La sociedad ha brindado un lugar en el que es permitido mostrar la sensibilidad interior, un refugio donde se pueden reflejar las emociones que probablemente se esconden durante la vida diaria, esa proyección de nosotros mismos sólo logra plasmarse en la gran pantalla: el cine. Narrativas que “hacen tocar fondo”, que logran sacar al espectador de sus límites sensibles hasta hacer romper en llanto al espectador.
The Wrestler
Randy “The Ram” Robison (Mickey Rourke) es un luchador profesional de wrestling de los 80. 20 años después de estar en la cima, lucha los fines de semana en combates semiprofesionales independientes en la zona de Elizabeth, Nueva Jersey, por un dinero extra. Después de un show, un promotor le propone un combate del 20 aniversario con su más conocido oponente, el Ayatollah, que originalmente tuvo lugar en el Madison Square Garden vendiendo todas las entradas. Randy acepta, pensando que esta lucha de alto nivel le ayudará a volver a la cima.
Pronto se dará cuenta de que sufre una enfermedad del corazón por la que su vida corre peligro. El médico le aconseja no volver a luchar por lo que él decide arreglar en la medida de lo posible su vida y afrontar su destino.
¿Por qué podría hacer llorar? Darren Aronofsky, el director, utilizó el regreso de Mickey Rourke, quien en verdad fue boxeador, para asegurar que la tragedia puede ocurrir también fuera de la ficción de la pantalla, tocando así fibras sensibles. El marco emocional de la cinta no es la lucha libre, sino la pelea del protagonista para ganarse el respeto de su hija.
The Shawshank Redemption
Basada en la novela corta de Stephen King, Rita Hayworth y la redención de Shawshank, el filme abarca una mirada optimista de la vida, contando la historia de dos amigos, Robbins y Freeman, en una prisión. Se enfatiza en el no perder las esperanzas, incluso en las más inhóspitas situaciones.
¿Por qué podría hacer llorar? El miedo que muchas veces aprisiona a las personas se combate con la esperanza. No se necesita estar dentro de la cárcel para sentir el temor de situaciones cotidianas. La libertad necesita perseverancia y determinación para que la recompensa final alivie y exima el alma.
Grave Of The Fireflies
La animación de dos hermanos huérfanos que recorren un Japón destruido durante la Segunda Guerra Mundial en busca de comida y esperanza en la insensibilidad de los adultos, es lo que muestra esta historia.
¿Por qué podría hacer llorar? Al ser una de las mejores películas antibélicas, esta historia, que desde el comienzo se sabe terminará en tragedia, genera compasión en cualquiera al ver los horrores por los que los niños debían pasar para valerse por sí mismos. Lo más conmovedor es que con esta película se siente el retrato de muchas vidas que sufrieron durante la guerra. La animación, con el estilo icónico de Studio Ghibli, logra convertir esta tragedia en algo atemporal.
La vida es bella
La tragicomedia de una familia italiana que es separada durante el Holocausto es también una historia de amor en la que el padre, interpretado por Roberto Begnini, deja a un lado la realidad con su carácter e ingenio, y logra que su hijo crea en un juego ante la crueldad que se vive en un campo de concentración.
¿Por qué podría hacer llorar? Fuera del tema tratado del Holocausto, La vida es bella muestra a un padre que hará todo lo posible para que su hijo no sufra las desgracias de la guerra. Los factores cómo las ganas de vivir, el optimismo que opaca la triste realidad, la pureza, ingenuidad y la inocencia de la niñez, son algo que moverá las fibras de cualquier persona.
Up
Un anciano que se siente sólo luego de la muerte de su compañera de aventuras: Ellie, y se niega a abandonar la casa en la que pasó algunos de los mejores momentos de su vida, ante la presión de la construcción que amenaza su seguridad y la de su patrimonio, decide hacer despegar su hogar con globos para cumplir la promesa hecha a su difunta esposa. La mayor aventura de su vida le espera, con sorpresas que lo harán volver a él mismo.
¿Por qué podría hacer llorar? La magia de Disney y Pixar siempre lo logra, pero especialmente en esta película, la que sensibiliza a un niño y lo más importante, a un adulto. La historia del viejito gruñón perfora cualquier emoción posible, dejando una lección de vida inolvidable.
ET
Historia más que conocida: un niño solitario encuentra la verdadera amistad en un extraterrestre. Ambos aprovecharán su tiempo juntos y disfrutarán del valor de tener un buen amigo.
¿Por qué podría hacer llorar? Todos aquellos que sepan apreciar a un amigo y que se han encontrado en situaciones difíciles como los prejuicios o los escenarios en los que la vida te separa de ellos, se sentirá identificados con esta cinta. La película te mantiene en una tierna angustia cuando los adultos y los aliens intenten separar a Elliot y a ET.
The Green Mile
Un ex-guardia de la prisión cuenta la historia de su amistad con un convicto: John Coffey, quien fue condenado a muerte por un crimen que no cometió; el personaje narra a su especial amigo que tenía poderes sobrenaturales.
¿Por qué podría hacer llorar? El poder del camino a la muerte, es un drama que llega a cualquiera y más una muerte inocente. La historia es completamente triste y el personaje interpretado por Michael Clarke Duncan, conmueve en un nivel grandioso.
It’s a Wonderful Life
Después de sentirse fracasado por sentir que no ha logrado nada con su vida, George Bailey (James Stewart) es visitado por un ángel quien le muestra el impacto que ha logrado en su familia y amigos.
¿Por qué podría hacer llorar? Cualquier persona que esté pasando por momentos de depresión, sin importar la causa, esta historia le mostrará cómo, muchas veces, lo que dejamos en la gente es lo que realmente importa.
Bambi
Un pequeño venado sufre cuando unos cazadores matan a su amorosa madre, así que Bambi debe aprender a crecer rápido y solo.
¿Por qué podría hacer llorar? Simple y sencillamente porque el amor de madre es de las cosas más importantes que cualquier ser humano tiene durante la infancia.
Schindler’s List
El empresario nazi: Oskar Schindler, crea conciencia al salvar la vida de 1100 judíos polacos del Holocausto, al contratarlos en su fábrica.
¿Por qué podría hacer llorar? Uno de los episodios más oscuros de la historia de la humanidad es, sin duda, el Holocausto; existen muchas películas desgarradoras, como la ya mencionada La Vida es Bella, incluso se podría categorizar el tema como un género cinematográfico; sin embargo, La Lista de Schindler es especial por la luz de esperanza y salvar vidas de personas que no pueden hacer algo ante las injustas decisiones de las personas en el poder.
Biutiful
Uxbal (Javier Bardem) es un padre entregado que mantiene a sus hijos, gracias a los negocios clandestinos en el mundo ilegal de los inmigrantes chinos y africanos en Barcelona. Su vida cambia inesperadamente al ser diagnosticado de cáncer, el protagonista tiene un poder metafísico con el cual puede comunicarse con las personas que acaban de morir, así que ahora resolverá su espiritualidad antes de su muerte.
¿Por qué podría hacer llorar? La vida de Uxbal es un constante esfuerzo para no fracasar, un intento de reconciliarse con el amor. Tropezando repetidamente, tiene culpas y es capaz de presentir el peligro a la muerte. El personaje es un reflejo de vidas fracturadas, descompuestas y rotas pero de una belleza asombrosa.
Violines en el cielo
Daigo Kobayashi (Masahiro Motoki) es chelista en una orquesta sinfónica en franco declive, tras ser despedido, él y su esposa Mika deciden regresar al pueblo natal de aquél, a la casa que su madre, recién fallecida, le ha dejado como herencia. Allí busca empleo y atiende un anuncio de lo que parece ser una agencia de viajes, pero que en realidad es una empresa dedicada al antiguo arte del “Nokanshi”, la preparación de los difuntos para “su último viaje”. El trabajo es menospreciado socialmente y también para Daigo resulta repelente, pero lo acepta. Con el tiempo descubre la profunda dignidad de su oficio y empieza a desempeñarlo con maestría y orgullo sin saber que será éste el que lo una, por última vez, con su padre.
¿Por qué podría hacer llorar? Daigo se descubre a través de a muerte, dándole un nuevo significado a los lazos familiares. Rompe los miedos y el rechazo a esa situación que en ocasiones se presenta en la vida, que incomoda o molesta por no ser lo que tenía planeado, pero al final las cosas salen exactamente como deberían.
Hachi, A dog’s Tale
El drama basado en la historia real del perro japonés que, por accidente, llega a los brazos de Parker Wilson (Richard Gere). El lazo entrañable que se creará entre la mascota y su dueño llevará a Hachi a ser un perro memorable.
¿Por qué podría hacer llorar? La enternecedora historia conmueve a cualquiera que sepa lo qué es el amor hacia las mascotas.
The Bucket List
Dos hombres con cáncer terminal, completamente desconocidos, de mundos opuestos y personalidades contradictorias, establecen una amistad inigualable en la que deciden realizar la aventura de cumplir las cosas que siempre desearon hacer antes de morir.
¿Por qué podría hacer llorar? Una película que habla de la muerte pero te hace sentir bien. Levanta emociones y a pesar de ser una comedia, el drama es previsible. La belleza y la tristeza del mundo son enfrentadas quizá la mayoría de las veces hasta al final de la vida.
My sister’s keeper
Una niña de 11 años demanda a sus papás para poder “emanciparse médicamente”. Anna (Abigail Breslin), fue concebida únicamente para salvar a su hermana mayor, Kate, quien está enferma de cáncer. Toda su vida se ha visto obligada a donar sus órganos; sin embargo, en esta ocasión Anna decide poner un alto con una buena razón de fondo, sin que sus padres lo entiendan.
¿Por qué podría hacer llorar? Para empezar: el interminable sufrimiento de Kate, el que no es sólo un desgaste físico sino emocional y, por supuesto, el reflejo de la importancia de las decisiones que pone en riesgo muchos esfuerzos.
El Rey León
La cinta animada de Disney basada en Hamlet, de William Shakespeare, sobre un pequeño león, Simba, quien pierde a su padre y debe aprender a ganarse su lugar en la vida, atravesando por varios obstáculos hasta poder convertirse en rey.
¿Por qué podría hacer llorar? La muerte de Mufasa es una escena clásica de Disney, con la que hasta los adultos lloran. El Rey León es la película animada que, probablemente, ha robado más lágrimas al público infantil.
Eternal Sunshine of the Spotless Mind
La solución definitiva para no sufrir el desamor, olvidando por completo a esa persona. Joel (Jim Carrey) es un hombre solitario y rutinario que un día decide, de manera impulsiva, iniciar un viaje en tren hacia una estación desconocida (en Montauk Nueva York). Allí conoce a Clementine (Kate Winslet), una mujer impulsiva con su cabello de color azul. Todo lo que se presenta como obvio en este filme tiene un trasfondo imprevisto, y el espectador va descubriendo poco a poco que esa no es la primera vez que Joel y Clementine se ven.
¿Por qué podría hacer llorar? La increíble narrativa que maneja el director logra acomodarse perfectamente en los sentimientos que todos han experimentado alguna vez, el enamoramiento y las decepciones amorosas. La inaguantable frustración de sufrimiento del desamor siempre lleva a pensar en que lo mejor sería borrarlo de la mente, pero el poder del destino a veces es más fuerte.
I Am Sam
Una joven mujer abandona a su hija el mismo día en que nace dejándola en manos de su padre, Sam Dawson, que padece espectro autista con bajo coeficiente intelectual. La película narra, al compás de The Beatles, las dificultades que tienen que atravesar cuando, a partir de los seis años, Lucy demuestra una capacidad mental superior a su padre. El Estado cuestiona la capacidad de Sam para educar a su hija por lo que se enfrenta a un juicio que le quitaría su custodia. Sam, con la ayuda de una abogada profesional, Rita Harrison, buscan recuperar la custodia de su hija. En el proceso, Sam comienza a recapacitar sobre lo que realmente es necesario para la pequeña.
¿Por qué podría hacer llorar? Una cinta que llega al corazón sutilmente, con la increíble interpretación de Penn, quien logra transmitir el verdadero amor de un padre a su hija.
Cadena de Favores
Como una tarea, un niño crea un sistema para hacer favores desinteresadamente a las personas que en verdad necesitan un cambio. La propuesta se empieza a esparcir entre la gente creando un gran impacto en sus vidas.
¿Por qué podría hacer llorar? La generosidad y compasión de un pequeño niño, genera un gran cambio en personas que habían perdido el rumbo. Una muestra de humanidad que impresiona y estremece, de un niño que sueña con cambiar el mundo así como algunas personas con fijos ideales.
50/50
Joseph Gordon-Levitt, interpreta a Adam, un joven de 27 años quien es diagnosticado con cáncer. Su mejor amigo, su madre y una chica terapeuta lo ayudarán a descubrir lo verdaderamente importante en la vida.
¿Por qué podría hacer llorar? Porque Adam es un chico normal que vive día a día con los problemas cotidianos y de pronto se da cuenta que su vida puede terminar en cualquier momento. La amistad no idealizada y la simplicidad de la felicidad dejan a un lado el género sensacionalista que trata estos temas. La película logra que te enamores de sus personajes, lo que provocará un leve llanto.
Hombres de honor
Hombres de honor es una película estadounidense del año 2000, dirigida por George Tillman Jr., con Robert De Niro, Cuba Gooding Jr., David Conrad y Charlize Theron en los roles principales.
La naranja mecánica (1971)
En 1962, el polímata Anthony Burguess publicó su obra más reconocida: A Clockwork Orange (La naranja mecánica). Casi una década después, el director norteamericano Stanley Kubrick haría de esta historia una de las más polémicas y decisivas del cine del siglo XX. La naranja mecánica es una novela considerada parte de las obras cuya trama sucede en medio de una sociedad ficticia indeseable, en oposición a la utopía, heredera de títulos como 1984, de George Orwell, y Un mundo feliz, de Aldous Huxley.
Después de que el guionista Terry Southern hiciera llegar a Kubrick la novela de Burguess, el director cautivo la leyó tan deprisa que decidió llevar a la pantalla al controvertido Alex DeLarge, un psicópata obsesionado con la ultraviolencia y la música de Beethoven, y líder de Los Drugos, una pandilla que comete atroces crímenes que incluyen asaltos, golpizas, sexo y muerte. Cuando las circunstancias llevan a Alex a prisión, éste decide someterse a un tratamiento para reivindicar su naturaleza violenta: la técnica de Ludovico, cuyo fundamento se halla en el condicionamiento clásico de Pavlov.
La naranja mecánica es un argumento literario acerca de la moral, el libre albedrío, la manipulación, la violencia y el deber ser, y un acercamiento cinematográfico a la corrupción del ser humano por medio de los sistemas imperantes en una sociedad. La película es una agitada adaptación de la obra de Burguess en la que Kubrick imprime gran fuerza visual con secuencias aceleradas, tomas con cámara en mano, collage y en la que hace gala de una violencia explícita que raya en la crueldad.
La película se estrenó por primera vez en Estados Unidos en 1971; después de una reedición de Kubrick que incluyó un recorte de 30 segundos, la película volvió a exhibirse en 1973. Un año antes se estrenó en Gran Bretaña, pero su contenido “altamente violento” significó un impacto negativo entre el público quienes consideraron a la película una incitación al crimen, pues algunos delincuentes cometieron actos fuera de la ley en una reinterpretación de las escenas de la cinta mientras entonaban “Singing in the rain” o vestían atuendos como Los Drugos. Con una gran presión mediática, Stanley Kubrick pidió a Warner Bros detener la distribución de la película en el país, además por supuestas amenazas de muerte en su contra. Kubrick señaló que sólo se reestrenaría la película tras su fallecimiento, el que ocurrió en 1999. El nuevo milenio recibiría a La naranja mecánica en video y DVD en su relanzamiento en Inglaterra.
El exorcista (1973)
Considerada la mejor película de terror de todos los tiempos, El exorcista representó una vuelta de tuerca en la eterna lucha entre el bien y el mal al tener como protagonista y representación de este último a una niña.
La película se estrenó en 1973 y es la adaptación de la novela homónima de William Peter Blatty, publicada un año antes. William Friedkin fue el director de la versión cinematográfica que cuenta los pormenores de la posesión diabólica que sufre Regan MacNeil, una niña de 12 años quien se ve envuelta entre bruscos cambios de personalidad, comportamientos inexplicables y erróneos diagnósticos médicos hasta considerar la posibilidad de una posesión demoniaca que la hacen el objeto de los esfuerzos del padre Karras, Merrin y su madre, Chris MacNeil.
Basada en un hecho real, el argumento de El exorcista revolucionó al género en la época, y su estreno determinó un antes y un después al cimentar una historia sobre temas de esta índole. La película fue bien recibida por el público y la crítica, y obtuvo una decena de nominaciones a los Oscar y otras a los Globos de Oro. La trascendencia de la película la hizo un clásico en el cine y una referencia cultural obligada en el género de terror.
Aunque con varias secuelas y un reestreno mas bien soso, El exorcista (1973) se recuerda por la simpleza de su producción pero la solidez en su argumento, además por los extraños sucesos que ocurrieron durante el rodaje: el incendio de uno de los sets, accidentes, fallecimiento de familiares o cercanos a los miembros de la producción y una serie de acontecimientos que forjaron mitos sobre esta película, una de las más aterradoras en la historia del cine.
Holocausto caníbal (1980)
Una producción italiana de 1980 considerada en el género de ficción de explotación; bajo la dirección de Ruggero Deodato, con guión original de Gianfranco Clerici, Holocausto caníbal es la historia de un grupo de jóvenes quienes hacen un viaje documental a la selva amazónica (Infierno Verde); después de los días de viaje, no se sabe nada de ellos, por lo que el antropólogo Harold Monroe viaja al lugar para investigar el paradero del grupo.
Cuando llega al Amazonas, junto a dos guías, se encuentran con la tribu de los Yacumo, a partir de ese suceso la historia continúa entre el asesinato de los exploradores por parte de los miembros de la tribu y una serie de videos que desvelan escenas de sexo, tortura, asesinato y violencia que llevan al límite lo que los ojos ven.
La película fue prohibida para su exhibición en países como Italia, Australia y el Reino Unido por su alto contenido de imágenes grotescas.
La Pasión de Cristo (2004)
Esta no fue la primera vez que una película representó el calvario de Jesús de Nazaret a manos de los soldados romanos durante sus últimas horas de vida, pero sí la primera que llevó con crudeza y criticada extrema violencia el peregrinaje de Jesús después de la Última Cena, desde el momento en que ora en el Huerto de los Olivos y mientras es tentado por Satanás y traicionado por Judas Iscariote.
Dirigida por Mel Gibson, La Pasión de Cristo tuvo como protagonista a Jim Caviezel (Jesucisto) en una historia escrita por Benedict Fitzgerald y el propio director, quienes llevaron a la pantalla grande en 2004 este episodio de acuerdo con el Nuevo Testamento y los Evangelios de los apóstoles Mateo, Marcos, Lucas y Juan.
Es bien sabido que Mel Gibson invirtió más de 40 millones de dólares de su bolsillo para financiar la película, la que se grabó en tres idiomas distintos: arameo, latín y hebreo. Aunque existen diferencias entre el argumento y los evangelios, la cinta fue bien acogida como un acercamiento de la vida de Jesús hacia los no creyentes, y un recurso para la evangelización para con ello extender la religión cristiana a través del cine.
Nominada a tres premios de la Academia en las categorías de mejor maquillaje, mejor banda sonora y mejor fotografía, La Pasión de Cristo fue principalmente criticada por considerarla antisemita y por el uso de extrema violencia. Frente a esto, Mel Gibson siempre señaló que su interés estuvo en exaltar el amor y la entrega de Jesús a pesar del abuso, el dolor y el sufrimiento, y si para esto tenía que violentar su imagen, era necesario. Dijo, quería que resultara extrema y chocante para dimensionar los dolores físicos y el desgaste emocional de Jesús el hombre, y comprender con ello el mensaje de fe, esperanza, amor y perdón.
La vida de Brian (1979)
Considerada un clásico de los Monty Python, La vida de Brian no es una comedia sobre los días de Jesucristo, es mas bien una divertida historia alterna sucedida en un marco referencial similar al del profeta. Brian nace en Belén, en la misma fecha que Jesús, y en aparente igualdad de circunstancias. Hijo ilegítimo de un soldado romano y una feminista judía, su vida adulta y el contexto que lo rodea lo llevan a ser confundido varias veces con el Mesías en una suerte de sucesos ocurridos en la Galilea de aquellos días.
La cinta fue dirigida por Terry Jones con un guión original de los Monty Phyton, y financiada por el beatle George Harrison; a menudo es considerada la mejor película cómica de todos los tiempos debido a la originalidad del argumento, la aparición de temas clásicos del grupo como “Always Look On The Bright Side Of Life”, el uso de gags memorables y la sátira hilarante con la que hace una crítica a la intolerancia y problemas suscitados con el nacimiento del cristianismo.
Pese a tomar sólo como referencia el tiempo histórico de Jesús, algunos grupos cristianos se manifestaron en contra de la película por considerarla una ofensa a la figura del nazareno. Por su parte, el presidente de EMI Films, productora que pretendía llevar el proyecto, calificó a la historia de obscena y sacrílega. Otras repercusiones fue la prohibición de su exhibición en Noruega, Irlanda y parte del Reino Unido. La polémica generada también significó una serie de boicots en Estados Unidos, pese a que la idea de representar a Jesucristo nunca fue el argumento de la película, sino hacer comedia de la reinterpretación de los evangelios con un personaje contemporáneo a Jesús.
Calígula (1979, 1984)
La decadencia romana en su máxima expresión. La versión original de 1979, dirigida por Tinto Brass, cuenta el ir y venir del emperador romano Calígula (quien de por si no está muy bien parado en la Historia), la que incluía algunas escenas sexuales con las que representaba pasajes de la vida del tirano gobernante. Pero fue la versión de 1984, de Bob Guccione, la que causaría gran polémica por la exhibición sin censura de escenas de sexo, incesto, relaciones homosexuales, sadomasoquistas y zoofilia que harían de la cinta un hito del cine erótico.
La versión de Guccione fue prohibida para su exhibición, hasta que en 2007 la Junta Británica para la clasificación de películas reconoció su valor histórico y permitió su comercialización íntegra como película para adultos.
Lolita (1962)
“Las elementales reglas literarias para las historias de amor exigen un final con muerte o separación de los amantes, no pudiendo darse jamás que éstos consigan reunirse para siempre. Es también esencial que la relación deba escandalizar a la sociedad o a sus familiares. Los amantes deben ser condenados al ostracismo. Sería muy difícil construir una historia moderna que pudiera adherirse, con visos de realidad, a estas normas. En este aspecto creo que sería correcto afirmar que “Lolita” es una de las pocas historias modernas de amor”. – Stanley Kubrick
El maduro profesor y traductor Humbert Humbert se muda a Ramsdale, New Hampshire, y llega a vivir a una habitación alquilada de la casa propiedad de la viuda Charlotte Haze, quien tiene una hermosa hija de 14 años, Lolita. Pronto, el hombre se siente perdidamente enamorado de la joven e irresistible muchacha, por lo que decide contraer nupcias con la madre para poder estar cerca de quien ya se ha vuelto su objeto de deseo, la núbil Lolita.
Aunque algunos elogian el trabajo de Kubrick para llevar a la pantalla el clásico literario del ruso Vladimir Nabokov, otros cuestionan lo poco descriptiva que fue la trama y la omisión de detalles en la relación amorosa- pedófila entre los protagonistas. Tiempo después, Kubrick diría que, de poder hacer de nuevo la película, enfatizaría en el erotismo y en los aspectos que dieran cuenta de la intimidad entre la pareja. Sin embargo, debe reconocerse el trabajo del director de llevar a cabo un polémico argumento al que convirtió en una bella y revolucionaria historia de amor, más sugerente que sexual, con un toque refinado para el erotismo y en una mezcla de misterio y sensualidad extraída de los momentos más inesperados.
El autor de la novela fue, también, guionista en la adaptación cinematográfica. En su versión original el guión comprendía nueve horas de película, pese a esto, Kubrick alabó el trabajo de Nabokov.
Protagonizada por James Mason y Sue Lyon, la Lolita de la versión literaria tenía 12 años. Cuando Kubrick estaba en la búsqueda de su protagonista, vio a Sue en bikini en el programa The Loretta Young Show, supo entonces que la joven, quien ya había cumplido los 15 años, sería Lolita en el cine. Por las restricciones de la industria y de la época, en la versión cinematográfica Lolita comienza su idilio con Humbert a los 14 años de edad.
Psicosis (1960)
La modesta secretaria Marion Crane quiere casarse con su amante Sam, pero su condición económica les impide vivir su idilio desahogadamente. La joven toma la decisión de robar 40 mil dólares de la empresa en la que trabaja. Tras guardar el motín en una maleta huye de la ciudad en su Ford negro y conduce sin detenerse con rumbo a California. Cuando cae la noche y en medio de una lluvia, la chica decide descansar en un motel de carretera dirigido por Norman Bates. Pero no sólo el motel guarda un aspecto tétrico, la casa junto a éste es el misterioso refugio de Bates y su madre.
Después de compartir la cena con Bates y de sostener una charla con el extraño hombre, Marion decide ir a su habitación a pensar qué hacer con su futuro, toma una ducha, pero el destino ya ha decidido por ella.
Psicosis es la adaptación cinematográfica de la obra homónima escrita por Robert Bloch en 1959, un clásico del cine de terror y suspenso considerada la obra cumbre del director Alfred Hitchcock. Psycho, como también se le conoce, es elogiada por la crítica como una de las mejores películas del género y una de las pocas cuyas diferentes escenas han sido reproducidas, pariodiadas y utilizadas como referente para trabajos posteriores.
El argumento aunado a la grandiosa imaginación del director llevó por una historia, indiscutiblemente de terror, pero que roza con temas de amor, intriga, actos delictivos, suspenso, introspección y doble personalidad. El motel, el hombre regente, el robo de Marion, el amante y las historias entretejidas alrededor de estos fueron recurso para hacer una versión cinematográfica icónica.
Se dijo, Alfred Hichcock pidió a los cines que no permitieran la entrada a aquellos espectadores que llegasen tarde a su película, pues no quería que se corriera la voz sobre el final.
Saló o los 120 días de Sodoma (1975)
Basada en el libro Los 120 días de Sodoma, del Marqués de Sade. Saló, como se le conoce, es una película de 1975 del poeta y director italiano Pier Paolo Pasolini, quien llevó a la pantalla grande un relato de la perversión sádica sexual.
Adaptada entre 1944 y 1945, en la República de Saló, al norte de Italia, la historia está dividida en cuatro momentos: Anteinfierno, Círculo de las manías, Círculo de la mierda y Círculo de la sangre, los escenarios de un ritual para que las hijas de cuatro hombres poderosos contraigan nupcias.
La película relata lo que sucede en el ritual, en el que participan 18 jóvenes secuestrados, prostitutas, los cuatro hombres y sus hijas en un ambiente de sadismo sexual. La película, según el propio Pasolini, es una conceptualización del fascismo, por lo que el argumento se construyó a base de simbolismos y metáforas con el régimen.
La última tentación de Cristo (1988)
Dirigida por Martin Scorsese, La última tentación de Cristo está basada en el libro de Nikos Kazantzakis, un autor griego quien propuso a un Jesús con una vida mundana, y no como el Mesías que reconoce la iglesia católica.
Scorsese lleva a la pantalla grande, de la mano con Paul Schrader (co-escritor), la historia de Jesús si éste no hubiera muerto en la cruz como sacrificio para salvar a la humanidad, y llevara una vida como hombre, padre y esposo, con miedos, confusiones y conflictos propios de la imperfección humana. Entre otros momentos, la supuesta relación de Jesús con María Magdalena que se aborda en la trama fue motivo de gran controversia entre los grupos cristianos conservadores.
A pesar del esfuerzo del director por evidenciar la parte más humana de Jesús como una posibilidad de estar en sintonía con los hombres, la película fue considerada una blasfemia, un acto de corrupción hacia la imagen de Jesús y “ofensiva para los valores cristianos”. Durante su estreno, en agosto de 1988, se levantaron protestas de los fanáticos quienes pedían a los espectadores no mirar la película; por su parte, en Francia los disturbios comprendieron el incendio de un cine a causa de bombas molotov; y en Chile la película fue vetada por el Consejo de Calificación Cinematográfica, el Poder Judicial y estrenada 15 años después.
Scarface (1983)
Tony Montana y Manny Ray son dos exiliados cubanos quienes llegan a suelo americano durante el éxodo de Mariel en la década de 1980. Cansados de la pobreza y las malas condiciones de su país, quieren hacer vida y fortuna en Estados Unidos. Pronto son reclutados por el narcotraficante Frank López y comienzan su historial criminal. Tony, calculador y sanguinario, hace alarde de la violencia con el fin de acceder a lo más alto del poder en la organización.
Scarface, con Al Pacino como el antihéroe y víctima de las circunstancias y los propios grupos de poder, representa a las minorías (desde su condición de inmigrante) que se ven frenadas por quienes ostentan el poder económico, y Steven Bauer en los roles principales, es un remake de la cinta homónima dirigida por Howard Hawks en 1932. Bajo la dirección de Brian De Palma, la versión de 1983 fue escrita por Oliver Stone en Francia mientras estaba en tratamiento por su adicción a la cocaína.
Por su alto contenido violento con argumento en verdaderos crímenes comunicados por la policía de Miami y la DEA a Stone, la película fue calificada en tres ocasiones como “X” (+18), hasta que en una reunión entre el director, el productor Martin Bregman y un grupo de expertos frente a los miembros de la junta, se demostró que Scarface era un crudo pero fiel retrato del bajo mundo de las drogas y por lo tanto merecía que un público mayor la viera; se calificó como “R”.
Bajos Instintos (1992)
Un violento asesinato de connotaciones sexuales sirve como preámbulo para que Nick, el policía quien investiga el crimen, se adentre en un universo de seducción cuando sus investigaciones lo llevan a Catherine, escritora de una novela en la que narra un crimen similar al cometido. Ante esto, inmediatamente se vuelve sospechosa y todo se torna complicado en un ambiente de celos, sexo y violencia.
Masacre en Texas (1974)
Considerada como una de las mejores películas de terror de la historia por su aportación al género, The Texas Chain Saw Massacre fue una cinta independiente producida, escrita y dirigida por Tobe Hooper, filmada en su totalidad en Texas y con un reparto de actores oriundos del lugar sin mayor experiencia que en papeles pequeños.
La película cuenta la historia de dos hermanos y su grupo de amigos quienes viajan a Texas movidos por la intriga de la profanación de la tumba de un familiar. Cuando comprueban que la tumba está intacta deciden emprender el camino hacia una antigua casa propiedad de los hermanos, donde les espera una serie de sucesos desafortunados que terminan con la muerte de cada uno de los amigos a manos de una familia cuyo uno de los miembros es el temido asesino de la motosierra: Leatherface.
La película está basada en los crímenes perpetuados por el asesino serial Ed Gein durante los años 50, quien con la piel de sus víctimas elaboraba máscaras y muebles.
A pesar del bajo presupuesto con el que fue filmada, las escenas de violencia y los efectos especiales hicieron de esta película un clásico de terror por la inclusión de un asesino con motosierra.
Perros de reserva (1992)
Seis criminales con nombres de colores son contratados para asaltar una tienda de diamantes. Ninguno se conoce entre sí y su identidad está protegida por un color distinto. Cuando pretenden dar el golpe, la policía los sorprende y sucede un tiroteo en el que caen algunos policías y un par de los delincuentes. Entre el grupo, sospechan que hay un infiltrado quien los delató. - See more at: http://culturacolectiva.com/las-50-peliculas-mas-controversiales-de-la-historia-parte-2/#sthash.QMiKHGqt.dpuf
Esta película significó el estreno de Tarantino como director de un trabajo independiente y que daría muestra de su peculiar estilo en posteriores filmes: el uso explícito de la violencia y referencias multiculturales en sus personajes.
Natural Born Killers (1994)
Natural Born Killers, dirigida por Oliver Stone y protagonizada por Woody Harrelson y Juliette Lewis, pretende hacer hincapié en la forma sensacionalista en que los crímenes son descritos por la prensa y la manera en que ésta y otros medios ensalzan a los asesinos. Fue criticada por su excesiva violencia gráfica y de contenidos.
La película fue inspirada en la historia de Charles Starkweather y Caril Ann Fugate, pareja que asesinó a 11 personas entre Nebraska y Wyoming a finales de la década de 1950.
Chucky: el muñeco diabólico (1991)
“Ocho años después del día en que creyó haber destruido al muñeco asesino, Andy Barclay cumple los dieciséis y entra a una academia militar. Mientras, el codicioso presidente de la empresa de juguetes Play Pals decide resucitar la popular línea de muñecos Good Guys. Cuando la cadena de montaje recrea el primer muñeco a partir de una masa de plástico derretido, el espíritu de Chucky regresa con renovadas intenciones de alcanzar su objetivo y vengarse de Andy”.
Saw 2003
Saw (titulada El juego del miedo en Latinoamérica a partir de la tercera entrega, ya que la primera y la segunda se las conoce como Juego macabro, no siendo así en España, país en el que se mantiene su título original) es una película de terror/horror estrenada en 2004 y dirigida por el director nacido en Malasia, James Wan; con guión escrito por él mismo en colaboración con su amigo el actor Leigh Whannell, nacido en Australia. Es la primera entrega de la serie cinematográfica Saw. Se exhibió por primera vez en el Festival de Cine de Sundance en enero de 2003 y un año más tarde fue distribuida internacionalmente. Su intriga y sus imágenes con una carga de suspenso psicológico son características de esta película.
El exorcismo de Emily Rose (2005)
El exorcismo de Emily Rose (2005) es una película de terror dirigida por Scott Derrickson y protagonizada por Tom Wilkinson, Laura Linney y Jennifer Carpenter. Inspirada en la verdadera historia de Anneliese Michel, el guion fue escrito por el propio director y Paul Harris Boardman y consiguió recaudar 144 216 468 dólares en todo el mundo. El sacerdote Richard Moore (Tom Wilkinson) es acusado de homicidio por negligencia por la muerte de la joven Emily Rose (Jennifer Carpenter). Esta católica devota empezó a tener visiones aterradoras tras asistir a la universidad y decide contactar con el cura, pues está convencida de que necesita un exorcismo. Ahora, la agnóstica abogada Erin Bruner (Laura Linney) decide arriesgar su reputación ayudando al padre Moore. Ella estaba poseída por (demonio, o bien, nombre de aquel que poseyó)
El padrino 1972
El padrino es una película basada en el libro del mismo nombre escrito por el novelista italoamericano Mario Puzo. Aunque la novela al momento de su lanzamiento fue todo un éxito, irónicamente a Puzo no le gustaba; incluso declaró que sólo la escribió con el afán de ganar dinero.9 Puzo conoció en la primavera de 1968 a Robert Evans, productor ejecutivo de la Paramount Pictures en ese tiempo, y le ofreció los primeros borradores de una futura obra que tentativamente se llamaría Mafia; Evans le compró los derechos de la novela a Puzo por 12.500 dólares.10 Después de la salida y éxito de la novela, ahora titulada El padrino, en abril de 1969, la Paramount Pictures decidió llevarla a la pantalla grande y convertirla en la típica película de gánsteres; la casa productora veía en esta película una mera explotación comercial del best seller de Puzo.
Ciudadano Kane (1941)
Primera película de Orson Wells, escrita, dirigida y protagonizada por él mismo. Charles Foster Kane es un magante multimillonario, dueño de una gran cadena de periódicos que, estando en agonía, pronuncia una misteriosa palabra antes de morir: Rosebud. La conmoción es mundial y varios periodistas se dan a la tarea de desentrañar el misterio a partir de entrevistas a amigos y familiares.
Nosferatu (1922)
Película del expresionismo alemán, adaptación libre de la novela Dracula, de Bram Stoker. La trama de la película cuenta las desventuras que pasa Hutter cuando viaja a Transilvania a visitar al conde Orlock con el fin de venderle a éste una propiedad que colinda con su propio hogar. Una vez en el castillo del conde, Hutter comienza a notar el extraño comportamiento de éste y descubre unas marcas en su cuello.
The Devil's Advocate (1997)
Kevin Lomax (Keanu Reeves) es un joven y brillante abogado que nunca ha perdido un caso. Vive en Florida y parece feliz con su esposa Mary Ann (Charlize Theron). Un día, recibe la visita de un abogado de Nueva York que representa a un poderoso bufete que tiene la intención de contratarlo. Al frente de la prestigiosa empresa se encuentra John Milton (Al Pacino), un hombre mundano, brillante y carismático, que alberga planes muy oscuros con respecto a Lomax.
