Conoce lo básico en la fotografía. queres aprender??

*ESTE POST ESTÁ DEDICADO A LOS INTERESADOS EN APRENDER ALGO MAS DE FOTOGRAFIA.

Uno de los puntos más útiles que puedo sugerir a los nuevos fotógrafos es que se tomen un tiempo para aprender cómo la velocidad de obturación, la apertura y el ISO afectan a sus fotos. Cuando tuve en mis manos una DSLR por primera vez, vergonzosamente sabía muy poco sobre estas variables tan importantes. Tenía una limitada experiencia con la fotografía digital (y analógica) y absolutamente nada de formación profesional (aparte de la Historia de la Fotografía en la universidad que se centraba más en personajes y fechas que en técnicas fotográficas modernas).



Velocidad de obturación

La velocidad de obturación determina la cantidad de luz que entra en la cámara. Esto tiene un impacto directo en la exposición. Si tu foto queda subexpuesta (oscura), puedes ajustar la cámara a una velocidad de obturación más lenta que permitirá que llegue más luz al sensor de la cámara. En cambio, si tu foto está sobreexpuesta (luminosa), puedes usar una velocidad de obturación más rápida para permitir que llegue menos luz al sensor.

Además de afectar a la exposición, la velocidad de obturación también afecta al modo en que se captura la imagen estilísticamente. Una velocidad de obturación rápida (por ejemplo 1/500 segundos) ayuda a conseguir un efecto de imagen congelada. Esto es perfecto para cuando se quiere crear una foto libre de movimientos borrosos. Muchas fotografías deportivas se toman con una velocidad de obturación alta. Cuanto más veloz sea el movimiento que quieres congelar, mayor será la velocidad de obturación que uses. Para fotografiar un colibrí, usarás una velocidad de 1/1000 segundos; mientras que para fotografiar a un perro, bastará una velocidad de obturación de 1/250 segundos. Yo uso la máxima velocidad de obturación de mi cámara (1/4000 segundos) para obtener esto:

Estas fotos también demuestran cómo una alta velocidad de obturación puede congelar una imagen:







Puedes hacer cosas realmente creativas con una velocidad de obturación moderadamente lenta: congelar objetos lentos y parados mientras que los objetos más rápidos se desdibujan. Yo sostuve la cámara con las manos (aunque para este tipo de fotos suelo usar el trípode) y tomé esta foto (izquierda) con una velocidad de obturación de 1/6 segundos.
Como pueden ver, los corredores y el tren del fondo están borrosos ya que se movían durante los 1/6 segundos, pero los edificios, árboles y la gente que estaba relativamente quieta permanecen nítidos. Desafortunadamente, la larga exposición dejó el cielo sobreexpuesto.

Las exposiciones largas son geniales para la fotografía nocturna. Si no hay suficiente luz, necesitarás una exposición más larga para conseguir la exposición correcta. Yo suelo usar una exposición prolongada y un trípode para estas fotografías de noche:




Fotografías de rastros de luz, estrellas fugaces, agua corriendo suave y sedosa, y a veces relámpagos, son el resultado de exposiciones largas, que pueden variar de un par de segundos a horas.

La abertura

Como la velocidad de obturación, la abertura (o número f) también afecta a la cantidad de luz que entra en la cámara. La abertura es el agujero a través del cual la luz entra en la cámara. Una abertura más grande permite que más luz entre en el sensor; y una más pequeña permite que entre menos luz en la cámara. Si tus fotos quedan subexpuestas o sobreexpuestas, puedes ajustar el valor de la abertura. Los valores de la abertura varían de los f/1.2 o más bajo (un gran agujero que permite más luz dentro de la cámara) a los f/46 o más altos (un agujero pequeño que deja entrar menos luz en la cámara).



La abertura también afecta a otro importante factor compositivo, la profundidad de campo. Usando una abertura de f/1.8 se obtiene una profundidad de campo estrecha, y una abertura de f/40 produce una amplia profundidad de campo. Dejaré que los ejemplos hablen por ellos mismos:

f/2.8 o menos:



El sujeto está enfocado pero aquello que queda detrás no está definido. Esto es muy bueno para aislar los elementos clave en una foto y para retratos donde se busque un fondo suave (a veces llamado con el término japonés ”bokeh”).



Una abertura mayor mantiene más enfocada la foto, tal y como lo muestran las siguientes imágenes:



La profundidad del campo también se ve afectada por la longitud focal y por la distancia a la que se está del objetivo.

ISO

El último valor importante, la ISO, no afecta a la cantidad de luz que entra en la cámara. Se refiere, en cambio, a cómo se ajusta la sensibilidad del sensor de la cámara a la luz. Yo suelo usar la ISO más baja posible mientras sea capaz de conseguir la foto deseada. Una ISO baja (100 o 200) minimiza la cantidad de ruido (pequeños puntos blancos) en la foto. Una ISO alta (3200 o 6400) puede introducir ruidos no deseados en vuestras fotos. Aún así, los avances en sensores CMOS y la tecnología de reducción de ruido permiten a los fotógrafos usar una ISO alta y a la vez obtener imágenes de calidad.

La ISO baja es ideal para fotografiar paisajes o para hacer largas exposiciones en un lugar con una fuerte iluminación. La ISO alta se usa en lugares con poca iluminación o cuando es necesario mantener una velocidad de obturación alta. ¡Para los que recuerden las cámaras de 35mm, ISO es como la escala de sensibilidad fotográfica!



2.Conocer el equipo por dentro y por fuera

Cuando empecé a fotografiar con una DSLR, usaba una Olympus E-20N, una cámara terriblemente obsoleta si se compara con los estándares actuales. Sus limitadas opciones, largo tiempo de encendido, y su pequeño tope (podía tomar tres fotos seguidas antes de tener que esperar a que la cámara guardase en la tarjeta de memoria y que me permitiera tomar fotos adicionales; esto me hizo darme cuenta definitivamente de la importancia de la coordinación) me forzaron a ser más creativo con mi fotografía.

Es importante saber las cosas más simples: cuánto tarda tu cámara en encenderse, cuánto suele durar su batería o sus pilas, y otros asuntos importantes (como qué pata de tu trípode está rota y cae constantemente).



3.Conocer la jerga

Si alguien te dice “¡reduce la abertura!”, “prueba con una lente más rápida”, “usa un filtro ND”, deberías saber a qué se está refiriendo. Me he encontrado en ocasiones en que alguien decía algo que yo no entendía. La terminología no es muy importante cuando estás haciendo las fotos, pero te ayuda si hablas con otros fotógrafos.



4.Conocer las normas y cuándo romperlas

Hay algunas normas muy aceptadas con las que muchos fotógrafos coinciden, incluyendo conceptos como la “regla de los tercios”. Conoce bien cuándo es mejor usar estas técnicas y cuando evitarlas. Apuntaría más normas, pero nunca las he aprendido.



5.Ser creativos y experimentar

Esto es el alma y el espíritu de la fotografía. Un fotógrafo creativo mira el mundo con una mirada abierta, siempre buscando una nueva perspectiva. La inspiración yace en lo ordinario, la belleza se esconde en los caminos menos transitados. Yo creo que este es el aspecto más importante de la fotografía. Los tecnicismos pueden ser fácilmente enseñados y absorbidos, pero desarrollar un buen ojo y coordinación requiere práctica. La fotografía es captar el momento (¡también un club!); la habilidad de retener o crear un sentimiento o concepto y preservar recuerdos.

Composiciones y encuadres creativos y bien pensados pueden crear o destrozar una foto. Intenta ampliar el ángulo para incluir la parte más alta de los edificios o de los árboles o mover un poco la cámara para no incluir un cubo de basura o un poste de luz. Yo hago todo lo posible para arreglar potenciales problemas con la cámara y así evitar perder el tiempo con la edición posterior.

Creo que estos son algunos de los aspectos más importantes de la fotografía. Aun así, mi lema es “siempre hay alguien de quien puedes aprender, y siempre hay alguien esperando con ansia, una oportunidad para que tú le enseñes”. Una persona que ha sido una maravillosa inspiración y una fuente de información para mí es ^kkart Deberían explorar su galería y preguntarle sus dudas: ¡él siempre ha sido un firme recurso para mí!

También me han preguntado acerca de cuestiones que no se relacionan directamente con la toma de fotografías, como:

¿Qué cámara/lente debo comprar?

Recientemente asistí a una boda en la que la pareja de novios había contratado a un fotógrafo profesional. Yo usaba una Canon y él usaba una Nikon. Estuvimos intercambiando bromas sobre la elección de la marca durante toda la noche, pero nada serio…

La primera pregunta que se hace quien va a comprarse su primera cámara DSLR (traducción: cara) es ¿qué marca comprar?. Honestamente, si tienes el suficiente dinero, cualquier marca hará lo que quieras. Sin embargo, si tienes un presupuesto limitado, deberías buscar y comparar precios por tu cuenta. Quizás las opciones y el precio de una Nikon D40 sea la que te conviene, o quizás quieras algo más de espacio para maniobrar e investigar con la Sony A350. A lo mejor quieres ponerte serio y derrochar en una Canon 50D o puede que estés preocupado por trabajar en condiciones climáticas adversas y optes por una Nikon D300. Quizás quieras ir como auténtico profesional con un sensor de tamaño natural. La mejor manera de determinar qué cámara comprar es pensar en lo que tu quieres hacer primero, y después encontrar la cámara que atienda a tus necesidades y a tu presupuesto.

¡También puedes considerar elegir la marca que tus amigos tienen para poder cogerles sus objetivos!

Escucharás esta frase en boca de casi todos los fotógrafos: el objetivo es más importante que la cámara. (Por supuesto, el fotógrafo que hay tras el objetivo es lo más importante!) Invertir en un buen cuerpo de cámara no es necesariamente algo malo, pero invertir en un buen objetivo nunca es algo malo. Un buen cristal ofrece más claridad, durabilidad (lo que los hace más pesados), e incluye características extra como el Estabilizador de Imagen o la Reducción de Vibraciones, lo que es ideal para objetivos con largos FOCAL LENGTHS (o fotógrafos que no pueden sostener una cámara firmemente ni para salvar su vida). Los cuerpos de la cámara suelen quedar obsoletos pasados unos pocos años, mientras que la calidad del objetivo permanece durante décadas. Compra los que necesites (panorámica, macro, teleobjetivo), y guarda un arsenal de objetivos a la medida de tu estilo de fotografía.

Otra de las preguntas ha sido la importancia de la edición posterior. Muy raramente saco algo bueno de la cámara sin editar. Aquí ahí un ejemplo:



La edición posterior puede ser simplemente algunas curvas y cultivos para un HDR completo con Tone Mapping, ajustes de saturación y filtros artísticos. Todo lo que puedo decir es que saber editar (y saber cuándo editar) es un beneficio. Practica y encuentra tu estilo.

Espero que la información de este artículo sea útil y precisa. Cuanto más escribo, más siento que lo que he dicho era inadecuado. Sólo he empezado a aprender los pormenores más elegantes de la fotografía y lo que significa ser un buen fotógrafo.
La belleza de la fotografía es que siempre hay algo nuevo que aprender, algo nuevo en lo que inspirarse, algo nuevo que te abre los ojos otra vez a todo un nuevo mundo. ¡Les deseo la mejor suerte mientras continúan con su viaje fotográfico personal!

(dice trevg …) ¡Me gustaría acabar enseñando algunos de mis favoritos, que han sido grandes fuentes de inspiración para mí!







Encuentra tu estilo en Fotografía

Consideraciones generales



La fotografía existe desde hace mucho tiempo. Cada categoría fotográfica ha sido ya probada, la mayoría de los lugares han sido fotografiados, se han hecho retratos, técnicas especiales, fotografías en todo tipo de condiciones climáticas… ¿Qué es lo que todavía nos parece apasionante y único?

La respuesta no está en “lo que decimos” sino más bien en “cómo lo decimos”. No está en el tema de la fotografía sino en nuestra manera de tomarla y mostrarla, en nuestra manera de definirla. Si reunimos a 20 fotógrafos en un mismo escenario, utilizando la misma cámara, obtendremos muchas fotos distintas. Por otra parte, sabemos qué fotografía pertenece a quién, sólo con mirarla, porque reconocemos su estilo. Debo decir que el desarrollo de un estilo personal no es un proceso consciente. Sucede mientras tomas fotografías y, de repente, te das cuenta de que tienes una “marca” personal. Aun así, podemos ir tomando conciencia de ello si nos ayudamos en el proceso.

Una pequeña historia



Alex Libak, un fotógrafo a quien admiro, fue enviado en cierta ocasión por su periódico a un cursillo de fotografía que se celebraba en el extranjero. Él era ya un fotógrafo reconocido y pensó que asistiría sólo para disfrutar del viaje.

En la primera clase el profesor colocó 3 huevos sobre la mesa. Pidió que cada uno de los alumnos tomara una foto de los 3 huevos. Nada más y nada menos. Para entonces Alex ya estaba muy escéptico respecto a lo que podía aprender de aquello.

En la segunda clase cada fotógrafo tenía que enseñar sus fotografías de los 3 huevos. Alex vio con asombro que cada uno de los alumnos había hecho algo completamente diferente. Uno había jugado con las sombras, otro hizo un encuadre insólito, otro más había jugado con la profundidad de campo… Cada uno tenía su propio punto de vista. Aquella fue una lección de modestia.

Siempre hay margen para un punto de vista distinto, para un estilo diferente, por muy buen fotógrafo que seas.

Buscar tu estilo


Lo primero es buscar aquello que se pueda definir como tu estilo. Para eso debes hacer básicamente dos cosas:

1. Tomar muchas fotos espontáneas
2. Mirar muchas fotografías hechas por otros para inspirarte



Piensa diferente. Sé diferente.

Vale, tomas muchas fotos pero, aún así, no sabes si tienes un estilo ni cómo es. Es normal.
Ha llegado el momento de plantearte un desafío. Ves un árbol y ya has tomado fotos de otros árboles. Ahora intenta hacerlo de otra manera. ¿Cambiando el ángulo, quizás? ¿La exposición? ¿El filtro? ¿El punto de vista? ¿La profundidad de campo? No importa el qué, sólo que sea distinto a cualquier cosa que hayas probado en el pasado. Tienes que plantearte desafíos una y otra vez. Si te permites seguir los clichés, no encontrarás tu visión personal. Mientras experimentes de este modo, y con la ayuda de la inspiración que encuentras en las obras de otros fotógrafos que ves y admiras, irás acercándote a una visión que será únicamente tuya. Ahora ya eres diferente.

Experimenta con diferentes categorías fotográficas


Sabes lo que te gusta ver (retratos, naturaleza, calles, paisajes, naturalezas muertas, moda). ¿Estás seguro de que esto es también lo que quieres fotografiar?

Tienes que probar un poco de cada categoría. Es lo que deben hacer los fotógrafos experimentados. Quizá mientras tomas una foto macro tropezarás con un punto de vista nuevo, relacionado con algo que realmente significa algo para ti. Nunca se sabe. Encontrar un estilo personal implica investigar, investigar y seguir investigando.
Pasado un tiempo, te sentirás más cómodo en ciertas categorías. Esto, probablemente, formará parte de lo que más adelante será tu estilo.



Tu opinión es parte de tu estilo


Creo verdaderamente que la esencia del arte es la expresión. La expresión es una opinión. No tienes que dar respuestas, sólo plantear preguntas. Cuando ya puedas ver las cosas a tu manera, deberás pensar en lo que representa la foto que estás tomando, en los pensamientos que suscitará en la mente de aquellos que la verán. Lo que tu fotografía expresa forma parte de tu estilo.

Ni siquiera sabrás que tienes un estilo

Es el tiempo quien define el estilo. No se puede encontrar algo nuevo de inmediato. Tienes que encontrar la “caja” para poder pensar fuera de ella, “fuera de la caja”. Pasado un tiempo recibirás las opiniones de otros, que ya distinguen tu firma en tus trabajos. Harás bien en preguntar y analizar qué quieren decir. No se trata siempre de algo definido pero vale la pena investigarlo.



La técnica y la presentación


Son el envoltorio pero importan tanto como lo demás.
Identificar las cosas en las que centras tu atención. Tus composiciones. Lo que eliminas de tus encuadres, los filtros especiales que utilizas, la costumbre de voltear las imágenes, los reflejos, el blanco y negro, los temas en color, los motivos, escalas, siluetas, exposiciones largas… todos estos elementos se pueden definir como estilos si aparecen repetidamente en tu obra.



Para resumir


El estilo es –en otras palabras- tú mismo. No podrás ser único hasta que seas capaz de escapar de lo que percibes como “normal”. Seguirás haciendo “más de lo mismo” hasta que te plantees el desafío de hallar tu forma de pensar. Aun después tendrás que seguir experimentando para “afinarla”.
El estilo es algo que va cambiando, al tiempo que permanece contigo. Piensa en los fotógrafos que te gustan… ¿puedes definir un determinado estilo en su trabajo? Apuesto a que sí.

Lo maravilloso del estilo personal es que la gente reconocerá tu trabajo como si reconociera tu cara entre una multitud. Tu fotografía se identifica contigo. Ahora ya eres un artista único.