veroborges

Hoy les quiero dejar esta obra que me encanta, me parece particularmente angustiante.Edgard (Edvard) Munch, pintor noruego, quien murió en 1944, es considerado junto a Vincent van Gogh como uno de los padres del expresionismo y es reconocido mundialmente por su pintura “The Scream” (El grito). El artista, allá por 1895, describía el sentimiento recogido en el cuadro. Munch expresa así el momento que dio origen a “El Grito”: “Caminaba yo con dos amigos por la carretera, entonces se puso el sol; de repente, el cielo se volvió rojo como la sangre. Me detuve, me apoyé en la valla, indeciblemente cansado. Lenguas de fuego y sangre se extendían sobre el fiordo negro azulado. Mis amigos siguieron caminando, mientras yo me quedaba atrás temblando de miedo, y sentí el grito enorme, infinito, de la naturaleza”. En “El Grito” podemos ver como una figura humana, situada en el centro, se tapa los oídos en un gesto desesperado de angustia. Su rostro, que recuerda a una calavera, y su cuerpo, están completamente deformados, como también lo está el espacio que lo rodea. Un poco más atrás hay dos personas de negro, impasibles.Todo parece temblar ante ese grito, todo se desfigura y distorsiona porque forma parte de una realidad interior. El artista ha reproducido su vivencia de una forma completamente subjetiva, haciendo que nosotros sintamos también las emociones que lleva al sujeto del cuadro a gritar. Así expresa hasta qué punto las emociones determinan por completo nuestra percepción del mundo. Los colores imprimen aún más pasión al cuadro y matizan el sentimiento de horror en círculos de colores mareantes. ¿Cómo se sentía esa persona en ese momento? podemos sentirlo. Un cuadro que refleja angustia, miedo, tormento y quizás si nos concentramos un poco, hasta podamos oír el grito.La reproducción de la obra en toda clase de productos, desde camisetas hasta tazas de cerámica, pósters, llaveros, etcétera da testimonio de su estatus como icono, así como de la completa desacralización para el público actual. En esa misma línea, se puede comparar con otras obras de arte, convertidas también en iconos, como la Gioconda de da Vinci. El grito es una obra con gran fuerza emocional, y la banalización de la imagen en la cultura popular se puede interpretar como el intento de desactivar el sentimiento de incomodidad que inevitablemente provoca en el espectador.Versiones anteriores de "El Grito"Munch no quedó satisfecho con el resultado, así que pintó otro cuadro más al que tituló del mismo modo. En este nuevo cuadro se puede apreciar más el gesto desesperado/melancólico del personaje que aparece en él (en el primero no se ve ningún rasgo de la cara). Incluso los tonos de los colores son más sombríos:De nuevo, el cuadro no reflejaba lo que que de verdad quería expresar: desesperación y frustración no era lo que venía a la mente de quien mirara el cuadro, más bien algún tipo de tristeza, melancolía, soledad. Fue entonces cuando pintó la que fue la primera de las versiones del que hoy conocemos como El grito, y que es su obra más famosa:Actualmente este cuadro (óleo) está en la Galería Nacional de OsloLa versión en témpera de El grito es la que puede verse en el Museo Munch de Oslo:Existen dos versiones más del cuadro: la tercera se encuentra en el Museo Munch de Oslo (igual que la segunda) y la cuarta versión está en manos de un particular.Espero que les haya gustado el post, y especialmente la obra.Besotes

Sinfonía 3° y 4° Sinfonía N°3 La Sinfonía n.º 3 en Fa mayor Opus 90 de Johannes Brahms fue compuesta en el verano de 1883 en Wiesbaden, cerca de seis años después de haber terminado la Segunda Sinfonía. En el interín, Brahms había compuesto algunas de sus mejores obras maestras, en las que se incluyen el Concierto para violín, las dos oberturas, y el Concierto para piano n.º 2. Historia y estreno Está basada probablemente en esbozos de años anteriores. Uno de sus motivos principales está basado en la transposición musical de las iniciales de una frase muy suya: "Frei aber froh" (libre pero feliz, FAF, es decir: Fa-La-Fa, aunque realmente la segunda nota es La bemol). Fue estrenada el 2 de diciembre de 1883 por la Orquesta Filarmónica de Viena, bajo la dirección de Hans Richter que la consideró como la Eroica de Brahms (aludiendo a la Tercera Sinfonía de Beethoven). Movimientos La sinfonía tiene cuatro movimientos que duran alrededor de 40 minutos, y son: 1. Allegro con brio 2. Andante 3. Poco allegretto 4. Allegro Sinfonía N°4 La sinfonía n.º 4 en mi menor, op. 98, es la última sinfonía compuesta por Johannes Brahms. Se originó en las vacaciones de verano que disfrutó el compositor en Mürzzuschlag en 1884 y 1885. Fue estrenada bajo la dirección del compositor el 25 de octubre de 1885 en Meiningen. Una semana después el director Hans von Bülow acompañó a la Meininger Hofkapelle en una gira por Alemania oriental y Holanda. Movimientos La sinfonía está dividida en cuatro movimientos: 1. Allegro non troppo (mi menor) 2. Andante moderato (mi mayor) 3. Allegro giocoso - Poco meno presto - Tempo I (do mayor) 4. Allegro energico e passionato - Più Allegro (mi menor) Descarga Tracklist 01. Sinfonía nº3 en Fa Mayor, Opus 90 - Allegro con brio 02. Sinfonía nº3 en Fa Mayor, Opus 90 - Andante 03. Sinfonía nº3 en Fa Mayor, Opus 90 - Poco Allegretto 04. Sinfonía nº3 en Fa Mayor, Opus 90 - Allegro 05. Sinfonía nº4 en Mi Menor, Opus 98 - Allegro non Troppo 06. Sinfonía nº4 en Mi Menor, Opus 98 - Andante Moderato 07. Sinfonía nº4 en Mi Menor, Opus 98 - Allegro Giocoso - Poco Meno Presto 08. Sinfonía nº4 en Mi Menor, Opus 98 - Allegro Energico e Passionato - Più Allegro Espero que lo disfruten! Besos

Buenas, ¿como están? Hace muchísimo que no hacía un post! Ya estaba extrañando :3 Espero que les guste, y que si no lo conocen, aprendan un poquito mas sobre este artista que, particularmente, me encanta. Sé que a @PaitoPea le va a gustar, asi que se lo dedico ♥ Beso grande y muchas gracias a todos por pasar. Biografía Leonid Afremov (nacido en Vitebsk, en 1955) es un pintor bielorruso con nacionalidad israelí. Sus pinturas generalmente son paisajes, escenas urbanas, flores, marinas y retratos coloreados vívidamente; generalmente pintados usando espátula y pintura al óleo. Afremov se graduó en la Escuela de Bellas Artes de Vitebsk, escuela fundada por Marc Chagall en 1921 y que tuvo notables personalidades como Kazimir Malevich y Wassily Kandinsky. Trabajó en una fábrica de cerveza y licores como diseñador y en un teatro como escenógrafo. En los 80 empezó a trabajar en colegios y koljoses diseñando propaganda comunista y realizando esculturas de Lenin en escayola. A causa de sus raíces judías no se le permitía pertenecer a las asociaciones de artistas locales ni participar en las exposiciones gubernamentales. En 1986 ocurrió el desastre de Chernóbil, a sólo unos cientos de kilómetros de Vitebsk. Los niños pequeños resultaron afectados, entre ellos el de Afremov, que tenía sólo 2 años. A ello se unió el antisemitismo. A finales de los años 1980, Mijaíl Gorbachov autorizó la emigración a Israel de los ciudadanos soviéticos judíos. Afremov se mudó a Israel en 1990, donde abandonó la ciudadanía soviética por la israelí, que sigue conservando en la actualidad. Al cabo de dos semanas, encontró un trabajo en una agencia de publicidad pintando carteles. Posteriormente, estuvo en una tienda de marcos donde además de aprender a hacer marcos se introdujo en el uso de la espátula. Sin embargo, se encontró casi la misma situación que en la Unión Soviética: los inmigrantes rusos recibían salarios más bajos por el mismo trabajo y eran discriminados incluso a nivel oficial. Por ello, en los primeros años de esta década pintaba fundamentalmente acuarelas y acrílicos, lo que conseguía vender más fácilmente, sin apenas experimentar. En 1993 se mudaron a Asdod, ciudad con importante población inmigrante rusa. En 1995 consiguió abrir su propia galería y tienda de marcos, frecuentada principalmente por inmigrantes rusos. En esta época pintaba casí exclusivamente óleos a espátula, adquiriendo su estilo artístico único. Se hizo amigo del músico de jazz Leonid Ptashka, quien animó a Afremov a pintar una serie de retratos de músicos de jazz populares. La galería fue atacada en varias ocasiones; una vez, concretamente, escribieron en el escaparate "Cerdo ruso, vuelve a Rusia". En marzo de 2001 la galería fue nuevamente atacada y los vándalos destruyeron docenas de pinturas. Una vez más la policía local se negó a actuar. Leonid Afremov decidió que era el momento de irse a donde lo trataran en condiciones de igualdad y en enero de 2002 se mudó a los Estados Unidos (Boca Ratón, Florida). Actualmente vive en Playa del Carmen, México. Su Obra Sus cuadros son realmente originales y, en un estilo que clasifican cómo neoimpresionista, por que describen personajes y paisajes de gran belleza. Tienen un toque especial , seguramente derivado de su amplísima gama de colores y de que no utiliza pinceles, sino pequeñas paletas, que le dan un original relieve a sus cuadros. Las piezas gráficas de Afremov, en cuanto a su colorido, son muy variadas. El artista presenta en sus diferentes obras los diversos contrastes del color, retratando paisajes bajo la lluvia, personas, bailarinas de ballet , y hasta músicos y personajes famosos, con un marcado neo-impresionismo, y denotando la influencia cromática de Kandinsky y Malevich, coterráneos del artista. De esta manera es frecuente encontrar en su obra, esquemas de contraste de calidad, cálido-frio, colores puros, entre otros. Otro elemento destacable de la obra de Afremov es la presencia de texturas y ambientes cromáticos. La particular técnica de la pintura sin pincel, mediante el uso directo de la espátula, otorga al cuadro un relieve interesante, que además sugiere la presencia de diversas capas de colores debajo de los tonos presentes en la superficie. Los colores en las obras de Afremov nunca se presentan como planos, sino que son el resultado de múltiples mezclas opticas que se logran mediante la interacción del color aplicado en capas de pigmento. El particular estilo cromático y pictórico de Afremov, le abrió muchas puertas pero también le trajo algunos inconvenientes. Precisamente durante una exhibición de sus trabajos en Israel –lugar donde su estilo generaba gran controversia, especialmente los desnudos que pintaba– que desconocidos invadieron su estudio y destruyeron muchas de sus pinturas. Luego de este incidente, decide irse a vivir a E.E.U.U. lugar donde durante décadas se dedicó a perfeccionar la técnica de la espátula. La obra de Leonid Afremov es muy extensa, y abarca miles de pinturas de las más diversas temáticas. Sus trabajos han sido expuestos en 4 continentes y vendidos por miles de dolares por cada pieza original. Ahora continúa pintando en la ciudad de Boca Ratón, donde reside, en el estado de Florida, E.E.U.U. Además la historia de su vida ha inspirado diversos documentales y creaciones audiovisuales que recopilan sus viajes y anécdotas. • Titulo: "Night Café" • Titulo: "Mirror of the Rain" • Titulo: "Early Morning" • Titulo: "Rain Princess" • Titulo: "Little Square" • Titulo: "Quiet Town" • Titulo: "Lilac Fog" • Titulo: "Amusing Park" • Titulo: "Sailing by the Shore" • Titulo: "Blue Sky" • Titulo: " Fiddler from the sky 2" • Titulo: " Runing Towards Love" • Titulo: "Angel Flight" • Titulo: "Toward Love" • Titulo: "Night Rainbow" • Titulo: "Reflections of the Morning" • Titulo: "Night Harbor" • Titulo: "Dance Under The Rain" • Titulo: "Paris - Eifel Tower Lighted" • Titulo: "Hidden Sun" • Titulo: "Calm Sunset" • Titulo: " Under the Downpour" • Titulo: "The Colors of Winter" • Titulo: "Night Sea" «Sólo el amor y el arte hacen tolerable la existencia.»

Hoy quiero compartir con ustedes, el trabajo de un artista plástico Argentino que sinceramente, conoci hace poco tiempo. Me gusta porque es diferente, juega con la fantasía, lo utópico. Una particularidad interesante, es que cada obra va acompañada de un texto cortito, tambien realizado por el autor. Espero que lo disfruten mucho. Lo hice especialmente para @PaitoPea ♥ Muchas gracias a todos por pasar. Hasta la próxima! [Les dejo un poco de música para que acompañen el post] Antes de comenzar, una aclaración: La denominación naíf (del francés naïf, 'ingenuo') se aplica a la corriente artística caracterizada por la ingenuidad y espontaneidad, el autodidactismo de los artistas, los colores brillantes y contrastados y la perspectiva acientífica captada por intuición. En muchos aspectos, recuerda (o se inspira) en el arte infantil, muchas veces ajeno al aprendizaje académico. Alejandro Costas nace el 5 de Noviembre de 1958 en Ituzaingó (Prov. Bs. As). Estudia Ciencias Económicas, carrera que abandona para abocarse al Diseño Gráfico y al Dibujo Humorístico en el medio local y extranjero (España). Frecuenta diversos talleres de Dibujo y Pintura, entre ellos el del destacado Artista Plástico Marcelo Maira. Es miembro fundador del Grupo del Domingo integrante del grupo 30 Pintores Naïf Argentinos que realizó una muestra itinerante por Europa. A partir de Diciembre de 1993, participa del grupo de Pintores Primitivos Modernos fundadores en Esquel (Chubut) del Museo Naïf más austral del continente. Coleccionistas de Alemania, Paraguay, Brasil, Colombia, Chile, EE.UU, España, Panamá, Puerto Rico, Suiza, Venezuela y Francia poseen obras suyas. En noviembre de 2000 participa de una muestra colectiva en el Concourse Exhibition Center de la ciudad de San Francisco, California. Una obra de su autoría, Calidez del sur, se exhibe en The Rainforest Arts y pasó a formar parte de la colección del Children s Museum of Oak Ridge. "La naturaleza implora..." Por intermedio de sus árboles, la naturaleza nos envía un mensaje para que tomemos conciencia, oportunamente, de la autodestrucción persistente del hombre. Hay, concretamente, una palabra escrita con nitidez y que por tratarse de la PAZ, es un poco difícil de hallar... "El más largo y sinuoso de los caminos" Desde mi país, Argentina, parte un edificante reclamo, mudo y añoso como este esperanzado árbol. Por qué la JUSTICIA escogió las ramas para cobijarse? Sin dudas, anhelando hallar en la incontaminación del cielo la altura que no tiene. O tal vez, en las ramas por autodefinirse "ramera", vendiéndose con frecuencia al mejor postor. En las raíces (en el pasado), enterrada y oculta, otra indispensable consigna a descifrar. Letras bien pequeñas como las raíces y la MEMORIA de los argentinos. Letras enormes como nuestra necesidad de JUSTICIA... "La creación... del ideal" Recrear "La creación", mi objetivo. Dios crea al hombre y el hombre crea las diferencias. Pueblos lujosos, pueblos humildes; un antagonismo milenario, una rivalidad histórica quebrada con apenas una flor. La naturaleza como elemento de unión. Flor que surge de un pueblo ideal, sin extremos aberrantes, sin canillas de oro y gente sin agua. Un lugar más sobrio pero sin dudas, más humano y más digno de ser habitado que el nuestro, con canillas de oro y gente sin agua. "Hacia un nuevo mundo" Entre las ramas de este vigoroso árbol, los cinco continentes de un planeta extremadamente agitado y despojado ya de vegetación, debido al creciente e incomprensible maltrato a la naturaleza. Donde las hojas y la vida natural son apenas un recuerdo, es una clara señal que por allí pasó el espíritu destructivo del hombre. Pródigas hojas que desinteresadamente nos acompañaban, parten ofendidas hacia un nuevo mundo, eligiendo sólo algunos de nosotros para acompañarlas. Haciendo mejor las cosas haremos un esperanzador viaje. Para destruir, dañar y contaminar nos quedamos aquí, en la tierra, que lo hacemos bastante bien. Somos insuperables en el arte que mejor cultivamos, el arte de la autodestrucción y aún no concluyó nuestra obra, pues algo queda... "Curioso planeta" Un luminoso y pacífico astro se deja observar en el espacio. Un planeta ideal, digno de ser habitado; reflexiono ilusionado. Aparente superioridad que inquieta. Su ejemplo me cautiva, mis postergados anhelos parecen consumarse y comprendo, definitivamente, que es posible... "El amor, a media luz" Y todo a pleno amor, a pleno amor de dos en un natural refugio que los cobija. Delicada corteza que, cómplice, ampara y hospeda. Que protege. Pero que a su vez, sabiamente, deja escurrir un bello tango, síntesis musical de un maltratado país, que aunque desea ver con más claridad, desafortunadamente, sigue un poco a media luz... "El tiempo de arena" El tiempo, impalpable y abstracto. Su efecto, implacable. Un diminuto grano de arena: el transcurso inexorable del tiempo materializado en su mínima expresión. Fina e inquieta arena de una playa; siglos en nuestras manos que se precipitan dándole forma y vida a un encantado castillo medieval. La naturaleza que el hombre toma y transforma, luego, para sus fines no siempre nobles. "Madre naturaleza" Un árbol o una mujer embarazada. Ramas que en la altura penetran el cielo o brazos implorando luz. Un pequeño árbol proyectado al futuro nos anuncia que el hijo pronto nacerá. Dará a luz cuando un destello del sol, un rayo de vida, ilumine su vientre. "Ayer y mañana" El pasado, con sus cálidas y airosas viviendas. Construcciones amplias, bajas y árboles como únicos exploradores de un, hasta ese momento, intacto cielo. El futuro...? Un arco iris convertido en riguroso puente nos advierte que la avasallante tecnología, de no ser controlada a tiempo, indefectiblemente ocupará espacios que jamás debiera conquistar; invocando un supuesto y para mí, sospechoso progreso. "Un día después" Ahora (y siempre), una andanada de odio y cotidiana violencia que no cesa. Después, algún día, la rectificación de lo irracional y el renacimiento del asombro. Una vida menos superficial. La ineludible avenencia con la naturaleza y el irrenunciable resguardo de la PAZ. En fin, "otra vida"... "Desde aquel planeta" Es de suponer, que el tan conflictivo como bello planeta que habitamos, sea observado por alguien y desde algún lugar del espacio. Inevitablemente expondríamos nuestra incapacidad para valorarlo y protegerlo. Mi idealismo, intransigente, me dictó plasmar una ingenua visión de la tierra. Concretamente, cómo nos deberían ver en lugar de como nos ven, desde aquel planeta... "El sol que quiso ser globo (y lo fue)" Los soles, siempre soberbios y vanidosos, adorados desde remotas civilizaciones y acostumbrados a reinar, jamás sospecharon que uno de ellos los defraudaría. Aquel sol, dotado de tanta inteligencia como sensibilidad, no tardó en aprender que el secreto radica en revelar el misterio de las pequeñas cosas, tan sencillas como los globos. Tanto quiso ser globo y confundirse entre sus amigos, que le creció el hilo que lo diferenciaba, se transformó y al hallar el camino de la humildad, se elevó. "Ella, Simón y un arco iris de fiesta..." Duró lo que dura un sueño. Y eso era... Despertarse, era el fin de una fiesta de magia y colores; con un envolvente arco iris, esa tarde, invitado de lujo. Y la presencia de Simón, como un aguacero, tan breve como efímero. Repentino y fugaz, pero suficiente, para hacer renacer la ilusión del encuentro. Del cotidiano reencuentro... "Vuelo mágico" Permanece cerrado un valiosísimo cofre, injustamente olvidado. Contiene amor. Esencialmente para aquellos que deciden nuestro destino, una antiquísima reliquia en desuso. Es por fin liberado y de él surgen inquietos y alborotados corazones, que danzando, continúan en soledad. Otros, un tanto más dichosos viajan acompañados, eligiendo convertirse (o no) en mariposas de fugaz y repentino vuelo, como el de sus hijos. Sobre una rama, un asombrado niño reflexiona por vez primera sobre su incierto destino... "El pueblo que nació de aquella melodía" El reposo de un soñador, su instrumento y la creación de un sonoro arco iris. Franjas plenas de color y magia para fundar un imaginario pueblo, que para no dejar de serlo, necesita tanto del agua, del sol y del aire como de alguna grata melodía que renueve y dé sentido a su vida. "Rastros de rostros" Un árbol... iris, con franjas que se dispersan formando rostros. En el tronco, el más visible de ellos, representando a aquellas personalidades que es tarea simple descubrir; transparentes y con su interior generosamente expuesto. Otros, introvertidos. En ocasiones impenetrables. Difícilmente explorables. Retraídos. Ni mejores ni de los otros. Distintos. Respetables. Y lo más curioso, generalmente, atraídos por sus notorias diferencias, se unen... "Los sueños de la realidad" La tierra: lo concreto, lo real. La luna: los anhelos, los sueños. Un imaginario hilo une la realidad con la fantasía. Es el sueño mismo... Acompañando el viaje, animadas estrellas nos visitan, alegrando por un eterno instante nuestro convulsionado planeta. "Pariendo utopías" Ininteligible y sombrío el planeta que habitamos. Sin luces, luciendo mal y, aún así, va a dar a luz un nuevo mundo. Va por el milagro del amor. Va hacia el hallazgo de la utopía. Invierte el rumbo. Tuerce el triste destino. Se esfuerza para dejar de ser lo que es. Lo consigue. Y estamos a salvo...

Buenas gente! ¿como están? Hace muuuuuucho que quería subir este post, y por una cosa o por otra no lo hice. Espero que les guste tanto como a mi. La artista no es muy "conocida", pero estoy segura que muchos de ustedes vieron alguna de estas obras en la web. No los molesto mas, espero que lo disfruten. Despues me cuentan que les pareció. Gracias a todos por pasar. Hasta la próxima. ♥ Dedicado todotodotodo a @PaitoPea ♥ Sobre la Artista Silvia Pelissero, mejor conocida por su apodo en DeviantArt como Agnes Cecile, es una artista nacida en la ciudad de Roma, Italia. Comenzó su carrera artística, al realizar sus estudios secundarios en el Liceo Artístico Giorgio De Chirico, ubicado en Roma, para luego dedicarse por completo a la formación profesional. En sus obras, Pelissero utiliza pigmentos muy líquidos para formar imágenes artísticas y significativas, cargadas de una gran expresividad emotiva. A través de cada retrato que ella crea, se encuentra una historia única y un mensaje para transmitir. Su pintura, realizada a gran velocidad, cautiva al espectador, mientras en el soporte, manipula el caos con una habilidad magistral y la expresividad que emplea en sus retratos de acuarela son de exquisito diseño, utilizando una paleta limitada de colores intensos para plasmar su magia. Su trabajo Su trabajo, en Videos

Poco se habla del fuerte lazo que unió al grupo con la música clásica, lazo que iría haciéndose cada vez mas fuerte y cada vez más patente en sus canciones. Gracias, en gran medida, a la influyente colaboración de George Martin, quien no se limito a ser solamente el productor de los discos del grupo, sino que introdujo a los Beatles a los instrumentos clásicos que se convertirían en componente vital de su sonido, llevándolos a crear y estructurar canciones populares que tomaban prestadas las grandes formas y las técnicas propias de las sinfonías, pero sin sacrificar la urgencia y claridad del Rock'n Roll. Sir George Martin George Martin se graduó del prestigioso Guildhall School of Musica de Londres, donde estudio teoria musical, composición, orquestacion, piano y oboe. Guildhall School of Musica de Londres Fue el quien escribió virtualmente, casi todos los arreglos para las canciones de los Beatles que utilizan instrumentos clásicos y no solo eso, sino que también participo tocando el piano en varias canciones de los primeros discos, como en "Not a second time" (1963), "A Hard Day's Night" (1964), "You Like Me Too Much" (1965) o "In My Life" (1965) por citar algunas. "Not a second time" link: http://www.youtube.com/watch?v=uUfZA4kw328 "A Hard Day's Night" link: http://www.youtube.com/watch?v=_NBAI26CY1M "You Like Me Too Much" link: http://www.youtube.com/watch?v=XpE8mbYYlzc "In My Life" link: http://www.youtube.com/watch?v=s5h5g8VdDVQ Algunos de los arreglos mas famosos que Martin hizo para los Beatles son el cuarteto de cuerdas de "Yesterday" (1965), el octeto de cuerda de "Eleanor Rigby" (1966), el caos organizado de "I Am The Walrus" (1967) como el mismo lo llamo, y muchos otros más. "I Am The Walrus" link: http://www.youtube.com/watch?v=RG73Pk1yUj8 Sin embargo fue debido a esto que muchos tacharon a los Beatles como impostores musicales, alegando que el verdadero genio creador detrás de la música del cuarteto era George Martin y no los miembros del grupo. Por ellos es importante destacar algunas de las palabras que el propio Martin ha pronunciado al respecto: "Suyo fue el gran talento...una idea venida de ellos era mejor que una idea venida de mi... Recordando su colaboración con McCartney en el solo de trompeta piccola de la canción "Penny Lane", Martin dijo: "es cierto que yo lo arregle, pero... si lo hubiera compuesto por mi mismo, honestamente no creo que hubiera podido escribir tan buenas notas como las que Paul escribió". "Penny Lane" link: http://www.youtube.com/watch?v=wj0nIMyqPcU Mas aun, es preciso señalar que George Martin fue una especie de traductor que plasmaba en música las ideas creativas e innovadores del grupo, es decir, llevaba al plano musical las locas ocurrencias de John, Paul, George y hasta las de Ringo. "Tuvo que ser George Martin quien le explicara a los cuarenta músicos que se dieron cita en los Estudios Abbey Road la noche del 10 de Febrero de 1967 que era lo que los Beatles querían para la canción "A Day in The Life". Al mismo tiempo, George Martin se convirtió en una especie de tutor musical para los Beatles, enseñándoles a tocar el piano. En 1967, Paul, con el apoyo de George Martin, escribió la música de la película "The Family Way", lo cual le valio el premio Ivor Novello. En ese mismo año, durante las grabaciones del álbum "Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band" , Paul tuvo la oportunidad de dirigir algunas veces a la orquesta. De acuerdo con todo lo anterior, podríamos decir que George Martin fue el principal medio de conexión que tuvieron los Beatles con la música clásica. Sin embargo, no fue el único, ya que para 1965 y 1966, los Beatles comenzaban a explorar por cuenta propia otras corrientes musicales, dentro de las cuales se encontraba, por supuesto, la música clásica. En una entrevista, Paul declara: "Por esos años comencé a escuchar bastante Stockhausen y cosas así, mas abstractas...". En una entrevista alrededor de 1980, John Lennon declaro con respecto a la canción "Eleanor Rigby": "Fue el bebe de Paul, y yo lo ayude un poco con su crecimiento; la idea del acompañamiento de violines fue idea suya, pues Jane Asher le introdujo en la música de Vivaldi, lo cual fue bastante bueno". "Eleanor Rigby" link: http://www.youtube.com/watch?v=9jZ5-Jyie6g También se sabe que por esos años Paul admiraba mucho al compositor John Cage. Ademas de Martin, los Beatles, particularmente Paul McCartney, solicitaron la colaboración de Mike Leander, quien compuso los arreglos de cuerdas de la canción "She's a Leaving Home" así como algunos pasajes orquestales para la película "Magical Mystery Tour" en 1967. Poco a poco, los Beatles fueron adquiriendo una actitud diferente con respecto a si mismos, pues ya no se veían como simples estrellas de pop o de rock, sino que cada vez mas, vemos presente en ellos un tipo de seriedad con respecto a su música. Ellos se consideraban músicos, y no solo eso, sino que se veía a si mismos como artistas y genios creadores. Esto ultimo fue lo que los llevo a alejarse definitivamente de los escenarios, ya que en medio de los gritos y el tumulto de los fans, ellos jamas crecería como artistas. Para comienzos de 1967, su música se volvió cada vez mas compleja y preparaban lo que muchos consideran su obra maestra, el LP "Sgt. Pepper's..." que mas que un álbum de rock, parecía mas bien una obra sinfónica. El rango de instrumentos habia crecido considerablemente, incluyendo ademas de las guitarras, el bajo y la batería, a toda una orquesta, es decir: cuerdas, metales, alientos, percusiones y hasta un combo de instrumentos hindúes a petición de George Harrison. En ese momento, los Beatles fueron uno de los primeros grupos de rock que comenzaron a incorporar dentro de su música elementos propios de la música clásica. Se empeñan en hacer de su música algo diferente, original e innovador. Comienzan a pensar en sus canciones como serias obras de arte, "como creaciones que no caerían en el olvido después de unas semanas o meses en la lista de éxitos, sino que serian escuchadas ( e incluso estudiadas) en la misma manera en que se hace con música de Mozart, Beethoven o Brahms". Es por ello que cada vez más, nos encontramos con piezas en las que intencionalmente se busca alcanzar un tipo de estetica equiparable con de la música clásica. Esto lo podemos constatar en canciones como "Strawberry Fields Forever", "All you need is Love", o las ya mencionadas "A Day in the Life" y "I Am The Walrus". "Strawberry Fields Forever" link: http://www.youtube.com/watch?v=cG2gNvqGJVU Algunas canciones presentan arreglos que nos remiten directamente a la música de los siglos XVIII o XIX, tal como el solo de piano en "In My Life" o el sonido barroco de "Piggies", que incluye cuerdas u clavecín. "Piggies" link: http://www.youtube.com/watch?v=WWBfD4XuIfU Por otro lado, hay también dentro de su obra, canciones bastante experimentales, piezas que son muestra de que los Beatles estaban al tanto de las nuevas corrientes artísticas y musicales de la epoca, como lo fueron la música experimental, la nueva música electrónica, la musique concret`e y el avant-garde. Ellos fueron unos de los primeros grupos que experimentaron con los nuevos instrumentos electrónicos como el mellotron ("Strawberry Fields Forever" ) y los sintetizadores ("Only a Northern Song" ). Así mismo, dentro de algunas de sus canciones incluyeron sonidos y ruidos pre grabados ("Yellow Submarine", "Good morning, good morning" ) y otros manipulados dentro del estudio de grabación ("Tomorrow Never Knows", "Being For The Benefit Of Mr. Kite" ). La pieza "Revolution 9" del White Album de 1968, es uno de los mejores ejemplos de musique concretè y avant-garde hecha por un grupo de rock. "Revolution 9" link: http://www.youtube.com/watch?v=fs_LHpiYUF0 Incluso en 1969, el año en que muchos autores, incluyendo a los mismos Beatles, han señalado como "su retorno a las raices basicad del Rock'n Roll y el Rhythm & Blues, podemos ver a los Beatles trabajando con grandes orquestas en canciones como "Something" o "Golden Slumbers" ambas incluidas en el álbum "Abbey Road", publicado en ese mismo años. Con respecto a este álbum, Tim Riley, experto en la materia, escribe: "McCartney y Martin estaban interesados en jugar con las formas. Ellos querían crear un álbum que combinara temas pop con recapitulaciones clásicas, un tipo de sinfonía pop, algo mas conceptual que una colección de canciones separadas". Ademas del famosos medley de Abbey Road, que constituye una suite o un ciclo de canciones, ambos, términos procedentes del campo académico, encontramos en ese mismo LP una de las mas bellas canciones que los Beatles han compuesto, misma que también tiene inspiración clásica: "Because". "Because" link: http://www.youtube.com/watch?v=LG5squHcOyI "Lennon la compuso despues de haber escuchado a Yoko Oo tocar al piano el "Adagio Sostenuto" de la Sonata para piano N°14, Opus 27 N° 2 en C#m de Beethoven, es decir, la famosa "Sonata Claro de Luna". El mismo John Lennon, años después, en una entrevista declaro que la base para esta pieza ciertamente fue esa Sonata, pero tocada al revés. En un análisis mas detallado de la obra, Terence O'Grady escribe que "La cancion se parece bastante al primer movimiento de la sonata "Claro de Luna" en muchos aspectos, (especialmente en el uso de la sexta Napolitana o acorde bII), su textura arpegiada y otros aspectos del ritmo melódico, así como el hecho de que ambas piezas comparten la tonalidad de C#m". Como podemos ver, la relación que los Beatles mantuvieron con la música académica durante su corta, pero prolífica carrera, fue bastante estrecha y bastante amplia en todos los sentidos. Jamas tuvieron miedo de experimentar con la música académica. En alguna entrevista posterior, Paul afirma: "Siempre estábamos forzándolos a hacer cosas que no quería hacer". Desde el solo de flautas en "You've Got to Hide Your Love Away" (1965), que fue la primera vez en que un músico ajeno al cuarteto, aparte de George Marin, colaboro para una de sus canciones, la música clásica o académica se convirtió, junto con las influencias anteriormente citadas, es uno de los elementos mas importantes dentro del amplio collage musical que es la obra de los Beatles. Los Beatles son quizá, dentro del ámbito de la música popular, uno de los pocos nombres cuya obra ha sido capaz de penetrar y causar cierta repercusión dentro del aclamado y a menudo exclusivo campo de la música clasica. Esto se debe, sin lugar a dudas, al enorme talento de los miembros de grupo, y mas aun, a la originalidad y excelente calidad que des de sus inicios, caracterizaron a cada una de sus canciones. Incontables son la cantidad de arreglos para coro, instrumento solo, ensambles y orquestas que se han realizado a lo largo de los últimos 40 años. Incluso desde los años '60 en los que los Beatles todavía existían como grupo, ya podemos encontrar arreglos para instrumentos y ensambles propios de la música clásica. Uno de los primeros que se dio a la tarea de reescribir y arreglar muchas de las canciones del cuarteto para convertirlas en autenticas piezas clásicas, fue el mismísimo Gerge Martin, quien publico bajo el nombre de "The George Martin Instrumentally Salutes The Beatles Girls" (1966). Estos álbumes consistía en su totalidad en versiones orquestales/instrumentales de canciones tempranas como "She loves you", "Please, please me" y "Help!" hasta piezas posteriores como "She said she said" o "I'm Only Spleeping". Elaborar una lista completa de la infinidad de arreglos y versiones "clásicas" que existen de las canciones de los Beatles seria una tarea casi imposible de realizar. Hasta acá llego este pequeño análisis, las frases citadas, corresponden a distintas fuentes así como el texto en general. Las cito a continuación: - "A day in the life" 1996 - "Los Beatles y el Jazz" - Geocities.com - "The complete recording Sessions" 2006 - "Diccionario de The Beatles" 1999 Los invito a la Comu: By@VeroBorges

Sinfonía N°5 La Sinfonía n.º 5 en do sostenido menor de Gustav Mahler se termina en el otoño de 1902; Mahler irá y volverá sobre ella continuamente hasta el año anterior a su muerte. Es como una continua pelea, como demuestra la ambigüedad trágica expresada en ella. Sus Movimientos: Traeurmarsch. In gemessenem Schritt. Streng. Wie ein Kondukt. Stürmisch bewegt. Mit gösster Vehemenz Scherzo. Kräftig, Nicht zu schnell. Adagietto. Sehr langsam- Attaca. Rondo-Finale. Allegro-Allegro giocoso. Frisch. La Sinfonía: Los dos primeros movimientos de la sinfonía forman un bloque. El tema principal se centra en la marcha fúnebre precedida de una gran llamada de atención. La visión de la muerte aparece, la disposición instrumental de este movimiento evoca la típica banda que acompaña el cortejo fúnebre: estamos en la época que inventa para la ostentación las llamadas pompas fúnebres. En el siguiente movimiento se evoca de nuevo el tema de la muerte pero de una forma diferente. De una alternancia de lo dulce y lo tremendo surge una riqueza extraordinaria de matices, agudizando los timbres tanto para sugerir la agonía como ciertas expresiones idílicas, que son como presentimientos de resurrección. Con el tercer movimiento entramos en otro mundo más amplio, poderoso, de gran energía. El típico ritmo vienés, el de las calles, lo intercala con la intimidad y el sosiego del lieder. De la música más popular de Mahler deja constancia el Adagietto. Este movimiento es una excepción en la obra sinfónica del compositor pues es sólo para orquesta de cuerda y arpa, y este criterio de la reducción, de la intimidad frente a la aglomeración sentó precedentes en la escuela vienesa. Una estructura de romanza y de romanza acuática con el arpa al fondo -estructura antigua- se hace moderna, actual por la profundización en lo amoroso con su dialéctica entre lirismo que fluye y sobresalto que casi interrumpe. En el gigantismo del quinto movimiento (rondó final) hay una continua referencia al comienzo del Adagietto. Este último tiempo para el que Mahler exigía una orquesta de solista se atiene a una estructura muy clásica, claramente perceptible dentro de la ordenada vorágine y con el peligro de convertirse en barullo. La parte de fuga se ha hecho justamente famosa. El final engrandece el típico rondó-sonata: lo que llamaríamos reexposición es más bien un signo conclusivo que nos hace entender mejor lo anterior, porque entre la referencia al tiempo anterior vuelve a presentarse el tema religioso del segundo movimiento pero de una manera muy triunfal. Trauermarsch, in gemessenem Schritt, Streng, wie ein Kondukt Es una marcha fúnebre, melancólica y triste. Tras un inicio irónico de las trompetas estalla la orquesta completa llena de locura, pero también de tristeza, finalmente entra el tema del movimiento terminando así de una forma tranquila pero muy nostálgica. Stürmisch bewegt, mit grösster Vehemenz Es violento y a la vez con un tono de tristeza y soledad. Un movimiento altamente explosivo que refleja la frustración más profunda al no poder resolverse tras múltiples intentos. a la mitad de este movimiento se encuentra el climax de la primera parte, la locura se hace presente aunque inmediatamente viene a ser reconciliada por la dulce voz de los contrabajos. Es de notar que este movimiento es progresivo, comienza muy triste y explosivo para llegar al final donde se busca la tranquilidad y la expiación de todas las pasiones dementes que se tocan en el transcurso, sin embargo no lo logra. El movimiento termina abruptamente sin lograr resolverse dando así la entrada a la segunda parte. Adagietto Este movimiento fue inmortalizado en la película Muerte en Venecia, dirigida por Luchino Visconti. La película se basa en el libro de Thomas Mann, quien admiraba a Mahler al punto tal de llamar a su personaje Gustav, en su homenaje. Visconti, además lo refuerza transformándolo en músico (en el libro de Mann es escritor). La sinfonía n.° 5 acompaña a toda la película y el adagietto corona el trágico y triste final de la misma. Nadie que haya visto la obra de Visconti olvidará el exquisito cuarto movimiento de la quinta de Mahler. Descarga Tracklist 01. Erste Abteilung - I. Trauermarsch. In gemessenem Schritt. Streng. Wie ein Kondukt 02. Erste Abteilung - II. Sturmisch bewegt. Mit grosster Vehemenz 03. Zweite Abteilung - III. Scherzo. Kraftig, nicht zu schnell 04. Dritte Abteilung - IV. Adagietto. Sehr langsam 05. Dritte Abteilung - V. Rondo-Finale. Allegro Espero que les guste, Besos y hasta la próxima!

Envíos De Dinero a México Envía dinero por Internet a México de manera rápida por tan solo $4.99 www.xoom.com ¿Será que los pobres son pobres porque su hambre nos da de comer y su desnudez nos viste? No estalla como las bombas ni suena como los cuchillos. El hambre que mata callando mata a los callados, a los condenados al silencio y al olvido. De ellos sabemos todo. Los expertos, los pobrólogos, los estudian y nos ofrecen los datos actualizados. Cuántos son los pobres, en qué trabajan cuando trabajan, qué no comen, cuánto no comen, cuánto no pesan, cuánto no miden, qué no piensan, qué no vota, en qué no creen. Sólo nos falta saber por qué los pobres son pobres. Ellos que en las guerras son los muertos, y son los muertos en los huracanes, en los aludes, en los terremotos, en las inundaciones, en las sequías y en las demás catástrofes. Ellos que en las cárceles son los presos más solos. Y en las fábricas son los brazos más baratos. ¿Será que los pobres son pobres porque su hambre nos da de comer y su desnudez nos viste? ¿Qué sería de nosotros sin ellos? No existe la pobreza, lo prevaleciente es la injusticia en la distribución de la riqueza. Con justicia, el pan sería compartido en equidad, pero sin ella, no bastan todas las riquezas para desaparecer el peor de los crímenes de la humanidad: sumir en la miseria a nuestros hermanos y hermanas. -Eduardo Galeano link: http://www.youtube.com/watch?v=L-GHJokmr9s ¿Adan y Eva eran negros? "En Africa empezó el viaje humano en el mundo. Desde allí emprendieron nuestros abuelos la conquista del planeta. Los diversos caminos fundaron diversos destinos, y el sol se ocupó del reparto de colores. Ahora las mujeres y los hombres, arcoiris de la tierra, tenemos mas colores que el arcoiris del cielo; pero somos todos africanos emigrados. Hasta los blancos blanquisimos vienen de Africa. Quizás nos negamos a recordar nuestro origen común porque el racismo produce amnesia, o porque nos resulta imposible creer que en aquellos tiempos remotos el mundo entero era nuestro reino, inmenso mapa sin fronteras, y nuestras piernas eran el único pasaporte exigido." -Eduardo Galeano link: http://www.youtube.com/watch?v=2l1NJ_OGHvI Los Nadie Sueñan las pulgas con comprarse un perro y sueñan los nadie con salir de pobres, que algún mágico día llueva de pronto la buena suerte, que llueva a cántaros la buena suerte; pero la buena suerte no llueve ayer, ni hoy, ni mañana, ni nunca. Ni en lloviznita cae del cielo la buena suerte, por mucho que los nadie la llamen, aunque les pique la mano izquierda, o se levanten con el pie derecho, o empiecen el año cambiando de escoba. Los nadie: los hijos de nadie, los dueños de nada. Los nadie: los ningunos, los ninguneados, corriendo la liebre, muriendo la vida, jodidos, rejodidos. Que no son, aunque sean. Que no hablan idiomas, sino dialectos. Que no profesan religiones, sino supersticiones. Que no hacen arte, sino artesanía. Que no practican cultura, sino folklore. Que no son seres humanos, sino recursos humanos. Que no tienen cara, sino brazos. Que no tienen nombre, sino número. Que no figuran en la historia universal, sino en la crónica roja de la prensa local. Los nadie, que cuestan menos que la bala que los mata. -Eduardo Galeano link: http://www.youtube.com/watch?feature=player_embedded&v=CVlc2VzzLUY El Héroe Cómo hubiera sido la guerra de Troya contada desde el punto de vista de un soldado anónimo; un griego de a pie ignorado por los dioses y deseado no más que por los buitres que sobrevuelan las batallas. Un campesino metido a guerrero, cantado por nadie por, por nadie esculpido. Un hombre cualquiera obligado a matar, y sin el menor interés de morir por los ojos de Elena. ¿Habría presentido ese soldado lo que Eurípides confirmó después? Que Elena nunca estuvo en Troya; que sólo su sombra estuvo allí. Que diez años de matanzas ocurrieron por una túnica vacía. Y si ese soldado sobrevivió, ¿qué recordó? ¡Quién sabe! Quizás el olor. El olor del dolor y solamente eso. Tres mil años después de la caída de Troya, los corresponsales de guerra Robert Frisck y Frank Sevilla nos cuentan que las guerras huelen. Ellos han estado en varias, las han sufrido por dentro y conocen ese olor de podredumbre caliente, dulce, pegajoso que se te mete por todos los poros y se te instala en el cuerpo y es una náusea que jamás te abandonará. -Eduardo Galeano link: http://www.youtube.com/watch?feature=player_embedded&v=MHCzW6rZmIQ Puntos de Vista Desde el punto de vista del sur, el verano del norte es invierno. Desde el punto de vista de una lombriz, un plato de espaguetis es una orgía. Donde los hindúes ven una vaca sagrada, otros ven una gran hamburguesa. Desde el punto de vista de Hipocrates, Galeno, Maimonides y Paracelso, existía una enfermedad llamada indigestión, pero no existía una enfermedad llamada hambre. Desde el punto de vista de sus vecinos del pueblo de Cardona, el Toto Zaugg, que andaba con la misma ropa en verano y en invierno, era un hombre admirable: -El Toto nunca tiene frío -decían. El no decía nada. Frío tenia, pero no tenia abrigo. Desde el punto de vista del búho, del murciélago, del bohemio y del ladrón, el crepúsculo es la hora del desayuno. La lluvia es una maldición para el turista y una buena noticia para el campesino. Desde el punto de vista del nativo, el pintoresco es el turista. Desde el punto de vista de los indios de las islas del mar Caribe, Cristóbal Colon, con su sombrero de plumas y su capa de terciopelo rojo, era un papagayo de dimensiones jamás vistas. Desde el punto de vista del oriente del mundo, el día del occidente es noche. En la India, quienes llevan luto visten de blanco. En la Europa antigua, el negro, color de la tierra fecunda, era el color de la vida, y el blanco, color de los huesos, era el color de la muerte. Según los viejos sabios de la región colombiana del Choco, Adán y Eva eran negros y negros eran sus hijos Cain y Abel. Cuando Cain mato a su hermano de un garrotazo, tronaron las iras de Dios. Ante las furias del señor, el asesino palideció de culpa y miedo, y tanto palideció que blanco quedo hasta el fin de sus días. Los blancos somos, todos, hijos de Cain. Si Eva hubiera escrito el Génesis, ?como seria la primera noche de amor del genero humano? Eva hubiera empezado por aclarar que ella no nació de ninguna costilla, ni conoció a ninguna serpiente, ni ofreció manzanas a nadie, y que Dios nunca le dijo que parirás con dolor y tu marido te dominara. Que todas esas son puras mentiras que Adán contó a la prensa. Si las Santas Apostolas hubieran escrito los Evangelios, ¿como seria la primera noche de la era cristiana? San José, contarían las Apostalas, estaba de mal humor. El era el único que tenia cara larga en aquel pesebre donde el niño Jesús, recién nacido, resplandecía en su cuna de paja. Todos sonreían: la Virgen María, los angelitos, los pastores, las ovejas, el buey, el asno, los magos venidos del Oriente y la estrella que los había conducido hasta Belén de Judea. Todos sonreían, menos uno. San José, sombrío, murmuro: -Yo quería una nena. En la selva, ¿llaman ley de la ciudad a la costumbre de devorar al mas débil? Desde el punto de vista de un pueblo enfermo, ¿que significa la moneda sana? La venta de armas es una buena noticia para la economía, pero no es tan buena para sus difuntos. Desde el punto de vista del presidente Fujimori, esta muy bien asaltar al Poder Legislativo y al Poder Judicial, delitos que fueron premiados con su reelección, pero esta muy mal asaltar una embajada, delito que fue castigado con una aplaudida carnicería. -Eduardo Galeano link: http://www.youtube.com/watch?feature=player_embedded&v=CImPi9SYZ50 By @veroborges

Magdalena Carmen Frieda Kahlo Calderón nació el 6 de Julio de 1907 en Coyoacán, México, por entonces un suburbio de la Ciudad de México. La madre de Frida fue Matilde Calderón y González (1876-1932), hija de Antonio Calderón, un fotógrafo de ascendencia Mexicana/Indígena e Isabel González, descendiente de un General español. El padre de Frida, Guillermo Kahlo (1872-1941), también un fotógrafo y artista nació bajo el nombre de Wilhelm Kahlo en Baden-Baden, Alemania. Guillermo era hijo de Jakob Heinrich Kahlo, un joyero y platero y de Henriette Kauffman, ambos judíos húngaros que emigraron a Alemania. Wilhelm Kahlo se trasladó a México en 1891, y a su llegada cambió su nombre alemán de Wilhelm al equivalente español, Guillermo. Después de llegar a México, pronto contrajo matrimonio con María Cárdena y tuvo tres hijas con ella, la segunda murió días después del parto y María falleció después del parto de su tercera hija, dejando a Guillermo solo con sus dos hijas. Las niñas fueron enviadas a vivir en un convento y Kahlo se caso con la madre de Frida, Matilde Calderón. Con Matilde, Guillermo Kahlo tuvo cuatro hijas: Matilde (1898-1951), Adriana (1902-1968), Frida (1907-1954) y Cristina (1908-1964). A la edad de seis años Frida contrajo poliomielitis. Fue el principio del dolor físico que tuvo que soportar durante toda su vida. Frida tuvo que guardar cama durante nueve meses y en esos meses su pierna derecha no se desarrolló bien, quedando muy delgada y su pie derecho se atrofió. Su padre se aseguró de que Frida hiciera los ejercicios de fisioterapia necesarios para enderezar la pierna, pero a pesar de sus esfuerzos, su pierna y pie quedaron deformados para siempre. En 1922, después de completar su educación primaria en el Colegio Alemán, Frida entró en la "Escuela Nacional Preparatoria", el mejor instituto de enseñanza secundaria en México. Frida deseaba estudiar ciencias naturales y convertirse en un médico. En esta escuela, Frida se unió a un grupo llamado Los Cachuchas, mote debido a las gorras que llevaban. Este grupo compartía las ideas socialistas-nacionalistas de José Vasconcelos, Ministro de Educación Pública. Su novio por entonces, Alejandro Gómez Arias, un estudiante de derecho y periodista era sin discusión el líder del grupo. Aunque no tenía la seria intención de convertirse en una artista, Frida empezó a pintar durante esos días de su juventud. Sus trabajos consistieron mayormente en autorretratos y retratos de su familia y de algunos amigos. Algunas de esas primeras obras fueron destruidas por la propia Frida y de otras que sobrevivieron no se sabe el paradero. Hasta 1925, Frida contó solamente con el apoyo de uno de los amigos de su padre, Fernando Fernández, un respetado impresor. Fernando contrató a Frida como aprendiz con sueldo para copiar grabados de Anders Zorn, un impresor sueco y le enseño a dibujar ya que estaba impresionado con su talento. En 1925, Frida sufrió un accidente que cambiaría el resto de su vida e influiría significativamente en su trabajo. El 17 de Septiembre, Frida y su novio, Alejandro se subieron a un autobús que los llevaría de la escuela a casa. De camino, el atestado autobús fue embestido lateralmente por un tranvía y varias personas murieron. Frida sufrió múltiples heridas y los médicos no estaban seguros de que pudiera sobrevivir. Después de pasar un mes en el hospital, fue enviada a casa y tuvo que guardar cama durante 3 meses. Después de lo que parecía una recuperación completa, Frida empezó a sufrir dolores en la columna vertebral y en el pie derecho, y se sentía siempre cansada y enferma. Un año más tarde, tuvo que ingresar en el hospital de nuevo. En el momento del accidente, los doctores no tomaron rayos X de su columna, pero ahora se dieron cuenta de que varias vértebras se habían desplazado. Durante los siguientes nueve meses, Frida guardó cama y tuvo que llevar corsés de escayola. Fue durante esta convalescencia cuando Frida empezó a pintar en serio. Sus padres hicieron construir un caballete especial que se apoyaba en la cama y aguantaba los lienzos en los que Frida pintaba. También hicieron instalar un espejo bajo el dosel de su cama, el cual permitió a Frida el verse y convertirse en modelo para sus cuadros. Durante el mismo período en México, un nuevo movimiento artístico apareció, insistiendo en la importancia de dejar atrás modelos europeos y creando un nuevo estilo independiente de arte, basado en las raíces y el folklore de la cultura mexicana. A finales de 1927, Frida se había recuperado casi totalmente del accidente y se unió a este grupo de nuevos artistas en 1928. De nuevo se reunió con sus antiguos compañeros de escuela, muchos de los cuales eran políticamente activos en la universidad. En 1928, un compañero de escuela, Germán del Campo, la presentó a un grupo de jóvenes que estaban en contacto con el comunista Julio Antonio Mella, un cubano exiliado en México. Su amante era la fotógrafo Tina Modotti, y fue a través de ella como Frida conocería formalmente al hombre mas importante de su vida ( o como ella lo calificó una vez "el segundo gran accidente de mi vida" )....Diego Rivera (1886-1957). Frida había conocido a Rivera anteriormente en la Escuela Nacional Preparatoria, donde Diego había pintado un mural en 1922. Ella fue de nuevo a ver al entonces famoso artista en el Ministerio de Educación Publica, donde él estaba trabajando en otro mural. Frida admiraba a ambos, al artista y al hombre y quería su opinión acerca de su arte. Rivera estaba muy impresionado y la animó a continuar con su trabajo. La gran impresión de Diego se extendía también a la mujer, y se convirtió en un frecuente huésped en la casa de Kahlo. Asimismo, incluyó una imagen de Frida en uno de sus murales en el Ministerio de Educación Publica. Diego era un miembro del Partido Comunista Mexicano en aquellos días, y en 1928 Frida también se unió al Partido. En 1929 abandonó el Partido cuando Rivera fue expulsado por sus opiniones contra el estalinismo. El 21 de Agusto de 1929, en una simple ceremonia en el Ayuntamiento de Coyoacán, Frida y Diego contrajeron matrimonio. Ella tenia 22 años y el 42. La madre de Frida no aprobaba esta unión; dijo que Diego era demasiado viejo, demasiado gordo y todavía peor, un comunista y un ateo. El padre de Frida ofreció menos resistencia a la unión. El comprendió que Diego gozaba de una confortable situación financiera que permitiría costear los elevados gastos médicos de su hija. Algunos de los amigos de Frida estaban pasmados por su elección, mientras que otros lo vieron como una manera de desarrollar su carrera artística. La pareja se mudó inicialmente a un apartamento en la Ciudad de México, pero después de un tiempo se mudaron a Cuernavaca, donde Diego estaba trabajando en un nuevo mural. A principios de 1930, Frida se quedó embarazada por primera vez. Desgraciadamente, tuvo que sufrir un aborto terapéutico ya que el feto estaba en una posición incorrecta. Como resultado del accidente de autobús de 1925, la pelvis de Frida estaba fracturada en 3 sitios y los médicos le dijeron por entonces que probablemente nunca podría tener hijos. En Noviembre de 1930, la pareja se mudó a los Estados Unidos durante cuatro años. Su primera parada fue en San Francisco, donde le habían encargado a Diego el pintar unos murales en la Bolsa de San Francisco así como en otros edificios públicos. Albert Bender, un agente de seguros y coleccionista de arte ayudó a procurar un visado de entrada para Diego, el cual había sido inicialmente denegado debido a su afiliación con el Partido Comunista. Durante su estancia en San Francisco, Frida conoció al Doctor Leo Eloesser, un importante cirujano y se inició una amistad que duraría hasta la muerte de Kahlo. Frida confiaba en el en todo lo que se refería a asuntos de salud y durante toda su vida consultaría su consejo medico. En Junio de 1931, Kahlo y Rivera volvieron brevemente a México y entonces viajaron a Nueva York, donde Rivera había sido invitado a asistir a una exposición retrospectiva de sus trabajos. En 1932 se mudaron de nuevo, esta vez a Detroit, donde encargaron a Rivera el pintar un mural para el Detroit Institute of Arts. En Detroit, Frida se quedó embarazada de nuevo; enseguida informó al Dr. Eloesser y él recomendó que se pusiera en contacto con un médico en el hospital Henry Ford. Aunque el Dr. Eloesser animó a Frida a continuar con el embarazo en lugar de abortar, Frida no estaba convencida. En una carta al Dr. Eloesser, Frida escribió que Diego no estaba interesado en tener hijos y también estaba preocupada por posibles complicaciones durante el embarazo. El doctor en Detroit recomendó a Frida el llevar a término el embarazo ya que sería mejor que un aborto. Frida estaba muy excitada con la idea de tener un hijo y decidió seguir adelante con el embarazo, incluso con los problemas que tendría que sobrellevar. El 4 de Julio, Frida sufrió un aborto espontáneo y perdió el bebe que tanto deseaba. Fue una experiencia muy traumática para ella y pasó los siguientes 13 días en el hospital. Frida volvió a México brevemente en Septiembre de 1932, cuando su madre falleció durante una operación en la vesícula biliar. En Marzo de 1933, los Rivera volvieron a Nueva York para quedarse allá nueve meses, ya que le encargaron a Rivera el pintar un mural en el Rockefeller Center. Después de vivir en Estados Unidos durante casi 3 años, Frida añoraba México y quería volver a su país, per Diego estaba entusiasmado con Estados Unidos y quería permanecer allá. Este desacuerdo causó serios problemas entre la pareja. A finales de 1933, Rivera fue despedido por pintar la cara de Lenin en uno de los trabajadores dibujados en su mural. A pesar de su entusiasmo por Estados Unidos, Diego cedió a los deseos de Frida y en Diciembre de 1933 la pareja volvió a México. A su regreso, compraron una nueva casa en San Ángel, por entonces un suburbio de la Ciudad de México. Frida estaba ansiosa por empezar a pintar de nuevo, ya que había trabajado muy poco durante su último año en Estados Unidos. Pero el destino le jugó una mala pasada y sus ambiciones fueron destrozadas de nuevo por problemas de salud. En 1934 Frida se quedó embarazada de nuevo y experimentó muchas complicaciones. Como en el pasado, el embarazo tuvo que ser abortado, enviándola de vuelta al hospital. El mismo año sufrió la primera operación en el pie derecho y tuvieron que amputarle cuatro dedos de los pies que tenían gangrena. Estos fueron años difíciles para Frida. Además de sus problemas de salud estaba teniendo un montón de problemas en su matrimonio con Diego. En 1935 Frida descubrió que Diego, el cual habia tenido otros asuntos amorosos con otras mujeres durante su matrimonio, estaba manteniendo una relación sentimental con la hermana más joven de Frida, Cristina. Frida estaba terriblemente dolida por la relación. Abadonó la casa común y se mudó a un apartamento en el centro de la Ciudad de México. Una vez allá se procuró asesoría legal con vistas a un posible divorcio. Al mismo tiempo, Frida conoció al escultor americano Isamu Noguchi y mantuvieron una relación amorosa. En un esfuerzo por huir de sus problemas, Frida viajó a Nueva York con dos amigas y a finales de 1935, una vez que Rivera rompió su relación con la hermana de Frida, volvió a San Angel. Pero Rivera no cejó en sus infidelidades y Frida empezó a tener sus propias aventuras amorosas, no sólo con hombres, sino también con mujeres. En 1936 Frida sufrió otra operación en el pie derecho. Ese mismo año Frida se involucró de nuevo en política. Cuando la Guerra Civil estalló en España, junto con otras mujeres fundo un comité de solidaridad para ayudar a los Republicanos españoles. Sus relaciones con Rivera aparentemente mejoraron durante esos días. Rivera admiraba al político ruso Leon Trotsky y cuando Trotsky fue expulsado de Rusia y Noruega, la pareja elevó una petición al gobierno Mexicano para que concediera asilo político a Trotsky y su esposa en México. La petición de asilo fue concedida. En Enero de 1937 Leon Trotsky y su esposa, Natalia Sedova llegaron a Tampico, México. Frida los fue a recibir y se convirtieron en residentes de la "Casa Azul" en Coyoacán, en donde vivieron hasta Abril de 1939. Al poco tiempo de su llegada, Kahlo y Trotsky mantuvieron un breve romance secreto que finalizó en Julio de 1937. En 1938 los Rivera fueron anfitriones de otro huésped importante: uno de los líderes del Surrealismo, el francés André Breton y su esposa, Jacqueline Lamba. Breton también simpatizaba con las ideas políticas de Trotsky y había viajado a México para conocerle. Cuando Breton vió las pinturas de Frida quedó muy impresionado. Breton organizaría un año más tarde una exposición de los trabajos de Frida en París, en 1939. En Octubre de 1938 Frida viajó a Nueva York para preparar su exposición en la Galería de Julien Levy. El año anterior había participado en una exposición colectiva en México, pero esta exposición iba a ser su primera en solitario. Frida pintaba principalmente para su satisfacción personal, nunca pensando en las opiniones del público acerca de su trabajo. Se quedó sorprendida al saber que a la gente le gustaban sus cuadros y estaban dispuestos a comprarlos. El verano siguiente, el actor Edward G. Robinson compró cuatro de sus cuadros por $200 cada uno. Fue entonces cuando Frida se dio cuenta de que sus cuadros eran el pasaporte para independizarse financieramente de Diego. La exposición de Nueva York fue un gran éxito y recibió criticas muy favorables de la prensa. La mitad de sus pinturas en la exposición se vendieron. Recibió encargos para nuevos trabajos y entre sus clientes se encontraban: A. Conger Goodyear, Presidente del Museo de Arte Moderno de Nueva York y Clare Boothe Luce, editora de la revista Vanity Fair. Frida estaba muy excitada con su nueva fama porque le daría independencia económica de Rivera y mas libertad. Empezó a flirtear con sus admiradores, y se embarcó en una apasionada relación amorosa con el fotógrafo Nickolas Muray. En Enero de 1939 Frida viajó sola a París para una exposición de su trabajo, patrocinada por André Breton. No obstante cuando Frida llegó, encontró que no se habían hecho arreglos para la exposición prometida. Con la ayuda del pintor Marcel Duchamp, la galería Renou et Colle aceptó el mostrar la exposición. El 10 de marzo de 1938, la "Mexique" exposición abrió y los trabajos de Kahlo se mostraron junto con otras obras Mexicanas de los siglos XVIII y XIX, fotografías tomadas por Manuel Álvarez Bravo, esculturas pre-columbinas provenientes de la colección privada de Rivera y otros objetos de arte folklórico. Frida no estaba impresionada ni con París ni con sus habitantes. Después de conocer a algunos de los amigos surrealistas de Breton, Frida sintió disgusto por los artistas parisinos. En una carta a su amigo Nickolas Muray en Febrero, Frida expresó con intensidad su desagrado por Europa y sus habitantes. Debido a que la exposición de Frida en París no fue un éxito financiero y a la inminente amenaza de la guerra, Frida decidió cancelar una exposición posterior que se iba a celebrar en la Galería Guggenheim Jeune en Londres. A pesar de su limitado éxito en París, recibió comentarios favorables de los críticos. Una pintura de su exposición en París, "Autorretrato - El Marco " se convirtió en la primera obra de un artista mexicano del siglo XX adquirida por el Museo del Louvre. Dos días después de que se clausurara la exposición en París, Frida partió hacia Nueva York. Después de una breve estancia volvió a su casa en México. Su relación con Rivera se había deteriorado y en el verano de 1939 se separaron y Frida volvió a la Casa Azul con sus padres. Hacia finales de ese año Diego y Frida solicitaron el divorcio. El 6 de Noviembre de 1939 el divorcio fue final. Fue Rivera quien insistió en el divorcio, y la separación afectó emocionalmente mucho a Frida. Intentó desesperadamente el ahogar sus penas bebiendo y sumergiéndose en su trabajo, pero como Frida dijo "mis penas saben nadar". Frida no deseaba depender económicamente de Rivera nunca más y vio su carrera como pintora como su futuro medio de vida. Los problemas de salud de Frida reaparecieron, lo que no contribuyó a ayudar a mejorar su estado emocional. A finales de 1939 empezó a experimentar severos dolores en su espalda y desarrolló una infección aguda de hongos en su mano derecha. Contactó con su viejo amigo, el doctor Eloesser quién le aconsejó que fuera a visitarlo en San Francisco para seguir el tratamiento adecuado. Rivera se hallaba por entonces en San Francisco, trabajando en un mural. El doctor Eloesser medió entre los dos para facilitar una reconciliación. En Diciembre, Diego le pidió a Frida que se casara de nuevo con él. Ella aceptó inmediatamente pero sólo bajo ciertas condiciones: 1) Ella se mantendría financieramente independiente con la venta de sus cuadros 2) Ella pagaría la mitad de los gastos de la casa y 3) no mantendrían relaciones sexuales. Diego la echaba a faltar terriblemente y aceptó voluntariamente los términos. Se casaron de nuevo el 8 de Diciembre de 1940, el día del cumpleaños de Diego. Poco tiempo después de su matrimonio, Frida volvió a México. En febrero de 1941 Diego acabó su mural en San Francisco y volvió a México para estar con Frida. En Abril de 1941, el padre de Frida, Guillermo Kahlo murió de un ataque al corazón. Frida y Diego volvieron a Coyoacán para vivir en la Casa Azul. Después de su segundo matrimonio, la vida de Frida se volvió menos complicada y más rutinaria; empezó a disfrutar de los simples placeres de la vida, y la nueva tranquilidad se reflejó en sus cuadros. En 1941, con la oposición de Stalin a Hitler, Frida de nuevo expresó sus simpatías por el Partido Comunista. Su trabajo estaba ahora siendo reconocido en México y fue nombrada como miembro de comités, ganó premios y contribuyó a varias publicaciones. Su reputación alcanzó su punto culminante cuando después de la Exposición Internacional del Surrealismo que se inauguró el 17 de Enero de 1940 en la principal galería de arte privada en México, la Galería de Arte Mexicano, dirigida por Inés Amor. La contribución de Frida a la exposición fue "Las Dos Fridas". Durante 1940 Frida participó en muchas exposiciones colectivas en México y USA. En 1944 Frida empezó a escribir un diario personal, el cual se convertiría en una herramienta importante para entender a la mujer y a su trabajo. En 1942, Frida fue elegida miembro del Seminario de Cultura Mexicana, el cual estaba bajo la dirección del Ministerio de Educación Publica. La misión de esta institución, formada por veinticinco artistas e intelectuales era promover la cultura mexicana. El mismo año, el antiguo "Colegio de Escultura" se convirtió en la "Escuela de Pintura y Escultura". Los estudiantes la llamaron "La Esmeralda" ya que se hallaba situada en la calle del mismo nombre. En 1943 Frida fue nombrada parte del personal docente de esta escuela, donde daría una clase de pintura, doce lecciones por semana. Frida animó a los jóvenes estudiantes a buscar sus modelos e inspiración en la vida diaria de la cultura mexicana, así como en el folklore del país y a no seguir los modelos Europeos tradicionales. Después de unos pocos meses, la mala salud de Frida la obligó a enseñar desde casa. De nuevo sufría agudos dolores en su espalda y pie derecho y le ordenaron descansar. Tenia que llevar un corsé de acero, que se convirtió en el sujeto de su cuadro de 1944 "La Columna Rota". En Junio de 1946 Frida sufrió una operación en su columna. Un especialista de Nueva York había sugerido que su columna debía ser enderezada y ella estuvo de acuerdo. Desafortunadamente, la cirugía no tuvo éxito y Frida se sintió decepcionada, además de soportar terribles dolores. En Septiembre de 1946 Frida ganó uno de los galardones anuales "Premio Nacional para el Arte y la Ciencia" por su cuadro "Moisés". Aunque todavía sufría dolores y se estaba recobrando de la cirugía. Frida hizo una aparición en la ceremonia y aceptó orgullosamente su premio. En 1948 se unió de nuevo al Partido Comunista debido a su fe en la Revolución y mejoras sociales. A finales de los años 40, la salud de Frida estaba empeorando. En 1950 paso nueve meses en el hospital ABC de la Ciudad de México, donde sufrió más operaciones en la espalda. Después de una de sus cirugías, se desarrolló una infección la cual conllevó mas operaciones. En ese año sufrió siete operaciones. En noviembre, después de la sexta operación fue capaz de pintar de nuevo mediante un caballete especial montado en su cama. Se movía por la casa y los jardines en una silla de ruedas y podía caminar solo cortas distancias con el uso de muletas o un bastón. Mientras estuvo en el hospital ABC, su cirujano fue el Doctor Juan Farrill. Se convirtieron en grandes amigos y como muestra de aprecio, Frida pinto "Autorretrato con el retrato del Dr., Juan Farrill" para dárselo como regalo. Como resultado de su inmovilidad, Frida pasaba la mayoría del tiempo en casa. Su relación con Diego se había vuelto "platónica" y sus relaciones mas íntimas eran ahora casi exclusivamente con mujeres. Después de 1951, el estilo de Frida cambió. Su dependencia de los analgésicos estaba afectando seriamente su coordinación. Sus cuadros ya no tenían la precisión técnica y detalle que los caracterizó en el pasado. En la primavera de 1953, la fotógrafo Lola Álvarez Bravo, una amiga de Kahlo, organizó la primera exposición en solitario del trabajo de Frida en México. La tarde de la inauguración, los doctores insistieron en que se quedara en cama. No obstante, Frida estaba determinada a no perderse el evento y, en la típica manera que la caracterizaba, acudió. Hizo arreglos para que llevaran su cama a la exposición y con el dolor calmado por analgésicos llegó más tarde en una ambulancia. El dolor en su pierna derecha era ahora intolerable y en Agosto de 1953 tuvieron que amputársela por debajo de la rodilla. Le construyeron una pierna artificial que le permitía caminar, pero la operación la sumió en un estado de depresión profunda. Cinco meses más tarde, se las arreglaba para caminar distancias cortas con la pierna artificial e incluso apareció unas pocas veces en público. Su estado de ánimo cambiaba desde la euforia hasta los más negros pensamientos de suicidio. La última aparición pública de Frida fue el 2 de Julio de 1954, cuando participó en una demostración para protestar el derrocamiento del gobierno democrático del presidente de Guatemala Jacobo Arbenz por parte de la CIA. Gravemente enferma con una neumonía, Frida Kahlo falleció durante la noche del 12 al 13 de Julio de 1954, siete días después de su 47 cumpleaños. La causa del fallecimiento fue embolia pulmonaria, aunque los pensamientos suicidas expresados en su diario hicieron pensar a algunas personas que quizás se suicidó. En la tarde del 13 de Julio, su ataúd se coloco en el vestíbulo de entrada del Palacio de Bellas Artes velado por una guardia de honor. Rivera dio permiso para envolver el ataúd con una bandera roja estampada con la hoz y el martillo. Este acto causó mucha controversia, y el antiguo compañero de colegio de Frida, Andrés Duarte, se vio obligado a dimitir de su posición como director del Instituto Nacional de Bellas Artes. La guardia de honor se mantuvo un día y una noche. En la tarde del 14 de Julio, mas de 600 personas habían pasado por el Palacio de Bellas Artes para presentar sus últimos respetos. Seguido por una procesión de 500 personas, el ataúd se llevo por las calles hasta el crematorio. Allí, después de una ultima ceremonia de despedida. Frida fue incinerada de acuerdo con el deseo expresado antes de morir. Sus cenizas se hallan hoy en un jarrón pre-columbino en la casa que Frida compartió con Rivera. Un año después de su muerte, Rivera cedió la casa al gobierno mexicano para convertirla en un museo. Diego Rivera murió en 1957 y a su muerte cedió todos los derechos de su obra así como los de Frida Kahlo a la nación de México. El 12 de Julio de 1958, la Casa Azul se abrió oficialmente como el "Museo Frida Kahlo". Obras Autorretrato con vestido de Terciopelo 1926 Autorretrato con Vestido Rojo y Dorado 1941 Autorretrato dedicado al Dr. Eloesser y a sus hijas 1940 Autorretrato 1940 Autorretrato con el pelo suelto 1947 Diego en mi pensamiento (Frida de Tehuana) 1943 Las dos fridas 1939 Yo y mis pericos 1941 Self-Portrait wiht Braid 1941 Self-Portrait 1930 Self-Portrait 1938 La columna rota 1944 Autorretrato 1946 Autorretrato con un Retrato de Diego en el pecho y María entre las cejas 1953-1954 Self-Portrait on the Bordeline Between Mexico and the United Stastes 1932 Bodegón 1942 Flower of Life 1943 Sin esperanza 1945 The Dream 1940 El suicidio de Dorothy Hale Conclusión Una mañana lluviosa en Coyoacán, México, Frida Kahlo nació en la casa que su padre construyó unos pocos años antes. Su relación con su padre era muy cálida y cercana, pero en contraste, su relación con su madre era muy fría y distante y permaneció así a lo largo de sus vidas. A la edad de 18, Frida estuvo envuelta en un terrible accidente de autobús que cambió su vida para siempre. A la edad de 22 años se casó con un hombre con tendencia a la infidelidad, 21 años mayor que ella. Su turbulenta relación sobrevivió a través de los buenos tiempos, malos tiempos, a través de divorcio y una segunda boda. Infidelidades, vida en común y a veces separados. Como resultado del accidente de autobús y tres abortos, Frida no tuvo hijos y a menudo se volcó en sus muñecas y sus mascotas para consolarse durante tiempos de desesperación y soledad. Fumó, bebió, a menudo usaba lenguaje vulgar en fiestas para escandalizar a sus amigos y no le importaba el distorsionar la verdad para embellecer algunas de las historias que contaba. Ella pintó su propia realidad, dijo, y viajó por el mundo para mostrar y algunas veces escandalizar al mundo del arte con sus trabajos creativos. A veces vivió en dos mundos diferentes y se hallaba divida entre su amor por Diego y su amor por su nativo México. Era políticamente activa pero no siempre "políticamente correcta" y al final de su vida dedicó sus pinturas a sus convicciones políticas. Sufrió mas de 30 operaciones a lo largo de su vida que la dejaron con cicatrices físicas y mentales. A pesar de los años de dolor y sufrimiento, continuó haciendo lo que le gustaba hacer…pintar. Una vez, mientras estaba hospitalizada dijo "Cuando salga de aquí, hay tres cosas que quiero hacer…pintar, pintar y pintar".Y eso es lo que hizo. Aunque más de una vez consideró la idea del suicidio, fue su amor por Diego y su pasión por la pintura lo que la mantuvo viva. Al final, fueron los narcóticos que tomaba para sobrevivir los que mataron su habilidad de pintar. Una noche lluviosa en Coyoacán, México, Frida Kahlo falleció en la casa donde nació 47 años antes. Fue una vida extraordinaria para una mujer extraordinaria. Aunque Frida se ha ido, su legado vive en más de 200 cuadros, dibujos y esbozos que dejó detrás suyo. No podemos ver sus pinturas solo como autorretratos o naturalezas muertas, sino que hay que buscar el autentico significado y emociones escondidos detrás de la pintura… By @veroborges

Sinfonía N°9 La Sinfonía n.º 9 Op. 125 en re menor es la última sinfonía completa del compositor alemán Ludwig van Beethoven. Es una de las obras más trascendentales, importantes y popular en toda la música clásica, y también de toda la música y del arte. Su último movimiento es un final coral sorprendentemente inusual en su época que se ha convertido en símbolo de la libertad. Precisamente, una adaptación de la sinfonía, realizada por Herbert von Karajan es, desde 1972, el himno de la Unión Europea (UE). También destaca por ser la única composición musical de la historia declarada patrimonio de la humanidad por la Unesco. En 1817 la sociedad filarmónica de Londres encargó la composición de la sinfonía. Beethoven comenzó a componerla en 1818 y finalizó su composición a principios de 1824. Sin embargo, tanto la parte coral como las notas de la sinfonía disponen de fuentes para datarlas en un momento temprano en la carrera de Beethoven. Composición: En 1817 la sociedad filarmónica de Londres encargó la composición de la sinfonía. Beethoven comenzó a componerla en 1818 y finalizó su composición a principios de 1824. Sin embargo, tanto la parte coral como las notas de la sinfonía disponen de fuentes para datarlas en un momento temprano en la carrera de Beethoven. El poema de Friedrich Schiller An die Freude (noviembre 1785), traducido como A la Alegría, y conocido como Oda a la alegría que Schiller publicó en 1786 en la primera versión y 1808 postumo en la versión definitiva (classica), provocó en Beethoven la intención de musicalizarlo ya desde 1793 cuando tenía 22 años. La introducción a la parte vocal de la sinfonía provocó varios problemas a Beethoven. Sobre esto el amigo de y biógrafo de Beethoven Anton Schindler escribió: Cuando empezó a componer el cuarto movimiento la lucha comenzó como nunca antes. El objetivo fue encontrar un modo correcto de introducir la oda de Schiller. Un día Beethoven entró a un cuarto y gritó:'¡Lo tengo, ya lo tengo!', entonces me mostró el cuadernillo con las palabras Déjenos cantar la oda del inmortal Schiller Sin embargo, Beethoven nunca mantuvo esta versión, siguió reescribiendo hasta llegar a la forma final, con las palabras: "O Freunde, nicht diese Töne". El movimiento cultural Sturm und Drang (tempestad y emoción), en las décadas finales de siglo supone la disolución de las formas cortesanas acentuando la libertad y el sentimiento y rechazando el racionalismo riguroso, anticipa lo que será el romanticismo. Beethoven encarna el tránsito del estilo clásico al estilo romántico rompiendo el esquema cerrado de las formas musicales para adaptarlas a esta incipiente libertad individual. Es el primer músico que vive de lo que vende componiendo, algo que ya intentó Mozart mas no lo consiguió por su temprana muerte, creando un precedente en el oficio de compositor, despegándose del mecenazgo al que están sometidos otros músicos como Haydn. Estreno: Beethoven estaba ansioso por estrenar su trabajo en Berlin tan pronto como fuera posible luego de terminarlo, dado que pensó que el gusto musical en Viena estaba dominado por compositores italianos como Rossini. Cuando sus amigos y financistas oyeron eso, le motivaron a estrenar la sinfonía en la misma Viena. Teatro de la Corte Imperial (Kärntnertortheater), Viena.El estreno de la novena sinfonía fue diez años después de la Octava, el 7 de mayo de 1824 en el Kärntnertortheater de Viena, junto con la obertura de Die Weihe des Hauses y los tres primeras partes de la Missa Solemnis. Esta fue la primera aparición en escena de Beethoven después de doce años; la sala estuvo llena. Nadie quiso perderse el estreno de la sinfonía y de la que se presumía sería la última aparición pública del genio alemán, y efectivamente así fue: en los tres años siguientes, se recluyó en casa aquejado de diversas enfermedades que lo postraron hasta su muerte. Las partes de soprano y alto fueron interpretadas por las jóvenes y famosas: Henriette Sontag y Caroline Unger. Aunque la interpretación fue oficialmente dirigida por Michael Umlauf, maestro de capilla, él y Beethoven compartieron el escenario. El público terminó encantado, ovacionando a los músicos. Sin embargo la actuación del 23 de mayo en la sala de la fortaleza no tuvo gran asistencia. Instrumentación: La sinfonía consta de los siguentes instrumentos. Viento Piccolo (sólo en el cuarto movimiento) 2 Flautas 2 Oboes 2 Clarinetes en La, Si bemol y Do 2 Fagotes Contrafagot (sólo en el cuarto movimiento) Metales 2 Trompas (1 y 2) en Re y Si bemol 2 Trompas (3 y 4) en Si bemol (bajo), Si bemol y Mi bemol 2 Trompetas en Re y Si bemol 3 Trombones (alto, tenor, y bajo, sólo segundo y cuarto movimientos) Percusión Tímpano Bombo (sólo en el cuarto movimiento) Triángulo (sólo en el cuarto movimiento) Platillos (sólo en el cuarto movimiento) Voces Soprano solo (sólo en el cuarto movimiento) Alto solo (sólo en el cuarto movimiento) Tenor solo (sólo en el cuarto movimiento) Barítono solo (sólo en el cuarto movimiento) Coro Cuerdas Violines I, II Violas Chelos Contrabajo Forma: La sinfonía posee cuatro movimientos: 1. Allegro ma non troppo, un poco maestoso 2. Scherzo: Molto vivace - Presto 3. Adagio molto e cantabile - Andante Moderato - Tempo Primo - Andante Moderato - Adagio - Lo Stesso Tempo 4. Recitativo: (Presto – Allegro ma non troppo – Vivace – Adagio cantabile – Allegro assai – Presto: O Freunde) – Allegro assai: Freude, schöner Götterfunken – Alla marcia – Allegro assai vivace: Froh, wie seine Sonnen – Andante maestoso: Seid umschlungen, Millionen! – Adagio ma non troppo, ma divoto: Ihr, stürzt nieder – Allegro energico, sempre ben marcato: (Freude, schöner Götterfunken – Seid umschlungen, Millionen!) – Allegro ma non tanto: Freude, Tochter aus Elysium! – Prestissimo, Maesteoso, Prestissimo: Seid umschlungen, Millionen! Textura, ritmo, melodía y armonía del último movimiento La textura es muy diversa. Sorprende el solo de bajo a modo de recitativo apenas sin acompañamiento instrumental. El tema primero es presentado como melodía acompañada también por el bajo. Al intervenir el coro, generalmente lo hace de manera homofónica. Constituye una grandiosa arquitectura musical con diversas texturas que van desde el recitativo a la doble fuga pasando por solistas, coro, etc. La letra, en alemán, está muy bien acompasada con la música, utilizando los unísonos del coro y metales para enfatizar un mensaje. Dentro del movimiento hay diversos ritmos. Binarios y ternarios. La melodía sigue teniendo unas proporciones clásicas de 8 compases. La armonía es tonal pero ya muy desarrollada acercándose al romanticismo. Los matices de intensidad quedan repartidos en el largo movimiento, desde el pianíssimo al fortísimo pasando por las intensidades intermedias. Sin embargo predominan los fortes, expresando con vehemencia el texto en los coros. Predomina el tempo allegro. Sólo hay un adagio y un andante y sin embargo hay varios presto y un prestísimo al final. Descripción: Género instrumental y sinfónico. Sin embargo se le llama “Coral” por la presencia del coro en la sinfonía. Se podría considerar como música programática el último movimiento, porque tiene como hilo conductor un programa literario basado en la versión definitiva de la “Oda a la Alegría” de Friedrich Schiller, admirada por Beethoven y a la que pensó poner música ya en 1793. La Novena Sinfonía empieza de forma poderosa, con un tema principal que transcurre en escalas y variaciones trepidantes, con incisos más adelante para los momentos líricos, nuevamente interrumpidos por la intensidad titánica de la composición. El volumen de la sinfonía es brutal para la época. El segundo movimiento es calificado por algunos cronistas como “el infierno en llamas”, por su contundencia y velocidad, suavizado majestuosamente en la recapitulación. El tercer movimiento, aunque sosegado, conduce firmemente a lo que será el cuarto movimiento, que contiene una melodía fácilmente reconocible y mundialmente famosa y original de Beethoven. El movimiento comienza con breves recapitulaciones de los movimientos anteriores, a los cuales los violonchelos contestan con comentarios inicialmente pensados para la voz humana. Finalmente, el bajo irrumpe con un llamada "Amigos no en esos tonos..." tras lo cual la melodía basada en la oda es tocada, primero por la orquesta, y luego por el coro. Los violonchelos, las flautas y los oboes crean el clima y las voces masculinas y femeninas se alternan declamando la “Oda a la Alegría” de Schiller (de ahí lo de “Coral”), arropadas por el todo orquestal. La sinfonía avanza y se eleva sobre sí misma, mientras los coros llegan a niveles atronadores. Una doble fuga da el contrapunto pausado que lleva al veloz y prolongado cántico final, un desenlace de sinfonía único. Beethoven quería impresionar a sus oyentes y subrayar sus propósitos de fraternidad universal, y lo logró con este movimiento. La popularidad y belleza del tema de la alegría en este movimiento ha hecho olvidar los otros tres de una belleza y singularidad excepcionales, constituyendo un todo hermoso y coherente los cuatro movimientos link: http://www.youtube.com/watch?v=u2NmPVg_2qM Descarga Tracklist: 01. Allegro Ma Non Troppo - Un Poco Maestoso 02. Molto Vivace - Presto - Molto Vivace 03. Adagio Molto E Cantabile - Andante Moderato 04. Presto 05. Allegro Assai 06. Allegro Assai Vivace - Alla Marcia 07. Andante Maestoso - Allegro Energico - Pestissimo Espero que les guste, besos, y hasta la próxima!