Andy Warhol... historia e imagenes!
Bueno taringueros un post de este maestro!!!
espero lo disfruten....
Este artista norteamericano es quizás uno de los más conocido a nivel mundial. Su obra gráfica en serie, su arte pop y caras famosas; sus polémicas, películas y excentricidades lo transformaron en un icono del siglo XX.
Escalera al pop
Warhol inició su ascenso en los sesenta. El rey del pop coleccionó gente como pocos y supo tender las redes necesarias. Aspirar, trepar y escalar.
Fue una amiga quien por cincuenta dólares le dio la clave a Andy Warhol para comenzar el ascenso definitivo. Corría 1961, y Warhol veía con deseperación que Liechtenstein y Rosenquist provocaban impacto con obras similares a las suyas en exposiciones de galerías importantes. Se le estaban adelantando.
Los intentos de fines de los cincuenta por ganarse amistades que lo acercaran a las luces de celebridades nunca le dieron los frutos esperados. Las cartas y llamados incesantes a Capote, terminaron con la madre del escritor borracha basureándolo por teléfono, y las ansias de toparse con Jasper Johns y Rauschemberg para que le bendijeran sus ilustraciones pop nunca se concretaron. Es cierto que para 1961 se había anotado logros sociales importantes, como la amistad con Ivan Karp, director de la galería Leo Castelli, y la complicidad con el "pequeño rey" y guía del arte contemporáneo norteamericano Henry Geldzahler, pero nada de eso le había dado los frutos esperados: exponer en una gran galería. Castelli, como algunas otras, le cerraron las puertas. Era 1961, era ahora o nunca.
En esa encrucijada estaba Warhol cuando su amiga Muriel Flatow le ofreció un consejo a cambio de 50 doláres. Él le hizo un cheque, se lo entregó y le dijo, "ahora dime". Ella lo miró fijamente y le preguntó: "¿Qué es lo que te gusta más que nada en la vida?", el lacónico Andy masculló: "No lo sé". La sabia mujer le respondió algo muy simple: "Dinero". Fama, habría que agregar, si no fuera porque ambas cosas siempre tienen tanto en común. Con un objetivo claro, las estrategias surgen más fácilmente.
El ascenso
"Factory Made", de Steven Watson, repasa en 490 páginas las redes sociales que hicieron de Warhol el fenómeno pop del siglo. Las relaciones y vínculos cobrarían cada vez mayor centralidad en la medida en que Warhol comenzaba a trabajar obras eminentemente colaborativas fraguadas en el plateado engendro artístico/inmobiliario conocido como la Factory.
Tras el consejo de Miss Flatow todo pareció a acelerarse. Warhol comenzó seriamente a incursionar en la serigrafía, con el billete de un dólar como primera prueba. La inclusión de su nombre en un articulo de la revista Time dedicado al Arte Pop, provocó algo de alivio a la tensión causada por sentirse sobrepasado en fama por sus contemporáneos. Pronto conseguiría su primera exposición en una galería importante, aunque no en Nueva York, sino que en Los Angeles, iniciando una loca carrera de acumulación de amistades y vínculos, relaciones en las que se superponían el arte, la literatura, el cine, la moda y muchas, muchas anfetaminas.
La importancia del colectivo social cobraba especial importancia en el caso del cine. A partir de 1958, Jonas Mekas comienza a escribir "Movie Journal" en Village Voice. Mekas impulsaba la creación de un contrapunto neoyorquino a la Nouvelle Vague francesa y al Free Cinema inglés. Pronto entraría en la órbita de Warhol, que -con el establecimiento de la Factory- se lanzaría definitivamente en la exploración del séptimo arte, en un modo muy distinto al de la industria de Hollywood. Para Warhol, la mejor etapa del cine fue "la de principios de siglo. Cuando las películas recién comenzaban a hacerse". Sin historias ni narraciones, sus películas iniciales eran una exploración de tiempo, espacio y movimiento. La primera exhibida públicamente fue Kiss, que en tres minutos mostraba nada más que besos prodigados sin distinciones, entre amigos y conocidos de Andy y sus asistentes.
En el centro de todo, trabajando codo a codo con Warhol, estaban Gerard Malanga y Billy Ilich. Malanga, un joven y muy bien relacionado escritor, le presentó a su vez a Ted Berrigan, editor de "C", una revista de poesía independiente, nacida con la revolución del mimeógrafo y que había cobrado gran relevancia en el medio literario de crítica artística. En poco tiempo Warhol lograría diseñar una portada con su firma en la revista, adentrándose en un ámbito que antes lo había rechazado gracias a una alianza en su contra liderada por el poeta Frank O'Hara y Willem de Kooning.
Si Malanga tendía un puente a la tormentosa comunidad de poetas, Billy Ilich lo aproximaba a los conocidos hechos en su ofico de barman. En cuestión de procedencias, Warhol no le hacía asco a nada, siempre y cuando tuviera talento (en lo que fuera) y un potencial de popularidad. ¿Qué otra cosa sino eso tenían en común Lou Reed y la modelo millonaria Edie Sedgwick? NicoBueno, descontando el paso de ambos por instituciones mentales en su adolescencia, muy poco. Factory abrió sus paternales brazos a curadores (Karp, Gerdzahler), músicos (La Monte Young, Velvet Underground), cineastas (Paul Morrissey, Amos Vogel), transformistas (Ondine, Candy Darling) y millonarios (Bob y Ethel Scull). De hecho, si no fue Warhol quien puso de moda la sigla AKA ("as known as", es decir "también conocido como" debió haberlo hecho. Los "aka" en Factory eran sumamente relevantes. Partiendo por Billy Ilich "aka" Billy Name (como figura en muchas de las películas de Warhol); la modelo alemana Christa Paffgen "aka" Nico; Bob Olivo, más conocido como Ondine, y Jimmy Slattery, famoso por ser la rubia Candy Darling.
Una mezcla demográfica de identidades diversas que alcanzó a conocer el chileno Francisco Copello en 1967, cuando se encontró a la banda de Warhol en una exposición de Rosenquist. "Él los llamaba 'los elegantes'. Recuerdo mucha gente a su alrededor, todos muy ruidosos, lo que contrastaban con Warhol, siempre guardando silencio". En efecto, las escasas habilidades de oratoria del artista nunca fueron un impedimento para su popularidad o su gusto por las Portada Daily Newfiestas. "Él sabía muy bien como promoverse, cómo crear el mito en una época de auge ecónomico", reflexiona Copello.Los sesenta eran bullantes. Tal como lo describiera acertadamente la amiga de Warhol (retratada por él) Ethel Scull, citando a su modo a McLuhan: "los jets, el arte pop y las discoteques son todos una extensión de nuestro sistema nervioso central". Un sistema nervioso algo alterado por la irrupción, primero de las anfetaminas, después del LSD, y finalmente de Valerie Solanas y su revolver que de un tiro casi despacha a Warhol de este mundo (de hecho el mito dice que estuvo minuto y medio muerto). El ataque de Solanas en 1968 marcó el declive de la primera época de la Factory y el comienzo de la segunda etapa de Warhol, quien ya consagrado comenzaría a fraguar una nueva estrategia para lograr aquello que más disfrutaba: el dinero y la fama.
MultiWarhol
Como un Da Vinci de la glamorosa sociedad de consumo, Warhol no se conformó con presentarse sólo como pintor, quiso ser también cineasta, diseñador, escritor y editor de una revista de modas. El objetivo era estar en la boca de todos por algo más de 15 minutos.
Nos legó una Marilyn inmortalizada en serigrafías de alto contraste. Un Mao Tse Tung revestido como ícono pop. Nos dejó el deseo de saborear las sopas Campbell y de lavar ropa con detergentes Brillo, además de una tolerancia hacia los artistas que, sin pudor, transforman la ambición y el narcisismo en parte de la obra de arte. Warhol aprendió de Dalí, pero supo prescindir de esa máscara de locura que envejecía sin prestigio, optando por el glamour de la contracultura sesentera. Y así nos legó esa actitud que trasciende al mundo de las artes que compraba sus carpetas de coloridas serigrafías. Pop, de popular en su acepción que implica masividad. De hecho, nos heredó una de las expresiones más masticadas por la sociedad contemporánea: los 15 minutos de fama. Él tuvo unos cuantos años. Pero trabajó duro, y en varios frentes, para lograrlo.
Warhol, el diseñador. Cuando todavía era Andrew Warhola y recién había llegado a Nueva York desde su natal Pittsburg, Warhol se ganaba la vida como diseñador. Se inició dibujando gráfica publicitaria y siguió en reputadas publicaciones como Harper's Bazaar, Vogue y Glamour, llegando hasta las páginas de la sofisticada New Yorker. Después se dedicó a la pintura y la serigrafía, pero a principios de los 70, cuando Warhol quiere ser el artista total que transita de la alta a la baja cultura sin visualizar fronteras, incursiona en el diseño de las portadas de discos. Dibuja el plátano de The Velvet Underground y la polémica tapa de Sticky Fingers de Rollings Stones en la que muestra un pene erecto bajo un ajustado blue jeans. En los años siguientes hará otra cubierta para su amigo Mick Jagger y una para Aretha Franklin, pero sin lograr el mismo nivel de atención.
Warhol, el pintor. Más que óleo y tela lo de Warhol fue la serigrafía. La reproducción seriada de las imágenes que desmitifican la pintura y su supuesta originalidad de "obra única". Se le reconoce como el máximo exponente del pop art, un movimiento que había surgido en el Londres de los 50 con "¿Qué es lo que hace a los hogares de hoy tan diferentes, tan llamativos?" de Richard Hamilton. Warhol toma esa cotidianidad hogareña de Hamilton, el uso del cómic de Liechtenstein y el neodadaísmo de Jasper Johns y Robert Rauschenberg y lo lleva hasta el extremo. Según el teórico del arte norteamericano Arthur Danto, la obra de Warhol pone fin a la historia del arte. Al menos al arte no religioso que se desarrolla desde el renacimiento hasta que pinta cajas Brillo tridimensionales. Una tan interesante como polémica tesis que se basa en la imposibilidad de pintar, o crear, después de haber calcado la realidad. Danto ve allí el fin de la historia del arte, un gesto de mayor importancia al ready made de Duchamp, una valorización que tiene bastante que ver con la geopolítica y la larga rivalidad entre París y Nueva York.
Warhol sigue pintando. En sus últimos años prefiere hacer retratos que vende en 25 mil dólares. Le encargan cerca de 50 al año, la mayoría de personas famosas o en vías de serlo, a las que reproduce conjugando su talento de pintor con una actitud de cirujano plástico en la tradición de los pintores cortesanos. Posan para él Mick Jagger, Carolina de Mónaco, Michael Jackson, el sha de Persia, Silvester Stallone y Liza Minelli, entre otros.
Obra "Duerme"Warhol, el cineasta. En 1963 el artista se compra una cámara de cine y comienza a filmar en 16 milímetros. Sólo puede rodar películas de cuatro minutos, pero hace cientas. La mayoría consisten en "fotografías con movimiento" de sus amigos y colaboradores de la Factory que él y ellos llaman "screen tests". Andy está feliz experimentando con la cámara y dice que dejará de pintar, lo que además de subir el valor de sus obras hizo que se rodeara de actores aficionados pidiéndole roles en las próximas películas. Warhol estaba interesado en formar parte del movimiento de cine underground que entonces tenía un papel destacado en el movimiento contracultural de los 60. En Nueva York estaban Jonas Mekas, Jack Smith y Stan Brackhage filmando cintas que intentaban oponerse a cada una de las fórmulas hollywoodenses. Warhol se les une y aboga por una cámara neutra que registra situaciones o cosas. Se empecina en que el tiempo del rodaje se homologue al tiempo real y al de exhibición y llega a hacer una película de ocho horas en la que registra como duerme un hombre. "Él toma cosas de otros cineastas underground, pero cierra el ciclo, es que el que desarrolla las experimentaciones más intensamente. Le interesa el registro, la máquina que registra, que es un tema que aparece también en su pintura. A Warhol le interesa esa objetividad, mostrar ese entorno que se vuelve algo así como la celebración de la decadencia", afirma el profesor Luis Cecereu.
Warhol, el escritor. En 1967 la editorial Random House editó Index (Book) y Screen Tests (A Diary) que escribió a dúo con Gerard Malanga. Años más tarde Warhol llegaría a las vitrinas de las librerías con Mi Filosofía (de A a B y de B a A), POPism, Exposures y America. Warhol pasa a ser un filósofo del mundo contemporáneo que enseña a vivir en el aspiracional mundo del consumo.
Revista "Interview"Warhol, el editor. En 1969, después de que fuese baleado por una de las asistentes a la Factory y a él le diesen miedo sus propios amigos, Warhol cambia las condiciones de su vida social. De la Factory a la revista Interview, que crea con la idea de que sea una publicación dedicada al cine y termina dirigida hacia la industria de la moda que siempre pareció cautivarle más. "Me fotografían, luego existo. Éste es el único objetivo de la revista Interview", afirma el destacado crítico de arte Robert Hughes. "Debido a que la revista es básicamente un instrumento de ascenso social para el propietario y el personal, los chismes que publican son bastante inocuos. No levantan ninguna piedra debajo de la cual pudiera haber gusanos, pero tampoco dejan ningún culo sin lamer", escribió en un artículo para The N. Y. Review of Books.
FleshWarhol, el productor. Warhol produce. A mediados de los 60 cuando descubre a Lou Reed y sus desconocidos The Velvet Underground, el artista de pelo gris les ofrece hacer de manager. Les presenta a Nico, una de las mujeres que pululan por la Factory y los lleva a escenarios en los que tocan teniendo como escenografía sus estáticas filmaciones. Entonces Warhol se presenta como productor musical. Dos años después debuta como productor cinematográfico de las películas de Paul Morrisey, el realizador que dirige las filmaciones durante los últimos años de la Factory. "Warhol delega, él comienza a ser el que da los lineamientos generales, el de las ideas", explica Luis Cecereu. Estas últimas cintas -entre las que se encuentran Trash, Flesh, Heat y Women - se presentan todavía como películas de Warhol, aunque él ni tome la cámara ni dirija a los actores.
Firma y consumo
Morrisey sigue la línea de la experimentación del artista pop, pero llevándola hacia un terreno en que la comercialización es más fácil y que algo tiene que ver con los desnudos frontales masculinos y las escenas homosexuales. Hoy estás cintas, las últimas de Warhol, se pueden encontrar en VHS y DVD (a Chile las trae la librería La Trama ubicada en Portal Lyon).
Pero Warhol es un productor aún cuando no explicite ese rol. Ya en los 50, cuando era un artista joven y vendía barato, él trabajaba con un grupo de asistentes. Robert Hughes afirma que en muchas de sus reproducciones Warhol a duras penas le daba el visto bueno a los colores utilizados. Más que un artista, él es quien encabeza la producción industrial de productos que llevan su firma.
Desde las serigrafías, hasta las películas que realiza en su taller con nombre de industria. Se suponía que su obra era una forma de subversión ante la sociedad de consumo y la omnipresencia de la publicidad, pero el artista acabó grabando spots para vender ron y radios Pionner. Como figura pop.
Los íconos del Pop Art
El movimiento que revolucionó el arte de los sesenta y a todas las tendencias que le seguirían.
El usadísimo término "pop art" hace referencia a la expresión inglesa "popular art" propuesta en 1955 por Leslie Fieldler y Reyner Banham. El concepto se refería a un amplio repertorio de imágenes de la cultura urbana de masas, integrado por la publicidad, la televisión, el cine, la fotonovela, los cómics, etc.
La célula del pop fue el Grupo Independiente (IG) del Instituto de Arte Contemporáneo de Londres, fundado en 1952 y en el que destacó R. Hamilton.
Primera obraEn 1956, la Whitechapel Gallery de Londres expuso un collage que ha sido considerado como la primera obra pop: "Just What is it that makes Today's Homes so Different, so Appealing?". Y, aunque las primeras formulaciones aparecen en Inglaterra, su consolidación fue un fenómeno típico estadounidense.
Una de las características del Pop Art y que permite su mayor comprensión, es que recalcaba el carácter de rápido consumo, de sus obras.A medida que se introdujo la imagen popular, los artistas se fueron desplazando hacia la objetividad e impersonalización creativa. Por esta razón, su inspiración se dirigió hacia los distintos medios de masas desde un punto de vista formal, temático y creativo.
LichtensteinCon algunas modificaciones, el pop se apropió de técnicas expresivas, inspiradas y probadas en los distintos medios de comunicación. Todas ellas contribuyeron, desde los niveles sintácticos y formales, a la concreción de la lectura inequívoca de las obras creadas.
La fotografía fue una de las primeras técnicas asumidas. Inicialmente, servía para clasificar las imágenes representadas. Sin embargo, con Hamilton, Blake, Paolozzi y los americanos Rosenquist, Lichtenstein y Warhol, dejó de ser un modelo a imitar con medios pictóricos para convertirse en un proceso donde el artista controlaba el desarrollo mecánico de la obra.
Dick TracyEn Dick Tracy (1960), de Warhol, se formalizó técnica e iconográficamente el cómic como pertinente al pop. De 1961 a 1964 se convirtió en el tema principal de Lichtenstein, quien estaba interesado en la estructura formal de la viñeta aislada.
La composición de varias fotografías derivó hacia el espacio cinematográfico. En este ámbito, la mayor influencia sobre el pop fue ejercida por la escena, la secuencia o acción compleja, aunque única.
El cartel publicitario fue el principal género visual estático de la sociedad de consumo y, por ello, el que influyó más en el pop. Reunía el inventario más sistemático de las técnicas visuales.
RauschenbergTambién fue frecuente la alteración de imágenes en relación a su contexto. Por ejemplo, la transformación de obras de arte en imágenes populares, como las copias de Lichtenstein sobre obras de Picasso, Cézanne o Monet. Este procedimiento dio origen a la parodia o figura que retiene la forma o el carácter estilístico de la obra primaria, pero la altera con un contenido o contexto ajeno. Esta idea abunda en Rauschenberg y Rosenquist.
Otra figura socorrida fue la supresión de elementos representados, en el sentido que el espectador percibía la ausencia y podía reconstruir el objeto ausente. La supresión se tradujo en la condensación de una escena completa en alguno de sus elementos característicos.
Sin embargo, la técnica más socorrida fue la repetición y seriación en lo que destacó Warhol a partir de sus serie "Marilyn Monroe", "J. Kennedy", "Flores" y otras.
Nuevos íconos
Las unidades temáticas del arte de la imagen popular se relacionaron directamente con la masa y el consumo, agrupándose en unidades simbólicas compactas, propias de cada sociedad. Para ello, el pop elaboró una técnica próxima a la publicidad. Así, las temáticas no fueron arbitrarias; su elección estaba condicionada por los símbolos presentes en los medios de comunicación.
Uno de los símbolos más usuales fue el del status de la personalidad y de la posición social, autos, alimentos, viviendas y confort doméstico trabajado por Hamilton, Rosenquist, Wesselmann, Oldenburg, Lichtenstein, Segal, Rauchenberg y Warhol.
CambellTambién fue frecuente la utilización de comerciales. Estos se referían a todos los medios de publicidad y propaganda de los productos que podían elevar el status social. Destacó en ello Warhol con la sopa Campbell y el detergente Brillo, entre otros.
No quedaron afuera los símbolos técnicos de la era tecnológica (Paolozzi, Hamilton y Rauschenberg). Pero, sin duda, fueron los mitos de masas los que tuvieron un mayor apogeo, debido a que el individuo de la sociedad de consumo terminó por atribuir a un personaje determinado la calidad de un héroe mítico que dependía directamente del boom publicitario del momento.
El símbolo sexual fue introducido por el pop con gran fuerza. Su temática respondía a la imposibilidad propia de la sociedad burguesa de vivir y ver auténticamente el sexo. El objeto femenino se integraba como algo abstracto, y la sexualidad se insertaba dentro de la mecánica publicitaria.
Pese a las críticas que ha recibido el pop como movimiento, es claro que ha sido la tendencia más decisiva en el desarrollo de representación de los años 60. Sus lecciones a nivel de lenguaje, así como el replanteamiento de la problemática artística siguen operando en la actualidad.
FOTOS
tambien visita