Guitarristas de Jazz
Luis Salinas
Guitarrista argentino que puede tocar cualquier estilo con la misma calidad.
Nació en Argentina, Monte Grande, ciudad muy cercana a Buenos Aires. La influencia de su padre y de su padrastro, ambos músicos, lo animaron a tocar la guitarra desde edad muy temprana. La ductilidad del guitarrista y el músico se combinan logrando una fusión impecable, se trata de un virtuosismo musical no meramente técnico.
Podría decirse que es un músico libre. Transita sin ataduras por distintos estilos. Acerca de su arte George Benson señala: " Es uno de mis guitarristas favoritos ... " Chick Corea habla de él como "Uno de los grandes músicos argentinos". Scott Henderson afirma "Es increíble. Será sin duda un héroe de la guitarra". O las palabras de Badem Powel "Es un guitarrista loco y genial". Esta versatilidad ha logrado que músicos como B.B.King y Hermeto Pascoal lo hayan invitado a compartir su escenario.
Es compositor de la mayoría de los temas que toca en sus conciertos y discos. Salinas innova en la música argentina. Compartió experiencias con auténticos ídolos del folklore y del tango, como Adolfo Ábalos y Horacio Salgan. Se da el lujo de tocar un zamba con Jaime Torres o grabar un disco de tango con María Graña.
Músico autodidacta. No estudió en ningún conservatorio. Improvisador nato con una original capacidad interpretativa dice: "Todo tenemos una condición natural para algo. No es lo que te gusta sino lo que podés hacer. El resto es trabajar. No pretendo ser mejor que alguien. Quiero ser el mejor Salinas posible. Mi música más que nada tiene que ser fluída y sincera, si uno no se emociona, el público tampoco.
Frank Gambale
El australiano es un hombre admirable no sólo como un intérprete y compositor, también como profesor. Muchos son los intérpretes que han progresado gracias a sus consejos e inspiración.
Nacido en Canberra en 1959, Frank Gambale empezó tocando a los siete años, influenciado inicialmente por artistas como Hendrix y Clapton, tomando luego una dirección más jazz con Chick Corea y Steely Dan. En 1982 se desplazó a EE.UU., estudiando en el Hollywood’s Guitar Institute of Technology, graduándose como Estudiante del Año y ofreciéndose para el puesto de profesor donde estuvo durante cuatro años. Durante este tiempo publicó su primer libro Speed Picking. Los primeros vídeos de Frank, una serie de tres, aparecieron en 1987.
El anterior año vio como se afianzaba un contrato para tres discos así como una gira con Jean-Luc Ponty, que rápidamente le llevó a estar durante seis años con uno de sus héroes, Chick Corea. De los cinco discos grabados con Corea, uno ganó un Grammy y otros dos fueron nominados. 1990 supuso el reconocimiento internacional de Gambale como solista con el disco Thunder From Down Under, que copó las listas de jazz japonesas, acompañado por sus tres álbumes anteriores, todos dentro del top 10.
Dos años después, Frank finalmente se aventuró a salir, y ha estado desde entonces grabando y de gira con su grupo, dirigiendo también numerosos seminarios y masterclass en todo el mundo. En 1996 estaba a la cabeza del Departamento de Guitarra de la nueva Los Angeles Music Academy, donde escribió el programa principal de estudios, y continúa ejerciendo como profesor cuando está en la ciudad.
Aparte de formar recientemente su propia compañía, Wombat Records, y firmar un contrato con la Favoured Nations de Steve Vai, Gambale permanece muy ocupado con los proyectos de colaboración. Ha contribuido con el grupo Vital Information durante más de 13 años, y ha lanzado tres grabaciones con el bajista Stu Hamm y el batería Steve Smith. Uno de los grandes proyectos del 2002 fue un DVD en directo -Concert With Class- que no sólo muestra a los espectadores un concierto de 90 minutos, al mismo tiempo les ofrece material educativo relacionado con la actuación. El otoño planea una gira con la Elektric Band de Chick Corea en celebración del 60 cumpleaños de Corea, donde aparte de Gambale también estarán otros artistas Yamaha como el bajista John Patitucci y el batería Dave Weckl.
Guitarristas de Blues y Country
B.B. King
El guitarrista que popularizo el blues e influenció a casi todos los guitarristas eléctricos que le siguieron
B.B. King es uno de los guitarristas mas populares de todos los tiempos y una leyenda viva del blues. Considerado por muchos como el Rey del blues, es el mejor embajador en todo el mundo y ha sido de los que mas han trabajado para popularizarlo. Ha influenciado practicamente a todos los guitarristas de blues y rock que le han sucedido, debido a que su estilo es el ABC de la guitarra solista, espléndido resumen de las técnicas básicas para los solos.
Su humilde y elegante estilo, mezcla de gospel, jazz y blues del Delta, es un compendio perfecto entre expresión ritmica y sintesis melódica. Con tan solo cuatro o cinco notas colocadas en el lugar preciso es capaz de decirlo todo.
Esto, unido a un excelente control de bendings y prebendings a diferentes intervalos y a una técnica de vibrato, que involucra todo el antebrazo, constituye una firma sonora muy imitada pero nunca superada. Se centra en la pentatónica (aunque a menudo añade alguna nota fuera de la escala para dar un toque mas jazzero) en una posición del mástil y exprime cada una de las notas, consiguiendo que todas ellas adquieran un significado. Prefiere la expresividad a la rapidez, dando un caracter vocal a su fraseo.
Debuta discográficamente en 1951 con el tema 3 O'Clock Blues y obtiene tal exito que pasa directamente de Menphis a los grandes escenarios de Nueva York. Su imagen no se puede disociar de su adorada Gibson ES-355, la mitica Lucille. En realidad, Lucille no es unica, pues posee varias ES-355 idénticas, todas con el mismo nombre.
De su discografía destacan temas como Lucille, The Thrill is gone o Caldonia. Su media anual casi nunca ha bajado de los doscientos conciertos y en una carrera de cincuenta años ha lanzado al mercado mas de cincuenta albunes. Todavía mantien una actividad mas que envidiable, grabando discos junto a discipulos tan ilustres como los Rolling Stones, Van Morrison, David Gilmour o Eric Clapton y realiazndo giras por todo el mundo.
B.B. King utiliza un dibujo básico para sus solos, se basa en la pentatónica y agrega otras notas. En el "diagrama de blues de B.B. King" el trata de exprimir al maximo las notas realizando un fraseo incomparable y no fijandose tanto en la velocidad.
Stevie Ray Vaughan
El Guitarrista que cambió la definición del Blues Eléctrico para siempre.
Uno de los grandes guitarristas de todos los tiempos, y uno de los grandes maestros (sino es que el mejor) del Blues que pueda haber existido, Stevie Ray Vaughan. Este Texano sin lugar a dudas llego a el corazon de millones de personas con su musica, con su pasion y con esa intensidad con la que tocaba la guitarra. Era increible como atraia a la gente con su poderoso Blues lleno de sentimiento que hacia que quedaran inevitablemente rendidos a sus pies. Algo tenia Stevie (y sigue teniendo!) que hacia que todo aquel que escuchara su musica quedara totalmente prendido de ella para siempre, desafortunadamente cuando su estrella apenas empezaba a brillar, el destino se lo llevo en un lamentable accidente aereo y a la edad de 36 años el 27 de agosto de 1990, dejo de estar entre nosotros.
Cuando el mundo perdio a Vaughan, no solo perdio a un increible musico, tambien a una increible persona. Realmente es admirable la forma en que entrego su corazon y alma en su musica y tambien por la forma en que se sobrepuso y vencio su adiccion a las drogas. Su musica simplemente es sorprendente, tiene mucho feeling que va de la mano con su virtuosismo para tocar la guitarra cosa que definitivamente te lleva a otras dimensiones, ejemplos muy claros han quedado plasmados en temas como Life Without You. No habra otra persona capaz de remplazarlo, ya que el lo dio todo a su musica y personas como el, son contadas. Su discografia oficial, es bastante extensa contando la infinidad de grabaciones no oficiales que hasta el dia de hoy siguen saliendo, para recordar y honrar la memoria de su leyenda que aun continua...
Eric Clapton
Sin duda el mejor Bluesman blanco que jamas existió. Apodado como Dios en Londres
Tras descubrir que detras del rock de los cincuenta se escondían cantos esclavos en los campos de trabajo de Estados Unidos, Eric Patrick Clapton (1945) se siente enormemente fascinado por el Blues. Su sonido limpio y cortado en The Yardbirds gusta a John Mayall que, cuando Clapton deja el grupo al considerarlos demasiado comerciales, le invita a formar parte de su banda. John Mayall's Bluesbreakers with Eric Clapton (1966) es un disco historico en el que Clapton deslunmbra por la naturalidad con la que interpreta el blues.
Sin embargo, Eric, a quien las paredes de Londres bautizan como Dios, decide formar un nuevo grupo junto a Ginker Baker y Jack Bruce. Cream revolucionea la escena musical del momento y se convierte en el primer supergrupo de la historia. Un conjunto con bases de blues y rock que desemboca en interminables improvisaciones de estilo libre. El doble disco Wheels of Fire combina jams psicodelicas, temas propios como White Room y versiones de clásicos del blues como Born under a Bag Sign o Crossroads, en el cual Clapton interpreta uno de sus solos mas laureados. El desenfreno con el que el británico toca las Gibson en Cream no ha sido jamás igualado por el mismo. En 1970 forma Derek and the Dominos y pasa a tocar la Stratocaster. Con este grupo y con Brownie, su mas preciada guitarr, graba Layla y un extraordinario doble directo en el Fillmore de Nueva York (1971). Posteriormente, las drogas atrapan a un deprimido Clapton por la muerte de Hendrix y Duana Allman, que logra resurgir gracias al Rainbow Concert, promovido por Pete Townshend. EL maestro del cuarto tono tambien a firmado bandas sonoras como El color del dinero, Homeboy o las diferentes entregas de Arma Mortal.
En 1994, tras el exito de Unplugged, Clapon publica From The Cradle, sincero homenaje a todas sus influencias en el blues. A pesar de que actualmente Clapton esta inmerso en el juego de las discográficas por vender mas y mas discos a costa de lo que sea, es probablemene el mejor solista blanco de la historia del rock y blues y el guitarrista mas popular del mundo.
Pappo
El mejor bluesman de la argentina y un reconicido artista que sento las bases del rock argentino. Idolo y amigo del rey del blues: B.B. King
Norberto "Pappo" Napolitano es la expresión mas veraz que el rock argentino haya tenido. Considerado internacionalmente como uno de los guitarristas mas brillantes, ha establecido un estilo en la musica argentina que es imposible no reconocerle.
Ya en su etapa con Los Gatos supo imprimir el sonido rockero, que dejaría atras la euforia beat. La creación de Pappo's Blues en formato de trío a la manera de Cream -el primer supergrupo de la historia-, que Pappo pudo ver visitando Inglaterra- marcaría un nuevo horizonte. Su particular forma de tocar dio pie a la aparición de agrupaciones como Pescado Rabioso, La Pesada y muchisimos otros.
Pappo's Blues fue tambien una suerte de vidriera que sirvió para que talentos como David Lebón, Black Amaya, Pomo Barros y Machi Rufino -antes de integrarse a invisible-, Isa Portugheis, Fanta Beadoux y Vitico Bereciartúa, comenzaron a ser reconocidos.
Su temperamento inquieto lo condujo a Inglaterra. Alli se convirtió en el primer guitarrista del grupo Motorhead y toco Blues con el ex Fletwood Mac Peter Green.
A lo largo de su extensa carrera ha tocado, entre otros, con Carmine Appice y Tim Bogart, Smokey WIlson, Edgar Winter, Deacon Jones y Micky Champion, Buddy Guy, Ken Bowie y el actor Bruce Willis, pero lo mas importante ha sido, sin duda, el ciclo de conciertos que compartió con su ídolo B.B. King en los Estados Unidos y junto a la banda de John Lee Hooker, con quien grabo para su album "Caso Cerrado".
Riff se ha convertido en una marca registrada durante mas de 30 años de historia y es una de las grandes bandas de metal de rock en español.
Pappo ha sido siempre el referente obligado para los músicos que continúan levantando la bandera del rock.
Botafogo
Miguel Villanova es un guitarrista de Blues argentino de reconocimiento mundial y de una larga trayectoria
Es profesor del Instituto de Música Contemporanea (ITMC), brindando clínicas, colabora con revistas especializadas y lleva escritos seis métodos de enseñanza de guitarra; Miguel Villanova nació el 7 de febrero de 1956 y a los 9 años comenzó a tocar la guitarra clásica. A los 12 tuvo su primera guitarra eléctrica y a los 17 años debutó en Pappo's Blues, donde puso los acordes para el disco "Pappo sigue vivo". El "Carpo" fue quien lo apodó Botafogo y el violero guardó el seudónimo como un regalo del "Carpo". Despues de Pappo's Blues integró Engranaje, Avalancha, Tren Plateado, Carolina y Studebaker.
Entre 1977 y 1984 se radicó enn Madrid. En España formó parte de Cucharada y tocó junto a Joaquín Sabina, Antonio Flores, El Mariscal Romero y Pappo.
A su vuelta en 1985 forma Durazno de Gala, junto a sus ex compañeros de Studebaker "Yalo" Lopéz y Daniel Demaría. Con el grupo grabó seis discos y tuvo el honor de abrir las presentaciones de B.B. King en 1991. En 1992 participó en el Rhythm & Blues Festival de Chicago. En 1995 edita su disco solista llamado "Trío".
Guitarristas de Rock
Jimi Hendrix
No existe guitarrista eléctrico sobre la tierra que no haya sido influenciado por Hendrix. Simplemente el mejor.
Jimi Hendrix, guitarrista y cantante, fue la individualidad mas prodigiosa y original de la escena del Rock y del Rhythm & Blues. Era zurdo, pero curiosamente usaba guitarras normales con las cuerdas preparadas para los diestros colocadas en sentido contrario.
Nació el 27 de Noviembre de 1942 en Seattle, en el estado de Washington. Su padre se llamaba James Allen Hendrix y su madre era una india Cherokee. En el registro civil fue inscrito como Jhonny Allen Hendrix, pero posteriormente su padre cambió su nombre por el de James Marshall Hendrix y, desde luego, Jimmi como diminutivo, aunque él adoptaría la grafía Jimi en 1966 cuando fundó en Londres el conjunto "The Jimi Hendrix Experience".
A los 11 años de edad aprendió a tocar la guitarra bajo la influencia de los discos de Robert Johnson y B.B. King a quienes idolatraba. Entre 1960 1961 sirvió en el ejercito Norteamericano en un batallón de paracaidistas, y en 1962 fue liberado a causa de una invalidez temporal, entonces decidió establecerse en Nashville y junto con Billy Cox, antiguo compañero del servicio militar, formó el trío "The Casuals", que realizó diversas actuaciones y logró un relativo éxito en la zona.
Precisamente debido a este éxito inicial, llamaron a Hendrix para incorporarse a la banda del célebre Little Richard, con el cual recorrió Estados Unidos durante casi dos años y de quien aprendió mucho. Alternativamente, realizó varias actuaciones durante un breve período como guitarrista en las Bandas de Wilson Pickett, Isley Brothers, Solomon Burke y otros, incluyendo tambien el pintoresco grupo del conocido campeón de lucha libre Georgeous George, que dejo el ring para liderar, como cantante, una Banda de Rock & Roll. En aquella época, Jimi Hendrix grabo varios discos con diferentes conjuntos, aunque su presencia no fue tan relevante.
En 1965, Jimi Hendrix abandonó definitivamente a Little Richard despúes de una amarga discusión por cuestiones salariales y de Royalties. Túvo el mismo problema en relación a otros conjuntos con los que trabajó durante ese período, lo que llego a ser una constante en su vida profesional. En realidad, Jimi siempre túvo la impresión de que sus jefes, empresarios y colaboradores vivían engañandolo respecto a esto, era muy desconfiado, y a pesar de ello, en 1965 firmó un contrato desfavorable con una pequeña empresa de discos por tres años y en condiciones de verdadera usura. Había sido su primer contrato discográfico y se lamentó toda su vida como una pesada cruz en su memoria.
Ese mismo año fue aplaudido como guitarrista del conjuto del cantor Curtis Knight y grabó discos del saxofonista Lennie Youngblood. Éstas son realmente las primeras grabaciones relevantes y claramente determinantes en la discográfia total de Jimi Hendrix.
En el bienio 1965-66, Jimi Hendrix empezó a conocer la vorágine del exito, la fama, el fervor de los admiradores, las continuas e ininterrumpidas actuaciones, sin tiempo para descansar. Sin la munición suficiente para hacer frente al Huracán, empezó a defenderse entregandose desenfrenadamente a las drogas, lo que termino por influenciar su conducta dentro y fuera de los escenarios. Mientras tanto lo solicitaban constantemente como guitarrista, habiendo realizado notables actuaciones con los grupos de King Curtis, Chuck Jackson, Sam Cooke, Ike & Tina Turner y otros de la misma talla.
Tras actuar en el cafe Wha, del Greenwich village de Nueva York, el bajista del grupo The Animals, Chas Chandler, lo reclamó para que lo acompañara a Londres, donde había mucha adulación y grandes posibilidades de ganar mucho dinero. Aquella propuesta quedó grabada en la memoria de Jimi Hendrix, siempre desconfiado y sospenchando que los empresarios lo estafaban con los royalties.
Por otra parte, el potencial artistico y escenico de Jimi Hendrix había alcanzadosu completo desarrollo, y su desempeño era realmente espectacular y llamativo, tocando la guitarra por arriba y por detras de la cabeza o tocando las cuerdas con los dientes, etc., y utilizando eficazmente la técnica del "feedback" y así como otros efectos sonoros, ya que a veces, al finalizar su espectáculo paroxistico, arrojaba la gasolina de su mechero en la guitarra, que prendía fuego en el escenario frente al delirio del público, cuya algarabía retumbaba entre silbidos y exaltaciones, mientras la guitarra del ídolo ardía en el escenario como el último tributo a la gloría del Rock.
Jimi Hendrix viajo a Londres con Chas Chandler (que fue su primer manager Inglés) en el mismo año de 1.966 y tras actuar en algunos clubs locales, fundó The Jimi Hendrix Experience con Noel Redding al Bajo y Mitch Mtchell a la Batería.
El grupo realizó una gira por Europa, que fue filmada y en la que sobresalen los recitales del Tivoli, en Estocolmo, del Sport Arena, de Copenhague, y del Olymia de París. La filmación se completó en diversos clubs Londinenses antes de encerrarse en un estudio de grabación (previo contrato con la Polydor, una de las "majors" internacionales), coincidiendo la publicación del disco con la solémne actuación oficial en el Saville Theather de Londres.
Los Hits discográficos no se hicieron esperar en Gran Bretaña y en toda Europa y, poco después en Estados unidos (con el sello Reprise) a rastras de los ecos del gran triunfo europeo. El primer L.P. "Are you experience", supuso un éxito inmediato y también los singles "Purple Haze", "The wind cries Mary", "Burning of the midnight lamp", etc.
Como banda ya consagrada y la aureola de todos sus triunfos europeos a cuestas, The Jimi Hendrix Experience hizo su presentación americana en el Monterrey Pop festival de 1967, la cual se filmó para un largometraje de exhibición comercial, y a continuación hizo una serie de triunfantes actuaciones en el hollywood Bowl, el Fillmore west, de San Francisco, y realizó una corta gira por Estados Unidos con la 0The Monkees.
En 1968 y 1969 cruzó en los dos sentidos el Atlántico varias veces para participar en espectacúlos estelares, tanto en Estados Unidos como en Canadá y también en toda Europa Occidental. El Fillmore East, el Singer Bowl y el Fhilarmonic Hall de Nueva York fueron el marco elegido para memorables actuaciones, como también el Convention Hall de Anaheim, de California, o el Underground Pop Festival de Miami, o el Albert Hall de Londres y el Olympia de parís nuevamente.
El grupo Experience se disolvío y Jimi Hendrix se presentó como solista en el Festival de Newport de 1969 y, en el mismo año, en el Woodstock Music & Art Fair (donde se filmo la película Woodstock). Para llenar nuevamente el legendario Fillmore East, formó la banda llamada The Band Of Gypsies, que también actúo en el Madison Square Garden, pero el grupo se separó en los primeros años setenta. De su filmografía cabe mencionar: "Experience", "Sweet Toronto", "Keep on Rocking", "Jimi plays Berkeley" y "Rainbow Bridge", filmada en Hawai.
Tras un histórico recital en el festival de la isla de Wight (1970), actúo un breve período junto a Eric Burdon y el grupo War, además de varias actuaciones en clubs Londinenses.
Jimi Hendrix sufrió un colapso mientras dormía en el Hotel Samarkand con su amiga Monika Danneman, debido a una mezcla exagerada de Barbitúricos, somniferos y alcohol se ahogó con su propio Vómito. Era el 18 de Septiembre de 1970 y faltaban dos meses para que Hendrix cumpliera 28 años.
De su genialidad y del poderío de su guitarra queda el testimonio de sus canciones, tales como:
"Angel", "Can your hear me?", "Castles are made of sand", "Crosstown traffic", "Electric Church", "First Look Around the corner", "Foxi Lady", "Love and Confusion", "May This Be Love", "I Don`t Live Today", "Manic Depression", "Purple Haze" , "Red House", "Remenber", "Third Stone From The Sun", "Voodoo Child", "Hey Joe", etc., que siguen expresando su pasión de vivir y de triunfar en un mundo inhóspito y hostil.
Con cada cambio generacional la figura de James Marshall Hendrix ha ido cobrando mas y mas dimensión. Desde su desaparicion, cada nueva andada de guitarristas le ha redescubierto y venerado por lo que tenía de unico y genial. Hendrix es el guitarrista de rock por excelencia. Tenía un Marshall y una Strato en el dormitorio, se preparaba el desayuno con la guitarra en ristre y era capaz de tocar, tocar y tocar, infatigablemente durante larguisimas sesiones de práctica sin desfallecer. Amaba profundamente la guitarra eléctrica. Hendriz se comprometió tanto con el instrumento y con su música, que su verdadero legado hay que buscarlo en ese punto, en esa actitud de utilizar todos los medios posibles para desarrollar la idea musical sin limites. Y en esa linea su mejor trabajo fue sin duda el doble Electric Laduland, un album imprescindible en la historia de la música de la segunda mitad del siglo XX.
Slash
La guitarra de los Guns n' Roses en sus mejores epocas, una gran personalidad y una Gibson Les Paul
Un sombrero de copa, una botella de Jack Daniels, su cigarro y una Gibson dorada con la que saca los riffs mas agresivos y las estupendas baladas con las que Guns And Roses se han hecho mundialmente famosos, son las caracteristicas con las que se podria definir a Saul Hudson alias "Slash", el elemento que mas claramente ha mantenido la personalidad Hard-Rockera de los Guns y que mas credibilidad y carisma le ha aportado a la banda.
Como guitarrista, Slash pertenece a ese grupo de guitarristas que no destacan por tener una tecnica muy depurada, o por ser virtuosos como instrumentalistas. Es mas un guitarrista de feeling, de sangre caliente, que transmite ese tipo de sensacion a la hora de aplicarse en cada uno de sus temas.
Ejemplos muy claros los tenemos en canciones como November Rain, donde toca unos solos tan soberbios que solo hay una palabra para describirlos: geniales!; tambien esta la clasica Sweet Child O´Mine o incluso en temas mas acelerados como la heavy You Could Be Mine, Dont´Damn Me o tambien Paradise City, temas donde pega unos guitarrazos formidables haciendolo hoy por hoy un musico de un carisma inmenso y enormemente influyente en el entorno del rock y sobre todo de la guitarra de nuestra epoca.
Actualmente la banda ha dejado de lado a este formidable guitarrista, pero Slash ha estado participando en varios proyectos como en el disco de Gilby Clarke donde se destripa la rola Tijuana Jail de una manera estupenda. Sin lugar a dudas sigue siendo toda una figura de la guitarra de los 90´s!
George Harrison
Detras de las figuras de Lennon y McCartney, el alma solista del mejor grupo de rock de todos los tiempos: The Beatles
George Harrison fue el tercer hombre dentro del grupo mas importante que jamas haya existido en este planeta: The Beatles. Siempre a la sombra de Lennon y McCartney, George nunca tuvo el espació vital minimo para que su creatividad pudiera convertirse en algo realmente trascendente. Aun así, sus aportes a la música de este siglo y como no a su instrumento, la guitarra, son realmente destacables. George empezó tocando la guitarra imiatndo a clásicos del rock y del country norteamericano como Carl Perkins o Chet Atkins, cosa evidente en los solos de ocho a doce compases caracteristas del Harrison de los primeros Beatles. Despues llego la época psicodélica donde junto a otro dos grandes guitarristas Lennon y McCarteny (si no lo eran técnicamente hablando si lo eran en la faceta creativa), exploraron las enormes posibilidades sonoras de la guitarra (empleando por primera vez feedback en una grabación o experimentando con efectos analógicos).
Ademas, Harrison Fue el pionero en la utilización de la RIckenbacker de doce cuerdas, introdujo el sitar a la cultura pop y de paso las sonoridades hindús en la guitarra, experimento con las distorsiones extremas... y una vez disueltos los Beatles se erigió en un autentico paladín de la técnica del slide. Pero sin duda la mas grande contribución que han hecho los Beatles en general y Harrison en particular es la de difundir la guitarra entre la cultura de masas, prueba de ello es que un gran numero de grandes guitarristas reconocen que dieron sus primeros pasos en el mundo de la guitarra intentando emular a George.
Jimmy Page
Jimmy Page, de los musicos que mas han influido en su genero, gran maestro de la guitarra, lo hicieron lider fundador del gran grupo Led Zeppelin.
JAMES PATRICK PAGE (nació el 9 de Enero de 1944) era uno de los guitarristas de estúdio mas requisitado para grabaciones en Inglaterra. Entro en Yardbirds donde han pasado grandes guitarristas com Eric Clapton y Jeff Beck.
Al deshacerse el grupo, Page forma otra banda con tres sorprendentes musicos y asi se crea Led Zeppelin. Jimmy Page ha sido uno de los músicos más influyentes de todos los tiempos en su genero, su virtuosismo con la guitarra, su nivel de asimilación y su carisma, hicieron de el, el líder del grupo que el mismo fundo, al desaparecer los Yardbirds. En The Yardbirds comenzó tocando el bajo, la guitarra solista estaba a cargo de otro gran músico llamado Jeff Beck, pronto empezó a imponerse el talento de Jimmy y el grupo contó con dos guitarristas devastadores
Ha Intervenido con grandes grupos tocando la guitarra en el estudio como: The Who; The Kinks, Van Morrison, Rolling Stones, etc. Nunca apartando de su lado las guitarras Gibson Les Paul (en especial las doradas) y portando en sus vestimentas de concierto signos de ocultismo; Page puede o no haber sido el mejor guitarrista de los 70' s pero dejo algo bien claro, que este nuevo genero de especie de Heavy Metal con Blues con Hard Rock fuera el principal movimiento para otras bandas com Aerosmith, Guns N' Roses, Def Leppard etc.
En Led Zeppelin tocando esos maravillosos riffs hizo de este un gran grupo que dificilmente se olvidaria como en la canciones: Rock n' Roll, Black Dog, Whole Lotta Love entre otras y de la bellisima acustica que se transforma en un rock duro en Stairway To Heaven.
Keith Richards
Detras del hombre que alimento criticas de numerosos periodicos sensacionalistas existe un músico excelente y de gran personalidad
Keith richards es el induscutido guitarrista de los Rolling Stones. Nacio el 18-12-1943 en dartford inglaterra. Compañero de escuela primaria de Mick Jagger, años mas tardes se encuentran en la estación de tren, Jagger estudiaba en la School of Ecomics, mientras que richards, despues de haber sido expulsado de varias escuelas, estudiaba en la escuela de arte de Disoup, y ahi se comenzó a gestar la banda.
Detrás del consumado Stone, del hombre que alimento durante años las paginas de los periódicos sensacionalistas con historias de excesos y decadencia, se esconde un músico consciente, dedicado y personalísimo, capaz de moverse fluidamente dentro de un amplio espectro de géneros musicales y cuyo sonido, estilo y empuje rítmico han sido siempre la clave de la inconfundible música de los Rolling Stones. Su característico chaka-chaka es el combustible vital que propulsa muchos de sus clásicos memorables y ha servido de inspiración a innumerables guitarristas en el mundo entero, estableciéndose como un hito ineludible en el vocabulario guitarristico del Rock and Roll. Como dijo el periodista Peter Godbard: "los Stones son famosos gracias a Jagger y son una banda gracias a Richards."
Es ese sonido de banda que caracteriza a los Stones el que los diferencia de cualquier otro grupo, un sonido centrado en la maestria de Richards, que dispara constantemente riffs y pequeños adornos melodicos sin apartarse nunca del pulso rítmico que sostiene la canción, con magistral abandono y sin esfuerzo aparente, consiguiendo algo esencial a los maestros de cualquier forma artística: hacer que parezca simple lo que en realidad es el fruto de una compleja elaboración. Richards ayudo a derribar para siempre las barreras que separan la primera guitarra de la guitarra rítmica. "en otras bandas los musicos siguen al baterista, los stones siguen al guitarrista, que es Keith", explica Ron Wood.
"Keith es un guitarrista con mucha auto-confianza, no tenes modo de no seguirlo" decia Bill Wyman. Eso crea una capacidad de los músicos de tocar alrededor del "beat", en el cual el bajo hay veces se anticipa a la guitarra rítmica, y el baterista cae 1/100 de segundos después, proporcionando ese caracterísco inter-juego rítmico (escuchar la intro de "Start me up"
y la aparente "Desprolijidad" del sonido Stone. "es algo que viene naturalmente. De alguna forma el rock and roll es una musica altamente estructurada tocada de una manera muy desestructurada. Son esas cosas como cambiar el "beat" -si esta hecho con conviccion, si nada es forzado, si simplemente fluye-, las que le agregan una atracción extra". (Richards)
Toda la música negra a ejercido una influencia capital sobre los Stones y particularmente Richards, pero indiscutiblemente es Chuck Berry -el primer gran maestro de la guitarra rockera-, quien ha dejado una marca indeleble en la aproximación de Keith a la viola. Sus pequeñas frases en dos cuerdas, su inconfundible "shuffle" (ritmo que era una adaptación a la guitarra del boogie-woogie empleado por los pianistas negros) y la capacidad de fundir la rítmica con la "lead guitar", señalarían una dirección que Richards retomaría y llevaría una paso mas allá.
"Lo que me interesaba de Chuck Berry, era el modo en que podía salir de la parte rítmica con tal facilidad, mandándose un hermoso y simple riff, y caer nuevamente en el feeling del tema" (Richards). Dentro de las "pequeñas variaciones" que tornan "mas interesante" el rock and roll, esta el continuo uso que hace Keith de los "open tunings" (afinaciones abiertas), causantes de que tantos guitarristas del mundo hayan encallecido sus dedos intentando duplicar el sonido Richards sin conseguirlo. Una que ha utilizado frecuentemente es el "open d" (Re abierto), lo que significa que haciendo sonar la guitarra con las cuerdas al aire nos da un acorde, de re mayor (Re, La, Re, Fa sostenido, La, Re, de la 6º a la 1º cuerda). Esta afinación fue muy empleada por Keith en "Beggar´s Banquet" (long play banquete de pordioseros), en temas como "Strett Fighting Man" (peleador callejero), "Jumping Jack Flash" (el Saltarin Jack flash). La otra afinación que emplea habitualmente es el "open g" (Sol abierto) (Re Sol Re Sol Si Re de la 6º a la 1º cuerda), un modo muy empleado por los bluseros negros para el trabajo con slides. Sin embargo, Keith le añadió un innovación: saco la 6º cuerda para poder tener la raíz del acorde (en este caso sol), en la cuerda mas grave, o sea la 5º.
Richards llego al punto de hacerse construir especialmente varias guitarras de 5 cuerdas para tocar en esta afinación: Sol Re Sol Si Re. Algunos ejemplos clásicos de temas que usa "open g" son: "Honky Tonk Woman", "Start me up" y "Little t & a". "Es un sonido gigante, es una de las cosas interesantes que podes obtener con "openg tunings". Simplemente tenes que mover uno o a lo sumo dos dedos, para cambiar de acorde, y tenes el resto de las cuerdas resonando por detrás, lo que da el efecto de dos acordes superpuestos. Esta cerca de un sonido modal, como el de las gaitas. Puede hacer que un ordinario cambio de acordes suene totalmente diferente. Además te da una nueva libertad, es algo que tenes que inventar por vos mismo, porque no hay nadie que te diga como tener que hacerlos" (Keith Richards)
Eddie Van Halen
A él se le debe la técnica del TAPPING, tan utilizada ahora por guitarristas de todos los estilos.
La biografía de Eddie va ligada a la de su banda, VAN HALEN. Los hermanos Van Halen (Ed y Alex) nacieron en Holanda y en el año '67 se trasladaron a California. Ahí, su padre, un músico de Jazz, los incentivó a que fueran músicos y fueron, durante muchos años, concertistas de piano. Sin embargo al crecer fueron cautivados por el Rock lo que llevó a aprender a tocar nuevos instrumentos.Al principio, Ed tocaba la batería y Alex la guitarra, sin embargo, con el tiempo fueron cambiado sus instrumentos. Empezaron a tocar en 1972 en reuniones familiares y en la escuela. Después conocieron a DLR (David Lee Roth), quien cantaba en The Red Balls Jet y que impuso fuerza al grupo. También en la Secundaria estaba Michael Anthony que dijo:" Todos en la escuela tocan guitarra o batería, así que yo tocaré el bajo", y le sacó dos cuerdas a su guitarra. Estos cuatro personajes formaron Mamooth en 1973 y se cambiaron el nombre a Van Halen, desechando la idea de Rat Salade, en 1974. Empezaron a tocar en clubes nocturnos durante tres años y un día, Gene Simmons, el bajista de Kiss, les financió unas grabaciones de demos para el sello Warner, quienes los aceptaron y, hasta ahora han hecho toda su discografía. El álbum debut fue homónimo (Van Halen) y tuvo grandes éxitos como: Runnin´ with the Devil, You Really Got Me, Ain't Talkin''bout Love y Jamie's Cryin'.Ahí corría el año '78. Al año siguiente sacaron la continuación del primer álbum (Van Halen II)que tuvo los éxitos de: Dance the Night Away, You're No Good, etc. Eso fue en 1979. En 1980 salió el tercer disco de la banda, Women And Children First, que no tuvo muchos singles de éxitos, pero como álbum, llegó muy arriba en Billboard.
Dos años más tarde salió el disco Fair Warning, cual contenía uno de los éxitos más grandes de la banda: Unchained. Después se un año, 1983, salió Diver Down, disco que recorrió los lugares más altos de Billboard y tenía los siguientes éxitos: (Oh)Pretty Woman, Cathedral, Big Bad Bill (Is Sweet William Now), etc. Después en el año 1984, salió el disco del mismo nombre (1984) que fue el punto cúlmine de la Era de DLR. El primer single, Jump, sacó del nro.1 de Billboard a Thriller de Michael Jackson, y éste, admirado por la calidad de Eddie, Le pidió la colaboración en uno de sus temas, Beat It. Esto provocó mucho a DLR, que para vengarse grabó su proio disco en solitario sin avisar nada a los otros miembros de la banda. DLR dijo que preferiría seguir con su carrera de solista para ganar más dinero y, por este comentario fue expulsado del grupo.Después llamaron a Sammy Hagar, pero eso es otra historia.
Sammy Haggar era un cantante que con su primer disco con "mini-éxitos" había ganado algo de dinero. Entre sus cualidades estaba la de tener una voz muy aguda y saber tocar guitarra, algo que DLR nuncá trató de hacer. Cuando Van Halen estaba buscando a alguien que pusiera la voz por el grupo, Eddie fue al garage y había un auto muy lujoso.Éste, extrañado preguntó quién era e dueño y el propietario del garage le dijo:" Es de un tal Sammy Haggar.¡Hey!, lo deberías tener en tu banda." y Ed le pidió su número. Se juntaron los tres con el nuevo cantante y empezaron a tocar. Sammy empezó a improvisar letras y de esa forma salieron varias canciones.Así, Sammy fue el nuevo vocalista de Van Halen y principal figura de 5150, álbum clásico para los seguidores de Van Halen. Éste tuvo grandes éxitos como: Why Can't This Be Love, Dreams, Love Walks In y Best Of Both Worlds. Dos años después, en 1988 salió OU812, discó que empezó a bajar la clásica dureza del estilo que cultivaba Van Halen.De allí, hubieron varios singles exitosos, tales como: When It's Love, Finish What Ya Started, Feels So Good, Cabo Wabo, etc. Después de dos años de giras y uno de trabajo, salió al mercado For Unlawful Carnal Knowledge, más conocido como (perdón) F.U.C.K., que fue el punto más alto de la popularidad de Van Halen. hubo un trabajo promocional de este disco tan grande que llegaron hasta Japón, Holanda y Argentina, entre otros países más extraños aún. Fue tan bueno el material que se obtuvo durante esas giras, que se grabó un disco en vivo llamado: Van Halen LIVE: Right here, Right Now. En él se encuentra casi todo el disco F.U.C.K, éxitos de discos anteriores, un solo de cada un de los miembros de la banda y tres canciones inéditas: One Way To Rock, Give To Live (Sammy Solo) y Won't Get Fooled Again. Después de estos años de gira, en 1995 salió Balance, que puede que no sea el disco más popular, pero sí, según yo, el perfecto balance entre el Rock crudo de los primeros años y las últimas baladas.En este disco se encuentran los éxitos: Can't Stop Lovin' You, Don't Tell Me (What love Can Do), Not Enough, etc. Después, Eddie tuvo problemas por el alcohol y Sammy generó un a polémica por la canción Amsterdam, que hace mención que allá las drogas son legales. Eddie y Sammy generaron una polémica, cuando Ed, mencionó la idea de hacer una recopilación de los grandes éxitos de la banda.
Eddie Van Halen es considerado uno de los mayores virtuosos de la guitarra en la historia del rock, A él se le debe la técnica del TAPPING, tan utilizada ahora por guitarristas de todos los estilos.
EDDIE utiliza guitarras de muchas marcas distintas como GIBSON, FENDER, KRAMER o STEINBERGER, aunque en los últimos años la que más utiliza es un modelo que PEAVEY/WOLFGANG fabrica para él. La amplificación también corre a cargo de PEAVY 5150, con un modelo que la marca fabrica exclusivamente para él.
Frank Zappa
Sus influencias pasaban desde el Rhythm and Blues hasta las composiciones de Stravinsky
Frank Zappa (Francis Vincent Zappa era su verdadero nombre) nació en Baltimore. Desde muy joven, se sintió atraído por el mundo de la música. Sus influencias fueron, como mínimo, originales. Estaba fascinado por las bandas de Doo-Woop y de Rhythm and Blues, pero también por las composiciones de Igor Stravinsky. Esa original mezcla de influencias, su innato carácter provocador y su destructivo sentido del humor fueron los ingredientes con los que acabó configurando un estilo musical único y corrosivo.
En 1960, después de intentar sin éxito labrarse una carrera como escritor de guiones cinematográficos, se matriculó en la Chaffey Junior College de Alto Loma (California) para estudiar música. Poco después abandonaba el centro, iniciando una errática carrera profesional que le llevaría a ejercer, entre otras tareas, de redactor publicitario y de vendedor de enciclopedias.
En 1964 se unió a los Soul Giants, una banda local (el germen de los futuros Mothers of Invention) que pronto se encontró cantando las canciones del estrafalario nuevo miembro. Dos años después, Tom Wilson (el productor de Bob Dylan) les contrataba. El mismo año apareció su primer trabajo: Freak Out! un doble LP que, inmediatamente, les convirtió en un grupo conocido en los ambientes underground debido a su humor corrosivo e irreverente. Ese sería el público con el que contó durante toda su trayectoria. Sus temas no lograron nunca subir a lo más alto de las listas de éxitos.
Los discos de Frank Zappa y su banda (que pasó por muchas formaciones) se convirtieron en auténticos acontecimientos, esperados ansiosamente porque, en ellos, el cantante no dejaba títere con cabeza. La formación se caracterizaba, además, por llevar un ritmo de trabajo infernal. Tan sólo en 1968, por ejemplo, fueron editados tres LP's: We´re Only in It for The Money (una despiadada burla de los hippies y los Beatles), Lumpy Gravy y Cruising With Ruben & The Jets, un LP en el que Frank y sus muchachos practicaban un curioso género, que podría definirse como "Neo-Doo-Woop".
En 1969, después de una corta gira por Canadá, disolvió la formación e inició una breve etapa de actividad en solitario, colaborando con artistas como John Lennon o Ian Underwood. También creó su propio sello discográfico, en el que lanzó a figuras como Alice Cooper.
En 1970 puso en marcha una nueva versión de los Mothers Of Invention y publicó dos LP's en directo. La nueva etapa con el grupo acabó de forma trágica. El 10 de diciembre de 1971, el novio celoso de una ardiente seguidora se subió al escenario durante una de sus actuaciones, tirándole al suelo. Sufrió varias fracturas (entre ellas, una de cráneo). Tardó más de un año en recuperarse.
Afortunadamente, no dejó de editar discos ni tan sólo durante su proceso de recuperación. Algunos de esos trabajos estuvieron entre sus LP's más vendidos. Durante los setenta y los ochenta se mantuvo activo sin interrupción, y sin renunciar nunca a su papel de enfant terrible, sólo comprendido por una selecta minoría. En 1988 publicó su autobiografía y realizó su última gira mundial. En adelante, sólo actuaría en directo de forma esporádica, como el concierto que dio en Checoslovaquia, tras ser expresamente invitado por el presidente Vaclav Havel. En 1991 se hizo público que estaba gravemente enfermo de cáncer, pero su producción discográfica siguió siendo tan prolífica como era habitual hasta ese momento. Falleció en 1993.
Kurt Cobain
Su estilo está situado en las antípodas de lo que se considera un guitarrista técnico.
El último gran mártir de la historia del rock, el hombre que al frente de Nirvana encabezó la enésima revolución en la esfera del planeta rock, tambien tiene un papel destacado entre los guitarristas de este siglo.
Aunque sus primeras influencias fueron los grupos de hard rock de finales de los setenta (Aerosmith, AC/DC), Cobain nunca entendió el papel del guitarrista desde el punto de vista del egocentrismo. Su enfoque estaba más en la linea de las bandas punk, tratando la guitarra como un elemento estrctural del grupo. Otra gran influencia en la configuración de una idea musical y de paso en la manera de entender la guitarra se la proporciono a Cobain el movimiento noise de los ochenta y sobretodo un grupo, The Pixies. Las guitarras de Joey Santiago y Black Francis, fueron las que de algún modo ayudaron a Kurt a acabar de configurar sus estílo, situado en las antípodas de lo que se considera un guitarrista técnico. Un estilo basado en la magistral utilización de distorciones y feedbacks y la habilidad para crear unos solos repletos de armonías sencillas, pero a la vez sorprendentes. Cobain demostro que la frescura y la ingenuidad no estan reñidas con la elegancia. Mas datos: Nevermind.
John Frusciante
Con un estilo cargado de emotividad, Frusciante es la guitarra de los Red Hot Chili Peppers
Vuelve a ser el guitarrista de los Red Hot Chili Peppers, como la mayoria de sus fans estaban deseando, despues de un largo parentesis provocado por su adiccion a la heroína y a las multiples tensiones internas que enrarecieron el ambiente de la banda que duro aproximadamente seis años, periodo en el que grabo dos albumes en solitario de escaso exito y fue sustituido por Dave Navarro, el reputado ex-guitarrista de Jane´s Adiction. La historia de John es curiosa y convierte en realidad el sueño de cientos de miles de guitarristas noveles ya que se unió a la banda con tan solo diecisiete años, debido a la muerte por sobredosis de heroína (el verdadero azote de los RHCP) de Hillel Slovak, su anterior guitarrista. Frusciante tan solo era un fan de la banda que se conocia a la perfeccion todos los temas y que, segun diversas opiniones, tocaba exactamente como Slovak. A partir de ahí, grabo el cuarto disco de los RHCP, Mother's Milk (1989) con un exito moderado que empezo a acercarlos al gran publico. Pero el verdadero estallido surgio con Blood Sugar sex Magik (1991), la verdadera obra maestra de los Peppers y su puerta al exito masivo.
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Luis Salinas
Guitarrista argentino que puede tocar cualquier estilo con la misma calidad.
Nació en Argentina, Monte Grande, ciudad muy cercana a Buenos Aires. La influencia de su padre y de su padrastro, ambos músicos, lo animaron a tocar la guitarra desde edad muy temprana. La ductilidad del guitarrista y el músico se combinan logrando una fusión impecable, se trata de un virtuosismo musical no meramente técnico.
Podría decirse que es un músico libre. Transita sin ataduras por distintos estilos. Acerca de su arte George Benson señala: " Es uno de mis guitarristas favoritos ... " Chick Corea habla de él como "Uno de los grandes músicos argentinos". Scott Henderson afirma "Es increíble. Será sin duda un héroe de la guitarra". O las palabras de Badem Powel "Es un guitarrista loco y genial". Esta versatilidad ha logrado que músicos como B.B.King y Hermeto Pascoal lo hayan invitado a compartir su escenario.
Es compositor de la mayoría de los temas que toca en sus conciertos y discos. Salinas innova en la música argentina. Compartió experiencias con auténticos ídolos del folklore y del tango, como Adolfo Ábalos y Horacio Salgan. Se da el lujo de tocar un zamba con Jaime Torres o grabar un disco de tango con María Graña.
Músico autodidacta. No estudió en ningún conservatorio. Improvisador nato con una original capacidad interpretativa dice: "Todo tenemos una condición natural para algo. No es lo que te gusta sino lo que podés hacer. El resto es trabajar. No pretendo ser mejor que alguien. Quiero ser el mejor Salinas posible. Mi música más que nada tiene que ser fluída y sincera, si uno no se emociona, el público tampoco.
Frank Gambale
El australiano es un hombre admirable no sólo como un intérprete y compositor, también como profesor. Muchos son los intérpretes que han progresado gracias a sus consejos e inspiración.
Nacido en Canberra en 1959, Frank Gambale empezó tocando a los siete años, influenciado inicialmente por artistas como Hendrix y Clapton, tomando luego una dirección más jazz con Chick Corea y Steely Dan. En 1982 se desplazó a EE.UU., estudiando en el Hollywood’s Guitar Institute of Technology, graduándose como Estudiante del Año y ofreciéndose para el puesto de profesor donde estuvo durante cuatro años. Durante este tiempo publicó su primer libro Speed Picking. Los primeros vídeos de Frank, una serie de tres, aparecieron en 1987.
El anterior año vio como se afianzaba un contrato para tres discos así como una gira con Jean-Luc Ponty, que rápidamente le llevó a estar durante seis años con uno de sus héroes, Chick Corea. De los cinco discos grabados con Corea, uno ganó un Grammy y otros dos fueron nominados. 1990 supuso el reconocimiento internacional de Gambale como solista con el disco Thunder From Down Under, que copó las listas de jazz japonesas, acompañado por sus tres álbumes anteriores, todos dentro del top 10.
Dos años después, Frank finalmente se aventuró a salir, y ha estado desde entonces grabando y de gira con su grupo, dirigiendo también numerosos seminarios y masterclass en todo el mundo. En 1996 estaba a la cabeza del Departamento de Guitarra de la nueva Los Angeles Music Academy, donde escribió el programa principal de estudios, y continúa ejerciendo como profesor cuando está en la ciudad.
Aparte de formar recientemente su propia compañía, Wombat Records, y firmar un contrato con la Favoured Nations de Steve Vai, Gambale permanece muy ocupado con los proyectos de colaboración. Ha contribuido con el grupo Vital Information durante más de 13 años, y ha lanzado tres grabaciones con el bajista Stu Hamm y el batería Steve Smith. Uno de los grandes proyectos del 2002 fue un DVD en directo -Concert With Class- que no sólo muestra a los espectadores un concierto de 90 minutos, al mismo tiempo les ofrece material educativo relacionado con la actuación. El otoño planea una gira con la Elektric Band de Chick Corea en celebración del 60 cumpleaños de Corea, donde aparte de Gambale también estarán otros artistas Yamaha como el bajista John Patitucci y el batería Dave Weckl.
Guitarristas de Blues y Country
B.B. King
El guitarrista que popularizo el blues e influenció a casi todos los guitarristas eléctricos que le siguieron
B.B. King es uno de los guitarristas mas populares de todos los tiempos y una leyenda viva del blues. Considerado por muchos como el Rey del blues, es el mejor embajador en todo el mundo y ha sido de los que mas han trabajado para popularizarlo. Ha influenciado practicamente a todos los guitarristas de blues y rock que le han sucedido, debido a que su estilo es el ABC de la guitarra solista, espléndido resumen de las técnicas básicas para los solos.
Su humilde y elegante estilo, mezcla de gospel, jazz y blues del Delta, es un compendio perfecto entre expresión ritmica y sintesis melódica. Con tan solo cuatro o cinco notas colocadas en el lugar preciso es capaz de decirlo todo.
Esto, unido a un excelente control de bendings y prebendings a diferentes intervalos y a una técnica de vibrato, que involucra todo el antebrazo, constituye una firma sonora muy imitada pero nunca superada. Se centra en la pentatónica (aunque a menudo añade alguna nota fuera de la escala para dar un toque mas jazzero) en una posición del mástil y exprime cada una de las notas, consiguiendo que todas ellas adquieran un significado. Prefiere la expresividad a la rapidez, dando un caracter vocal a su fraseo.
Debuta discográficamente en 1951 con el tema 3 O'Clock Blues y obtiene tal exito que pasa directamente de Menphis a los grandes escenarios de Nueva York. Su imagen no se puede disociar de su adorada Gibson ES-355, la mitica Lucille. En realidad, Lucille no es unica, pues posee varias ES-355 idénticas, todas con el mismo nombre.
De su discografía destacan temas como Lucille, The Thrill is gone o Caldonia. Su media anual casi nunca ha bajado de los doscientos conciertos y en una carrera de cincuenta años ha lanzado al mercado mas de cincuenta albunes. Todavía mantien una actividad mas que envidiable, grabando discos junto a discipulos tan ilustres como los Rolling Stones, Van Morrison, David Gilmour o Eric Clapton y realiazndo giras por todo el mundo.
B.B. King utiliza un dibujo básico para sus solos, se basa en la pentatónica y agrega otras notas. En el "diagrama de blues de B.B. King" el trata de exprimir al maximo las notas realizando un fraseo incomparable y no fijandose tanto en la velocidad.
Stevie Ray Vaughan
El Guitarrista que cambió la definición del Blues Eléctrico para siempre.
Uno de los grandes guitarristas de todos los tiempos, y uno de los grandes maestros (sino es que el mejor) del Blues que pueda haber existido, Stevie Ray Vaughan. Este Texano sin lugar a dudas llego a el corazon de millones de personas con su musica, con su pasion y con esa intensidad con la que tocaba la guitarra. Era increible como atraia a la gente con su poderoso Blues lleno de sentimiento que hacia que quedaran inevitablemente rendidos a sus pies. Algo tenia Stevie (y sigue teniendo!) que hacia que todo aquel que escuchara su musica quedara totalmente prendido de ella para siempre, desafortunadamente cuando su estrella apenas empezaba a brillar, el destino se lo llevo en un lamentable accidente aereo y a la edad de 36 años el 27 de agosto de 1990, dejo de estar entre nosotros.
Cuando el mundo perdio a Vaughan, no solo perdio a un increible musico, tambien a una increible persona. Realmente es admirable la forma en que entrego su corazon y alma en su musica y tambien por la forma en que se sobrepuso y vencio su adiccion a las drogas. Su musica simplemente es sorprendente, tiene mucho feeling que va de la mano con su virtuosismo para tocar la guitarra cosa que definitivamente te lleva a otras dimensiones, ejemplos muy claros han quedado plasmados en temas como Life Without You. No habra otra persona capaz de remplazarlo, ya que el lo dio todo a su musica y personas como el, son contadas. Su discografia oficial, es bastante extensa contando la infinidad de grabaciones no oficiales que hasta el dia de hoy siguen saliendo, para recordar y honrar la memoria de su leyenda que aun continua...
Eric Clapton
Sin duda el mejor Bluesman blanco que jamas existió. Apodado como Dios en Londres
Tras descubrir que detras del rock de los cincuenta se escondían cantos esclavos en los campos de trabajo de Estados Unidos, Eric Patrick Clapton (1945) se siente enormemente fascinado por el Blues. Su sonido limpio y cortado en The Yardbirds gusta a John Mayall que, cuando Clapton deja el grupo al considerarlos demasiado comerciales, le invita a formar parte de su banda. John Mayall's Bluesbreakers with Eric Clapton (1966) es un disco historico en el que Clapton deslunmbra por la naturalidad con la que interpreta el blues.
Sin embargo, Eric, a quien las paredes de Londres bautizan como Dios, decide formar un nuevo grupo junto a Ginker Baker y Jack Bruce. Cream revolucionea la escena musical del momento y se convierte en el primer supergrupo de la historia. Un conjunto con bases de blues y rock que desemboca en interminables improvisaciones de estilo libre. El doble disco Wheels of Fire combina jams psicodelicas, temas propios como White Room y versiones de clásicos del blues como Born under a Bag Sign o Crossroads, en el cual Clapton interpreta uno de sus solos mas laureados. El desenfreno con el que el británico toca las Gibson en Cream no ha sido jamás igualado por el mismo. En 1970 forma Derek and the Dominos y pasa a tocar la Stratocaster. Con este grupo y con Brownie, su mas preciada guitarr, graba Layla y un extraordinario doble directo en el Fillmore de Nueva York (1971). Posteriormente, las drogas atrapan a un deprimido Clapton por la muerte de Hendrix y Duana Allman, que logra resurgir gracias al Rainbow Concert, promovido por Pete Townshend. EL maestro del cuarto tono tambien a firmado bandas sonoras como El color del dinero, Homeboy o las diferentes entregas de Arma Mortal.
En 1994, tras el exito de Unplugged, Clapon publica From The Cradle, sincero homenaje a todas sus influencias en el blues. A pesar de que actualmente Clapton esta inmerso en el juego de las discográficas por vender mas y mas discos a costa de lo que sea, es probablemene el mejor solista blanco de la historia del rock y blues y el guitarrista mas popular del mundo.
Pappo
El mejor bluesman de la argentina y un reconicido artista que sento las bases del rock argentino. Idolo y amigo del rey del blues: B.B. King
Norberto "Pappo" Napolitano es la expresión mas veraz que el rock argentino haya tenido. Considerado internacionalmente como uno de los guitarristas mas brillantes, ha establecido un estilo en la musica argentina que es imposible no reconocerle.
Ya en su etapa con Los Gatos supo imprimir el sonido rockero, que dejaría atras la euforia beat. La creación de Pappo's Blues en formato de trío a la manera de Cream -el primer supergrupo de la historia-, que Pappo pudo ver visitando Inglaterra- marcaría un nuevo horizonte. Su particular forma de tocar dio pie a la aparición de agrupaciones como Pescado Rabioso, La Pesada y muchisimos otros.
Pappo's Blues fue tambien una suerte de vidriera que sirvió para que talentos como David Lebón, Black Amaya, Pomo Barros y Machi Rufino -antes de integrarse a invisible-, Isa Portugheis, Fanta Beadoux y Vitico Bereciartúa, comenzaron a ser reconocidos.
Su temperamento inquieto lo condujo a Inglaterra. Alli se convirtió en el primer guitarrista del grupo Motorhead y toco Blues con el ex Fletwood Mac Peter Green.
A lo largo de su extensa carrera ha tocado, entre otros, con Carmine Appice y Tim Bogart, Smokey WIlson, Edgar Winter, Deacon Jones y Micky Champion, Buddy Guy, Ken Bowie y el actor Bruce Willis, pero lo mas importante ha sido, sin duda, el ciclo de conciertos que compartió con su ídolo B.B. King en los Estados Unidos y junto a la banda de John Lee Hooker, con quien grabo para su album "Caso Cerrado".
Riff se ha convertido en una marca registrada durante mas de 30 años de historia y es una de las grandes bandas de metal de rock en español.
Pappo ha sido siempre el referente obligado para los músicos que continúan levantando la bandera del rock.
Botafogo
Miguel Villanova es un guitarrista de Blues argentino de reconocimiento mundial y de una larga trayectoria
Es profesor del Instituto de Música Contemporanea (ITMC), brindando clínicas, colabora con revistas especializadas y lleva escritos seis métodos de enseñanza de guitarra; Miguel Villanova nació el 7 de febrero de 1956 y a los 9 años comenzó a tocar la guitarra clásica. A los 12 tuvo su primera guitarra eléctrica y a los 17 años debutó en Pappo's Blues, donde puso los acordes para el disco "Pappo sigue vivo". El "Carpo" fue quien lo apodó Botafogo y el violero guardó el seudónimo como un regalo del "Carpo". Despues de Pappo's Blues integró Engranaje, Avalancha, Tren Plateado, Carolina y Studebaker.
Entre 1977 y 1984 se radicó enn Madrid. En España formó parte de Cucharada y tocó junto a Joaquín Sabina, Antonio Flores, El Mariscal Romero y Pappo.
A su vuelta en 1985 forma Durazno de Gala, junto a sus ex compañeros de Studebaker "Yalo" Lopéz y Daniel Demaría. Con el grupo grabó seis discos y tuvo el honor de abrir las presentaciones de B.B. King en 1991. En 1992 participó en el Rhythm & Blues Festival de Chicago. En 1995 edita su disco solista llamado "Trío".
Guitarristas de Rock
Jimi Hendrix
No existe guitarrista eléctrico sobre la tierra que no haya sido influenciado por Hendrix. Simplemente el mejor.
Jimi Hendrix, guitarrista y cantante, fue la individualidad mas prodigiosa y original de la escena del Rock y del Rhythm & Blues. Era zurdo, pero curiosamente usaba guitarras normales con las cuerdas preparadas para los diestros colocadas en sentido contrario.
Nació el 27 de Noviembre de 1942 en Seattle, en el estado de Washington. Su padre se llamaba James Allen Hendrix y su madre era una india Cherokee. En el registro civil fue inscrito como Jhonny Allen Hendrix, pero posteriormente su padre cambió su nombre por el de James Marshall Hendrix y, desde luego, Jimmi como diminutivo, aunque él adoptaría la grafía Jimi en 1966 cuando fundó en Londres el conjunto "The Jimi Hendrix Experience".
A los 11 años de edad aprendió a tocar la guitarra bajo la influencia de los discos de Robert Johnson y B.B. King a quienes idolatraba. Entre 1960 1961 sirvió en el ejercito Norteamericano en un batallón de paracaidistas, y en 1962 fue liberado a causa de una invalidez temporal, entonces decidió establecerse en Nashville y junto con Billy Cox, antiguo compañero del servicio militar, formó el trío "The Casuals", que realizó diversas actuaciones y logró un relativo éxito en la zona.
Precisamente debido a este éxito inicial, llamaron a Hendrix para incorporarse a la banda del célebre Little Richard, con el cual recorrió Estados Unidos durante casi dos años y de quien aprendió mucho. Alternativamente, realizó varias actuaciones durante un breve período como guitarrista en las Bandas de Wilson Pickett, Isley Brothers, Solomon Burke y otros, incluyendo tambien el pintoresco grupo del conocido campeón de lucha libre Georgeous George, que dejo el ring para liderar, como cantante, una Banda de Rock & Roll. En aquella época, Jimi Hendrix grabo varios discos con diferentes conjuntos, aunque su presencia no fue tan relevante.
En 1965, Jimi Hendrix abandonó definitivamente a Little Richard despúes de una amarga discusión por cuestiones salariales y de Royalties. Túvo el mismo problema en relación a otros conjuntos con los que trabajó durante ese período, lo que llego a ser una constante en su vida profesional. En realidad, Jimi siempre túvo la impresión de que sus jefes, empresarios y colaboradores vivían engañandolo respecto a esto, era muy desconfiado, y a pesar de ello, en 1965 firmó un contrato desfavorable con una pequeña empresa de discos por tres años y en condiciones de verdadera usura. Había sido su primer contrato discográfico y se lamentó toda su vida como una pesada cruz en su memoria.
Ese mismo año fue aplaudido como guitarrista del conjuto del cantor Curtis Knight y grabó discos del saxofonista Lennie Youngblood. Éstas son realmente las primeras grabaciones relevantes y claramente determinantes en la discográfia total de Jimi Hendrix.
En el bienio 1965-66, Jimi Hendrix empezó a conocer la vorágine del exito, la fama, el fervor de los admiradores, las continuas e ininterrumpidas actuaciones, sin tiempo para descansar. Sin la munición suficiente para hacer frente al Huracán, empezó a defenderse entregandose desenfrenadamente a las drogas, lo que termino por influenciar su conducta dentro y fuera de los escenarios. Mientras tanto lo solicitaban constantemente como guitarrista, habiendo realizado notables actuaciones con los grupos de King Curtis, Chuck Jackson, Sam Cooke, Ike & Tina Turner y otros de la misma talla.
Tras actuar en el cafe Wha, del Greenwich village de Nueva York, el bajista del grupo The Animals, Chas Chandler, lo reclamó para que lo acompañara a Londres, donde había mucha adulación y grandes posibilidades de ganar mucho dinero. Aquella propuesta quedó grabada en la memoria de Jimi Hendrix, siempre desconfiado y sospenchando que los empresarios lo estafaban con los royalties.
Por otra parte, el potencial artistico y escenico de Jimi Hendrix había alcanzadosu completo desarrollo, y su desempeño era realmente espectacular y llamativo, tocando la guitarra por arriba y por detras de la cabeza o tocando las cuerdas con los dientes, etc., y utilizando eficazmente la técnica del "feedback" y así como otros efectos sonoros, ya que a veces, al finalizar su espectáculo paroxistico, arrojaba la gasolina de su mechero en la guitarra, que prendía fuego en el escenario frente al delirio del público, cuya algarabía retumbaba entre silbidos y exaltaciones, mientras la guitarra del ídolo ardía en el escenario como el último tributo a la gloría del Rock.
Jimi Hendrix viajo a Londres con Chas Chandler (que fue su primer manager Inglés) en el mismo año de 1.966 y tras actuar en algunos clubs locales, fundó The Jimi Hendrix Experience con Noel Redding al Bajo y Mitch Mtchell a la Batería.
El grupo realizó una gira por Europa, que fue filmada y en la que sobresalen los recitales del Tivoli, en Estocolmo, del Sport Arena, de Copenhague, y del Olymia de París. La filmación se completó en diversos clubs Londinenses antes de encerrarse en un estudio de grabación (previo contrato con la Polydor, una de las "majors" internacionales), coincidiendo la publicación del disco con la solémne actuación oficial en el Saville Theather de Londres.
Los Hits discográficos no se hicieron esperar en Gran Bretaña y en toda Europa y, poco después en Estados unidos (con el sello Reprise) a rastras de los ecos del gran triunfo europeo. El primer L.P. "Are you experience", supuso un éxito inmediato y también los singles "Purple Haze", "The wind cries Mary", "Burning of the midnight lamp", etc.
Como banda ya consagrada y la aureola de todos sus triunfos europeos a cuestas, The Jimi Hendrix Experience hizo su presentación americana en el Monterrey Pop festival de 1967, la cual se filmó para un largometraje de exhibición comercial, y a continuación hizo una serie de triunfantes actuaciones en el hollywood Bowl, el Fillmore west, de San Francisco, y realizó una corta gira por Estados Unidos con la 0The Monkees.
En 1968 y 1969 cruzó en los dos sentidos el Atlántico varias veces para participar en espectacúlos estelares, tanto en Estados Unidos como en Canadá y también en toda Europa Occidental. El Fillmore East, el Singer Bowl y el Fhilarmonic Hall de Nueva York fueron el marco elegido para memorables actuaciones, como también el Convention Hall de Anaheim, de California, o el Underground Pop Festival de Miami, o el Albert Hall de Londres y el Olympia de parís nuevamente.
El grupo Experience se disolvío y Jimi Hendrix se presentó como solista en el Festival de Newport de 1969 y, en el mismo año, en el Woodstock Music & Art Fair (donde se filmo la película Woodstock). Para llenar nuevamente el legendario Fillmore East, formó la banda llamada The Band Of Gypsies, que también actúo en el Madison Square Garden, pero el grupo se separó en los primeros años setenta. De su filmografía cabe mencionar: "Experience", "Sweet Toronto", "Keep on Rocking", "Jimi plays Berkeley" y "Rainbow Bridge", filmada en Hawai.
Tras un histórico recital en el festival de la isla de Wight (1970), actúo un breve período junto a Eric Burdon y el grupo War, además de varias actuaciones en clubs Londinenses.
Jimi Hendrix sufrió un colapso mientras dormía en el Hotel Samarkand con su amiga Monika Danneman, debido a una mezcla exagerada de Barbitúricos, somniferos y alcohol se ahogó con su propio Vómito. Era el 18 de Septiembre de 1970 y faltaban dos meses para que Hendrix cumpliera 28 años.
De su genialidad y del poderío de su guitarra queda el testimonio de sus canciones, tales como:
"Angel", "Can your hear me?", "Castles are made of sand", "Crosstown traffic", "Electric Church", "First Look Around the corner", "Foxi Lady", "Love and Confusion", "May This Be Love", "I Don`t Live Today", "Manic Depression", "Purple Haze" , "Red House", "Remenber", "Third Stone From The Sun", "Voodoo Child", "Hey Joe", etc., que siguen expresando su pasión de vivir y de triunfar en un mundo inhóspito y hostil.
Con cada cambio generacional la figura de James Marshall Hendrix ha ido cobrando mas y mas dimensión. Desde su desaparicion, cada nueva andada de guitarristas le ha redescubierto y venerado por lo que tenía de unico y genial. Hendrix es el guitarrista de rock por excelencia. Tenía un Marshall y una Strato en el dormitorio, se preparaba el desayuno con la guitarra en ristre y era capaz de tocar, tocar y tocar, infatigablemente durante larguisimas sesiones de práctica sin desfallecer. Amaba profundamente la guitarra eléctrica. Hendriz se comprometió tanto con el instrumento y con su música, que su verdadero legado hay que buscarlo en ese punto, en esa actitud de utilizar todos los medios posibles para desarrollar la idea musical sin limites. Y en esa linea su mejor trabajo fue sin duda el doble Electric Laduland, un album imprescindible en la historia de la música de la segunda mitad del siglo XX.
Slash
La guitarra de los Guns n' Roses en sus mejores epocas, una gran personalidad y una Gibson Les Paul
Un sombrero de copa, una botella de Jack Daniels, su cigarro y una Gibson dorada con la que saca los riffs mas agresivos y las estupendas baladas con las que Guns And Roses se han hecho mundialmente famosos, son las caracteristicas con las que se podria definir a Saul Hudson alias "Slash", el elemento que mas claramente ha mantenido la personalidad Hard-Rockera de los Guns y que mas credibilidad y carisma le ha aportado a la banda.
Como guitarrista, Slash pertenece a ese grupo de guitarristas que no destacan por tener una tecnica muy depurada, o por ser virtuosos como instrumentalistas. Es mas un guitarrista de feeling, de sangre caliente, que transmite ese tipo de sensacion a la hora de aplicarse en cada uno de sus temas.
Ejemplos muy claros los tenemos en canciones como November Rain, donde toca unos solos tan soberbios que solo hay una palabra para describirlos: geniales!; tambien esta la clasica Sweet Child O´Mine o incluso en temas mas acelerados como la heavy You Could Be Mine, Dont´Damn Me o tambien Paradise City, temas donde pega unos guitarrazos formidables haciendolo hoy por hoy un musico de un carisma inmenso y enormemente influyente en el entorno del rock y sobre todo de la guitarra de nuestra epoca.
Actualmente la banda ha dejado de lado a este formidable guitarrista, pero Slash ha estado participando en varios proyectos como en el disco de Gilby Clarke donde se destripa la rola Tijuana Jail de una manera estupenda. Sin lugar a dudas sigue siendo toda una figura de la guitarra de los 90´s!
George Harrison
Detras de las figuras de Lennon y McCartney, el alma solista del mejor grupo de rock de todos los tiempos: The Beatles
George Harrison fue el tercer hombre dentro del grupo mas importante que jamas haya existido en este planeta: The Beatles. Siempre a la sombra de Lennon y McCartney, George nunca tuvo el espació vital minimo para que su creatividad pudiera convertirse en algo realmente trascendente. Aun así, sus aportes a la música de este siglo y como no a su instrumento, la guitarra, son realmente destacables. George empezó tocando la guitarra imiatndo a clásicos del rock y del country norteamericano como Carl Perkins o Chet Atkins, cosa evidente en los solos de ocho a doce compases caracteristas del Harrison de los primeros Beatles. Despues llego la época psicodélica donde junto a otro dos grandes guitarristas Lennon y McCarteny (si no lo eran técnicamente hablando si lo eran en la faceta creativa), exploraron las enormes posibilidades sonoras de la guitarra (empleando por primera vez feedback en una grabación o experimentando con efectos analógicos).
Ademas, Harrison Fue el pionero en la utilización de la RIckenbacker de doce cuerdas, introdujo el sitar a la cultura pop y de paso las sonoridades hindús en la guitarra, experimento con las distorsiones extremas... y una vez disueltos los Beatles se erigió en un autentico paladín de la técnica del slide. Pero sin duda la mas grande contribución que han hecho los Beatles en general y Harrison en particular es la de difundir la guitarra entre la cultura de masas, prueba de ello es que un gran numero de grandes guitarristas reconocen que dieron sus primeros pasos en el mundo de la guitarra intentando emular a George.
Jimmy Page
Jimmy Page, de los musicos que mas han influido en su genero, gran maestro de la guitarra, lo hicieron lider fundador del gran grupo Led Zeppelin.
JAMES PATRICK PAGE (nació el 9 de Enero de 1944) era uno de los guitarristas de estúdio mas requisitado para grabaciones en Inglaterra. Entro en Yardbirds donde han pasado grandes guitarristas com Eric Clapton y Jeff Beck.
Al deshacerse el grupo, Page forma otra banda con tres sorprendentes musicos y asi se crea Led Zeppelin. Jimmy Page ha sido uno de los músicos más influyentes de todos los tiempos en su genero, su virtuosismo con la guitarra, su nivel de asimilación y su carisma, hicieron de el, el líder del grupo que el mismo fundo, al desaparecer los Yardbirds. En The Yardbirds comenzó tocando el bajo, la guitarra solista estaba a cargo de otro gran músico llamado Jeff Beck, pronto empezó a imponerse el talento de Jimmy y el grupo contó con dos guitarristas devastadores
Ha Intervenido con grandes grupos tocando la guitarra en el estudio como: The Who; The Kinks, Van Morrison, Rolling Stones, etc. Nunca apartando de su lado las guitarras Gibson Les Paul (en especial las doradas) y portando en sus vestimentas de concierto signos de ocultismo; Page puede o no haber sido el mejor guitarrista de los 70' s pero dejo algo bien claro, que este nuevo genero de especie de Heavy Metal con Blues con Hard Rock fuera el principal movimiento para otras bandas com Aerosmith, Guns N' Roses, Def Leppard etc.
En Led Zeppelin tocando esos maravillosos riffs hizo de este un gran grupo que dificilmente se olvidaria como en la canciones: Rock n' Roll, Black Dog, Whole Lotta Love entre otras y de la bellisima acustica que se transforma en un rock duro en Stairway To Heaven.
Keith Richards
Detras del hombre que alimento criticas de numerosos periodicos sensacionalistas existe un músico excelente y de gran personalidad
Keith richards es el induscutido guitarrista de los Rolling Stones. Nacio el 18-12-1943 en dartford inglaterra. Compañero de escuela primaria de Mick Jagger, años mas tardes se encuentran en la estación de tren, Jagger estudiaba en la School of Ecomics, mientras que richards, despues de haber sido expulsado de varias escuelas, estudiaba en la escuela de arte de Disoup, y ahi se comenzó a gestar la banda.
Detrás del consumado Stone, del hombre que alimento durante años las paginas de los periódicos sensacionalistas con historias de excesos y decadencia, se esconde un músico consciente, dedicado y personalísimo, capaz de moverse fluidamente dentro de un amplio espectro de géneros musicales y cuyo sonido, estilo y empuje rítmico han sido siempre la clave de la inconfundible música de los Rolling Stones. Su característico chaka-chaka es el combustible vital que propulsa muchos de sus clásicos memorables y ha servido de inspiración a innumerables guitarristas en el mundo entero, estableciéndose como un hito ineludible en el vocabulario guitarristico del Rock and Roll. Como dijo el periodista Peter Godbard: "los Stones son famosos gracias a Jagger y son una banda gracias a Richards."
Es ese sonido de banda que caracteriza a los Stones el que los diferencia de cualquier otro grupo, un sonido centrado en la maestria de Richards, que dispara constantemente riffs y pequeños adornos melodicos sin apartarse nunca del pulso rítmico que sostiene la canción, con magistral abandono y sin esfuerzo aparente, consiguiendo algo esencial a los maestros de cualquier forma artística: hacer que parezca simple lo que en realidad es el fruto de una compleja elaboración. Richards ayudo a derribar para siempre las barreras que separan la primera guitarra de la guitarra rítmica. "en otras bandas los musicos siguen al baterista, los stones siguen al guitarrista, que es Keith", explica Ron Wood.
"Keith es un guitarrista con mucha auto-confianza, no tenes modo de no seguirlo" decia Bill Wyman. Eso crea una capacidad de los músicos de tocar alrededor del "beat", en el cual el bajo hay veces se anticipa a la guitarra rítmica, y el baterista cae 1/100 de segundos después, proporcionando ese caracterísco inter-juego rítmico (escuchar la intro de "Start me up"
y la aparente "Desprolijidad" del sonido Stone. "es algo que viene naturalmente. De alguna forma el rock and roll es una musica altamente estructurada tocada de una manera muy desestructurada. Son esas cosas como cambiar el "beat" -si esta hecho con conviccion, si nada es forzado, si simplemente fluye-, las que le agregan una atracción extra". (Richards)
Toda la música negra a ejercido una influencia capital sobre los Stones y particularmente Richards, pero indiscutiblemente es Chuck Berry -el primer gran maestro de la guitarra rockera-, quien ha dejado una marca indeleble en la aproximación de Keith a la viola. Sus pequeñas frases en dos cuerdas, su inconfundible "shuffle" (ritmo que era una adaptación a la guitarra del boogie-woogie empleado por los pianistas negros) y la capacidad de fundir la rítmica con la "lead guitar", señalarían una dirección que Richards retomaría y llevaría una paso mas allá.
"Lo que me interesaba de Chuck Berry, era el modo en que podía salir de la parte rítmica con tal facilidad, mandándose un hermoso y simple riff, y caer nuevamente en el feeling del tema" (Richards). Dentro de las "pequeñas variaciones" que tornan "mas interesante" el rock and roll, esta el continuo uso que hace Keith de los "open tunings" (afinaciones abiertas), causantes de que tantos guitarristas del mundo hayan encallecido sus dedos intentando duplicar el sonido Richards sin conseguirlo. Una que ha utilizado frecuentemente es el "open d" (Re abierto), lo que significa que haciendo sonar la guitarra con las cuerdas al aire nos da un acorde, de re mayor (Re, La, Re, Fa sostenido, La, Re, de la 6º a la 1º cuerda). Esta afinación fue muy empleada por Keith en "Beggar´s Banquet" (long play banquete de pordioseros), en temas como "Strett Fighting Man" (peleador callejero), "Jumping Jack Flash" (el Saltarin Jack flash). La otra afinación que emplea habitualmente es el "open g" (Sol abierto) (Re Sol Re Sol Si Re de la 6º a la 1º cuerda), un modo muy empleado por los bluseros negros para el trabajo con slides. Sin embargo, Keith le añadió un innovación: saco la 6º cuerda para poder tener la raíz del acorde (en este caso sol), en la cuerda mas grave, o sea la 5º.
Richards llego al punto de hacerse construir especialmente varias guitarras de 5 cuerdas para tocar en esta afinación: Sol Re Sol Si Re. Algunos ejemplos clásicos de temas que usa "open g" son: "Honky Tonk Woman", "Start me up" y "Little t & a". "Es un sonido gigante, es una de las cosas interesantes que podes obtener con "openg tunings". Simplemente tenes que mover uno o a lo sumo dos dedos, para cambiar de acorde, y tenes el resto de las cuerdas resonando por detrás, lo que da el efecto de dos acordes superpuestos. Esta cerca de un sonido modal, como el de las gaitas. Puede hacer que un ordinario cambio de acordes suene totalmente diferente. Además te da una nueva libertad, es algo que tenes que inventar por vos mismo, porque no hay nadie que te diga como tener que hacerlos" (Keith Richards)
Eddie Van Halen
A él se le debe la técnica del TAPPING, tan utilizada ahora por guitarristas de todos los estilos.
La biografía de Eddie va ligada a la de su banda, VAN HALEN. Los hermanos Van Halen (Ed y Alex) nacieron en Holanda y en el año '67 se trasladaron a California. Ahí, su padre, un músico de Jazz, los incentivó a que fueran músicos y fueron, durante muchos años, concertistas de piano. Sin embargo al crecer fueron cautivados por el Rock lo que llevó a aprender a tocar nuevos instrumentos.Al principio, Ed tocaba la batería y Alex la guitarra, sin embargo, con el tiempo fueron cambiado sus instrumentos. Empezaron a tocar en 1972 en reuniones familiares y en la escuela. Después conocieron a DLR (David Lee Roth), quien cantaba en The Red Balls Jet y que impuso fuerza al grupo. También en la Secundaria estaba Michael Anthony que dijo:" Todos en la escuela tocan guitarra o batería, así que yo tocaré el bajo", y le sacó dos cuerdas a su guitarra. Estos cuatro personajes formaron Mamooth en 1973 y se cambiaron el nombre a Van Halen, desechando la idea de Rat Salade, en 1974. Empezaron a tocar en clubes nocturnos durante tres años y un día, Gene Simmons, el bajista de Kiss, les financió unas grabaciones de demos para el sello Warner, quienes los aceptaron y, hasta ahora han hecho toda su discografía. El álbum debut fue homónimo (Van Halen) y tuvo grandes éxitos como: Runnin´ with the Devil, You Really Got Me, Ain't Talkin''bout Love y Jamie's Cryin'.Ahí corría el año '78. Al año siguiente sacaron la continuación del primer álbum (Van Halen II)que tuvo los éxitos de: Dance the Night Away, You're No Good, etc. Eso fue en 1979. En 1980 salió el tercer disco de la banda, Women And Children First, que no tuvo muchos singles de éxitos, pero como álbum, llegó muy arriba en Billboard.
Dos años más tarde salió el disco Fair Warning, cual contenía uno de los éxitos más grandes de la banda: Unchained. Después se un año, 1983, salió Diver Down, disco que recorrió los lugares más altos de Billboard y tenía los siguientes éxitos: (Oh)Pretty Woman, Cathedral, Big Bad Bill (Is Sweet William Now), etc. Después en el año 1984, salió el disco del mismo nombre (1984) que fue el punto cúlmine de la Era de DLR. El primer single, Jump, sacó del nro.1 de Billboard a Thriller de Michael Jackson, y éste, admirado por la calidad de Eddie, Le pidió la colaboración en uno de sus temas, Beat It. Esto provocó mucho a DLR, que para vengarse grabó su proio disco en solitario sin avisar nada a los otros miembros de la banda. DLR dijo que preferiría seguir con su carrera de solista para ganar más dinero y, por este comentario fue expulsado del grupo.Después llamaron a Sammy Hagar, pero eso es otra historia.
Sammy Haggar era un cantante que con su primer disco con "mini-éxitos" había ganado algo de dinero. Entre sus cualidades estaba la de tener una voz muy aguda y saber tocar guitarra, algo que DLR nuncá trató de hacer. Cuando Van Halen estaba buscando a alguien que pusiera la voz por el grupo, Eddie fue al garage y había un auto muy lujoso.Éste, extrañado preguntó quién era e dueño y el propietario del garage le dijo:" Es de un tal Sammy Haggar.¡Hey!, lo deberías tener en tu banda." y Ed le pidió su número. Se juntaron los tres con el nuevo cantante y empezaron a tocar. Sammy empezó a improvisar letras y de esa forma salieron varias canciones.Así, Sammy fue el nuevo vocalista de Van Halen y principal figura de 5150, álbum clásico para los seguidores de Van Halen. Éste tuvo grandes éxitos como: Why Can't This Be Love, Dreams, Love Walks In y Best Of Both Worlds. Dos años después, en 1988 salió OU812, discó que empezó a bajar la clásica dureza del estilo que cultivaba Van Halen.De allí, hubieron varios singles exitosos, tales como: When It's Love, Finish What Ya Started, Feels So Good, Cabo Wabo, etc. Después de dos años de giras y uno de trabajo, salió al mercado For Unlawful Carnal Knowledge, más conocido como (perdón) F.U.C.K., que fue el punto más alto de la popularidad de Van Halen. hubo un trabajo promocional de este disco tan grande que llegaron hasta Japón, Holanda y Argentina, entre otros países más extraños aún. Fue tan bueno el material que se obtuvo durante esas giras, que se grabó un disco en vivo llamado: Van Halen LIVE: Right here, Right Now. En él se encuentra casi todo el disco F.U.C.K, éxitos de discos anteriores, un solo de cada un de los miembros de la banda y tres canciones inéditas: One Way To Rock, Give To Live (Sammy Solo) y Won't Get Fooled Again. Después de estos años de gira, en 1995 salió Balance, que puede que no sea el disco más popular, pero sí, según yo, el perfecto balance entre el Rock crudo de los primeros años y las últimas baladas.En este disco se encuentran los éxitos: Can't Stop Lovin' You, Don't Tell Me (What love Can Do), Not Enough, etc. Después, Eddie tuvo problemas por el alcohol y Sammy generó un a polémica por la canción Amsterdam, que hace mención que allá las drogas son legales. Eddie y Sammy generaron una polémica, cuando Ed, mencionó la idea de hacer una recopilación de los grandes éxitos de la banda.
Eddie Van Halen es considerado uno de los mayores virtuosos de la guitarra en la historia del rock, A él se le debe la técnica del TAPPING, tan utilizada ahora por guitarristas de todos los estilos.
EDDIE utiliza guitarras de muchas marcas distintas como GIBSON, FENDER, KRAMER o STEINBERGER, aunque en los últimos años la que más utiliza es un modelo que PEAVEY/WOLFGANG fabrica para él. La amplificación también corre a cargo de PEAVY 5150, con un modelo que la marca fabrica exclusivamente para él.
Frank Zappa
Sus influencias pasaban desde el Rhythm and Blues hasta las composiciones de Stravinsky
Frank Zappa (Francis Vincent Zappa era su verdadero nombre) nació en Baltimore. Desde muy joven, se sintió atraído por el mundo de la música. Sus influencias fueron, como mínimo, originales. Estaba fascinado por las bandas de Doo-Woop y de Rhythm and Blues, pero también por las composiciones de Igor Stravinsky. Esa original mezcla de influencias, su innato carácter provocador y su destructivo sentido del humor fueron los ingredientes con los que acabó configurando un estilo musical único y corrosivo.
En 1960, después de intentar sin éxito labrarse una carrera como escritor de guiones cinematográficos, se matriculó en la Chaffey Junior College de Alto Loma (California) para estudiar música. Poco después abandonaba el centro, iniciando una errática carrera profesional que le llevaría a ejercer, entre otras tareas, de redactor publicitario y de vendedor de enciclopedias.
En 1964 se unió a los Soul Giants, una banda local (el germen de los futuros Mothers of Invention) que pronto se encontró cantando las canciones del estrafalario nuevo miembro. Dos años después, Tom Wilson (el productor de Bob Dylan) les contrataba. El mismo año apareció su primer trabajo: Freak Out! un doble LP que, inmediatamente, les convirtió en un grupo conocido en los ambientes underground debido a su humor corrosivo e irreverente. Ese sería el público con el que contó durante toda su trayectoria. Sus temas no lograron nunca subir a lo más alto de las listas de éxitos.
Los discos de Frank Zappa y su banda (que pasó por muchas formaciones) se convirtieron en auténticos acontecimientos, esperados ansiosamente porque, en ellos, el cantante no dejaba títere con cabeza. La formación se caracterizaba, además, por llevar un ritmo de trabajo infernal. Tan sólo en 1968, por ejemplo, fueron editados tres LP's: We´re Only in It for The Money (una despiadada burla de los hippies y los Beatles), Lumpy Gravy y Cruising With Ruben & The Jets, un LP en el que Frank y sus muchachos practicaban un curioso género, que podría definirse como "Neo-Doo-Woop".
En 1969, después de una corta gira por Canadá, disolvió la formación e inició una breve etapa de actividad en solitario, colaborando con artistas como John Lennon o Ian Underwood. También creó su propio sello discográfico, en el que lanzó a figuras como Alice Cooper.
En 1970 puso en marcha una nueva versión de los Mothers Of Invention y publicó dos LP's en directo. La nueva etapa con el grupo acabó de forma trágica. El 10 de diciembre de 1971, el novio celoso de una ardiente seguidora se subió al escenario durante una de sus actuaciones, tirándole al suelo. Sufrió varias fracturas (entre ellas, una de cráneo). Tardó más de un año en recuperarse.
Afortunadamente, no dejó de editar discos ni tan sólo durante su proceso de recuperación. Algunos de esos trabajos estuvieron entre sus LP's más vendidos. Durante los setenta y los ochenta se mantuvo activo sin interrupción, y sin renunciar nunca a su papel de enfant terrible, sólo comprendido por una selecta minoría. En 1988 publicó su autobiografía y realizó su última gira mundial. En adelante, sólo actuaría en directo de forma esporádica, como el concierto que dio en Checoslovaquia, tras ser expresamente invitado por el presidente Vaclav Havel. En 1991 se hizo público que estaba gravemente enfermo de cáncer, pero su producción discográfica siguió siendo tan prolífica como era habitual hasta ese momento. Falleció en 1993.
Kurt Cobain
Su estilo está situado en las antípodas de lo que se considera un guitarrista técnico.
El último gran mártir de la historia del rock, el hombre que al frente de Nirvana encabezó la enésima revolución en la esfera del planeta rock, tambien tiene un papel destacado entre los guitarristas de este siglo.
Aunque sus primeras influencias fueron los grupos de hard rock de finales de los setenta (Aerosmith, AC/DC), Cobain nunca entendió el papel del guitarrista desde el punto de vista del egocentrismo. Su enfoque estaba más en la linea de las bandas punk, tratando la guitarra como un elemento estrctural del grupo. Otra gran influencia en la configuración de una idea musical y de paso en la manera de entender la guitarra se la proporciono a Cobain el movimiento noise de los ochenta y sobretodo un grupo, The Pixies. Las guitarras de Joey Santiago y Black Francis, fueron las que de algún modo ayudaron a Kurt a acabar de configurar sus estílo, situado en las antípodas de lo que se considera un guitarrista técnico. Un estilo basado en la magistral utilización de distorciones y feedbacks y la habilidad para crear unos solos repletos de armonías sencillas, pero a la vez sorprendentes. Cobain demostro que la frescura y la ingenuidad no estan reñidas con la elegancia. Mas datos: Nevermind.
John Frusciante
Con un estilo cargado de emotividad, Frusciante es la guitarra de los Red Hot Chili Peppers
Vuelve a ser el guitarrista de los Red Hot Chili Peppers, como la mayoria de sus fans estaban deseando, despues de un largo parentesis provocado por su adiccion a la heroína y a las multiples tensiones internas que enrarecieron el ambiente de la banda que duro aproximadamente seis años, periodo en el que grabo dos albumes en solitario de escaso exito y fue sustituido por Dave Navarro, el reputado ex-guitarrista de Jane´s Adiction. La historia de John es curiosa y convierte en realidad el sueño de cientos de miles de guitarristas noveles ya que se unió a la banda con tan solo diecisiete años, debido a la muerte por sobredosis de heroína (el verdadero azote de los RHCP) de Hillel Slovak, su anterior guitarrista. Frusciante tan solo era un fan de la banda que se conocia a la perfeccion todos los temas y que, segun diversas opiniones, tocaba exactamente como Slovak. A partir de ahí, grabo el cuarto disco de los RHCP, Mother's Milk (1989) con un exito moderado que empezo a acercarlos al gran publico. Pero el verdadero estallido surgio con Blood Sugar sex Magik (1991), la verdadera obra maestra de los Peppers y su puerta al exito masivo.
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