Si sos cinéfilo y buscas complementar tu bagaje cinematográfico , acá arme una extensa lista de libros que tratan sobre el celuloide .
Esta guía puedo servirte para conocer películas , directores , actores , guionistas u orientarte en la vasta historia del cine .
Aviso que la lista es personal y no esta ordenada de peor a mejor , ni viceversa .
El manual del guionista (Syd Field)
Por el autor del éxito de ventas "El libro del guión": Hay que seguir este manual hasta el final.
El libro que le permite tomar parte en los procesos que han hecho que los talleres de Syd Field resulten de un valor inapreciable tanto para los principiantes como para los profesionales. Luego de leerlo podrá : -Definir la idea en la que estará basado su guión -Crear el modelo el paradigma que utilizan los profesionales -Dar vida a sus personajes -Conseguir que sus diálogos realmente funcionen -Utilizar técnicas como el flashback, la voz en off, los subtítulos y el flashforward (escena de anticipación) de manera eficaz. -Estructurar su guión para obtener buenos resultados desde las críticas primeras páginas hasta el acto final. Aquí encontrarán instrucciones sistemáticas, ejercicios fáciles de realizar, una explicación clara de los principios básicos de la escritura de guiones y los consejos de un experto a cada paso: toda la ayuda continuada, línea a línea, que necesitan para transformar su idea inicial en un guión profesional con la marca definitiva del éxito .
1001 películas que hay que ver antes de morir (Steven Schneider)
Todo lo que hay que saber sobre las películas que no pueden dejar de verse.
Tanto si buscas detalles sobre una película que se sabe de memoria, como si simplemente quiere decidir qué cinta va a alquilar para ver esta noche, encontrará en este volumen la más completa guía cinematográfica, con todo lo que conviene conocer sobre las películas que de verdad cuentan . Cada obra dispone de una documentada reseña que pone la película en su contexto, valora su contribución a la historia del cine y ofrece toda la información relativa a su argumento, intérpretes y características. Una exhaustiva ficha complementaria detalla todos los datos técnicos, premios y nominaciones a los Óscar y galardones cosechados en otros festivales internacionales. El volumen se completa con unos útiles índices de películas, directores y géneros.
El Cine según Hitchcock (Francois Truffaut)
Clásico de obligada presencia en todas las estanterías en las que los libros dedicados a este arte tienen representación. Una conversación entre dos genios, un largo discurso de análisis, fundamentación y exposición de los motivos y temas del Rey del suspense. El mago hablando de la construcción y el funcionamiento de sus trucos. Cinefília que se disfruta más si uno está familiarizado con la obra de Hitchcock, de lo contrario y a pesar de no perder el interés, sí es cierto que de manera inevitable rompe el misterio y la sorpresa de sus films.
En el 2015 se estreno un documental referido a la entrevista , titulado " Hitchcock/Truffaut " . En dicho largometraje podemos apreciar audios ineditos entre los dos cineastas , sumado con comentarios de otros directores y guionistas contemporáneos como Martin Scorsese , Wes Anderson , David Fincher , Peter Bogdanovich , Richard Linklater y Paul Schrader .
El otro Hollywood : historia oral y sin censurar de la industria del cine porno (Legs McNeil, Jennifer Osborne)
Absorbente y brillantemente construida, El otro Hollywood no es sólo la crónica del nacimiento de un impúdico imperio pornográfico , sino una profunda disección de las entrañas del sueño americano. Es una historia que nunca se había contado antes y dudo que pueda volver a contarse mejor. Neil Strauss . Es un libro fácil de coger —a pesar de tener más de 600 páginas— y difícil de soltar. Un auténtico hito, resultado de cientos de entrevistas con productores, actores y actrices, agentes de la ley, amigos y enemigos. No hay ningún otro que se le acerque remotamente en complejidad y exhaustividad. Y muy pocos libros de historia resultan tan entretenidos . El otro Hollywood probablemente acabe siendo el trabajo definitivo acerca de la materia.[/b][/i][/size]
Conquista de lo inútil (Werner Herzog)
«Con la desquiciada furia de un perro que ha incado los dientes en la pierna de un ciervo ya muerto y tira del animal caído hasta el extremo de que el cazador abandona todo intento de calmarlo, se apoderó de mí una visión: la imagen de un enorme barco de vapor en una montaña. ” Palabras de un poeta, palabras de Herzog, uno de los más enigmáticos y magnéticos cineastas con vida. Estamos aquí ante el diario personal escrito en medio del Amazonas durante el tormentoso rodaje de esa obra maestra que es Fizcarraldo. Con una filosofía existencial que traspasa cada una de sus páginas: vivir por y para hacer películas.
Plano a plano: de la idea a la pantalla (Steven D. Katz)
El Curso de Técnicas Cinematográficas pretende reunir los mejores manuales técnicos para el profesional, el estudiante y el aficionado al cine. Han sido escogidos por la calidad de su contenido, su absoluta actualidad y la claridad y accesibilidad de su estructura y diseño. Constituyen un medio ideal para el conocimiento y dominio de las técnicas al servicio de la creación cinematográfica. El libro que tiene en sus manos, "Plano a plano". De la idea a la pantalla, es un completo manual de dirección cinematográfica. Un recorrido exhaustivo por todos los aspectos del oficio de director: desde la primera visualización de las secuencias, pasando por el storyboard y la elección del tipo de plano, hasta la planificación del rodaje y la coreografía de la cámara y los actores. Con ejemplos extraídos de los grandes maestros, incluyendo storyboards originales de películas como "Los pájaros", "Ciudadano Kane" o "El imperio del sol", constituye un libro de referencia imprescindible.
Mi último suspiro (Luis Buñuel)
El último aliento vital del que es el mejor cineasta que ha visto la península Ibérica. Autobiografía escrita con la ayuda de su amigo Jean-Claude Carrière, en la que Buñuel repasa con lirismo, belleza y ciertas pinceladas de nostalgia su extensa trayectoria. El texto sobrepasa lo meramente cinematográfico para asentarse en el universal del espíritu humano, es algo más que un repaso a una trayectoria, es una reflexión final, una terapéutica preparación para el fin. Las últimas palabras de un genio que murió un año después de la publicación del libro.
On Film-making (Alexander Mackendrick)
Recientemente traducido a nuestra lengua. Toda una maravilla , la obra esotérica de ese gran cineasta que es Mackendrick, los apuntes que utilizo una vez retirado de la industria para dar clases en el California institute of the Arts de Los Ángeles. Un análisis completo al medio, dividido en las dos especialidades que el británico tan bien dominaba, guión y dirección.
Linterna mágica (Ingmar Bergman)
Ingmar Bergman, cineasta y hombre de teatro sueco, ha pasado a ser ya todo un mito en la historia del cine mundial. Pero pocos son los que saben que se casó siete veces, que tuvo ocho hijos, que mantuvo numerosas relaciones amorosas, algunas célebres, y que se codeó, entre otros, con gente como Greta Garbo, Chaplin o Ingrid Bergman. Y casi nadie sabía antes de leer estas memorias cómo, a muy temprana edad, se instaló el miedo en su alma, cómo descubrió, deslumbrado, el cine, con qué problemas tuvo que enfrentarse como artista y realizador, cómo amó a las mujeres a quienes más amó y cómo la figura del padre, pastor luterano, marcó gravemente toda su existencia -y parte de su obra.
Esculpir en el tiempo (Andréi Tarkovski)
'El cine según Hitchcock', de Francois Truffaut, es el libro perfecto para indagar en las más elaboradas formas del cine narrativo y comercial, entendido en su máxima expresión de cine-espectáculo, 'Esculpir en el tiempo', escrito en colaboración con Olga Surkova, es el ensayo más importante, y en muchos aspectos, el más hermoso y emocionante, que he leído sobre el cine entendido como arte supremo, además de uno de los más importantes sobre arte en general, porque Tarkovski no se limita a hablar sobre cine. Su vasta cultura, su profundo intelecto y su heterodoxa manera de vivir y percibir el arte, hacen de este volumen un objeto imprescindible tanto para cualquier futuro artista como para aquellos que quieran conocer mejor al artista detrás de las películas. De hecho, funciona como unos apócrifos "comentarios del director" que leer o recordar según uno va viendo sus películas.
Rebelde sin pasta (Robert Rodriguez)
Es un libro especialmente valioso para cualquier persona interesada en los mecanismos del cine. Su autor, el famoso tejano Robert Rodríguez, plasma detalladamente en sus páginas las experiencias que vivió relacionadas con la elaboración de su primera película: 'El Mariachi'.
Para conseguir el dinero que le permitiese rodar su ansiado film, Rodríguez se prestó voluntario como cobaya humana en unos experimentos farmacéuticos. En ese lugar, conoció al canadiense Peter Marquardt que, a pesar de no ser actor, acabaría encarnando al malo de la historia que en aquellas especiales circunstancias Rodríguez estaba diseñando.
Asi se hacen las peliculas (Sidney Lumet)
Todo un clásico. Escrito con una elegancia y una belleza sublimes. Una exposición desde dentro de la industria de uno de sus más afamados directores, narrado con una pasión que evidencia el amor profesado al celuloide por su autor. Esperen encontrar exactamente lo que describe su título, una exposición que presenta paso a paso el proceso mediante el cual se hace una película. Cargado de anécdotas, experiencias, y vivencias personales que enriquecen aún más su contenido .
Días de una cámara (Nestor Almendros)
Néstor Almendros, ha sido sin duda uno de los MAESTROS de la luz más importantes en el Arte de hacer Cine de nuestra época. Fue el artesano de Luz Natural, aprovechó de ella todos sus "momentos mágicos", él y por su formación humanista, sabia que la LUZ es y posee un lenguaje de sentimientos que conmueve la sensibilidad del espectador. Tras más de cuarenta películas como director de fotografía, Néstor Almendros se sitúa en primera línea de los profesionales que más han influido en la renovación de la imagen cinematográfica. Más un ayudante de dirección que un iluminador -como él mismo se define-, Almendros maneja personalmente la cámara en casi todas las películas en que interviene, en contra de la costumbre tradicional, y aspira a un control total de todos los elementos de la imagen que aparecen en el encuadre. En este sentido, sus concepciones desbordan el concepto usualmente admitido del director de fotografía, y proponen un nuevo estilo, de acuerdo con las necesidades del cine moderno.
En el presente libro Néstor Almendros detalla sus concepciones sobre los aspectos técnicos y artísticos del oficio, así como su experiencia en calidad de director de fotografía en películas de Eric Rohmer, Francois Truffaut, Barbet Schroeder, Monte Hellamn, Jean Eustache, Marguerite Duras, Terrence Malick, Robert Benton, Martin Scorsese, etc.
Siempre nos quedará París : El cine y la condición humana (José Pablo Feinmann)
Si tiene prejuicios políticos con Feinmann , por su ideologia , huya de toda preocupación ya que este libro es de cine .
El autor no se limita a hablarnos de las películas que ama y las que detesta, de los grandes directores y actores, de los mejores guiones y las más bellas musicalizaciones, de los momentos insuperables de la historia del cine. Habla de la condición humana, sólo que lo hace a través del cine. Y entonces nos asomamos a la inmortalidad de la mano de la mano de Drácula, a la moral con A la hora señalada, a Dios y la religión con Crímenes y pecados, a los tabúes con Cuéntame tu vida, al sentido de la justicia con Batman, al sexo con El cartero llama dos veces, al miedo al diferente con La guerras de los mundos, a la guerra con Apocalypse Now, al nazismo con La caída de los dioses, al rol de los medios con The Truman Show, al capitalismo con Lo que el viento se llevó y a la fase salvaje del capitalismo con Wall Street, a la cuestión del poder no ya con Hamlet sino con El Rey León.
Parafraseando a Hitchcock podemos asegurar que este libro es, como el cine, la vida sin las partes aburridas, con la profundidad habitual de Feinmann y un mensaje esperanzador. Porque, ya se sabe, "siempre nos quedará París", como Bogart le dice a Bergman en el final de Casablanca.
The Jaws Log (Carl Gottlieb)
En este libro podes apreciar la odisea atravesada en el rodaje de la película "Tiburón " . Escrita por uno de los guionistas del film , nos narra la gran cantidad de calamidades por la que paso la película . También sintetiza la idea de porque Spielberg se convirtió en un tipo , que " tiene antelación sobre una serie de accidentes " , si tenemos en cuenta que el cineasta se encontraba ante su primera gran producción a una edad muy prematura .
No esta particularmente bien escrito , pero es una gran obra que demuestra lo épico y azaroso que puede ser el rodaje de una película . Lastimosamente creo que no esta en español .
Obras Incompletas (Homero Alsina Thevenet)
Este primer libro -de casi 1.000 páginas- dedicado al mítico crítico uruguayo permite acceder a sus colaboraciones con Cine Radio Actualidad, Film y Marcha. Si bien en estos años iniciales la tarea de HAT era casi amateur (vivía de otros ingresos), ya se percibe en sus textos buena parte de la sabiduría, el rigor, la ironía, la iracundia y la audacia que luego consagrarían a HAT como una pluma insoslayable de la crítica rioplatense. Algunas joyitas son sus crónicas sobre las dos ediciones del Festival de Punta del Este (1951 y 1952) y sus reseñas sobre estrenos de... Alfred Hitchcock y Orson Welles (nada menos). Hay un segundo tomo en donde abarcará su mudanza a la Argentina, el exilio, los trabajos en La Razón y Página 12 hasta concluir con su etapa como director del suplemento El País Cultural.
Maestros de la luz: conversaciones con directores de fotografía (Larry Salvato)
A través de estas conversaciones con catorce de los más reputados directores de fotografía contemporáneos, accedemos al trabajo de las personas de las que depende el resultado visual y buena parte del estilo de una película. Operadores que desde finales de los sesenta han venido renovando el aspecto visual del cine, muchas veces enfrentándose al temor y al rechazo de la vieja escuela de Hollywood. Amparados en las nuevas generaciones de directores que van desde Martin Ritt, Woody Allen y Richard Brooks, hasta Spielberg, Coppola, Scorsese o Bertolucci, han logrado el reconocimiento de la fotografía como uno de los oficios más creativos e interesantes del cine de nuestros días. "Chinatown", "American Gigolo", "Toro salvaje", "Easy Rider", "Alguien voló sobre el nido del cuco", "Días del cielo", "A sangre fría", "Dos hombres y un destino", "The French Connection", "El conformista", "Gandhi", "Apocalypse Now", "El último emperador", "Manhattan", "Annie Hall", "El padrino", "Tiburón" y "Encuentros en la tercera fase" son sólo algunos ejemplos del trabajo y del talento de estos "Maestros de la luz" en las películas más relevantes de las últimas décadas. Escuchando a Néstor Almendros, Michael Chapman, Conrad Hall, Vittorio Storaro o Gordon Willis salimos de las tinieblas y nos adentramos en el apasionante mundo de la luz y el uso que de ella hacen los profesionales de la cinematografía. En este libro, además, descubrimos paso a paso la primordial relevancia que estos artesanos tienen en el proceso de creación de una película.
El cine como arte (Rudolf Arnheim)
Entendiendo el cien como una forma cultural pura, y no como un simple espectáculo, Arheim lanza una tesis provocativa. En una primera época, las virtudes del cine como arte son el producto de las propias limitaciones del medio (ausencia de sonido y de color, falta de profundidad tridimensional), convertidas por cineastas mudos en una nueva y distinta expresión artística. Como consecuencia, la introducción de ciertos medios mecánicos en una segunda época cinematográfica -que Arnheim analiza según las normas estéticas generales para la combinación de diferentes elementos: palabras, imagen, sonido- produce sin duda un mayor realismo, pero también una pérdida de valor artístico. He aquí, pues, uno de los textos clásicos de la teoría cinematográfica de los años treinta indiscutiblemente básico para comprender la evolución y el carácter de los filmes en un período muy concreto y sin duda crucial: el de finales del mudo y principios del sonoro. De este modo, el libro no sólo se basa en el bagaje teórico de Arnheim, sino que también refleja toda una época, como un crónica de primera mano transcrita en el lugar de los hechos.
Ciudadano Welles (Peter Bogdanovich)
El libro, al igual que ocurre con el mítico de Hitchcock, merece un lugar aquí por su encuentro entre dos cineastas de la talla de Welles y Bogdanovich. Más de trescientas páginas de entrevistas sucedidas a lo largo de los años conforman la mejor autobiografía del genio creador de Ciudadano Kane. Repaso de una vida, de una carrera cinematográfica que desgraciadamente y por imposiciones externas fue de más a menos, tristeza y nostalgia que se desprenden en forma de profundas reflexiones sobre el medio y la industria, sobre lo que podía haber sido y no fue.
Bienvenido Mr. Cagada. Memorias caóticas de Berlanga (Jess Franco)
Las conversaciones mantenidas por dos cineastas singulares, Luis García Berlanga y
Un formato peculiar de recordar es el elegido por este par de hombres dedicados al cine. Franco escucha a Berlanga durante horas, toma notas, y luego escribe en primera persona. Como él mismo dice, ha sido un simple amanuense que no debería haber firmado la obra. Es un libro muy entretenido, divertido y también inteligente. No sólo se habla de películas, hay más material de la vida de Berlanga, como su paso por la División Azul, historias de familia…
Demasiada libertad sexual nos convertirá en terroristas (Pier Paolo Pasolini)
“Mientras nosotros estamos aquí hablando puede que haya alguien en el bar planeando liquidarnos”, contaba Pasolini en una entrevista cuatro horas antes de su brutal asesinato. Este libro nos descubre al Pasolini intelectual recogiendo esta entrevista junto a los ensayos que el cineasta escribió a lo largo de 30 años.
Vean "Saló o los 120 días de Sodoma" , es una película para mirar en familia .
Las Cien Mejores Películas Del Siglo XX (Julio Castedo)
Esta obra contiene la particularidad de que el autor recoje meticulosamente listas ya elaboradas y las condensa a través de un método estadístico . Se da el lujo de aclarar quienes se quedaron a fuera , cuantas veces es nombrado el mismo director y las listas que el utilizo .
" Una lista de listas " imprescindibles para descubrir la historia del cine a través de completos análisis cinematográficos que guiará tanto al lector especializado como al aficionado al Séptimo Arte.
Qué es el cine? (André Bazin)
El lector hallará que '¿Qué es el cine?', en cada una de sus páginas, el palpitante sentir de un hombre que vibró con el cine y que dedicó su corta vida a hacernos más inteligible ese mundo de imágenes. Y no lo hizo desde una cátedra academicista o desde prolijos estudios, sino, más bien, desde la más palmaria praxis, de ser un espectador incansable de películas. Nos encontramos con un libro realizado por Bazin apoyándose fundamentalmente en algunos de sus innumerables artículos publicados en la prensa más o menos especializada. Un libro que constituye una síntesis del original, realizada por Jeanine Bazin y François Truffaut.
Conversaciones con Charles Chaplin
Pequeño volumen con encanto destinado a poner voz a la estampa de Charles Chaplin en pantalla. Su imagen habló tantas veces por él, que es sano reconstruirla alrededor de esta serie de entrevistas a modo de autorretrato que van desde 1915, en los tiempos gozosos de los pioneros de Hollywood, a la defensa apasionada de sus ideas de los ataques del integrismo derechista estadounidense, allá por 1967. Y en sus respuestas, una voz retumba entre las muecas de cine mudo: “La soledad es el único remedio”.
Arte cinematográfico (David Bordwell y Kristin Thompson)
Uno de los manuales más importantes y exitosos de los últimos tiempos, El arte cinematográfico es también un espléndido resumen de todo lo que el estudioso y el aficionado deben saber sobre el cine antes de empezar a profundizar de verdad en la materia. Desde una descripción de los elementos primordiales de la producción cinematográfica hasta una sucinta historia formal del cine, pasando por un visión extremadamente fenoménica del estilo -a partir de la puesta en escena, el montaje, la fotografía y el sonido- y ejemplos de análisis críticos de filmes, el libro no sólo intenta erigirse en un completísimo mosaico sobre todas y cada una de las cuestiones que pueda suscitar el cine entendido como un arte autónomo, sino que además lo hace con un objetivo muy claro: como en El significado del filme, La narración en el cine de ficción y El cine clásico de Hollywood, los otros tres textos de Bordwell -este último junto con Kristin Thompson y Janet Staiger- también editados por Paidós, lo que debe importar no es tanto lo que dicen las películas como el modo en que lo dicen, o, en otras palabras, lo que Bordwell y Thompson llaman la forma cinematográfica, absolutamente distinta de la literaria o de la pictórica. Pues bien: es el dominio de ese alfabeto lo que conseguirán todos aquellos que se adentren en las páginas de esta obra excepcional.
En el momento del parpadeo: un punto de vista sobre el montaje cinematográfico (Walter Murch)
Brillante, polifacético y sugerente ensayo sobre montaje escrito por el prestigioso Walter Murch. Empezando por la pregunta más básica acerca del montaje: ¿Por qué funcionan los cortes?, Murch invita al lector a un maravilloso viaje a través de la estética y las implicaciones prácticas del montaje cinematográfico.
Fellini : Les cuento de mi (Costanzo Costantini)
Este fascinante texto se compone de una serie de entrevistas realizadas a lo largo de los años al genial director italiano Federico Fellini en las que plasma su particular visión del cine y del mundo.
Fellini. Les cuento de mí, es un libro peculiar, con rasgos que sugieren la presencia de una inteligencia lúdica y precisa. Pocas veces tenemos la fortuna de toparnos con una creación literaria que logre amalgamar con tanta maestría la imagen mítica y el relato anecdótico. Fellini no sólo es uno de los más grandes directores de cine de todos los tiempos, sino que va más allá: es un icono en sí de la cultura mundial. Y eso es lo que a lo largo de este libro percibimos con gran placer. En realidad consta de un conjunto de entrevistas que su amigo Costanzo Costantini le hizo a lo largo de muchos años. La analogía con el cine es inevitable: tenemos frente a nosotros una delirante secuencia de imágenes que el propio Fellini va relatando de la misma forma en que haría una de sus películas. El sentido del humor y la inteligencia de este personaje mítico es algo digno de experimentar a través de estas páginas.
La preparación del actor (Konstantín Stanislavski)
Libro básico para cualquier persona que se quiera acercar al acto dramático y desde luego, imprescindible, para todos aquellos que forman parte del teatro, actores y directores.
A través de varios capítulos el autor irá desglozando las herramientas a través de las que el actor puede acercarse al personaje que va arepresentar, partiendo de la CONCENTRACIÓN, pasando por la MEMORIA EMOTIVA y para poder llegar hasta EL UMBRAL DEL SUBCONSCIENTE. Como indica
Reynolds Hapgood, lo que intenta el autor es “ayudar al actor a desarrollar todas sus posibilidades para llegar a ser capaz de abarcar sus papeles en la medida de seres humanos completos, personajes que adquirirán así el poder de inducir al público a la risa, a las lágrimas, a emociones inolvidables”.
Historia del Cine (Mark Cousins)
Obra que bien podría llevar el sobrenombre de Biblia del Séptimo Arte, la historia del cine más completa y profunda que jamás se haya escrito. Cousins juega a provocar constantemente, confiando en sus amplios conocimientos respecto a los del lector, oponiendo cinematografías y corrientes, y desmontando los prejuicios que contiene la visión occidental sobre este arte. Recientemente popularizada por la serie, también de Cousins, Historia del Cine, una odisea, disponible en Filmin y de obligada visión si las más de quinientas páginas del libro son demasiado.
Moteros Tranquilos, toros salvajes (Peter Biskind)
Cargado de morbo y bien documentado, el libro narra con todo detalle el auge de la generación del Nuevo Hollywood, formada por entre otros Martin Scorsese, Francis F.Coppola o Steven Spielberg. Relato fragmentado en adictivos capítulos que repasan la última edad de oro del cine americano: las luchas de los jóvenes directores que acabarían cambiando la industria por mantener su voz contra el establisment, la creación de grandes películas como El Padrino o Taxi Driver, las mansiones con piscina, las grandes fiestas, el sexo, las drogas y el rock. Su escritor, Peter Biskind, escribiría años más tarde otro título igualmente interesante: Sexo, mentiras y Hollywood, crónica del auge del cine independiente.
On Directing Film (David Mamet)
Basado en clases impartidas por el propio Mamet en la Universidad de Columbia, la obra se expone como una lección magistral de storytelling, un breve y conciso manifiesto en el que el director marca las pautas principales a seguir para trasladar una historia del papel a la pantalla. Siempre directo, polémico, y con seguridad en sus palabras, Mamet expresa sus ideas acerca del medio con claridad y concisión en una obra que a pesar de tener un tinte más práctico se complementa a la perfección con Una profesión de putas y con su Manifiesto.
Creo que no fue traducido al español .
Historia del Cine (Roman Gubern)
Reeditado recientemente. Probablemente el libro más completo que se ha escrito en nuestra lengua acerca de la historia del séptimo arte. Una extensa fuente de conocimiento a la que se le pueden poner el pero principal de que por momentos se transforma en una recopilación al uso, en una sucesión de nombres y fechas que no logra homogeneizar. A parte de ello, también puede molestar que la personalidad de Gubern se filtre en su sintáxis, dejando al aire libre ciertos pensamientos de corte pseudomachista, con poco sentido o explicación, como la manía de poner el La delante de los nombres femeninos, o ciertas descripciones de belleza gratuitas, del todo innecesarias con la historia del cine.
Diccionario de creación cinematográfica ( Antonio Sánchez-Escalonilla)
Dirigido al ámbito de estudios universitarios, de escuelas de imagen al mundo de la realización fílmica, el Diccionario de Creación Cinematográfica no sólo es un libro de consulta para profesionales y estudiantes. Por primera vez se ofrece una guía de voces, ordenadas en catorce áreas, que explora el panorama fílmico y sigue los pasos de una producción cinematográfica: desde la elaboración del proyecto y del guión hasta la obtención de la primera copia en laboratorio, pasando por el propio rodaje o las tareas de marketing.
Conversaciones con Billy Wilder (Cameron Crowe)
El legendario director accede por primera vez a hablar extensamente sobre su vida y obra. en sus páginas, el nonagenario maestro habla con Cameron Crowe de su experiencia en el mismo corazón de Hollywood, así como sobre guiones, fotografía y escenografía, sus colegas y sus películas, y el cine de hoy. en este largo coloquio de director a director similar al sostenido por Truffaut y el maestro del suspense en " el cine según Hitchcock " (LP 7001) conocemos cómo fue la colaboración de Wilder con estrellas de la talla de Audrey Hepburn, Jack Lemmon, Marilyn Monroe, Marlene Dietrich o charles Laughton, entre muchos otros, y nos enteramos de las curiosas y divertidas historias de entre bastidores ocurridas durante el rodaje de perdición, Berlín occidente, el crepúsculo de los dioses, el gran carnaval, traidor en el infierno, Sabrina, la tentación vive arriba, Ariane, testigo de cargo, con faldas y a lo loco o el apartamento.
El carrete mágico: una historia del cine latinoamericano (John King)
El cine pocas veces es arte, pero siempre será industria y la más poderosa se llama Hollywood, hasta el punto de servir de parámetro para abordar su historia en cualquier país del mundo. El carrete mágico. Una historia del cine latinoamericano, de John King, puede leerse como una crónica sobre los efectos del star system en las colonias más cercanas, donde también ese modelo de producción y mercado ha sido determinante. El subtítulo del libro no es traicionado, porque esta tesis doctoral explora fuentes, reúne información e integra de manera rigurosa los principales factores que han intervenido en la evolución de la industria cinematográfica de la región. John King encuadra hechos históricos, cifras de mercado, producciones y legislaciones que revelan el papel del Estado en cada uno de los países y ofrece una panorámica lúcida, bien documentada y amena, que muestra cómo se ha desarrollado este fenómeno moderno y popular en Latinoamérica.
Evalúa el papel de los Estados y las políticas de producción oficiales e independientes que se vislumbran. Sin dejar de enfocar particularidades de cada país, se detiene en México, Argentina, Brasil y Cuba, donde esta industria ha logrado mayor importancia. Al hablar de cine latinoamericano, John King niega toda mirada tercermundista, no quiere participar en complejos debates, refuta la apelación al llamado tercer cine o cine del tercer mundo por considerarla, además de generalista, euronorteamericana.
Ojo al cine (Andres Caicedo)
Doblemente encerrado, en el cine y en «calicalabozo», no es casual que para darle nombre a su trabajo literario-cinematográfico sobre Caicedo, Fuguet hable de una celda. Precisamente menciono este libro porque fue éste el que, confabulado con la visita de Luis Ospina en el último Fidocs, dinamitaron definitivamente, la posible triplicidad del encierro: la del escritor en las fronteras de su país.
El libro, una suerte de historia subjetiva y fragmentaria del cine –y también una Rayuela cinematográfica que el lector lee desde el antojo–, es una recopilación desmesuradamente gruesa que adopta el nombre de lo que antes fuera la sección de un diario, luego un folleto repartido en el contexto del Cine Club de Cali y más tarde una revista especializada en cine fundada en 1974. Tres proyectos que desembocan en uno: este libro. Pero tres proyectos que, desde otro punto de vista, permiten problematizar el estatuto del espectador que se deja entrever en las reflexiones metacríticas de Caicedo.
Lecciones de Cine: Clases Magistrales de Grandes Directores Explicadas Por Ellos Mismos (Laurent Tirard)
Todos los grandes cineastas poseen un método secreto para realizar sus película , pero esos enfoques son muy distintos. A Martin Scorsese le gusta preparar las tomas de manera muy precisa, con bastante antelación, para tener la oportunidad de cambiarlo todo si lo considera necesario. En cambio, Lars Von Trier se niega a reflexionar sobre un plano hasta que ya lo esta rodando. Bernardo Bertolucci intenta sonar con las tomas la noche antes, por lo que, si eso no funciona, deambula por el plato con un visor imaginándose las escenas antes de que se unan a el los actores y el equipo. Y Pedro Almodovar afirma que los cineastas deben abandonar la ilusión de creer que van a poder controlar la totalidad del proceso creativo de su película.
La imagen-movimiento: estudios sobre cine 1 (Gilles Deleuze)
Este estudio no es una historia del cine, sino un ensayo de clasificación de las imágenes y de los signos tal como aparecen en el cine. Se considera aquí un primer tipo de imagen, la imagen-movimiento, con sus variedades principales, imagen-percepción, imagen-afección, imagen-acción, y los signos (no-lingüísticos) que las caracterizan. Unas veces la luz entra en lucha con las tinieblas, y otras desarrolla su relación con el blanco. Las cualidades o potencias se expresan sobre rostros, o bien se exponen en "espacios cualesquiera", mientras que otras veces revelan mundos originarios o se actualizan en medios supuestamente reales. Los grandes autores del cine inventan y componen, cada uno a su manera, imágenes y signos. No son comparables únicamente con pintores, arquitectos, músicos, sino también con pensadores. Quejarse de, o celebrar, la invasión del pensamiento por el audiovisual no es suficiente; hay que mostrar de qué manera opera el pensamiento con los signos ópticos y sonoros de la imagen-movimiento, y también de una imagen-tiempo más profunda, para producir a veces grandes obras.
La imagen-movimiento: estudios sobre cine 2 (Gilles Deleuze)
¿Cómo surge la imagen-tiempo? Al amparo del cine, sin duda, después de la guerra, cuando las sensaciones sensoriomotrices dan paso a situaciones ópticas y sonoras puras (neorrealismo). Pero, aunque bajo formas muy diversas (Ozu, Mankiewicz, e incluso la comedia musical), hacía tiempo que se estaba preparando el cambio. La imagen-tiempo no suprime a la imagen-movimiento, sino que invierte la relación de subordinación. El tiempo deja de ser el número o la medida del movimiento, es decir una representación indirecta, y el movimiento no es ahora sino la consecuencia de una presentación directa del tiempo: por eso mismo es un falso movimiento, algo así como un falso empalme. El falso empalme es un ejemplo de "corte irracional". Y, mientras que el cine del movimiento efectúa encadenamientos de imágenes por cortes racionales, el cine del tiempo procede a reencadenamientos sobre corte irracional (especialmente entre la imagen sonora y la imagen visual). Es un error decir que la imagen cinematográfica está forzosamente en presente. La imagen-tiempo directa no está en presente, como tampoco es recuerdo. Más bien rompe con la sucesión empírica tanto como con la memoria psicológica, y se eleva a un orden o a una serie del tiempo (Welles, Resnais, Godard,...). Estos signos de tiempo son inseparables de signos de pensamiento y de signos de palabra. Pero ¿cómo se presenta el pensamiento en el cine? ¿Cuáles son los actos de palabra específicamente cinematográficos?
Cómo pensar el cine (Suzanne Liandrat-Guigues y Jean-Louis Leutrat)
En la introducción de este libro sus autores lo proponen: hablar del cine de “otra manera” . ¿Qué quiere decir esto? Situar al objeto de estudio “cine” desde modos que obliguen a sacarlo de un discurso ampuloso, constantemente refundado y, hoy en día, abierto, asumido en historiografías o como un campo híbrido de estudios dónde cruzan desde los “estudios culturales” a el psicoanálisis y la filosofía. Cómo pensar el cine pasa a ser un título de libro casi autoparódico, por que justamente el libro es una invitación a pensar el cine de múltiples modos posibles, dando un vistazo no sólo a ideas doctas si no también a ocurrencias más simples, ingenuas, conmovedoras con respecto al cine.
A más de 100 años del invento, Suzanne Liandrat-Guigues y Jean-Louis Leutrat proponen re-ver al problema cine, detenernos, volver a la pregunta y a las preguntas. Y en más de 50 de ellas, los autores nos llevan de la mano a citas, reflexiones, otras nuevas preguntas a voz y escritura de cineastas, teóricos, críticos. Cada una de esas preguntas define un “campo” a ser revisado con acuciosidad (“Esperamos que el conjunto interrogativo aquí desplegada dará lugar a un cuestionamiento general sobre el cine a través de la frecuentación de las obras y los discursos de los demás y nosotros mismos hemos emitido”), pero que a su vez es revisado con seducción y entretención (y sin didactismos, lo que se agradece).
Steven Spielberg: entre Ulises y Peter Pan ( Antonio Sánchez-Escalonilla)
Analiza una de las figuras del cine contemporáneo más interesadas por el hombre: Steven Spielberg. En efecto, el autor examina la figura del rey Midas de Hollywood, en un libro que continúa la investigación iniciada con su tesis doctoral (2004).
El libro no es solamente un estudio de los tópicos de Spielberg en su cine, sino que es un análisis del camino vital que recorre sus películas, es decir, de los lazos afectivos y del regreso a casa, del hogar como lugar de pertenencia. Como nos recuerda el autor, igual que «Ulises todos los protagonistas de Spielberg corren hacia Ítaca, el hogar perdido y deseado».
Por ello, la obra coge interés desde el primer momento, ya que todas las películas de Spielberg pretenden enfocar un asunto humano: «la llegada de un amigo auténtico». Y es así que el mismo título de la obra es llamativo al sugerirnos una perspectiva del director como un personaje «entre Ulises y Peter Pan».
Historia de búsquedas y reencuentros, el cine de Spielberg funciona como camino explicativo de la vida del mismo director, y a la vez de todo hombre.