El Nacimiento Del Cine
El cine tiene como pilares fundamentales dos hechos: un fenómeno fisiológico conocido como persistencia retiniana y la invención de la fotografía. La primera hace que las imágenes proyectadas durante una fracción de segundo en la pantalla no se borren instantáneamente de la retina. De este modo, el cine, que hace desfilar ante nuestros ojos veinticuatro (y en otro tiempo dieciséis) imágenes por segundo, puede darnos la ilusión de movimiento.
Uno de los aparatos más extendido entre lo que proporcionaron la visión de una imagen dinámica fue el fenaquistiscopio, inventado por Plateau en 1832. Estaba formado por un disco giratorio en el que se había abierto una serie de ranuras cerca de su perímetro. En un numero igual a estas, se habían pintado figuras en una de sus caras. Las imágenes se disponían radialmente y representaban las sucesivas fases de un movimiento. El disco se colocaba delante de un espejo, se le hacia girar con rapidez y se miraba a través de las ventanillas. Las superficies opacas que pasaban por delante del ojo funcionaban como obturadores. En el espejo se veía reflejada una figura que parecía cobrar vida, pero que solo realizaba movimientos cíclicos.
La invención de la fotografía por Niepce hacia 1822 fue, pues, un paso previo para el advenimiento del cine. A lo largo del siglo XIX la técnica fotográfica fue perfeccionándose progresivamente. El tiempo de exposición necesario se redujo desde horas hasta décimas de segundo, por lo que fue posible obtener instantáneas de objetos en movimiento. Para ello se usaron en un principio discos, dotados de placas fotográficas, que giraban a intervalos regulares gracias a la aplicación de un mecanismo automático. De este modo, el astrónomo francés Janssen registro el eclipse solar de 1874 con su revolver fotográfico, que estaba provisto de un objetivo telescópico.
Conocedor de esta experiencia, en 1882 el fisiólogo francés Marey adaptó el sistema a una cámara más ligera y rápida, denominada fusil fotográfico, destinada a capturar series de instantáneas sobre el vuelo de las aves.
Se había conseguido analizar fotográficamente el movimiento. Para "reconstruirlo", no había más que recorrer el camino inverso: sintetizarlo con una visión de esas mismas instantáneas sucediéndose a la misma velocidad de su impresión. La adecuada proyección de esos fotogramas sobre una pantalla significó el nacimiento del cine.
Por otra parte, los primitivos fotograbados sobre papel o los posteriores negativos de placas de vidrio fueron reemplazados por la película fotográfica de celuloide, flexible, transparente y altamente inflamable. Comercializada por el norteamericano Eastman en forma de rollos al final de la década de los ochenta, permitió obtener numerosas y diferentes instantáneas en una sola cinta.
En 1894, Edison lanzo al comercio sus kinetoscopios, grandes cajas que contenían películas perforadas de 50 pies arrollada en cinta sinfín, que circulaban entre una fuente luminosa y el ocular de la parte inferior. Los curiosos introducían una moneda en el aparato y aplicaban su ojo al ocular, a través del cual veían actuaciones de atletas, bailarinas o equilibristas. Edison se negó a proyectar en publico sus filmes sobre una pantalla, por parecerle que así mataba la gallina de los huevos de oro, según sus propias palabras. Pero inmediatamente salió el kinetoscopio, por todas partes, decenas de inventores buscaron la manera de proyectar esos filmes en una pantalla.
En 1895 se multiplicaron las primeras representaciones de cine. Los realizadores casi siempre se desconocían entre sí, lo que provocó enseguida interminables controversias sobre el invento del cine. Los ingleses reivindican la gloria de este descubrimiento para William Friese-Greene, los americanos para Thomas Alva Edison y los alemanes para Max Skladonowski. Sin embargo, la mayor parte de los historiadores parece estar de acuerdo en que a Edison corresponde la gloria de impresionar por primera vez películas cinematográficas, y a los Lumière les corresponde el privilegio de efectuar las primeras proyecciones publicas y afortunadas. Es decir, a Edison el invento y a los Lumière el cine.
Los hermanos Louis y Auguste Lumière llegaron al cinematógrafo, invento que era al tiempo cámara, copiadora y proyector, y que es el primer aparato que se puede calificar auténticamente de cine, por lo que la fecha de su presentación pública, el 28 de diciembre de 1895, y el nombre de los inventores son los que han quedado reconocidos universalmente como los iniciadores de la historia del cine.
Los Lumière hicieron la primera proyección en el Grand Cafe, Bulevar des Capucines en París, el 28 de diciembre de 1895. El éxito fue enorme. Los espectadores quedaron petrificados. Al día siguiente, los diarios parisinos se deshacían en elogios ante aquel invento. La fecha de aquella memorable primer sesión se considera la del nacimiento oficial del cine.
LOS GÉNEROS DEL CINE
INTRODUCCIÓN
Desde la invención y el comienzo del desarrollo del cine, las películas han presentado diversos temas, estilos, formas de expresión. Además los progresos cinematográficos a través del tiempo han permitido la producción de nuevos estilos de filmes.
Los diferentes tipos de películas han sido clasificados en diversos géneros: el cuento, la comedia , la epopeya, cine bélico, el western, la tragedia, el drama y el melodrama, el poema y otros más . A la vez estos géneros presentan subgéneros.
A medida que pasa el tiempo algunas de estas clasificaciones evolucionan de una manera increíble acaparando la atención del público o dejan de tener el auge que pudieron tener en un principio pero con la ventaja que no desaparecen.
LA EPOPEYA
Este género hace referencia a un folklore. Implica cierto sentimiento nacional o religioso, y frecuentemente ambos. El contenido comporta un elemento sociológico y otro psicológico que se ven armonizados dentro de una estructura que acentúa los rasgos de los personajes, agranda las proporciones y desarrollo el relato con ritmos amplios y solemnes.
La epopeya exige una determinada visión del mundo. Además en la epopeya el hombre es fuerte glorioso, pero no invulnerable, por encima de él se siente continuamente la amenaza de la muerte, la presencia obsesiva y misteriosa de la fatalidad.
Los distintos elementos que se agrupan en distintos órdenes con referencia a los personajes:
a) EL espacio y el tiempo: debe ser vencido por el héroe.
b) Las amenazas humanas, las ocultas, pero sensibles presencias que deben surgir en un determinado momento.
c) Los elementos naturales, que se conjuran contra el héroe.
d) El hombre que lucha contra el hombre, ya sea de una forma individual o colectiva.
Las coordenadas de toda epopeya cinematográfica.
1° El elemento psíquico: la epopeya se fundamento tanto en el mal como en el bien. Los personajes son gentes sencillas que se definen de una manera inmediata. Todo se centra en la acción quedando un espacio pequeño para la contemplación y la reflexión.
2° La amplitud del escenario: Ausencia de límites.
3° El ritmo sístole-diástole: movimiento de contracción y relajación. Primer tiempo: expectación; el segundo tiempo: crisis( combate); tercer tiempo. Calma.
4° Los procedimientos de escritura son:
a) Los encuadres.
b) Los desplazamientos de cámara y los planos “ enfáticos” que dan una impresión de grandeza.
c) El montaje explosivo y sincopado.
d) La utilización de motivos esteriotipados.
EL CINE BÉLICO.
Hay dos corrientes opuestas en el filme de guerra: la obra bélica y el filme pacifista.
Muchos países que han pasado por guerras que han servido de inspiración para la realización de películas donde las personas expresan tanto el dolor, y la amargura que viven en esta tragedia. Estos filmes llegan tan profundo a los espectadores creando, así compasión ante estos problemas que la humanidad sufre en algunos momentos.
EL WESTERN
La historia del western coincide con la historia del cine americano.
El concepto western llegó a implicar o aludir a un complejo “ contenido- formal” bastante definido( filme de acción, carácter épico- dramático, punto de vista neocolonialista y racista, ambiente del oeste, un tipo de hombre.) de forma que sed constituyó en un aparente género y un verdadero subgénero.
No sólo surgieron oeste-denuncias, sino que también oeste- satíricos, farsas, dibujos animados y documentales sobre el mismo.
LA TRAGEDIA, EL DRAMA Y EL MELODRAMA.
Pueden señalarse dos momentos en la evolución del espectáculo dramático: primeramente, la tragedia; después el drama. Esta evolución se caracteriza por los siguientes períodos.
1° El período griego: abarca todo el “ cosmos” visible e invisible. Tiene un origen religioso. El teatro griego es una ceremonia mágica, un espectáculo de exorcismo y encantamiento. El héroe representa el alma de la ciudad. La tragedia es la historia de la agonía del hombre.
2° El período que va de Eurípides al siglo XVII: Eurípides hace descender la tragedia del cielo y la tierra. Shakespeare representa el drama al nivel del mundo, al mismo tiempo que en las conciencias. Corneille y Racine reducen la tragedia a sus coordenadas psicológicas donde el cosmos no cuenta para nada.
3° El período contemporáneo (siglo XIX y XX): el drama tiene una prolongación y describe el contexto social, desapareciendo la tragedia.
El drama en la pantalla se diferencia de la tragedia en la medida en que el tono de la obra cinematográfica está más cerca de la prosa que de la poesía. La tragedia reduce al mínimo la parte de actualidad, de contemporaneidad; el drama, por el contrario nos hace bajar constantemente a la tierra: es aquí donde se desarrolla la acción.
El melodrama realiza una especie de simplificación que le aproximaría a la tragedia. Parece nutrirse de los mismos elementos que de la tragedia griega, aunque no todos estos valores son abarcados en su más amplio aspectos. Tiende a lo grandioso y a lo eterno pero no es capaz de simplificar la realidad sino es empobreciéndola. Los protagonistas están llenos de tópicos, pero no de poesía.
LA COMEDIA.
En la comedia cinematográfica el tono y el clima se crean a base de una idea que se desarrolla por medio de detalles, por el encadenamiento ligero de las secuencias, la agilidad del movimiento, la ironía espiritual de los encuadres, lo jugoso o lo áspero de la luz y de la música, la delicadeza de los detalles, la discreción de los intérpretes que saben ser dueños de la medida y de un estilo mágico. Con estas características se pueden distinguir los filmes siguientes:
LO BURLESCO.
No se debe confundir lo burlesco con lo cómico. Lo burlesco se encuentra ya en la antigüedad griega y latina; pero su origen propio es español e italiano. En la literatura francesa triunfa en la Edad Media y en el siglo XVI pero en los siglos XVII y XVIII se ausenta pero no desaparece del todo. Y a finales del siglo XIX aparece un género burlesco más corrosivo y sutil.
Dentro del género burlesco cinematográfico podemos distinguir tres variantes:
1.- lo burlesco sociológico, que explota todo aquello que es contrario a la corrección y a la compostura.
2.- El recurso a cuanto se opone a la vida ordinaria: el gusto por lo insólito.
3.- El género burlesco más profundo y de aspecto más sutil y cerebral, la presentación de aquello que contradice al buen sentido y a la razón.
EL POEMA
De acuerdo con el pensar general la poesía no es sino la idealización de lor eal. La poesía consistirá en hacer surgir una especie de “ surrealismo”, encerrado en el interior de las cosas.
La imagen cinematográfica no tiene la finitud de las imágenes reales, existe más allá de sí mismo: es transparente y ambigua. De ahí su carácter poético.
La poesía en el cine no consiste en una yuxtaposición de hermosas fotografías, sino en una belleza en movimiento, belleza interior y sobria.
Solamente existen contados poemas cinematográficos en un sentido estricto.
Algunos son: Las alas del deseo, La bella y la bestia, Orfeo, El río y la carroza de oro, infancia de Gorki, María Candelaria.
EL DOCUMENTAL.
Los documentales pueden durar de veinte minutos a una hora y hasta más.
Entre los documentales cabe distinguir distintas clases de ensayos; unos se limitan a evocar un autor, un poeta; otros documentos, llamados filmes de arte y que fluctúan entre diversas fórmulas, parten de la vida o de la obra de un gran artista para realizar un ensayo, frecuentemente muy subjetivo.
Todo documental que quiera tener una existencia plena debe satisfacer estas dos exigencias: versar sobre un objetivo o contenido determinado y haber escogido un estilo, un medio específico.
EL CUENTO
Entre géneros de tiempo limitado y de tiempo ilimitado. En las obras de tiempo limitado se ha colocado la tragedia, el sermón y el cuento.
El cuento es reducido y va a lo esencial, por lo que la acción resulta más comprimida, además se suele coger un solo episodio.
A los cuentos se les puede clasificar en diversas categorías: cuentos largos ( cien páginas); cuentos medianos ( de ochenta a noventa páginas) y los cuentos cortos ( de cuarenta a sesenta páginas).
Los cuentos pueden ser clasificados según otras coordenadas: el cuento de acción, el cuento que es un pasatiempo, una fantasía; el cuento situado en un mundo intermedio entre lo fantástico y lo irreal; el cuento que es una meditación, una exploración metafísica.
El cuento debe estar realizado a base de fantasía, de evasión, comicidad, cualidades que exigen no dure demasiado, sino que se quiere caer en la monotonía y en el aburrimiento.
EL DIBUJO ANIMADO
Los dibujos animados casi se confunden con la invención del cine. A partir del año 1908 y durante los diez siguientes años, el dibujo animado conoció un desarrollo brillantísimo. El descubrimiento del cine sonoro dio lugar a una nueva forma de expresión..
Los dibujos animados son de carácter o de tendencia lírica y de concepción dominante.
LO FANTÁSTICO
El éxito de este género es inagotable: hace aproximadamente un siglo que ha invadido todos los campos de la literatura y del arte y hasta los dibujos animados. Se puede plantear tres orientaciones básicas del género: la del horror y el espanto y la de lo sobrenatural que puede aproximarse a lo sagrado.
En Francia parece no imperar una gran afición por lo que es divertido en el delirio o delirante en la diversión. Resaltó el mago Méliès.
En Alemania hay dos tendencias: la realista y el expresionismo.
EL THRILLER O CINE NEGRO.
En el cine negro se puede tomar como parámetro la descripción de la violencia y cierto fondo de aventuras criminales.
Hay aquí tres elementos agrupados que nos permite ir más allá del realismo que son: la mezcla del onirismo, fantasía y la solemnidad del ceremonial fúnebre.
La extraordinaria ambivalencia del género muestra una contradicción interna presente en la naturaleza huma y conforme con las estructuras imaginativas de los creadores, suscita simultáneamente el horror y la fascinación.
LAS PELÍCULAS SOBRE LA INFANCIA
En esta época el tema de la infancia ha comenzado a tomar auge. Son filmes consagrados al martirio de la infancia donde los héroes son las jóvenes víctimas de un planeta trastornado.
Los primeros descubrimientos del niño no son siempre tan alegres ni tan luminosos. Algunos filmes nos han mostrado los primeros contactos de un alma joven con el mundo, seguidos de un enriquecimiento espiritual. Pero son más numerosas las obras que nos muestran la fisura producida en un corazón por el choque con la maldad y la desgracia. El verdadero drama espiritual de la infancia es la oposición que lo separa del mundo adulto. De todos puntos relucientes se han desarrollado filmes para niños.
Cine cómico
Género que busca la carcajada en el espectador mediante episodios de humor elemental, grotesco o absurdo, carente de matices o profundidad psicológica.
Las películas de cine cómico son una sucesión de gags hilvanados y -a diferencia de la comedia- no poseen una estructura dramática precisa, progreso narrativo o evolución en los personajes. Se basan en conflictos resueltos a base de persecuciones, batallas de tartas, golpes, bofetadas, caídas... con un tratamiento amable. Explota la dialéctica infracción/castigo, el tipo del chico travieso, la figura del paleto y del vagabundo o la persecución.
También se llama comedia slapstick o comedia de payasadas. Destacan las obras de Mack Sennet, Max Linder, Buster Keaton, Charles Chaplin, Stan Laurel y Oliver Hardy y Harold Lloyd.
Filmografía:
§ Charlot periodista (Henry 1914)
§ Tiempos modernos (Charles Chaplin, 1935)
§ Pasión y boda de pamplinas (Hebert Blache, 1920)
§ El maquinista de la general (B. Keaton, 1927)
Charles Spencer Chaplin Jr., KBE (Londres, 16 de abril de 1889 – Corsier-sur-Vevey, 25 de diciembre de 1977) fue un actor, director, escritor, productor y compositor británico ganador del Premio Oscar. A través de sus casi 90 películas de cine mudo y sonoro, ha llegado a convertirse en la figura más representativa del cine mudo, el cual le ha dado su fama mundial y la consideración de uno de los grandes genios de la historia del cine. Su cine abunda de imágenes clásicas tan conocidas como su propio personaje. Su hija, Geraldine Chaplin, se dedicó también a la actuación.
Con estas giras, Mack Sennett le ofreció un contrato, y se fue con él a California. Fue allí donde Chaplin descubre el mundo del cine y pronto recibe propuestas que lo llevan a probar suerte en Hollywood. Al llegar a la meca del cine ya tenía una buena reputación como comediante y rápidamente se encontró protagonizando películas que tuvieron un éxito inmediato. En su primera película, Charlot periodista, todavía no tenía la imagen que le caracterizaría siempre, pero ya en la segunda Carreteras sofocantes, en 1914, llevaba su indumentaria de vagabundo. Parece ser que el famoso traje se lo compuso mediante aportaciones de cómicos amigos: la chaqueta de Charles Avery, los pantalones de Fatty Arbuckle, las botas de Ford Sterling, y el bigote de Mack Swain.
En el Cine: En todas sus posteriores películas interpretó a un vagabundo que buscaba mejorar su vida sin conseguirlo nunca. La población que buscaba el «sueño americano» se identificaba con estas historias y las aventuras del vagabundo tuvieron éxito continuo durante más de diez años, aunque el personaje fue evolucionando.
En la compañía Keystone, rodó más de 30 películas, y a partir de la vigésima empezó también a dirigirlas.
En febrero de 1915 cambió de compañía, esta vez se unió a la Essanay, donde dirigió y protagonizó algunos de sus mejores cortometrajes, y empezó a usar una serie de actores fijos para sus películas, como Edna Purviance o Eric Campbell. En sus últimas películas para esta productora, empezó a hacer un cine con una gran crítica social.
Por aquel entonces, Chaplin ya cobraba 10.000 dólares a la semana, más extras. Empezó a rodar películas cada vez más complejas y con unos gags mucho más elaborados que en sus películas anteriores, como Charlot en la playa (1915), The Cure, 1917), o Charlot a la una de la madrugada (One A.M., 1916), y tocó temas muy críticos con la realidad norteamericana, como El emigrante (The Inmigrant, 1917) o Charlot músico ambulante (The Vagabond, 1916).
dedicado al grande de dani... jaja
El cine tiene como pilares fundamentales dos hechos: un fenómeno fisiológico conocido como persistencia retiniana y la invención de la fotografía. La primera hace que las imágenes proyectadas durante una fracción de segundo en la pantalla no se borren instantáneamente de la retina. De este modo, el cine, que hace desfilar ante nuestros ojos veinticuatro (y en otro tiempo dieciséis) imágenes por segundo, puede darnos la ilusión de movimiento.
Uno de los aparatos más extendido entre lo que proporcionaron la visión de una imagen dinámica fue el fenaquistiscopio, inventado por Plateau en 1832. Estaba formado por un disco giratorio en el que se había abierto una serie de ranuras cerca de su perímetro. En un numero igual a estas, se habían pintado figuras en una de sus caras. Las imágenes se disponían radialmente y representaban las sucesivas fases de un movimiento. El disco se colocaba delante de un espejo, se le hacia girar con rapidez y se miraba a través de las ventanillas. Las superficies opacas que pasaban por delante del ojo funcionaban como obturadores. En el espejo se veía reflejada una figura que parecía cobrar vida, pero que solo realizaba movimientos cíclicos.
La invención de la fotografía por Niepce hacia 1822 fue, pues, un paso previo para el advenimiento del cine. A lo largo del siglo XIX la técnica fotográfica fue perfeccionándose progresivamente. El tiempo de exposición necesario se redujo desde horas hasta décimas de segundo, por lo que fue posible obtener instantáneas de objetos en movimiento. Para ello se usaron en un principio discos, dotados de placas fotográficas, que giraban a intervalos regulares gracias a la aplicación de un mecanismo automático. De este modo, el astrónomo francés Janssen registro el eclipse solar de 1874 con su revolver fotográfico, que estaba provisto de un objetivo telescópico.
Conocedor de esta experiencia, en 1882 el fisiólogo francés Marey adaptó el sistema a una cámara más ligera y rápida, denominada fusil fotográfico, destinada a capturar series de instantáneas sobre el vuelo de las aves.
Se había conseguido analizar fotográficamente el movimiento. Para "reconstruirlo", no había más que recorrer el camino inverso: sintetizarlo con una visión de esas mismas instantáneas sucediéndose a la misma velocidad de su impresión. La adecuada proyección de esos fotogramas sobre una pantalla significó el nacimiento del cine.
Por otra parte, los primitivos fotograbados sobre papel o los posteriores negativos de placas de vidrio fueron reemplazados por la película fotográfica de celuloide, flexible, transparente y altamente inflamable. Comercializada por el norteamericano Eastman en forma de rollos al final de la década de los ochenta, permitió obtener numerosas y diferentes instantáneas en una sola cinta.
En 1894, Edison lanzo al comercio sus kinetoscopios, grandes cajas que contenían películas perforadas de 50 pies arrollada en cinta sinfín, que circulaban entre una fuente luminosa y el ocular de la parte inferior. Los curiosos introducían una moneda en el aparato y aplicaban su ojo al ocular, a través del cual veían actuaciones de atletas, bailarinas o equilibristas. Edison se negó a proyectar en publico sus filmes sobre una pantalla, por parecerle que así mataba la gallina de los huevos de oro, según sus propias palabras. Pero inmediatamente salió el kinetoscopio, por todas partes, decenas de inventores buscaron la manera de proyectar esos filmes en una pantalla.
En 1895 se multiplicaron las primeras representaciones de cine. Los realizadores casi siempre se desconocían entre sí, lo que provocó enseguida interminables controversias sobre el invento del cine. Los ingleses reivindican la gloria de este descubrimiento para William Friese-Greene, los americanos para Thomas Alva Edison y los alemanes para Max Skladonowski. Sin embargo, la mayor parte de los historiadores parece estar de acuerdo en que a Edison corresponde la gloria de impresionar por primera vez películas cinematográficas, y a los Lumière les corresponde el privilegio de efectuar las primeras proyecciones publicas y afortunadas. Es decir, a Edison el invento y a los Lumière el cine.
Los hermanos Louis y Auguste Lumière llegaron al cinematógrafo, invento que era al tiempo cámara, copiadora y proyector, y que es el primer aparato que se puede calificar auténticamente de cine, por lo que la fecha de su presentación pública, el 28 de diciembre de 1895, y el nombre de los inventores son los que han quedado reconocidos universalmente como los iniciadores de la historia del cine.
Los Lumière hicieron la primera proyección en el Grand Cafe, Bulevar des Capucines en París, el 28 de diciembre de 1895. El éxito fue enorme. Los espectadores quedaron petrificados. Al día siguiente, los diarios parisinos se deshacían en elogios ante aquel invento. La fecha de aquella memorable primer sesión se considera la del nacimiento oficial del cine.
LOS GÉNEROS DEL CINE
INTRODUCCIÓN
Desde la invención y el comienzo del desarrollo del cine, las películas han presentado diversos temas, estilos, formas de expresión. Además los progresos cinematográficos a través del tiempo han permitido la producción de nuevos estilos de filmes.
Los diferentes tipos de películas han sido clasificados en diversos géneros: el cuento, la comedia , la epopeya, cine bélico, el western, la tragedia, el drama y el melodrama, el poema y otros más . A la vez estos géneros presentan subgéneros.
A medida que pasa el tiempo algunas de estas clasificaciones evolucionan de una manera increíble acaparando la atención del público o dejan de tener el auge que pudieron tener en un principio pero con la ventaja que no desaparecen.
LA EPOPEYA
Este género hace referencia a un folklore. Implica cierto sentimiento nacional o religioso, y frecuentemente ambos. El contenido comporta un elemento sociológico y otro psicológico que se ven armonizados dentro de una estructura que acentúa los rasgos de los personajes, agranda las proporciones y desarrollo el relato con ritmos amplios y solemnes.
La epopeya exige una determinada visión del mundo. Además en la epopeya el hombre es fuerte glorioso, pero no invulnerable, por encima de él se siente continuamente la amenaza de la muerte, la presencia obsesiva y misteriosa de la fatalidad.
Los distintos elementos que se agrupan en distintos órdenes con referencia a los personajes:
a) EL espacio y el tiempo: debe ser vencido por el héroe.
b) Las amenazas humanas, las ocultas, pero sensibles presencias que deben surgir en un determinado momento.
c) Los elementos naturales, que se conjuran contra el héroe.
d) El hombre que lucha contra el hombre, ya sea de una forma individual o colectiva.
Las coordenadas de toda epopeya cinematográfica.
1° El elemento psíquico: la epopeya se fundamento tanto en el mal como en el bien. Los personajes son gentes sencillas que se definen de una manera inmediata. Todo se centra en la acción quedando un espacio pequeño para la contemplación y la reflexión.
2° La amplitud del escenario: Ausencia de límites.
3° El ritmo sístole-diástole: movimiento de contracción y relajación. Primer tiempo: expectación; el segundo tiempo: crisis( combate); tercer tiempo. Calma.
4° Los procedimientos de escritura son:
a) Los encuadres.
b) Los desplazamientos de cámara y los planos “ enfáticos” que dan una impresión de grandeza.
c) El montaje explosivo y sincopado.
d) La utilización de motivos esteriotipados.
EL CINE BÉLICO.
Hay dos corrientes opuestas en el filme de guerra: la obra bélica y el filme pacifista.
Muchos países que han pasado por guerras que han servido de inspiración para la realización de películas donde las personas expresan tanto el dolor, y la amargura que viven en esta tragedia. Estos filmes llegan tan profundo a los espectadores creando, así compasión ante estos problemas que la humanidad sufre en algunos momentos.
EL WESTERN
La historia del western coincide con la historia del cine americano.
El concepto western llegó a implicar o aludir a un complejo “ contenido- formal” bastante definido( filme de acción, carácter épico- dramático, punto de vista neocolonialista y racista, ambiente del oeste, un tipo de hombre.) de forma que sed constituyó en un aparente género y un verdadero subgénero.
No sólo surgieron oeste-denuncias, sino que también oeste- satíricos, farsas, dibujos animados y documentales sobre el mismo.
LA TRAGEDIA, EL DRAMA Y EL MELODRAMA.
Pueden señalarse dos momentos en la evolución del espectáculo dramático: primeramente, la tragedia; después el drama. Esta evolución se caracteriza por los siguientes períodos.
1° El período griego: abarca todo el “ cosmos” visible e invisible. Tiene un origen religioso. El teatro griego es una ceremonia mágica, un espectáculo de exorcismo y encantamiento. El héroe representa el alma de la ciudad. La tragedia es la historia de la agonía del hombre.
2° El período que va de Eurípides al siglo XVII: Eurípides hace descender la tragedia del cielo y la tierra. Shakespeare representa el drama al nivel del mundo, al mismo tiempo que en las conciencias. Corneille y Racine reducen la tragedia a sus coordenadas psicológicas donde el cosmos no cuenta para nada.
3° El período contemporáneo (siglo XIX y XX): el drama tiene una prolongación y describe el contexto social, desapareciendo la tragedia.
El drama en la pantalla se diferencia de la tragedia en la medida en que el tono de la obra cinematográfica está más cerca de la prosa que de la poesía. La tragedia reduce al mínimo la parte de actualidad, de contemporaneidad; el drama, por el contrario nos hace bajar constantemente a la tierra: es aquí donde se desarrolla la acción.
El melodrama realiza una especie de simplificación que le aproximaría a la tragedia. Parece nutrirse de los mismos elementos que de la tragedia griega, aunque no todos estos valores son abarcados en su más amplio aspectos. Tiende a lo grandioso y a lo eterno pero no es capaz de simplificar la realidad sino es empobreciéndola. Los protagonistas están llenos de tópicos, pero no de poesía.
LA COMEDIA.
En la comedia cinematográfica el tono y el clima se crean a base de una idea que se desarrolla por medio de detalles, por el encadenamiento ligero de las secuencias, la agilidad del movimiento, la ironía espiritual de los encuadres, lo jugoso o lo áspero de la luz y de la música, la delicadeza de los detalles, la discreción de los intérpretes que saben ser dueños de la medida y de un estilo mágico. Con estas características se pueden distinguir los filmes siguientes:
LO BURLESCO.
No se debe confundir lo burlesco con lo cómico. Lo burlesco se encuentra ya en la antigüedad griega y latina; pero su origen propio es español e italiano. En la literatura francesa triunfa en la Edad Media y en el siglo XVI pero en los siglos XVII y XVIII se ausenta pero no desaparece del todo. Y a finales del siglo XIX aparece un género burlesco más corrosivo y sutil.
Dentro del género burlesco cinematográfico podemos distinguir tres variantes:
1.- lo burlesco sociológico, que explota todo aquello que es contrario a la corrección y a la compostura.
2.- El recurso a cuanto se opone a la vida ordinaria: el gusto por lo insólito.
3.- El género burlesco más profundo y de aspecto más sutil y cerebral, la presentación de aquello que contradice al buen sentido y a la razón.
EL POEMA
De acuerdo con el pensar general la poesía no es sino la idealización de lor eal. La poesía consistirá en hacer surgir una especie de “ surrealismo”, encerrado en el interior de las cosas.
La imagen cinematográfica no tiene la finitud de las imágenes reales, existe más allá de sí mismo: es transparente y ambigua. De ahí su carácter poético.
La poesía en el cine no consiste en una yuxtaposición de hermosas fotografías, sino en una belleza en movimiento, belleza interior y sobria.
Solamente existen contados poemas cinematográficos en un sentido estricto.
Algunos son: Las alas del deseo, La bella y la bestia, Orfeo, El río y la carroza de oro, infancia de Gorki, María Candelaria.
EL DOCUMENTAL.
Los documentales pueden durar de veinte minutos a una hora y hasta más.
Entre los documentales cabe distinguir distintas clases de ensayos; unos se limitan a evocar un autor, un poeta; otros documentos, llamados filmes de arte y que fluctúan entre diversas fórmulas, parten de la vida o de la obra de un gran artista para realizar un ensayo, frecuentemente muy subjetivo.
Todo documental que quiera tener una existencia plena debe satisfacer estas dos exigencias: versar sobre un objetivo o contenido determinado y haber escogido un estilo, un medio específico.
EL CUENTO
Entre géneros de tiempo limitado y de tiempo ilimitado. En las obras de tiempo limitado se ha colocado la tragedia, el sermón y el cuento.
El cuento es reducido y va a lo esencial, por lo que la acción resulta más comprimida, además se suele coger un solo episodio.
A los cuentos se les puede clasificar en diversas categorías: cuentos largos ( cien páginas); cuentos medianos ( de ochenta a noventa páginas) y los cuentos cortos ( de cuarenta a sesenta páginas).
Los cuentos pueden ser clasificados según otras coordenadas: el cuento de acción, el cuento que es un pasatiempo, una fantasía; el cuento situado en un mundo intermedio entre lo fantástico y lo irreal; el cuento que es una meditación, una exploración metafísica.
El cuento debe estar realizado a base de fantasía, de evasión, comicidad, cualidades que exigen no dure demasiado, sino que se quiere caer en la monotonía y en el aburrimiento.
EL DIBUJO ANIMADO
Los dibujos animados casi se confunden con la invención del cine. A partir del año 1908 y durante los diez siguientes años, el dibujo animado conoció un desarrollo brillantísimo. El descubrimiento del cine sonoro dio lugar a una nueva forma de expresión..
Los dibujos animados son de carácter o de tendencia lírica y de concepción dominante.
LO FANTÁSTICO
El éxito de este género es inagotable: hace aproximadamente un siglo que ha invadido todos los campos de la literatura y del arte y hasta los dibujos animados. Se puede plantear tres orientaciones básicas del género: la del horror y el espanto y la de lo sobrenatural que puede aproximarse a lo sagrado.
En Francia parece no imperar una gran afición por lo que es divertido en el delirio o delirante en la diversión. Resaltó el mago Méliès.
En Alemania hay dos tendencias: la realista y el expresionismo.
EL THRILLER O CINE NEGRO.
En el cine negro se puede tomar como parámetro la descripción de la violencia y cierto fondo de aventuras criminales.
Hay aquí tres elementos agrupados que nos permite ir más allá del realismo que son: la mezcla del onirismo, fantasía y la solemnidad del ceremonial fúnebre.
La extraordinaria ambivalencia del género muestra una contradicción interna presente en la naturaleza huma y conforme con las estructuras imaginativas de los creadores, suscita simultáneamente el horror y la fascinación.
LAS PELÍCULAS SOBRE LA INFANCIA
En esta época el tema de la infancia ha comenzado a tomar auge. Son filmes consagrados al martirio de la infancia donde los héroes son las jóvenes víctimas de un planeta trastornado.
Los primeros descubrimientos del niño no son siempre tan alegres ni tan luminosos. Algunos filmes nos han mostrado los primeros contactos de un alma joven con el mundo, seguidos de un enriquecimiento espiritual. Pero son más numerosas las obras que nos muestran la fisura producida en un corazón por el choque con la maldad y la desgracia. El verdadero drama espiritual de la infancia es la oposición que lo separa del mundo adulto. De todos puntos relucientes se han desarrollado filmes para niños.
Cine cómico
Género que busca la carcajada en el espectador mediante episodios de humor elemental, grotesco o absurdo, carente de matices o profundidad psicológica.
Las películas de cine cómico son una sucesión de gags hilvanados y -a diferencia de la comedia- no poseen una estructura dramática precisa, progreso narrativo o evolución en los personajes. Se basan en conflictos resueltos a base de persecuciones, batallas de tartas, golpes, bofetadas, caídas... con un tratamiento amable. Explota la dialéctica infracción/castigo, el tipo del chico travieso, la figura del paleto y del vagabundo o la persecución.
También se llama comedia slapstick o comedia de payasadas. Destacan las obras de Mack Sennet, Max Linder, Buster Keaton, Charles Chaplin, Stan Laurel y Oliver Hardy y Harold Lloyd.
Filmografía:
§ Charlot periodista (Henry 1914)
§ Tiempos modernos (Charles Chaplin, 1935)
§ Pasión y boda de pamplinas (Hebert Blache, 1920)
§ El maquinista de la general (B. Keaton, 1927)
Charles Spencer Chaplin Jr., KBE (Londres, 16 de abril de 1889 – Corsier-sur-Vevey, 25 de diciembre de 1977) fue un actor, director, escritor, productor y compositor británico ganador del Premio Oscar. A través de sus casi 90 películas de cine mudo y sonoro, ha llegado a convertirse en la figura más representativa del cine mudo, el cual le ha dado su fama mundial y la consideración de uno de los grandes genios de la historia del cine. Su cine abunda de imágenes clásicas tan conocidas como su propio personaje. Su hija, Geraldine Chaplin, se dedicó también a la actuación.
Con estas giras, Mack Sennett le ofreció un contrato, y se fue con él a California. Fue allí donde Chaplin descubre el mundo del cine y pronto recibe propuestas que lo llevan a probar suerte en Hollywood. Al llegar a la meca del cine ya tenía una buena reputación como comediante y rápidamente se encontró protagonizando películas que tuvieron un éxito inmediato. En su primera película, Charlot periodista, todavía no tenía la imagen que le caracterizaría siempre, pero ya en la segunda Carreteras sofocantes, en 1914, llevaba su indumentaria de vagabundo. Parece ser que el famoso traje se lo compuso mediante aportaciones de cómicos amigos: la chaqueta de Charles Avery, los pantalones de Fatty Arbuckle, las botas de Ford Sterling, y el bigote de Mack Swain.
En el Cine: En todas sus posteriores películas interpretó a un vagabundo que buscaba mejorar su vida sin conseguirlo nunca. La población que buscaba el «sueño americano» se identificaba con estas historias y las aventuras del vagabundo tuvieron éxito continuo durante más de diez años, aunque el personaje fue evolucionando.
En la compañía Keystone, rodó más de 30 películas, y a partir de la vigésima empezó también a dirigirlas.
En febrero de 1915 cambió de compañía, esta vez se unió a la Essanay, donde dirigió y protagonizó algunos de sus mejores cortometrajes, y empezó a usar una serie de actores fijos para sus películas, como Edna Purviance o Eric Campbell. En sus últimas películas para esta productora, empezó a hacer un cine con una gran crítica social.
Por aquel entonces, Chaplin ya cobraba 10.000 dólares a la semana, más extras. Empezó a rodar películas cada vez más complejas y con unos gags mucho más elaborados que en sus películas anteriores, como Charlot en la playa (1915), The Cure, 1917), o Charlot a la una de la madrugada (One A.M., 1916), y tocó temas muy críticos con la realidad norteamericana, como El emigrante (The Inmigrant, 1917) o Charlot músico ambulante (The Vagabond, 1916).
dedicado al grande de dani... jaja