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Guitarristas de Jazz Luis Salinas Guitarrista argentino que puede tocar cualquier estilo con la misma calidad. Nació en Argentina, Monte Grande, ciudad muy cercana a Buenos Aires. La influencia de su padre y de su padrastro, ambos músicos, lo animaron a tocar la guitarra desde edad muy temprana. La ductilidad del guitarrista y el músico se combinan logrando una fusión impecable, se trata de un virtuosismo musical no meramente técnico. Podría decirse que es un músico libre. Transita sin ataduras por distintos estilos. Acerca de su arte George Benson señala: " Es uno de mis guitarristas favoritos ... " Chick Corea habla de él como "Uno de los grandes músicos argentinos". Scott Henderson afirma "Es increíble. Será sin duda un héroe de la guitarra". O las palabras de Badem Powel "Es un guitarrista loco y genial". Esta versatilidad ha logrado que músicos como B.B.King y Hermeto Pascoal lo hayan invitado a compartir su escenario. Es compositor de la mayoría de los temas que toca en sus conciertos y discos. Salinas innova en la música argentina. Compartió experiencias con auténticos ídolos del folklore y del tango, como Adolfo Ábalos y Horacio Salgan. Se da el lujo de tocar un zamba con Jaime Torres o grabar un disco de tango con María Graña. Músico autodidacta. No estudió en ningún conservatorio. Improvisador nato con una original capacidad interpretativa dice: "Todo tenemos una condición natural para algo. No es lo que te gusta sino lo que podés hacer. El resto es trabajar. No pretendo ser mejor que alguien. Quiero ser el mejor Salinas posible. Mi música más que nada tiene que ser fluída y sincera, si uno no se emociona, el público tampoco. Frank Gambale El australiano es un hombre admirable no sólo como un intérprete y compositor, también como profesor. Muchos son los intérpretes que han progresado gracias a sus consejos e inspiración. Nacido en Canberra en 1959, Frank Gambale empezó tocando a los siete años, influenciado inicialmente por artistas como Hendrix y Clapton, tomando luego una dirección más jazz con Chick Corea y Steely Dan. En 1982 se desplazó a EE.UU., estudiando en el Hollywood’s Guitar Institute of Technology, graduándose como Estudiante del Año y ofreciéndose para el puesto de profesor donde estuvo durante cuatro años. Durante este tiempo publicó su primer libro Speed Picking. Los primeros vídeos de Frank, una serie de tres, aparecieron en 1987. El anterior año vio como se afianzaba un contrato para tres discos así como una gira con Jean-Luc Ponty, que rápidamente le llevó a estar durante seis años con uno de sus héroes, Chick Corea. De los cinco discos grabados con Corea, uno ganó un Grammy y otros dos fueron nominados. 1990 supuso el reconocimiento internacional de Gambale como solista con el disco Thunder From Down Under, que copó las listas de jazz japonesas, acompañado por sus tres álbumes anteriores, todos dentro del top 10. Dos años después, Frank finalmente se aventuró a salir, y ha estado desde entonces grabando y de gira con su grupo, dirigiendo también numerosos seminarios y masterclass en todo el mundo. En 1996 estaba a la cabeza del Departamento de Guitarra de la nueva Los Angeles Music Academy, donde escribió el programa principal de estudios, y continúa ejerciendo como profesor cuando está en la ciudad. Aparte de formar recientemente su propia compañía, Wombat Records, y firmar un contrato con la Favoured Nations de Steve Vai, Gambale permanece muy ocupado con los proyectos de colaboración. Ha contribuido con el grupo Vital Information durante más de 13 años, y ha lanzado tres grabaciones con el bajista Stu Hamm y el batería Steve Smith. Uno de los grandes proyectos del 2002 fue un DVD en directo -Concert With Class- que no sólo muestra a los espectadores un concierto de 90 minutos, al mismo tiempo les ofrece material educativo relacionado con la actuación. El otoño planea una gira con la Elektric Band de Chick Corea en celebración del 60 cumpleaños de Corea, donde aparte de Gambale también estarán otros artistas Yamaha como el bajista John Patitucci y el batería Dave Weckl. Guitarristas de Blues y Country B.B. King El guitarrista que popularizo el blues e influenció a casi todos los guitarristas eléctricos que le siguieron B.B. King es uno de los guitarristas mas populares de todos los tiempos y una leyenda viva del blues. Considerado por muchos como el Rey del blues, es el mejor embajador en todo el mundo y ha sido de los que mas han trabajado para popularizarlo. Ha influenciado practicamente a todos los guitarristas de blues y rock que le han sucedido, debido a que su estilo es el ABC de la guitarra solista, espléndido resumen de las técnicas básicas para los solos. Su humilde y elegante estilo, mezcla de gospel, jazz y blues del Delta, es un compendio perfecto entre expresión ritmica y sintesis melódica. Con tan solo cuatro o cinco notas colocadas en el lugar preciso es capaz de decirlo todo. Esto, unido a un excelente control de bendings y prebendings a diferentes intervalos y a una técnica de vibrato, que involucra todo el antebrazo, constituye una firma sonora muy imitada pero nunca superada. Se centra en la pentatónica (aunque a menudo añade alguna nota fuera de la escala para dar un toque mas jazzero) en una posición del mástil y exprime cada una de las notas, consiguiendo que todas ellas adquieran un significado. Prefiere la expresividad a la rapidez, dando un caracter vocal a su fraseo. Debuta discográficamente en 1951 con el tema 3 O'Clock Blues y obtiene tal exito que pasa directamente de Menphis a los grandes escenarios de Nueva York. Su imagen no se puede disociar de su adorada Gibson ES-355, la mitica Lucille. En realidad, Lucille no es unica, pues posee varias ES-355 idénticas, todas con el mismo nombre. De su discografía destacan temas como Lucille, The Thrill is gone o Caldonia. Su media anual casi nunca ha bajado de los doscientos conciertos y en una carrera de cincuenta años ha lanzado al mercado mas de cincuenta albunes. Todavía mantien una actividad mas que envidiable, grabando discos junto a discipulos tan ilustres como los Rolling Stones, Van Morrison, David Gilmour o Eric Clapton y realiazndo giras por todo el mundo. B.B. King utiliza un dibujo básico para sus solos, se basa en la pentatónica y agrega otras notas. En el "diagrama de blues de B.B. King" el trata de exprimir al maximo las notas realizando un fraseo incomparable y no fijandose tanto en la velocidad. Stevie Ray Vaughan El Guitarrista que cambió la definición del Blues Eléctrico para siempre. Uno de los grandes guitarristas de todos los tiempos, y uno de los grandes maestros (sino es que el mejor) del Blues que pueda haber existido, Stevie Ray Vaughan. Este Texano sin lugar a dudas llego a el corazon de millones de personas con su musica, con su pasion y con esa intensidad con la que tocaba la guitarra. Era increible como atraia a la gente con su poderoso Blues lleno de sentimiento que hacia que quedaran inevitablemente rendidos a sus pies. Algo tenia Stevie (y sigue teniendo!) que hacia que todo aquel que escuchara su musica quedara totalmente prendido de ella para siempre, desafortunadamente cuando su estrella apenas empezaba a brillar, el destino se lo llevo en un lamentable accidente aereo y a la edad de 36 años el 27 de agosto de 1990, dejo de estar entre nosotros. Cuando el mundo perdio a Vaughan, no solo perdio a un increible musico, tambien a una increible persona. Realmente es admirable la forma en que entrego su corazon y alma en su musica y tambien por la forma en que se sobrepuso y vencio su adiccion a las drogas. Su musica simplemente es sorprendente, tiene mucho feeling que va de la mano con su virtuosismo para tocar la guitarra cosa que definitivamente te lleva a otras dimensiones, ejemplos muy claros han quedado plasmados en temas como Life Without You. No habra otra persona capaz de remplazarlo, ya que el lo dio todo a su musica y personas como el, son contadas. Su discografia oficial, es bastante extensa contando la infinidad de grabaciones no oficiales que hasta el dia de hoy siguen saliendo, para recordar y honrar la memoria de su leyenda que aun continua... Eric Clapton Sin duda el mejor Bluesman blanco que jamas existió. Apodado como Dios en Londres Tras descubrir que detras del rock de los cincuenta se escondían cantos esclavos en los campos de trabajo de Estados Unidos, Eric Patrick Clapton (1945) se siente enormemente fascinado por el Blues. Su sonido limpio y cortado en The Yardbirds gusta a John Mayall que, cuando Clapton deja el grupo al considerarlos demasiado comerciales, le invita a formar parte de su banda. John Mayall's Bluesbreakers with Eric Clapton (1966) es un disco historico en el que Clapton deslunmbra por la naturalidad con la que interpreta el blues. Sin embargo, Eric, a quien las paredes de Londres bautizan como Dios, decide formar un nuevo grupo junto a Ginker Baker y Jack Bruce. Cream revolucionea la escena musical del momento y se convierte en el primer supergrupo de la historia. Un conjunto con bases de blues y rock que desemboca en interminables improvisaciones de estilo libre. El doble disco Wheels of Fire combina jams psicodelicas, temas propios como White Room y versiones de clásicos del blues como Born under a Bag Sign o Crossroads, en el cual Clapton interpreta uno de sus solos mas laureados. El desenfreno con el que el británico toca las Gibson en Cream no ha sido jamás igualado por el mismo. En 1970 forma Derek and the Dominos y pasa a tocar la Stratocaster. Con este grupo y con Brownie, su mas preciada guitarr, graba Layla y un extraordinario doble directo en el Fillmore de Nueva York (1971). Posteriormente, las drogas atrapan a un deprimido Clapton por la muerte de Hendrix y Duana Allman, que logra resurgir gracias al Rainbow Concert, promovido por Pete Townshend. EL maestro del cuarto tono tambien a firmado bandas sonoras como El color del dinero, Homeboy o las diferentes entregas de Arma Mortal. En 1994, tras el exito de Unplugged, Clapon publica From The Cradle, sincero homenaje a todas sus influencias en el blues. A pesar de que actualmente Clapton esta inmerso en el juego de las discográficas por vender mas y mas discos a costa de lo que sea, es probablemene el mejor solista blanco de la historia del rock y blues y el guitarrista mas popular del mundo. Pappo El mejor bluesman de la argentina y un reconicido artista que sento las bases del rock argentino. Idolo y amigo del rey del blues: B.B. King Norberto "Pappo" Napolitano es la expresión mas veraz que el rock argentino haya tenido. Considerado internacionalmente como uno de los guitarristas mas brillantes, ha establecido un estilo en la musica argentina que es imposible no reconocerle. Ya en su etapa con Los Gatos supo imprimir el sonido rockero, que dejaría atras la euforia beat. La creación de Pappo's Blues en formato de trío a la manera de Cream -el primer supergrupo de la historia-, que Pappo pudo ver visitando Inglaterra- marcaría un nuevo horizonte. Su particular forma de tocar dio pie a la aparición de agrupaciones como Pescado Rabioso, La Pesada y muchisimos otros. Pappo's Blues fue tambien una suerte de vidriera que sirvió para que talentos como David Lebón, Black Amaya, Pomo Barros y Machi Rufino -antes de integrarse a invisible-, Isa Portugheis, Fanta Beadoux y Vitico Bereciartúa, comenzaron a ser reconocidos. Su temperamento inquieto lo condujo a Inglaterra. Alli se convirtió en el primer guitarrista del grupo Motorhead y toco Blues con el ex Fletwood Mac Peter Green. A lo largo de su extensa carrera ha tocado, entre otros, con Carmine Appice y Tim Bogart, Smokey WIlson, Edgar Winter, Deacon Jones y Micky Champion, Buddy Guy, Ken Bowie y el actor Bruce Willis, pero lo mas importante ha sido, sin duda, el ciclo de conciertos que compartió con su ídolo B.B. King en los Estados Unidos y junto a la banda de John Lee Hooker, con quien grabo para su album "Caso Cerrado". Riff se ha convertido en una marca registrada durante mas de 30 años de historia y es una de las grandes bandas de metal de rock en español. Pappo ha sido siempre el referente obligado para los músicos que continúan levantando la bandera del rock. Botafogo Miguel Villanova es un guitarrista de Blues argentino de reconocimiento mundial y de una larga trayectoria Es profesor del Instituto de Música Contemporanea (ITMC), brindando clínicas, colabora con revistas especializadas y lleva escritos seis métodos de enseñanza de guitarra; Miguel Villanova nació el 7 de febrero de 1956 y a los 9 años comenzó a tocar la guitarra clásica. A los 12 tuvo su primera guitarra eléctrica y a los 17 años debutó en Pappo's Blues, donde puso los acordes para el disco "Pappo sigue vivo". El "Carpo" fue quien lo apodó Botafogo y el violero guardó el seudónimo como un regalo del "Carpo". Despues de Pappo's Blues integró Engranaje, Avalancha, Tren Plateado, Carolina y Studebaker. Entre 1977 y 1984 se radicó enn Madrid. En España formó parte de Cucharada y tocó junto a Joaquín Sabina, Antonio Flores, El Mariscal Romero y Pappo. A su vuelta en 1985 forma Durazno de Gala, junto a sus ex compañeros de Studebaker "Yalo" Lopéz y Daniel Demaría. Con el grupo grabó seis discos y tuvo el honor de abrir las presentaciones de B.B. King en 1991. En 1992 participó en el Rhythm & Blues Festival de Chicago. En 1995 edita su disco solista llamado "Trío". Guitarristas de Rock Jimi Hendrix No existe guitarrista eléctrico sobre la tierra que no haya sido influenciado por Hendrix. Simplemente el mejor. Jimi Hendrix, guitarrista y cantante, fue la individualidad mas prodigiosa y original de la escena del Rock y del Rhythm & Blues. Era zurdo, pero curiosamente usaba guitarras normales con las cuerdas preparadas para los diestros colocadas en sentido contrario. Nació el 27 de Noviembre de 1942 en Seattle, en el estado de Washington. Su padre se llamaba James Allen Hendrix y su madre era una india Cherokee. En el registro civil fue inscrito como Jhonny Allen Hendrix, pero posteriormente su padre cambió su nombre por el de James Marshall Hendrix y, desde luego, Jimmi como diminutivo, aunque él adoptaría la grafía Jimi en 1966 cuando fundó en Londres el conjunto "The Jimi Hendrix Experience". A los 11 años de edad aprendió a tocar la guitarra bajo la influencia de los discos de Robert Johnson y B.B. King a quienes idolatraba. Entre 1960 1961 sirvió en el ejercito Norteamericano en un batallón de paracaidistas, y en 1962 fue liberado a causa de una invalidez temporal, entonces decidió establecerse en Nashville y junto con Billy Cox, antiguo compañero del servicio militar, formó el trío "The Casuals", que realizó diversas actuaciones y logró un relativo éxito en la zona. Precisamente debido a este éxito inicial, llamaron a Hendrix para incorporarse a la banda del célebre Little Richard, con el cual recorrió Estados Unidos durante casi dos años y de quien aprendió mucho. Alternativamente, realizó varias actuaciones durante un breve período como guitarrista en las Bandas de Wilson Pickett, Isley Brothers, Solomon Burke y otros, incluyendo tambien el pintoresco grupo del conocido campeón de lucha libre Georgeous George, que dejo el ring para liderar, como cantante, una Banda de Rock & Roll. En aquella época, Jimi Hendrix grabo varios discos con diferentes conjuntos, aunque su presencia no fue tan relevante. En 1965, Jimi Hendrix abandonó definitivamente a Little Richard despúes de una amarga discusión por cuestiones salariales y de Royalties. Túvo el mismo problema en relación a otros conjuntos con los que trabajó durante ese período, lo que llego a ser una constante en su vida profesional. En realidad, Jimi siempre túvo la impresión de que sus jefes, empresarios y colaboradores vivían engañandolo respecto a esto, era muy desconfiado, y a pesar de ello, en 1965 firmó un contrato desfavorable con una pequeña empresa de discos por tres años y en condiciones de verdadera usura. Había sido su primer contrato discográfico y se lamentó toda su vida como una pesada cruz en su memoria. Ese mismo año fue aplaudido como guitarrista del conjuto del cantor Curtis Knight y grabó discos del saxofonista Lennie Youngblood. Éstas son realmente las primeras grabaciones relevantes y claramente determinantes en la discográfia total de Jimi Hendrix. En el bienio 1965-66, Jimi Hendrix empezó a conocer la vorágine del exito, la fama, el fervor de los admiradores, las continuas e ininterrumpidas actuaciones, sin tiempo para descansar. Sin la munición suficiente para hacer frente al Huracán, empezó a defenderse entregandose desenfrenadamente a las drogas, lo que termino por influenciar su conducta dentro y fuera de los escenarios. Mientras tanto lo solicitaban constantemente como guitarrista, habiendo realizado notables actuaciones con los grupos de King Curtis, Chuck Jackson, Sam Cooke, Ike & Tina Turner y otros de la misma talla. Tras actuar en el cafe Wha, del Greenwich village de Nueva York, el bajista del grupo The Animals, Chas Chandler, lo reclamó para que lo acompañara a Londres, donde había mucha adulación y grandes posibilidades de ganar mucho dinero. Aquella propuesta quedó grabada en la memoria de Jimi Hendrix, siempre desconfiado y sospenchando que los empresarios lo estafaban con los royalties. Por otra parte, el potencial artistico y escenico de Jimi Hendrix había alcanzadosu completo desarrollo, y su desempeño era realmente espectacular y llamativo, tocando la guitarra por arriba y por detras de la cabeza o tocando las cuerdas con los dientes, etc., y utilizando eficazmente la técnica del "feedback" y así como otros efectos sonoros, ya que a veces, al finalizar su espectáculo paroxistico, arrojaba la gasolina de su mechero en la guitarra, que prendía fuego en el escenario frente al delirio del público, cuya algarabía retumbaba entre silbidos y exaltaciones, mientras la guitarra del ídolo ardía en el escenario como el último tributo a la gloría del Rock. Jimi Hendrix viajo a Londres con Chas Chandler (que fue su primer manager Inglés) en el mismo año de 1.966 y tras actuar en algunos clubs locales, fundó The Jimi Hendrix Experience con Noel Redding al Bajo y Mitch Mtchell a la Batería. El grupo realizó una gira por Europa, que fue filmada y en la que sobresalen los recitales del Tivoli, en Estocolmo, del Sport Arena, de Copenhague, y del Olymia de París. La filmación se completó en diversos clubs Londinenses antes de encerrarse en un estudio de grabación (previo contrato con la Polydor, una de las "majors" internacionales), coincidiendo la publicación del disco con la solémne actuación oficial en el Saville Theather de Londres. Los Hits discográficos no se hicieron esperar en Gran Bretaña y en toda Europa y, poco después en Estados unidos (con el sello Reprise) a rastras de los ecos del gran triunfo europeo. El primer L.P. "Are you experience", supuso un éxito inmediato y también los singles "Purple Haze", "The wind cries Mary", "Burning of the midnight lamp", etc. Como banda ya consagrada y la aureola de todos sus triunfos europeos a cuestas, The Jimi Hendrix Experience hizo su presentación americana en el Monterrey Pop festival de 1967, la cual se filmó para un largometraje de exhibición comercial, y a continuación hizo una serie de triunfantes actuaciones en el hollywood Bowl, el Fillmore west, de San Francisco, y realizó una corta gira por Estados Unidos con la 0The Monkees. En 1968 y 1969 cruzó en los dos sentidos el Atlántico varias veces para participar en espectacúlos estelares, tanto en Estados Unidos como en Canadá y también en toda Europa Occidental. El Fillmore East, el Singer Bowl y el Fhilarmonic Hall de Nueva York fueron el marco elegido para memorables actuaciones, como también el Convention Hall de Anaheim, de California, o el Underground Pop Festival de Miami, o el Albert Hall de Londres y el Olympia de parís nuevamente. El grupo Experience se disolvío y Jimi Hendrix se presentó como solista en el Festival de Newport de 1969 y, en el mismo año, en el Woodstock Music & Art Fair (donde se filmo la película Woodstock). Para llenar nuevamente el legendario Fillmore East, formó la banda llamada The Band Of Gypsies, que también actúo en el Madison Square Garden, pero el grupo se separó en los primeros años setenta. De su filmografía cabe mencionar: "Experience", "Sweet Toronto", "Keep on Rocking", "Jimi plays Berkeley" y "Rainbow Bridge", filmada en Hawai. Tras un histórico recital en el festival de la isla de Wight (1970), actúo un breve período junto a Eric Burdon y el grupo War, además de varias actuaciones en clubs Londinenses. Jimi Hendrix sufrió un colapso mientras dormía en el Hotel Samarkand con su amiga Monika Danneman, debido a una mezcla exagerada de Barbitúricos, somniferos y alcohol se ahogó con su propio Vómito. Era el 18 de Septiembre de 1970 y faltaban dos meses para que Hendrix cumpliera 28 años. De su genialidad y del poderío de su guitarra queda el testimonio de sus canciones, tales como: "Angel", "Can your hear me?", "Castles are made of sand", "Crosstown traffic", "Electric Church", "First Look Around the corner", "Foxi Lady", "Love and Confusion", "May This Be Love", "I Don`t Live Today", "Manic Depression", "Purple Haze" , "Red House", "Remenber", "Third Stone From The Sun", "Voodoo Child", "Hey Joe", etc., que siguen expresando su pasión de vivir y de triunfar en un mundo inhóspito y hostil. Con cada cambio generacional la figura de James Marshall Hendrix ha ido cobrando mas y mas dimensión. Desde su desaparicion, cada nueva andada de guitarristas le ha redescubierto y venerado por lo que tenía de unico y genial. Hendrix es el guitarrista de rock por excelencia. Tenía un Marshall y una Strato en el dormitorio, se preparaba el desayuno con la guitarra en ristre y era capaz de tocar, tocar y tocar, infatigablemente durante larguisimas sesiones de práctica sin desfallecer. Amaba profundamente la guitarra eléctrica. Hendriz se comprometió tanto con el instrumento y con su música, que su verdadero legado hay que buscarlo en ese punto, en esa actitud de utilizar todos los medios posibles para desarrollar la idea musical sin limites. Y en esa linea su mejor trabajo fue sin duda el doble Electric Laduland, un album imprescindible en la historia de la música de la segunda mitad del siglo XX. Slash La guitarra de los Guns n' Roses en sus mejores epocas, una gran personalidad y una Gibson Les Paul Un sombrero de copa, una botella de Jack Daniels, su cigarro y una Gibson dorada con la que saca los riffs mas agresivos y las estupendas baladas con las que Guns And Roses se han hecho mundialmente famosos, son las caracteristicas con las que se podria definir a Saul Hudson alias "Slash", el elemento que mas claramente ha mantenido la personalidad Hard-Rockera de los Guns y que mas credibilidad y carisma le ha aportado a la banda. Como guitarrista, Slash pertenece a ese grupo de guitarristas que no destacan por tener una tecnica muy depurada, o por ser virtuosos como instrumentalistas. Es mas un guitarrista de feeling, de sangre caliente, que transmite ese tipo de sensacion a la hora de aplicarse en cada uno de sus temas. Ejemplos muy claros los tenemos en canciones como November Rain, donde toca unos solos tan soberbios que solo hay una palabra para describirlos: geniales!; tambien esta la clasica Sweet Child O´Mine o incluso en temas mas acelerados como la heavy You Could Be Mine, Dont´Damn Me o tambien Paradise City, temas donde pega unos guitarrazos formidables haciendolo hoy por hoy un musico de un carisma inmenso y enormemente influyente en el entorno del rock y sobre todo de la guitarra de nuestra epoca. Actualmente la banda ha dejado de lado a este formidable guitarrista, pero Slash ha estado participando en varios proyectos como en el disco de Gilby Clarke donde se destripa la rola Tijuana Jail de una manera estupenda. Sin lugar a dudas sigue siendo toda una figura de la guitarra de los 90´s! George Harrison Detras de las figuras de Lennon y McCartney, el alma solista del mejor grupo de rock de todos los tiempos: The Beatles George Harrison fue el tercer hombre dentro del grupo mas importante que jamas haya existido en este planeta: The Beatles. Siempre a la sombra de Lennon y McCartney, George nunca tuvo el espació vital minimo para que su creatividad pudiera convertirse en algo realmente trascendente. Aun así, sus aportes a la música de este siglo y como no a su instrumento, la guitarra, son realmente destacables. George empezó tocando la guitarra imiatndo a clásicos del rock y del country norteamericano como Carl Perkins o Chet Atkins, cosa evidente en los solos de ocho a doce compases caracteristas del Harrison de los primeros Beatles. Despues llego la época psicodélica donde junto a otro dos grandes guitarristas Lennon y McCarteny (si no lo eran técnicamente hablando si lo eran en la faceta creativa), exploraron las enormes posibilidades sonoras de la guitarra (empleando por primera vez feedback en una grabación o experimentando con efectos analógicos). Ademas, Harrison Fue el pionero en la utilización de la RIckenbacker de doce cuerdas, introdujo el sitar a la cultura pop y de paso las sonoridades hindús en la guitarra, experimento con las distorsiones extremas... y una vez disueltos los Beatles se erigió en un autentico paladín de la técnica del slide. Pero sin duda la mas grande contribución que han hecho los Beatles en general y Harrison en particular es la de difundir la guitarra entre la cultura de masas, prueba de ello es que un gran numero de grandes guitarristas reconocen que dieron sus primeros pasos en el mundo de la guitarra intentando emular a George. Jimmy Page Jimmy Page, de los musicos que mas han influido en su genero, gran maestro de la guitarra, lo hicieron lider fundador del gran grupo Led Zeppelin. JAMES PATRICK PAGE (nació el 9 de Enero de 1944) era uno de los guitarristas de estúdio mas requisitado para grabaciones en Inglaterra. Entro en Yardbirds donde han pasado grandes guitarristas com Eric Clapton y Jeff Beck. Al deshacerse el grupo, Page forma otra banda con tres sorprendentes musicos y asi se crea Led Zeppelin. Jimmy Page ha sido uno de los músicos más influyentes de todos los tiempos en su genero, su virtuosismo con la guitarra, su nivel de asimilación y su carisma, hicieron de el, el líder del grupo que el mismo fundo, al desaparecer los Yardbirds. En The Yardbirds comenzó tocando el bajo, la guitarra solista estaba a cargo de otro gran músico llamado Jeff Beck, pronto empezó a imponerse el talento de Jimmy y el grupo contó con dos guitarristas devastadores Ha Intervenido con grandes grupos tocando la guitarra en el estudio como: The Who; The Kinks, Van Morrison, Rolling Stones, etc. Nunca apartando de su lado las guitarras Gibson Les Paul (en especial las doradas) y portando en sus vestimentas de concierto signos de ocultismo; Page puede o no haber sido el mejor guitarrista de los 70' s pero dejo algo bien claro, que este nuevo genero de especie de Heavy Metal con Blues con Hard Rock fuera el principal movimiento para otras bandas com Aerosmith, Guns N' Roses, Def Leppard etc. En Led Zeppelin tocando esos maravillosos riffs hizo de este un gran grupo que dificilmente se olvidaria como en la canciones: Rock n' Roll, Black Dog, Whole Lotta Love entre otras y de la bellisima acustica que se transforma en un rock duro en Stairway To Heaven. Keith Richards Detras del hombre que alimento criticas de numerosos periodicos sensacionalistas existe un músico excelente y de gran personalidad Keith richards es el induscutido guitarrista de los Rolling Stones. Nacio el 18-12-1943 en dartford inglaterra. Compañero de escuela primaria de Mick Jagger, años mas tardes se encuentran en la estación de tren, Jagger estudiaba en la School of Ecomics, mientras que richards, despues de haber sido expulsado de varias escuelas, estudiaba en la escuela de arte de Disoup, y ahi se comenzó a gestar la banda. Detrás del consumado Stone, del hombre que alimento durante años las paginas de los periódicos sensacionalistas con historias de excesos y decadencia, se esconde un músico consciente, dedicado y personalísimo, capaz de moverse fluidamente dentro de un amplio espectro de géneros musicales y cuyo sonido, estilo y empuje rítmico han sido siempre la clave de la inconfundible música de los Rolling Stones. Su característico chaka-chaka es el combustible vital que propulsa muchos de sus clásicos memorables y ha servido de inspiración a innumerables guitarristas en el mundo entero, estableciéndose como un hito ineludible en el vocabulario guitarristico del Rock and Roll. Como dijo el periodista Peter Godbard: "los Stones son famosos gracias a Jagger y son una banda gracias a Richards." Es ese sonido de banda que caracteriza a los Stones el que los diferencia de cualquier otro grupo, un sonido centrado en la maestria de Richards, que dispara constantemente riffs y pequeños adornos melodicos sin apartarse nunca del pulso rítmico que sostiene la canción, con magistral abandono y sin esfuerzo aparente, consiguiendo algo esencial a los maestros de cualquier forma artística: hacer que parezca simple lo que en realidad es el fruto de una compleja elaboración. Richards ayudo a derribar para siempre las barreras que separan la primera guitarra de la guitarra rítmica. "en otras bandas los musicos siguen al baterista, los stones siguen al guitarrista, que es Keith", explica Ron Wood. "Keith es un guitarrista con mucha auto-confianza, no tenes modo de no seguirlo" decia Bill Wyman. Eso crea una capacidad de los músicos de tocar alrededor del "beat", en el cual el bajo hay veces se anticipa a la guitarra rítmica, y el baterista cae 1/100 de segundos después, proporcionando ese caracterísco inter-juego rítmico (escuchar la intro de "Start me up" y la aparente "Desprolijidad" del sonido Stone. "es algo que viene naturalmente. De alguna forma el rock and roll es una musica altamente estructurada tocada de una manera muy desestructurada. Son esas cosas como cambiar el "beat" -si esta hecho con conviccion, si nada es forzado, si simplemente fluye-, las que le agregan una atracción extra". (Richards) Toda la música negra a ejercido una influencia capital sobre los Stones y particularmente Richards, pero indiscutiblemente es Chuck Berry -el primer gran maestro de la guitarra rockera-, quien ha dejado una marca indeleble en la aproximación de Keith a la viola. Sus pequeñas frases en dos cuerdas, su inconfundible "shuffle" (ritmo que era una adaptación a la guitarra del boogie-woogie empleado por los pianistas negros) y la capacidad de fundir la rítmica con la "lead guitar", señalarían una dirección que Richards retomaría y llevaría una paso mas allá. "Lo que me interesaba de Chuck Berry, era el modo en que podía salir de la parte rítmica con tal facilidad, mandándose un hermoso y simple riff, y caer nuevamente en el feeling del tema" (Richards). Dentro de las "pequeñas variaciones" que tornan "mas interesante" el rock and roll, esta el continuo uso que hace Keith de los "open tunings" (afinaciones abiertas), causantes de que tantos guitarristas del mundo hayan encallecido sus dedos intentando duplicar el sonido Richards sin conseguirlo. Una que ha utilizado frecuentemente es el "open d" (Re abierto), lo que significa que haciendo sonar la guitarra con las cuerdas al aire nos da un acorde, de re mayor (Re, La, Re, Fa sostenido, La, Re, de la 6º a la 1º cuerda). Esta afinación fue muy empleada por Keith en "Beggar´s Banquet" (long play banquete de pordioseros), en temas como "Strett Fighting Man" (peleador callejero), "Jumping Jack Flash" (el Saltarin Jack flash). La otra afinación que emplea habitualmente es el "open g" (Sol abierto) (Re Sol Re Sol Si Re de la 6º a la 1º cuerda), un modo muy empleado por los bluseros negros para el trabajo con slides. Sin embargo, Keith le añadió un innovación: saco la 6º cuerda para poder tener la raíz del acorde (en este caso sol), en la cuerda mas grave, o sea la 5º. Richards llego al punto de hacerse construir especialmente varias guitarras de 5 cuerdas para tocar en esta afinación: Sol Re Sol Si Re. Algunos ejemplos clásicos de temas que usa "open g" son: "Honky Tonk Woman", "Start me up" y "Little t & a". "Es un sonido gigante, es una de las cosas interesantes que podes obtener con "openg tunings". Simplemente tenes que mover uno o a lo sumo dos dedos, para cambiar de acorde, y tenes el resto de las cuerdas resonando por detrás, lo que da el efecto de dos acordes superpuestos. Esta cerca de un sonido modal, como el de las gaitas. Puede hacer que un ordinario cambio de acordes suene totalmente diferente. Además te da una nueva libertad, es algo que tenes que inventar por vos mismo, porque no hay nadie que te diga como tener que hacerlos" (Keith Richards) Eddie Van Halen A él se le debe la técnica del TAPPING, tan utilizada ahora por guitarristas de todos los estilos. La biografía de Eddie va ligada a la de su banda, VAN HALEN. Los hermanos Van Halen (Ed y Alex) nacieron en Holanda y en el año '67 se trasladaron a California. Ahí, su padre, un músico de Jazz, los incentivó a que fueran músicos y fueron, durante muchos años, concertistas de piano. Sin embargo al crecer fueron cautivados por el Rock lo que llevó a aprender a tocar nuevos instrumentos.Al principio, Ed tocaba la batería y Alex la guitarra, sin embargo, con el tiempo fueron cambiado sus instrumentos. Empezaron a tocar en 1972 en reuniones familiares y en la escuela. Después conocieron a DLR (David Lee Roth), quien cantaba en The Red Balls Jet y que impuso fuerza al grupo. También en la Secundaria estaba Michael Anthony que dijo:" Todos en la escuela tocan guitarra o batería, así que yo tocaré el bajo", y le sacó dos cuerdas a su guitarra. Estos cuatro personajes formaron Mamooth en 1973 y se cambiaron el nombre a Van Halen, desechando la idea de Rat Salade, en 1974. Empezaron a tocar en clubes nocturnos durante tres años y un día, Gene Simmons, el bajista de Kiss, les financió unas grabaciones de demos para el sello Warner, quienes los aceptaron y, hasta ahora han hecho toda su discografía. El álbum debut fue homónimo (Van Halen) y tuvo grandes éxitos como: Runnin´ with the Devil, You Really Got Me, Ain't Talkin''bout Love y Jamie's Cryin'.Ahí corría el año '78. Al año siguiente sacaron la continuación del primer álbum (Van Halen II)que tuvo los éxitos de: Dance the Night Away, You're No Good, etc. Eso fue en 1979. En 1980 salió el tercer disco de la banda, Women And Children First, que no tuvo muchos singles de éxitos, pero como álbum, llegó muy arriba en Billboard. Dos años más tarde salió el disco Fair Warning, cual contenía uno de los éxitos más grandes de la banda: Unchained. Después se un año, 1983, salió Diver Down, disco que recorrió los lugares más altos de Billboard y tenía los siguientes éxitos: (Oh)Pretty Woman, Cathedral, Big Bad Bill (Is Sweet William Now), etc. Después en el año 1984, salió el disco del mismo nombre (1984) que fue el punto cúlmine de la Era de DLR. El primer single, Jump, sacó del nro.1 de Billboard a Thriller de Michael Jackson, y éste, admirado por la calidad de Eddie, Le pidió la colaboración en uno de sus temas, Beat It. Esto provocó mucho a DLR, que para vengarse grabó su proio disco en solitario sin avisar nada a los otros miembros de la banda. DLR dijo que preferiría seguir con su carrera de solista para ganar más dinero y, por este comentario fue expulsado del grupo.Después llamaron a Sammy Hagar, pero eso es otra historia. Sammy Haggar era un cantante que con su primer disco con "mini-éxitos" había ganado algo de dinero. Entre sus cualidades estaba la de tener una voz muy aguda y saber tocar guitarra, algo que DLR nuncá trató de hacer. Cuando Van Halen estaba buscando a alguien que pusiera la voz por el grupo, Eddie fue al garage y había un auto muy lujoso.Éste, extrañado preguntó quién era e dueño y el propietario del garage le dijo:" Es de un tal Sammy Haggar.¡Hey!, lo deberías tener en tu banda." y Ed le pidió su número. Se juntaron los tres con el nuevo cantante y empezaron a tocar. Sammy empezó a improvisar letras y de esa forma salieron varias canciones.Así, Sammy fue el nuevo vocalista de Van Halen y principal figura de 5150, álbum clásico para los seguidores de Van Halen. Éste tuvo grandes éxitos como: Why Can't This Be Love, Dreams, Love Walks In y Best Of Both Worlds. Dos años después, en 1988 salió OU812, discó que empezó a bajar la clásica dureza del estilo que cultivaba Van Halen.De allí, hubieron varios singles exitosos, tales como: When It's Love, Finish What Ya Started, Feels So Good, Cabo Wabo, etc. Después de dos años de giras y uno de trabajo, salió al mercado For Unlawful Carnal Knowledge, más conocido como (perdón) F.U.C.K., que fue el punto más alto de la popularidad de Van Halen. hubo un trabajo promocional de este disco tan grande que llegaron hasta Japón, Holanda y Argentina, entre otros países más extraños aún. Fue tan bueno el material que se obtuvo durante esas giras, que se grabó un disco en vivo llamado: Van Halen LIVE: Right here, Right Now. En él se encuentra casi todo el disco F.U.C.K, éxitos de discos anteriores, un solo de cada un de los miembros de la banda y tres canciones inéditas: One Way To Rock, Give To Live (Sammy Solo) y Won't Get Fooled Again. Después de estos años de gira, en 1995 salió Balance, que puede que no sea el disco más popular, pero sí, según yo, el perfecto balance entre el Rock crudo de los primeros años y las últimas baladas.En este disco se encuentran los éxitos: Can't Stop Lovin' You, Don't Tell Me (What love Can Do), Not Enough, etc. Después, Eddie tuvo problemas por el alcohol y Sammy generó un a polémica por la canción Amsterdam, que hace mención que allá las drogas son legales. Eddie y Sammy generaron una polémica, cuando Ed, mencionó la idea de hacer una recopilación de los grandes éxitos de la banda. Eddie Van Halen es considerado uno de los mayores virtuosos de la guitarra en la historia del rock, A él se le debe la técnica del TAPPING, tan utilizada ahora por guitarristas de todos los estilos. EDDIE utiliza guitarras de muchas marcas distintas como GIBSON, FENDER, KRAMER o STEINBERGER, aunque en los últimos años la que más utiliza es un modelo que PEAVEY/WOLFGANG fabrica para él. La amplificación también corre a cargo de PEAVY 5150, con un modelo que la marca fabrica exclusivamente para él. Frank Zappa Sus influencias pasaban desde el Rhythm and Blues hasta las composiciones de Stravinsky Frank Zappa (Francis Vincent Zappa era su verdadero nombre) nació en Baltimore. Desde muy joven, se sintió atraído por el mundo de la música. Sus influencias fueron, como mínimo, originales. Estaba fascinado por las bandas de Doo-Woop y de Rhythm and Blues, pero también por las composiciones de Igor Stravinsky. Esa original mezcla de influencias, su innato carácter provocador y su destructivo sentido del humor fueron los ingredientes con los que acabó configurando un estilo musical único y corrosivo. En 1960, después de intentar sin éxito labrarse una carrera como escritor de guiones cinematográficos, se matriculó en la Chaffey Junior College de Alto Loma (California) para estudiar música. Poco después abandonaba el centro, iniciando una errática carrera profesional que le llevaría a ejercer, entre otras tareas, de redactor publicitario y de vendedor de enciclopedias. En 1964 se unió a los Soul Giants, una banda local (el germen de los futuros Mothers of Invention) que pronto se encontró cantando las canciones del estrafalario nuevo miembro. Dos años después, Tom Wilson (el productor de Bob Dylan) les contrataba. El mismo año apareció su primer trabajo: Freak Out! un doble LP que, inmediatamente, les convirtió en un grupo conocido en los ambientes underground debido a su humor corrosivo e irreverente. Ese sería el público con el que contó durante toda su trayectoria. Sus temas no lograron nunca subir a lo más alto de las listas de éxitos. Los discos de Frank Zappa y su banda (que pasó por muchas formaciones) se convirtieron en auténticos acontecimientos, esperados ansiosamente porque, en ellos, el cantante no dejaba títere con cabeza. La formación se caracterizaba, además, por llevar un ritmo de trabajo infernal. Tan sólo en 1968, por ejemplo, fueron editados tres LP's: We´re Only in It for The Money (una despiadada burla de los hippies y los Beatles), Lumpy Gravy y Cruising With Ruben & The Jets, un LP en el que Frank y sus muchachos practicaban un curioso género, que podría definirse como "Neo-Doo-Woop". En 1969, después de una corta gira por Canadá, disolvió la formación e inició una breve etapa de actividad en solitario, colaborando con artistas como John Lennon o Ian Underwood. También creó su propio sello discográfico, en el que lanzó a figuras como Alice Cooper. En 1970 puso en marcha una nueva versión de los Mothers Of Invention y publicó dos LP's en directo. La nueva etapa con el grupo acabó de forma trágica. El 10 de diciembre de 1971, el novio celoso de una ardiente seguidora se subió al escenario durante una de sus actuaciones, tirándole al suelo. Sufrió varias fracturas (entre ellas, una de cráneo). Tardó más de un año en recuperarse. Afortunadamente, no dejó de editar discos ni tan sólo durante su proceso de recuperación. Algunos de esos trabajos estuvieron entre sus LP's más vendidos. Durante los setenta y los ochenta se mantuvo activo sin interrupción, y sin renunciar nunca a su papel de enfant terrible, sólo comprendido por una selecta minoría. En 1988 publicó su autobiografía y realizó su última gira mundial. En adelante, sólo actuaría en directo de forma esporádica, como el concierto que dio en Checoslovaquia, tras ser expresamente invitado por el presidente Vaclav Havel. En 1991 se hizo público que estaba gravemente enfermo de cáncer, pero su producción discográfica siguió siendo tan prolífica como era habitual hasta ese momento. Falleció en 1993. Kurt Cobain Su estilo está situado en las antípodas de lo que se considera un guitarrista técnico. El último gran mártir de la historia del rock, el hombre que al frente de Nirvana encabezó la enésima revolución en la esfera del planeta rock, tambien tiene un papel destacado entre los guitarristas de este siglo. Aunque sus primeras influencias fueron los grupos de hard rock de finales de los setenta (Aerosmith, AC/DC), Cobain nunca entendió el papel del guitarrista desde el punto de vista del egocentrismo. Su enfoque estaba más en la linea de las bandas punk, tratando la guitarra como un elemento estrctural del grupo. Otra gran influencia en la configuración de una idea musical y de paso en la manera de entender la guitarra se la proporciono a Cobain el movimiento noise de los ochenta y sobretodo un grupo, The Pixies. Las guitarras de Joey Santiago y Black Francis, fueron las que de algún modo ayudaron a Kurt a acabar de configurar sus estílo, situado en las antípodas de lo que se considera un guitarrista técnico. Un estilo basado en la magistral utilización de distorciones y feedbacks y la habilidad para crear unos solos repletos de armonías sencillas, pero a la vez sorprendentes. Cobain demostro que la frescura y la ingenuidad no estan reñidas con la elegancia. Mas datos: Nevermind. John Frusciante Con un estilo cargado de emotividad, Frusciante es la guitarra de los Red Hot Chili Peppers Vuelve a ser el guitarrista de los Red Hot Chili Peppers, como la mayoria de sus fans estaban deseando, despues de un largo parentesis provocado por su adiccion a la heroína y a las multiples tensiones internas que enrarecieron el ambiente de la banda que duro aproximadamente seis años, periodo en el que grabo dos albumes en solitario de escaso exito y fue sustituido por Dave Navarro, el reputado ex-guitarrista de Jane´s Adiction. La historia de John es curiosa y convierte en realidad el sueño de cientos de miles de guitarristas noveles ya que se unió a la banda con tan solo diecisiete años, debido a la muerte por sobredosis de heroína (el verdadero azote de los RHCP) de Hillel Slovak, su anterior guitarrista. Frusciante tan solo era un fan de la banda que se conocia a la perfeccion todos los temas y que, segun diversas opiniones, tocaba exactamente como Slovak. A partir de ahí, grabo el cuarto disco de los RHCP, Mother's Milk (1989) con un exito moderado que empezo a acercarlos al gran publico. Pero el verdadero estallido surgio con Blood Sugar sex Magik (1991), la verdadera obra maestra de los Peppers y su puerta al exito masivo. www.guitarraonline.com.ar

1. Empezando a tocar... A diferencia de otras partes del mundo, en los paises de tradición hispana y hasta ahora, lo normal era encontrar en muchos hogares una guitarra, clásica o de flamenco (en adelante, guitarra española). Por eso, la mayoría de las veces el chaval que quiere comprarse una eléctrica, ya sabe poner al menos cinco o seis acordes en la española, ya sabe que tiene seis cuerdas, que se afina de un determinado modo, y que hay varias formas de tocarla. Pero vamos creciendo y la presión de la música que se programa en la radio, la de las discos y bares de copas, la que se escucha en todos lados, es de clara influencia anglosajona. En seguida la guitarra de cuerdas de nylon se convierte en un trasto inútil, pues no se puden conseguir los sonidos ni la estética deseada, y vamos a por una eléctrica. Diferencias ente una guitarra eléctrica y una guitarra española Teniendo en cuenta que el origen de la guitarra eléctrica, allá por los años 30 del pasado siglo, fue una guitarra española a la que le adosaron o introdujeron un micrófono de forma permanente, las diferencias básicas se reducen a las siguientes: La guitarra eléctrica tiene innúmeras formas sin por ello perder su naturaleza. Las hay de cuerpo hueco, de cuerpo sólido, de infinidad de materiales, formas y tamaños, con sonidos totalmente distintos, y se comercializan masivamente en cualquiera de esas formas. A veces nos planteamos si es lógico que todas ellas sean consideradas un mismo instrumento. Por el contrario, la guitarra española responde a un diseño y a unas medidas que apenas han variado en los últimos cien años, aunque existen ligeras diferencias o especificaciones según el fabricante. La guitarra eléctrica usa cuerdas de metal, mientras que la española las usa de nylon. Esto hace que la eléctrica sea más agresiva para las yemas de los dedos. No obstante, salvo que decidamos poner un juego de cuerdas con un calibre extremadamente alto, por regla general las guitarras eléctricas son más fáciles de tocar, más blandas, que las españolas. Ello se debe a que las cuerdas de metal son, aunque más agresivas, más flexibles y sobre todo la acción es más baja. Es decir: las cuerdas están más bajas y pegadas al diapasón, así que un simple apoyo hace que la cuerda suene clara y la nota definida, cos impensable en una guitarra española. Esto facilita el aprendizaje, pues aún teniendo poca fuerza en las manos, podemos hacer sonar el instrumento de forma convincente, por ejemplo haciendo cejillas. Dado que las cuerdas de metal hacen más presión sobre la estructura del mástil que las cuerdas de nylon, si ponemos unas cuerdas de metal en una guitarra española en pocos dias o semanas el mástil partirá en dos. El mástil de la guitarra eléctrica es más estrecho que el de una guitarra española. Ello facilita enormemente la digitación en punteos rápidos y en acordes complicados. La guitarra eléctrica es más versátil. Aún sin tener en cuenta el uso de los innumerables efectos para guitarra que se comercializan, una guitarra eléctrica produce distintos sonidos gracias a su configuración de pastillas y al efecto que produce jugar con el botón de volumen. Evidentemente, la guitarra eléctrica necesita SIEMPRE el uso de un amplificador eléctrico. La enorme diversidad de amplificadores hace que la elección sea apasionante ... o tediosa. Pero indudablemente el amplificador tiene una importancia vital –incluso muy superior al de la guitarra eléctrica- para el sonido final. ¿Qué debe influir en nuestra decisión a la hora de comprar una guitarra? Lo primero, sin duda, el presupuesto. Si sólo tenemos 300 euros, podemos ahorrarnos un enorme trabajo pues la mayor parte del catálogo será inalcanzable para nosotros. Si es nuestra primera guitarra, hay que pensar también que debemos reservar algo de dinero par el amplificador. También ayuda, para no cansarnos al cuarto día y tirar todo a la basura, adquirir algún pedal de efectos (recomiendo una unidad reverb/eco, sin olvidar que algunso amplis ya lo llevan incorporado. Con tan poco dinero es realmente difícil, pero en el mercado de segunda mano suele haber cosas muy interesantes. La opción de los instrumentos y amplis de segunda mano es muy conveniente. Normalmente se entiende adecuado un precio que ronde el 40%-60% del PVP del instrumento. Por ese precio obtenemos un instrumento que pudo haber sido muy bien tratado, o que sólo tiene defectos de acabado o mala conservación exterior. El instrumento siempre será de mucha más calidad que uno que cueste ese dinero en la tienda. De paso, ayudamos al vendedor a comprarse una cosa mejor, pues si algo apenas varía es que los guitarristas somos personas a las que nos gusta mejorar de instrumento tan pronto nuestra economía o nuestra suerte nos lo permite. Si el dinero no es problema para ti, o si eres incapaz de adquirir algo que ya haya pertenecido a otra persona, olvida los dos párrafos anteriores. ¿Como distribuir mi presupuesto entre la guitarra y el amplificador? ¿Son una buena elección los packs? Para empezar a tocar la guitarra eléctrica, y salvo que nuestra ilusión sea patológica y a prueba de bombas, es necesario que elijas una configuración que mantenga tu interés. La mayoría de las guitarras baratas son imposibles de mantener afinadas durante 5 minutos de uso. Sus herrajes (el puente, el clavijero...) son de un tacto desagradable y de mala calidad. Normalmente se acaba convirtiendo en un trasto a los pocos meses o, lo que es peor, acaban con nuestra incipiente afición.Por eso, se suele aconsejar al aprendiz la guitarra de más calidad que pueda permitir su presupuesto, sea nueva o usada. En esta fase, es más importante TOCAR que SONAR.Más adelante, cuando ya se tengan claros unos cuantos conceptos, la importancia se invierte. Un buen amplificador mejorará enormemente nuestro sonido y no hará que toquemos como los grandes, pero sí que hará que sonemos como los grandes. Para tocar como los grandes hay que invertir en el instrumento, no en la cadena de sonido.Lo que sí es importante comprender, es que cuando pasamos de un amplificador de 500 euros a uno de 1500 euros, la mejoría es enorme, mientras que cuando pasamos de una guitarra de 500 euros a una de 1500 euros, esa mejoría a veces ni se nota, dependiendo, claro está, de modelos, origen, etc.En cuanto a los packs, hay una enorme competencia en ese segmento de precios, pero lo que se obtiene normalmente es de muy mala calidad, dependiendo del precio. Calcula lo que cuesta el transporte de esos objetos desde China, lo que gana el fabricante, el distribuidor y el de la tienda, quítale los impuestos, y el resto es el valor real y la medida de la calidad de lo que estás comprando. 2. ¿Amplis de válvulas o transistores? Son mejores y más caros los de válvulas, dan un sonido más auténtico. Hoy en día el futuro de los amplis de transistores pasa por construir unidades con una sección de efectos incorporada. Es la mejor opción para la gente que empieza. Pero si perseveras en esto, acabarás comprando el de válvulas. Así es “estadísticamente”. ¿Y qué ocurre con los procesadores de señal (POD, V-amp, etc)? Son excelentes unidades para crear y emular sonidos legendarios, ..pero también para camuflar el sonido de tu guitarra. Ni el más experimentado guitarrista puede asegurar sin temor a equivocarse, que una grabación comprimida a Mp3 y escuchada a través de los altavoces del PC o de los auriculares, no ha sido grabada con una guitarra de baja calidad y un POD. Nuestros oídos pueden confundirse, pero el guitarrista que está tocando nua guitarra a través de un POD, si es experimentado, desde luego que notará la diferencia. Que la guitarra se desafine entre tema y tema, o que no quinte bien, o que se quede sin fuerza en un bending, pocas veces se aprecia en las grabaciones.Cabe decir lo mismo con respecto a otros elementos de la cadena de sonido. Toda grabación camufla enormemente el sonido final. Por eso es tradicional la “guerra” entre los técnicos e ingenieros de sonido y los guitarristas. Sólo el guitarrista –normalmente el buen guitarrista- aprecia matices que a veces suponen muchos cientos de euros de sobreprecio. Pero como ocurre con todo en la vida, esa pequeña diferencia –como la utilidad marginal que se estudia en la ciencia Económica- es lo que justifica que se paguen asombrosas cantidades. Es un debate estéril.Volviendo a las unidades procesadoras de señal, hay que recordar que necesitan un amplificador. Sólo se pueden escuchar por auriculares o conectándolas a un sistema de amplificación –un ampli de guitarra, el PC, o incluso la cadena hifi. Si queremos tocar en directo, o saber como suena “de verdad”, no nos sirve. ¿Qué música hacemos? Es la pregunta fundamental. Si vamos a tocar Jazz, no te compres la guitarra del Kirk Hammet. Si vas a tocar metal, no compres un guitarrón hueco. No es sólo por una cuestión estética. La guitarra de Kirk Hammet sonará agresiva, estridente, y muy poco sólida; y la Gibson L5 no hará sino acoplar el sonido y no serás capaz de dar un sólo acorde sin que el auditorio se tape las orejas y te odie eternamente. ¿Y si no sabemos qué música hacemos o vamos a hacer? Entonces cómprate la guitarra más versátil que puedas. Es decir, la que más tipos de sonido produzca o más estilos de música se pueda tocar con ella. Hay unas reglas generales que como tales admiten excepciones: Las guitarras huecas son ideales para Jazz. Las semihuecas son ideales para blues (o rock si se toman algunas pequeñas precauciones). Las sólidas valen para pop, rock y todas sus derivaciones hasta el lado más brutal. También valen para Jazz, sobre todo si usamos la pastilla de la posición del mástil, y cerramos un poco los agudos, por ejemplo. Los diapasones de arce (color claro) suenan más brillantes que los de palorrosa (color marrón), aunque para casi todo el mundo son más bonitos los primeros. Los mástiles atornillados dan más definición que los mástiles encolados, aunque se dice –sin que haya unanimidad- que dan menos estabilidad a la guitarra. ¿Qué es lo que más influye en el precio? Este es el principal punto de debate. Desde mi punto de vista particular, lo que más influye en el precio es el marqueting. Hay muchos segmentos de precios y en cada segmento, la guerra es feroz. Hay, por el contrario, algunas marcas o fabricantes, que pueden pedir lo que quieran porque no tienen competencia, o eso opinan. Teniendo en cuenta que la guitarra eléctrica más copaida de la historia es la Fender Stratocaster, puedes dar mil vueltas y comprar mil instrumentos más baratos, pero si quieres tener el original, debes comprarte una stratocaster al precio que fija el fabricante. A esto se denomina “marquitis”, que no es un fenómeno exclusivo de las guitarras, ni mucho menos.Por lo demás, algunas técnicas de construcción son más caras que otras, los materiales usados encarecen mucho el instrumento, pero lo que quizá más influye es el origen. Así, una guitarra made in USA será mucho más cara que una Made in Mexico, y una Made in Japan será más cara que una Made in Taiwan. Las más baratas de todas, las hechas en China, Vietnam o Indonesia. Esto se debe a muchísimos factores. En primer lugar, las grandes firmas han trasladado la producción de las guitarras de menos calidad de su catálogo a los países donde la mano de obra es más barata. Por ejemplo, en México se hacen las fenders de baja calidad de materiales, aunque la fábrica ubicada en USA está repleta de trabajadores mexicanos, tan mexicanos como los que trabajan en la fábrica de México. Sin embargo, la made in USA es mucho mejor guitarra –sobre el papel- y desde luego, más cara.En la actualidad se hacen excelentes guitarras en los países asiáticos. La calidad de las series medias ha subido enormemente en los últimos años. De hecho, muchas marcas distintas como Cort, Samick, Epiphone, Fender, etc. hacen sus guitarras de calidad media exactamente en la misma fábrica de Korea y con las mismas máquinas, limitándose cada productor a proporcionar a la fábrica los códigos para que las máquinas CNC hagan su trabajo. Un mismo trozo de madera puede dar lugar a una Epiphone y a una Fender, dependiendo a qué parte de la fábrica vayan las dos partes en que se corte. ¿Y las pastillas? Las pastillas son los “micrófonos” que recogen la vibración de las cuerdas y la convierten en señal eléctrica susceptible de amplificarse y por tanto de “oirse”. Hay una enorme variedad de pastillas y cada marca usa las suyas aunque no siempre un fabricante de guitarras fabrica sus propias pastillas. Una cosa es evidente. Suena más potente, más gorda y brutal una pastilla doble o “humbucker” que una sencilla o “single”. Pero la single suena más clara y definida, y menos nasal.Consiguientemente, con las consabidas excepciones, la humbucker pertenece a la tradición Gibson y la single a la tradición Fender. Y ya tenemos, de nuevo, dos filosofías distintas. Lo normal es usar humbuckers para jazz y rock y las singles para todo lo demás, pero son tantas y tan importantes las excepciones y matizaciones posibles, que mejor no seguir por este camino. Por no hablar de las Soapbar/P-90, claro. ¿Y si compro una guitarra barata y le pongo unas pastillas buenas? El resultado es impredecible. Las guitarras baratas no sólo tienen unos materiales más baratos sino, lo más importante, unos controles de calidad más reducidos. La guitarra barata puede salir buena, decente o, lo más habitual, mala. Unas buenas pastillas no sólo no solucionan los problemas estructurales de la guitarra, sino que lo normal es que los reproduzcan con mayor fiabilidad. Del mismo modo que un ignorante con un Mercedes no es menos ignorante, una mala guitarra con pastillas Gibson no es una Gibson. Si quieres que suene a Gibson, en lugar de gastarte 180 euros en unas pastillas, cómprate un V-amp, que emula el sonido Gibson aunque estés tocando con un palo de escoba. Y de paso te diviertes y tiene un montón de efectos y emulaciones de amplis. O mejor, ahorra un poco y cómprate por 750 euros una Gibson Les Paul Studio usada en buen estado.Recuerda, además, que un cambio de pastillas apenas influye en el sonido final. Es muchísimo mayor la influencia de los altavoces del ampli, y ya no digamos la influencia del propio ampli. Si lo que ocurre es que las pastillas son una auténtica basura, no tengas en cuenta los párrafos anteriores. Tíralas y cámbialas, pero si el instrumento es malo –que será lo normal-, no gastes demasiado en mejorarlo, porque es invertir tu dinero en material de desecho. ¿Qué es mejor, Fender o Gibson? Son distintas. Cada firma tiene sus propios instrumentos, su propia historia, su propia filosofía y sus propias virtudes y defectos.Las dos marcas han escrito brillantísimas páginas de la historia de la música y cualquier persona honesta debe reconocerlo, por más que la política comercial de esas fábricas nos hayan defraudado en mayor o menor medida y en un momento u otro desde los años 1950.Y lo dicho para esas dos marcas puede decirse para casi todas las demás. ¿Si compro una stratocaster sonaré a Jimi Hendrix? Indudablemente podrás emular las canciones que tocaba Hendrix con la strato de forma más convincente que si usas, por ejemplo, una Rickenbacker. No obstante, te aseguro que no tocarás como Jimi Hendrix, del mismo modo que si te compras unas Nike no correrás como Maurice Green. ¿Y la conclusión? No hay conclusión. Lo importante es conocer el producto para poder elegir por ti mismo/a. Después de leer esto ya tienes unas nociones básicas, elementales. Completa esta información leyendo por esta web y visita tu tienda favorita, coge los instrumentos que se ajusten a tu presupuesto, pálpalos, revísalos, enchúfate, y estate atento/a a las sensaciones. La estética es muy importante, porque los guitarristas nos preocupamos enormemente, demasiado, por la imagen. Y luego cuando tengas dos o tres modelos en el punto de mira, busca en el apartado “revisiones” de la web si alguien ha hablado de ellas.En caso contrario, haz la pregunta, dando la información necesaria para que conozcamos tus gustos y preferencias.Lo importante de una guitarra es que mantenga unos estándares mínimos de calidad y que el guitarrista se sienta a gusto con ella, que le inspire. Algunos se inspiran con la estética, la forma o el color. Otros se inspiran sabiendo que será una guitarra para toda la vida. Otros se inspiran sabiendo –o creyendo- que su artista favorito toca una guitarra similar, o que es una guitarra única o vintage. Puede que algunas de estas cosas, además de inspirar, influyan positivamente en la calidad de la guitarra. Pero a algunos ni les importa.Suerte en tu elección. www.wikilearning.com

Sun Microsystems, líder en servidores para Internet, uno de cuyos lemas desde hace mucho tiempo ha sido "the network is the computer" (lo que quiere dar a entender que el verdadero ordenador es la red en su conjunto y no cada máquina individual), es quien ha inventado el lenguaje Java, en un intento de resolver simultáneamente todos los problemas que se planteaban a los desarrolladores de software por la proliferación de arquitecturas incompatibles, tanto entre las diferentes máquinas como entre los diversos sistemas operativos y sistemas de ventanas que funcionan sobre una misma máquina, añadiendo la dificultad de crear aplicaciones distribuidas en una red como Internet. He podido leer más de cinco versiones distintas sobre el origen, concepción y desarrollo de Java, desde la que dice que este fue un proyecto que rebotó durante mucho tiempo por distintos departamentos de Sun sin que nadie le prestara ninguna atención, hasta que finalmente encontró su nicho de mercado en la aldea global que es Internet; hasta la más difundida, que justifica a Java como lenguaje de pequeños electrodomésticos. Hace algunos años, Sun Microsystems decidió intentar introducirse en el mercado de la electrónica de consumo y desarrollar programas para pequeños dispositivos electrónicos. Tras unos comienzos dudosos, Sun decidió crear una filial, denominada FirstPerson Inc., para dar margen de maniobra al equipo responsable del proyecto. El mercado inicialmente previsto para los programas de FirstPerson eran los equipos domésticos: microondas, tostadoras y, fundamentalmente, televisión interactiva. Este mercado, dada la falta de sofisticación de los usuarios, requería unos interfaces mucho más cómodos e intuitivos que los sistemas de ventanas que proliferaban en el momento. Otros requisitos importantes eran la fiabilidad del código y la facilidad de desarrollo. James Gosling, el miembro del equipo con más experiencia en lenguajes de programación, decidió que las ventajas de eficiencia de C++ no compensaban el gran coste de pruebas y depuración. Gosling había estado trabajando en su tiempo libre en un lenguaje de programación que él había llamado Oak, según parece el nombre se debe al roble que se veía por la ventana de su casa (¡originalidad ante todo!), el cual, aún partiendo de la sintaxis de C++, intentaba remediar las deficiencias que había observado. Los lenguajes al uso, como C o C++, deben ser compilados para un chip, y si se cambia el chip, todo el software debe compilarse de nuevo. Esto encarece mucho los desarrollos y el problema es especialmente acusado en el campo de la electrónica de consumo. La aparición de un chip más barato y, generalmente, más eficiente, conduce inmediatamente a los fabricantes a incluirlo en las nuevas series de sus cadenas de producción, por pequeña que sea la diferencia en precio ya que, multiplicada por la tirada masiva de los aparatos, supone un ahorro considerable. Por tanto, Gosling decidió mejorar las características de Oak y utilizarlo. El primer proyecto en que se aplicó este lenguaje recibió el nombre de proyecto Green y consistía en un sistema de control completo de los aparatos electrónicos y el entorno de un hogar. Para ello se construyó un ordenador experimental denominado *7 (Star Seven). El sistema presentaba una interfaz basada en la representación de la casa de forma animada y el control se llevaba a cabo mediante una pantalla sensible al tacto. En el sistema aparecía Duke, la actual mascota de Java. Posteriormente se aplicó a otro proyecto denominado VOD (Video On Demand) en el que se empleaba como interfaz para la televisión interactiva. Ninguno de estos proyectos se convirtió nunca en un sistema comercial, pero fueron desarrollados enteramente en un Java primitivo y fueron como su bautismo de fuego. Una vez que en Sun se dieron cuenta de que a corto plazo la televisión interactiva no iba a ser un gran éxito, urgieron a FirstPerson a desarrollar con rapidez nuevas estrategias que produjeran beneficios. No lo consiguieron y FirstPerson cerró en la primavera de 1994. Pese a lo que parecía ya un olvido definitivo, Bill Joy, cofundador de Sun y uno de los desarrolladores principales del Unix de Berkeley, juzgó que Internet podría llegar a ser el campo de juego adecuado para disputar a Microsoft su primacía casi absoluta en el terreno del software, y vio en Oak el instrumento idóneo para llevar a cabo estos planes. Tras un cambio de nombre y algunos de diseño, el lenguaje Java fue presentado en sociedad en agosto de 1995. Lo mejor será hacer caso omiso de las historias que pretenden dar carta de naturaleza a la clarividencia industrial de sus protagonistas; porque la cuestión es si independientemente de su origen y entorno comercial, Java ofrece soluciones a nuestras expectativas. Porque tampoco vamos a desechar la penicilina aunque haya sido su origen fruto de la casualidad. Características de Java Las características principales que nos ofrece Java respecto a cualquier otro lenguaje de programación, serían: Simple Java ofrece toda la funcionalidad de un lenguaje potente, pero sin las características menos usadas y más confusas de éstos. C++ no es un lenguaje conveniente por razones de seguridad, pero C y C++ son los lenguajes más difundidos, por ello Java se diseñó para ser parecido a C++ y así facilitar un rápido y fácil aprendizaje. Java elimina muchas de las características de otros lenguajes como C++, para mantener reducidas las especificaciones del lenguaje y añadir características muy útiles como el garbage collector (reciclador de memoria dinámica). No es necesario preocuparse de liberar memoria, el reciclador se encarga de ello y como es de baja prioridad, cuando entra en acción, permite liberar bloques de memoria muy grandes, lo que limita en mucho la fragmentación de la memoria. Java reduce en un 50% los errores más comunes de programación con lenguajes como C y C++ al eliminar muchas de las características de éstos, entre las que destacan: aritmética de punteros no existen referencias registros (struct) definición de tipos (typedef) macros (#define) necesidad de liberar memoria (free) Aunque, en realidad, lo que hace es eliminar las palabras reservadas (struct, typedef), ya que las clases son algo parecido. Además, el intérprete completo de Java que hay en este momento es muy pequeño, solamente ocupa 215 Kb de RAM. Orientado a Objetos Java implementa la tecnología básica de C++ con algunas mejoras y elimina algunas cosas para mantener el objetivo de la simplicidad del lenguaje. Java trabaja con sus datos como objetos y con interfaces a esos objetos. Soporta las tres características propias del paradigma de la orientación a objetos: encapsulación, herencia y polimorfismo. Las plantillas de objetos son llamadas, como en C++, clases y sus copias, instancias. Estas instancias, como en C++, necesitan ser construidas y destruidas en espacios de memoria. Java incorpora funcionalidades inexistentes en C++ como por ejemplo, la resolución dinámica de métodos. Esta característica deriva del lenguaje Objective C, propietario del sistema operativo Next. En C++ se suele trabajar con librerías dinámicas (DLLs) que obligan a recompilar la aplicación cuando se retocan las funciones de su interior. Este inconveniente es resuelto por Java mediante una interfaz específica llamada RTTI (RunTime Type Identification) que define la interacción entre objetos excluyendo variables de instancias o implementación de métodos. Las clases en Java tienen una representación en el runtime que permite a los programadores interrogar por el tipo de clase y enlazar dinámicamente la clase con el resultado de la búsqueda. Distribuido Java se ha construido con extensas capacidades de interconexión TCP/IP. Existen librerías de rutinas para acceder e interactuar con protocolos como http y ftp. Esto permite a los programadores acceder a la información a través de la red con tanta facilidad como a los ficheros locales. Java en sí no es distribuido, sino que proporciona las librerías y herramientas para que los programas puedan ser distribuidos, es decir, que se corran en varias máquinas, interactuando. Robusto Java realiza verificaciones en busca de problemas tanto en tiempo de compilación como en tiempo de ejecución. La comprobación de tipos en Java ayuda a detectar errores, lo antes posible, en el ciclo de desarrollo. Java obliga a la declaración explícita de métodos, reduciendo así las posibilidades de error. Maneja la memoria para eliminar las preocupaciones por parte del programador de la liberación o corrupción de memoria. También implementa los arrays auténticos, en vez de listas enlazadas de punteros, con comprobación de límites, para evitar la posibilidad de sobreescribir o corromper memoria resultado de punteros que señalan a zonas equivocadas. Estas características reducen drásticamente el tiempo empleado en el desarrollo de aplicaciones Java. Además, para asegurar el funcionamiento de la aplicación, realiza una verificación de los ByteCodes, que son el resultado de la compilación de un programa Java. Es un código de máquina virtual que es interpretado por el intérprete Java. No es el código máquina directamente entendible por el hardware, pero ya ha pasado todas las fases del compilador: análisis de instrucciones, orden de operadores, etc., y ya tiene generada la pila de ejecución de órdenes. Java proporciona, pues: Comprobación de punteros Comprobación de límites de arrays Excepciones Verificación de ByteCodes Arquitectura Neutral Para establecer Java como parte integral de la red, el compilador Java compila su código a un fichero objeto de formato independiente de la arquitectura de la máquina en que se ejecutará. Cualquier máquina que tenga el sistema de ejecución (run-time) puede ejecutar ese código objeto, sin importar en modo alguno la máquina en que ha sido generado. Actualmente existen sistemas run-time para Solaris 2.x, SunOs 4.1.x, Windows '95, Windows NT, Linux, Irix, Aix, Mac, Apple y probablemente haya grupos de desarrollo trabajando en el porting a otras plataformas. El código fuente Java se "compila" a un código de bytes de alto nivel independiente de la máquina. Este código (ByteCode) está diseñado para ejecutarse en una máquina hipotética que es implementada por un sistema run-time, que sí es dependiente de la máquina. En una representación en que tuviésemos que indicar todos los elementos que forman parte de la arquitectura de Java sobre una plataforma genérica, obtendríamos una imagen como la siguiente: En ella podemos ver que lo verdaderamente dependiente del sistema es la Máquina Virtual Java (JVM) y las librerías fundamentales, que también permitirían acceder directamente al hardware de la máquina. Además, siempre habrá APIs de Java que también entren en contacto directo con el hardware y serán dependientes de la máquina, como ejemplo de este tipo de APIs podemos citar: *Swing : Mejora de las herramientas para la implementación de interfaces de usuario *Java 2D : gráficos 2D y manipulación de imágenes *Java Media Framework : Elementos críticos en el tiempo: audio, video... *Java Animation : Animación de objetos en 2D *Java Telephony : Integración con telefonía *Java Share : Interacción entre aplicaciones multiusuario *Java 3D : Gráficos 3D y su manipulación La siguiente figura ilustra la situación en que se encuentra Java cuando se ejecuta sobre un sistema operativo convencional. En la imagen se observa que si se exceptúa la parte correspondiente al Sistema Operativo que ataca directamente al hardware de la plataforma, el resto está totalmente programado por Javasoft o por los programadores Java, teniendo en cuenta que HotJava es una aplicación en toda regla, al tratarse de un navegador y estar desarrollado en su totalidad en Java. Cualquier programador podría utilizar las mismas herramientas para levantar un nuevo desarrollo en Java, bien fuesen applets para su implantación en Internet o aplicaciones para su uso individual. Y la imagen que aparece a continuación muestra la arquitectura de Java sin un Sistema Operativo que lo ampare, de tal forma que el kernel tendría que proporcionar suficientes posibilidades como para implementar una Máquina Virtual Java y los drivers de dispositivos imprescindibles como pantalla, red, ratón, teclado y la base para poder desarrollar en Java librerías como AWT, ficheros, red, etc. Con todo ello estaría asegurado el soporte completo del API de Java, quedando en mano de los desarrolladores la implementación de aplicaciones o applets o cualquier otra librería. Seguro La seguridad en Java tiene dos facetas. En el lenguaje, características como los punteros o el casting implícito que hace el compilador de C y C++ se eliminan para prevenir el acceso ilegal a la memoria. Cuando se usa Java para crear un navegador, se combinan las características del lenguaje con protecciones de sentido común aplicadas al propio navegador. El lenguaje C, por ejemplo, tiene lagunas de seguridad importantes, como son los errores de alineación. Los programadores de C utilizan punteros en conjunción con operaciones aritméticas. Esto le permite al programador que un puntero referencie a un lugar conocido de la memoria y pueda sumar (o restar) algún valor, para referirse a otro lugar de la memoria. Si otros programadores conocen nuestras estructuras de datos pueden extraer información confidencial de nuestro sistema. Con un lenguaje como C, se pueden tomar números enteros aleatorios y convertirlos en punteros para luego acceder a la memoria: printf( "Escribe un valor entero: " ); scanf( "%u",&puntero ); printf( "Cadena de memoria: %s\n",puntero ); Otra laguna de seguridad u otro tipo de ataque, es el Caballo de Troya. Se presenta un programa como una utilidad, resultando tener una funcionalidad destructiva. Por ejemplo, en UNIX se visualiza el contenido de un directorio con el comando ls. Si un programador deja un comando destructivo bajo esta referencia, se puede correr el riesgo de ejecutar código malicioso, aunque el comando siga haciendo la funcionalidad que se le supone, después de lanzar su carga destructiva. Por ejemplo, después de que el caballo de Troya haya enviado por correo el /etc/shadow a su creador, ejecuta la funcionalidad de ls presentando el contenido del directorio. Se notará un retardo, pero nada inusual. El código Java pasa muchos tests antes de ejecutarse en una máquina. El código se pasa a través de un verificador de ByteCode que comprueba el formato de los fragmentos de código y aplica un probador de teoremas para detectar fragmentos de código ilegal -código que falsea punteros, viola derechos de acceso sobre objetos o intenta cambiar el tipo o clase de un objeto-. Si los ByteCodes pasan la verificación si generar ningún mensaje de error, entonces sabemos que: El código no produce desbordamiento de operandos en la pila El tipo de los parámetros de todos los códigos de operación son conocidos y correctos No ha ocurrido ninguna conversión ilegal de datos, tal como convertir enteros en punteros El acceso a los campos de un objeto se sabe que es legal: public, private, protected No hay ningún intento de violar las reglas de acceso y seguridad establecidas El Cargador de Clases también ayuda a Java a mantener su seguridad, separando el espacio de nombres del sistema de ficheros local del de los recursos procedentes de la red. Esto limita cualquier aplicación del tipo Caballo de Troya, ya que las clases se buscan primero entre las locales y luego entre las procedentes del exterior. Las clases importadas de la red se almacenan en un espacio de nombres privado, asociado con el origen. Cuando una clase del espacio de nombres privado accede a otra clase, primero se busca en las clases predefinidas (del sistema local) y luego en el espacio de nombres de la clase que hace la referencia. Esto imposibilita que una clase suplante a una predefinida. En resumen, las aplicaciones de Java resultan extremadamente seguras, ya que no acceden a zonas delicadas de memoria o de sistema, con lo cual evitan la interacción de ciertos virus. Java no posee una semántica específica para modificar la pila de programa o la memoria libre o utilizar objetos y métodos de un programa sin los privilegios del kernel del sistema operativo. Además, para evitar modificaciones por parte de los crackers de la red, implementa un método ultraseguro de autentificación por clave pública. El Cargador de Clases puede verificar una firma digital antes de realizar una instancia de un objeto. Por tanto ningún objeto se crea y almacena en memoria, sin que se validen los privilegios de acceso. Es decir, la seguridad se integra en el momento en que se interpreta, con el nivel de detalle y de privilegio que sea necesario. Con código compilado no sería posible establecer estos niveles de seguridad entre dos objetos pertenecientes al mismo proceso, porque al compartr un único espacio de direcciones, el código de uno podría acceder tranquilamente a cualquier dirección del otro. Dada, pues la concepción del lenguaje y si todos los elementos se mantienen dentro del estándar marcado por Sun, no hay peligro. Java imposibilita, también, abrir ningún fichero de la máquina local (siempre que se realizan operaciones con archivos, éstas trabajan sobre el disco duro de la máquina de donde partió el applet), no permite ejecutar ninguna aplicación nativa de una plataforma e impide que se utilicen otros ordenadores como puente, es decir, nadie puede utilizar nuestra máquina para hacer peticiones o realizar operaciones con otra. Además, los intérpretes que incorporan los navegadores de la Web son aún más restrictivos. Bajo estas condiciones (y dentro de la filosofía de que el único ordenador seguro es el que está apagado, desenchufado, dentro de una cámara acorazada en un bunker y rodeado por mil soldados de los cuerpos especiales del ejército), se puede considerar que Java es un lenguaje seguro y que los applets están libres de virus. Respecto a la seguridad del código fuente, no ya del lenguaje, el propio JDK proporciona un desemsamblador de ByteCode, lo cual hace que cualquier programa pueda ser convertido a código fuente, lo que para el programador significa una vulnerabilidad total a su código. Utilizando javap no se obtiene el código fuente original, pero sí desmonta el programa mostrando el algoritmo que se utiliza, que es lo realmente interesante. La protección de los programadores ante esto es utilizar llamadas a programas nativos, externos (incluso en C o C++) de forma que no sea descompilable todo el código; aunque así se pierda portabilidad. Es otra de las cuestiones que Java tiene pendientes. Portable Más allá de la portabilidad básica por ser de arquitectura independiente, Java implementa otros estándares de portabilidad para facilitar el desarrollo. Los enteros son siempre enteros y además, enteros de 32 bits en complemento a 2. Además, Java construye sus interfaces de usuario a través de un sistema abstracto de ventanas de forma que las ventanas puedan ser implantadas en entornos Unix, Pc o Mac. Interpretado El intérprete Java (sistema run-time) puede ejecutar directamente el código objeto. Enlazar (linkar) un programa normalmente consume menos recursos que compilarlo, por lo que los desarrolladores con Java pasarán más tiempo desarrollando y menos esperando por el ordenador. No obstante, el compilador actual del JDK es bastante lento. Por ahora, que todavía no hay compiladores específicos de Java para las diversas plataformas, Java es más lento que otros lenguajes de programación, como C++, ya que debe ser interpretado y no ejecutado como sucede en cualquier programa tradicional. Se dice que Java es de 10 a 30 veces más lento que C, y que tampoco existen en Java proyectos de gran envergadura como en otros lenguajes. La verdad es que ya hay comparaciones ventajosas entre Java y el resto de los lenguajes de programación, y una ingente cantidad de folletos electrónicos que supuran fanatismo en favor y en contra de los distintos lenguajes contendientes con Java. Lo que se suele dejar de lado en todo esto, es que primero habría que decidir hasta que punto Java, un lenguaje en pleno desarrollo y todavía sin definición definitiva, está maduro como lenguaje de programación para ser comparado con otros; como por ejemplo con Smalltalk, que lleva más de 20 años en cancha. La verdad es que Java para conseguir ser un lenguaje independiente del sistema operativo y del procesador que incorpore la máquina utilizada, es tanto interpretado como compilado. Y esto no es ningún contrasentido, me explico, el código fuente escrito con cualquier editor se compila generando el ByteCode. Este código intermedio es de muy bajo nivel, pero sin alcanzar las instrucciones máquina propias de cada plataforma y no tiene nada que ver con el p-code de Visual Basic. El ByteCode corresponde al 80% de las instrucciones de la aplicación. Ese mismo código es el que se puede ejecutar sobre cualquier plataforma. Para ello hace falta el runtime, que sí es completamente dependiente de la máquina y del sistema operativo que interpreta dinámicamente el ByteCode y añade el 20% de instrucciones que faltaban para su ejecución. Con este sistema es fácil crear aplicaciones multiplataforma, pero para ejecutarlas es necesario que exista el runtime correspondiente al sistema operativo utilizado. Multihilo Al ser MultiHilo ( o multihilvanado, mala traducción de multithreaded), Java permite muchas actividades simultáneas en un programa. Los hilos -a veces llamados, procesos ligeros, o hilos de ejecución- son básicamente pequeños procesos o piezas independientes de un gran proceso. Al estar estos hilos construidos en el mismo lenguaje, son más fáciles de usar y más robustos que sus homólogos en C o C++. El beneficio de ser multihilo consiste en un mejor rendimiento interactivo y mejor comportamiento en tiempo real. Aunque el comportamiento en tiempo real está limitado a las capacidades del sistema operativo subyacente (Unix, Windows, etc.) de la plataforma, aún supera a los entornos de flujo único de programa (single-threaded) tanto en facilidad de desarrollo como en rendimiento. Cualquiera que haya utilizado la tecnología de navegación concurrente, sabe lo frustrante que puede ser esperar por una gran imagen que se está trayendo de un sitio interesante desde la red. En Java, las imágenes se pueden ir trayendo en un hilo de ejecución independiente, permitiendo que el usuario pueda acceder a la información de la página sin tener que esperar por el navegador. Dinámico Java se beneficia todo lo posible de la tecnología orientada a objetos. Java no intenta conectar todos los módulos que comprenden una aplicación hasta el mismo tiempo de ejecución. Las librería nuevas o actualizadas no paralizarán la ejecución de las aplicaciones actuales -siempre que mantengan el API anterior. Java también simplifica el uso de protocolos nuevos o actualizados. Si su sistema ejecuta una aplicación Java sobre la red y encuentra una pieza de la aplicación que no sabe manejar, tal como se ha explicado en párrafos anteriores, Java es capaz de traer automáticamente cualquier pieza que el sistema necesite para funcionar. Java, para evitar que los módulos de ByteCode o los objetos o nuevas clases, no haya que estar trayéndolas de la red cada vez que se necesiten, implementa las opciones de persistencia, para que no se eliminen cuando de limpie la caché de la máquina. Y, para que el lector tenga idea de qué es lo que se mueve alrededor de Java, no hay mejor explicación que la descripción de los APIs que componen la plataforma Java, aunque no todas las que aquí se citan están disponibles para su uso, ya que algunas se encuentran en fase de desarrollo, otras en fase de discusión pública para aporte de ideas y otras en fase beta. Java Enterprise: Conjunto de especificaciones para entornos corporativos JDBC API: Java Database Connectivity, para permitir a aplicaciones o applets acceder a bases de datos de forma homogénea vía consultas SQL Java RMI: Remote Method Invocation, invocacón remota de métodos para aplicaciones distribuidas Java IDL uente de compatibilidad con el modelo estándar de objetos CORBA JNDI: Java Naming and Directory Interface, proporciona servicios de directorio y localización de recursos en un entorno corporativo JavaBeans: Especificación de componentes basados en Java JAF: JavaBeans Activation Framework, entorno para determinar el tipo de datos, encapsular el acceso a ellos, descubrir las acciones que se les pueden aplicar e instanciar el componente JavaBean adecuado Java Security API: API para componentes que necesitan encriptación, certificación, firmas digitales y autentificación JFC: Java Foundation Classes, jerarquía de clases para el desarrollo de aplicaciones gráficas e interfaces de usuario Swing Set: Conjunto de pequeños componentes gráficos para aplicaciones: botones, pestañas, etc. Java 2D: Extensión del AWT para el tratamiento de información gráfica bidimensional Java Servlet: API Especificación que permite crear applets que se ejecutan en el servidor Java Server API:API para el intercambio de información entre un servidor Web y aplicaciones que se ejecutan en su entorno Java Commerce API: API para transacciones comerciales en Internet Java Media API: Conjunto de especificaciones para el acceso y utilización de información interactiva JMF: Java Media Framework, conjunto de especificaciones para la arquitectura, protocolos e interfaces de programación para reproductores multimedia, captura y videoconferencia Java Collaboration :Especificación para la comunicación interactiva bidireccional Java Telephony :Especificación para aplicaciones de telefonía Java Speech :Especificación para el reconocimiento y síntesis de voz Java Animation: Especificación para la manipulación y movimiento de objetos bidimensionales Java 3D: Especificación para la manipulación de objetos tridimensionales Java Management API: Especificación para la gestión remota de redes JavaMail API: Especificación para proporcionar un conjunto de clases abstractas que modelice un sistema de correo Personal Java: Espeficaciones para aparatos electrónicos de consumo conectables a redes, incluyendo televisores, teléfonos inteligentes, videoconsolas, etc. Java Smart Card:Especificaciones para tarjetas inteligentes, tipo tarjeta de crédito Embedded Java: Especificaciones para dispositivos electrónicos industriales con software embebido ejecutándose sobre sistemas operativos de tiempo real, incluyendo dispositivos de instrumentación, electrínica de control de procesos, etc. si quieren saber mas sobre esto aca les dejo el link www.itapizaco.edu.mx

Afinando la Guitarra Por José Ignacio Santa Cruz González Para un guitarrista no hay nada más desagradable que tocar en una guitara mal afinada y la gran mayoría de las veces no se dispone de un afinador electrónico que nos asegure que cada cuerda esté afinada en la frecuencia que le corresponde. Entonces sólo nos queda confiar en nuestro oído, claro que a veces ni siquiera eso es suficiente. Aquí van unas papitas (hints, en inglés) para afinar bién una guitarra. La manera clásica de afinar es empezando por la cuerda más delgada, llamada la primera, que se afina en Mi. Si no se tiene un piano, teclado u otra guitarra que si esté afinada pueden buscar las tonalidades de las cuerdas en alguna canción, yo personalmente usaba la introducción de "Nothing Else Matters" de METALLICA. Después de afinar la 1era cuerda hay que afinar la 2da (brillante...) y así sucesivamente hasta llegar a la sexta que también es un Mi, pero una octava más bajo, por ende su sonido es más grave (ronco). Aquí voy a listar la equivalencia en las notas para cada cuerda y su respectiva frecuencia en Hertz: 1era = Mi = 1318.5 Hz 2da = Si = 987.77 Hz 3era = Sol = 783.99 Hz 4ta = Re = 587.33 Hz 5ta = La = 440 Hz 6ta = Mi = 329.63 Hz Nótese que a medida que aumenta el grosor de la cuerda su sonido se hace más grave. Haganse la idea de que en un piano las notas de las cuerdas al aire de una guitarra avanzarían hacia la izquierda. La idea es usar las cuerdas ya afinadas para terminar de afinar todas las cuerdas. Una vez afinada la 1era, la segunda debe afinarse de manera que presionandola en el 5to espacio (fret, en inglés) contando desde arriba (sin apretar nada es el espacio cero, y se dice que se está tocando la cuerda al aire) suene igual (o casi igual, por lo menos el mismo tono) que la 1era. Esto suele conseguirse moviendo la clavija correspondiente hacia arriba (dirección de los punteros del reloj) para conseguir más tensión y un sonido más agudo o hacia abajo (contra punteros de reloj), menos tensión y sonidos más graves. El dilema es saber cuando hay que apretar o soltar las cuerdas, entonces empiezas a buscar el espacio X en que debes presionar la 2da cuerda (en este caso) para que la 2da suene igual que la 1era Si el espacio que encontraste es mayor que 5, es decir el sonido en el 5to espacio es más ronco que la 1era, tienes que apretar, y si es menor el sonido será más agudo por lo tanto tienes que soltar la cuerda. La tercera cuerda es la única que rompe el esquema, esa tienes que presionarla en el cuarto espacio para que suene igual a la segunda. El resto de las cuerdas, es decir la 4ta, 5ta y 6ta, las afinas siguiendo la misma idea que para afinar la 2da, o sea presionándola en el 5to espacio. Una version en tablatura (ver la lección X) sería: E|-0---0---0---------------------------------------------------| B|---5---5---5--0---0---0--------------------------------------| G|----------------4---4---4--0---0---0-------------------------| D|-----------------------------5---5---5--0---0---0------------| A|------------------------------------------5---5---5--0---0---| E|-------------------------------------------------------5---5-| Si la guitarra está bién afinada lo que acabas de ver en la tablatura debería entregarte sonidos iguales en pares de cuerdas. Algo que te puede ayudar para conseguir mayor presición en la afinación es sentir la vibración de la cuerda que estas afinando cuando pulsas la cuerda anterior (esa es la cuerda con la que estás afinando). Pero como suele suceder, este método no es infalible, entonces, por lo menos yo lo hago, se verifica que la guitarra esté bién afinada usando la repetición de notas por octavas y las vibraciones. En tablatura: Mim E|-0---0---------3---3---------5---5--0---0------------0-------| B|--------0-0-0---------3-3-3------------------------0---------| G|---------------0-0-----------2-2-----------------0-----------| D|-2-2------------------0-0-0---------2-2--------2-------------| A|--------2-2-2------------------0-0-----------2---------------| E|---0-0-----------3-3------------------0-0--0-----------------| La última secuencia de números es un Mi menor, si suena como tal entonces la guitarra debería estar bién afinada. Se ha discutido sobre un cierto error que se genera afinando de acuerdo a los distintos métodos, se sigue diciendo que usar un afinador es lo más preciso, pero como soy uno de muchos que no poseen uno de esos voy a mostrar dos métodos más para lograr una afinación casi perfecta (el casi es por infinitésimas de Hertz de error). Otra manera de afinar la guitarra es prácticamente igual al método clásico, con la única salvedad de que en vez de afinar la 1ea al aire, se la afina presionándola en el espacio 12, la 2da se presiona en el 17, la 3era en el 16, la 4ta en el 17, etc. Es decir es el mismo método clásico, pero se suman 12 espacios. Algunas personas prefieren usar este en vez del clásico debido a que les es más fácil identificar igualdad de sonidos con notas más agudas. El siguiente es un tanto más complicado para aquellos que están recien empezando, no tanto, pero no es así de fácil. Previo al método pongan el dedo índice de la mano izquierda (derecha para los zurdos) sobre el traste número 12 (es el fierrito inferior del espacio 11) sin ejercer presión, o sea sólo tocando la cuerda (cualquier cuerda, aunque el efecto se nota más claramente en las primeras 3). Ahora pulsa la cuerda retirando al mismo tiempo tu dedo. Si hiciste todo bién deberías escuchar algo así como un silbido (la descripción del sonido es muy a grandes rasgos). Si no te resultó inténtalo hasta que lo consigas. Eso es lo que se llama un Harmónico Natural. Estos se consiguen fácilmente en los espacios 5 (no tan fácilmente), 7, 12, 19, 24 y 29 (si es que existiera). Prueben... Ahora el método; el harmónico en el espacio 5 de la 2da cuerda debe sonar igual al hármonico en el espacio 7 de la 1era, el harmónico en el espacio 5 de la 2da igual al harmónico en el espacio 4 de la 3era cuerda, el harmónico en el espacio 7 de la 3era cuerda igual al harmónico en el espacio 5 de la 4ta cuerda y de la misma manera que el par anterior para el resto de las cuerdas. En tablatura, considerando que los harmónicos suelen simbolizarse con un número entre "<>": E|-<7>---<7>---------------------------------------------------| B|----<5>---<5>-<5>---<5>--------------------------------------| G|-----------------<4>---<4>-<7>---<7>-------------------------| D|------------------------------<5>---<5>-<7>---<7>------------| A|-------------------------------------------<5>---<5>-<7>-----| E|--------------------------------------------------------<5>-- Aprendiendo a tocar de oido por Christopher Sung A lo mejor ya te sabes algunos acordes básicos: has estado trabajando en el ritmo y de pronto las cosas parecen ir tomando forma. Quizá ya puedas tocar un par de canciones que te salgan bastante decentes. Cuando afinas tu guitarra, empiezan a sentir que efectivamente está afinada. ¿Y ahora qué? ¡A tocar de oído! Tocar de oido es FUNDAMENTAL y lo he puesto en mayúsculas para que te des cuenta de la importante que es. Si tocas de oido, cualquier cosa que hayas oído alguna vez está a tu disposición. Solo se trata de "descifrarlo". Aprender a tocar de oido es como cualquier otra habilidad: entre más la practicas, más fácil se vuelve, si lo haces con la suficiente frencuencia llegará el punto en el que ni siquiera necesitarás tu guitarra para saber qué está tocando alguien. El primer paso es tomar una canción que te guste. Escúchala con mucha atención. Lo primero es tratar de determinar cuando en la canción se cambia de un acorde a otro. Esto es importante porque te da un sentido del tiempo y va afinando gradualmente tu oido. Si no puedes determinar cuando cambia el oído por el sonido del acorde, trata de oir el bajo con más atención. Cuando quieras sacar una canción de oido, es muy importante que tu guitarra esté afinada. Normalmente (aunque hay excepciones) todo el mundo utiliza la afinación universal en la que la nota LA está a 440Hz. Esta afinación puedes obtenerla con un afinador electrónico o con un piano. Una vez afinada tu guitarra, lo primero es localizar el primer acorde de la canción. Primero trata de determinar en las cuerdas más graves de la guitarra cual es la nota básica de donde sale el acorde. Es un poco como afinar la guitarra. Si logras encontrar la nota básica, lo demás es saber qué clase de acorde se está tocando, pero ya tienes un avance. Por ejemplo si sabes que la notaba básica es un Do, ahora tendrás que ver si es un acorde mayor, menor, dominante, etc. pero en cualquier cosa será un acorde de Do. Ahora que ya sabes una nota básica, ¿Cómo sabes qué acorde es? Aquí comienza un camino de prueba y error. Asume que es un acorde mayor y tócalo. Con un poco de suerte quizá sí sea el acorde adecuado, pero si no, escucharás la diferencia. La gran mayoría de las canciones está escrita en una tonalidad mayor, es decir, que la canción seguramente empezará y terminará con un acorde mayor. Si la canción suena triste y melancólica, es muy probable que su tonalidad sea menor, y la canción empezará y terminará con acordes menores. ¡Haz pruebas! Familiarízate con los acordes menores y mayores, porque de ahí parte todo. En adelante, el asunto está en ver cuales son los demás acordes. Al principio no es una tarea tan sencillal porque requier tiempo, pero pronto te darás cuenta de que en la música hay muchas fórmulas preconcebidas y que la mayoría de los grupos tienden a usar ciertas secuencias, repeticiones y estructuras. Hay incluso grupos que se limitan a tocar tres o cuatro acordes y aunque suenen como algo muy complicado, en realidad tocan cosas muy simples. Aprender a tocar de oido te ayuda en primer lugar a conocer mejor los acordes y a familiarizarte cone llos. Conforme saques más canciones de oido, las cosas se te facilitarán. También te ayudará a conocer soluciones nuevas a problemas concretos. Al igual que al empezar tus dedos eran débiles y te costó una buena cantidad de tiempo acondicionarlos y moverlos, con tu oido es lo mismo. Tienes que entrenarlo, y la única forma es no desesperarse y hacerlo una y otra vez. Lo fundamental es no dejar de hacerlo. Pon el radio y trata de escuchar las canciones. Cuando tocas de oído, ya no tienes que esperar a que alguien te pase la tablatura de una canción que te gusta, o un libro. Simplemente tendrás que oirla, y podrás tocarla. Vale la pena ¿No? Como Leer Tablatura Por Pablo Muñoz La tablatura, que abreviado se denomina TAB, es un método para escribir música para ser interpretada por instrumentos de cuerdas como la guitarra y el bajo. Se utilizan letras (ASCII) y números , haciéndolo ideal para lugares como internet en donde cualquier persona puede tener acceso a un archivo de texto copiarlo y leerlo. La tablatura es una representación del brazo de la guitarra por medio de seis lineas dispuestas de manera horizontal representando las cuerdas de la guitarra (si se trata de un bajo, seran cuatro lineas y asi con cualquier instrumento). A la izquierda, al principio de cada linea horizontal se colocan letras en cifrado americano que dicen las notas de cada cuerda y se deduce en que afinacion debemos tocar la tablatura, si no hay ninguna indicación se toma la afinación estandar. La cuerda mas aguda estara representada arriba de todo, es decir es la primera linea que se dibuja, en ocasiones la primera cuerda se dibuja con una "e" minúscula al lado. e|-------------------------------------------------------------| B|-------------------------------------------------------------| G|-------------------------------------------------------------| D|-------------------------------------------------------------| A|-------------------------------------------------------------| E|-------------------------------------------------------------| Basicamente, la tablatura indica que nota se debe tocar en el lugar exacto (esta es la gran diferencia que existe con respecto a la partitura en donde uno debe deducir que digitación usar). Los numeros representaran el traste en el que esta ubicada la nota, en el caso de que diga 0 se tomará como una cuerda al aire. Es importante saber que en un TAB no se indican la duración de las notas, es mejor conocer la canción para darte una idea de como tocarla. En ocasiones la duración puede deducirse segun la distancia que hay entre cada numero, por ejemplo si estan muy juntos el tema sera rápido. Tampoco te indicará que dedos debes utilizar para presionar las cuerdas. Una tablatura puede verse mas o menos asi: E----5----7--------------------------3-----7--------------------------- B----5----8---------------0-1------1-1-----5--------8--7-5-7--------2-3 G----5----7-------------2-----2----------5------------------------4---- D----7----9----7-9----2-----------------------------------------4------ A----7----10--------0-----------0-----------------------------2-------- E----5----7-----------------------------------8-7---------------------- Al principio puede resultar bastante complicado pero la tablatura requiere mucha menos dedicación que la partitura. Observa que cuando hay varios numeros uno encima de otro (como en el ejemplo) indicara que deben tocarse al mismo tiempo, representando un acorde. El TAB debe leerse al igual que cualquier texto, de izquierda a derecha. La tablatura suele estar enriquezida por los distintos efectos que se pueden hacer con la guitarra: BEND UP/DOWN (Tensión Ascendente /Descendente) e|-------------------| B|-------------------| G|-----5b7b5---------| D|-------------------| A|-------------------| E|-------------------| Pulsa la nota de salida (aqui en el 5to traste) y tira de ella hasta conseguir la afinación de la nota que esta despues de la "b", para luego soltarla a la afincion inicial. REPICK (Pulsacion repetida) e|-------------------| B|-------------------| G|-----5b7r7---------| D|-------------------| A|-------------------| E|-------------------| Has bend up a la afinación mostrada luego de la "b", entonces vuelve a pulsar la nota que esta posterior a la "r", mientras aguantas la tension de la cuerda a la afincación indicada PRE-BEND (Pulsación en tensión) e|-------------------| B|-------------------| G|-------b7b5--------| D|-------------------| A|-------------------| E|-------------------| Tensiona la cuerda previamente hasta conseguir la afinación despues de la "b" (en este caso 7) y luego pulsa la nota para luego aflojar HAMMER-ON (Ligado Ascendente) e|-------------------| B|-------------------| G|-------5h7---------| D|-------------------| A|-------------------| E|-------------------| Pulsa en el 5to traste, entonces has sonar otra nota en el 7mo traste con la mano en el diapasón sin pulsar nuevamente. PULL-OFF (Ligado Descendente) e|-------------------| B|-------------------| G|-------7p5---------| D|-------------------| A|-------------------| E|-------------------| presiona la nota en el 7mo traste, y ademas el 5to con otro dedo (sobre la misma cuerda), entoncestira del dedo hacia arriba para que suene la nota inferior SLIDE (Glissando) e|-------------------| B|-------------------| G|-------7s5---------| D|-------------------| A|-------------------| E|-------------------| Pulsa la nota del septimo traste luego desliza el dedo abajo hacia el quinto sin pulsar nuevamente, esto puede hacerse de manera invertida tambien, en ocasiones los slides se representan con / o \ segun sean ascendente (el primero) o descendente (el segundo) FRETBOARD MUTES (Apagados de diapasón) e|-----------------------| B|--6--x--x--x--6--x--x--| G|--7--x--x--x--7--x--x--| D|--6--x--x--x--6--x--x--| A|--7--x--x--x--7--x--x--| E|-----------------------| Las notas marcadas con x debieran ser apagadas usando los dedos de la mano que pulsa en el diapasón. PALM MUTES (Apagados) e|-----------------------| B|--6-----------6--------| G|--7-----------7--------| D|--6-----------6--------| A|--7-----------7--------| E|-----0--0--0-----0--0--| PM PM PM PM PM Apagados hechos reposando la mano que pulsa sobre las cuerdas cerca del puente, es decir utilizando la palma de la mano derecha (izquierda si eres zurdo) VIBRATO (Vibración) e|-------------------| B|-------------------| G|----12~------------| D|-----------14~-----| A|-------------------| E|-------------------| Vibra la nota con la mano que esta sobre el diapasón, normalmente con un leve movimiento ascendente y descendente. Tambien se puede hacer con la palanca y de manera exagerada. Puede representarse tambien con una "v" OTROS SIMBOLOS () = Nota que sigue sonando, pero sin volver a tocarla. N.C. = Sin acorde(s). t (tapping) = Usar dedo(s) de la mano derecha para pulsar cuerda. H = Harmónico. Se toca la cuerda rozándola. AH = Harmónico artificial. Se toca la nota y con la yema del dedo se corta el sonido haciéndolo más agudo. Desarrollando fuerza y velocidad Por Roberto Ochoa El objetivo de éstos ejercicios es desarrollar fuerza y velocidad en tu mano izquierda (derecha si eres zurdo) mediante ejercicios crómaticos. Estos ejercicios caen dentro de la categoría de aburridos y difíciles, pero se supone que después de hacerlo unas cuantas miles de millones de veces tus dedos volarán por la guitarra. Al encontrarlos pense que eran los ejercicios de Emilio Pujol, pero al realizarlos me di cuenta que nunca habia realizado éste tipo de digitaciones. Bueno e aqui la explicación de los ejercicios: Coloca tu mano izquierda sobre la 6ta. cuerda con tus dedos sobre los trastes 1 al 4 (fig 1.). Ahora siguiendo los números que indican los dedos de la mano izquierda (1=indice, 2=medio, 3=anular y 4=meñique) que están situados a la izquierda del texto, vas desplazando los dedos. Al terminar la 6ta. cuerda pasas a la quinta hasta llegar a la primera y vuelves a la sexta sin detenerte, procurando obtener claridad en lo que estás tocando. Espero que se haya entendido. fig 1. e |-----------|-----------|-----------|-----------|----- B |-----------|-----------|-----------|-----------|----- G |-----------|-----------|-----------|-----------|----- D |-----------|-----------|-----------|-----------|----- A |-----------|-----------|-----------|-----------|----- E |-----1-----|-----2-----|-----3-----|-----4-----|----- Los ejercicios deben practicarse sólo el dedo pulgar y las llemas de los dedos de la mano izquierda deben tocar el diapasón. El dedo pulgar debe estar por atras del mástil. Si vas a realizar los ejercicios sentado, coloca tu antebrazo derecho al cuerpo de la guitarra para añadir control y estabilidad. Si estas parado, el angulo entre tu muñeca y tu brazo depende de lo largo que este tu talí. Ajústalo donde te sientas más agusto. No coloques la guitarra demasiado abajo; no importa lo bien que te veas, imaginandote que estas tocando en un escenario con tu guitarra por las rodillas, el encanto se pierde al momento en que intentes tocar algo en ésa torpe posición. Ahora decides si vas a usar púa o los dedos. Si optas por usar la púa, debes usar el plumilleo alternado, esto es, un golpe hacia abajo y el siguiente hacia arriba. Si lo haces con los dedos, debes alternar los golpes con los dedos indíce y medio. Usa la técnica que más te acomode y siempre recuerda mantener tu muñeca relajada. Estas digitaciones se pueden usar para crear distintas formas de ejercitar la mano izquierda, se pueden realizar en una sola cuerda como los de Pujol, o bien de la manera que yo los práctico: Al terminar de hacer el primer ejercicio empezando en el primer traste me desplazo al segundo, y así hasta llegar al noveno. Esta es una manera de incrementar el esfuerzo y para evitar que te aburras oyendo siempre el mismo sonido. Si sientes cualquier dolor durante los ejercicios, para inmediatamente. El dolor es la forma en que tu cuerpo te dice que estas haciendo algo mal. Detente y descansa. Es conveniente que uses un metrónomo para realizar los ejercicios a la velocidad de 160 golpes por minuto. Si no tienes uno, trata de mantener la misma duración para cada nota que toques. Incrementa gradualmente la velocidad mientras vallas mejorando en tus rutinas. Practica éste ejercicio con moderate tempo (80-100 beats por minuto) con un metrónomo y trata de mantener el movimiento con la púa como sea posible, atras y adelante sin brincar sobre las cuerdas. Relaja tu mano derecha lo más posible mientras incrementas gradualmente de velocidad. Mira tu plumilleo en un espejo, es una técnica que te ayuda a relajarte. Incrementa gradualmente la velocidad a la vez de que vallas mejorando. Fumas si no puedes realizar este ejercicio a 160 beats por minuto. No olvides si estas usando guitarra eléctrica de usar siempre tono limpio (sin distorción). Has esto como un ejercicio diario para que obtengas fuerza y velocidad en tu mano izquierda. Para incrementar el dasafío, tócalo en la dirección opuesta después de que lo hallas tocado de la primera forma. Con éste tipo de ejercicios serás capaz de desarrollar un arsenal de fuerza y velocidad. 1-2-3-4 4-1-3-2 4-2-1-3 4-2-3-1 4-3-1-2 4-3-2-1 1-2-4-3 1-3-2-4 1-3-4-2 1-4-2-3 1-4-3-2 2-1-3-4 2-1-4-3 2-3-1-4 2-3-4-1 2-4-1-3 2-4-3-1 3-1-2-4 3-1-4-2 3-2-1-4 3-2-4-1 3-4-1-2 3-4-2-1 4-1-2-3 4-1-3-2 4-2-1-3 4-2-3-1 4-3-1-2 4-3-2-1 www.guitarraonline.com.ar ( mucha mas informacion )

Los Angeles Lakers es un equipo de baloncesto de la NBA con base en Los Angeles, California. Destacan por tener la mayor cantidad de victorias en la historia (2621), con el mejor porcentaje de victorias (61,9%), el mayor número de aparición en las finales (28), y el segundo mayor número de títulos (14). Historia comenzaron su andadura en 1946 cuando Ben Berger y Morris Chalfen compraron los Detroit Gems, equipo de la National Basketball League, por 15.000 dólares y lo trasladaron a Minneapolis. Como los Gems fueron de lejos el peor equipo de la NBL, los Lakers tuvieron la primera selección del draft de 1947, que usaron sabiamente para escoger a George Mikan, quien sería poco después el mejor pívot de su tiempo. Con Mikan, el nuevo entrenador John Kundla y la llegada de ex-jugadores de la Universidad de Minnesota, los Lakers ganaron el campeonato de la NBL en la temporada 1947-48 y junto con otros tres equipos de la liga dieron el salto a la Basketball Association of America, donde ganaron el campeonato de 1948-49 de la BAA. La NBL y la BAA se fusionaron para convertirse en la NBA en 1949. Los Minneapolis Lakers fueron uno de los equipos más importantes de la recién fundada NBA. Con los miembros del Basketball Hall of Fame George Mikan, Vern Mikkelsen, Jim Pollard, Slater Martin y Clyde Lovellette, se convirtieron en la primera "dinastía" de la NBA, ganando cinco campeonatos en seis años (1949, 1950, 1952, 1953 y 1954). Tras su movimiento a Los Angeles en 1960, el equipo unió en sus filas a otros Hall of Famers como Elgin Baylor, Jerry West o Gail Goodrich, pero ante la falta de talento fueron superados repetidamente por los Boston Celtics, perdiendo el campeonato ante ellos seis veces en ocho años. No fue hasta 1972 cuando cuando consiguieron un récord de 33 victorias consecutivas bajo el mando del entrenador del año Bill Sharman, lo que les llevó a asegurarse su primer campeonato en Los Angeles. Partido entre Atlanta Hawks y Los Angeles Lakers en el STAPLES Center.De todas formas, incluso con la incorporación de Kareem Abdul-Jabbar, no fueron capaces de ganar otro campeonato hasta la llegada de Earvin "Magic" Johnson en 1979, derrotando a los Philadelphia 76ers gracias a una actuación que le valió para ser el MVP al rookie Johnson, quien, siendo titular por la lesión de Abdul-Jabbar, anotó 42 puntos, 15 rebotes y 7 asistencias para encadenar las series. Bajo el mando de Pat Riley, una antiguo jugador de los Lakers, el equipo se convirtió en el más dominante de los años 1980, apareciendo en las finales ocho veces en la década y siendo coronados campeones en cinco ocasiones, incluyendo dos campeonatos consecutivos en 1987 y 1988, el primer equipo en hacerlo desde Boston en 1969. Las cheerleaders de los Lakers actuando durante un tiempo muertoA pesar de hacer otra aparición en las finales de 1991, los Lakers se pasaron casi toda la década de los 90 cayendo ante equipos que no eran considerados aspirantes al título. No obstante, durante la pretemporada de 1996-1997 los Lakers adquirieron a Shaquille O'Neal de los Orlando Magic y a Kobe Bryant de los Charlotte Hornets. Siguiendo las directrices de Phil Jackson como entrenador del equipo en 1999, el equipo volvió a coger el ritmo del campeonato. Liderados por O'Neal, Bryant y el talento del resto de la plantilla, los Lakers ganaron tres finales de la NBA consecutivas desde 2000 hasta 2002. Recientemente, a los Lakers le surgieron una serie de problemas fuera de la cancha, protagonizados por O'Neal, Bryant y Jackson. En 2004 O'Neal fue traspasado a los Miami Heat y Jackson se retiró temporalmente. Después de que los Lakers sufrieran mucho en la temporada 2004-05, Jackson volvió al año siguiente a ocupar el cargo de entrenador. El equipo, liderado únicamente por Bryant, volvió a jugar los playoffs, cayendo derrotados frente a Phoenix Suns en la primera ronda. Fans célebres Debido a la proximidad del equipo con Hollywood, entre los fans de los Lakers se puede encontrar bastantes actores y músicos famosos que habitualmente acuden a los partidos en casa del equipo. Jack Nicholson es el miembro más asiduo de este grupo, ya que compra abonos de temporada desde 1967; otras celebridades conocidas como abonados son Denzel Washington, Dustin Hoffman, The Game, Andy Garcia, Penny Marshall, Ice Cube, Sylvester Stallone, Michael Clarke Duncan y Dyan Cannon. Los componentes del grupo musical californiano Red Hot Chili Peppers son también fans de los Lakers. Las canciones "Salute to Kareem" y "Magic Johnson", tributos a la época dorada del equipo, pueden ser encontradas en su álbum Mother's Milk. Desde la temporada 2005-2006 el bajista del grupo, Flea, escribe un blog sobre los Lakers en NBA.com. Trayectoria Los Angeles Lakers 1960-61 36 43 .456 Gana Semifinales División Pierde Finales División Los Angeles 2, Detroit 0 St. Louis 4, Los Angeles 3 1961-62 54 26 .675 Gana Finales División Pierde Finales NBA Los Angeles 3, Detroit 2 Boston 4, Los Angeles 3 1962-63 53 27 .663 Gana Finales División Pierde Finales NBA Los Angeles 4, St. Louis 3 Boston 4, Los Angeles 2 1963-64 42 38 .525 Gana Finales División St. Louis 3, Los Angeles 2 1964-65 49 31 .613 Gana Finales División Pierde Finales NBA Los Angeles 4, Baltimore 2 Boston 4, Los Angeles 1 1965-66 45 35 .563 Gana Finales División Pierde Finales NBA Los Angeles 4, St. Louis 3 Boston 4, Los Angeles 3 1966-67 36 45 .444 Pierde Semifinales División San Francisco 3, Los Angeles 0 1967-68 52 30 .634 Gana Semifinales División Gana Finales División Pierde Finales NBA Los Angeles 4, Chicago 1 Los Angeles 4, San Francisco 0 Boston 4, Los Angeles 3 1968-69 55 27 .671 Gana Semifinales División Gana Finales División Pierde Finales NBA Los Angeles 4, San Francisco 2 Los Angeles 4, Atlanta 1 Boston 4, Los Angeles 3 1969-70 46 36 .561 Gana Semifinales Conferencia Gana Finales Conferencia Pierde Finales NBA Los Angeles 4, Phoenix 3 Los Angeles 4, Atlanta 0 New York 4, Los Angeles 3 1970-71 48 34 .585 Gana Semifinales Conferencia Pierde Finales Conferencia Los Angeles 4, Chicago 3 Milwaukee 4, Los Angeles 1 1971-72 69 13 .841 Gana Semifinales Conferencia Gana Finales Conferencia Gana Finales NBA Los Angeles 4, Chicago 0 Los Angeles 4, Milwaukee 2 Los Angeles 4, New York 1 1972-73 60 22 .732 Gana Semifinales Conferencia Gana Finales Conferencia Pierde Finales NBA Los Angeles 4, Chicago 3 Los Angeles 4, Golden State 1 New York 4, Los Angeles 1 1973-74 47 35 .573 Pierde 1ª Ronda Milwaukee 4, Los Angeles 1 1974-75 30 52 .366 1975-76 40 42 .488 1976-77 53 29 .646 Gana 1ª Ronda Pierde Semifinales Conferencia Los Angeles 4, Golden State 3 Portland 4, Los Angeles 0 1977-78 45 37 .549 Pierde 1ª Ronda Seattle 2, Los Angeles 1 1978-79 47 35 .573 Gana 1ª Ronda Pierde Semifinales Conferencia Los Angeles 2, Denver 1 Seattle 4, Los Angeles 1 1979-80 60 22 .732 Gana Semifinales Conferencia Gana Finales Conferencia Gana Finales NBA Los Angeles 4, Phoenix 1 Los Angeles 4, Seattle 1 Los Angeles 4, Philadelphia 2 1980-81 54 28 .659 Pierde 1ª Ronda Houston 2, Los Angeles 1 1981-82 57 25 .695 Gana Semifinales Conferencia Gana Finales Conferencia Gana Finales NBA Los Angeles 4, Phoenix 0 Los Angeles 4, San Antonio 0 Los Angeles 4, Philadelphia 2 1982-83 58 24 .707 Gana Semifinales Conferencia Gana Finales Conferencia Pierde Finales NBA Los Angeles 4, Portland 1 Los Angeles 4, San Antonio 2 Philadelphia 4, Los Angeles 0 1983-84 54 28 .659 Gana 1ª Ronda Gana Semifinales Conferencia Gana Finales Conferencia Pierde Finales NBA Los Angeles 3, Kansas City 0 Los Angeles 4, Dallas 1 Los Angeles 4, Phoenix 2 Boston 4, Los Angeles 3 1984-85 62 20 .756 Gana 1ª Ronda Gana Semifinales Conferencia Gana Finales Conferencia Gana Finales NBA LA Lakers 3, Phoenix 0 LA Lakers 4, Portland 1 LA Lakers 4, Denver 1 LA Lakers 4, Boston 2 1985-86 62 20 .756 Gana 1ª Ronda Gana Semifinales Conferencia Pierde Finales Conferencia LA Lakers 3, San Antonio 0 LA Lakers 4, Dallas 2 Houston 4, LA Lakers 1 1986-87 65 17 .793 Gana 1ª Ronda Gana Semifinales Conferencia Gana Finales Conferencia Gana Finales NBA LA Lakers 3, Denver 0 LA Lakers 4, Golden State 1 LA Lakers 4, Seattle 0 LA Lakers 4, Boston 2 1987-88 62 20 .756 Gana 1ª Ronda Gana Semifinales Conferencia Gana Finales Conferencia Gana Finales NBA LA Lakers 3, San Antonio 0 LA Lakers 4, Utah 3 LA Lakers 4, Dallas 3 LA Lakers 4, Detroit 3 1988-89 57 25 .695 Gana 1ª Ronda Gana Semifinales Conferencia Gana Finales Conferencia Pierde Finales NBA LA Lakers 3, Portland 0 LA Lakers 4, Seattle 0 LA Lakers 4, Phoenix 0 Detroit 4, LA Lakers 0 1989-90 63 19 .768 Gana 1ª Ronda Pierde Semifinales Conferencia LA Lakers 3, Houston 1 Phoenix 4, LA Lakers 1 1990-91 58 24 .707 Gana 1ª Ronda Gana Semifinales Conferencia Gana Finales Conferencia Pierde Finales NBA LA Lakers 3, Houston 0 LA Lakers 4, Golden State 1 LA Lakers 4, Portland 2 Chicago 4, LA Lakers 1 1991-92 43 39 .524 Pierde 1ª Ronda Portland 3, LA Lakers 1 1992-93 39 43 .476 Pierde 1ª Ronda Phoenix 3, LA Lakers 2 1993-94 33 49 .402 1994-95 48 34 .585 Gana 1ª Ronda Pierde Semifinales Conferencia LA Lakers 3, Seattle 1 San Antonio 4, LA Lakers 2 1995-96 53 29 .646 Pierde 1ª Ronda Houston 3, LA Lakers 1 1996-97 56 26 .683 Gana 1ª Ronda Pierde Semifinales Conferencia LA Lakers 3, Portland 1 Utah 4, LA Lakers 1 1997-98 61 21 .744 Gana 1ª Ronda Gana Semifinales Conferencia Pierde Finales Conferencia LA Lakers 3, Portland 1 LA Lakers 4, Seattle 1 Utah 4, LA Lakers 0 1998-99 31 19 .620 Gana 1ª Ronda Pierde Semifinales Conferencia LA Lakers 3, Houston 1 San Antonio 4, LA Lakers 0 1999-2000 67 15 .817 Gana 1ª Ronda Gana Semifinales Conferencia Gana Finales Conferencia Gana Finales NBA LA Lakers 3, Sacramento 2 LA Lakers 4, Phoenix 1 LA Lakers 4, Portland 3 LA Lakers 4, Indiana 2 2000-01 56 26 .683 Gana 1ª Ronda Gana Semifinales Conferencia Gana Finales Conferencia Gana Finales NBA LA Lakers 3, Portland 0 LA Lakers 4, Sacramento 0 LA Lakers 4, San Antonio 0 LA Lakers 4, Philadelphia 1 2001-02 58 24 .707 Gana 1ª Ronda Gana Semifinales Conferencia Gana Finales Conferencia Gana Finales NBA LA Lakers 3, Portland 0 LA Lakers 4, San Antonio 1 LA Lakers 4, Sacramento 3 LA Lakers 4, New Jersey 0 2002-03 50 32 .610 Gana 1ª Ronda Pierde Semifinales Conferencia LA Lakers 4, Minnesota 2 San Antonio 4, LA Lakers 2 2003-04 56 26 .683 Gana 1ª Ronda Gana Semifinales Conferencia Gana Finales Conferencia Pierde Finales NBA LA Lakers 4, Houston 1 LA Lakers 4, San Antonio 2 LA Lakers 4, Minnesota 2 Detroit 4, LA Lakers 1 2004-05 34 48 .415 2005-06 45 37 .549 Pierde 1ª Ronda Phoenix 4, LA Lakers 3 2006-07 42 41 .519 Pierde 1ª Ronda Phoenix 4, LA Lakers 1 Totales 2847 1780 .613 Playoffs 383 258 .598 14 Campeonatos Miembros del Basketball Hall of Fame 33 Kareem Abdul-Jabbar 22 Elgin Baylor 13 Wilt Chamberlain 25 Gail Goodrich 42 Connie Hawkins 32 Magic Johnson 34 Clyde Lovellette 22 Slater Martin 11 Bob McAdoo 99 George Mikan 19 Vern Mikkelsen 17 Jim Pollard 42 James Worthy 44 Jerry West Entrenador John Kundla Entrenador Bill Sharman Entrenador Phil Jackson Números retirados 13 Wilt Chamberlain, C, 1968-73 22 Elgin Baylor, F, 1958-71 25 Gail Goodrich, G, 1965-68 & 1970-76 32 Magic Johnson, G, 1979-91 & 1995-96; Entrenador 1994 33 Kareem Abdul-Jabbar, C, 1975-89 42 James Worthy, F, 1982-94 44 Jerry West, G, 1960-74; Entrenador, 1976-79; General Manager, 1981-2002 MIC Chick Hearn, Comentarista, 1960-2002 Entrenadores Bill Sharman John Kundla Bud Grant Jerry Buss Pat Riley Phil Jackson Rudy Tomjanovich Frank Hamblen Mike Dunleavy, Sr. Del Harris http://es.wikipedia.org/wiki/Los_Angeles_Lakers

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bueno aca les dejo un poko de informacion de lo que es el basket sobre silla de rueda. me encata el deporte y creo que las personas que no dejan de practicar deporte sea cual sea el problema que tengan son un ejemplo para cualquier persona BALONCESTO PARA TODOS Este juego ha sido adaptado para que todo el mundo lo pueda practicar El baloncesto es un deporte espectacular, los cinco integrantes de cada equipo están en continuo movimiento atentos tanto a las jugadas ofensivas como a las defensivas. Los discapacitados físicos también pueden disfrutar de un deporte que engancha. Las adaptaciones que se han introducido en el baloncesto en silla de ruedas son las necesarias para poder combinar las reglas clásicas del baloncesto con los impedimentos físicos de los participantes. OBJETIVO DEL JUEGO Obviamente, y como todo el mundo sabe, en el baloncesto el objetivo es anotar más puntos que elrival. Los puntos se consiguen introduciendo el balón dentro del aro, el cesto (la canasta). Cada cesto vale dos puntos, los que son lanzados desde más allá de la línea de seis veinticinco valen tres puntos y aquellos que se consiguen después de un tiro libre, un punto. LA SILLA DE RUEDAS La silla de ruedas es el medio mediante el cual los jugadores con minusvalía física se desplazan cuando juegan a baloncesto. Estas sillas han de poseer unas medidas mínimas permitidas, las cuales no deben ser rebasadas. Por una parte, la altura del asiento no puede ser superior a los 53 centímetros. Por otro lado, las ruedas grandes, es decir las traseras, han tener un diámetro máximo de 66 centímetros de diámetro como máximo. El número de ruedas puede variar, entre las tres y las cuatro, dispuestas de la siguiente manera: dos grandes traseras y una ó dos pequeñas en la parte delantera. EL PARTIDO Los partidos, y de acuerdo con las nuevas normas FIBA, se estructuran en cuatro cuartos de diez minutos cada uno. Entre el primero y el segundo, tercero y cuarto hay dos minutos de descanso. Entre el segundo y tercero, el medio tiempo, los jugadores descansarán quince minutos. Cada equipo atacante tiene una limitación temporal para poder lanzar al cesto. La FIBA ha pretendido potenciar el juego de ataque y no la pasividad ofensiva, reduciendo de treinta a veinticuatro segundos la posesión de ataque para cada equipo. Por otro lado, también se ha reducido el tiempo del que dispone un equipo para cruzar la línea de medio campo cuando realiza la transición defensa ataque. Antes el base tenía hasta diez segundos para cruzar el campo; actualmente el tiempo se ha reducido a ocho segundos. De este modo los equipos han de encarar rápidamente el aro rival, lo que repercute en el juego, haciéndose más veloz y vibrante. DIFERENCIAS CON EL BALONCESTO FIBA Las principales diferencias con el baloncesto FIBA vienen dadas por el hecho de que los jugadores se desplazan sobre el parqué con una silla de ruedas. La normativa dice que solamente las ruedas pueden tocar la cancha cuando el jugador posea el balón. Si sucediera lo contrario los árbitros decretarían una violación y la posesión de la pelota pasaría automáticamente al equipo rival. Otra de las faltas que un árbitro puede señalar es una falta antideportiva si un jugador que pretende conseguir una pelota que no tiene dueño se levanta del asiento para llevar a cabo este lance del juego. Está acción está totalmente prohibida y será castigada con una técnica o falta antideportiva. Al igual que en el baloncesto FIBA, cuando un jugador toca con su cuerpo alguna de las líneas que delimitan el campo y posee la pelota se decreta fuera y posesión para el conjunto contrario; el baloncesto para discapacitados físicos mantiene la misma regla pero en lugar del cuerpo es la silla. Si el jugador que tiene la pelota toca con alguna parte de la silla una línea lateral se considerará pelota perdida, como si la pelota estuviera fuera. Cuando un jugador FIBA hace un lanzamiento de tres puntos - más allá de la línea de seis veinticinco - o de tiro libre y pisa dichas líneas el cesto vale dos puntos, y no tres, o en el caso del tiro libre no es dada como buena. Por el contrario, si las dos ruedas delanteras tocan o sobrepasan la línea de triple o de personales, el cesto si será dada por válido. Las ruedas traseras son las que no pueden tocar las líneas, tanto en el lanzamiento triple como en el personal para que estos sean contados de tres puntos y un punto respectivamente. Una de las jugadas más habituales en el baloncesto también tiene su equivalente en el baloncesto en silla de ruedas. En el baloncesto FIBA un jugador no puede dar más de dos pasos una vez ha dejado de botar la pelota. La traslación de esta norma en el baloncesto para disminuidos físicos, un jugador con posesión de pelota no puede dar más de dos impulsos a la silla sin botar o pasar la pelota. Los impulsos pueden ser tanto hacia adelante como atrás, de no ser así el árbitro señalará pasos (caminar). Si dos jugadores agarran el balón de manera simultánea y pasan más de tres segundos, en las normas FIBA se decretaría pelota retenida (en este caso lucha) y salto entre dos. El salto entre dos en el baloncesto en silla de ruedas no existe y la normativa se ha fijado en el código del baloncesto universitario de Estados Unidos. Cada vez que el árbitro señale lucha, en lugar de haber un salto entre dos, cada equipo sacará de la lateral de manera alternativa. La pelota solamente será lanzada al aire al principio del partido o bien al inicio del tercer cuarto y períodos extras si los hubiera. MEDIDAS DE LA CANCHA Una cancha de baloncesto es un rectángulo, que tiene dieciseis metros el lado más corto y veintiocho en el largo. El campo está dividido en dos mitades iguales que separan los dos campos. Al fondo de cada costado se sitúan los aros que están a tres metros cinco de altura. Perpendicularmente al aro encontramos la línea de tiros libres que es al mismo tiempo paralela a la línea de fondo. La línea de personales se encuentra a cinco metros y ochenta centímetros de la línea de fondo. Hay que remarcar que las medidas del campo de baloncesto son las mismas en todos los sentidos, tanto para la normativa FIBA como para el baloncesto en silla de ruedas. Todas estas reglas son imprescindibles para adaptar el baloncesto en silla a las normas de la FIBA, pero, en líneas generales, el baloncesto en minusválidos se juega en las mismas condiciones que el baloncesto de "a pie", pero con la dificultad añadida de que los jugadores están sentados y, por tanto, a mayor distancia del cesto. si quieren saber un poco mas de esto aca les dejo el link www.geocities.com

es increíble que exista gente que disfrute haciendo esto y gente que pague para verlo . la verdad no tienen perdon de nadie. Corrida de toros: Matar por diversión link: http://www.videos-star.com/watch.php?video=y6HT3FNGoh0 Tal vez hayas oído que la fiesta de los toros es un arte, pero no lo es.... Es una Ciencia... La ciencia de la Tortura Nada en la fiesta brava es genuino, solo el dolor. Se cree valiente pero no lo es no tiene carácter fuerte. 24 Horas antes de entrar en la arena, el toro ha sido sometido a un encierro a oscuras para que al soltarlo, la luz y los gritos de los espectadores lo aterren y trate de huir saltando las barreras, lo que produce la imagen en el publico de que el toro es feroz, pero la condición natural del toro es huir NO atacar. También se le han recortado los cuernos para proteger al torero Le colgaron sacos de arena en el cuello durante horas. Lo golpearon en los testiculos y los riñones Le indujeron diarrea al poner sulfatos en el agua que bebió Todo esto es con el fin de que llegue débil al ruedo y en completo desorden. Se le ha untado grasa en los ojos para dificultar su visión y en las patas se le puso una sustancia que le produce ardor y le impide mantenerse quieto, así el torero no desluce su actuación. Los caballos de los picadores Se eligen a caballos que ya no tienen valor comercial, por que el animal muere en 3 o 4 corridas a lo mucho, es muy habitual que el animal sufra quebraduras múltiples de costillas o destripamientos. Se les coloca un peto simulando que se les protege, pero en realidad se trata de que el publico no vea las heridas al caballo que con frecuencia presentan exposición de vísceras. El trabajo del picador Si el torero percibe que el toro embiste con mucha energía, ordena al picador hacer su trabajo: Consistente en desangrar al toro para debilitarlo, clavándole en el lomo una lanza que destroza músculos (trapecio, romboideo, espinoso y semiespinoso, serratos y transversos de cuello) Lesiona además, vasos sanguíneos y nervios. Esto es para que el torero pueda brindar la expresión artística que se supone debe tener este espectáculo. Un solo puyazo podría destrozar al toro, por eso se hace en tres tiempos “para mayor goce de la afición.” Las banderillas Las banderillas aseguran que la hemorragia siga se intenta colocarlas justo en el mismo sitio ya dañado con los ganchos de metal. El gancho se mueve dentro de la herida con cada movimiento del toro y con el roce de la muleta, el peso de las banderillas tiene precisamente esa función. Algunas banderillas tienen un arpón de 8 cms, y se les llama “de castigo”, a las cuales es sometido el toro cuando ha logrado evadir la lanza del picador. Las banderillas prolongan el desgarre y ahondamiento de las heridas internas. No hay límite al número de banderillazos: tantos como sean necesarios para desgarrar los tejidos y piel del toro. Demostrando Valor La pérdida de sangre y las heridas en la espina dorsal impiden que el toro levante la cabeza de manera normal, y es cuando el torero puede acercarse Con el toro ya cerca del agotamiento, el torero no se preocupa ya del peligro y se puede dar el lujo de retirarse del toro después de un pase especialmente artístico, echando fuera el pecho y pavoneándose al recibir los aplausos del público. Cuando el toro alcanza este estado lastimero, el matador entra en el ruedo en una celebración de bravura y machismo, a enfrentarse a un toro exhausto, moribundo y confundido. La Espada El toro es atravesado con una ESPADA de 80 cms de longitud, que puede destrozarle el hígado, los pulmones, la pleura, etc., según el lugar por donde penetre en el cuerpo del animal de hecho, cuando destroza la gran arteria, el toro agoniza con enormes vómitos de sangre. A la hora de matar, si el toro corre con un poco de suerte muere de una estocada, pero no como se piensa de una estocada al corazón si no que la espada penetra pulmones y diafragma, a veces una arteria mayor, y de ahí la hemorragia que se aprecia del hocico y de la boca. A veces mueren ahogados en su propia sangre. La Tortura sigue El toro, en un intento desesperado por sobrevivir, se resiste a caer, y suele encaminarse penosamente hacia la puerta por la que lo hicieron entrar, buscando una salida a tanto maltrato y dolor. Pero entonces lo apuñalan en la nuca con el DESCABELLO, otra larga espada que termina en una cuchilla de 10 cms. A pesar de estos terribles tormentos, el animal no suele morir de inmediato por su gran fuerza, pero finalmente cae al suelo, porque la espada a ido destrozando sus órganos internos. La Tortura sigue Lo rematan con la PUNTILLA de 10 cms. con lo que intentan seccionarle la médula espinal, a la altura de las vértebras atlas y axis. El toro queda así paralizado, sin poder siquiera realizar movimientos con los músculos respiratorios, por lo que muere por asfixia, muchas veces ahogado en su propia sangre, que le sale a borbotones por la boca y la nariz. El Arrastre DESPUES QUE LE DESTROZAN LAS VERTEBRAS, EL TORO PIERDE CONTROL SOBRE SU CUERPO DESDE EL CUELLO HACIA ABAJO, SIN EMBARGO HACIA ARRIBA SE MANTIENE INTACTO, POR LO QUE ESTA CONCIENTE DE TODO EL HORROR Y DE CÓMO ES ARRASTRADO FUERA DEL RUEDO. NO SEAS INDIFERENTE A SU DOLOR ¿Alcanzas a ver la lágrima escurriendo? ¿Cómo puedes Ayudar? - No asistas a corridas de toros - No apoyes a políticos, artistas y comunicadores asociados a esta barbarie - No consumas productos de empresas que los patrocinen - Pero lo mas importante... Enseña a tus hijos el respeto por los seres vivientes Fuente: www.proyectogeo.com saludos.

Aca les dejo un poco de recuerdos. Magic Kids Magic Kids era un canal de cable creado en Argentina cuyo dueño era la empresa latinoamericana PRAMER y en donde se emitían dibujos animados, series y programas para niños. Sus estudios se encontraban en la calle Ángel Gallardo al 1700, en Capital Federal. La señal fue cancelada en Mayo de 2006. Historia La historia de Magic Kids comienza en 1995 cuando, en una fiesta inaugural en el Hotel Sheraton de Bs. As., el Magic Kids comenzaba lo que serían sus 11 años de pantalla. A la cabeza estaba su conductor ejecutivo, Jorge Contreras, con una gran experiencia en la televisión documental y periodística pero sin experiencia alguna en el entretenimiento infantil. Sin embargo, esta inexperiencia pudo superarse, ya que en esos días, gracias a programas como Power Rangers, X-Men y Spider-Man, el canal se convirtió en el uno de los más vistos de la época. La idea siempre fue la de contar con enlatados (termino usado en la industria para referirse a series compradas, ya que antes venían en latas similares a las de las películas). Además, el hecho de que fuera una señal local le posibilitaba el hecho de adaptarse rápidamente a los gustos de los televidentes (algo que las señales panregionales no conseguían). Asi fue que Magic Kids comenzó con el programa A Jugar Con Hugo (que se estrenó el año posterior al debut del canal y se mantuvo hasta su cierre), lo mismo pasó con el programa Nivel X (que comenzo con la conducción del cantante de El Símbolo y luego le siguió Lionel Campoy). Finalmente el tercero en aparecer en el Magic fue El Club Del Anime (conducido primero por Leandro Oberto y después por Mariela Carril). En septiembre del 2001 la señal se empezó a emitir a toda Latinoamérica (convirtiendose en Panregional). Esto presentó un problema ya que si Magic Kids quería seguir con su programación habitual, tendría que pagar por el derecho de transmisión de las series para la región. En vez de eso optaron reemplazar los programas con series viejas que fueran económicamente accesibles, lo que alejó a muchos televidentes. Además, al dejar de emitir anime, e incapaz de competir con otros canales, era claro que Magic empezó a perder fuerza de a poco. A comienzos del año 2006 dejaron de producir series propias y en mayo de ese mismo año la señal dejó de emitir. Pramer decidió sacarlo del aire por falta de rating. Producciones propias Los programas eran producidos en Argentina por la productora La Corte y Pramer. Estos programas eran muy vistos en Latinoamérica. A jugar con Hugo fue el primer programa interactivo de Latinoamérica, contando con un juego telefónico que por medio de las teclas, se podía manejar al personaje llamado Hugo en los distintos juegos. El canal realizó una producción parecida en 2001, llamada Kito Pizzas, pero esta vez, con un repartidor de pizzas llamado Kito. Otros programas incluían La hora de la leche, Nivel X, El Club del Anime, Zona Virtual y Los Supercampeones. Cronologia de Magic Kids 1995 - El nuevo enprendimiento de Pramer y Cablevisión (que pertenecían a Eduardo Eurnekian) consistía en un doble proyecto: Magic Kids y Magic Club (este último quedó extinto al no tener televidentes y fue reemplazado por The Big Channel). 1995 Abril - Se estrenó Sailor Moon, tanto en Magic Kids como en The Big Channel (aunque en éste último no se transmitió completamente). Las etapas R y S llegaron en Junio de 1997, Super S llegó en Abril de 1998 y Sailor Star en Julio de 1998. Se estrena una tanda de los primeros capítulos de Dragonball fuera de censura. 1995 Junio - Se estrenó la serie japonesa Caballeros del Zodiaco. 1996 - Se estrena WMAC masters, Cocomiel, La Puerta del Sótano y Mr. Go. 1997 - Se re-estrena Dragonball. 1998 Mayo - Se estrena Dragonball Z que lo vuelve a dejar en las primeras posiciones. 1998 Junio - Magic estrena Goleadores. 1998 Agosto - Estrena Capitan Tsubasa J. 1998 Septiembre - Mediante a un acuerdo con la distribuídora TMS se estrena Magic Knight Rayearth (Guerreras Mágicas). 1998 Diciembre - Se estrena El Club del Anime. 1999 - Llega Ranma 1/2, Zenki y Virtua Fighter. 2000 - Se estrena Detective Conan, Slayers y Dragonball GT. 2001 - Llega Escaflowne, Estás Arrestado y Slam Dunk. 2001 Agosto - Magic se vuelve panregional y estrena Dr. Slump, Orphen, Mikami, Yamazaki, Kito Pizzas y Zona Virtual (éstas últimas dos fueron producciones propias). 2002 - Llega Koni Chan y Capitan Taylor. 2003 - Estrena Doraemon. 2005 Enero - Los últimos estrenos del canal: Webdiver, Detective School Q, Dog City (de Jim Henson) y Zentrix entre otras. 2005 31 de diciembre - Se emiten por última vez los programas de producción propia. Al día siguiente, la programación es cambiada para incluir sólo series animadas. Ninguna de éstas sería estreno. 2006 Mayo - Tras un año sin presentar nuevas series y con una programacion muy pobre, el Magic se despide del aire silenciosamente. Series importadas Además de las producciones propias el canal emitía dibujos animados, series principalmente de Estados Unidos, con algunas excepciones y anime de Japón. Esta es una lista parcial de estos programas. Dibujos animados ¿Dónde está Wally? Cadillacs y Dinosaurios Creepy Crawlers Calabozos y Dragones El Ataque de los Tomates Asesinos El Autobús Mágico Garfield Inspector Gadget La tropa Rex Los Cuentos de la Cripta Marsupilami RoboCop Aventuras en Pañales Spiderman Street Sharks The Tick: La Serie Animada The visionaries Las Aventuras de Sonic el Puercoespín Anime B't X Bucky en busca del mundo cero (Jibaku-Kun) Captain Tsubasa Cazafantasmas Mikami Detective Conan Doraemon Dr. Slump Dragon Ball Dragon Ball Z Dragon Ball GT Irresponsable Capitán Taylor Magic Knight Rayearth (Las Guerreras Magicas) Orphen Pokemon Ranma 1/2 Robotech Sailor Moon Saint Seiya Samurai Warriors Series El chavo del 8 Alf Reboot Power Rangers El mundo de Beakman Beast Wars Bananas En Pijamas Animaciones de relleno entre programas Bump in the Night, animación con plastilina Mr. Go, animación con plastilina Mr. Hiccup, dibujo animado de un hombre con hipo y todas sus curiosas desventuras. Oscar And Friends, animación con plastilina Cocomiel, dibujo animado de origen belga sobre una vaquita mágica de San Antonio. Series Propias La hora de la leche Nivel X con Lionel Campoy y Natalia Dim Los Supercampeones con Federico Halley, Diego Arvilly, y Mariana Maffuchi. Trut y Nek con Chopper y Mariano Peluffo Zona Virtual con Federico Halley, Diego Arvilly, Mariana Maffuchi, Lionel Pecoraro. A Jugar Con Hugo con Gaby. Kito Pizzas con Chucho El Club Del Anime con Leandro Oberto (inicio) y Mariela del Carril (segunda etapa). saludos

REVOLUCION Revolución es el cambio o transformación radical y profundo respecto al pasado inmediato. Se puede producir en varios ámbitos al mismo tiempo, tales como económicos, culturales, religiosos, políticos, sociales, militares, etc. Los cambios revolucionarios, además de radicales y profundos, y sobre todo traer consecuencias trascendentales, han de percibirse como súbitos y violentos, como una ruptura del orden establecido o una discontinuidad evidente con el estado anterior de las cosas. Si no es así, debería hablarse mejor de una evolución, de una transición o de una crisis. Si lo que falta es su carácter trascendental, debería hablarse mejor de una revuelta. Las revoluciones son consecuencia de procesos históricos y de construcciones colectivas, para que una revolución exista es necesario que haya una nueva unión de intereses frente a una vieja unión de intereses. entonces, podemos decir que revolución es un cambio brusco o radical en las estructuras, esto puede afectar en lo social, económico, cultural etc. Tipología de las revoluciones En la historiografía se habla generalmente de tres tipos de revoluciones *revolución política *revolución social *revolución económica Pueden valer para ejemplificarlas las tres grandes revoluciones que surgen y se desarrollan entre los siglos XVIII y XIX, marcando el fin de la Edad Moderna y el comienzo de la Edad Contemporánea. *La Revolución Francesa fue un movimiento fundamentalmente político, porque se trataba de sustituir la monarquía absoluta existente hasta 1789, para reemplazarlo por un sistema político con características radicalmente opuestas, lo que permitió hablar de un Antiguo Régimen y un Nuevo Régimen. Desde un punto de vista general, puede incluirse la francesa entre las Revoluciones Liberales, entendidas como las que aplican la ideología política liberal, y que habrían comenzado con la independencia americana y continuarían en Europa occidental al menos hasta 1848. *La revolución burguesa entendida como la sustitución como clase dominante del estamento privilegiado (formado por nobleza y clero) por la burguesía, con el cambio de relaciones, comportamientos, actitudes y valores sociales que se identifican con una u otra; permite hablar de una nueva sociedad de clases. No obstante, la historiografía suele utilizar más comúnmente el término Revoluciones burguesas para referirse, incluso en su aspecto estrictamente político (a pesar de la impropiedad), a las que hemos llamado revoluciones liberales, es decir, a todos los los procesos revolucionarios (como la misma Revolución Francesa) en los que esta clase social es impulsora. *La Revolución Industrial tiene un carácter esencialmente económico, la transformación respecto de la época precedente (la preindustrial) con el uso de nuevas técnicas, fuentes de energía, invención de maquinarias, innovadores medios de transporte, aumento de la capacidad productiva con la sustitución de los talleres artesanales por las fábricas, etc Es necesario indicar que estos dos últimos procesos, pese a ser de duración secular, fueron claramente percibidos por sus contemporáneos como súbitos y violentos, como lo prueban, entre otros extremos, la resistencia y los conflictos que generó la aparición del maquinismo (la destrucción de máquinas o luddismo). Es de imposible solución el debate (en el que puede destacarse el aporte de E. P. Thompson) sobre si la revolución industrial inglesa costó más muertes y sufrimientos que la revolución liberal francesa. Justificado este uso, se entiende que por extensión se aplique el término revolución a la Revolución Neolítica y la Revolución Urbana (definidos por Vere Gordon Childe), procesos ya no seculares sino milenarios, pero que presentan claras analogías con los del XVIII y XIX en cuanto a la transformación radical (y sin duda violenta) de las formas de vida de la humanidad. No se agota la tipología de las revoluciones con estos tres tipos. Se habla de revoluciones en cualquier ámbito, incluso en los más alejados de los usos anteriores, como sería el ámbito de la ideología (revolución ideológica) o el del arte (revolución artística). A veces esa extensión se hace con evidente abuso del término (cuando se aplica a la moda, al deporte, a la última novedad de la música popular...), y a veces está plenamente justificada (revolución cultural en la China maoista) o el concepto de revolución científica (Thomas Kuhn). Revoluciones liberales *Burguesa Revoluciones inspiradas en la Ilustración. Ascensión de las burguesías en Europa y América. *Inglesa 1642-63 Guerra entre el Parlamento y el Rey. Ejecución de Carlos I y formación de un protectorado republicano. *Gloriosa 1688-89 Jacobo II de Inglaterra es derrocado. Se establece una monarquía constitucional controlada por el Whig. *Estadounidense 1776 Instituye la independencia de Inglaterra con la creación de una república. *Francesa 1789-99 Una de las revoluciones más influyentes, asociada con la ascensión de la burguesía. *Rusa 1905 Fallada revolución burguesa-liberal con socialistas contra el Zar Nicolás II. *De mayo 1810-20 Argentina se independizó (de hecho en 1810 y de derecho en 1816) de los reyes Borbones de España. y aca les ejo la foto de quien es para mi el mayor exponente de la revolucion http://es.wikipedia.org saludos gente,, hasta la victoria siempre !!!