Si hay algo que muchos aman en la música son los albums conceptuales. Son historias musicales que nos atrapan de tal manera que, en la mayoría de las ocasiones, nos hacen escuchar un album de principio a fin sin descanso. Aquí les dejo 7 albums que me han cautivado tanto por el concepto que encierran como por sus melodías.
Nota:Todas las reseñas que vas a encontrar aquí son escritas en su totalidad por mí, es mi apreciación de cada canción y del concepto total de cada disco. Se acepta cualquier opinión acerca de diferentes interpretaciones personales.
ADELE - 21
Ya sé que estarán diciendo "no me jodas, ¿este es conceptual?", pero yo les digo "SI, es conceptual a pesar de que no fué concebido así". Con esto me refiero a que éste album trata acerca de un solo tema: Un rompimiento amoroso y sus etapas clásicas.
Rolling in the deep: Un tema con gran potencia, es inconfundible el sonido de soul y jazz con tintes de pop. La voz tiene una fuerza y un sentimiento de rabia que se nota a la primera escucha. Ella reprocha el daño que le han hecho y de como todo se fue a la ruina.
Rumour has it: El blues y el R&B se hacen presentes en un tema algo soso al principio, no es mi favorita pero tiene ese coro que te engancha, aunque sea un poco. Aquí, ella va diciéndole a su ex que aquella por la que ahora él suspira no es lo que parece y le reprocha que se fue con una cualquiera, tirando a la basura la historia que tenian juntos, dejando que lo usaran por esa "Señorita de la vida galante".
Turning Tables: Una balada muy bonita y con un sentimiento de bravura, solo con piano y unos violines que le dan un ambiente dramático (?). En esta parte, ella comienza a darse su lugar, indicándole al susodicho que ya no caera en su juego de cambiar los papeles (o virar las mesas) para que ella caiga en un engaño.
Don't you remember: El lagrimón tiene que pintarse en esta balada preciosa. Si no llegas a sentir el dolor, la nostalgia, el sentimiento de "¿por qué lo hiciste si estábamos muy bien?" o algún sentimiento de tristeza, MÁTATE.
Es increíble la interpretación, sin duda una de las mejores del disco. En todo proceso de ruptura, el que sea quien no quiso que suceda siempre va a preguntarse "¿Por qué lo hizo? ¿Qué pasó? ¿Qué hice mal?" y aquí es lo que está reflejado, la pregunta eterna de "¿Ya no recuerdas?".
"¿Que hice mal? Ah si, mentirle al tío Ben "
Set fire to the rain: Este fue un sencillo y con mucha razón, es una canción con una melodía agradable al oído desde el inicio, que va subiendo de intensidad hasta el coro del final. Siempre me imagino que mientras ella canta sale fuego por los lados mientras llueve (Me haré productor de videoclips ). Adele repasa la relación que tenía desde un punto de vista diferente, desde cómo al principio vio como un salvador a su ex hasta que ella se dio cuenta de que esa imagen era una ilusión por las cosas que él demostró después.
He won't go: Llegamos a la mitad. La canción es para relajarse, no tiene las escaladas de las demás. La letra indica que nuestra protagonista se encuentra hundida en depresión, con muchas dudas acerca del futuro, de sus sentimientos y de si algún día el amor de su vida regresará.
Take it all: Una melodía "sobria", no tiene algo que resalte además de la voz en la que predomina totalmente el blues, es bastante calmada. Siempre que una relación termina, debido al dolor que uno siente, queremos que se lleven de una vez todos los sentimientos que quedan y todo aquello que esté relacionado con la decepción.
I'll be waiting: "Británico" es el adjetivo perfecto para esta canción. Solo escúchenla y lo verán. Después de la depresión viene la desesperación y es lo que le pasó a ella, comenzó a decirse "tal vez no fue nuestra culpa, fueron cosas externas", resaltando que ella está totalmente dispuesta a esperar "por siempre" a su regreso.
"Algo así como ella"
One and only: A bailar un vals! Tranquila pero singular melodía. Ya Adele ha encontrado a otra persona para continuar su vida. Menciona la ironía de que se siente nerviosa al hablarle o para decirle lo que siente si en realidad ha pasado por la misma situación antes. Comienza a deshacerse del recuerdo de su relación pasada.
I'll be waiting: Romántico y sensual a la vez. La declaración de amor, todo lo que ella siente por su nueva pareja, una canción perfecta para dedicar.
"¡LO SUPERÓ!
Someone like you: Junto con Don't You Remember, una de las mejores canciones del album, la voz tiene una potencia tremenda y es una interpretación inigualable. Ya todo ha terminado, la tormenta ha pasado y como una persona de buenos sentimientos y con toda la madurez le desea a su ex lo mejor para su vida, recordando algunos pasajes y sentimientos de manera calmada, pues ella ya no tiene nada más que decirle, ya ha superado esa parte de su vida.
*Mención especial*-I found a boy: La edición que les tengo es la Deluxe, en la cual hay 7 bonus tracks, entre canciones en vivo e inéditas. La que merece una mención especial es "I found a boy", es un tema que habla de que ella ya esta bien, que encontró a alguien que la trata bien y que se merece y que ya comenzó una nueva historia. Lo destacado del tema es que aún cuando solo esta compuesta por la voz y una guitarra no deja de tener una actitud fuerte y una gran presencia. Recomendable al 100%
THE SMASHING PUMPKINS - MELLON COLLIE AND THE INFINITE SADNESS
He aquí uno de los mejores albums de los 90's, el mejor album de 1995 según "TIME". Fue lanzado un 24 de ctubre de 1995 (EN MI CUMPLEAÑOS N° 3
) como album doble y es lo que llevó a la banda a su punto más alto, tanto en creatividad como en éxito comercial. Según Wikipedia:
Mellon Collie and the Infinite Sadness es un álbum conceptual suelto, con la intención de que las canciones se unan de forma conceptual como símbolo del ciclo de la vida y la muerte. Billy Corgan dijo que el álbum está basado en "la condición humana de la pena mortal".
Por lo que podemos entender de que las canciones no se entrelazan entre sí, pero están hechas con una misma idea. Agárrense de donde puedan porque definitivamente "Mellon collie" es una montaña rusa, hay mucha variedad en los temas y en la composición musical.
Disco 1: "DAWN TO DUSK"
Mellon Collie and the Infinite Sadness: La intro perfecta, llena de nostalgia, de un sentimiento positivo que te transmite una calma tremenda. Tiene que haber algún momento de tu vida que te venga al recuerdo al escucharla y tal vez, dependiendo del humor que tengas, hasta te haga llorar en alguna ocasión.
Tonight, Tonight: UNICA. Está en el top 10 de mis canciones favoritas de todos los tiempos. La inclusión de una orquesta sinfónica fue lo mejor que pudieron haber hecho con semejante canción. Tiene ese encanto que lo hace adorable desde la primera vez que lo escuchas y va creciendo conforme pasa el tiempo para que, al final, estalle con una intensidad que me ha hecho llorar alguna vez, para luego terminar de forma calmada, como resaltando que antes alcanzaste un clímax y ahora viene el momento de calma. Inevitable escucharla sin recordar el video, inspirado en la película muda"Le voyage dans la Lune".
Dato interesante: Los protagonistas del video, Tom Kenny y Jill Talley, son esposos. Tom es muy conocido por hacer las voces originales de Bob Esponja y Gary y tambien por ser Parche el pirata. Jill es conocida por hacer la voz de Karen, la esposa computadora de plancton.
Jellybelly: Un tema rápido, con un coro algo pegajoso, es un tema de corta y adecuada duración, las guitarras con distorsión "grunge" predominan. Los efectos de la guitarra al final lo encontraremos en otras canciones de los Smashing.
Zero: Crudo, sombrío y directo, con eso se describe a la canción y tambien a la generación X. El solo es muy bueno, el efecto de las guitarras le da una agresividad singular y se oye con una actitud de "No me importa que suene mal, yo quiero que suene fuerte".
"Puede ser sombría, pero este tipo de música sí que le llega a la gente" Lisa Simpson
Here is no why: Ya se calman los ánimos. Podriamos decir que es un tema de los acostumbrados a escuchar de la banda, no hay mucha variedad.
Bullet with butterfly wings: El clásico. Si conoces a la banda sabes que ésta es una canción básica en su repertorio. La rabia se refleja en el muy conocido coro "Despite all my rage i'm still just a rat in a cage"
To forgive: Suave, con la intervención de unas cuerdas. Especial para relajarse
Fuck you (an ode to no one): Regresamos a los temas crudos y rápidos. El trabajo de batería me gustó mucho desde la primera vez que lo escuche. Tiene un puente en el que la canción se va descomponiendo (literal), para seguir con unos segundos de calma y rematar con la melodía fuerte base.
Love: Contrario a lo que se pensaría por el título, no es una canción suave. Está llena de distorsiones, tanto en guitarras como en la voz y la letra es algo poética, aunque es raro porque no encaja con la melodia. Es una de esas canciones que te hacen decir WTF??
Cupid de Locke: Sólo puedo dar 2 descripciones a esta canción: 1.- Te transporta a las nubes, con cientos de corazones rosas y rojos saliendo por todos lados, el cielo rosa y ángeles con liras. 2.- Te vas al fondo del mar, nadando entre arrecifes y peces que gentilmente te llevan con poseidón donde las sirenas te consienten.
"Digamos que es algo así"
Galapogos: Ésta es una balada, mas tranquila que Here is no why, guitarras con puros arpeggios al principio, que se van transformando ya en distorsiones antes del final y regresando a los arpeggios para terminar.
Muzzle: Otro tema de los acostumbrados, no tiene alguna singularidad.
Porcelina of the Vast Oceans: Si digo que este es un tema progresivo tal vez esté en lo cierto... O tal vez mi fanatismo por Dream Theater me haga verlo así . Es el tema más largo, tiene una intro que tarda 2 minutos en cambiar a la base de la canción (Por eso digo lo de progresivo). Aquí se combinan las partes tranquilas con los arranques de potencia. En resumen un tema equilibrado.
Take me down: La diferencia de este tema es que James Iha es quien lo interpreta. La balada más tranquila del primer disco, marca el fin de "Dawn to Dusk".
Disco 2: "TWILIGHT TO STARLIGHT"
Where boys fear to tread: Marca el comienzo del segundo disco, se nota en los primeros segundos. Canción que se siente experimental, bastante lúgubre y cruda.
Bodies: Lo experimental se marca al principio, con un sonido de interferencia, como si no se conectara bien una guitarra. Acto seguido, vienen todos los instrumentos fuertes y crudos, como en muchos de los temas anteriores.
Thirty-Three: Otra balada, curiosa por la guitarra, el teclado y los samples.
In the arms of sleep: En lo personal me remonto a una película western, tiene mucha influencia de ese tipo de música.
"Imaginarse un lugar así y dormir al son de In the Arms of Sleep
1979: El otro sencillo. El ideal de la adolescencia de la generación X. Agradable riff que se va a quedar pegado en la mente de quien lo escuche. Muy tranquila y recuerda demasiado a los 90's.
Tales of a scorched heart: EFECTOS!! es lo primero que se viene a la mente en esta canción que, de cierta forma, parece futurista. Rápida y distorsionada, otro arranque de rabia adolescente.
Thru the eyes of rubi: Otra de las singularidades. Comienza con un piano curioso, como si viéramos un mundo de bebés, se sigue por un riff rockero y regresa al ambiente un tanto psicodélico por decirlo de una manera, es algo extraño el ambiente. Pero como uno sospecharía de este disco, se pierde la calma para pasar otra vez a las guitarras y solo vuelve para cerrar el tema.
Stumbleine: Bastante buena. Solo aparece una guitarra acústica que le da una profundidad buena a una canción que parece simple. Es como un interludio.
X.Y.U.: Otro arranque de rabia y furia lúgubres y con un poco de influencia del Doom. La forma en la que Billy Corgan interpreta es totalmente inversa a la tranquilidad que transmite cuando habla normalmente. Aquí se reivindica como la voz de los jóvenes de la generación X. Si no me creen, escuchen el final,
We only come out at night: ¿Tantas ideas tenían para este disco? En serio que la única descripción que le busco a esta singularísima canción es una película de los 20's protagonizada por una tortuga. No habia escuchado nada igual.
"Algo como esto se me viene a la mente... Lo sé, mi mente es un lugar raro".
Beautiful: La hora cursi ha llegado. La letra es totalmente dedicada a esa persona especial, definitivamente para dedicarla. Podemos ver la división de la canción, una mitad con un sample y la otra con la banda tocando una melodía suave.
Lily (my one and only): ¿La canción de la Friendzone? ¿O la del misterio de si esa persona también está enamorada de ti? Otra vez el ritmo de la tortuga se hace presente, en una manera dulce y cursi.
By Starlight: Con el título podemos ver que el final está cerca. Una vez más la tranquilidad se hace presente, pero con un toque de canción pop, sin perder su motivo alternativo.
Farewell and Goodnight: Un final muy bonito, es un tema acústico cantado por todos los integrantes de la banda. Se siente como si te estuvieran agradeciendo por escucharlos, por tener el disco y por darte el tiempo de conocerlos. En todo el tema se siente una nostalgia muy bonita que te da ganas de volver a poner el album desde el principio, y este sentimiento se refuerza con el piano del final que suena de la misma forma que la primera canción, con unos tonos más, pero la escencia es la misma. Un final digno de un album maravilloso.
"Hasta luego y buenas noches, mañana te escuchare otra vez Mellon Collie"
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DREAM THEATER - METROPOLIS PT. 2: SCENES FROM A MEMORY
La obra maestra de los reyes del metal progresivo. Después de haberles pedido la segunda parte de Metropolis, los muchacho se pusieron a trabajar y lograron hacer un demo de 20 minutos para tratar de meterlo en su disco siguiente. Desgraciadamente (?) no se pudo, la industria se metió, sacaron "falling into infinity" y todo dentro de la banda fue un desastre. Decidieron hacer un solo album más, sin que nadie interfiriera. Era la prueba de fuego, si no funcionabaLa historia de Dream Theater llegaría a su fin. Creo que todas esas presiones y las ganas de hacer algo que les gustara resultaron en uno de los regresos mas espectaculares que he conocido.
Regression: Tic. Tac. Tic. Tac. La voz de un hipnotista se oye. Si eres fan de la banda te sabes de memoria el dialogo. Mientras cuenta del 10 al 1, se escuchan efectos y sonidos algo extraños; hacen la entrada de forma ascendente unos acordes acústicos. Al terminar la cuenta atrás comienza la historia. El hipnotizado se llama Nicholas y está en una regresión porque quiere averiguar qué es lo que ve en sueños, solo sabe que hay una dama llamada victoria.
"imagen correcta, album equivocado"
Overture 1928: Un instrumental que tiene una armonía y una melodía excelente. Fue lo primero que se grabó, así comienza la demo de la cual se basaron. No puedo dar una descripción exacta, más que es una excelsa presentación llena de muchas melodías positivas. Según la historia, Nicholas está entrando al estado de hipnosis.
Strange Dejavu: El inicio esta ligado a la canción anterior. La música en los primeros versos es fuerte, después hay un cambio marcado por el piano. El coro es bastante pegajoso. La canción sigue dando vueltas mientras la historia sigue. Nicholas describe todo lo que ve: una casa, unas escaleras dentro que llevan a un cuarto, es el escenario que siempre ve en sus sueños. En el cuarto hay un espejo con la silueta de una mujer. Ella le pide ayuda para que pueda estar en paz. Al despertar, Nicholas se va preguntando y dando cuenta del vínculo que tiene con esa mujer, piensa que puede haber sido él en su vida pasada; se obsesiona por tratar de descubrir que pasó.
Through my words: Nicholas se da cuenta finalmente que sí existe dicho vínculo y de que ahora Victoria está "viviendo" en el, que ya es parte de su cuerpo. Es una balada muy tranquila, solo con el sonido de un piano.
Fatal Tragedy: Comienza con la melodía anterior, pero cambia drásticamente a una melodía fuerte. El coro es tranquilo, pero solo eso, porque mientras avanza al final de esta parte los solos de guitarra y teclado comienzan con un torbellino de acordes y notas increíble
. En la historia, Nick sale de su casa, tratando de buscar información acerca de Victoria. Se encuentra con un anciano que le dice que hace mucho una chica fue asesinada ahí donde él vive, pero ya nadie sabe lo que pasó. Al tratar de sacarle más información, el viejo le dice que él esta solo en eso y que en el futuro se le revelará la verdad. Nick asiste de nuevo con el hipnotista obsesionado con saber más. La voz del hipnotista cierra el tema, diciéndole que ahora va a ver cómo murió en su anterior vida.
Beyond this life: Headbang!
Fuerza primero y misterio después, así abre la canción, relatando lo que el encabezado de un diario de 1928 decía. Conforme avanza la historia, la música va yendo en el mismo torbellino de diferentes riffs, teniendo un "coro" que recuerda mucho a una feria o a un circo. En esta parte de la historia se relata la escena del crimen: Victoria esta en el piso y encima de ella el asesino, Julian, quien aparentemente se suicida. El único testigo es Edward, quien relata toda la escena del crimen. Mientras, Nick está convencido totalmente de que Victoria reencarno en él y de que todos los rasgos de personalidad se transfirieron de una vida a otra.
"Les vendrá a la mente un lugar como éste, solo que al estilo Dream Theater. Gracias a Nightwish por la imagen de su album 'Imaginaerum'."
Through Her Eyes: Esta balada comienza con un solo de guitarra y un solo de voz femenina. Sigue con un sample de batería y los sonidos del piano y una guitarra acústica. En la historia, Nicholas está despierto, se pone muy triste al saber lo que pasó y va a visitar la tumba de Victoria.
Dice que se da cuenta de como es perder a un ser amado y llora como nunca, se siente agradecido con la vida por tener esposa y un hijo. El primer acto de la obra cierra con esta canción, con un solo de voz de James Labrie.
Home: Una de las mejores canciones del album, esta llena de referencias a Metropolis pt. 1 más que cualquier otra canción de este disco, van desde lineas hasta samples y partes regrabadas. La intro es bastante larga y misteriosa, con un ambiente árabe (Si han escuchado Forty six & 2 de la banda Tool van a encontrar un gran parecido en el intro). Sigue de una manera potente llena de virtuosismo. Las partes centrales son extremadamente pegajosas y maduras, es un excelente trabajo. Es una de esas canciones que cuando piensas que ya se acabo te das cuenta que aun te faltan varios minutos. La historia gira en torno al rompimiento de Julian y Victoria debido al alcoholismo de él. Victoria entonces va con Edward, hermano de Julian, y aunque él sabe que victoria está vulnerable y se siente culpable por ello, su atracción hacia ella es mas poderoso y la seduce. Esto lo podemos escuchar claramente en la canción
Nota: No es recomendable escucharlo a todo volumen frente a tus papás, vecinos y/o personas con las que se pueda tornar incómoda la situación. 
The Dance of Eternity: Llegamos a la parte imposible, a la mejor canción de todo el album, un instrumental que le rompe la madre a muchísimas canciones. Inicia con unos samples de Metropolis pt. 1. Está llena de tempos raros, compases "incompletos" y forzados, en fin, una pesadilla para quien quiera aprenderla, pero el paraíso para un amante del progresivo y de las cosas raras. No es recomendable escucharla para motivarte a aprender a tocar cualquier instrumento, terminarás vendiendolo . Por la historia no se preocupen, si recordamos, en Metropolis, la ultima linea dice "Love is the dance of eternity", por lo que podemos inferir que en esta parte se refleja el amor entre Victoria y Julian.
"Dios me castigó, es imposible tocar esta mierda. Me tienes las bolas llenas Petrucci, la puta que te parió."
One last time: La calma después de la pesadilla anterior se siente. La balada va tranquila y el coro te resonará en la cabeza con el "one laaast tiiiiiiiiiiime". Hay un cambio y entra la melodía de "Overture 1928", la cual va modificándose hasta el final. En la historia, Nick comienza a dudar de si en realidad las cosas pasaron como las dice el periódico y va a la casa de Edward para tratar de averiguar algo más. Al llegar ahí siente que algo se apodera de él y tiene una revelación, donde oye a un hombre pedir perdón, aunque no escucha bien lo que dice.
The Spirit Carries On: Saquen los encendedores y los pañuelos, gente . Una de las más hermosas baladas que he escuchado, que hace llorar a los sensibles y en vivo hace llorar hasta los más fuertes (algún día iré a un concierto de ellos a llorar con esta canción
). Es muy tranquila y preciosa, te lleva a un mundo de esperanza y de calma. Segun Mike Portnoy (Baterista y fundador), éste es el final de la historia. Lo podemos ver porque aquí, Nicholas reflexiona y se da cuenta que el día en que muera su espíritu seguirá, como lo hizo Victoria. Ella solo le pide que no la olvide y que no le llore. El final tiene un coro de iglesia que invita a abrazar al que tengas al lado, alzar las manos y moverse de lado a lado con el ritmo de la canción.
"Esto es lo que ocasiona la canción".
Finaly Free: El hipnotista saca del trance a Nicholas. Él con toda la información que pudo sacar y las dudas que aun quedan, se va a su casa. En una narración fuera de linea, se revela la verdad del asunto: Despues del desliz de Victoria con Edward, ella se da cuenta de que Julian es al que ama en realidad y queda en reunirse con el en secreto, por esto ella romperá la relación con Edward. Lo único malo es que ella siente miedo de que Julian mate a su hermano si se llegara a enterar de la infidelidad. Se reunen y... ¡Sorpresa! Edward aparece y comienza una batalla épica entre los hermanos (bueno, exagere con lo épico
), en la cual Edward vence. Él saca una pistola y le dispara a Julian, para después virar a donde esta victoria gritando indefensa y decirle "OPEN YOUR EYES, VICTORIA". Todo está descrito en el tema, rodeado de riffs perfectos, elegantes, sobre todo en el primer coro. La canción contiene una parte de One last time y conforme va avanzando va creciendo hasta llegar a una explosión musical. Inmediatamente se calman las cosas para dar paso al cierre épico del tema, que termina en un riff que es un loop infinito (?). Es interrumpido por el final de la historia de Nicholas quien... Mejor descarguen el album y escuchenlo, es confuso pero impactante.
PINK FLOYD - THE DARK SIDE OF THE MOON
Llegamos al momento donde le cedemos un respeto y admiración impresionantes a la imagen de arriba. El mejor album de la historia según muchas revistas, páginas, críticos y un millón de personas más. La verdad si hay alguien que deba hablar de esta obra magna tal vez no sea yo, pero he escuchado el album en muchas ocasiones y creo que puedo hacer una reseña decente
Speak to me: El inicio del paraíso. Es un sampleo en su totalidad, con sonidos de latidos, una caja registradora, un helicóptero y un dialogo en el fondo. Todo va surgiendo "In Crescendo" y está ligado a la siguiente canción. En general, te resume todos los sonidos que escucharás durante todo el disco.
Breathe: Comenzamos con los mismos sonidos de "Speak to me", agregándole los gritos de una mujer. Inmediatamente después, comienza la melodía suave y relajante que desde el primer segundo te engancha. Recuéstate y transportate a un lugar totalmente relajado.
On the run: Como lo dice el título, te da la sensación de correr. Es rápido y totalmente indefinible Sea el año en que lo escuches o lo hayas escuchado, SIEMPRE va a parecer futurista. Esta lleno de samples, sonidos raros y teclados extraños, creo que por eso es una de mis favoritas. En serio, no debes perder la oportunidad de escuchar esto.
Time: ¡A la mierda! Carajo, esos timbres siempre causan un mini infarto
Bueno, después de recuperarnos de ese susto, nos encontramos en medio de una película western, con un ambiente extraño, como si fuera un western espacial. Con unos redobles, pasamos al rock, con una voz agresiva y una melodía en cierta forma extraña, que a menudo que avanza, agarra la influencia de Breathe. El solo es excelso, limpio y elegante, no se diga más. Terminamos con el reprise de Breathe.
The great gig in the sky: Comenzamos con un piano que tiene una melodía un tanto triste y desoladora. Luego cambia por una melodía más fuerte y por la interpretación vocal de una mujer, que va aumentando de intensidad la voz hasta llegar a gritar con desespero. Viene un bajón, solo escuchamos la calma del piano y la voz de la mujer. Así va muriendo el tema, con una interpretación verdaderamente notable.
Money: Como es de suponer por el título, escuchamos las cajas registradoras del principio con un ritmo igual de un compás de 7/8 (creo ). Comienza el bajo a sonar y después la banda. Se escucha de manera rara, una melodía un tanto curiosa. A la mitad escuchamos un solo de saxo estupendo, y después el repentino cambio al solo de guitarra, lleno de energía y genialidad.
Us and them: Un órgano como de iglesia hace su aparición y continua con las guitarras y baterías muy suaves. Se le da un toque de sensualidad con un solo de saxo muy elegante. Los versos son muy tranquilos y los coros tienen potencia y una actitud que me parece teatral. Esos momentos suaves y sensuales se van contrastando a lo largo de toda la canción con los coros.
Any colour you like: Teclados ácidos y en parte psicodélicos marcan el inicio de este instrumental. Después llegan las distorsiones de guitarra, la canción cede a estos por lo que resta de tiempo, haciendo su regreso los teclados del principio.
Brain damage: Mi favorita, me identifico mucho con esta canción por la parte de que a veces hago estupidez y media (Ya tienes 20, recuerdalo). Esta llena de muchísimas singularidades, los versos se sienten como absurdos o graciosos, como si estuvieras bajo la influencia de alguna droga. Los coros tienen, de nuevo, ese ambiente teatral que tanto llama la atención. Tambien tiene samples de algunas risas que pueden asustar o hasta gustar demasiado. De aquí se desprende el título del album y es una invitación a la locura, solo basta con escuchar la letra. Obviamente lo que se quiere marcar aquí es la condición de locura de Syd Barret y es totalmente evidente con la mítica linea "And if the band you're in starts playing different tunes, I'll see you on the dark side of the moon".
Eclipse: Un final de película, con el mismo sentido un tanto de epílogo de una obra teatral, con unos sintetizadores que desde el principio marcan el comienzo del fin. Ya cerca del final todo se une en una sola voz y acaba con cierta simpleza, pero que no le quita la genialidad de ser el cierre de una joya que todo mundo debería escuchar. DESCARGA OBLIGADA
HARMONIUM - SI ON AVAIT BESOIN D'UNE CINQUIÈME SAISON
Ésta maravilla de album llega gracias a la user @oyecomovaa, por lo que les recomiendo totalmente que si quieren descubrir música maravillosa la sigan. También les recomiendo que pasen a su post donde habla de esta banda (), la reseña les encantará, créanme, no se arrepentirán. Volviendo a Harmonium, este album es una JOYA que cualquier persona deberia tener la dicha de escuchar.
Vert: Abrimos con la primavera. Lo que recibimos primero es una flauta muy emotiva que tiene un delay que le da un cierto encanto. Es algo seria, pero pegajosa en el pequeño coro. Desde aquí se puede notar la ausencia de percusiones, las cuales en realidad no hacen falta en ningún momento, estarían de sobra. El final de la canción está compuesta por unas flautas dobles que son magistrales. El tema en sí es bastante juguetón.
Dixie: El verano ya llego. De entrada, nos enganchamos con un ritmo rápido, caricaturesco y bastante pegajoso. Recuerda muchísimo a las películas mudas de los años 20. El bajo se hace notar de buena manera. El solo de clarinete nos da ese sentimiento de estar en los años 20 o en la película de Monsters Inc. Las guitarras del final también enganchan de excelente manera. Es un tema para ponerse a chasquear los dedos y marcar el paso con palmas y pies
Depuis L'automne: El otoño llega de manera sigilosa, pero con ese mismo sentimiento de nostalgia que tanto lo caracteriza. Un tema muy bohemio sin duda, es el segundo más largo y esta bien producido. Predomina ese ambiente de nostalgia triste, te vas a imaginar a una pareja de ancianitos en un parque naranja y café por todas las hojas que el otoño bota. Se va calmando el tema para después cambiar a un tono curioso y positivo
En pleine face: El sonido del principio me recordó a china en los tiempos de los hunos (jajaja nada que ver
) y mediante avanzaba me iba recordando bastante una imagen de unos amigos en un campamento frente a una fogata recordando viejos tiempos. Se supone que es el invierno pero no se siente ese "frío" que quisiéramos que transmitiera
HISTOIRE SANS PAROLES: El título significa "Historia sin palabras" y es totalmente exacto por 2 cosas: 1.- No tiene letra. 2.- Deja sin palabras a todo mortal que lo escuche.
Si quieres saber cómo es el paraíso, tienes que escucharla. Tarda 17 minutos y juro por Dios que vale cada segundo. Sin duda está en mi top 10 de favoritos de toda la vida. ES HERMOSO, TOTALMENTE BELLO, estoy convencido de que cada persona en la tierra TIENE que escuchar esta maravilla, hace llorar tanto de la belleza de los instrumentos como del mundo al que te transporta. Si no estas convencido de todo lo que he dicho, te dejo el video, no lo escuches todo, dale solo un par de minutos para ver si te atrapa en su belleza, te aseguro que caerás.
TOTALMENTE RECOMENDABLE. En ella se incluyen todas las primeras estaciones y es muy notorio donde empieza y termina cada estación. Trataré de describirla: Comienza con unas flautas preciosas, una melodía que de verdad es de las mas bellas que he escuchado en mi puta vida. De ahí saltamos a unas guitarras magistrales y a unos sonidos que pueden sonar como a un desierto, simulando el calor del verano. Después de ello, el otoño es hermosísimo con una tonada en piano super nostálgica y una vocalización tremenda, que desprende tristeza y un sentimiento de recuerdo. El invierno tiene un clarinete bastante acertado que suena como con un tono de misterio. Para finalizar, tenemos un vals con las flautas del principio más rápidas. En resumen, escúchenla, no se arrepentirán, y saquen sus propias conclusiones. Advertidos están de que deben sacar pañuelo
MÄGO DE OZ - GAIA II: LA VOZ DORMIDA
Considero este album doble como el último gran trabajo de Mägo de oz, tiene algunas cosas débiles, pero de que es notable, lo es. La historia que envuelve se desprende un poco de lo que se contaba en su antecesor, así que no pierdes tanto si no has escuchado el Gaia I. El primer disco está dominado por sonidos "goticos" y los típicos singles "pop", en el segundo la variedad musical sale a relucir, agregando diferentes tipos de melodias. En general, si hay algo que me encanta de Mägo, son la manera de cómo abren y cierran sus albums. Cabe destacar que la historia se desarrolla entre el presente y la época de la santa inquisición. Ésta es descrita como una novela en la edición especial, que es un libro de pasta dura con toda la historia y letras.
DISCO 1
Volaverunt opus 666: Un intro digno de cualquier banda que sea leyenda. Los tintes góticos se sienten desde el primer segundo, van atacando más fuerte en cada sección y recuerda muchísimo a musica épica de peliculas como Piratas del caribe o Harry Potter. La historia comienza con un encuentro misterioso entre Francisco de Goya y el mismísimo Ludwig Van Beethoven. Ellos platican ( ) acerca de "La voz dormida", un ente misterioso que debía ser liberado antes de que ellos murieran. Decidieron encriptar el mensaje en espera de un alma pura e incorrupta, Goya haciendolo en su capricho "Volaverunt" y Beethoven en su Sinfonía en Re Menor N° 9, con la frase "Missit me dominus" (El señor me ha enviado).
) acerca de "La voz dormida", un ente misterioso que debía ser liberado antes de que ellos murieran. Decidieron encriptar el mensaje en espera de un alma pura e incorrupta, Goya haciendolo en su capricho "Volaverunt" y Beethoven en su Sinfonía en Re Menor N° 9, con la frase "Missit me dominus" (El señor me ha enviado).
"Se supone que aquí hay un símbolo oculto"
La voz dormida: La explosión musical es impresionante, con un tema feliz y rápido, en el cual la flauta y el violín hacen un juego muy agradable. Es muy pegajosa y los solos son buenísimos. La historia llega al presente: En la universidad de Toledo (España) está una exposición de caprichos de Goya. Hasta ahí llega un niño con síndrome de down llamado Nacho, quien es amante de las artes y de su Ipod, donde guardaba música clásica. Al llegar al capricho volaverunt, él esta escuchando la sinfonía N° 9 de Beethoven y... bueno ya imaginarán lo que sucede, se desata el caos. Los rasgos del síndrome de down desaparecieron y su piel fue tornándose tersa y luminosa. La impresión no termina ahí, pues él se hace llamar "La Voz Dormida" y hace una profecía: "Hoy vuestro Papa Juan Pablo II morirá a las 21:37 horas". Terminada esta frase, se derrumba y vuelve a su estado normal.
Hazme un sitio entre tu piel: "Pop", eso y un mensaje acerca de la tolerancia hacia las personas con síndrome de down o cualquier otra enfermedad. Es realmente una canción pegajosa. Nacho es llevado a un hospital, donde es asegurado con la máxima seguridad. Rafael Haro, un inspector de la CIA, había estado a cargo de la investigación de un hecho ligado a éste en Atlanta. Él llega por un llamado hasta la habitación de Nacho, quien estaba transformado. Enseguida, le cuenta su forma de ver la vida, de cómo pide que no lo discriminen por tener esa condición.
El poema de la lluvia triste: Un intro excelente, con una vocalización de ópera que te parte los oídos con la potencia de la voz de una mujer. La estructura del tema es muy bueno, pues combina partes potentes con repentinos oasis de calma. Comienza Nacho a contar una historia de hace más de 500 años: una inca llamada Azaak, es capturada y llevada a una celda por los españoles, donde le hace compañía una judía llamada Sara, acusada de tener tratos con el diablo. Para calmar a la judía, Azaak le cuenta una historia de su pueblo.
El callejón del infierno: El único instrumental. Tiene muchos matices e influencias del prog y del folk. Tiene solos bastante buenos y una estructura que no se repite, es bastante notable el tema. Después de la historia de Azaak, es turno de Sara para contar su historia. Ella fue hecha prisionera porque fue inculpada de un incendio en la casa de una hechicera, a la cual fue a ver, y de la nada ocurrió el fatal incendio. Desde entonces ese lugar es conocido como "El callejón del infierno".
El paseo de los tristes: Notable entrada con un órgano de iglesia excelente, el fantasma de la ópera llega a mi mente (?). Es un tema algo simple en cuanto a la composición, pero no pierde su estilo gótico/metalero (bueno, lo que hemos escuchado anteriormente). Sara le sigue contando historias a Azaak, en esta ocasión es la de un paseo que guarda una leyenda de amor, la de una mujer cristiana que se enamoró de un musulmán, que al final fue ejecutado por ser diferente.
La posada de los muertos: Otro sencillo "pop", pero más curioso y agradable, no está tan endulzado. La melodía aparece en boca de Sara, quien la tarareaba mientras Azaak dormía. Cuenta la leyenda de un bar en los muros de toledo, donde quien estuviera triste y decaido, era víctima de la aparición de los muertos para cantar esta canción.
Desde mi cielo: Seguro que muchos la conocen, es la JOYA del disco. Recuerdo que la primera vez que la escuche lloré al final. No tiene rima, pero sin duda eso no importa, porque tiene una letra sumamente hermosa, que cualquiera podrá sentir hasta el fondo del corazón. Está mas centrada hacia alguien que haya perdido a un ser querido, es lo que ésa persona que nos ha dejado seguramente nos diría, que no estemos tristes, que sigamos con nuestra vida a pesar de la pérdida. Un piano hermoso es lo que lo hace tremendamente triste. Después de que entra la banda, agarra un sentido de potencia, de dolor. Lo que mata a todo el que la escucha es el final, una frase que resume toda la canción y que sin ella la canción no sería una maravilla. La canción es una carta que le enviaron a Sara por su amor, quien sabía que iba a morir. Sin duda una canción que llega al corazón y es obligatoria para escuchar. También está en mi top de canciones favoritas de todos los tiempos.
Hazme un sitio entre tu piel: "Pop", eso y un mensaje acerca de la tolerancia hacia las personas con síndrome de down o cualquier otra enfermedad. Es realmente una canción pegajosa. Nacho es llevado a un hospital, donde es asegurado con la máxima seguridad. Rafael Haro, un inspector de la CIA, había estado a cargo de la investigación de un hecho ligado a éste en Atlanta. Él llega por un llamado hasta la habitación de Nacho, quien estaba transformado. Enseguida, le cuenta su forma de ver la vida, de cómo pide que no lo discriminen por tener esa condición.
El poema de la lluvia triste: Un intro excelente, con una vocalización de ópera que te parte los oídos con la potencia de la voz de una mujer. La estructura del tema es muy bueno, pues combina partes potentes con repentinos oasis de calma. Comienza Nacho a contar una historia de hace más de 500 años: una inca llamada Azaak, es capturada y llevada a una celda por los españoles, donde le hace compañía una judía llamada Sara, acusada de tener tratos con el diablo. Para calmar a la judía, Azaak le cuenta una historia de su pueblo.
El callejón del infierno: El único instrumental. Tiene muchos matices e influencias del prog y del folk. Tiene solos bastante buenos y una estructura que no se repite, es bastante notable el tema. Después de la historia de Azaak, es turno de Sara para contar su historia. Ella fue hecha prisionera porque fue inculpada de un incendio en la casa de una hechicera, a la cual fue a ver, y de la nada ocurrió el fatal incendio. Desde entonces ese lugar es conocido como "El callejón del infierno".
El paseo de los tristes: Notable entrada con un órgano de iglesia excelente, el fantasma de la ópera llega a mi mente (?). Es un tema algo simple en cuanto a la composición, pero no pierde su estilo gótico/metalero (bueno, lo que hemos escuchado anteriormente). Sara le sigue contando historias a Azaak, en esta ocasión es la de un paseo que guarda una leyenda de amor, la de una mujer cristiana que se enamoró de un musulmán, que al final fue ejecutado por ser diferente.
La posada de los muertos: Otro sencillo "pop", pero más curioso y agradable, no está tan endulzado. La melodía aparece en boca de Sara, quien la tarareaba mientras Azaak dormía. Cuenta la leyenda de un bar en los muros de toledo, donde quien estuviera triste y decaido, era víctima de la aparición de los muertos para cantar esta canción.
Desde mi cielo: Seguro que muchos la conocen, es la JOYA del disco. Recuerdo que la primera vez que la escuche lloré al final. No tiene rima, pero sin duda eso no importa, porque tiene una letra sumamente hermosa, que cualquiera podrá sentir hasta el fondo del corazón. Está mas centrada hacia alguien que haya perdido a un ser querido, es lo que ésa persona que nos ha dejado seguramente nos diría, que no estemos tristes, que sigamos con nuestra vida a pesar de la pérdida. Un piano hermoso es lo que lo hace tremendamente triste. Después de que entra la banda, agarra un sentido de potencia, de dolor. Lo que mata a todo el que la escucha es el final, una frase que resume toda la canción y que sin ella la canción no sería una maravilla. La canción es una carta que le enviaron a Sara por su amor, quien sabía que iba a morir. Sin duda una canción que llega al corazón y es obligatoria para escuchar. También está en mi top de canciones favoritas de todos los tiempos.
"Yo nunca te olvidaré"
En nombre de Dios: Te lo dejo fácil: es un cover de "Gates of babylon" de Rainbow, con la letra cambiada a un tema totalmente en contra de la iglesia y de sus mandatarios que guardan muchos secretos. Sara le cuenta a Azaak que, contrario a lo que pensaba, los miembros de la iglesia torturaban y saciaban sus deseos sexuales con las prisioneras que fueran bisexuales u homosexuales.
DISCO 2
Íncubos y súcubos: Es un intro de 30 segundos que suena como una cajita musical, muy curiosa melodía. Da paso a la siguiente canción.
Las cajitas musicales son la base de la melodía"
Diabulus in música: El primer sencillo desprendido del segundo disco, con un sonido obscuro y una estructura de cualquier canción estándar. Siguen las leyendas entre las prisioneras, esta vez el del acorde del diablo, el "Diabulus in música", que al ser tocado pondrá en marcha a Satanás.
Mañana empieza hoy: Otro cover, esta vez de la canción "Hymn" de "Ultravox". La letra es muy positiva, aunque tiene partes que se notan tontas ("Cuando llora el corazón se llena de mocos el valor... suénatelos), pero aun así conserva un ambiente que levanta ánimos para seguir adelante. Es un lema que le dice Azaak a Juanillo, un carcelero que les hacía compañía y que se sentía muy solo.
El príncipe de la dulce pena: Eh, tío! Que ahora le toca bailar flamenco. En realidad es un poema creado por el baterista y principal letrista Txus. El narrador es el mismísimo Lucifer, el príncipe de la dulce pena.
Mañana empieza hoy: Otro cover, esta vez de la canción "Hymn" de "Ultravox". La letra es muy positiva, aunque tiene partes que se notan tontas ("Cuando llora el corazón se llena de mocos el valor... suénatelos), pero aun así conserva un ambiente que levanta ánimos para seguir adelante. Es un lema que le dice Azaak a Juanillo, un carcelero que les hacía compañía y que se sentía muy solo.
El príncipe de la dulce pena: Eh, tío! Que ahora le toca bailar flamenco.
En realidad es un poema creado por el baterista y principal letrista Txus. El narrador es el mismísimo Lucifer, el príncipe de la dulce pena.
"Soy también conocido como el príncipe de la dulce pena"
Aquelarre: Una canción muy pulida con un estilo árabe. El puente tiene solo de guitarra acústica que le da un sabor diferente al disco, un mejor sabor que el flamenco anterior. Las historias siguen saliendo y este fue la historia de otra prisionera que se encontraba en la celda de frente en donde están Azaak y Sara. El carcelero cuenta lo que escucho de esa bruja, la descripción de una misa negra, una orgía presidida por Lucifer.
Hoy toca ser felíz: Una de las canciones más alegres y positivas de la banda. Te sube los ánimos a full. La flauta y el violín le dan la gracia y e chiste a la canción. La historia de ésta canción se sale de la trama, pues cuenta acerca de una princesita inca y de su padre, que la calmaba con esta canción.
Creo (La voz dormida pt. 2): El reprise que no podía faltar. Es una versión más suave y sentimental que implementa gaitas y un sonido celta en general. El giro en la trama se siente forzado, pues éste es un credo dicho por Azaak a los inquisidores en plena tortura con la pera vaginal. El puente entre lo que pasaba en la celda y las leyendas se rompe para pasar de lleno a lo que al final tenía que pasar.
La cantata del diablo (missit me dominus): Llegamos a la conclusión de la historia, relatada entéramente en la letra. Es la canción más larga en la historia de Mägo, con una duración exacta de 21:11 minutos. Tiene muchos giros, comenzando con compases lentos, luego con ritmos rápido de doble bombo, calmándose a un sonido atmosférico, que de nuevo es roto por la base de la canción y la excelente sección de solos, que al final combina 3 guitarras en el mejor solo de Mägo. Para terminar y sentenciar la canción, es recitado "El salmo de los desheredados", una crítica directa a Dios y a la religión. Sin duda, para mí es una de las mejores canciones de Mägo, sino es que la mejor.
El final de Azaak termina de forma tenebrosa para los presentes en su sentencia a la hoguera. Mientras se esta quemando, su rostro comienza a transformarse obteniendo las características de una persona con síndrome de down, jurando que se vengaría de la iglesia. Así termina la historia de Azaak, contada por nacho, y también la existencia de éste, pues cuando acaba de recitar el Salmo de los Desheredados muere, recobrando sus rasgos del síndrome. Al mismo tiempo que Nacho muere, también Juan Pablo II lo hace. En sus aposentos fue descubierto por su secretario, quien vio como claramente el cadáver tenia rasgos de Síndrome de down, que había una moneda con el símbolo guardado por goya y que en un espejo estaba escrito con carmín "El señor me ha enviado. Missit me Dominus. Gaia"
Hoy toca ser felíz: Una de las canciones más alegres y positivas de la banda. Te sube los ánimos a full. La flauta y el violín le dan la gracia y e chiste a la canción. La historia de ésta canción se sale de la trama, pues cuenta acerca de una princesita inca y de su padre, que la calmaba con esta canción.
Creo (La voz dormida pt. 2): El reprise que no podía faltar. Es una versión más suave y sentimental que implementa gaitas y un sonido celta en general. El giro en la trama se siente forzado, pues éste es un credo dicho por Azaak a los inquisidores en plena tortura con la pera vaginal. El puente entre lo que pasaba en la celda y las leyendas se rompe para pasar de lleno a lo que al final tenía que pasar.
La cantata del diablo (missit me dominus): Llegamos a la conclusión de la historia, relatada entéramente en la letra. Es la canción más larga en la historia de Mägo, con una duración exacta de 21:11 minutos. Tiene muchos giros, comenzando con compases lentos, luego con ritmos rápido de doble bombo, calmándose a un sonido atmosférico, que de nuevo es roto por la base de la canción y la excelente sección de solos, que al final combina 3 guitarras en el mejor solo de Mägo. Para terminar y sentenciar la canción, es recitado "El salmo de los desheredados", una crítica directa a Dios y a la religión. Sin duda, para mí es una de las mejores canciones de Mägo, sino es que la mejor.
El final de Azaak termina de forma tenebrosa para los presentes en su sentencia a la hoguera. Mientras se esta quemando, su rostro comienza a transformarse obteniendo las características de una persona con síndrome de down, jurando que se vengaría de la iglesia. Así termina la historia de Azaak, contada por nacho, y también la existencia de éste, pues cuando acaba de recitar el Salmo de los Desheredados muere, recobrando sus rasgos del síndrome. Al mismo tiempo que Nacho muere, también Juan Pablo II lo hace. En sus aposentos fue descubierto por su secretario, quien vio como claramente el cadáver tenia rasgos de Síndrome de down, que había una moneda con el símbolo guardado por goya y que en un espejo estaba escrito con carmín "El señor me ha enviado. Missit me Dominus. Gaia"
"Así acababan muchos en la inquisición"
MY CHEMICAL ROMANCE - THE BLACK PARADE
El último disco del post y mi favorito personal. Conservaré este disco hasta la muerte, pues me marcó en la adolescencia. De hecho fue lanzado el 24 de octubre de 2006, en mi cumple 14 . Muchos etiquetan a esta banda como "Emo", lo que en realidad ha sido desmentido por los mismos miembros de la banda. Este es el tercer album de estudio en su carrera y es el último conceptual concebido como tal, hasta este momento todos sus discos fueron conceptuales. El concepto que encierra es la vida y muerte de "El Paciente", un personaje de los años de la primera guerra mundial que sufre por amor, por el cáncer y por el hecho de que todo esto le pasa a una corta edad.
The End.: La presentación del album. Comienza con el sonido de una maquina de hospital que dura poco, dejando paso a una guitarra acustica. La canción en sí tiene ese ambiente de presentación de óperas rock característico. Es una introducción al mundo del desfile negro, marcando que lo que van a escuchar no es My chemical romance, sino su alter ego "The Black Parade".
Dead!: El ritmo es bastante pegajoso, de rock n' roll, con unas guitarras muy buenas. La historia del paciente comienza con la noticia de que le quedan 2 semanas de vida aproximadamente, algo que a cualquiera impactaría de mil formas y el final de la canción refleja el estado de shock, haciendose la pregunta "Si la vida no es un chiste, ¿por qué nos estamos riendo?.
This is how i disappear: Siento el inicio de la canción como una segunda apertura al disco, seguramente por que se habla de cómo el paciente toma la noticia inesperada. Es un tema de rock básico con un puente que está mejor que el coro. En esta parte, el paciente al recibir la noticia comienza a lamentarse y a darse cuenta de que ahora estará solo por siempre y de que no habrá muchas personas que lamenten su partida, entre ellos su ex-amor.
The Sharpest Lives: La melodía es parecida a la anterior, con un ambiente más rockero y duro. Los recuerdos del paciente llegan hasta el punto de su vida donde era esclavo de las drogas, que lo dejaba totalmente desgastado. También recuerda que la única persona que lo ayudaba a superar esa etapa era su amada. Está basada en la etapa de drogadicción del cantante Gerard Way.
Welcome to the Black Parade: La joya y el centro de la historia. Creo que es la más conocida de ellos, compitiendo con "I Don't Love You". Es el himno de la banda, la idea central. Tiene una estructura muy bien lograda, con un coro muy positivo y un puente que se supera mientras avanza, para terminar con el coro con más potencia y explosividad. Sin duda una de las mejores canciones en su haber. El paciente se encuentra al borde de la muerte y, según la historia, la muerte siempre llega con el recuerdo más fuerte que hayas tenido. Él recuerda que varios de los momentos más felices eran de su infancia, cuando su padre lo llevaba a ver desfiles. Su padre siempre le decía que tenía que estar preparado para enfrentar diversos enemigos y que debía crecer como un ejemplo para los demás. Con esto podemos darnos cuenta que el padre ya sabía que su hijo tendría esa enfermedad y lo estaba preparando en cierta forma. Los asistentes al desfile tratan de calmar al paciente, diciéndole que su recuerdo seguirá en el mundo de los vivos. El video muestra esta historia, cómo el paciente ve la muerte: Como el desfile negro.
. Muchos etiquetan a esta banda como "Emo", lo que en realidad ha sido desmentido por los mismos miembros de la banda. Este es el tercer album de estudio en su carrera y es el último conceptual concebido como tal, hasta este momento todos sus discos fueron conceptuales. El concepto que encierra es la vida y muerte de "El Paciente", un personaje de los años de la primera guerra mundial que sufre por amor, por el cáncer y por el hecho de que todo esto le pasa a una corta edad.
The End.: La presentación del album. Comienza con el sonido de una maquina de hospital que dura poco, dejando paso a una guitarra acustica. La canción en sí tiene ese ambiente de presentación de óperas rock característico. Es una introducción al mundo del desfile negro, marcando que lo que van a escuchar no es My chemical romance, sino su alter ego "The Black Parade".
Dead!: El ritmo es bastante pegajoso, de rock n' roll, con unas guitarras muy buenas. La historia del paciente comienza con la noticia de que le quedan 2 semanas de vida aproximadamente, algo que a cualquiera impactaría de mil formas y el final de la canción refleja el estado de shock, haciendose la pregunta "Si la vida no es un chiste, ¿por qué nos estamos riendo?.
This is how i disappear: Siento el inicio de la canción como una segunda apertura al disco, seguramente por que se habla de cómo el paciente toma la noticia inesperada. Es un tema de rock básico con un puente que está mejor que el coro. En esta parte, el paciente al recibir la noticia comienza a lamentarse y a darse cuenta de que ahora estará solo por siempre y de que no habrá muchas personas que lamenten su partida, entre ellos su ex-amor.
The Sharpest Lives: La melodía es parecida a la anterior, con un ambiente más rockero y duro. Los recuerdos del paciente llegan hasta el punto de su vida donde era esclavo de las drogas, que lo dejaba totalmente desgastado. También recuerda que la única persona que lo ayudaba a superar esa etapa era su amada. Está basada en la etapa de drogadicción del cantante Gerard Way.
Welcome to the Black Parade: La joya y el centro de la historia. Creo que es la más conocida de ellos, compitiendo con "I Don't Love You". Es el himno de la banda, la idea central. Tiene una estructura muy bien lograda, con un coro muy positivo y un puente que se supera mientras avanza, para terminar con el coro con más potencia y explosividad. Sin duda una de las mejores canciones en su haber. El paciente se encuentra al borde de la muerte y, según la historia, la muerte siempre llega con el recuerdo más fuerte que hayas tenido. Él recuerda que varios de los momentos más felices eran de su infancia, cuando su padre lo llevaba a ver desfiles. Su padre siempre le decía que tenía que estar preparado para enfrentar diversos enemigos y que debía crecer como un ejemplo para los demás. Con esto podemos darnos cuenta que el padre ya sabía que su hijo tendría esa enfermedad y lo estaba preparando en cierta forma. Los asistentes al desfile tratan de calmar al paciente, diciéndole que su recuerdo seguirá en el mundo de los vivos. El video muestra esta historia, cómo el paciente ve la muerte: Como el desfile negro.
"The black parade. Representación incluida en el album."
I don't love you: "Emo" es la palabra que siempre estará ligada a esta canción en especial. Es una balada fuerte y cruda, con un odio y desprecio que se siente en la atmósfera. Es la perfecta canción para un rompimiento que no fue sano y en donde queda mucho rencor y dolor. Es lo que recuerda el paciente, la relación con su amada y de cómo se fue desmoronando debido a peleas y malas actitudes. Le reprocha que era una buena para nada y siempre se preguntaba si, al momento de irse, ella iba a tener la "gentileza" de decirle que no lo amaba. Es tal vez, una de las reacciones que atrae el tratamiento del cáncer, el cansancio y la furia que todo le causa.
House of wolves: Ésta es de las que te ponen a bailar al ritmo del rock n' roll de los 50's con un aire moderno. El solo del final muestra el pedazo de guitarrista que es Ray Toro. En la condición mencionada antes del paciente, de odio y miedo a morir, el entra en confusión al recordar lo que la gente siempre le decía, pues con todos sus recuerdos comienza a pensar en la posibilidad de que se irá al infierno. La confusión y depresión le hacen entrar en la indecisión de si quiere que la gente lo reconforte para sentirse mejor o si quiere que le digan la verdad, que fue un hombre malo.
Cancer: Uff ¿Por donde empiezo? El punto central y emocional de todo el disco está en esta canción. Es la que marca un antes y un después. La letra refleja el sufrimiento del paciente y de cualquier persona que esté sufriendo esta enfermedad, es cruda y directa. Personalmente es mi favorita de My Chemical Romance, pues me tocó vivirlo con mi madre, a ella hace más de 6 o 7 años le diagnosticaron este mal y fue un duro proceso que todos sufrimos y superamos juntos. Ahora, con 42 años, mi madre es un ejemplo de fuerza y valentía.
Regresando a la historia, el paciente ahora torna el odio en tristeza y se arrepiente del arranque de rencor que tuvo con su amada, diciendo que la parte más fuerte de todo es dejarla.
House of wolves: Ésta es de las que te ponen a bailar al ritmo del rock n' roll de los 50's con un aire moderno. El solo del final muestra el pedazo de guitarrista que es Ray Toro. En la condición mencionada antes del paciente, de odio y miedo a morir, el entra en confusión al recordar lo que la gente siempre le decía, pues con todos sus recuerdos comienza a pensar en la posibilidad de que se irá al infierno. La confusión y depresión le hacen entrar en la indecisión de si quiere que la gente lo reconforte para sentirse mejor o si quiere que le digan la verdad, que fue un hombre malo.
Cancer: Uff ¿Por donde empiezo? El punto central y emocional de todo el disco está en esta canción. Es la que marca un antes y un después. La letra refleja el sufrimiento del paciente y de cualquier persona que esté sufriendo esta enfermedad, es cruda y directa. Personalmente es mi favorita de My Chemical Romance, pues me tocó vivirlo con mi madre, a ella hace más de 6 o 7 años le diagnosticaron este mal y fue un duro proceso que todos sufrimos y superamos juntos. Ahora, con 42 años, mi madre es un ejemplo de fuerza y valentía.
Regresando a la historia, el paciente ahora torna el odio en tristeza y se arrepiente del arranque de rencor que tuvo con su amada, diciendo que la parte más fuerte de todo es dejarla.
Mama: La singularidad de esta canción hace verla como un campo de batalla en México. Comienza con unas guitarras acústicas para dar paso a un ritmo curioso de batería. La fuerza se hace presente en el coro y en el puente, que suena como si fueran los gritos y el terror que la guerra infunde. Los recuerdos del paciente se van a su participación en la "Gran Guerra". Él le escribe a su madre para que no se preocupe, le cuenta los horrores que ha visto y hecho y que siente que no merece de nuevo su amor. Como dato adicional, Liza Minelli hace la voz de la madre.
Sleep: Es una canción que comienza a dar el fin del album. Los primeros y últimos minutos están dominados por unos samples de unas frases grabadas por Gerard Way, acerca de unos sueños extraños que tenía en la grabación del album. La canción en sí se oye como uno de esos himnos o canciones de los 80's, como al estilo Queen. La historia otra vez llega a un recuerdo de la amada del paciente en una forma muy cruda. Él ve las cosas malas que le ha hecho, a pesar de que ella se preocupaba demasiado por el. No tiene un sentimiento de empatía, pues no se explica cómo ella puede llorar por el si han pasado por cosas muy horribles, afirmando que no se arrepiente de esas cosas que le hizo, aunque reconoce que se comportó como un monstruo con ella. Al final le deja en claro que jamás regresarán, que cierre los ojos y duerma (metafóricamente, que se despida de él).
Teenagers: Esta canción se sale un poco del molde, pues no parece tener una relación con la historia del paciente. Sin embargo, es un tema que describe a los adolescentes desde el punto de vista de un adulto, ya saben, como si fueran vagos, que no tienen futuro, pero con un enfoque diferente, como de temor hacia ellos.
Sleep: Es una canción que comienza a dar el fin del album. Los primeros y últimos minutos están dominados por unos samples de unas frases grabadas por Gerard Way, acerca de unos sueños extraños que tenía en la grabación del album. La canción en sí se oye como uno de esos himnos o canciones de los 80's, como al estilo Queen. La historia otra vez llega a un recuerdo de la amada del paciente en una forma muy cruda. Él ve las cosas malas que le ha hecho, a pesar de que ella se preocupaba demasiado por el. No tiene un sentimiento de empatía, pues no se explica cómo ella puede llorar por el si han pasado por cosas muy horribles, afirmando que no se arrepiente de esas cosas que le hizo, aunque reconoce que se comportó como un monstruo con ella. Al final le deja en claro que jamás regresarán, que cierre los ojos y duerma (metafóricamente, que se despida de él).
Teenagers: Esta canción se sale un poco del molde, pues no parece tener una relación con la historia del paciente. Sin embargo, es un tema que describe a los adolescentes desde el punto de vista de un adulto, ya saben, como si fueran vagos, que no tienen futuro, pero con un enfoque diferente, como de temor hacia ellos.
"Tengo 20, se que aun salgo de la adolescencia pero pues a partir de esta edad es cuando empezamos a ver a los adolescentes como en la canción"
Disenchanted: Es una balada con un sentimiento de nostalgia. Aquí el paciente se encuentra reflexionando acerca de toda su vida en general. Se encuentra molesto consigo mismo, pues no fue alguien que se preocupara por hacer algo en su vida, solo hacía lo que quería, cometía muchos errores y tenia una vida vacía. Tiene la visión de que vivió sólo para esperar la estadía en un hospital en sus últimos días.
Famous last word:
Famous last words es el final del album The Black Parade. En él, reflejan la duda de si el paciente, ya con la reflexión de su vida, muere o si de verdad sigue viviendo, pues en el final se repite varias veces la frase "Cuz' i see you lying next to me, with words i thought i never speak, awake and unafraid, asleep or dead"[/align] Famous last word: