Diecinueve películas sobre dieciocho genios del arte

Nació el 25 de febrero de 1841 en Limoges.
Hijo de un sastre que trasladó a su familia a París.
Durante su infancia trabajó como decorador en una fábrica de porcelanas.

Con 17 años copiaba pinturas sobre abanicos, pantallas de lámparas y persianas. Fue admitido en la Academia de Bellas Artes y en 1862 se matriculó en la academia del pintor suizo Charles Gabriel Gleyre, donde se encontraría con Fridéric Bazille, Claude Monet y Alfred Sisley.
En su obra más temprana se pudo observar la influencia de pintores como Monet en su tratamiento de la luz, y de Eugène Delacroix en su tratamiento del color.

En 1864 tuvo lugar su primera exhibición en París, pero no fue verdaderamente reconocido hasta 1874, en la primera exposición de pintores de la nueva escuela impresionista.

Su baile del Moulin de la Galette (1876, Museo d'Orsay, París) es una de las obras más famosas del impresionismo. Habría que destacar como otros ejemplos de retrato: Madame Charpentier y sus niños (1878, Museo Metropolitano de Nueva York ) y Jeanne Samary (1879, Museo del Louvre de París).

Otras pinturas destacadas son: El palco (1874, Galerías del Courtauld Institute de Londres), Mujer del abanico (1875) y El Columpio (1875), ambas en el Museo d'Orsay de París, El almuerzo de los remeros (1881, Colección Phillips de Washington), Los paraguas (1883, National Gallery, Londres) y Jarrón de crisantemos (1895, Museo de Bellas Artes de Ruán, Francia).

Consiguió una gran reputación con la exposición individual celebrada en la galería Durand-Ruel de París en 1883.

Entre 1884 y 1887 realizó unas series de estudios de grupo de figuras desnudas conocidas como Las grandes bañistas (Museo de Arte de Filadelfia).

En sus últimos 20 años sufrió artritis y continuó trabajando con un pincel atado al brazo.

Su hijo Jean Renoir, se convertiría en un cineasta de fama internacional.

Pierre-Auguste Renoir falleció el 3 de diciembre de 1919 en Cagnes.

Paul Jackson Pollock (Cody, Wyoming, 28 de enero de 1912-Springs, Nueva York , 11 de agosto de 1956), más conocido como Jackson Pollock, fue un influyente pintor estadounidense y una importante figura en el movimiento del expresionismo abstracto. Era reconocido por su estilo único de salpicar pintura.

Durante su vida, Pollock tuvo fama y mucha notoriedad es uno de los artistas principales de su generación. Pollock era una persona aislada y con una personalidad volátil, tenía problemas de alcoholismo, los cuales enfrentaba día a día durante toda su vida. En 1945, se casó con la artista americana Lee Krasner, quien se convirtió en una influencia importante en su carrera y legado.

Pollock murió a la edad de 44 años en un accidente automovilístico debido a que conducía en estado de ebriedad. En diciembre de 1956, meses después de su muerte, Pollock fue conmemorado con una retrospectiva en el Museo de Arte Moderno de Nueva York (MoMA). En 1967 se montó una exhibición más completa y larga de sus trabajos en el mismo lugar. En 1998 y 1999, su trabajo fue laureado con una retrospectiva a gran escala en el MoMA de Nueva York y en el Tate Modern de Londres.

(Miguel Ángel Buonarroti, en italiano Michelangelo; Caprese, actual Italia, 1475 - Roma, 1564) Escultor, pintor y arquitecto italiano. Habitualmente se reconoce a Miguel Ángel como la gran figura del Renacimiento italiano, un hombre cuya excepcional personalidad artística dominó el panorama creativo del siglo XVI y cuya figura está en la base de la concepción del artista como un ser excepcional, que rebasa ampliamente las convenciones ordinarias.

Nació el 6 de julio de 1907 en Coyoacán, al sur de Ciudad de México.

Fue la tercera de las cuatro hijas de Matilde Calderón y del fotógrafo judío-alemán Guillermo Kahlo.

En 1913 sufrió un ataque de poliomielitis que afectó permanentemente el uso de su pierna derecha.


Siendo una joven de 16 años, cuando realizaba estudios en la Escuela Nacional Preparatoria de esta ciudad conoció a Diego Rivera, que estaba pintando su mural La Creación en la escuela. Resultó fatalmente herida en un accidente de tranvía. En su recuperación, es cuando Frida inicia su pintura. Tres años más tarde presentó a Diego Rivera algunos de sus primeros trabajos y éste la animó a continuar pintando. En el 21 de agosto del año 1929 contrajeron matrimonio. Ella tenía 21 años y el tenía 46.

La obra de Rivera influenció su trabajo, dio color a zonas amplias y sencillas en forma intencionadamente ingenua. Deseaba como su marido, que su pintura fuera la evidencia de lo mexicano recurriendo con frecuencia a temas del folklore y del arte popular de su país. Después introduce el factor de lo fantástico en introspección libre con yuxtaposición de objetos incongruentes que realzan el impacto de su obra, a la que se relacionó con el movimiento surrealista. Sus cuadros exponen fundamentalmente los aspectos dolorosos de su vida, en gran parte postrada en una cama. Expresa la desintegración de su cuerpo y el terrible sufrimiento que padeció en obras como La columna rota (1944, colección Dolores Olmedo, Ciudad de México), en la que aparece con un aparato ortopédico de metal y con el cuerpo abierto mostrando una columna rota en lugar de la columna vertebral.

Su dolor ante la incapacidad de la maternidad lo plasma en Hospital Henry Ford(1932, colección Dolores Olmedo), en la que se aprecia a un bebé y varios objetos, como un hueso pélvico y una máquina, esparcidos en una cama de hospital donde yace mientras sufre un aborto. Unos cuantos piquetitos lo pinta en (1935, colección Dolores Olmedo).

En 1939 Se divorcia de Diego Rivera (aunque volvieron a casarse en 1940) año en que ejecuta su obra Las dos Fridas (1939, Museo de Arte Modernos de México) otra pintura reseñable es Sin esperanza (1945, Dolores Olmedo).

Organizó las exposiciones de Nueva York de 1938 y de París de 1939 a través de sus contactos con el poeta surrealista francés André Breton. En abril de 1953 expuso por primera vez en la galería de Arte Contemporáneo de Ciudad de México.

En la noche del 13 de julio de 1954 falleció en Ciudad de México. El día de su entierro, el féretro fue cubierto con la bandera del Partido Comunista.

(Francisco José de Goya y Lucientes; Fuendetodos, España, 1746 - Burdeos, Francia, 1828) Pintor y grabador español. Goya fue el artista europeo más importante de su tiempo y el que ejerció mayor influencia en la evolución posterior de la pintura, ya que sus últimas obras se consideran precursoras del impresionismo.

Goya aprendió de su padre el oficio de dorador, pero, decidido a dedicarse a la pintura, se trasladó a Madrid para formarse junto a Francisco Bayeu, con cuya hermana se casó en 1775, año de su establecimiento definitivo en Madrid. Bayeu le proporcionó trabajo en la Real Fábrica de Tapices, para la que realizó sesenta y tres cartones, en su mayor parte con escenas idílicas y de la vida diaria, plasmadas con colores claros y vivos e impregnadas de alegría y romanticismo.

Simultáneamente, Goya empezó a pintar retratos y obras religiosas que le dieron un gran prestigio, hasta el punto de que en 1785 ingresó en la Academia de San Fernando y en 1789 fue nombrado pintor de corte por Carlos IV.

Diez años más tarde, en 1799, pintó para el soberano el famoso retrato La familia de Carlos IV, que se considera una de sus obras maestras. Es un retrato oficial, formal en apariencia, pero en el que el autor se permite cierta ironía al plasmar a los personajes con un realismo crítico.

Goya trabajó como retratista no sólo para la familia real, sino también para la aristocracia madrileña, y de hecho entre estos retratos se encuentran algunas de sus obras más valoradas, como La condesa de Chinchón o las famosas La maja vestida y La maja desnuda; sobre estas últimas dice la leyenda popular que representan a la duquesa de Alba, quien habría mantenido con el artista una relación de tintes escandalosos. En los retratos de Goya destaca, en líneas generales, su atento estudio de las posturas y las expresiones, así como los contrastes de luces y sombras que realzan la figura del protagonista.

Hacia 1799, el pintor concluyó una de sus grandes series de grabados, Los caprichos, ochenta y dos aguafuertes que constituyen una crítica feroz de la sociedad civil y religiosa de la época. En esta serie aparecen ya algunos personajes extraños y macabros que acabarán protagonizando obras posteriores del maestro. Por esos mismos años, Goya se ocupó de la decoración al fresco de la ermita de San Antonio de la Florida, donde realizó una obra de gran impacto escenográfico.

En 1808, la invasión de España por las tropas napoleónicas colocó al artista en una situación delicada, ya que mantuvo su puesto de pintor de corte con José Bonaparte. Pese a todo, no se privó de plasmar los horrores de la guerra en obras como El 2 de mayo y Los fusilamientos del 3 de mayo, que reflejan los dramáticos acontecimientos de aquellas fechas en Madrid. Además, en los sesenta y seis grabados de Los desastres de la guerra (1810-1814), dio testimonio de las atrocidades cometidas por los dos bandos y acentuó visualmente la crueldad de la guerra como protesta contra ella lanzada a la posteridad desde la impotencia.

Por haber trabajado para José Bonaparte, el artista cayó en desgracia tras la restauración de Fernando VII, y en 1815 se retiró de la vida pública. En 1819 experimentó una recaída en la misteriosa enfermedad que en 1792 lo había dejado completamente sordo. Ello, unido a su nueva vida en soledad en la Quinta del Sordo, casa solariega que había comprado poco antes, debió de contribuir a la exacerbación imaginativa de que el artista dio muestras en la decoración de su nueva vivienda: catorce murales de gran tamaño con predominio de los tonos marrones, grises y negros, sobre temas macabros y terroríficos.

Estas obras, conocidas en la actualidad como Pinturas negras, han contribuido con el paso de los años a la consolidación del reconocimiento del genio de Goya, tanto por su originalidad temática como por su técnica pictórica de pincelada amplia y suelta. El pintor se trasladó en 1824 a Burdeos, donde residió hasta su muerte sin dejar de cultivar la pintura y el grabado. La lechera de Burdeos y algunos retratos ilustran la evolución del genio hacia una concepción de los valores plásticos que anuncia el impresionismo. Su obra, fecunda y versátil, de gran libertad técnica y brillantez de ejecución, no ha dejado de acrecentar la importancia de su figura hasta nuestros días.

Nació el 11 de mayo de 1904 a las 8,45 de la mañana en el pueblo de Figueres, Girona.

Bautizado como Salvador, Domingo, Felipe, Jacinto Dalí, hijo de Salvador Dalí i Cusí, notario, y Felipa Doménech.

Nació nueve meses y diez días exactos después de enterrado un primer Salvador Dalí, su hermano, de quien escribió que se parecían "como dos gotas de agua". Su hermano primogénito murió por una meningitis cuando sólo contaba siete años. El nombre que le pusieron, Salvador, es el mismo que tenía su hermano muerto.


Fue un niño caprichoso, mimado y consentido en quien sus padres volcaron afecto y atenciones de una forma un tanto compulsiva debido a la temprana muerte de su hermano. Su infancia se caracteriza por ataques de ira contra sus padres y actos crueles contra sus compañeros de escuela.

Durante una larga convalecencia pasada en El Molí de la Torre, una finca cerca de Figueres propiedad de la notable familia Pichot, Dalí descubrió la pintura. Allí realizó, con un absoluto desconocimiento técnico, sus primeros cuadros (óleos y acuarelas) de los que no queda rastro alguno, pero que impresionaron a quienes tuvieron ocasión de verlos. Fueron los Pichot quienes aconsejaron a Dalí que siguiera cursos de aprendizaje. El niño enfermo es el título de su primer autorretrato, realizado a la edad de diez años. Poco después comenzó su primer curso de dibujo con Juan Núñez de quien aprendió el uso del claroscuro y le introdujo también en las técnicas del grabado. Las obras de Dalí son conocidas por un importante trato de los detalles, a los que da mucha luz y color.

Su madre murió en 1921 de cáncer de mama. Dalí tenía solo 16 años y se vio gravemente afectado por la muerte de su madre.

Fue admitido en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando (Madrid) en 1921, de la cual fue expulsado, acusado de subversión anarquista; fue arrestado y pasó un corto período en la cárcel, en Girona (1923). Su primera exposición individual en Barcelona se celebró en noviembre de 1925. Tras ser readmitido, fue definitivamente expulsado en 1926 por su excentricidad. Se cuenta que cuando en un examen le pidieron que hablase sobre Rafael, Dalí respondió al tribunal: "Me es imposible hablar de ese sujeto delante de los tres profesores, porque yo sé mucho más sobre Rafael que todos ustedes reunidos.

Al año siguiente conoció a Picasso en París, y se unió al grupo surrealista en el barrio parisino de Montparnasse. A pesar de ser uno de los más famosos artistas surrealistas de todos los tiempos, fue expulsado de la sociedad oficial surrealista en 1934. En Londres, Stefan Zweig le presentó a Sigmund Freud. Amigo de Luis Buñuel y Federico García Lorca a los que conoció en Madrid en 1923. José Bello dijo hablando de cuando Dalí llegó a la Residencia de Estudiantes, a los 18 años, "era una persona enferma de timidez". Con Buñuel realizó la escenificación de "Un perro andaluz" y colaboró, en una segunda etapa, en L'age d'or. En cambio, con García Lorca tuvo una amistad muy íntima, como lo prueba la apretada correspondencia mantenida entre 1925 y 1936. Hasta ese momento, Dalí no había amado a nadie de esta forma.

Durante su servicio militar (1927) Dalí realiza Cenicitas, su primera obra "daliniana" en la que afloran sus recuerdos-fantasmas. Durante sus años en París, adquirió las características del surrealismo en 1930. Sus obras en este periodo se inspiran en las teorías de Freud. Dalí conoció en 1929 a Gala, hija de un abogado ruso y compañera del poeta surrealista Paul Eluard. La vio por primera vez en la terraza del hotel Miramar, en Cadaqués, junto a su marido. Quedaron en encontrarse a la mañana siguiente, en la playa. Dalí decidió prepararse para el encuentro de una manera totalmente simbólica. Se arremangó la ropa para hacer resaltar el bronceado. Se puso al cuello un collar de perlas y en la oreja un geranio rojo. Se hirió al afeitarse la axila y se embadurnó el cuerpo con su propia sangre, a la que agregó una mixtura de cola de pescado, estiércol de cabra y aceite. El matrimonio con Gala ofende a su familia, quien lo desaprueba por ser una madre y 10 años mayor que Dalí, que fue desheredado por su padre. Eluard fue uno de los testigos en su boda.

Pocos meses después, profundamente enamorados, se van a vivir juntos. Desde aquel momento. Gala será para Dalí amante, amiga, musa y modelo (aparece por primera vez de perfil, en "El gran masturbador", de 1929). En 1932 Dalí presenta su obra La persistencia de la memoria, en la primera gran retrospectiva surrealista que se celebra en Nueva York : es el principio de su espectacular éxito. A partir de 1936, junto a Gala, abandona su residencia en Cataluña. Desde 1940 hasta 1948, Dalí vivió en Estados Unidos. Allí realizó sus últimas obras, la mayoría de ellas de aspecto religioso, como La Crucifixión o La última cena (1955, National Gallery, Washington).

Dalí fue el representante más popular del surrealismo y es reconocido mundialmente por su obra repleta de imágenes oníricas. El artista dejó huella en el mundo de la ilustración y del grabado, realizó una notable cantidad de esculturas y de joyas, dejó también su obra en el mundo escénico a través de la creación de ballets, escenografías y vestuario para óperas; sin olvidar sus aportaciones, de importancia decisiva, en el mundo del diseño, de la publicidad y del cine. Para la película "Recuerda" de Alfred Hitchcock, el artista diseñó los decorados.

El 1 de abril de 1970 anuncia la creación de un museo en Figueres, que abrió sus puertas cuatro años más tarde. En diciembre de 1979 una primera gran exposición antológica se inauguraba en el centro Georges Pompídou de París. A los pocos. días se hacían públicas las desavenencias con Gala y empezaba el conflicto de los derechos de autor y de las falsificaciones. En la comunidad artística, era conocido por su amor por hacer dinero. Debido a esto se le llamaba despectivamente "Avida Dollars" por su codicia.

Escribió algún libro autobiográfico como La vida secreta de Salvador Dalí.

El 23 de enero de 1989, muere en el hospital de Figueres a los 84 años de edad a consecuencia de un paro cardiaco, después de haber sufrido una larga agonía. Su cadáver es embalsamado y enterrado en una tumba bajo la cúpula geodésica que domina su museo en la misma localidad.

(Londres, 1775-id., 1851) Pintor británico. Fue un artista precoz, admitido ya a los catorce años como alumno en la Royal Academy, de la que fue nombrado miembro asociado en 1799, a los veinticuatro años, y de la que fue también, más tarde, profesor y vicepresidente. Su prematura inclinación hacia la pintura se concretó desde el primer momento en una vocación de paisajista, hasta el punto de que fue el paisaje el único tema que cultivó, y del cual llegó a ser un maestro indiscutible.

A partir de 1792 adoptó la costumbre de realizar apuntes de paisajes y vistas para venderlos a grabadores o convertirlos luego en óleos o acuarelas. Esta línea de actuación, mantenida a lo largo de toda su vida, está en el origen de la gran cantidad de dibujos que dejó a su muerte, amén de los que se incluyeron en obras como Puertos de Inglaterra o Vistas pintorescas de las costas meridionales de Inglaterra.


Aunque su obra fue muy discutida, contó con admiradores y mecenas incondicionales, como el tercer conde de Egremont y Ruskin. Gozó, por ello, de un gran desahogo económico, que le permitió realizar constantes viajes por diversos países (Francia, Suiza, Italia), de los que constituyen un recuerdo memorable, por ejemplo, sus series de vistas de Venecia.

Desde sus inicios, sus paisajes son plenamente románticos por el dramatismo de los temas tratados y manifiestan un interés particular por el espacio atmosférico y los efectos luminosos. Estos dos rasgos, los más característicos de su peculiar estilo, se mantuvieron hasta el final de su carrera, aunque en composiciones cada vez más esquemáticas y abstractas en las que el color adquirió un protagonismo absoluto. En sus últimos años vivió una existencia solitaria, con frecuentación casi exclusiva de su amante, Sophia Booth.

Hay poca información de su vida. No se sabe donde nació. Rubliov probablemente vivió en el monasterio de la Santísima Trinidad y San Sergio en tiempos del patriarcado de Nikon de Rádonezh, que se convirtió en higúmeno después de la muerte de San Sergio de Rádonezh en 1392.

(Loten, Noruega, 1873 - Ekely, cerca de Oslo, id., 1944) Pintor y grabador noruego. La estilización de la figura, la prolongación de las líneas y, en ocasiones, el intenso dramatismo y la intensidad cromática, hicieron del estilo pictórico del noruego Edvard Munch uno de los modelos estéticos del expresionismo de las primeras décadas del siglo XX.


Sufrió muy joven la pérdida de sus seres queridos, y el espectro de la muerte, que llenó su niñez, lo acompañaría durante toda su vida, convirtiéndose en uno de los temas recurrentes en sus obras. En 1885 llevó a cabo el primero de sus numerosos viajes a París, donde conoció los movimientos pictóricos más avanzados y se sintió especialmente atraído por el arte de Paul Gauguin y Henri de Toulouse-Lautrec. No tardó en crear un estilo sumamente personal, basado en acentuar la fuerza expresiva de la línea, reducir las formas a su expresión más esquemática y hacer un uso simbólico, no naturalista, del color, y de ahí su clasificación como pintor simbolista.

De 1892 a 1908 vivió en Alemania, sobre todo en Berlín, aunque hizo frecuentes viajes a Noruega y París. En Berlín presentó en 1892 una exposición que tuvo que ser retirada por el escándalo que suscitó y que dio pie a la creación de la Secesión Berlinesa. En Noruega contó pronto entre sus amistades con importantes personalidades políticas y literarias y tuvo particular afinidad con el realismo social de la creación de Henrik Ibsen, para quien realizó los escenarios y el vestuario de la obra Peer Gynt en 1896.

En 1908, Munch, después de una tormentosa relación sentimental y víctima del alcohol, sufrió una grave enfermedad nerviosa, por lo que tuvo que ser recluido en el psiquiátrico del doctor Jacobsen, en Copenhague, del que salió completamente restablecido. En 1908 volvió definitivamente a Noruega, donde recibió algunos encargos oficiales (pinturas del paraninfo de la Universidad de Oslo) y pasó sus últimos años en soledad. Munch legó a la ciudad de Oslo todas las obras que conservó hasta su muerte, acaecida en 1944.


La obra de Edvard Munch se caracteriza por un sentido trágico de la vida y de la muerte, propio de toda la literatura escandinava de Ibsen a Strindberg. A pesar de que sus primeras pinturas recibieron la influencia de los impresionistas, pues conoció bien la obra de Gauguin y Van Gogh, en seguida se inclinó por la idea de plasmar los sentimientos, por exteriorizar las sensaciones de angustia y soledad del ser humano. Su etapa de madurez está impregnadas de ese "sentimiento trágico" que tanto caracterizó a los románticos, pero extraído del contexto propio del Romanticismo y llevado a sus últimas consecuencias, otorgándole un valor "absoluto", como algo de lo que el hombre no se puede liberar.

En la pintura de Munch aparece el rostro del mundo alimentado por esas fuerzas desconocidas que forman parte también de la condición humana. Su ambicioso proyecto titulado El friso de la vida (1893-1918), al que pertenecen sin duda sus cuadros más representativos, refleja los sentimientos y las obsesiones humanas. Veintidós de esas pinturas fueron expuestas, en 1902, en la muestra del grupo berlinés Sezession. La mayoría de ellas refleja la desilusión del fin de siglo y la imagen del hombre como víctima.

Su obra anterior a 1908 está muy vinculada a este ciclo que, de algún modo, concibió como si se tratara de un poema de amor, de vida y de muerte. Así El beso (1892) o La cámara de muerte (1894), ambas en la Nasjonalgalleriet de Oslo, donde alude al drama acontecido durante su infancia: la muerte de su madre y su hermana. Los personajes reflejan su sufrimiento, pero formalmente están unidos por una línea serpenteante que recorre toda la superficie del cuadro. No hay sombras, sólo colores planos y pronunciados contornos que marcan el ritmo visual, un medio idóneo para expresar la angustia del espíritu.

Sin embargo, su obra más emblemática es El grito (1893, Nasjonalgalleriet, Oslo), una de las pinturas que más intensamente han reflejado el horror y la angustia del ser humano. La figura que se halla en primer término expresa un terror inconmensurable. La angustia por la soledad, la desesperación por no encontrar un sentido a la vida y su relación con los abismos quedan intensamente reflejados en la obra del pintor noruego.

Nació el 15 de julio de 1606, en Leiden (Holanda). Su padre fue un molinero llamado Harmen Gerritszoon van Rijn y su madre, Neeltje Willemsdochter van Suydtbroek, hija de un panadero. Se cree que el matrimonio tuvo unos diez hijos, de los cuales dos niñas morirían a temprana edad.

Cursó estudios en la Escuela Latina y con 14 años entró en la universidad de Leiden, donde permaneció durante algún tiempo para después estudiar arte, primero con Jacob van Swanenburch y después en Amsterdam, con Pieter Lastman, con quien permanece seis meses. Ese mismo año, regresa a Leiden, donde conoce a Jan Lievens, hijo de un tintorero, un año menor que Rembrandt. En 1625, con 19 años, abre un taller en su casa paterna, donde Lievens y Rembrandt trabajan juntos. Su fama aumenta e incluso, en febrero de 1628, entra en su taller su primer alumno, el quinceañero Gerrit Dou, que permanece con su maestro hasta que Rembrandt marcha a Amsterdam en 1631.

En el año 1634 contrajo matrimonio con Saskia van Uylenburgh, prima de un conocido marchante de arte, hecho que le ayudó a impulsar su carrera. Durante este periodo pinta el Retrato de Nicolaes Ruts (1631, Frick Collection, Nueva York ) y El cegamiento de Sansón (1636, Städelsches Kunstinstitut, Frankfurt). Su taller contaba con un enorme número de discípulos, algunos como Carel Fabritius, que ya eran artistas experimentados.


Entre 1635 y 1641 su esposa dio a luz cuatro niños, de los que tan sólo sobrevivió el pequeño, Titus. Saskia falleció en 1642. Rembrandt contrata los servicios de una nodriza, llamada Geertige Dircx, viuda de un corneta. Parece que esta mujer mantuvo relaciones con el pintor. Los regalos que le ofreció, incluidas joyas de su esposa, así lo testimonian. La mujer que se encariña con el niño, decide dejarle todas sus posesiones en su testamento, redactado en 1648. Al año siguiente, entra en la casa como aya, una joven de 22 años, llamada Hendrickje Stoffels, hija de un soldado y mujer del pueblo. El pintor se enamora de la joven y despide a Dircx. Esta acusa a Rembrandt ante la justicia de haber incumplido su promesa de matrimonio, por lo tanto, debía mantenerla o casarse con ella. El pintor holandés niega dicha acusación, pero una vez finalizado el juicio ha de pagarle 200 florines anuales. Hendrickje Stoffels finalmente se convirtió en su concubina y en modelo de muchas de sus obras.

Su inclinación a la vida ostentosa le llevó a la bancarrota en 1656. El inventario de su colección de arte y antigüedades, realizado antes de que se celebrara la subasta pública para pagar sus deudas, expone sus gustos artísticos: esculturas, pintura flamenca e italiana del renacimiento, arte oriental, armas y armaduras...

Pintó más de 600 cuadros y produjo numerosos dibujos y grabados. En El noble eslavo (1632, Museo de Arte Metropolitano, Nueva York ) se aprecia su predilección por los trajes exóticos, elemento característico de muchas obras de su primera época. Retrato de marido y mujer (1633, Isabella Stewart Gardner Museum, Boston), expone su preocupación por los rasgos de los personajes retratados, los detalles de la ropa y los muebles de la habitación. También los miembros de su familia que posaban para él aparecen retratados con diferentes disfraces, como en el caso de su madre como la profetisa Ana (1631, Rijksmuseum), o Saskia como Flora (1634, Hermitage, San Petersburgo). Un autorretrato (1640, National Gallery, Londres), basado en obras de Rafael y Tiziano, refleja su asimilación del clasicismo.

La obra conocida como La ronda de noche, cuyo título exacto es La compañía del capitán Frans Banning Cocq y el teniente Willen van Ruytenburch (1642, Rijksmuseum), representa la actividad bulliciosa de una compañía militar preparándose para un desfile. A pesar de que existe la creencia de que la obra fue rechazada por aquellos que la encargaron y que ello condujo al deterioro de la reputación y de la fortuna de Rembrandt, en realidad el cuadro tuvo una buena acogida.

Sus obras más importantes pertenecen a sus dos últimas décadas. Su paleta adquirió un colorido más rico y su pincelada se hizo cada vez más vigorosa. En el Museo del Prado, Madrid, se conserva el cuadro Atemisa (1634), retrato de la reina de Pérgamo. Se cree que sirvió de modelo Saskia van Uylenburgh, su esposa. Algunas de sus grandes obras pertenecientes a este periodo son La novia judía (1666), Los síndicos del gremio de pañeros (1661, Rijksmuseum, Amsterdam), Bathsheba (1654, Louvre, París), Jacob bendiciendo a Efraín y a Manasés (1656, Staatliche Gemäldegalerie, Kassel) y un autorretrato (1658, Frick Collection).

Su amante murió en 1663 y su hijo en 1668. Rembrandt fallece el 4 de octubre de 1669 en la casa de Rozengrancht, acompañado de su hija, y es enterrado cuatro días después en la iglesia de Westerkerk.

(Michelangelo Merisi; Caravaggio, actual Italia, 1571-Porto Ercole, id., 1610) Pintor italiano. Principal figura de la pintura italiana de su tiempo, aprendió el arte pictórico de un maestro de segunda fila, Simone Peterzano, y sobre todo a partir del estudio de las obras de algunos artistas venecianos. De 1592 a 1606 trabajó en Roma, donde no tardó en destacar no sólo por su original enfoque de la obra pictórica, sino también por su vida irregular, en la que se sucedían lances, peleas y episodios reveladores de su carácter tempestuoso y su falta de escrúpulos.

De Caravaggio se ha dicho que fue un revolucionario tanto por su vida turbulenta como por su pintura, en la que planteó una oposición consciente al Renacimiento y al manierismo. Siempre buscó, ante todo, la intensidad efectista a través de vehementes contrastes de claroscuro que esculpen las figuras y los objetos, y por medio de una presencia física de vigor incomparable. Al evitar cualquier vestigio de idealización y hacer del realismo su bandera, pretendió ante todo que ninguna de sus obras dejara indiferente al espectador. Desde el principio de su estancia romana rechazó la característica belleza ideal del Renacimiento, basada en normas estrictas, y eligió el camino de la verdad y el realismo, realizando sus obras mediante copias directas del natural, sin ningún tipo de preparación previa.

Sus primeras creaciones son fundamentalmente pinturas de género que combinan la figura humana con escenas de bodegón y naturaleza muerta. Constituye un ejemplo emblemático de esta primera etapa creativa El tañedor de laúd, donde un joven de belleza feminoide y sensual comparte protagonismo con frutas, flores y una serie de objetos relacionados con la música. En estas primeras obras resulta ya evidente el empleo estético de Caravaggio de los juegos de luces y sombras, si bien el claroscuro sólo sirve aquí como creador de volúmenes y de profundidad, sin añadir a la acción efectos de dramatismo, como sería habitual en las creaciones posteriores del artista.


La cena de Emaús, una de sus obras maestras, caracterizada por suntuosos tonos oscuros, sombras envolventes y haces de luz clara que inciden en puntos determinados, señala el comienzo del período de madurez del artista, quien se decanta abiertamente por la temática religiosa y trabaja por encargo de los grandes comitentes de la época. Algunas de sus obras son rechazadas por el naturalismo con que aborda los pasajes bíblicos, pero no faltan los mecenas laicos dispuestos a adquirir de buen grado aquellos cuadros que el clero no ve con buenos ojos.

A esta época corresponden las dos grandes realizaciones del artista: los retablos de la capilla Contarelli de San Luigi dei Francesi y de la capilla Ceresi de Santa Maria del Popolo, con La vocación de San Mateo y El martirio de San Mateo el primero, y La crucifixión de San Pedro y La conversión de San Pablo el segundo. Son obras, todas ellas, dominadas por una intensa acción dramática, muy estudiadas desde el punto de vista compositivo y en las que se obtienen resultados espléndidos con una gran economía de medios.

En 1606, Caravaggio mató a un hombre en una reyerta y se vio obligado a huir de Roma, adonde, muy a su pesar, nunca pudo volver. Murió cuatro años después en una playa solitaria, aquejado de malaria. En esta última época había pintado algunas obras en las que su dramatismo característico dejaba paso a una gran serenidad.

(Pablo Ruiz Picasso; Málaga, 1881 - Moulins, Francia, 1973) Pintor español. La trascendencia de Picasso no se agota en la fundación del cubismo, revolucionaria tendencia que rompió definitivamente con la representación tradicional al liquidar la perspectiva y el punto de vista único. A lo largo de su dilatada trayectoria, Pablo Picasso exploró incesantemente nuevos caminos e influyó en todas la facetas del arte del siglo XX, encarnando como ningún otro la inquietud y receptividad del artista contemporáneo. Su total entrega a la labor creadora y su personalidad vitalista, por otra parte, nunca lo alejarían de los problemas de su tiempo; una de sus obras maestras, el Guernica (1937), es la mejor ilustración de su condición de artista comprometido.


Hijo del también artista José Ruiz Blasco, en 1895 se trasladó con su familia a Barcelona, donde el joven pintor se rodeó de un grupo de artistas y literatos, entre los que cabe citar a los pintores Ramón Casas y Santiago Rusiñol, con quienes acostumbraba reunirse en el bar Els Quatre Gats. Entre 1901 y 1904, Pablo Picasso alternó su residencia entre Madrid, Barcelona y París, mientras su pintura entraba en la etapa denominada período azul, fuertemente influida por el simbolismo. En la primavera de 1904, Picasso decidió trasladarse definitivamente a París y establecerse en un estudio en las riberas del Sena.

En la capital francesa trabó amistad, entre otros, con los poetas Guillaume Apollinaire y Max Jacob y con el dramaturgo André Salmon; entre tanto, su pintura experimentó una nueva evolución, caracterizada por una paleta cromática tendente a los colores tierra y rosa (período rosa). Al poco de llegar a París entró en contacto con personalidades periféricas del mundillo artístico y bohemio, como los estadounidenses Leo y Gertrude Stein, o el que sería ya para siempre su marchante, Daniel-Henry Kahnweiler.

A finales de 1906, Pablo Picasso empezó a trabajar en una composición de gran formato que iba a cambiar el curso del arte del siglo XX: Les demoiselles d'Avignon. En esta obra cumbre confluyeron numerosas influencias, entre las que cabe citar como principales el arte africano e ibérico y elementos tomados de El Greco y Cézanne. Bajo la constante influencia de este último, y en compañía de otro joven pintor, Georges Braque, Pablo Picasso se adentró en una revisión de buena parte de la herencia plástica vigente desde el Renacimiento, especialmente en el ámbito de la representación pictórica del volumen. Las tramas geométricas eliminan la profundidad espacial e introducen el tiempo como dimensión al simultanear diversos puntos de vista: era el inicio del cubismo.


Picasso y Braque desarrollaron dicho estilo en una primera fase denominada analítica (1909-1912). En 1912 introdujeron un elemento de flexibilidad en forma de recortes de papel y otros materiales directamente aplicados sobre el lienzo, técnica que denominaron collage. La admisión en el exclusivo círculo del cubismo del pintor español Juan Gris desembocó en la etapa sintética de dicho estilo, marcado por una gama cromática más rica y la multiplicidad matérica y referencial.

Entre 1915 y mediados de la década de 1920, Picasso fue abandonando los rigores del cubismo para adentrarse en una nueva etapa figurativista, en el marco de un reencuentro entre clasicismo y el creciente influjo de lo que el artista denominó sus «orígenes mediterráneos». Casado desde 1919 con la bailarina rusa Olga Koklova y padre ya de un hijo, Paulo, Pablo Picasso empezó a interesarse por la escultura a raíz de su encuentro en 1928 con el artista catalán Julio González; entre ambos introdujeron importantes innovaciones, como el empleo de hierro forjado. En 1935 nació su hija Maya, fruto de una nueva relación sentimental con Marie-Therèse Walter, con quien Pablo Picasso convivió abiertamente a pesar de seguir casado con Olga Koklova; a partir de 1936, ambas debieron compartir al pintor con una tercera mujer, la fotógrafa Dora Maar.

El estallido de la guerra civil española lo empujó a una mayor concienciación política, fruto de la cual es una de sus obras más universalmente admiradas, el mural de gran tamaño Guernica (1937). La reducción al mínimo del cromatismo, el descoyuntamiento de las figuras y su desgarrador simbolismo conforman una impresionante denuncia del bombardeo de la aviación alemana, que el 26 de abril de 1937 arrasó esta población vasca en una acción de apoyo a las tropas franquistas. En 1943 conoció a Françoise Gilot, con la que tendría dos hijos, Claude y Paloma. Tres años más tarde, Pablo Picasso abandonó París para instalarse en Antibes, donde incorporó la cerámica a sus soportes predilectos.

En la década de 1950 realizó numerosas series sobre grandes obras clásicas de la pintura, que reinterpretó a modo de homenaje. En 1961 Pablo Picasso contrajo segundas nupcias con Jacqueline Roque; sería su última relación sentimental de importancia. Convertido ya en una leyenda en vida y en el epítome de la vanguardia, el artista y Jacqueline se retiraron al castillo de Vouvenargues, donde el creador continuó trabajando incansablemente hasta el día de su muerte.

Nació el 12 de julio de 1884 en Livorno.

Fue el menor de cuatro hermanos -el primogénito, Emmanuel, llegó a ser un importante dirigente del Partido Socialista Italiano. Hijo de Flaminio Modigliani, comerciante de origen romano, y Eugenia Garsin, mujer progresista que ejerció una poderosa influencia en Amedeo.

Se crió en el barrio judío. Con once años padece una grave pleuritis, de cuyas secuelas nunca se recuperó, y, dos años después, inicia sus clases de dibujo.


Cursó estudios de arte en Florencia con Giovanni Fattori (1902) y en Venecia (1903). En el año 1906 atraído por la pintura de Toulouse-Lautrec, viaja a París, donde conoce a Pablo Picasso, Jean Cocteau y otros. Llevó una vida temeraria, que poco a poco le fue mermando la salud.

Influido por el fauvismo y también por el escultor rumano Constantin Brancusi, sus primeras obras son esculturas inspiradas en las máscaras africanas. Su pintura se caracteriza por la simplificación, con líneas sinuosas, formas planas y proporciones alargadas. La mayor parte de su obra la integran retratos y estudios de la figura humana caracterizados por los rostros ovalados.

En 1914, cuando estalla la guerra, intenta alistarse pero su mala salud se lo impide. Retrató a Paul Guillaume, marchante que le compra algunos cuadros; Beatrice Hastings, una poetisa sudafricana con la que mantuvo una tormentosa relación amorosa, y, sobre todo a Lépold Zborowski, poeta polaco que, desde 1917, será, a la vez, representante y amigo.

Su primera exposición individual se realizada en la galería de Berthe Weill, y es clausurada por la policía a causa de unos desnudos calificados de inmorales que se mostraban en el escaparate de la sala.

Conoce a la que sería su última compañera, Jeanne Hébüterne, una joven de diecinueve años con la que tendrá su única hija reconocida, Jeanne. Poco a poco consigue vender obras, pero su salud empeora y se agrava su dependencia de las drogas y del alcohol.

Consumido por la enfermedad, tras una semana de terrible agonía en que la pareja permanece recluida en su estudio, sin comida y sin solicitar ayuda a nadie, el pintor muere el 24 de enero de 1920 de meningitis tubercolosa en un hospital de París. A las pocas horas, su compañera, que se encontraba ya en el octavo mes de gestación, se suicida arrojándose desde la ventana de su piso.

Amedeo Modigliani fue sepultado el 27 de enero en el cementerio de Père Lachaise en Paris; Jeanne Hébuterne fue enterrada a su lado.

Nació el 14 de julio de 1862 en Baumgarten, Viena.

Cursó estudios en la Escuela de Artes y Oficios empezando a ganarse la vida a base de encargos mientras estaba todavía en la Escuela. Formó una sociedad con su hermano Ernst y otro estudiante, Franz Matsch: Klimt-Matsch y Cía. y consiguieron hacerse ricos con los encargos de los nuevos edificios en construcción.

Fue co-fundador y primer presidente de Sezession, un grupo de arquitectos y de artistas modernistas que fundaron su propia sociedad para exponer y dieron lugar al MOVIMIENTO SEZESSION, o versión vienesa del Art Nouveau. Es también un frecuente colaborador de Ver Sacrum, el periódico del grupo. Fue llamado el pintor de la mujer.


En el periodo 1886-92, crea las decoraciones murales para las escaleras del Burgtheater y el museo de Kunsthistorisches en Viena. Desde 1898, su pintura se vuelve más imaginativa asumiendo un aspecto más decorativo y simbólico, las obras más conocidas son sus últimos retratos, como el de Frau Fritsa Reidler (1906, Galería Osterreichische de Viena) y las series de murales de mosaico (1905-1909) para el Palacio Stoclet, en Bruselas.

El 11 de enero de 1918 sufrió un ataque de apoplejía. Gustav Klimt falleció el 6 de Febrero de 1918 en Viena.

Nació el 22 de julio de 1882 en Nyack, estado de Nueva York (Estados Unidos).

Hijo de Garret Henry Hooper, dueño de una tienda de tejidos y prendas de vestir.

Se graduó en la Nyarck High School. Con el apoyo de sus padres inicia un curso de arte por correspondencia de la School of Illustrating de Nueva York . En 1900 ingresa en la New York School of Art. Hacia el año 1901 abandona el dibujo por la pintura, que estudió en la Escuela de Arte hasta 1906. En 1905 es contratado a media jornada como ilustrador por la agencia de publicidad neoyorquina C.C. Phillips & Company. En 1907 viaja a Londres, Berlín y Bruselas. Las obras de su primera época, como Le pavillon de flore (1909, Museo Whitney de Arte Americano, Nueva York ), se mantienen dentro del realismo. Durante la década siguiente se vio obligado a trabajar como ilustrador comercial.


De regreso a Nueva York trabajará hasta 1923 como ilustrador para la agencia de publicidad Sherman & Bryan. En 1908 se instala en Nueva York y en 1909 realiza un nuevo viaje a París. En 1910, Robert Henri, John Sloan y Arthur B. Davies incluyen a Hopper en la Exposición de Artistas Independientes. Realiza su tercer y último viaje a Europa visitando París, Madrid y Toledo.

En 1915 comenzó su serie de aguafuertes llegando a realizar en los siguientes ocho años unas cincuenta. En 1923 inició sus acuarelas y al año entrante realizó su primera exposición de las mismas. En ese año, veraneando en Gloucester, se enamora de Josephine (Jo) Verstille Nivison. El 9 de julio de 1924 se casan.

En 1925 sus obras le proporcionan suficientes ingresos para prescindir de su actividad de ilustrador. En 1925 pintó La casa cercana a la estación (Museo de Arte Moderno, MOMA, Nueva York ), obra clave del arte estadounidense que marca la madurez de su estilo. En 1931 pintó Habitación de hotel (Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid, España) donde se aprecia la influencia en su estilo de la pintura histórica europea. En 1933 se concretó su primera retrospectiva en The Museum of Art of New York. Ese mismo año, compró un terreno en South Truro, Cape Cod, donde construyó su casa de verano. Este lugar sería escenario de muchas de sus pinturas. El 1940 pinta Oficina de Noche, inspirado en sus trayectos en el metro neoyorkino y en los cuadros americanos de Edgar Degas. En 1942 pinta Noctámbulos inspirándose al mismo tiempo en un restaurante de la avenida Greenwich, en Café de noche (1888) de Vincent Van Gogh, en las películas de gánsteres de los años treinta y en la novela corta de Los asesinos (1927) de Ernest Hemingway. La mayoría de las obras tienen como escenario el estado de Nueva York o Nueva Inglaterra. Una de sus obras más conocidas, Los halcones de la noche (1942, Instituto de Arte de Chicago), muestra un café por la noche, con unos pocos clientes que no se hablan. En 1944 pinta Mañana en una ciudad y Soledad n.56. En 1949 pinta Reunión Nocturna, que fue adquirido por Stephen Clark, pero el clima de anticomunismo producido por la guerra fría es tan intenso que el coleccionista devuelve el cuadro por el temor de que la escena representada se pueda entender como una reunión clandestina de agentes comunistas.

Continuó trabajando dentro de ese estilo durante toda su vida, refinándolo y perfeccionándolo. En 1965 pintó el que sería su último cuadro: Dos cómicos. La obra pertenecerá durante mucho tiempo a Frank Sinatra que en su canción Send in the Clowns cuenta la vida de una pareja ya mayor que parece referirse al cuadro.

Edward Hopper falleció el 15 de mayo de 1967 en su estudio de Washington Square, Nueva York . Fue enterrado en el cementerio de Oak Hill de Nyack. Jo murió al año siguiente.

Jean-Michel Basquiat es un artista plástico contemporáneo nacido en el año 1960 en Brooklyn, Nueva York . Murió con tan sólo 27 años de edad. Basquiat comenzó su andadura como artista callejero neoyorquino.

Se dedicó durante bastante tiempo, a vivir vendiendo las camisetas que él mismo decoraba y pintaba por aquellos momentos en las calles de Nueva York . Pintaba graffitis y los firmaba como SAMO (Same Old Shit).


Este autor estadounidense tiene un estilo muy personal, entre sus influencias destaca el mundo del graffiti y cierta influencia primitivista, así como elementos africanos, unido a una gran simbología. Es conocida la gran amistad que mantuvo con Andy Warhol, junto con quien colaboró en varios proyectos.


En su obra introduce diferentes técnicas, entre las que destaca el acrílico. Algunas de sus obras son: Africanos de Hollywood, de 1983; Mona Lisa; Moisés Jóven, 1983; Ahora es el tiempo, de 1985; Tabaco, de 1984; Alquitrán y plumas, de 1982; El Nilo, de 1983; y Flexible, de 1984, entre otras. Jean-Michel Basquiat alcanzó un gran éxito durante su corta vida, antes de morir en el año 1988.

Nació el 30 de marzo de 1853 en Groot-Zunder, hijo de un pastor protestante holandés.

Con 27 años ya había trabajado en una galería de arte, había dado clases de francés, había sido estudiante de teología y evangelizador entre los mineros de Wasmes, en Bélgica. Sus experiencias como predicador se pueden observar en sus primeras composiciones sobre campesinos, de las cuales la más conocida es la tosca y directa Los comedores de papas (1885, Museo Vincent van Gogh, Amsterdam, Holanda), uno de los diez únicos grabados que el pintor hizo a lo largo de su carrera.

Oscuras y sombrías, a veces descarnadas, sus primeras composiciones ponen en evidencia el intenso deseo de expresar la miseria y los sufrimientos de la humanidad tal y como él los vivió entre los mineros de Bélgica.


En 1886 viaja a París para vivir con su hermano Théo van Gogh, que era marchante de arte, y allí se familiarizó con los nuevos movimientos artísticos que estaban en pleno desarrollo. Recibió gran influencia de la obra de los impresionistas y por la de los grabadores japoneses como Ando Hiroshige y Hokusai, comenzó a experimentar con las técnicas de la época. Más adelante adoptó los brillantes matices pictóricos de artistas franceses como Camille Pissarro y Georges Seurat.

En 1888 abandono la capital francesa para trasladarse al sur de Francia con la esperanza de atraer allí a algunos de sus amigos y fundar con ellos un Taller del Mediodía. Bajo el sol ardiente de la Provenza, pintó escenas rurales, cipreses, campesinos y otras características de la vida de la región. Durante ese periodo en el que vivió en Arles, empezó a utilizar las pinceladas ondulantes y los amarillos, verdes y azules intensos relacionados con obras tan conocidas como Dormitorio en Arles (1888, Museo Vincent van Gogh) y Noche estrellada (1889, Museo de Arte Moderno, Nueva York , Estados Unidos). Son también de esta época Descargadores en Arles (1888) y Les Vessenots en Auvers (1890), ambas en el Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid (España). Para él todos los fenómenos visibles, los pintara o los dibujara, parecían estar dotados de una vitalidad física y espiritual. Logró contagiar su entusiasmo al pintor Paul Gauguin, al que había conocido en París, para que fuera a verle a Arles. Tan sólo les duró dos meses la paz y la armonía ya que después empezaron a tener violentos enfrentamientos que culminaron en una pelea en la que Van Gogh, fuera de sí, amenazó a Gauguin con una navaja; esa misma noche, sumido en un profundo remordimiento, Van Gogh se cortó parte de la oreja.

Pasó algún tiempo internado en un hospital de Arles y un año en el manicomio de Saint-Rémy, situado en esa misma región. Durante ese periodo siguió trabajando entre los varios ataques de locura que sufrió. Más tarde pasó tres meses en Auvers atendido por un médico cordial cuyo retrato pintó (El doctor Paul Gachet, 1890, Museo de Orsay, París). Vincent van Gogh padeció de muchos problemas físicos debido, en parte, a la pobreza y a la desnutrición. Fue adicto a la caña de ajenjo, peligrosa bebida narcótica popular a finales del siglo XIX. Parece ser que padeció sífilis, tinnitus, envenenamiento por plomo, síndrome de Meniere y de epilepsia. Sus dos hermanos murieron jóvenes y su hermana, Wilhelmina, pasó la mayor parte de su vida en un asilo mental.

Inmediatamente después de acabar su inquietante Cuervos sobre el trigal (1890, Museo Vincent van Gogh), se disparó un tiro en el estómago el 27 de julio de 1890. A pesar de su herida se arrastró de vuelta a la casa en Auvers-sur-Oise, donde murió dos días después en brazos de su hermano Theo.

"Yo arriesgué mi vida por mi trabajo, y mi razón siempre fue menoscabada": estas son las palabras de Vincent en su última carta encontrada en su bolsillo en Julio 29, 1890. Realizó cerca de 750 cuadros y 1600 dibujos.

En 1973 fue inaugurado en Amsterdam el Museo Vincent van Gogh.

El Greco (el griego) nació el 1 de octubre de 1541 en Candía, Creta.

Descendiente de una próspera familia. Su padre, Geórgios Theotokópoulos, fue comerciante y recaudador de impuestos. Nada se sabe de su madre o de su primera esposa, también griega. Su hermano mayor, Manoussos Theotokópoulos, también fue un rico comerciante y pasó los últimos años de su vida en la casa en Toledo de El Greco.

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