Este es mi ranking de los 5 mejores discos del rock nacional:
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Oktubre es el segundo álbum de estudio del grupo de rock argentino Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota, publicado en 1986. El disco contiene algunos de los temas más emblemáticos de la banda y de la historia del rock nacional, como "Jijiji", "Preso en mi Ciudad", "Ya Nadie Va a Escuchar tu Remera" y "Motor Psico". Este álbum es posiblemente el de mayor contenido ideológico explicito que haya hecho la banda. El álbum ha sido incluido como n.º 4 en la lista de Rolling Stone de los 100 mejores álbumes del rock argentino.
Historia
En 1986, unos meses después de haber lanzado su primer álbum, la banda aprovecha el portaestudio del Gonzo, compone nuevos temas y bucea en un nuevo sonido. Por entonces, a la hora de encarar la grabación definitiva, sus ahorros les permite ir a un estudio como Panda y ahí registrar Oktubre. Las grabaciones se establecieron entre agosto y septiembre de 1986. El sonido de la banda dio un cambio total con respecto al trabajo anterior: El resultado fue un estilo frío y crítico, utilizando varias veces combinaciones raras y atípicas de acordes, un bajo eléctrico con influencia pop y una combinación muy creativa de sonidos y tonos menores, además de la colaboración de Daniel Melero (Por entonces miembro de Los Encargados) en teclado y Claudio Cornelio (del grupo revelación del momento Don Cornelio y la Zona) en percusión.
El álbum se presentó oficialmente los días 18 y 25 de octubre en Paladium ante 1.200 personas. Para estos conciertos se sumó a la banda el tecladista Andrés Teocharidis. Durante el verano siguiente, en el momento que el grupo decide incorporarlo como miembro estable, Andrés muere en un accidente, Skay y el Indio decidieron no reemplazarlo.2
Después de los shows de octubre en Paladium, Tito y el Piojo se fueron en forma intempestiva de la banda. Al año siguiente, los acompaño Willy. Pero la banda se repone rápidamente y consigue a Walter Sidotti (ex Los Argentinos) para la batería, y a Sergio Dawi para el Saxofón, aunque deciden no reemplazar a Tito.
Arte
El arte de tapa del disco una vez más va a dar a las manos de Rocambole,quien declaro al respecto: "Es una tapa más conceptual. Las ideas salieron de una noche de fernet: el Indio veía banderas, multitudes. Primero iba a ser todo rojo y negro, pero cuando lo fui haciendo más abstracto le agregué el gris. La tipografía parece soviética al estar invertida una letra. En el reverso se ve la catedral de La Plata en llamas: un símbolo revolucionario. Me resulta raro ver mis obras en remeras y tatuajes: la gente se apropió de cosas como el puño y la cadena (basado en la obra "Autoconstrucción con semillas de maní" de Dali), hechas en 15 minutos para un aviso. En Paladium personifiqué a Patricio Rey con un viejo óptico".
En la portada del álbum se puede distinguir al Che Guevara a la derecha.
Lista de canciones
Todos los temas compuestos por Beilinson/Solari
"Fuegos de Octubre" (3:36)
"Preso en mi Ciudad" (3:50)
"Música para Pastillas" (4:36)
"Semen-Up" (5:30)
"Divina Tv. Führer" (3:58)
"Motor Psico" (5:00)
"Jijiji" (5:20)
"Canción para Naufragios" (6:00)
"Ya Nadie va a Escuchar tu Remera" (3:58)
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Fabulosos Calavera es el octavo álbum de estudio del grupo argentino Los Fabulosos Cadillacs grabado durante octubre de 1996 hasta mayo de 1997, siendo lanzado el 29 de julio de ese mismo año. Es considerado el disco más experimental del grupo y por cierto oscuro en cuanto al contenido de sus letras, tratando temas como la muerte, el diablo, calaveras, etc. Este hecho, sin embargo, no se detuvo para obtener disco de oro y platino en la remasterización del mismo, también fue ganador del Grammy Latino al "mejor disco latino" y disco de oro.
Índice
Antecedentes y grabación
Tras más de una década capitalizando éxitos y giras por todo el continente, la banda liderada por Vicentico toma un atajo de exploración en su carrera. La génesis de este material estuvo signada por la salida de su guitarrista y fundador Anibal “Vaino” Rigozzi, a mediados de 1996. En su lugar Ariel Minimal toma el dominio de las seis cuerdas. Así fue que este nuevo y joven integrante le daría un nuevo impulso a la agrupación para el desarrollo de Fabulosos Calavera. La banda, que se había hecho conocer como fieles exponentes del ska y la salsa, incorpora en esta producción elementos fusionados del hardcore, jazz y tango.
Si bien para los fans en un comienzo fue una sorpresa no fácil de digerir, con el paso del tiempo Fabulosos Calavera fue posicionándose como uno de los discos más innovadores de la década. De los trece temas que integran el álbum, el primer corte de difusión fue el "El muerto". La letra oscura, y de corte existencial, se acopla con ritmo de salsa y arreglos de guitarras distorsionadas. El videoclip de “El Muerto” reproduce un backstage de un ensayo musical. En una habitación se ven a los integrantes junto con sus mujeres embarazadas e hijos pequeños jugando entre cables y parlantes. La textura de la imagen algo descolorida da sensación de calidez y familiaridad. No cabe duda que éstas imágenes representan el grado de madurez y profesionalidad al que habían llegado como agrupación.
No apto para estructurados
Si se tuviera que definir en una palabra el disco Fabulosos Calavera podría quedarse con la palabra "tensión". En todo momento el disco transmite a quien lo escucha la sensación inquietante de que nada va a quedar en su lugar. Eso mismo sucede en muchos de sus temas con cambios de ritmos y géneros abruptos que llegan a descolocar a un oyente estructurado. Si algunos se reconocen como un oyente convencional al que no le gustan lo cambios, Fabulosos Calavera definitivamente no es “su” disco.
Otro punto significativo del disco fue la inclusión de canciones que homenajean a personalidades de la cultura argentina. Tales son los casos de "Sabato" y "Piazzolla", en referencia al escritor y al músico de un tango también experimental. Tal vez por esta razón se explica la necesidad de los Cadillacs de explorar nuevas sonoridades y estilos musicales. Piazzolla en su momento hizo lo mismo en lo suyo a pesar de las duras críticas recibidas por parte de los puristas del tango. El homenaje a Piazzolla parece otorgar a Los Fabulosos Cadillacs la autoridad suficiente para plantarse y no temerle a la innovación.
El premio de grabar con Blades
El track número ocho “Calaveras y diablitos” también fue otro de los cortes de difusión. Esta canción reproduce un sonido reggae añejo con coros sutiles que acompañan en todo momento a un tempo sereno. Como segunda voz figura la cantante puertorriqueña Mimi Maura que complementa de maravillas la vocalización de Vicentico. En el tema puramente salsero “Hoy lloré canción” participa como invitado el maestro Rubén Blades. Con Fabulosos Calavera la banda obtuvo el premio Grammy al mejor disco latino y un disco de oro, echando por tierra aquel lugar común que lo osado no logra tener éxito.
Una de las críticas que podría hacerse al álbum es por momentos una excesiva necesidad de cambiar de ritmo. Se advierte en algunos casos un deber cambiar que atenta contra la coherencia conceptual de una obra. Sin embargo, como bien decíamos al inicio, al menos en el arte valen más “cien pájaros volando que uno en la mano”.
Recepción
La revisión de Allmusic por parte de Victor W. Valdivia galardonó el álbum con 4 estrellas declarando que "podría decirse que es el trabajo más centrado, seguro de sí mismo de su carrera, Fabulosos Calavera muestra la incorporación de guitarras de rock pesado que jamás han jugado en su habitual mezcla de ska, reggae, caribe, y ritmos latinos... las canciones tienen excelente relaciones interpersonales, no parece haber ninguna grasa o piezas ajenas en cualquiera de las 13 pistas del álbum. "Surfer Calavera" mezcla thrash, funk, reggae, y voces armónicas... Más bien que ser molestos, sin embargo, tales cambios estilísticos realzan la energía y destacan los contrastes emocionales de la música... Fabulosos Calavera demuestra que es posible divertirse y dar a los oyentes mucho que masticar emocional. 12 años de su carrera, su registro más exitosos".
Sencillos
Los cortes del disco fueron "Surfer Calavera", "Sábato" (en homenaje al escritor Ernesto Sabato), "Piazzolla" (en homenaje al músico Astor Piazzolla), "Calaveras y Diablitos" (junto a Mimí Maura, cantante de origen puertorriqueño) y "Hoy Lloré Canción" (con el famoso músico de salsa panameño Rubén Blades) donde se siente un gran influencia en lo referente a la fusión rítmica de la música latina. La letra y música de "Sabato", creada por Flavio Cianciarulo, está inspirada en la obra Sobre héroes y tumbas y en ella se narran pasajes del libro. La historia, de casi cinco minutos, tiene como epicentro el parque Lezama.
Lista de canciones
"El Muerto" (Flavio Cianciarulo) – 4:05
"Surfer Calavera" (Flavio Cianciarulo) – 4:34
"El Carnicero de Giles/Sueño" (Gabriel Fernández Capello, Cianciarulo) – 3:39
"Sabato" (Flavio Cianciarulo) – 4:40
"Howen" (Fernando Ricciardi) – 2:29
"A Amigo J.V." (Gabriel Fernández Capello) – 5:05
"Hoy Lloré Canción" (Flavio Cianciarulo, Rubén Blades) – 4:00
"Calaveras y Diablitos" (Flavio Cianciarulo) – 4:22
"Il Pajarito" (Gabriel Fernández Capello) – 3:17
"Niño Diamante" (Gabriel Fernández Capello) – 5:59
"Piazzolla" (Flavio Cianciarulo) – 4:20
"Amnesia" (Sergio Rotman) – 2:27
"A.D.R.B. (En Busca Eterna)" (Gabriel Fernández Capello) – 6:01
Bonus tracks
Estas dos canciones son las versiones editadas para la radio. Comienzan al final de la canción 13.
"Surfer Calavera"
"Howen"
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Bocanada es el segundo disco solista del músico de rock argentino Gustavo Cerati, el primero luego de la disolución de Soda Stereo. Es considerado hasta el día de hoy como una obra maestra del músico y un trabajo esencial para la música hispana. Recibió excelentes críticas, tanto de los especialistas como de los fanáticos. La prestigiosa web de crítica musical Allmusic, lo calificó con 4 1/2 estrellas de 5 posibles. Además de ser una calificación alta, causa más relevancia porque no es muy común que esta web evalúe tan bien a un álbum latino.
Una de las cosas destacables del disco, es que en el mismo, cada detalle ha sido concebido como un todo, con una regularidad que recuerda un poco al álbum conceptual de Soda Stereo Canción Animal, aun cuando la sonoridad no sea la misma.
Un álbum de una profunda raíz electrónica, anestesiante y soñador, con elementos de rock alternativo, pop, neopsicodélia y algunos trazos experimentales. Las canciones no son individuales, el álbum está hecho como si fuese una sola pieza, y el artista así lo pensó; todas las canciones comparten una atmósfera común.
Lista de canciones
Música y letras compuestas por Gustavo Cerati, excepto donde se indique.
Tabú (Contiene un sample de Waltz For Lumuba de The Spencer Davis Group) (4:47)
Engaña (4:12)
Bocanada (Letra: Gustavo Cerati, Pablo Chaijale) (Contiene un sample de un fragmento de Eruption de la banda holandesa Focus) (4:07)
Puente (4:33)
Río Babel (Contiene un sample de Momma de Electric Light Orchestra) (4:44)
Beautiful (6:13)
Perdonar es Divino (Letra: Gustavo Cerati, Flavius E) (5:19)
Verbo Carne (4:42)
Junto a The London Session Orchestra, dirigida por Gavin Wright.
Raíz (4:04)
Y Si El Humo Está En Foco... (4:56)
Paseo Inmoral (Letra: Gustavo Cerati, Francisco Bochatón) (5:31)
Aquí & Ahora (Los Primeros Tres Minutos) (3:54)
Aquí & Ahora (Y Después) (2:38)
Alma (Letra: Gustavo Cerati, Flavius E) (4:38)
Balsa (5:05)
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Artaud es un álbum de rock del músico argentino Luis Alberto Spinetta, lanzado bajo el nombre de Pescado Rabioso en 1973. El disco fue acreditado a Pescado Rabioso por razones complejas, pero fue elaborado y grabado por Spinetta como solista, quien a su vez recurrió a la colaboración de su hermano, Carlos Gustavo Spinetta, Rodolfo García y Emilio del Guercio, estos dos últimos ex compañeros de Spinetta en la banda Almendra.
El título del álbum hace referencia al poeta francés Antonin Artaud, debido a que el concepto del disco está influido por su obra y expresa la reacción de Spinetta ante la misma. Se trata de una de las obras culminantes de la música latinoamericana, considerada en reiteradas oportunidades, no solo como el mejor disco de Spinetta, sino también del rock argentino. En el año 2007 la revista Rolling Stone de Argentina lo ubicó en el primer lugar de su lista de los 100 mejores álbumes del rock argentino.
Contexto social y personal
Pescado Rabioso, la banda que Spinetta había formado a fines de 1971, se separó a mediados de 1973 en el teatro Planeta.2 3 Sus integrantes no aceptaban ni entendían la visión musical que estaba desarrollando Luis Alberto y simplemente dejaron de responder a su convocatoria hasta que se quedó solo.3 Spinetta entonces siguió solo, con los proyectos que venía desarrollando para Pescado Rabioso: "Pescado Rabioso era yo". Así surgió Artaud, una de las obras cúspides de la música latinoamericana.
Él empezó a perfilarse para otro lugar, una mano más arreglada tipo lo que después fue Invisible. A lo último escribía un tema y yo no lo entendía; estaba leyendo mucho a Artaud, Rimbaud. Primero se fue Cutaia, después David y después yo. El Flaco se quedó solo, sentado en una butaca de la sala Planeta, se sintió abandonado porque quería seguir tocando con Pescado, y me dijo que no iba a tocar nunca más conmigo. Como se quedó solo y quedaba pendiente grabar un disco más con Microfón, grabó Artaud con los temas que tenía para Pescado Rabioso; cuando escuché Artaud me quería matar.
Black Amaya
El disco fue concebido en un momento crucial de la historia sudamericana, de alta violencia política, en el que comenzaban a instalarse dictaduras civico-militares, coordinadas entre sí por medio del Plan Cóndor y apoyadas por Estados Unidos, que anularían completamente la vigencia de los derechos humanos durante dos décadas. Argentina en particular había conseguido que la dictadura autodenominada Revolución Argentina, convocara ese año a elecciones libres, por primera vez en casi dos décadas. El voto popular había dado el triunfo en marzo y por un amplio margen al peronismo, movimiento con el que simpatizaba Spinetta. Pero el gobierno democrático no alcanzaría a consolidarse afectado por violentas confrontaciones que llevarían a su derrocamiento a comienzos de 1976 y a la instalación de una cruenta dictadura que se mantendría en el poder hasta fines de 1983 y que cometería un genocidio y llevaría el país a la Guerra de Malvinas.
Por otra parte, ese momento histórico coincide a su vez con un momento decisivo de la vida personal de Spinetta, en el que conoce a Patricia Salazar, con quien formará una pareja estable durante casi 25 años y con quien constituirá una familia con cuatro hijos.5 6 La letra del tema "Por" del álbum Artaud -compuesta por una sucesión de palabras sueltas, todos sustantivos con excepción de la preposición "por" que cierra el poema y da título a la canción-, fue escrita de manera conjunta entre los dos.
En esa encrucijada histórico-cultural y personal aparece Artaud, inspirado precisamente en el sufrimiento y las emociones de rechazo que la poesía del escritor francés Antonin Artaud, produjeron en Spinetta. El músico relacionaba ese momento del país, con el anarquismo suicida de la poesía de Artaud, con el nihilismo del rock expresado en las drogas y la "promiscuidad sin sentido", y lo sentía incompatible con su propia visión del rock -expresada en el Manifiesto que Spinetta publica simultáneamente con el disco- y de la vida.
Pero antes que nada te quiero aclarar que yo le dediqué ese disco a Artaud pero en ningún momento tomé sus obras como punto de partida. El disco fue una respuesta –insignificante tal vez– al sufrimiento que te acarrea leer sus obras. La idea del álbum era exponer la posibilidad de un antídoto contra lo que opinó Artaud. Quien lo haya leído no puede evadirse de una cuota de desesperación. Para él la respuesta del hombre es la locura; para Lennon es el amor. Yo creo más en el encuentro de la perfección y la felicidad a través de la supresión del dolor que mediante la locura y el sufrimiento. Creo que sólo si nos preocupamos por sanear el alma vamos a evitar distorsiones sociales y comportamientos fascistas, doctrinas injustas y totalitarismos, políticas absurdas y guerras deplorables. La única forma de hacer subir el peso es con amor. Los músicos de rock somos tipos que estamos muy desorientados. Hemos involucrado mucho a nuestro sistema neurológico y hemos aprendido muy poco de la historia reciente. Pero hay algo claro: no podemos jugar a ser Artaud. Eso significaría no haber entendido a Moris, no haber entendido a Lito Nebbia, no haber pescado una. Si yo no hubiera aprendido a salir de ésa y ubicarme en mi país, no estarías conmigo en este momento: Spinetta sería apenas un nombre en una chapita de bronce, chorreada de caca, en la inmensidad de algún cementerio.
La obra fue presentada en dos recitales que Spinetta realizó solo en el Teatro Astral, en octubre de ese mismo año. En esos recitales dio a conocer un Manifiesto titulado Rock: música dura, la suicidada por la sociedad (con Van Gogh le suicidé de la société, "Van Gogh el suicidado de la sociedad" de 1947). Allí expone su propia concepción del rock, vinculada a un estado de plenitud interior, y su rechazo a la visión nihilista del rock, focalizada en el sexo y las drogas duras.
El disco
Entre el surrealismo de “Por” y el lirismo de “Bajan” y “Todas las hojas son del viento” cuyo “cuídalo de drogas” también parece marcar el límite de una experiencia, una frase en especial (“no estoy atado a ningún sueño ya”), incluida en la canción “Las habladurías del mundo”, es el grito que desde acá reafirmaba el fin del hippismo y del colectivismo más extremo. De hecho, aunque editado bajo el nombre de Pescado Rabioso, “Artaud” fue un álbum solista; y aunque después vendría Invisible, ya Spinetta había inaugurado la búsqueda personal consignada en “La sed verdadera”, toda una declaración de independencia con una letra casi oracular en torno a la idea del D.I.Y. (hágalo usted mismo) que pronto ganaría protagonismo en la sociedad.
Pieza central de “Artaud”, la “Cantata de puentes amarillos”, inspirada en las cartas de Vincent Van Gogh a su hermano Theo e impregnada a su pesar de las imágenes de violencia contemporánea (Ezeiza, represión) los mismo que “Cementerio club”, se despide de algunos sueños de los sesenta o al menos de todo intento de encorsetamiento (“las almas repudian todo encierro”), nostalgia o fosilización. “Aunque me fuercen yo nunca voy a decir que todo tiempo por pasado fue mejor” marca que, pese a su juventud, el rock de acá ya se permite hablar de un pasado, lo reconoce y hasta se plantea qué hacer con él.
Los temas están inspirados por las lecturas de Spinetta de dos de sus obras: "Heliogábalo, el anarquista coronado" (1934) y "Van Gogh, el suicidado por la sociedad" (1947).
La música
Podríamos emparentar este disco, con el tono intímista que tendría 9 años después Kamikaze. Numerosas guitarras acústicas, un ascetismo marcado en los arreglos y un viraje abrupto respecto de su disco anterior. Las canciones son complejas y denotan una marcada incorporación armónica del jazz en su música.
Disco previo al inicio de Invisible, donde la búsqueda estética, lírica y musical se consolida, este disco representa una bisagra que sobrevendría y que persistió en su obra hasta el final.
Portada
La portada del disco original no era previsiblemente cuadrada, sino en forma de estrella verde, con bordes amarillos. Y era informe, con cuatro puntas no aptas para las bateas de los ’70. La idea, consensuada con el propio Spinetta, fue de Juan Gatti, el artista responsable de varias tapas de los primeros años del rock argentino. Es su obra maestra para toda una generación, y recordada como una de las joyas del diseño de portada de todos los tiempos. “En ese momento la hicimos con Luis Alberto y quedó como un delirio, porque realmente estábamos volados, pero no por las drogas, sino como en estado de permanente alucinación. Hicimos esa tapa que no entraba en ningún stand y las tiendas de discos nos querían matar porque no sabían cómo exhibirlo, la gente no lo podía guardar. Fue un objeto muy incómodo y movilizador para la época.”
"...¿Acaso no son el verde y el amarillo,
cada uno de los colores opuestos de la muerte,
'el verde para la resurreción,
y el amarillo para la descomposición y la decadencia?"
(fragmento de Cartas - Antonín Artaud - 1937 - Texto aparecido en la contratapa del álbum)
Presentación y difusión
La presentación se realizó la mañana del 23 de octubre de 1973 en el Teatro Astral, donde Luis, se presentó sólo, acompañado de una guitarra acústica, donde repaso temas de Pescado Rabioso y Almendra más algunos temas inéditos que hasta ese momento no habían sido grabados (Ah! basta de pensar y Barro tal vez, grabados en Kamikaze y Dedos de mimbre grabado en Fuego gris). Y en el escenario, en los intermedios del recital, se mostraban películas mudas como Un perro andaluz, El gabinete del doctor Caligari y cortos del argentino Hidalgo Boragno, todo musicalizado por The Dark Side of the Moon, Pompa y Circunstancia de Edward Elgar y Héroe de Guerra de Jimi Hendrix.
Lista de temas
Todas las hojas son del viento - 2' 12
Cementerio Club - 4' 55
Por - 1' 45
Superchería - 4' 21
La sed verdadera - 3' 32
Cantata de puentes amarillos - 9' 12
Bajan - 3' 26
A Starosta, el idiota - 3' 15
Las habladurías del mundo - 4' 03
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Este álbum fue editado entre 1999. Sus canciones fueron compuestas y grabadas en 1998/99 en las ciudades de Nueva York, Miami, Madrid y Buenos Aires, en sendos viajes que el artista realizó durante la gira de su anterior album Alta Suciedad. Los músicos permanentes del disco fueron los que acompañaban a Calamaro desde varios años atrás, empezando por su eterno compañero y amigo el guitarrista Augusto "Gringui" Herrera, el también guitarrista Guillermo Martín, el bajista Candy Caramelo, el baterista José "El Niño" Bruno y el experimentado tecladista Ciro Fogliatta (Los Gatos). Junto a ellos se sumó la participación de muchos músicos y personajes que ayudaron a la producción del disco que según la discográfica DRO, es el que más ha costado en toda su historia: alrededor de 250 mil dólares.
Honestidad Brutal es la punta del iceberg que emergería en su siguiente disco El Salmón, sumido en un torrente de excesos y una desbordada producción musical, vuelca solamente 37 canciones de un centenar en dos cd's. En ellos se puede escuchar la amplia variedad musical del mundo Calamaro. Tango, folklore, rock, reggae, bossa nova, algo de experimentación y la canción visceral. Exceptuando Naranjo en flor (Virgilio y Homero Expósito) y algunos tracks en colaboración, todo el disco está compuesto por Andrés.
Colaboraciones
Calamaro se hizo cargo de varios instrumentos en la grabación y desfilaron por las sesiones músicos y personalidades de la talla de Pappo, Ciro Fogliatta, Marc Ribot, Mariano Mores, Virgilio Expósito, Moris, Daniel Melingo, Diego Armando Maradona entre otros.
El disco fue producido y mezclado por el mismo Calamaro, Guido Nissenson y Joe Blaney.
Lista de Temas
CD 1
El día de la mujer mundial (3:29)
Te quiero igual (3:57)
La parte de adelante (4:23)
Clonazepán y circo (3:01)
Los aviones (4:25)
Más duele (3:11)
Cuando te conocí (3:19)
Prefiero dormir (4:27)
Jugar con fuego (3:00)
Maradona (1:49)
Una bomba (4:19)
Socio de la soledad (3:42)
Son las nueve (3:09)
Las dos cosas (5:10)
Veneno (6:30)
Ansia en Plaza Francia (2:52)
Paloma (4:57)
Con Abuelo (5:28)
CD 2
No tan Buenos Aires (7:29)
El tren que pasa (3:38)
Victoria y Soledad (2:57)
Mi propia trampa (2:35)
Negrita (4:57)
Voy a dormir (3:00)
Eclipsado (3:32)
Mi quebranto (3:40)
Me pierdo (4:22)
Hacer el tonto (3:09)
Naranjo en flor (3:52)
Aquellos besos (4:35)
No son horas (4:13)
Las heridas (2:39)
Hay (3:47)
El ritmo del lunes (3:11)
Para qué (2:40)
No va más (3:48)
La parte de atrás (3:07)
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Oktubre es el segundo álbum de estudio del grupo de rock argentino Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota, publicado en 1986. El disco contiene algunos de los temas más emblemáticos de la banda y de la historia del rock nacional, como "Jijiji", "Preso en mi Ciudad", "Ya Nadie Va a Escuchar tu Remera" y "Motor Psico". Este álbum es posiblemente el de mayor contenido ideológico explicito que haya hecho la banda. El álbum ha sido incluido como n.º 4 en la lista de Rolling Stone de los 100 mejores álbumes del rock argentino.
Historia
En 1986, unos meses después de haber lanzado su primer álbum, la banda aprovecha el portaestudio del Gonzo, compone nuevos temas y bucea en un nuevo sonido. Por entonces, a la hora de encarar la grabación definitiva, sus ahorros les permite ir a un estudio como Panda y ahí registrar Oktubre. Las grabaciones se establecieron entre agosto y septiembre de 1986. El sonido de la banda dio un cambio total con respecto al trabajo anterior: El resultado fue un estilo frío y crítico, utilizando varias veces combinaciones raras y atípicas de acordes, un bajo eléctrico con influencia pop y una combinación muy creativa de sonidos y tonos menores, además de la colaboración de Daniel Melero (Por entonces miembro de Los Encargados) en teclado y Claudio Cornelio (del grupo revelación del momento Don Cornelio y la Zona) en percusión.
El álbum se presentó oficialmente los días 18 y 25 de octubre en Paladium ante 1.200 personas. Para estos conciertos se sumó a la banda el tecladista Andrés Teocharidis. Durante el verano siguiente, en el momento que el grupo decide incorporarlo como miembro estable, Andrés muere en un accidente, Skay y el Indio decidieron no reemplazarlo.2
Después de los shows de octubre en Paladium, Tito y el Piojo se fueron en forma intempestiva de la banda. Al año siguiente, los acompaño Willy. Pero la banda se repone rápidamente y consigue a Walter Sidotti (ex Los Argentinos) para la batería, y a Sergio Dawi para el Saxofón, aunque deciden no reemplazar a Tito.
Arte
El arte de tapa del disco una vez más va a dar a las manos de Rocambole,quien declaro al respecto: "Es una tapa más conceptual. Las ideas salieron de una noche de fernet: el Indio veía banderas, multitudes. Primero iba a ser todo rojo y negro, pero cuando lo fui haciendo más abstracto le agregué el gris. La tipografía parece soviética al estar invertida una letra. En el reverso se ve la catedral de La Plata en llamas: un símbolo revolucionario. Me resulta raro ver mis obras en remeras y tatuajes: la gente se apropió de cosas como el puño y la cadena (basado en la obra "Autoconstrucción con semillas de maní" de Dali), hechas en 15 minutos para un aviso. En Paladium personifiqué a Patricio Rey con un viejo óptico".
En la portada del álbum se puede distinguir al Che Guevara a la derecha.
Lista de canciones
Todos los temas compuestos por Beilinson/Solari
"Fuegos de Octubre" (3:36)
"Preso en mi Ciudad" (3:50)
"Música para Pastillas" (4:36)
"Semen-Up" (5:30)
"Divina Tv. Führer" (3:58)
"Motor Psico" (5:00)
"Jijiji" (5:20)
"Canción para Naufragios" (6:00)
"Ya Nadie va a Escuchar tu Remera" (3:58)
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Fabulosos Calavera es el octavo álbum de estudio del grupo argentino Los Fabulosos Cadillacs grabado durante octubre de 1996 hasta mayo de 1997, siendo lanzado el 29 de julio de ese mismo año. Es considerado el disco más experimental del grupo y por cierto oscuro en cuanto al contenido de sus letras, tratando temas como la muerte, el diablo, calaveras, etc. Este hecho, sin embargo, no se detuvo para obtener disco de oro y platino en la remasterización del mismo, también fue ganador del Grammy Latino al "mejor disco latino" y disco de oro.
Índice
Antecedentes y grabación
Tras más de una década capitalizando éxitos y giras por todo el continente, la banda liderada por Vicentico toma un atajo de exploración en su carrera. La génesis de este material estuvo signada por la salida de su guitarrista y fundador Anibal “Vaino” Rigozzi, a mediados de 1996. En su lugar Ariel Minimal toma el dominio de las seis cuerdas. Así fue que este nuevo y joven integrante le daría un nuevo impulso a la agrupación para el desarrollo de Fabulosos Calavera. La banda, que se había hecho conocer como fieles exponentes del ska y la salsa, incorpora en esta producción elementos fusionados del hardcore, jazz y tango.
Si bien para los fans en un comienzo fue una sorpresa no fácil de digerir, con el paso del tiempo Fabulosos Calavera fue posicionándose como uno de los discos más innovadores de la década. De los trece temas que integran el álbum, el primer corte de difusión fue el "El muerto". La letra oscura, y de corte existencial, se acopla con ritmo de salsa y arreglos de guitarras distorsionadas. El videoclip de “El Muerto” reproduce un backstage de un ensayo musical. En una habitación se ven a los integrantes junto con sus mujeres embarazadas e hijos pequeños jugando entre cables y parlantes. La textura de la imagen algo descolorida da sensación de calidez y familiaridad. No cabe duda que éstas imágenes representan el grado de madurez y profesionalidad al que habían llegado como agrupación.
No apto para estructurados
Si se tuviera que definir en una palabra el disco Fabulosos Calavera podría quedarse con la palabra "tensión". En todo momento el disco transmite a quien lo escucha la sensación inquietante de que nada va a quedar en su lugar. Eso mismo sucede en muchos de sus temas con cambios de ritmos y géneros abruptos que llegan a descolocar a un oyente estructurado. Si algunos se reconocen como un oyente convencional al que no le gustan lo cambios, Fabulosos Calavera definitivamente no es “su” disco.
Otro punto significativo del disco fue la inclusión de canciones que homenajean a personalidades de la cultura argentina. Tales son los casos de "Sabato" y "Piazzolla", en referencia al escritor y al músico de un tango también experimental. Tal vez por esta razón se explica la necesidad de los Cadillacs de explorar nuevas sonoridades y estilos musicales. Piazzolla en su momento hizo lo mismo en lo suyo a pesar de las duras críticas recibidas por parte de los puristas del tango. El homenaje a Piazzolla parece otorgar a Los Fabulosos Cadillacs la autoridad suficiente para plantarse y no temerle a la innovación.
El premio de grabar con Blades
El track número ocho “Calaveras y diablitos” también fue otro de los cortes de difusión. Esta canción reproduce un sonido reggae añejo con coros sutiles que acompañan en todo momento a un tempo sereno. Como segunda voz figura la cantante puertorriqueña Mimi Maura que complementa de maravillas la vocalización de Vicentico. En el tema puramente salsero “Hoy lloré canción” participa como invitado el maestro Rubén Blades. Con Fabulosos Calavera la banda obtuvo el premio Grammy al mejor disco latino y un disco de oro, echando por tierra aquel lugar común que lo osado no logra tener éxito.
Una de las críticas que podría hacerse al álbum es por momentos una excesiva necesidad de cambiar de ritmo. Se advierte en algunos casos un deber cambiar que atenta contra la coherencia conceptual de una obra. Sin embargo, como bien decíamos al inicio, al menos en el arte valen más “cien pájaros volando que uno en la mano”.
Recepción
La revisión de Allmusic por parte de Victor W. Valdivia galardonó el álbum con 4 estrellas declarando que "podría decirse que es el trabajo más centrado, seguro de sí mismo de su carrera, Fabulosos Calavera muestra la incorporación de guitarras de rock pesado que jamás han jugado en su habitual mezcla de ska, reggae, caribe, y ritmos latinos... las canciones tienen excelente relaciones interpersonales, no parece haber ninguna grasa o piezas ajenas en cualquiera de las 13 pistas del álbum. "Surfer Calavera" mezcla thrash, funk, reggae, y voces armónicas... Más bien que ser molestos, sin embargo, tales cambios estilísticos realzan la energía y destacan los contrastes emocionales de la música... Fabulosos Calavera demuestra que es posible divertirse y dar a los oyentes mucho que masticar emocional. 12 años de su carrera, su registro más exitosos".
Sencillos
Los cortes del disco fueron "Surfer Calavera", "Sábato" (en homenaje al escritor Ernesto Sabato), "Piazzolla" (en homenaje al músico Astor Piazzolla), "Calaveras y Diablitos" (junto a Mimí Maura, cantante de origen puertorriqueño) y "Hoy Lloré Canción" (con el famoso músico de salsa panameño Rubén Blades) donde se siente un gran influencia en lo referente a la fusión rítmica de la música latina. La letra y música de "Sabato", creada por Flavio Cianciarulo, está inspirada en la obra Sobre héroes y tumbas y en ella se narran pasajes del libro. La historia, de casi cinco minutos, tiene como epicentro el parque Lezama.
Lista de canciones
"El Muerto" (Flavio Cianciarulo) – 4:05
"Surfer Calavera" (Flavio Cianciarulo) – 4:34
"El Carnicero de Giles/Sueño" (Gabriel Fernández Capello, Cianciarulo) – 3:39
"Sabato" (Flavio Cianciarulo) – 4:40
"Howen" (Fernando Ricciardi) – 2:29
"A Amigo J.V." (Gabriel Fernández Capello) – 5:05
"Hoy Lloré Canción" (Flavio Cianciarulo, Rubén Blades) – 4:00
"Calaveras y Diablitos" (Flavio Cianciarulo) – 4:22
"Il Pajarito" (Gabriel Fernández Capello) – 3:17
"Niño Diamante" (Gabriel Fernández Capello) – 5:59
"Piazzolla" (Flavio Cianciarulo) – 4:20
"Amnesia" (Sergio Rotman) – 2:27
"A.D.R.B. (En Busca Eterna)" (Gabriel Fernández Capello) – 6:01
Bonus tracks
Estas dos canciones son las versiones editadas para la radio. Comienzan al final de la canción 13.
"Surfer Calavera"
"Howen"
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Bocanada es el segundo disco solista del músico de rock argentino Gustavo Cerati, el primero luego de la disolución de Soda Stereo. Es considerado hasta el día de hoy como una obra maestra del músico y un trabajo esencial para la música hispana. Recibió excelentes críticas, tanto de los especialistas como de los fanáticos. La prestigiosa web de crítica musical Allmusic, lo calificó con 4 1/2 estrellas de 5 posibles. Además de ser una calificación alta, causa más relevancia porque no es muy común que esta web evalúe tan bien a un álbum latino.
Una de las cosas destacables del disco, es que en el mismo, cada detalle ha sido concebido como un todo, con una regularidad que recuerda un poco al álbum conceptual de Soda Stereo Canción Animal, aun cuando la sonoridad no sea la misma.
Un álbum de una profunda raíz electrónica, anestesiante y soñador, con elementos de rock alternativo, pop, neopsicodélia y algunos trazos experimentales. Las canciones no son individuales, el álbum está hecho como si fuese una sola pieza, y el artista así lo pensó; todas las canciones comparten una atmósfera común.
Lista de canciones
Música y letras compuestas por Gustavo Cerati, excepto donde se indique.
Tabú (Contiene un sample de Waltz For Lumuba de The Spencer Davis Group) (4:47)
Engaña (4:12)
Bocanada (Letra: Gustavo Cerati, Pablo Chaijale) (Contiene un sample de un fragmento de Eruption de la banda holandesa Focus) (4:07)
Puente (4:33)
Río Babel (Contiene un sample de Momma de Electric Light Orchestra) (4:44)
Beautiful (6:13)
Perdonar es Divino (Letra: Gustavo Cerati, Flavius E) (5:19)
Verbo Carne (4:42)
Junto a The London Session Orchestra, dirigida por Gavin Wright.
Raíz (4:04)
Y Si El Humo Está En Foco... (4:56)
Paseo Inmoral (Letra: Gustavo Cerati, Francisco Bochatón) (5:31)
Aquí & Ahora (Los Primeros Tres Minutos) (3:54)
Aquí & Ahora (Y Después) (2:38)
Alma (Letra: Gustavo Cerati, Flavius E) (4:38)
Balsa (5:05)
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Artaud es un álbum de rock del músico argentino Luis Alberto Spinetta, lanzado bajo el nombre de Pescado Rabioso en 1973. El disco fue acreditado a Pescado Rabioso por razones complejas, pero fue elaborado y grabado por Spinetta como solista, quien a su vez recurrió a la colaboración de su hermano, Carlos Gustavo Spinetta, Rodolfo García y Emilio del Guercio, estos dos últimos ex compañeros de Spinetta en la banda Almendra.
El título del álbum hace referencia al poeta francés Antonin Artaud, debido a que el concepto del disco está influido por su obra y expresa la reacción de Spinetta ante la misma. Se trata de una de las obras culminantes de la música latinoamericana, considerada en reiteradas oportunidades, no solo como el mejor disco de Spinetta, sino también del rock argentino. En el año 2007 la revista Rolling Stone de Argentina lo ubicó en el primer lugar de su lista de los 100 mejores álbumes del rock argentino.
Contexto social y personal
Pescado Rabioso, la banda que Spinetta había formado a fines de 1971, se separó a mediados de 1973 en el teatro Planeta.2 3 Sus integrantes no aceptaban ni entendían la visión musical que estaba desarrollando Luis Alberto y simplemente dejaron de responder a su convocatoria hasta que se quedó solo.3 Spinetta entonces siguió solo, con los proyectos que venía desarrollando para Pescado Rabioso: "Pescado Rabioso era yo". Así surgió Artaud, una de las obras cúspides de la música latinoamericana.
Él empezó a perfilarse para otro lugar, una mano más arreglada tipo lo que después fue Invisible. A lo último escribía un tema y yo no lo entendía; estaba leyendo mucho a Artaud, Rimbaud. Primero se fue Cutaia, después David y después yo. El Flaco se quedó solo, sentado en una butaca de la sala Planeta, se sintió abandonado porque quería seguir tocando con Pescado, y me dijo que no iba a tocar nunca más conmigo. Como se quedó solo y quedaba pendiente grabar un disco más con Microfón, grabó Artaud con los temas que tenía para Pescado Rabioso; cuando escuché Artaud me quería matar.
Black Amaya
El disco fue concebido en un momento crucial de la historia sudamericana, de alta violencia política, en el que comenzaban a instalarse dictaduras civico-militares, coordinadas entre sí por medio del Plan Cóndor y apoyadas por Estados Unidos, que anularían completamente la vigencia de los derechos humanos durante dos décadas. Argentina en particular había conseguido que la dictadura autodenominada Revolución Argentina, convocara ese año a elecciones libres, por primera vez en casi dos décadas. El voto popular había dado el triunfo en marzo y por un amplio margen al peronismo, movimiento con el que simpatizaba Spinetta. Pero el gobierno democrático no alcanzaría a consolidarse afectado por violentas confrontaciones que llevarían a su derrocamiento a comienzos de 1976 y a la instalación de una cruenta dictadura que se mantendría en el poder hasta fines de 1983 y que cometería un genocidio y llevaría el país a la Guerra de Malvinas.
Por otra parte, ese momento histórico coincide a su vez con un momento decisivo de la vida personal de Spinetta, en el que conoce a Patricia Salazar, con quien formará una pareja estable durante casi 25 años y con quien constituirá una familia con cuatro hijos.5 6 La letra del tema "Por" del álbum Artaud -compuesta por una sucesión de palabras sueltas, todos sustantivos con excepción de la preposición "por" que cierra el poema y da título a la canción-, fue escrita de manera conjunta entre los dos.
En esa encrucijada histórico-cultural y personal aparece Artaud, inspirado precisamente en el sufrimiento y las emociones de rechazo que la poesía del escritor francés Antonin Artaud, produjeron en Spinetta. El músico relacionaba ese momento del país, con el anarquismo suicida de la poesía de Artaud, con el nihilismo del rock expresado en las drogas y la "promiscuidad sin sentido", y lo sentía incompatible con su propia visión del rock -expresada en el Manifiesto que Spinetta publica simultáneamente con el disco- y de la vida.
Pero antes que nada te quiero aclarar que yo le dediqué ese disco a Artaud pero en ningún momento tomé sus obras como punto de partida. El disco fue una respuesta –insignificante tal vez– al sufrimiento que te acarrea leer sus obras. La idea del álbum era exponer la posibilidad de un antídoto contra lo que opinó Artaud. Quien lo haya leído no puede evadirse de una cuota de desesperación. Para él la respuesta del hombre es la locura; para Lennon es el amor. Yo creo más en el encuentro de la perfección y la felicidad a través de la supresión del dolor que mediante la locura y el sufrimiento. Creo que sólo si nos preocupamos por sanear el alma vamos a evitar distorsiones sociales y comportamientos fascistas, doctrinas injustas y totalitarismos, políticas absurdas y guerras deplorables. La única forma de hacer subir el peso es con amor. Los músicos de rock somos tipos que estamos muy desorientados. Hemos involucrado mucho a nuestro sistema neurológico y hemos aprendido muy poco de la historia reciente. Pero hay algo claro: no podemos jugar a ser Artaud. Eso significaría no haber entendido a Moris, no haber entendido a Lito Nebbia, no haber pescado una. Si yo no hubiera aprendido a salir de ésa y ubicarme en mi país, no estarías conmigo en este momento: Spinetta sería apenas un nombre en una chapita de bronce, chorreada de caca, en la inmensidad de algún cementerio.
La obra fue presentada en dos recitales que Spinetta realizó solo en el Teatro Astral, en octubre de ese mismo año. En esos recitales dio a conocer un Manifiesto titulado Rock: música dura, la suicidada por la sociedad (con Van Gogh le suicidé de la société, "Van Gogh el suicidado de la sociedad" de 1947). Allí expone su propia concepción del rock, vinculada a un estado de plenitud interior, y su rechazo a la visión nihilista del rock, focalizada en el sexo y las drogas duras.
El disco
Entre el surrealismo de “Por” y el lirismo de “Bajan” y “Todas las hojas son del viento” cuyo “cuídalo de drogas” también parece marcar el límite de una experiencia, una frase en especial (“no estoy atado a ningún sueño ya”), incluida en la canción “Las habladurías del mundo”, es el grito que desde acá reafirmaba el fin del hippismo y del colectivismo más extremo. De hecho, aunque editado bajo el nombre de Pescado Rabioso, “Artaud” fue un álbum solista; y aunque después vendría Invisible, ya Spinetta había inaugurado la búsqueda personal consignada en “La sed verdadera”, toda una declaración de independencia con una letra casi oracular en torno a la idea del D.I.Y. (hágalo usted mismo) que pronto ganaría protagonismo en la sociedad.
Pieza central de “Artaud”, la “Cantata de puentes amarillos”, inspirada en las cartas de Vincent Van Gogh a su hermano Theo e impregnada a su pesar de las imágenes de violencia contemporánea (Ezeiza, represión) los mismo que “Cementerio club”, se despide de algunos sueños de los sesenta o al menos de todo intento de encorsetamiento (“las almas repudian todo encierro”), nostalgia o fosilización. “Aunque me fuercen yo nunca voy a decir que todo tiempo por pasado fue mejor” marca que, pese a su juventud, el rock de acá ya se permite hablar de un pasado, lo reconoce y hasta se plantea qué hacer con él.
Los temas están inspirados por las lecturas de Spinetta de dos de sus obras: "Heliogábalo, el anarquista coronado" (1934) y "Van Gogh, el suicidado por la sociedad" (1947).
La música
Podríamos emparentar este disco, con el tono intímista que tendría 9 años después Kamikaze. Numerosas guitarras acústicas, un ascetismo marcado en los arreglos y un viraje abrupto respecto de su disco anterior. Las canciones son complejas y denotan una marcada incorporación armónica del jazz en su música.
Disco previo al inicio de Invisible, donde la búsqueda estética, lírica y musical se consolida, este disco representa una bisagra que sobrevendría y que persistió en su obra hasta el final.
Portada
La portada del disco original no era previsiblemente cuadrada, sino en forma de estrella verde, con bordes amarillos. Y era informe, con cuatro puntas no aptas para las bateas de los ’70. La idea, consensuada con el propio Spinetta, fue de Juan Gatti, el artista responsable de varias tapas de los primeros años del rock argentino. Es su obra maestra para toda una generación, y recordada como una de las joyas del diseño de portada de todos los tiempos. “En ese momento la hicimos con Luis Alberto y quedó como un delirio, porque realmente estábamos volados, pero no por las drogas, sino como en estado de permanente alucinación. Hicimos esa tapa que no entraba en ningún stand y las tiendas de discos nos querían matar porque no sabían cómo exhibirlo, la gente no lo podía guardar. Fue un objeto muy incómodo y movilizador para la época.”
"...¿Acaso no son el verde y el amarillo,
cada uno de los colores opuestos de la muerte,
'el verde para la resurreción,
y el amarillo para la descomposición y la decadencia?"
(fragmento de Cartas - Antonín Artaud - 1937 - Texto aparecido en la contratapa del álbum)
Presentación y difusión
La presentación se realizó la mañana del 23 de octubre de 1973 en el Teatro Astral, donde Luis, se presentó sólo, acompañado de una guitarra acústica, donde repaso temas de Pescado Rabioso y Almendra más algunos temas inéditos que hasta ese momento no habían sido grabados (Ah! basta de pensar y Barro tal vez, grabados en Kamikaze y Dedos de mimbre grabado en Fuego gris). Y en el escenario, en los intermedios del recital, se mostraban películas mudas como Un perro andaluz, El gabinete del doctor Caligari y cortos del argentino Hidalgo Boragno, todo musicalizado por The Dark Side of the Moon, Pompa y Circunstancia de Edward Elgar y Héroe de Guerra de Jimi Hendrix.
Lista de temas
Todas las hojas son del viento - 2' 12
Cementerio Club - 4' 55
Por - 1' 45
Superchería - 4' 21
La sed verdadera - 3' 32
Cantata de puentes amarillos - 9' 12
Bajan - 3' 26
A Starosta, el idiota - 3' 15
Las habladurías del mundo - 4' 03
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Este álbum fue editado entre 1999. Sus canciones fueron compuestas y grabadas en 1998/99 en las ciudades de Nueva York, Miami, Madrid y Buenos Aires, en sendos viajes que el artista realizó durante la gira de su anterior album Alta Suciedad. Los músicos permanentes del disco fueron los que acompañaban a Calamaro desde varios años atrás, empezando por su eterno compañero y amigo el guitarrista Augusto "Gringui" Herrera, el también guitarrista Guillermo Martín, el bajista Candy Caramelo, el baterista José "El Niño" Bruno y el experimentado tecladista Ciro Fogliatta (Los Gatos). Junto a ellos se sumó la participación de muchos músicos y personajes que ayudaron a la producción del disco que según la discográfica DRO, es el que más ha costado en toda su historia: alrededor de 250 mil dólares.
Honestidad Brutal es la punta del iceberg que emergería en su siguiente disco El Salmón, sumido en un torrente de excesos y una desbordada producción musical, vuelca solamente 37 canciones de un centenar en dos cd's. En ellos se puede escuchar la amplia variedad musical del mundo Calamaro. Tango, folklore, rock, reggae, bossa nova, algo de experimentación y la canción visceral. Exceptuando Naranjo en flor (Virgilio y Homero Expósito) y algunos tracks en colaboración, todo el disco está compuesto por Andrés.
Colaboraciones
Calamaro se hizo cargo de varios instrumentos en la grabación y desfilaron por las sesiones músicos y personalidades de la talla de Pappo, Ciro Fogliatta, Marc Ribot, Mariano Mores, Virgilio Expósito, Moris, Daniel Melingo, Diego Armando Maradona entre otros.
El disco fue producido y mezclado por el mismo Calamaro, Guido Nissenson y Joe Blaney.
Lista de Temas
CD 1
El día de la mujer mundial (3:29)
Te quiero igual (3:57)
La parte de adelante (4:23)
Clonazepán y circo (3:01)
Los aviones (4:25)
Más duele (3:11)
Cuando te conocí (3:19)
Prefiero dormir (4:27)
Jugar con fuego (3:00)
Maradona (1:49)
Una bomba (4:19)
Socio de la soledad (3:42)
Son las nueve (3:09)
Las dos cosas (5:10)
Veneno (6:30)
Ansia en Plaza Francia (2:52)
Paloma (4:57)
Con Abuelo (5:28)
CD 2
No tan Buenos Aires (7:29)
El tren que pasa (3:38)
Victoria y Soledad (2:57)
Mi propia trampa (2:35)
Negrita (4:57)
Voy a dormir (3:00)
Eclipsado (3:32)
Mi quebranto (3:40)
Me pierdo (4:22)
Hacer el tonto (3:09)
Naranjo en flor (3:52)
Aquellos besos (4:35)
No son horas (4:13)
Las heridas (2:39)
Hay (3:47)
El ritmo del lunes (3:11)
Para qué (2:40)
No va más (3:48)
La parte de atrás (3:07)