), con su vestido decorado con motivos florales. Pretende arropar a la diosa con un manto de púrpura también florido.
Las rosas caen en forma de lluvia, hacia un mar levemente rizado.
En la escena el pintor consigue un curioso efecto circular. Ante todo prima el dibujo sobre la perspectiva.
Están representados los tres elementos esenciales de la materia: aire, tierra y agua.
Queda reflejado el ideal de belleza platónico y el mensaje simbólico de renacimiento a la vida por el Bautismo del cristiano .
Sandro Botticelli llega plenamente al dominio de la linea con su personal estilo de trazo elegante.
Pretendemos hacer justicia a una obra de incuestionable belleza, a pesar de un cierto primitivismo, y a un autor como Botticelli, que de alguna forma, fue eclipsado por genios de la talla de Miguel Angel o de Leonardo de Vinci.





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