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Mazinger Z (マジンガーZ, majingā zetto?) es un manga y anime del dibujante japonés Go Nagai. Como en muchos otros casos, empezó siendo un manga para posteriormente trasladarse a la televisión. Es uno de los precursores del género Mecha (se pronuncia "meca&quot de robots gigantes y manipulados por seres humanos. El manga se publicó en la revista semanal Shōnen Jump entre el #42 de 1972 y el #35 de 1973, antes de publicarse en tomos separados. En Japón fue un éxito. En Latinoamérica y Europa la serie gozó de gran popularidad, (a pesar de que no se emitieron todos los episodios y los que fueron emitidos no llevaban el orden correlativo)[cita requerida]. A Estados Unidos llegó en el año 1985 con el nombre de Tranzor Z. En su origen, mazinger (o majinga), como término japonés, significa "dios/demonio", lo cuál presume la afirmación de que una máquina creada puede usarse para el bien o para el mal en manos humanas y que expone de alguna forma que todo avance técnico no es bueno ni malo, sino que simplemente depende de quien lo maneje. Contenido Argumento y desarrollo de la serie El Doctor Infierno (en España ó Doctor Hell en Latinoamérica) y el Doctor Kabuto, en medio de una expedición arqueológica, encuentran en la Isla de Rodas restos de una gran civilización, capaz de construir robots gigantes con antiguas tecnologías enterradas después del azote de un terremoto en el Mar Egeo. El Dr. Hell cree que con robots de ese tipo podrá gobernar al mundo, y movido por su ambición de poder trata de convencer al Dr. Kabuto para que se una a él y juntos dominar el Mundo. El Dr. Kabuto no esta de acuerdo y se convierte en enemigo mortal de su ex-colega. Entonces, el Dr. Hell mata a todos los miembros de la expedición con ayuda de los mismas máquinas-robot lanzando fuego vivo de sus bocas, máquinas halladas en la isla, quemando vivos a todos los presentes mediante un control secretamente implantado en las máquinas robot durante su reconstrucción en la expedición, máquinas que defendieron siglos atrás a la extinta civilización Mikene (o Micenas) de los invasores de dicha civilización, pero afortunadamente el Dr. Kabuto cerca de la muerte, logra escapar y encuentra en la falda del monte Fujiyama un nuevo material, Japanium, que se supone es un nuevo elemento metálico de alta resistencia que soporta temperaturas de hasta 6000° C de punto de fusión, creando con el la aleación Z; con la cual construye al robot Mazinger Z, que utilizará para detener los planes del Dr. Hell. El Baron Ashler (Barón Ashura en Japón), aliado del Dr. Hell, asesina al Dr. Kabuto, pero antes de morir consigue contar a su nieto Koji Kabuto los malvados planes de Hell, y le da a conocer a Mazinger Z. Es en este momento cuando Juzo Kabuto le cede la responsabilidad de manejar al robot, pero el joven Koji jamás había manejado máquina parecida, ante lo cuál las últimas palabras del Dr. Kabuto le indican que: "Con Mazinger te puedes convertir en un dios o en un demonio...", ante lo cuál Koji medita un poco en cuanto al uso que le pudiera dar a la nueva máquina y estuvo tentado en utilizarlo para beneficio, idea que inmediatamente abandonaría por el dolor que en ese momento sintió al escuchar del Dr. Kabuto que había sido asesinado por el Dr. Hell, según las propias palabras del moribundo Dr. Kabuto. En lo sucesivo, el doctor Infierno acechará constantemente con sus creaciones a la humanidad, pero ahí estará siempre Mazinger Z para enfrentarse a sus planes, cual caballero de la Edad Media. A pesar de que el Dr. Hell fue un científico destacado, los conocimientos que poseía no se igualaban al de su colega japonés. De hecho, en la mitad de la serie se auxilió de un destacado Ingeniero en robótica de la misma nacionalidad que él, el alemán Dr. Hein Henrik, al cuál revivió como un cyborg. Tan notable fue este ingeniero alemán que, ante su soledad, el Dr. Hein Henrik creó una niña cyborg con sentimientos humanos a la que criaría como su propia hija, la misma que tendría un destino cruel en la serie. Nuevos robots y nuevas armas salen de las fábricas ocultas y secretas del doctor Hell, lo que supone un reto de actualización continua en tecnología para el Dr. Yumi, asistente del Dr. Kabuto, que atiende y supervisa la ingeniería de Mazinger Z auxiliándose varias veces de Ingenieros en robótica de los Estados Unidos. El Dr. Yumi también construyó un robot de nombre Afrodita A, que era pilotado por su hija, Sayaka Yumi. Aunque no fue destinado en principio como arma de combate, posteriormente fue adaptado técnicamente como arma de defensa. A la par de la secuencia de la serie, surge un amor ambiguo entre Koji Kabuto y Sayaka. Desgarrado continuamente por las fechorías del doctor Infierno y la ira de venganza que Koji Kabuto siente por dentro, así como las personalidades de ambos (Koji es orgulloso y machista, y Sayaka es celosa y de carácter fuerte), parece que ese amor nunca se concreta. Entre otras particularidades e innovaciones en la propuesta de Go Nagai con su Mazinger Z, destacan que para la época personajes femeninos eran casi nulos en protagonismo en la mayoría del anime y caricaturas de aquel tiempo. Aquí en particular, hacia el año de su estreno, la mujer a nivel mundial apenas comenzaba a tener un papel distinto al de la mujer sumisa por el machismo. A pesar de que Koji era machista, Sayaka Yumi sobrasalía como símbolo de la "liberación femenina" de la época, dando en 1972 en esta serie casi por primera vez un papel protagonista a la mujer como género y demostrando que la mujer como tal tiene capacidades iguales a las del género masculino. Esto refleja un tanto la personalidad de Go Nagai caracterizada por enaltecer el género femenino y dar a personajes como Sayaka el papel de protagonista. Tan sólo basta el ejemplo de mencionar un robot que en el mismo año lanza llamado Cutey Honey ó Cutie Honey, un hermoso cyborg femenino, cosa muy rara en la época. También está presente el humor entre otros simpáticos personajes, compañeros y amigos de Koji y Sayaka. Tal cuál como una guerra real en la que la evolución de los artefactos robóticos va marcando el guión a lo largo de la serie, Mazinger Z refleja la secuencia del desarrollo técnico de ambos bandos con armas bélicas cada vez más innovadoras, como el planeador Pilder, que originalmente se llamó Hover Pilder y cuando fue destruido cambiaron a uno más moderno basado en los aviones militares de Estados Unidos que hacen la función de helicóptero y avión a la vez. El nuevo Hover Pilder de turbinas y con mayor armamento al que llamaron Jet Pilder hizo su aparición cuando el Dr. Hell se apoyó en la tecnología de robot de los Mikenes. Estas máquinas se acoplan en la cabeza de Mazinger Z como control principal del robot. El "Jet Scrander" era un artefacto con alas que le permie volar, o incluso la capacidad de poder sumergirse en el agua, ya que al principio no podía hacerlo. Además aparecen otros robots como el de Sayaka, "Afrodita-A", que ayuda a Mazinger Z cuando éste se encuentra en apuros, o como el Robot de Boss, un destartalado robot que construyen los científicos del laboratorio para él y sus compañeros como respuesta cómica y emocional al heroísmo inexistente en sus vidas comparadas con la de su compañero Koji. Armas de Mazinger Z El robot posee un repertorio armamentístico para aumentar su potencial en el combate frente a los monstruos mecánicos. El armamento ha ido variando y ampliándose a lo largo de la serie. * Rayos láser disparados a través de sus ojos. * Rayos congelantes de sus antenas (usados en raras ocasiones) * Huracanes o Vientos Huracanados. Arma clave del robot, viento huracanado que se dispara desde sus fauces enrejadas de gran poder aniquilador. Emplea de modo destructivo la energía fotónica descubierta por el profesor Kabuto, la misma que permitió la construcción del robot y del Centro de Investigaciones Fotónicas que lo alberga. * Rayos Fotónicos, o Calor Nuclear (Breast of Fire o Fuego de Pecho): las características aletas rojas del pecho del robot emiten rayos caloríficos capaces de derretir prácticamente cualquier metal. Esta constituía un arma definitiva prácticamente contra cualquier bruto mecánico. * Proyectiles o Puños Atómicos. Los antebrazos del robot salen disparados con gran potencia, golpeando el objetivo y volviendo automáticamente a su posición original. El patrón de vuelo de los puños ha sufrido variantes, el Mazinger podía girar los brazos y los disparaba con más fuerza. El grito de Koji al disparar este arma, "¡Proyectiles o Puños atómicos!(o ¡¡¡Puños fuera!!! en la serie original en españa)" es la consigna más recordada de toda la serie, y ha quedado incorporada a la cultura popular. * Cohetes taladro o Proyectiles de Taladro, que eran minicohetes que salían del antebrazo de Mazinger capaces de perforar metal debido a que en su lanzamiento eran capaces de girar y perforar cual taladro. * Cortador de Hierro o de Acero: cuchillas de Aleación Z que salían a cada lado de los puños de Mazinger. Fueron inventados por el Dr. Mori Mori. La primera vez que los usó fue para destruir al gigantesco robot Titan G9, un enorme monstruo mecánico capaz de aplastar ciudades a cada paso. * Proyectiles o misiles digitales que salían de las falanges de sus dedos: únicamente los utilizó en un episodio (Dayan el Brazo de Hierro). * Proyectil: que salía del abdomen de Mazinger, y que debido a su tamaño eran comparables a una bomba nuclear. * La propia potencia del robot podía bastar para enfrentarse en lucha cuerpo a cuerpo con otro robot enemigo. El Scrander también era otra arma, ya que sus alas estaban afiladas y podían cortar metal y de ellas podían separarse las "Espuelas de Plata", también llamadas "cuchillas de la cruz del sur", especie de cuchillas en forma de estrella tipo Shuriken. Por otra parte, la evolución en los robots del doctor Hell también es notable. En cada capítulo ve la luz un nuevo robot, con capacidades extraordinarias, pero que siempre adolece de un punto débil que aprovecha Mazinger Z. Igualmente, el guión se ve reforzado por los cabecillas de mando del doctor Hell, el "Barón Ashler" (O Ashura), que es hermafrodita desde una simetría bilateral del cuerpo y, capítulos más tarde, el Conde Brocken (Conde Decapitado en México) cuyo personaje muestra como característica tener la cabeza separada del tronco, y llevarla habitualmente como un casco bajo el brazo. Posteriormente se integró el Vizconde Pigman, una especie de indígena amazónico resultado de la combinación de un hombre corpulento y un pigmeo, y que además tiene poderes místicos. Los tres se esfuerzan en sus cometidos y padecen la ira del doctor Infierno cuando fracasan, aunque, como es lógico, por la continuación de la serie consiguen el perdón a cambio de una nueva oportunidad para la victoria deseada por el malvado doctor. En el penúltimo capítulo, Mazinger Z mata al doctor Hell. Lamentablemente eso no sería todo porque un secuaz de éste que era mitad gladiador y mitad tigre, el Duque Gorgón, se une a otro maléfico líder. En el último capítulo el nuevo personaje envía dos robots muy poderosos para destruir a Mazinger... y lo logran, pero en ese momento aparece el padre de Koji (que siempre se creyó muerto), el Dr. Kenzo Kabuto, enviando en su ayuda su creación: Gran Mazinger, un robot más moderno y poderoso que no tiene problemas en acabar con los monstruos mecánicos. Así termina el capítulo 92 de esta serie. Orígenes De su serie de trabajos de manga, Nagai revela que su inspiración nació de niño, por su amor a las series animadas: Tetsuwan Atomu (Astroboy) y Tetsujin-28 Go (Gigantor), (Ironman 28 en México), y deseó hacer su propia serie de robots animada. Sin embargo, invirtió mucho tiempo en producir un concepto, que no pudo satisfacerlo, y que tomaba prestado mucho de esas dos series. Un día, Nagai observó un atasco de tráfico y se le ocurrió que de seguro sería fantástico para los conductores una manera para pasar por encima de los que estaban al frente. De este pensamiento vino su última inspiración: un robot gigante que podría ser controlado desde su interior, como si fuera un automóvil. En sus conceptos originales, el título para la serie era Energer Z, que era controlado por una motocicleta que accedía por la parte posterior de su cabeza (una idea que fue reciclada para la robot Diana A). No obstante, por el renombre repentino del “jinete de Kamen”, Nagai substituyó la motocicleta con un aerodeslizador. Él reajustó más tarde el título de la serie Energer Z, re-titulándola Mazinger Z para evocar la imagen de un dios – demonio (mA, 魔, significando demonio y Jin, 神, significando dios). Asimismo el adorno de la base de acople del Pilder de la cabeza de Mazinger Z lo toma prestado también de la serie de manga Nagai, el caballero del demonio de Dante (el prototipo para su más popular Devilman), en quien el demonio gigante tiene una cabeza humana (de Ryo Utsugi, el hombre joven que se combinó con él) en su frente. Es interesante que Koji Kabuto toma su apellido (la palabra japonesa para un casco) del hecho de que él controla Mazinger Z desde su cabeza. Serie televisiva El guión de la serie fue escrito por Susumu Takahisa y Keisuke Fujikawa, los directores fueron Yugo Serikawa, Tomoharu Katsumata, Nobuo Onuki y Bonjin Nagaki. El diseño de los caracteres estuvo a cargo de Yoshiyuki Hane y la música de fondo fue compuesta por Michiyaki Watanabe y Shunsuke Kikuchi para algunos fragmentos de la banda sonora. Hay varias continuaciones animadas, como Gran Mazinger (1974) y Mazinkaiser (2001), ésta última no basada en el manga ni cronológicamente hablando, pero contó con la colaboración de Go Nagai. Además, el protagonista Kōji Kabuto aparece en otras series del mismo autor como UFO Robo Grendizer. En esta última serie la música fue por completo de Shunsuke Kikuchi, en la que ya implanta su estilo musical particular que recuerda mucho a otra serie que también musicalizó, Dragon Ball Z . Personajes de la serie Nota: Los nombres en caracteres japoneses vienen en el orden apellido-nombre que se usa en Japón. * Kōji Kabuto (兜 甲児), protagonista y piloto de Mazinger Z. Koji es un huérfano, su padres murieron en un experimento y quedó bajo la tutela de su abuelo Juzo Kabuto, estudiante de secundaria, es como cualquier otro chico que deberá afrontar el destino de manejar al Dios-Demonio Mazinger sea para bien o para mal del género humano, aquí netamente, Go Nagai expone una teoría de que las máquinas y cualquier otro invento tecnológico puede ser usado para el bien o para la maldad dependiendo en que manos caiga. * Shirō Kabuto (兜 シロー), hermano menor de Koji. * Profesor Juzo Kabuto (兜十蔵博士), abuelo de Koji e inventor de Mazinger Z. * Sayaka Yumi (弓 さやか), la joven y bella hija del Profesor Yumi, es el interés amoroso de Koji, coprotagonista y piloto del robot femenino Afrodita A. * Profesor Gennosuke Yumi (弓 弦之介), científico colaborador de Juzo Kabuto y padre de Sayaka Yumi. * Profesores Morimori (もりもり博士), Sewashi (せわし博士) y Nossori (のっそり博士), un trío de científicos que trabajan junto al Prof. Yumi, reparando y mejorando a Mazinger Z y Afrodita A cuando es necesario. Muere victima de un atentado perpetrado por el Conde Brocken en la recta final de la serie. * Boss (ボス), el jefe de una banda de motoristas, que incluye a sus secuaces Mucha (ムチャ) y Nuke (ヌケ); ellos proveen el tono cómico a la serie. Aunque tontos y torpes, y en un principio en conflicto con Koji (ya que Boss está enamorado de Sayaka), se convierten en aliados de los héroes. Más adelante en la serie Boss pilota un robot construido de chatarra llamado como él, Robot Boss. * Doctor Infierno (ドクター・ヘル, Doctor Hell) es el científico loco que trata de ser el amo y señor del mundo, aterrorizando a la humanidad con sus enormes brutos mecánicos/mounstros mecánicos/bestias mecánicas. Muere junto al Conde Brocken en el penúltimo capítulo de la serie. * Barón Ashura o Barón Ashler (アシュラ男爵), el hermafrodita (mitad hombre, mitad mujer) lugarteniente del Dr. Infierno, quien trata por todos los medios de destruir a Mazinger y ayudar al Dr. Infierno a conquistar el mundo, según el manga original, éste cyborg fue la unión de dos antiguas momias emperadoras Mikenes, los cadáveres fueron partidos a la mitad y la mitades de un hombre y una mujer se unieron dotándole de cierta vida orgánica inexplicable por el Dr. Infierno. Fallece en el capítulo 78 tras estrellar su fortaleza submarina contra Mazinger Z en un ataque suicida. * Conde Brocken o Conde Decapitado (ブロツケン伯爵, Count Brocken), un antiguo oficial alemán resucitado en un cyborg, que tiene su cabeza separada del cuerpo, y actúa como rival del Barón Ashler, tratando de destruir a Mazinger por su cuenta para ganar el favor del Dr. Hell/Infierno, a diferencia de Ashler, en la serie se aprecia por completo que se trata de un cyborg con algunas partes orgánicas. Muere junto al Doctor Infierno cuando su fortaleza volante explota tras un combate cuerpo a cuerpo con Mazinger Z. * El Vizconde Pigman (ピグマン子爵), otro extraño secuaz del Dr. Infierno, que utiliza magia negra. Se trata de un pigmeo de cuya cintura se desprende el cuerpo de un guerrero corpulento. Muere en el capitulo 87 tras haber desobedecido órdenes directas del Doctor Infierno y haber intentado tomar el instituto por su cuenta. * El Duque Gorgón (ゴーゴン大公), un antiguo y misterioso aliado del Dr. Infierno, es un híbrido (mitad centurión romano y mitad tigre) a quien más adelante en la serie le provee unas bestias mecánicas muy poderosas para combatir a Mazinger, en principio, Gorgon, actuó como fuerza de avance de una vieja raza oculta bajo tierra llamada Mikenes que desean salir a recuperar su territorio después del terrible terremoto que sufrió su civilización siglos atrás siendo confinados subterráneamente donde desarrollaron tecnología para escudar sus frágiles cuerpos dando origen a monstruos poderosos. * Ricoh ó Kozinger, ayudante e impostor del ayudante del estadounidense Dr. Bernard que desarrolló para Japón las alas de Mazinger, el JetScrander, éste soldado infiltrado en el laboratorio de investigaciones fotónicas tenía la capacidad de lanzar rayos de sus ojos para incinerar a seres humanos de un solo disparo. Aparece en el capitulo 33 "El Ataque Aéreo del Monstruo Volador Baras K-9". Aunque no se muestra claramente, todo hace suponer que muere durante el bombardeo al Instituto perpetrado por la bestia "Genocider F9" en el capítulo "Batalla en el cielo centellante". * Asuma Kasuma, este aparece solo en un capítulo y era el enamorado de Sayaka quien muere para salvarla del baron Ashler. Mazinger Z alrededor del mundo Europa Desde Japón y la mayoría de los países en el Lejano Oriente, Mazinger encontró audiencia en muchas partes del mundo, y ha sido traducido en muchos idiomas. En Europa, Mazinger fue televisado en España e Italia, en éste último país se creó un opening propio con músicos locales, con un éxito asombroso. Extrañamente, no fue mostrado en Francia hasta a finales de los '80, por ello, fue hecha una versión en el francés junto con el tema de entrada regrabado en francés y fue percibido como una imitación de Grendizer, aun cuando este era el original. La inconsistencia en la distribución de las series de Mazinger fuera de Japón condujo a una confusión similar en otros mercados de Occidente. América y Asia Mazinger Z también fue mostrado en países de Latinoamérica (con un doblaje del español hecho en México hecho en su parcialidad) y sin corregir (La versión Española fue editada a 30 episodios), además de otra versión en español que se presume de origen venezolano o cubano, en la cual los personajes conservan la misma voz hasta "Gran Mazinger" (Investigaciones posteriores indican que probablemente el doblaje de dicha versión fue hecho por actores cubanos, que por aquellos años hacían excelentes doblajes de animes japoneses, y se dice que fueron contratados en Venezuela para poner sus voces en dicha serie). El Show ha mantenido una gran admiración desde sus inicios. Entonces, en 1985, el show salió al aire en los Estados Unidos con el título de Tranzor Z. Poco semejante a como había sido llevado el show de Manzinger, Tranzor Z fue excesivamente editado y acortado a 65 episodios, la producción estuvo dirigida por Bunker Jenkins, supervisada por Jim Hodson, y quien creó la música para Tranzor Z fue el compositor Doug Lackey, misma música que fue producida y almecenada por Three Bee Music para Warner Bros. en Los Ángeles, California, con el storyline cambiado además de cambiar los nombres de la mayoría de los personajes. La reescritura y la re-edición del show para la audiencia de los Estados Unidos fue hecha porque el contenido del show era supuestamente muy violento, y no estaba permitido (y aun sigue sin serlo) en un show que está dirigido mayoritariamente a niños y adolescentes. El contenido en la serie original fue, de hecho, altamente explícito y gráfico en términos de violencia, muchas veces mostrando (junto con las obvias batallas de robots gigantes) violentas muertes de personajes de fondo, gente corriendo y gritando mientras ciudades japonesas como Tokyo y Yokohama son destruidas y aplastadas por maquinas bestia y espantosas escenas de accidentes (una escena muestra un avión comercial lleno de gente volando a través de una nube, para luego chocar contra una gigantesca fortaleza de aire "Gore" construida por los "chicos malos", matando a todos los pasajeros), escenas blasfémicas cuando Koji reniega la existencia de Dios al morir Elica un Cyborg, o Koji crucificado tres veces a la manera de un Cristo (también Mazinger y Gran Mazinger son crucificados en sus respectivas series), alusiones de índole sexual como el capítulo en que se semidesnudan Elica y Koji después de una fuerte tormenta en una montaña, también de "rebeldía" en cuanto a Sayaka, protagonista femenina, una mujer ruda en sus modales y atrevimientos que para la época causaban crispación debido a que iba en contra de la moral de la mujer sumisa, éste y otros contenidos fueron considerados violentos u obcenos para un show que debía ser considerado como "caricatura para niños". Sin embargo, muchos fans de anime argumentan que la edición de las series ocasionan un bajo raiting durante su restricción en los Estados Unidos. Alternativamente, hubo otro doblaje del inglés del show que estaba más apegado a la versión japonesa original; con la excepción de tener los mismos nombres de todos los personajes, el título del show y aun una versión en inglés de la canción original japonesa. No se tiene claro cuantos episodios se les dio este doblaje, o quien fue el que los produjo (Aunque fue probablemente antes de la versión de Tranzor Z). Este doblaje más preciso fue producido en Hawaii, ese doblaje en inglés fue dejado la interpretación original en inglés del cantante japonés Isao Sasaki que fue quien la versionó en inglés (la otra versión del tema sería también versionada por el cantante que la cantó en japonés Ichiro Mizuki años más tarde en el CD llamado "The legends of Mazinger&quot hecho, el doblaje por la compañía M.&M. Communications Inc. subsidaria de MK Company en los estudios de Commercial recording de Honolulu, en Hawaii, (parte de Estados Unidos), aunque no sería el único doblaje en Estados Unidos que se hiciera, basta agregar que de los doblajes en Estados Unidos al doblaje al español serian hechos por Cadicy International (hoy, First Line Productions) y de Audiomaster (una extinta empresa mexicana de Televisa). Los doblajes de Hawaii fueron después puestos al aire en las Filipinas, donde el doblaje fue continuado por una transmisora local anteriormente a la cancelación del show por orden de Ferdinand Marcos. Medio Oriente En el doblaje Árabe, titulado "Mazinjer", fue hecho en un intento al efectivo en una manía de Super Robot creados en países de habla árabe por UFO Robot Grendizer. Aunque no lo hizo tan bien como Grendizer, sigue encontrando popularidad y ganando una gran cantidad de fanáticos en países de habla árabe, incluyendo Egipto. Sin embargo, solo los primeros 27 episodios fueron traducidos (Existe la posibilidad de que el doblaje árabe hayan sido de los 27 producidos en Hawaii). Resto del mundo Hoy está disponible en formato DVD, en Chile se editó un DVD el año 2006 por la empresa Las Últimas Noticias, el cual sólo constaba de un compendio de capítulos; sin embargo, la distribución oficial bajo licencia está a cargo de la productora SeriesTv.cl que en estos momentos está lanzando la serie completa Remasterizada a razón de 8 capítulos por semana junto al diario Las Últimas Noticias.[cita requerida] Robots de la serie * Mazinger Z es el robot protagonista, pilotado por Kōji Kabuto, y su arma principal son los rayos de calor (calor nuclear, o rayos fotónicos, rayos fotónicos, varía según el doblaje) que brotan de su pecho, su nombre real de dicha arma en la serie original es "Breast of Fire" (fuego de pecho). * Afrodita A es la robot femenina, pilotada por Sayaka Yumi, y al igual que esta con Kōji, es el amor platónico de Mazinger. Su arma principal son dos misiles pectorales. * Diana A es el segundo robot femenino, pilotada por Sayaka Yumi, y al igual que con Afrodita A, esta ayuda a Kōji, cuya principal arma es el rayo aurora y usa una moto que se conecta a la cabeza del robot al igual que el Pilder de Mazinger. * Robot Jefe / Boss robot es un robot construido a base de chatarra, fue desarrollado a petición de Boss, por los 3 profesores que siempre trabajan en el laboratorio. Representa la parte cómica del programa y frecuentemente rivaliza con Mazinger Z y con Gran Mazinger; por lo regular aparece en situaciones en las cuales Mazinger esta a punto de ser liquidado. * Minerva X es la robot femenina creada por Juzo Kabuto (abuelo de Koji) para ayudar a Mazinger Z pero fue robada por el Doctor Hell y modificada para pelear en contra de Mazinger Z pero tiene un dispositivo que hace que no actúe en contra de Mazinger Z sino solo ayudarlo, ese dispositivo computador se llamaba circuito-doble, circuito-par, o circuito-gemelo, según el doblaje que se trate, y era una computadora gemela que se coordinaba con la de Mazinger Z para que funcionaran como pareja, dicha computadora no pudo ser reprogramada por el Dr. Hell. * Gran Mazinger es el robot que aparece en el último capítulo de Mazinger Z, el número 92, y el que lo ayuda en la batalla final y evita la destrucción de Mazinger Z. Tiene más poderes y habilidades que Mazinger Z. * Monstruos Mecánicos/Brutos Mecánicos Estos robots eran en su mayoría autónomos (salvo dos de ellos que fueron controlados por el Baron Ashler y el Conde Decapitado respectivamente) y eran los enemigos de Mazinger Z en cada episodio. Estaban equipados con toda clase de armas. Algunos asemejaban animales, otros bestias mitológicas y algunos otros tenían forma humanoide, incluso hubo uno que rindió homenaje al Baron Ashler tras su muerte adoptando su fisionomía. (Sin casting de referencia) Se refiere a un doblaje existente de origen desconocido en donde para Koji Kabuto y Sayaka Yumi no cambian los actores ni voces en dichos personajes, con un doblaje completo y uniforme, es el mismo que aparece indicado en el listado de capítulos, hay que hacer hincapié también en que, son exactamente las mismas voces fueron utilizadas para su secuela Gran Mazinger, ambas que, no fueron dobladas por Audiomaster ni Cadicy. Por la calidad de la grabación permite suponer que fue realizada en años posteriores a los de Cadicy y Audiomaster.[cita requerida] Mezcla de doblajes (Versión de Cadicy International) La versión de la serie transmitida en gran parte de los países de Latinoamérica fue la unión del doblaje de los primeros 30 capítulos hechos por actores cubanos y los hechos por Audiomaster con actores mexicanos que corresponden al resto de la serie, aunque no en tal orden, ya que, por ejemplo, en esta mezcla de la serie se observa la secuencia de doblaje del capítulo 1, 2 y 3 por actores cubanos, y los 4 y 5 por mexicanos, y vuelven actores cubanos con el 6 y 7, aunque esta inconsistencia de doblaje no se repitió más adelante, ya que predominantemente al principio fue doblaje de actores cubanos y después de Audiomaster con los mexicanos. Dicha versión también se retransmitió por algunas cadenas de España. Cadicy realizó los doblajes de algunos OVAs como "Mazinger vs. el general negro", "Gran Mazinger vs. Grendizer" (Ambas exhibidas en cines mexicanos de manera ilegal como "Mazinger la película&quot, "Gran Mazinger vs. Getter Robot" y "Gran Mazinger vs. Getter Robo G" (Exhibida en México en cines como "Mazinger 2 la película&quot mismas que fueron comercializadas en México también por la empresa Videomax en formato Betamax totalmente hechas con las voces únicamente de actores cubanos, una adaptación errónea que se hizo en el doblaje fue la de llamar "Koji" a "Tetsuya Tsurugi" dentro de los OVAs de Gran Mazinger sólo con fines comerciales de uniformizar la exhibición de los filmes. Televisoras (Broadcasters) Canal Televisora Horario País/Ciudad Año Cobertura 1 TVE España 1978 Nacional 3 Radio Televisión Guatemala S.A. 17:00 Guatemala 1981-1986 Nacional 4 Telecorporación Salvadoreña 17:00 El Salvador 1981-1982 Nacional 4 Venevisión 18:30 Venezuela 1983-1984 Nacional 5 UCV Televisión 18:00 Chile 1984 Metropolitana, V Region 5 Televisa 17:00 México 1984-1986 Nacional 9 LS 83 9:30 Argentina 1985/6 Nacional 9 Televisa/Telever México/Veracruz 1988 Regional 13 Televisión Azteca 16:30 México 1994 Nacional 7 Televisión Azteca 16:00 México 1995 Nacional 7 Televisión Azteca 7:00 México 1996 Nacional 7 Televisión Azteca 10:00 México 1997 Nacional 7 LS 82 18:00 Argentina 2005 Nacional Curiosidades * Existen registros de otro robot de nombre Mazinger Z, de un cómic que en el año 1978 la editorial Valenciana publicó con el nombre de "Mazinger Z, el Robot de las Estrellas", basado en la película de nombre “Mazinger-Z, The Iron Superman”, producida por Goler Films S.A. y dibujada por José Sanchís Grau , creador del gato Pumby. Este segundo Mazinger se llama en realidad "Mach Baron". * En Corea se realizó una serie animada llamada Robot Taekwon V, en 1976, cuyo personaje principal en su diseño prácticamente es idéntico a Mazinger, con algunas diferencias en su cabeza; esta fue una de las tantas imitaciones coreanas que también harían con Grendizer. * Hace algunos años, se especulo sobre la posibilidad de llevar a Mazinger Z a la pantalla grande, pues según los rumores afirmaban que los derechos de la serie los había adquirido el director de cine James Cameron (Titanic, Mentiras Verdaderas, etc.). El seria el responsable de una nueva version cinematográfica de Mazinger Z, con elenco aún no definido. Todo quedo en rumores solamente. * Al principio de la serie se establece que los robots con los que el Doctor Infierno se lanza a la conquista del mundo fueron reconstruidos por un grupo de científicos entre los que se encontraba Juzo Kabuto. Sin embargo en muchos episodios se puede observar a muchas bestias mecánicas que están siéndo terminadas o se menciona que son la última creación del Doctor infierno, jamás se aclara cuales robots fueron ensamblados por los científicos y cuales por el villano de la serie. * En el primer capítulo, el Baron Ashura asesina a una mujer joven de nombre "Rumy", nunca más se hace mención sobre quien era esta chica, al menos no en la versión con "doblaje de Cadicy International" (En la versión Española emitida por TVE se menciona que "Rumy" es la hermana de Koji y Shiro Kabuto, esto se hace solamente en el episodio 1) * En el episodio Número 10 "Dayan la mano de Hierro" Mazinger utiliza sus falanges como misiles, dicha arma no tuvo precedente y jamás fue utilizada nuevamente. * La proporción del Robot Boss (Conocido también como Robot Jefe) cambia continuamente a lo largo de la serie, algunas veces se le ve de una altura menor a la de Afrodita A, algunas veces se le ve mucho más grande y otras parece tener la altura de Mazinger Z. 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Registrate y eliminá la publicidad! ALBERTO OLMEDO Alberto Olmedo nació en Rosario. Y este dato resulta ineludible en su biografía. Tal vez haya que rastrear en una infancia dura del barrio de Pichincha el nacimiento de los ademanes, los gestos y el humor desesperado del Negro Olmedo. Desde los 6 años, Alberto Olmedo tuvo la necesidad de trabajar: fue ayudante de verdulero y de carnicero,cadete de farmacia, repartidor de panadería. Entre estas duras tareas, la escuela, y la inevitable ayuda en la casa a su madre soltera, no había tiempo para soñar con ser actor. Pero a los 14 años comienza a trabajar como claque del teatro la Comedia de Rosario. El Negro se acerca así al teatro por el escalón más marginal: el del público contratado, que en esa época tenían todos los teatros importantes. Su misión era iniciar los aplausos cuando la platea se mostraba indiferente. Olmedo se siente fascinado por ese nuevo universo, tan lejos de su realidad concreta, y comienza a presentarse en clubes y otros escenarios interpretando imitaciones de artistas de moda como Lola Flores o Miguel de Molina, pequeños papeles en comedias, números acrobáticos y de baile. A los veinte años y fogueado en Rosario y giras por el interior, ahorra quinientos pesos y se muda a Buenos Aires. Está decidido a vivir del espectáculo. Y consigue, casi de casualidad, un oficio nuevo: director de cámaras en el todavía reciente canal 7. En una cena de camaradería de fin de año, frente a sus compañeros y los directivos del canal, Olmedo, encuentra finalmente su destino. Se pone a improvisar monólogos y números humoristicos con tal eficacia que a los pocos días comienza a trabajar en programas como “La Trouppe de la TV”, “La Revista de Jean Cartier” “Sonrisas y Melodías” “medianoche en buenos aires” “Joe Bazooka”. La televisión de la época era en vivo, y tal vez de esas urgencias y ese trabajar en el filo de la navaja Olmedo sacó su estilo de improvisación, de no ocultar los errores. sino hacerlos evidentes. En 1959 con la ayuda de su amigo Coco Ortiz presenta en Canal 9 un personaje infantil: El Capitán Piluso. La repercusión es inmediata. Fue Piluso el protagonista de uno de los primeros hechos masivos en los que la televisión se trascendió a si misma: la pelea con Karadagián, el Desafío del Siglo. En noviembre de 1960 Piluso llegó en helicóptero al Luna Park. 3000 personas habían quedado afuera. El país entero habló al día siguiente del combate. Del triunfo de Piluso. Y de la caravana que, encabezada por los dos oponentes, recorrió luego la ciudad recogiendo juguetes para repartir entre los niños pobres. Olmedo ya era una figura nacional. Tenía 27 años. Los niños y no tan niños que siguieron paso a paso la caravana no sabían que ésa era la primera de las muchas alegrías que les daría el Negro a lo largo de sus vidas. En 1964 es contratado por Hugo y Gerardo Sofovich que estaban produciendo un nuevo proyecto para Canal 11: Operación Ja Ja. El programa tiene un elenco integrado por algunos de los mejores cómicos de la historia argentina: Marcos Zucker, María Rosa Fugazot, Javier Portales, Carlos Scazziotta, Fidel Pintos, Juan Carlos Altavista, Jorge Porcel. En 1968 inventa otro de los personajes que han pasado a pertenecer por derecho propio a la memoria colectiva de los argentinos: Rucucu. Fue con Rucucu que Olmedo depuró algo que ya venía haciendo y que se convertiría en un sello de su comicidad: la puesta en evidencia de los errores y las miserias del medio. Olmedo no dejaba pasar un error de cámara, un furcio de un actor, sus propios olvidos de la letra, las escenografías gastadas o los vestuarios apolillados. Todo era material para la risa. Y en la complicidad con el espectador, al mostrar a la televisión como algo humano y desprovisto de misterio y glamour, tal vez esté el secreto de la fidelidad de su público. A medida que avanza la década del 70 Olmedo comienza a participar regularmente en películas y obras de teatro. Estas dos actividades se desarrollarían en forma paralela a la televisión hasta hasta el final de su carrera. Cuando en 1988 los argentinos se enteraron de la muerte de Alberto Olmedo, pocos creyeron la noticia. Pensaban que se trataba de una broma del negro. Es que en 1976 para la apertura de la nueva temporada de “El Chupete” un locutor con voz pausada anunció que: “en este horario y por este canal debería salir al aire hoy el primer programa del ciclo El Chupete. Infortunadamente eso no será posible debido a la desgraciada circunstancia de que su protagonista, Alberto Olmedo, ha desaparecido.” Durante 3 años Olmedo y gran parte de los productores actores y guionistas del ciclo tuvieron prohibida la entrada a los canales de televisión. Fueron tres años de cine y teatro de revistas. Hasta su retorno con “Olmedo 78″, y ya no habría más interrupciones en su carrera televisiva. En 1981 comienza “No toca botón” en Canal 11 con guiones de Hugo Sofovich, ciclo que duraría hasta el año de su muerte y en el que Olmedo tuvo sus mejores momentos televisivos. No toca Botón duró 7 años en el aire Allí nacieron personajes como Chiquito Reyes, el dictador de Costa Pobre, el pitufo, el Manosanta, Rogelio Roldán. Allí Olmedo quemó el traje de Rucucu ante cámaras, enojado porque en otro programa lo imitaban. Allí convirtió el chivo publicitario en otro recurso para hacer reir. Allí Olmedo fue Borges junto a su amigo Javier Portales. El éxito era masivo e indiscutible. Todo un país paraba para mirarse en el espejo al mismo tiempo descarnado y querible que Olmedo ofrecía en cada sketch, en cada personaje. Por primera vez la crítica comienza a reparar en él y aparecen los primeros ensayos serios sobre la comicidad de Olmedo que se multiplicarían luego de su muerte. Hacia 1988 sus películas y temporadas de teatro eran éxito de taquilla, comenzaba a tener un reconocimiento por parte de los medios “serios”, que aunque no había buscado, no dejaba de darle satisfacciones. Acababa de terminar su última película: Atracción Peculiar y estaba preparando los nuevos sketchs de la próxima temporada de No Toca Botón. En Mar del Plata, donde su obra “Eramos tan pobres” había sido un éxito, encontró la muerte de una manera absurda. Estaba en el momento más alto de su carrera. Y todo parecía anunciar que lo que tenía para dar era mejor, más arriesgado, llevando los límites todavía más allá. Sus personajes Sus personajes, aún hoy, siguen siendo recordados: * El Capitán Piluso. * El Manosanta. * El dictador de Costa Pobre. * Chiquito Reyes. * Rogelio Roldán. * Rucucu. * El sketch de «Álvarez y Borges» (junto a Javier Portales. Frases * Y, ¡si no me tienen fe! * ¡De acaaaaaaá! * ¡Éramos tannn pobres! * ¡Ruuu cu cuu! * ¡No toca botón! * ¿Me trajiste a la nena? * ¡Adianchi, adianchi! * Si la vamos a hacer, la vamos a hacer bien... * ¡Savoy! ¡Savoy! Filmografía Perído 1959-1970 * Gringalet (1959). * Una jaula no tiene secretos (1962) * Barcos de papel (1963) * Las aventuras del Capitán Piluso (1963) * La herencia (1964) * Ritmo nuevo, vieja ola (1964) * Dos quijotes sobre ruedas (1964) * Viaje de una noche de verano (1965) * Hotel alojamiento (1966) * El glotón (inconclusa, 1967) * Escándalo en la familia (1967) * Flor de piolas (1967) * Villa Cariño está que arde (1968) * Los debutantes en el amor (1969) * El hombre del año (1970) Período Aries Cinematográfica * Los caballeros de la cama redonda (1973) * Los doctores las prefieren desnudas (1973) * Hay que romper la rutina (1974) * Mi novia el... (1975) * Maridos en vacaciones (1975) * Los hombres sólo piensan en eso (1976) * Basta de mujeres (1977) * Las turistas quieren guerra (1977) * Fotógrafo de señoras (1978) * Mi mujer no es mi señora (1978) * Encuentros muy cercanos con señoras de cualquier tipo (1978) * Custodio de señoras (1979) * Expertos en pinchazos (1979) * El rey de los exhortos (1979) * Departamento compartido (1980) * Así no hay cama que aguante (1980) * A los cirujanos se les va la mano (1980) * Las mujeres son cosa de guapos (1981) * Amante para dos (1981) * Los fierecillos indomables (1982) * Los fierecillos se divierten (1983) * Los extraterrestres (1983) * Los reyes del sablazo (1984) * Sálvese quien pueda (1984) * Mirame la palomita (1985) * Los colimbas se divierten (1986) * Los colimbas al ataque (1987) * Rambito y Rambón, primera misión (1987) * Galería del terror (1987) * Atracción peculiar (1988) Producción independiente * Susana quiere, el Negro también! (1987) Producción de Argentina Sono Film * El Manosanta está cargado (1987) Programas de televisión * El Capitan Piluso * Operación Ja Ja / La Peluquería de Fidel * Fresco y Batata * El Botón * Alberto y Susana * El Chupete * No Toca Botón (1981-1987) * Un Verano Con Olmedo * El Test De Las Familias * Olmedo 78 * Olmedo 79 * Las 36 Horas De Olmedo Curiosidades * Olmedo fue un reconocido hincha del Club Atlético Rosario Central, y en varias oportunidades se lo pudo ver vistiendo los colores azul y amarillo de esa institución. * Hasta la actualidad, ostenta el récord de permanencia en cámara por la conducción del programa especial Las 36 horas de Olmedo, emitido el 3 de diciembre de 1970, a total beneficio de la Casa Cuna y del Hospital Argerich. * Su última película, Atracción peculiar, se estrenó el 5 de marzo de 1988, dos días antes de su trágica muerte. Él no llegó a verla nunca. * Paradójicamente, en una de las escenas de dicha película, Olmedo y Porcel, caminan por la cornisa de un edificio marplatense (el Hotel Provincial) y ambos muestran su miedo de caer al vacío. * Luego de la muerte de Olmedo, Jorge Porcel, su compañero por excelencia en el cine, protagonizó sólo una única película más en la Argentina (llamada El profesor punk y estrenada apenas 4 meses después de la tragedia, en julio de 1988). Este film muestra una actuación de su protagonista más comedida y sobria que la usual (aunque siempre cómica), y al final tiene una noble dedicatoria a su compañero y amigo, con la imagen de la última escena que compartieron, en Atracción peculiar. Muchos de sus allegados atribuyen el repentino y radical cambio en la vida de Porcel (quién se radicó finalmente en Miami, y se convirtió al evangelismo) a que éste quedó profundamente conmovido y marcado por la tragedia de su amigo. * El músico argentino Fito Páez, nacido también en la ciudad de Rosario, le dedicó una emotiva canción llamada Tema de Piluso. link: http://www.videos-star.com/watch.php?video=Xvmr6kJ9Fx8 link: http://www.videos-star.com/watch.php?video=6ltgWnoFZ98 link: http://www.videos-star.com/watch.php?video=xsf2y2JtPSE&feature=related link: http://www.videos-star.com/watch.php?video=9DUUevzdJ7E MONUMENTOS EN SU NOMBRE LAS CHICAS DEL NEGRO Gracias por pasar!!!

HISTORIA DEL DISCO DE VINILO En 1881 Thomas Edison (1847-1931) creó un aparato capaz de transformar la energía acústica en mecánica: el fonógrafo.Los sonidos se grababan en un cilindro de cera; para escucharlos, una aguja, unida a un audífono de considerable diámetro,debía recorrer los surcos para poder recoger las ínfimas vibraciones allí escritas. El sonido era malo y cada grabación podía tocarse sólo una vez. [align=center][/align] A los 25 años, el joven Berliner (1851-1921) inventó un micrófono de carbón para el teléfono e inmediatamente vendió los derechos a la Compañía Telefónica Bell, que así pudo comercializar masivamente el artefacto. Con los 50,000 dólares que recibió, empezó a trabajar en un método de grabación que superara a los cilindros de Edison y Bell. En 1887, Emile Berliner, inventó un sistema de grabación que podía ser usado una y otra vez, además de que podían hacerse muchas copias de la grabación original, a bajo costo. Cambió el cilindro por un disco plano, primero de vidrio, luego de zinc y más tarde de plástico. Los sonidos eran grabados en ranuras onduladas y "leídos" por una aguja, que transmitía el patrón de vibraciones a un diafragma, el cual reproducía entonces los sonidos originales. Berliner patentó su invento, el gramófono. [align=center][/align] Otro inventor, Elridge Johnson, patentó un motor de resorte para el gramófono, el cual hacía que girara a una velocidad fija, con lo que se acababa la necesidad de darle vuelta a una manivela. Berliner fundó su propia compañía para producir masivamente sus discos sonoros, así como el gramófono para tocarlos, estableciendo sucursales en Gran Bretaña y Alemania, con el objetivo de cubrir también el mercado europeo. Para promover sus ventas, se le ocurrió convencer a varios artistas populares para que grabaran su música usando su sistema. Uno de los primeros en firmar contrato con la compañía de Berliner fue el italiano Enrico Caruso. Thomas edison inventor fonografoEmile Berliner Gramafono Las grabaciones se realizaban en el estudio de la compañía en Camden, Nueva Jersey. Enrico Caruso cantaba hacia el interior de una bocina conectada a la máquina grabadora. El operador era el señor Child, quien trabajaba en la máquina detrás de una mampara y le hacía señales a través de una pequeña ventana. Nadie estaba autorizado a pasar detrás de la mampara, ya que ahí estaban los secretos de la compañía de Berliner. Los músicos que acompañaban a Enrico se sentaban en bancos de diferentes alturas, al fondo de la habitación. Sus posiciones relativas permitían controlar el volumen del sonido, ya que no existían amplificadores en esos días. El cantante empezaba por cantar con la orquesta. Al terminar, les decía a los músicos qué cambios quería y cantaba de nuevo. Cuando estaba listo, le hacía una señal al operador y volvía a interpretar la canción, que se grababa en un disco de cera. Caruso y Child escuchaban la grabación una sola vez, porque el disco de cera se iba destruyendo al tocarlo y la discutían. Si les parecía que no había quedado bien, volvían a grabarla, cuantas veces fuera necesario. En ocasiones un violín sonaba demasiado fuerte, por lo que el violinsta movía su banco un poco más para atrás. Si a Enrico no le gustaba cierto tono de su voz, insistía en hacer otra grabación. Por fin, después de dos horas, podía lograrse un disco satisfactorio. Ese disco de cera era usado para hacer el disco maestro de cobre, del que se imprimían posteriormente las copias en discos de pasta negros. Enrico Caruso se convirtió en el cantante más famoso y mejor pagado de su época. Es indiscutible que se vio claramente beneficiado por ser el primero en grabar discos y, por lo tanto, en tener la oportunidad de entrar a las casas de la gente, gracias al gramófono. El gramófono de Berliner y su método para duplicar discos fueron eventualmente adquiridos por la Compañía Victor Talking Machine, que después se convirtió en la RCA. [align=center][/align] Por eso a Nipper, el perro que aparece en dicho cuadro escuchando un gramófono, se le conoce como "el perro de la RCA". Pocos saben que nació en Bristol, Inglaterra. Al morir su amo, se convirtió en la mascota de los hermanos Mark y Francis Barraud. Enrico Caruso Gracias a las válvulas electrónicas, inventadas en 1925, fue posible amplificar el sonido antes y después de grabar disco. Basándose en una idea lanzada en 1888 por el estadounidense O. Smith, el danés Valdemar Poulsen (1869-1942) patentó en 1900 el telegráfono, que grababa los sonidos en un hilo de metal que se desplazaba entre polos de un electroimán. [align=center][/align] Nacía así la grabación magnética. El alemán Pfeumer hizo más práctico el procedimiento al inventar en 1928 la primera banda magnética con base de papel, a la que sucedería una banda de plástico recubierta por una capa ferromagnética. A pesar de estos progresos, hasta la Segunda Guerra Mundial no se perfeccionaron los procedimientos mecánico y magnético, gracias a los discos de vinilo de los 16, 33 y 45 revoluciones por minuto (1948, disco de microsurcos de larga duración; 1958, disco estereofónico). Para la grabación se emplea un disco de aluminio recubierto de acetato y buril (rubí tallado) que se desplaza según las vibraciones sonoras. A partir de 1940 aparecen los primeros DJ’s como animadores de las tropas norteamericanas en objetivos transoceánicos. Durante la Segunda Guerra Mundial ,personas armadas con tocadiscos,un puñado de discos y un amplificador básico amenizaban a las tropas en su tiempo de descanso, con músicas de Glenn Miller ,The Andrews Sisters o Benny Goodman . El 21 de junio de 1948, un equipo de la CBS, bajo el mando del ingeniero Peter Golmark, presentó en el Hotel Waldford Astoria de Nueva York el disco de larga duración fabricado en una resina de polivinilo. Este nuevo sistema acabaría por imponerse sobre sus antecesores, el gramófono y el fonógrafo.El disco de vinilo apareció como un formato de larga duración en plena era de dominio del gramófonos sobre el fonógrafo. [align=center][/align] El disco de vinilo se impuso con rapidez por sus muchas ventajas: Se aumentó la duración de la grabación desde los 4 o 5 minutos del fonógrafo y el gramófono hasta 45 minutos. El vinilo era un sistema estereofónico, mientras que los sistemas de grabación y reproducción utilizados hasta entonces eran monoaurales (toma de sonido por un solo canal). Los discos de vinilo daban mucha mayor calidad de sonido. Se eliminaban los molestos ruidos del arrastre de la aguja sobre el disco de pizarra del gramófono o sobre los cilindros de cera del fonógrafo. Aproximadamente hacia 1985 el disco de vinilo fue desplazado por el CD, de menor tamaño y mayor durabilidad aunque, a costa de perder calidad sonora.La Crisis del vinilo comenzaba,todas las discográficas comenzaron a editar todo en cd y dejar de lado al vinilo,se pensaba que era el fín del vinilo,pero compañias independientes seguian editando en vinilo principalmente para disck jockeys,que se resistian al cambio al cd debido a que no conseguia la misma calidez de sonido y sobre todo al no poder tocarlo y poder realizar el famoso scratch que realizan. A pesar que el CD se ha impuesto sobre el disco de vinilo, éste se sigue editando en pequeñas cantidades y utilizada tanto por los Disc jockeys como por los audiófilos (personas que son fanáticas del sonido y poseen equipos de muy alta calidad). A día de hoy se puede decir que el vinilo esta volviendo,la gente esta volviendo a sacar de sus trasteros los tocadiscos y saborear el placer de las grandes caratulas. EL vinilo vuelve, después de muchos años que la gente pensaba que este formato había desaparecido vuelve con más fuerza que nunca, los fabricantes de vinilos están relanzando sus catálogos con prensados de alta calidad: 180 grs y 200grs. Las ventas de Tocadiscos han crecido,y el mercado dispone de nuevas marcas dispuestas a revolucionar el mercado,como por ejemplo la gran novedad nipona.EL LECTOR LASER DE VINILOS,este nuevo aparato ofrece prestaciones semejantes a los de los modernos reproductores de CD, como el tiempo transcurrido y el que falta y un magnifico sonido digital. Todo ello con la garantía de no estropear el disco por una aguja en mal estado, vibraciones o golpes. Lector laser viniloTransrotor [align=left][/align] El vinilo es un material plástico y sólido, que se presenta en su forma original como un polvo de color blanco. Se fabrica mediante la polimerización del cloruro de vinilo, que, a su vez, es obtenido de la sal común y del petróleo. La grabación del vinilo se inicia con el master ya creado, el corte del cobre es el primer paso para la producción del disco micro surco. Después de haber colocado el cobre en el torno, la señal sonora que proviene de nuestro mastering se convierte en movimientos que realiza la aguja o estilete grabador encima de la placa, creando así el microsurco. Una vez efectuado el corte se procede a verificar la calidad del surco y ya terminada la fase de mastering, la placa de cobre se convierte mediante un proceso de galvanizado en un estampador. La pasta de vinilo es prensada con la placa de cobre que se a creado como estampador, ya etiquetada con su galleta impresa le sigue la fase de pulido y finalizando con el proceso de enfundado. Así se graba el vinilo, ya lo tenemos listo para su utilización y comercialización. Pero el vinilo es también algo más. Se trata del material del que han sido hechos muchos sueños desde casi la era del fonógrafo. El ruido de fondo siempre era una especie de huevo frito, un crujido dando vueltas y vueltas en el tocadiscos a 45 ó 33 revoluciones por minuto. ¿Pero no había muerto el vinilo? [align=center][/align] Si atendemos a la situación actual del mercado, entendido como las listas de ventas, da la impresión de que el vinilo hubiese desaparecido de la faz de la tierra para quedar relegado a las catacumbas que habitan los puristas del sonido analógico, que deambulan por tiendas especializadas de vinilos. Pero no ha desaparecido, sino que, encima, vive una segunda juventud, una especie de revival alimentado tanto por películas, como por la subterránea labor de sellos discográficos que aún editan sus vinilos en un mercado para DJ's que prefieren el vinilo al CD. [align=center][/align] En un Time Out se publicaba un artículo sobre el renacimiento del vinilo y del mercado de singles y long plays. En él se incluía la llamada teoría Neil Young. El ilustre autor norteamericano piensa que, como el CD tiene un formato digital no es música como tal, sino sonido dispuesto en forma de códigos binarios, podemos advertir absolutamente todos los detalles de una canción la primera vez que la escuchamos. Y, como nada se esconde a la sensibilidad del oído, el cerebro no se siente impulsado a poner el CD por segunda vez. «En realidad, no estás escuchando música -añadía-, sino códigos y dígitos, tonos y frecuencias que recrean el sonido de la música». El vinilo, por el contrario, siempre depara sorpresas, puede que Neil Young sea un paranoico y esté un poco loco, pero eso no le quita parte de razón. Han pasado ya muchos años desde que la industria las grandes multinacionales como Sony no sólo publican discos, sino que crean y desarrollan equipos de alta fidelidad, lectores de CD, presentó al gran público la superioridad del compact respecto al vinilo en lo que se refiere a la calidad del sonido, nitidez o limpieza. Además -sonreían-, un compacto nunca se raya. Si obviamos lo ridículo de esta última afirmación (un CD rayado es muchísimo peor que un long play rebelde a la aguja), hay una forma de probar esto: ponemos un vinilo de 180 gramos, los más duros y resistentes, y un CD del mismo título. En una primera escucha, tenemos la impresión de que el CD suena mejor, tal es su brillantez y claridad; poco a poco, en segundas y terceras audiciones, las preferencias se igualan, pero, al final de la sesión, un vinilo produce una menor sensación de cansancio o saturación. El sonido orgánico de un acetato es más natural. El vinilo es algo tan bonito, tan visual, que no se puede comparar estéticamente al CD. Las portadas de los discos en formato grande son mucho más atractivas e impactantes y, bueno los 'singles' de vinilo son el objeto más pop que nunca se haya inventado. Es un formato perfecto para la música y el tamaño ideal para el diseño. Y si tienes un buen plato (tocadiscos) y un buen equipo en casa, suenan de maravilla. Creo que el sonido es mejor, más cálido y dulce. Muchos serán quienes se pregunten cómo puede resultar mejor el sonido de un giradiscos que el de un reproductor de CD. Pero la razón es bastante simple, dado que lo más importante reside en la naturaleza del sonido, y sólo después, en la calidad del soporte. El sonido de un disco de vinilo es analógico desde la fuente hasta la salida; no experimenta cambios de onda decisivos en un buen equipo. La información sonora de un compact es, en cambio, digital. Al salir, se debe convertir nuevamente en analógica y, para ello, ha de reducir las curvas originarias de sonido a 0 y 1, con lo que se pierden matices. Quizás sea esa la razón por la que, el pasado año, Sony/Philips lanzó la idea del reproductor de CD Super Audio, con el reclamo de que el sonido poseería «la misma calidez del vinilo». [align=center][/align] ¿Para qué, entonces, crear el compacto? ¿Tendrá algo que ver con el capitalismo y la sociedad de consumo? Los vinilos ocupan demasiado espacio en la tienda de un centro comercial y, además, ofrecen una sensación de exclusividad que la industria no desea. El mercado potencial ha de ser lo más amplio posible y debe incluir a las personas a quienes la música no les interesa, pero la consumen como cualquier otro producto. La música electrónica ha sido fundamental, si la industria deja de fabricar platos, se muere el vinilo, pero si hay DJ's que pinchan vinilo, el asunto resulta interesante y se siguen vendiendo platos. En el futuro, es posible que el LP sea un capricho para 'fans', coleccionistas y amantes de la música, aunque pienso que seguirá vendiéndose e, incluso, crecerá un poco. Ahora existe un lector digital que lee vinilos, y eso es básico para que éstos sirvan de algo. Es como si te compras un cartucho antiguo de ocho pistas: ¿dónde lo pones, si apenas quedan reproductores?. Si comprar un clásico long play requiere cierto conocimiento e implicaciones musicales, el CD es puro populismo. En este sentido, un compacto es más un objeto que una obra de arte. No hay más que entrar en una tienda en la que aún conserven cierta sensibilidad y comparar la versión en vinilo con su correspondiente CD para darse cuenta de la diferencia: éste semeja una fotocopia cutre del primero y las reediciones parecen copias piratas. Quizás porque el CD no sea real, sino virtual, o porque ahora, con la tecnología del regrabado en los ordenadores, los soportes vírgenes y los escáners digitales, cualquiera puede hacerse uno en casa. Insisto: la comodidad y posibilidad de uso del compact disc no significa que sea el formato de mayor calidad. No hace mucho un físico de profesión, era capaz de identificar la obra grabada en un disco de vinilo mediante la mera inspección visual de sus surcos. El buen señor aseguraba que, con sólo mirar un disco de música sinfónica de cualquier época posterior a Mozart, podía identificar el compositor y, algunas veces, hasta los intérpretes. El caso fue tomado muy en serio por el Comité para la Investigación Científica de las Afirmaciones Paranormales, que, tras someterle a rigurosas pruebas, admitió que decía la verdad. El físico identificó correctamente dos versiones distintas de La Consagración de la Primavera de Stravinsky, así como el Bolero de Ravel, Los Planetas de Holst y la Sexta Sinfonía de Beethoven. Por muy asombrosa que nos parezca esta habilidad, la cuestión no viola ningún principio importante de la realidad física, ya que la información estaba presente en los surcos y lo sorprendente era sólo la manera de extraerla de ellos.

El rock y el satanismo Las relaciones entre Rock y Satanismo se remontan a las raíces del estilo y a los orígenes del rock and roll como género; así, ya en el campo del Blues, precedente más directo del rock, se recoge la popular leyenda que relata el encuentro de Robert Johnson con el Diablo, al que habría vendido su alma en el cruce de la autopista 61 con la 49 en Clarksdale (Misisipi), a cambio de interpretar el blues mejor que nadie. La leyenda tiene su reflejo en su tema "Me and the devil blues"; este tipo de imaginería influiría más tarde en bandas posteriores como Led Zeppelin. Asimismo, posteriormente, Elvis Presley y Jerry Lee Lewis fueron acusados por sectores de la Iglesia Católica, de promover el satanismo a través de su música, debido a la pronunciada sexualidad que se podía apreciar en ella, y la amenaza para la moral tradicional que ello suponía. La utilización de imaginería de tipo satánica u ocultista en el rock se fue incrementando a finales de la década de los años sesenta, como consecuencia del creciente interés por el Ocultismo y otras creencias alternativas a la convencionalidad que conllevó el Hippismo; The Rolling Stones publicaron el álbum titulado Their Satanic Majesties Request ("El requerimiento de sus satánicas majestades" y posteriormente su clásico tema Sympathy for the Devil ("erróneamente traducido al español como: Simpatía por el diablo; realmente la palabra Sympathy puede traducirse más acertadamente al español como Lastima", perteneciente al álbum "Beggars Banquet"; cobrarón gran trascendencia los sucesos ocurridos en el festival de Altamont, en el cual un fan fallecería durante la interpretación de este último tema a manos de los Ángeles del Infierno. Más aún al respecto, la portada del álbum de The Beatles "Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band" muestra, entre un amplio elenco de personajes, la fotografía de Aleister Crowley, conocido ocultista inglés. Más tarde, en el seno de Led Zeppelin, se dio un ferviente interés en la figura del citado Aleister Crowley, personaje por el que el guitarrista de la banda, Jimmy Page, cultivó una creciente admiración, llegando a adquirir su mansión y diversos objetos pertenecientes al popular hechicero; pero sería la banda inglesa Black Sabbath una de las que más explotaría la imaginería de tipo Satánico y ocultista en sus letras, en el diseño de sus álbumes y en su actitud; sobre la banda pesaba la leyenda en torno a la portada de su homónimo primer álbum, en el cual aparecía una misteriosa figura femenina de la cual se afirmaba que no estaba presente al momento de ser tomada la fotografía; asimismo, en la portada de su disco "Sabbath bloody Sabbath" entre otros símbolos aparece el "666". Este tipo de estética continuaría durante toda la carrera del grupo, y discos posteriores como "Heaven and Hell", incluían portadas de tipo provocativo o misterioso. Una supuesta maldición pesaba sobre el grupo, motivo por el cual portaban en todo momento unas voluminosas cruces metálicas, fabricadas por el padre del vocalista del grupo, Ozzy Osbourne, las cuales les acompañaron constantemente durante su carrera; el vocalista sería bautizado posteriormente por la comunidad rockera con el apelativo de “Príncipe de las Tinieblas”. Ozzy Osbourne y su esposa SharonDe igual manera, el disco Hotel California, de The Eagles, mostraba en su portada un edificio, que en su momento fue supuestamente identificado como la sede de la Iglesia de Satán de Anton LaVey, un movimiento conocido por hace hincapié en un aspecto filosófico del Satanismo. A finales de los setenta, irrumpe la banda AC/DC con el éxito "Highway to Hell"; en la portada del disco del mismo título, se puede apreciar al guitarrista líder de la banda Angus Young ataviado con cuernos y cola puntiaguda; este tipo de estética sería usada también en sus conciertos en vivo, y otros temas como "Hell's Bells", perteneciente a su álbum de 1980 "Back in Black" se servirían de recursos líricos y referencias al infierno o al diablo; este tipo de imaginería era usada por AC/DC de un modo más festivo y lúdico, y sustancialmente menos siniestro que el matiz que cobraba en Black Sabbath. Otra banda que se sirvió de la temática satánica en el rock fue la banda de Heavy Metal Iron Maiden, que encabezaría la nueva ola del metal británico, conocida como NWOBHM, con el disco titulado "The Number of the Beast" (1982), que incluía el tema del mismo título, un corte que se convertiría en su canción más emblemática, y que hacía referencia a la llamada Marca de la bestia. Un año más tarde, el grupo de Hard rock y Glam metal Motley Crüe se serviría también del Pentagrama invertido, un símbolo tradicionalmente satánico, en la portada de su álbum de 1983 "Shout at the Devil" ("grítale al diablo". Este tipo de referencias se convirtieron en habituales en otros muchos grupos, y en concreto en el campo del Heavy Metal se volvieron una temática recurrente, incidiendo en su aspecto más fantástico, y apartándose del interés suscitado en los años 60 por el ocultismo como creencia o filosofía alternativa a lo convencional. Y ya a finales de los noventa, cuando la imaginería de tipo satánico parecía haber sido agotada como recurso estético, Marilyn Manson la fortaleció, recurriendo a su lado más filosófico, y haciendo hincapié en la figura de Anton LaVey y su Iglesia de Satán, como una forma de oposición a la moral tradicional, mas que como una mera fantasía o una práctica de tipo trascendental y no falta decir que han tachado al grupo de español de folk-heavy metal Mägo De Oz por el disco de Gaia II: La Voz Dormida 82005) por las canciones de Aquelarre Y Diabulus In Musica. Al margen de todo ello, cabe hacer notar que determinados grupos de Black Metal, se consideran verdaderamente Satánicos en la acepción más tradicional del término, celebrando rituales, Misas negras y adorando al Diablo, habiéndose identificado en Escandinavia sucesos e incidentes relacionados con este tipo de prácticas entre las bandas del estilo; ello constituye una práctica minoritaria dentro del género, en el cual el Satanismo ha sido un elemento más de tipo alegórico o fantástico, que se une a un más amplio elenco de recursos líricos que conforman el género. Uno de los pilares del rock & roll de los sesenta (“The Beatles”) había sido acusado de incluir mensajes satánicos en el tema "Revolution 9" perteneciente al denominado "Álbum blanco", mensajes que habrían sido de tipo subliminal, grabados para ser escuchados al revés mediante la técnica conocida como "Backmasking"; asimismo, al término de la era Hippie, la conmoción por los asesinatos de Charles Manson, que reinterpretaría otro tema del mencionado album blanco de los "Fab Four", Helter Skelter, como una incitación al crimen, acrecentaría la especulación en torno a supuestos significados ocultos en las canciones del género. Muy posteriormente, Marilyn Manson, tomaría parte de su nombre artístico del apellido del popular asesino. En relación a estos supuestos significados ocultos, y al "Backmasking" en particular, cobraron posteriormente una especial popularidad, los rumores en torno al tema Stairway to Heaven, de Led Zeppelin, tema en el que, supuestamente, al pincharlo en sentido inverso, se podrían escuchar textos y frases completas relativas al diablo o de temática satánica. Más tarde, en 1990, Judas Priest se enfrentarían a un juicio en el estado norteamericano de Nevada, del que saldrían absueltos, debido al suicidio de dos de sus fans, según la acusación por un supuesto mensaje oculto mediante la citada técnica del Backmasking en el tema "Better By You, Better Than Me", perteneciente a su álbum de 1978, Stained Class. Muchos de estos rumores se desataron durante la década de los 80, principalmente en Estados Unidos. A ello ayudó la creciente influencia durante esta década, en EEUU, de grupos conservadores y sectores católicos fundamentalistas que sostuvieron tesis de este tipo; en 1985, Tipper Gore creó el PMRC, (Parents Music Resource Center o Centro de Recursos Musicales de Padres), una entidad encaminada a la persecución de determinadas temáticas o actitudes que consideraban perniciosas en el mundo del Rock; se dio en los EEUU durante la Era Reagan todo un ambiente de crítica de corte conservador a la imaginería usada habitualmente en el rock; ello facilitó el crecimiento de diversos rumores, uno de los cuales apuntaba a que el nombre de la banda de Hard Rock y Heavy Metal de New York "Kiss" era una sigla satánica que significaría Knights in Satan Service ("Caballeros al servicio de Satanás", además de que las dos últimas letras en el símbolo de Kiss parecerían ser rayos, "Signos Satánicos", que en realidad estaban inspirados en el símbolo de las SS, Servicio Secreto Nazi. Las puestas en escena con disfraces y maquillajes reforzaban, a juicio de los críticos, el argumento. Los Reagan en 1981Ayudó a alimentar este tipo de rumores, las muertes en circunstancias extrañas de estrellas como el primer cantante de AC/DC Bon Scott o John Bonham, batería de Led Zeppelin, ambos muertos por causa de abusos con el alcohol. Un caso especial es el asesinato de John Lennon, el 8 de diciembre de 1980 a manos de Mark David Chapman; Lennon fue asesinado frente a la puerta de su casa, el célebre edificio Dakota en New York, el cual ya arrastraba una leyenda negra como lugar de encuentros sátánicos a principios del siglo XX, debido a que fue habitado por el mencionado mago Aleister Crowley;[3] la leyenda cobró otros matices al rodar Roman Polanski en su interior el film "La semilla del diablo"; sufriendo, en 1969, tras estrenar la película, el asesinato de su esposa Sharon Tate, a la sazón embarazada, a manos del ya mencionado Charles Manson. SIMBOLOS En el mundo del rock se han sucedido determinados símbolos que en uno u otra ocasión han sido relacionados con el Satanismo o con significados e implicaciones demoníacas; algunos de ellos serían; -La famosa calavera, usada por algunos rockeros, (en el caso de Guns n' Roses cuatro calaveras situadas en los extremos de una cruz), ha sido en ocasiones relacionado con aspectos satánicos, o con la propia muerte. -Se ha aducido en ocasiones que la lengua extendida pudiera ser un símbolo satánico[cita requerida]; este símbolo es usado por los Rolling Stones como logotipo de la banda; al mismo tiempo, un conocido "Gimmick" o recurso escénico de Gene Simmons, bajista-cantante de la banda Kiss, consiste en sacar su lengua en actitud lasciva. -"S" Satánica; representa un "lighting bolt" o rayo cayendo, que según algunos significa "Destructor”[cita requerida], dicho símbolo es usado por varias formaciones, entre ellas el rayo del logotipo de AC/DC o la “S” usada en ocasiones para Black Sabbath; y sobre todo la usada por Kiss, en las dos últimas letras de su logotipo; también se puede apreciar en la "T" de Twisted Sister del álbum "you cant stop rock and roll". -La “mano cornuda” usada en el mundo del rock. Este símbolo fue popularizado por Ronnie James Dio, quién ha contado que tomó el mismo de su abuela, una dama italiana con supersticiones.Según él este símbolo era usado por su abuela para repeler el mal de ojo o para echárselo a otra persona. También hay quienes lo confunden con el símbolo del lenguaje de los sordomudos que significa "I love you"("te amo" en español). Este símbolo apareció por primera vez en el mundo del rock en la portada del álbum de Kiss "Love Gun" de 1977, en donde Gene Simmons aparece haciendo la señal pero con el pulgar extendido. -La cruz invertida y el pentagrama invertido: usada por numerosos grupos de Black Metal, Heavy Metal y por los satanistas en general, representan la negación del cristianismo y una abierta invitación a Lucifer. Ahora algunas imagenes de los famosos cuernitos!!!!! Y de yapa estos personajes... no se si heavys, pero cuernitos hacen!! LOS BUSH Bueno amigos taringueros eso es todo por hoy!! Y ya saben comentarios mas que bienvenidos!!!

Mazinger Z (マジンガーZ, majingā zetto?) es un manga y anime del dibujante japonés Go Nagai. Como en muchos otros casos, empezó siendo un manga para posteriormente trasladarse a la televisión. Es uno de los precursores del género Mecha (se pronuncia "meca" de robots gigantes y manipulados por seres humanos. El manga se publicó en la revista semanal Shōnen Jump entre el #42 de 1972 y el #35 de 1973, antes de publicarse en tomos separados. En Japón fue un éxito. En Latinoamérica y Europa la serie gozó de gran popularidad, (a pesar de que no se emitieron todos los episodios y los que fueron emitidos no llevaban el orden correlativo)[cita requerida]. A Estados Unidos llegó en el año 1985 con el nombre de Tranzor Z. En su origen, mazinger (o majinga), como término japonés, significa "dios/demonio", lo cuál presume la afirmación de que una máquina creada puede usarse para el bien o para el mal en manos humanas y que expone de alguna forma que todo avance técnico no es bueno ni malo, sino que simplemente depende de quien lo maneje. Contenido Argumento y desarrollo de la serie El Doctor Infierno (en España ó Doctor Hell en Latinoamérica) y el Doctor Kabuto, en medio de una expedición arqueológica, encuentran en la Isla de Rodas restos de una gran civilización, capaz de construir robots gigantes con antiguas tecnologías enterradas después del azote de un terremoto en el Mar Egeo. El Dr. Hell cree que con robots de ese tipo podrá gobernar al mundo, y movido por su ambición de poder trata de convencer al Dr. Kabuto para que se una a él y juntos dominar el Mundo. El Dr. Kabuto no esta de acuerdo y se convierte en enemigo mortal de su ex-colega. Entonces, el Dr. Hell mata a todos los miembros de la expedición con ayuda de los mismas máquinas-robot lanzando fuego vivo de sus bocas, máquinas halladas en la isla, quemando vivos a todos los presentes mediante un control secretamente implantado en las máquinas robot durante su reconstrucción en la expedición, máquinas que defendieron siglos atrás a la extinta civilización Mikene (o Micenas) de los invasores de dicha civilización, pero afortunadamente el Dr. Kabuto cerca de la muerte, logra escapar y encuentra en la falda del monte Fujiyama un nuevo material, Japanium, que se supone es un nuevo elemento metálico de alta resistencia que soporta temperaturas de hasta 6000° C de punto de fusión, creando con el la aleación Z; con la cual construye al robot Mazinger Z, que utilizará para detener los planes del Dr. Hell. El Baron Ashler (Barón Ashura en Japón), aliado del Dr. Hell, asesina al Dr. Kabuto, pero antes de morir consigue contar a su nieto Koji Kabuto los malvados planes de Hell, y le da a conocer a Mazinger Z. Es en este momento cuando Juzo Kabuto le cede la responsabilidad de manejar al robot, pero el joven Koji jamás había manejado máquina parecida, ante lo cuál las últimas palabras del Dr. Kabuto le indican que: "Con Mazinger te puedes convertir en un dios o en un demonio...", ante lo cuál Koji medita un poco en cuanto al uso que le pudiera dar a la nueva máquina y estuvo tentado en utilizarlo para beneficio, idea que inmediatamente abandonaría por el dolor que en ese momento sintió al escuchar del Dr. Kabuto que había sido asesinado por el Dr. Hell, según las propias palabras del moribundo Dr. Kabuto. En lo sucesivo, el doctor Infierno acechará constantemente con sus creaciones a la humanidad, pero ahí estará siempre Mazinger Z para enfrentarse a sus planes, cual caballero de la Edad Media. A pesar de que el Dr. Hell fue un científico destacado, los conocimientos que poseía no se igualaban al de su colega japonés. De hecho, en la mitad de la serie se auxilió de un destacado Ingeniero en robótica de la misma nacionalidad que él, el alemán Dr. Hein Henrik, al cuál revivió como un cyborg. Tan notable fue este ingeniero alemán que, ante su soledad, el Dr. Hein Henrik creó una niña cyborg con sentimientos humanos a la que criaría como su propia hija, la misma que tendría un destino cruel en la serie. Nuevos robots y nuevas armas salen de las fábricas ocultas y secretas del doctor Hell, lo que supone un reto de actualización continua en tecnología para el Dr. Yumi, asistente del Dr. Kabuto, que atiende y supervisa la ingeniería de Mazinger Z auxiliándose varias veces de Ingenieros en robótica de los Estados Unidos. El Dr. Yumi también construyó un robot de nombre Afrodita A, que era pilotado por su hija, Sayaka Yumi. Aunque no fue destinado en principio como arma de combate, posteriormente fue adaptado técnicamente como arma de defensa. A la par de la secuencia de la serie, surge un amor ambiguo entre Koji Kabuto y Sayaka. Desgarrado continuamente por las fechorías del doctor Infierno y la ira de venganza que Koji Kabuto siente por dentro, así como las personalidades de ambos (Koji es orgulloso y machista, y Sayaka es celosa y de carácter fuerte), parece que ese amor nunca se concreta. Entre otras particularidades e innovaciones en la propuesta de Go Nagai con su Mazinger Z, destacan que para la época personajes femeninos eran casi nulos en protagonismo en la mayoría del anime y caricaturas de aquel tiempo. Aquí en particular, hacia el año de su estreno, la mujer a nivel mundial apenas comenzaba a tener un papel distinto al de la mujer sumisa por el machismo. A pesar de que Koji era machista, Sayaka Yumi sobrasalía como símbolo de la "liberación femenina" de la época, dando en 1972 en esta serie casi por primera vez un papel protagonista a la mujer como género y demostrando que la mujer como tal tiene capacidades iguales a las del género masculino. Esto refleja un tanto la personalidad de Go Nagai caracterizada por enaltecer el género femenino y dar a personajes como Sayaka el papel de protagonista. Tan sólo basta el ejemplo de mencionar un robot que en el mismo año lanza llamado Cutey Honey ó Cutie Honey, un hermoso cyborg femenino, cosa muy rara en la época. También está presente el humor entre otros simpáticos personajes, compañeros y amigos de Koji y Sayaka. Tal cuál como una guerra real en la que la evolución de los artefactos robóticos va marcando el guión a lo largo de la serie, Mazinger Z refleja la secuencia del desarrollo técnico de ambos bandos con armas bélicas cada vez más innovadoras, como el planeador Pilder, que originalmente se llamó Hover Pilder y cuando fue destruido cambiaron a uno más moderno basado en los aviones militares de Estados Unidos que hacen la función de helicóptero y avión a la vez. El nuevo Hover Pilder de turbinas y con mayor armamento al que llamaron Jet Pilder hizo su aparición cuando el Dr. Hell se apoyó en la tecnología de robot de los Mikenes. Estas máquinas se acoplan en la cabeza de Mazinger Z como control principal del robot. El "Jet Scrander" era un artefacto con alas que le permie volar, o incluso la capacidad de poder sumergirse en el agua, ya que al principio no podía hacerlo. Además aparecen otros robots como el de Sayaka, "Afrodita-A", que ayuda a Mazinger Z cuando éste se encuentra en apuros, o como el Robot de Boss, un destartalado robot que construyen los científicos del laboratorio para él y sus compañeros como respuesta cómica y emocional al heroísmo inexistente en sus vidas comparadas con la de su compañero Koji. Armas de Mazinger Z El robot posee un repertorio armamentístico para aumentar su potencial en el combate frente a los monstruos mecánicos. El armamento ha ido variando y ampliándose a lo largo de la serie. * Rayos láser disparados a través de sus ojos. * Rayos congelantes de sus antenas (usados en raras ocasiones) * Huracanes o Vientos Huracanados. Arma clave del robot, viento huracanado que se dispara desde sus fauces enrejadas de gran poder aniquilador. Emplea de modo destructivo la energía fotónica descubierta por el profesor Kabuto, la misma que permitió la construcción del robot y del Centro de Investigaciones Fotónicas que lo alberga. * Rayos Fotónicos, o Calor Nuclear (Breast of Fire o Fuego de Pecho): las características aletas rojas del pecho del robot emiten rayos caloríficos capaces de derretir prácticamente cualquier metal. Esta constituía un arma definitiva prácticamente contra cualquier bruto mecánico. * Proyectiles o Puños Atómicos. Los antebrazos del robot salen disparados con gran potencia, golpeando el objetivo y volviendo automáticamente a su posición original. El patrón de vuelo de los puños ha sufrido variantes, el Mazinger podía girar los brazos y los disparaba con más fuerza. El grito de Koji al disparar este arma, "¡Proyectiles o Puños atómicos!(o ¡¡¡Puños fuera!!! en la serie original en españa)" es la consigna más recordada de toda la serie, y ha quedado incorporada a la cultura popular. * Cohetes taladro o Proyectiles de Taladro, que eran minicohetes que salían del antebrazo de Mazinger capaces de perforar metal debido a que en su lanzamiento eran capaces de girar y perforar cual taladro. * Cortador de Hierro o de Acero: cuchillas de Aleación Z que salían a cada lado de los puños de Mazinger. Fueron inventados por el Dr. Mori Mori. La primera vez que los usó fue para destruir al gigantesco robot Titan G9, un enorme monstruo mecánico capaz de aplastar ciudades a cada paso. * Proyectiles o misiles digitales que salían de las falanges de sus dedos: únicamente los utilizó en un episodio (Dayan el Brazo de Hierro). * Proyectil: que salía del abdomen de Mazinger, y que debido a su tamaño eran comparables a una bomba nuclear. * La propia potencia del robot podía bastar para enfrentarse en lucha cuerpo a cuerpo con otro robot enemigo. El Scrander también era otra arma, ya que sus alas estaban afiladas y podían cortar metal y de ellas podían separarse las "Espuelas de Plata", también llamadas "cuchillas de la cruz del sur", especie de cuchillas en forma de estrella tipo Shuriken. Por otra parte, la evolución en los robots del doctor Hell también es notable. En cada capítulo ve la luz un nuevo robot, con capacidades extraordinarias, pero que siempre adolece de un punto débil que aprovecha Mazinger Z. Igualmente, el guión se ve reforzado por los cabecillas de mando del doctor Hell, el "Barón Ashler" (O Ashura), que es hermafrodita desde una simetría bilateral del cuerpo y, capítulos más tarde, el Conde Brocken (Conde Decapitado en México) cuyo personaje muestra como característica tener la cabeza separada del tronco, y llevarla habitualmente como un casco bajo el brazo. Posteriormente se integró el Vizconde Pigman, una especie de indígena amazónico resultado de la combinación de un hombre corpulento y un pigmeo, y que además tiene poderes místicos. Los tres se esfuerzan en sus cometidos y padecen la ira del doctor Infierno cuando fracasan, aunque, como es lógico, por la continuación de la serie consiguen el perdón a cambio de una nueva oportunidad para la victoria deseada por el malvado doctor. En el penúltimo capítulo, Mazinger Z mata al doctor Hell. Lamentablemente eso no sería todo porque un secuaz de éste que era mitad gladiador y mitad tigre, el Duque Gorgón, se une a otro maléfico líder. En el último capítulo el nuevo personaje envía dos robots muy poderosos para destruir a Mazinger... y lo logran, pero en ese momento aparece el padre de Koji (que siempre se creyó muerto), el Dr. Kenzo Kabuto, enviando en su ayuda su creación: Gran Mazinger, un robot más moderno y poderoso que no tiene problemas en acabar con los monstruos mecánicos. Así termina el capítulo 92 de esta serie. Orígenes De su serie de trabajos de manga, Nagai revela que su inspiración nació de niño, por su amor a las series animadas: Tetsuwan Atomu (Astroboy) y Tetsujin-28 Go (Gigantor), (Ironman 28 en México), y deseó hacer su propia serie de robots animada. Sin embargo, invirtió mucho tiempo en producir un concepto, que no pudo satisfacerlo, y que tomaba prestado mucho de esas dos series. Un día, Nagai observó un atasco de tráfico y se le ocurrió que de seguro sería fantástico para los conductores una manera para pasar por encima de los que estaban al frente. De este pensamiento vino su última inspiración: un robot gigante que podría ser controlado desde su interior, como si fuera un automóvil. En sus conceptos originales, el título para la serie era Energer Z, que era controlado por una motocicleta que accedía por la parte posterior de su cabeza (una idea que fue reciclada para la robot Diana A). No obstante, por el renombre repentino del “jinete de Kamen”, Nagai substituyó la motocicleta con un aerodeslizador. Él reajustó más tarde el título de la serie Energer Z, re-titulándola Mazinger Z para evocar la imagen de un dios – demonio (mA, 魔, significando demonio y Jin, 神, significando dios). Asimismo el adorno de la base de acople del Pilder de la cabeza de Mazinger Z lo toma prestado también de la serie de manga Nagai, el caballero del demonio de Dante (el prototipo para su más popular Devilman), en quien el demonio gigante tiene una cabeza humana (de Ryo Utsugi, el hombre joven que se combinó con él) en su frente. Es interesante que Koji Kabuto toma su apellido (la palabra japonesa para un casco) del hecho de que él controla Mazinger Z desde su cabeza. Serie televisiva El guión de la serie fue escrito por Susumu Takahisa y Keisuke Fujikawa, los directores fueron Yugo Serikawa, Tomoharu Katsumata, Nobuo Onuki y Bonjin Nagaki. El diseño de los caracteres estuvo a cargo de Yoshiyuki Hane y la música de fondo fue compuesta por Michiyaki Watanabe y Shunsuke Kikuchi para algunos fragmentos de la banda sonora. Hay varias continuaciones animadas, como Gran Mazinger (1974) y Mazinkaiser (2001), ésta última no basada en el manga ni cronológicamente hablando, pero contó con la colaboración de Go Nagai. Además, el protagonista Kōji Kabuto aparece en otras series del mismo autor como UFO Robo Grendizer. En esta última serie la música fue por completo de Shunsuke Kikuchi, en la que ya implanta su estilo musical particular que recuerda mucho a otra serie que también musicalizó, Dragon Ball Z . Personajes de la serie Nota: Los nombres en caracteres japoneses vienen en el orden apellido-nombre que se usa en Japón. * Kōji Kabuto (兜 甲児), protagonista y piloto de Mazinger Z. Koji es un huérfano, su padres murieron en un experimento y quedó bajo la tutela de su abuelo Juzo Kabuto, estudiante de secundaria, es como cualquier otro chico que deberá afrontar el destino de manejar al Dios-Demonio Mazinger sea para bien o para mal del género humano, aquí netamente, Go Nagai expone una teoría de que las máquinas y cualquier otro invento tecnológico puede ser usado para el bien o para la maldad dependiendo en que manos caiga. * Shirō Kabuto (兜 シロー), hermano menor de Koji. * Profesor Juzo Kabuto (兜十蔵博士), abuelo de Koji e inventor de Mazinger Z. * Sayaka Yumi (弓 さやか), la joven y bella hija del Profesor Yumi, es el interés amoroso de Koji, coprotagonista y piloto del robot femenino Afrodita A. * Profesor Gennosuke Yumi (弓 弦之介), científico colaborador de Juzo Kabuto y padre de Sayaka Yumi. * Profesores Morimori (もりもり博士), Sewashi (せわし博士) y Nossori (のっそり博士), un trío de científicos que trabajan junto al Prof. Yumi, reparando y mejorando a Mazinger Z y Afrodita A cuando es necesario. Muere victima de un atentado perpetrado por el Conde Brocken en la recta final de la serie. * Boss (ボス), el jefe de una banda de motoristas, que incluye a sus secuaces Mucha (ムチャ) y Nuke (ヌケ); ellos proveen el tono cómico a la serie. Aunque tontos y torpes, y en un principio en conflicto con Koji (ya que Boss está enamorado de Sayaka), se convierten en aliados de los héroes. Más adelante en la serie Boss pilota un robot construido de chatarra llamado como él, Robot Boss. * Doctor Infierno (ドクター・ヘル, Doctor Hell) es el científico loco que trata de ser el amo y señor del mundo, aterrorizando a la humanidad con sus enormes brutos mecánicos/mounstros mecánicos/bestias mecánicas. Muere junto al Conde Brocken en el penúltimo capítulo de la serie. * Barón Ashura o Barón Ashler (アシュラ男爵), el hermafrodita (mitad hombre, mitad mujer) lugarteniente del Dr. Infierno, quien trata por todos los medios de destruir a Mazinger y ayudar al Dr. Infierno a conquistar el mundo, según el manga original, éste cyborg fue la unión de dos antiguas momias emperadoras Mikenes, los cadáveres fueron partidos a la mitad y la mitades de un hombre y una mujer se unieron dotándole de cierta vida orgánica inexplicable por el Dr. Infierno. Fallece en el capítulo 78 tras estrellar su fortaleza submarina contra Mazinger Z en un ataque suicida. * Conde Brocken o Conde Decapitado (ブロツケン伯爵, Count Brocken), un antiguo oficial alemán resucitado en un cyborg, que tiene su cabeza separada del cuerpo, y actúa como rival del Barón Ashler, tratando de destruir a Mazinger por su cuenta para ganar el favor del Dr. Hell/Infierno, a diferencia de Ashler, en la serie se aprecia por completo que se trata de un cyborg con algunas partes orgánicas. Muere junto al Doctor Infierno cuando su fortaleza volante explota tras un combate cuerpo a cuerpo con Mazinger Z. * El Vizconde Pigman (ピグマン子爵), otro extraño secuaz del Dr. Infierno, que utiliza magia negra. Se trata de un pigmeo de cuya cintura se desprende el cuerpo de un guerrero corpulento. Muere en el capitulo 87 tras haber desobedecido órdenes directas del Doctor Infierno y haber intentado tomar el instituto por su cuenta. * El Duque Gorgón (ゴーゴン大公), un antiguo y misterioso aliado del Dr. Infierno, es un híbrido (mitad centurión romano y mitad tigre) a quien más adelante en la serie le provee unas bestias mecánicas muy poderosas para combatir a Mazinger, en principio, Gorgon, actuó como fuerza de avance de una vieja raza oculta bajo tierra llamada Mikenes que desean salir a recuperar su territorio después del terrible terremoto que sufrió su civilización siglos atrás siendo confinados subterráneamente donde desarrollaron tecnología para escudar sus frágiles cuerpos dando origen a monstruos poderosos. * Ricoh ó Kozinger, ayudante e impostor del ayudante del estadounidense Dr. Bernard que desarrolló para Japón las alas de Mazinger, el JetScrander, éste soldado infiltrado en el laboratorio de investigaciones fotónicas tenía la capacidad de lanzar rayos de sus ojos para incinerar a seres humanos de un solo disparo. Aparece en el capitulo 33 "El Ataque Aéreo del Monstruo Volador Baras K-9". Aunque no se muestra claramente, todo hace suponer que muere durante el bombardeo al Instituto perpetrado por la bestia "Genocider F9" en el capítulo "Batalla en el cielo centellante". * Asuma Kasuma, este aparece solo en un capítulo y era el enamorado de Sayaka quien muere para salvarla del baron Ashler. Mazinger Z alrededor del mundo Europa Desde Japón y la mayoría de los países en el Lejano Oriente, Mazinger encontró audiencia en muchas partes del mundo, y ha sido traducido en muchos idiomas. En Europa, Mazinger fue televisado en España e Italia, en éste último país se creó un opening propio con músicos locales, con un éxito asombroso. Extrañamente, no fue mostrado en Francia hasta a finales de los '80, por ello, fue hecha una versión en el francés junto con el tema de entrada regrabado en francés y fue percibido como una imitación de Grendizer, aun cuando este era el original. La inconsistencia en la distribución de las series de Mazinger fuera de Japón condujo a una confusión similar en otros mercados de Occidente. América y Asia Mazinger Z también fue mostrado en países de Latinoamérica (con un doblaje del español hecho en México hecho en su parcialidad) y sin corregir (La versión Española fue editada a 30 episodios), además de otra versión en español que se presume de origen venezolano o cubano, en la cual los personajes conservan la misma voz hasta "Gran Mazinger" (Investigaciones posteriores indican que probablemente el doblaje de dicha versión fue hecho por actores cubanos, que por aquellos años hacían excelentes doblajes de animes japoneses, y se dice que fueron contratados en Venezuela para poner sus voces en dicha serie). El Show ha mantenido una gran admiración desde sus inicios. Entonces, en 1985, el show salió al aire en los Estados Unidos con el título de Tranzor Z. Poco semejante a como había sido llevado el show de Manzinger, Tranzor Z fue excesivamente editado y acortado a 65 episodios, la producción estuvo dirigida por Bunker Jenkins, supervisada por Jim Hodson, y quien creó la música para Tranzor Z fue el compositor Doug Lackey, misma música que fue producida y almecenada por Three Bee Music para Warner Bros. en Los Ángeles, California, con el storyline cambiado además de cambiar los nombres de la mayoría de los personajes. La reescritura y la re-edición del show para la audiencia de los Estados Unidos fue hecha porque el contenido del show era supuestamente muy violento, y no estaba permitido (y aun sigue sin serlo) en un show que está dirigido mayoritariamente a niños y adolescentes. El contenido en la serie original fue, de hecho, altamente explícito y gráfico en términos de violencia, muchas veces mostrando (junto con las obvias batallas de robots gigantes) violentas muertes de personajes de fondo, gente corriendo y gritando mientras ciudades japonesas como Tokyo y Yokohama son destruidas y aplastadas por maquinas bestia y espantosas escenas de accidentes (una escena muestra un avión comercial lleno de gente volando a través de una nube, para luego chocar contra una gigantesca fortaleza de aire "Gore" construida por los "chicos malos", matando a todos los pasajeros), escenas blasfémicas cuando Koji reniega la existencia de Dios al morir Elica un Cyborg, o Koji crucificado tres veces a la manera de un Cristo (también Mazinger y Gran Mazinger son crucificados en sus respectivas series), alusiones de índole sexual como el capítulo en que se semidesnudan Elica y Koji después de una fuerte tormenta en una montaña, también de "rebeldía" en cuanto a Sayaka, protagonista femenina, una mujer ruda en sus modales y atrevimientos que para la época causaban crispación debido a que iba en contra de la moral de la mujer sumisa, éste y otros contenidos fueron considerados violentos u obcenos para un show que debía ser considerado como "caricatura para niños". Sin embargo, muchos fans de anime argumentan que la edición de las series ocasionan un bajo raiting durante su restricción en los Estados Unidos. Alternativamente, hubo otro doblaje del inglés del show que estaba más apegado a la versión japonesa original; con la excepción de tener los mismos nombres de todos los personajes, el título del show y aun una versión en inglés de la canción original japonesa. No se tiene claro cuantos episodios se les dio este doblaje, o quien fue el que los produjo (Aunque fue probablemente antes de la versión de Tranzor Z). Este doblaje más preciso fue producido en Hawaii, ese doblaje en inglés fue dejado la interpretación original en inglés del cantante japonés Isao Sasaki que fue quien la versionó en inglés (la otra versión del tema sería también versionada por el cantante que la cantó en japonés Ichiro Mizuki años más tarde en el CD llamado "The legends of Mazinger" hecho, el doblaje por la compañía M.&M. Communications Inc. subsidaria de MK Company en los estudios de Commercial recording de Honolulu, en Hawaii, (parte de Estados Unidos), aunque no sería el único doblaje en Estados Unidos que se hiciera, basta agregar que de los doblajes en Estados Unidos al doblaje al español serian hechos por Cadicy International (hoy, First Line Productions) y de Audiomaster (una extinta empresa mexicana de Televisa). Los doblajes de Hawaii fueron después puestos al aire en las Filipinas, donde el doblaje fue continuado por una transmisora local anteriormente a la cancelación del show por orden de Ferdinand Marcos. Medio Oriente En el doblaje Árabe, titulado "Mazinjer", fue hecho en un intento al efectivo en una manía de Super Robot creados en países de habla árabe por UFO Robot Grendizer. Aunque no lo hizo tan bien como Grendizer, sigue encontrando popularidad y ganando una gran cantidad de fanáticos en países de habla árabe, incluyendo Egipto. Sin embargo, solo los primeros 27 episodios fueron traducidos (Existe la posibilidad de que el doblaje árabe hayan sido de los 27 producidos en Hawaii). Resto del mundo Hoy está disponible en formato DVD, en Chile se editó un DVD el año 2006 por la empresa Las Últimas Noticias, el cual sólo constaba de un compendio de capítulos; sin embargo, la distribución oficial bajo licencia está a cargo de la productora SeriesTv.cl que en estos momentos está lanzando la serie completa Remasterizada a razón de 8 capítulos por semana junto al diario Las Últimas Noticias.[cita requerida] Robots de la serie * Mazinger Z es el robot protagonista, pilotado por Kōji Kabuto, y su arma principal son los rayos de calor (calor nuclear, o rayos fotónicos, rayos fotónicos, varía según el doblaje) que brotan de su pecho, su nombre real de dicha arma en la serie original es "Breast of Fire" (fuego de pecho). * Afrodita A es la robot femenina, pilotada por Sayaka Yumi, y al igual que esta con Kōji, es el amor platónico de Mazinger. Su arma principal son dos misiles pectorales. * Diana A es el segundo robot femenino, pilotada por Sayaka Yumi, y al igual que con Afrodita A, esta ayuda a Kōji, cuya principal arma es el rayo aurora y usa una moto que se conecta a la cabeza del robot al igual que el Pilder de Mazinger. * Robot Jefe / Boss robot es un robot construido a base de chatarra, fue desarrollado a petición de Boss, por los 3 profesores que siempre trabajan en el laboratorio. Representa la parte cómica del programa y frecuentemente rivaliza con Mazinger Z y con Gran Mazinger; por lo regular aparece en situaciones en las cuales Mazinger esta a punto de ser liquidado. * Minerva X es la robot femenina creada por Juzo Kabuto (abuelo de Koji) para ayudar a Mazinger Z pero fue robada por el Doctor Hell y modificada para pelear en contra de Mazinger Z pero tiene un dispositivo que hace que no actúe en contra de Mazinger Z sino solo ayudarlo, ese dispositivo computador se llamaba circuito-doble, circuito-par, o circuito-gemelo, según el doblaje que se trate, y era una computadora gemela que se coordinaba con la de Mazinger Z para que funcionaran como pareja, dicha computadora no pudo ser reprogramada por el Dr. Hell. * Gran Mazinger es el robot que aparece en el último capítulo de Mazinger Z, el número 92, y el que lo ayuda en la batalla final y evita la destrucción de Mazinger Z. Tiene más poderes y habilidades que Mazinger Z. * Monstruos Mecánicos/Brutos Mecánicos Estos robots eran en su mayoría autónomos (salvo dos de ellos que fueron controlados por el Baron Ashler y el Conde Decapitado respectivamente) y eran los enemigos de Mazinger Z en cada episodio. Estaban equipados con toda clase de armas. Algunos asemejaban animales, otros bestias mitológicas y algunos otros tenían forma humanoide, incluso hubo uno que rindió homenaje al Baron Ashler tras su muerte adoptando su fisionomía. (Sin casting de referencia) Se refiere a un doblaje existente de origen desconocido en donde para Koji Kabuto y Sayaka Yumi no cambian los actores ni voces en dichos personajes, con un doblaje completo y uniforme, es el mismo que aparece indicado en el listado de capítulos, hay que hacer hincapié también en que, son exactamente las mismas voces fueron utilizadas para su secuela Gran Mazinger, ambas que, no fueron dobladas por Audiomaster ni Cadicy. Por la calidad de la grabación permite suponer que fue realizada en años posteriores a los de Cadicy y Audiomaster.[cita requerida] Mezcla de doblajes (Versión de Cadicy International) La versión de la serie transmitida en gran parte de los países de Latinoamérica fue la unión del doblaje de los primeros 30 capítulos hechos por actores cubanos y los hechos por Audiomaster con actores mexicanos que corresponden al resto de la serie, aunque no en tal orden, ya que, por ejemplo, en esta mezcla de la serie se observa la secuencia de doblaje del capítulo 1, 2 y 3 por actores cubanos, y los 4 y 5 por mexicanos, y vuelven actores cubanos con el 6 y 7, aunque esta inconsistencia de doblaje no se repitió más adelante, ya que predominantemente al principio fue doblaje de actores cubanos y después de Audiomaster con los mexicanos. Dicha versión también se retransmitió por algunas cadenas de España. Cadicy realizó los doblajes de algunos OVAs como "Mazinger vs. el general negro", "Gran Mazinger vs. Grendizer" (Ambas exhibidas en cines mexicanos de manera ilegal como "Mazinger la película", "Gran Mazinger vs. Getter Robot" y "Gran Mazinger vs. Getter Robo G" (Exhibida en México en cines como "Mazinger 2 la película" mismas que fueron comercializadas en México también por la empresa Videomax en formato Betamax totalmente hechas con las voces únicamente de actores cubanos, una adaptación errónea que se hizo en el doblaje fue la de llamar "Koji" a "Tetsuya Tsurugi" dentro de los OVAs de Gran Mazinger sólo con fines comerciales de uniformizar la exhibición de los filmes. Televisoras (Broadcasters) Canal Televisora Horario País/Ciudad Año Cobertura 1 TVE España 1978 Nacional 3 Radio Televisión Guatemala S.A. 17:00 Guatemala 1981-1986 Nacional 4 Telecorporación Salvadoreña 17:00 El Salvador 1981-1982 Nacional 4 Venevisión 18:30 Venezuela 1983-1984 Nacional 5 UCV Televisión 18:00 Chile 1984 Metropolitana, V Region 5 Televisa 17:00 México 1984-1986 Nacional 9 LS 83 9:30 Argentina 1985/6 Nacional 9 Televisa/Telever México/Veracruz 1988 Regional 13 Televisión Azteca 16:30 México 1994 Nacional 7 Televisión Azteca 16:00 México 1995 Nacional 7 Televisión Azteca 7:00 México 1996 Nacional 7 Televisión Azteca 10:00 México 1997 Nacional 7 LS 82 18:00 Argentina 2005 Nacional Curiosidades * Existen registros de otro robot de nombre Mazinger Z, de un cómic que en el año 1978 la editorial Valenciana publicó con el nombre de "Mazinger Z, el Robot de las Estrellas", basado en la película de nombre “Mazinger-Z, The Iron Superman”, producida por Goler Films S.A. y dibujada por José Sanchís Grau , creador del gato Pumby. Este segundo Mazinger se llama en realidad "Mach Baron". * En Corea se realizó una serie animada llamada Robot Taekwon V, en 1976, cuyo personaje principal en su diseño prácticamente es idéntico a Mazinger, con algunas diferencias en su cabeza; esta fue una de las tantas imitaciones coreanas que también harían con Grendizer. * Hace algunos años, se especulo sobre la posibilidad de llevar a Mazinger Z a la pantalla grande, pues según los rumores afirmaban que los derechos de la serie los había adquirido el director de cine James Cameron (Titanic, Mentiras Verdaderas, etc.). El seria el responsable de una nueva version cinematográfica de Mazinger Z, con elenco aún no definido. Todo quedo en rumores solamente. * Al principio de la serie se establece que los robots con los que el Doctor Infierno se lanza a la conquista del mundo fueron reconstruidos por un grupo de científicos entre los que se encontraba Juzo Kabuto. Sin embargo en muchos episodios se puede observar a muchas bestias mecánicas que están siéndo terminadas o se menciona que son la última creación del Doctor infierno, jamás se aclara cuales robots fueron ensamblados por los científicos y cuales por el villano de la serie. * En el primer capítulo, el Baron Ashura asesina a una mujer joven de nombre "Rumy", nunca más se hace mención sobre quien era esta chica, al menos no en la versión con "doblaje de Cadicy International" (En la versión Española emitida por TVE se menciona que "Rumy" es la hermana de Koji y Shiro Kabuto, esto se hace solamente en el episodio 1) * En el episodio Número 10 "Dayan la mano de Hierro" Mazinger utiliza sus falanges como misiles, dicha arma no tuvo precedente y jamás fue utilizada nuevamente. * La proporción del Robot Boss (Conocido también como Robot Jefe) cambia continuamente a lo largo de la serie, algunas veces se le ve de una altura menor a la de Afrodita A, algunas veces se le ve mucho más grande y otras parece tener la altura de Mazinger Z. 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HISTORIA DEL DISCO DE VINILO En 1881 Thomas Edison (1847-1931) creó un aparato capaz de transformar la energía acústica en mecánica: el fonógrafo.Los sonidos se grababan en un cilindro de cera; para escucharlos, una aguja, unida a un audífono de considerable diámetro,debía recorrer los surcos para poder recoger las ínfimas vibraciones allí escritas. El sonido era malo y cada grabación podía tocarse sólo una vez. [align=center][/align] A los 25 años, el joven Berliner (1851-1921) inventó un micrófono de carbón para el teléfono e inmediatamente vendió los derechos a la Compañía Telefónica Bell, que así pudo comercializar masivamente el artefacto. Con los 50,000 dólares que recibió, empezó a trabajar en un método de grabación que superara a los cilindros de Edison y Bell. En 1887, Emile Berliner, inventó un sistema de grabación que podía ser usado una y otra vez, además de que podían hacerse muchas copias de la grabación original, a bajo costo. Cambió el cilindro por un disco plano, primero de vidrio, luego de zinc y más tarde de plástico. Los sonidos eran grabados en ranuras onduladas y "leídos" por una aguja, que transmitía el patrón de vibraciones a un diafragma, el cual reproducía entonces los sonidos originales. Berliner patentó su invento, el gramófono. [align=center][/align] Otro inventor, Elridge Johnson, patentó un motor de resorte para el gramófono, el cual hacía que girara a una velocidad fija, con lo que se acababa la necesidad de darle vuelta a una manivela. Berliner fundó su propia compañía para producir masivamente sus discos sonoros, así como el gramófono para tocarlos, estableciendo sucursales en Gran Bretaña y Alemania, con el objetivo de cubrir también el mercado europeo. Para promover sus ventas, se le ocurrió convencer a varios artistas populares para que grabaran su música usando su sistema. Uno de los primeros en firmar contrato con la compañía de Berliner fue el italiano Enrico Caruso. Thomas edison inventor fonografoEmile Berliner Gramafono Las grabaciones se realizaban en el estudio de la compañía en Camden, Nueva Jersey. Enrico Caruso cantaba hacia el interior de una bocina conectada a la máquina grabadora. El operador era el señor Child, quien trabajaba en la máquina detrás de una mampara y le hacía señales a través de una pequeña ventana. Nadie estaba autorizado a pasar detrás de la mampara, ya que ahí estaban los secretos de la compañía de Berliner. Los músicos que acompañaban a Enrico se sentaban en bancos de diferentes alturas, al fondo de la habitación. Sus posiciones relativas permitían controlar el volumen del sonido, ya que no existían amplificadores en esos días. El cantante empezaba por cantar con la orquesta. Al terminar, les decía a los músicos qué cambios quería y cantaba de nuevo. Cuando estaba listo, le hacía una señal al operador y volvía a interpretar la canción, que se grababa en un disco de cera. Caruso y Child escuchaban la grabación una sola vez, porque el disco de cera se iba destruyendo al tocarlo y la discutían. Si les parecía que no había quedado bien, volvían a grabarla, cuantas veces fuera necesario. En ocasiones un violín sonaba demasiado fuerte, por lo que el violinsta movía su banco un poco más para atrás. Si a Enrico no le gustaba cierto tono de su voz, insistía en hacer otra grabación. Por fin, después de dos horas, podía lograrse un disco satisfactorio. Ese disco de cera era usado para hacer el disco maestro de cobre, del que se imprimían posteriormente las copias en discos de pasta negros. Enrico Caruso se convirtió en el cantante más famoso y mejor pagado de su época. Es indiscutible que se vio claramente beneficiado por ser el primero en grabar discos y, por lo tanto, en tener la oportunidad de entrar a las casas de la gente, gracias al gramófono. El gramófono de Berliner y su método para duplicar discos fueron eventualmente adquiridos por la Compañía Victor Talking Machine, que después se convirtió en la RCA. [align=center][/align] Por eso a Nipper, el perro que aparece en dicho cuadro escuchando un gramófono, se le conoce como "el perro de la RCA". Pocos saben que nació en Bristol, Inglaterra. Al morir su amo, se convirtió en la mascota de los hermanos Mark y Francis Barraud. Enrico Caruso Gracias a las válvulas electrónicas, inventadas en 1925, fue posible amplificar el sonido antes y después de grabar disco. Basándose en una idea lanzada en 1888 por el estadounidense O. Smith, el danés Valdemar Poulsen (1869-1942) patentó en 1900 el telegráfono, que grababa los sonidos en un hilo de metal que se desplazaba entre polos de un electroimán. [align=center][/align] Nacía así la grabación magnética. El alemán Pfeumer hizo más práctico el procedimiento al inventar en 1928 la primera banda magnética con base de papel, a la que sucedería una banda de plástico recubierta por una capa ferromagnética. A pesar de estos progresos, hasta la Segunda Guerra Mundial no se perfeccionaron los procedimientos mecánico y magnético, gracias a los discos de vinilo de los 16, 33 y 45 revoluciones por minuto (1948, disco de microsurcos de larga duración; 1958, disco estereofónico). Para la grabación se emplea un disco de aluminio recubierto de acetato y buril (rubí tallado) que se desplaza según las vibraciones sonoras. A partir de 1940 aparecen los primeros DJ’s como animadores de las tropas norteamericanas en objetivos transoceánicos. Durante la Segunda Guerra Mundial ,personas armadas con tocadiscos,un puñado de discos y un amplificador básico amenizaban a las tropas en su tiempo de descanso, con músicas de Glenn Miller ,The Andrews Sisters o Benny Goodman . El 21 de junio de 1948, un equipo de la CBS, bajo el mando del ingeniero Peter Golmark, presentó en el Hotel Waldford Astoria de Nueva York el disco de larga duración fabricado en una resina de polivinilo. Este nuevo sistema acabaría por imponerse sobre sus antecesores, el gramófono y el fonógrafo.El disco de vinilo apareció como un formato de larga duración en plena era de dominio del gramófonos sobre el fonógrafo. [align=center][/align] El disco de vinilo se impuso con rapidez por sus muchas ventajas: Se aumentó la duración de la grabación desde los 4 o 5 minutos del fonógrafo y el gramófono hasta 45 minutos. El vinilo era un sistema estereofónico, mientras que los sistemas de grabación y reproducción utilizados hasta entonces eran monoaurales (toma de sonido por un solo canal). Los discos de vinilo daban mucha mayor calidad de sonido. Se eliminaban los molestos ruidos del arrastre de la aguja sobre el disco de pizarra del gramófono o sobre los cilindros de cera del fonógrafo. Aproximadamente hacia 1985 el disco de vinilo fue desplazado por el CD, de menor tamaño y mayor durabilidad aunque, a costa de perder calidad sonora.La Crisis del vinilo comenzaba,todas las discográficas comenzaron a editar todo en cd y dejar de lado al vinilo,se pensaba que era el fín del vinilo,pero compañias independientes seguian editando en vinilo principalmente para disck jockeys,que se resistian al cambio al cd debido a que no conseguia la misma calidez de sonido y sobre todo al no poder tocarlo y poder realizar el famoso scratch que realizan. A pesar que el CD se ha impuesto sobre el disco de vinilo, éste se sigue editando en pequeñas cantidades y utilizada tanto por los Disc jockeys como por los audiófilos (personas que son fanáticas del sonido y poseen equipos de muy alta calidad). A día de hoy se puede decir que el vinilo esta volviendo,la gente esta volviendo a sacar de sus trasteros los tocadiscos y saborear el placer de las grandes caratulas. EL vinilo vuelve, después de muchos años que la gente pensaba que este formato había desaparecido vuelve con más fuerza que nunca, los fabricantes de vinilos están relanzando sus catálogos con prensados de alta calidad: 180 grs y 200grs. Las ventas de Tocadiscos han crecido,y el mercado dispone de nuevas marcas dispuestas a revolucionar el mercado,como por ejemplo la gran novedad nipona.EL LECTOR LASER DE VINILOS,este nuevo aparato ofrece prestaciones semejantes a los de los modernos reproductores de CD, como el tiempo transcurrido y el que falta y un magnifico sonido digital. Todo ello con la garantía de no estropear el disco por una aguja en mal estado, vibraciones o golpes. Lector laser viniloTransrotor [align=left][/align] El vinilo es un material plástico y sólido, que se presenta en su forma original como un polvo de color blanco. Se fabrica mediante la polimerización del cloruro de vinilo, que, a su vez, es obtenido de la sal común y del petróleo. La grabación del vinilo se inicia con el master ya creado, el corte del cobre es el primer paso para la producción del disco micro surco. Después de haber colocado el cobre en el torno, la señal sonora que proviene de nuestro mastering se convierte en movimientos que realiza la aguja o estilete grabador encima de la placa, creando así el microsurco. Una vez efectuado el corte se procede a verificar la calidad del surco y ya terminada la fase de mastering, la placa de cobre se convierte mediante un proceso de galvanizado en un estampador. La pasta de vinilo es prensada con la placa de cobre que se a creado como estampador, ya etiquetada con su galleta impresa le sigue la fase de pulido y finalizando con el proceso de enfundado. Así se graba el vinilo, ya lo tenemos listo para su utilización y comercialización. Pero el vinilo es también algo más. Se trata del material del que han sido hechos muchos sueños desde casi la era del fonógrafo. El ruido de fondo siempre era una especie de huevo frito, un crujido dando vueltas y vueltas en el tocadiscos a 45 ó 33 revoluciones por minuto. ¿Pero no había muerto el vinilo? [align=center][/align] Si atendemos a la situación actual del mercado, entendido como las listas de ventas, da la impresión de que el vinilo hubiese desaparecido de la faz de la tierra para quedar relegado a las catacumbas que habitan los puristas del sonido analógico, que deambulan por tiendas especializadas de vinilos. Pero no ha desaparecido, sino que, encima, vive una segunda juventud, una especie de revival alimentado tanto por películas, como por la subterránea labor de sellos discográficos que aún editan sus vinilos en un mercado para DJ's que prefieren el vinilo al CD. [align=center][/align] En un Time Out se publicaba un artículo sobre el renacimiento del vinilo y del mercado de singles y long plays. En él se incluía la llamada teoría Neil Young. El ilustre autor norteamericano piensa que, como el CD tiene un formato digital no es música como tal, sino sonido dispuesto en forma de códigos binarios, podemos advertir absolutamente todos los detalles de una canción la primera vez que la escuchamos. Y, como nada se esconde a la sensibilidad del oído, el cerebro no se siente impulsado a poner el CD por segunda vez. «En realidad, no estás escuchando música -añadía-, sino códigos y dígitos, tonos y frecuencias que recrean el sonido de la música». El vinilo, por el contrario, siempre depara sorpresas, puede que Neil Young sea un paranoico y esté un poco loco, pero eso no le quita parte de razón. Han pasado ya muchos años desde que la industria las grandes multinacionales como Sony no sólo publican discos, sino que crean y desarrollan equipos de alta fidelidad, lectores de CD, presentó al gran público la superioridad del compact respecto al vinilo en lo que se refiere a la calidad del sonido, nitidez o limpieza. Además -sonreían-, un compacto nunca se raya. Si obviamos lo ridículo de esta última afirmación (un CD rayado es muchísimo peor que un long play rebelde a la aguja), hay una forma de probar esto: ponemos un vinilo de 180 gramos, los más duros y resistentes, y un CD del mismo título. En una primera escucha, tenemos la impresión de que el CD suena mejor, tal es su brillantez y claridad; poco a poco, en segundas y terceras audiciones, las preferencias se igualan, pero, al final de la sesión, un vinilo produce una menor sensación de cansancio o saturación. El sonido orgánico de un acetato es más natural. El vinilo es algo tan bonito, tan visual, que no se puede comparar estéticamente al CD. Las portadas de los discos en formato grande son mucho más atractivas e impactantes y, bueno los 'singles' de vinilo son el objeto más pop que nunca se haya inventado. Es un formato perfecto para la música y el tamaño ideal para el diseño. Y si tienes un buen plato (tocadiscos) y un buen equipo en casa, suenan de maravilla. Creo que el sonido es mejor, más cálido y dulce. Muchos serán quienes se pregunten cómo puede resultar mejor el sonido de un giradiscos que el de un reproductor de CD. Pero la razón es bastante simple, dado que lo más importante reside en la naturaleza del sonido, y sólo después, en la calidad del soporte. El sonido de un disco de vinilo es analógico desde la fuente hasta la salida; no experimenta cambios de onda decisivos en un buen equipo. La información sonora de un compact es, en cambio, digital. Al salir, se debe convertir nuevamente en analógica y, para ello, ha de reducir las curvas originarias de sonido a 0 y 1, con lo que se pierden matices. Quizás sea esa la razón por la que, el pasado año, Sony/Philips lanzó la idea del reproductor de CD Super Audio, con el reclamo de que el sonido poseería «la misma calidez del vinilo». [align=center][/align] ¿Para qué, entonces, crear el compacto? ¿Tendrá algo que ver con el capitalismo y la sociedad de consumo? Los vinilos ocupan demasiado espacio en la tienda de un centro comercial y, además, ofrecen una sensación de exclusividad que la industria no desea. El mercado potencial ha de ser lo más amplio posible y debe incluir a las personas a quienes la música no les interesa, pero la consumen como cualquier otro producto. La música electrónica ha sido fundamental, si la industria deja de fabricar platos, se muere el vinilo, pero si hay DJ's que pinchan vinilo, el asunto resulta interesante y se siguen vendiendo platos. En el futuro, es posible que el LP sea un capricho para 'fans', coleccionistas y amantes de la música, aunque pienso que seguirá vendiéndose e, incluso, crecerá un poco. Ahora existe un lector digital que lee vinilos, y eso es básico para que éstos sirvan de algo. Es como si te compras un cartucho antiguo de ocho pistas: ¿dónde lo pones, si apenas quedan reproductores?. Si comprar un clásico long play requiere cierto conocimiento e implicaciones musicales, el CD es puro populismo. En este sentido, un compacto es más un objeto que una obra de arte. No hay más que entrar en una tienda en la que aún conserven cierta sensibilidad y comparar la versión en vinilo con su correspondiente CD para darse cuenta de la diferencia: éste semeja una fotocopia cutre del primero y las reediciones parecen copias piratas. Quizás porque el CD no sea real, sino virtual, o porque ahora, con la tecnología del regrabado en los ordenadores, los soportes vírgenes y los escáners digitales, cualquiera puede hacerse uno en casa. Insisto: la comodidad y posibilidad de uso del compact disc no significa que sea el formato de mayor calidad. No hace mucho un físico de profesión, era capaz de identificar la obra grabada en un disco de vinilo mediante la mera inspección visual de sus surcos. El buen señor aseguraba que, con sólo mirar un disco de música sinfónica de cualquier época posterior a Mozart, podía identificar el compositor y, algunas veces, hasta los intérpretes. El caso fue tomado muy en serio por el Comité para la Investigación Científica de las Afirmaciones Paranormales, que, tras someterle a rigurosas pruebas, admitió que decía la verdad. El físico identificó correctamente dos versiones distintas de La Consagración de la Primavera de Stravinsky, así como el Bolero de Ravel, Los Planetas de Holst y la Sexta Sinfonía de Beethoven. Por muy asombrosa que nos parezca esta habilidad, la cuestión no viola ningún principio importante de la realidad física, ya que la información estaba presente en los surcos y lo sorprendente era sólo la manera de extraerla de ellos.

Tanto a mi como a muchos de ustedes supongo que les gusta el street art, asi que les dejo estos videos que se parten solos!!! Para los que no tienen idea de que se trata el street art aca va una reseña.... STREET ART O ARTE CALLEJERO El arte callejero o street art del término inglés, en su concepción más amplia y literal describe todo el arte desarrollado en la calle, normalmente de manera ilegal. Esto incluiría tanto al Graffiti como a otras formas diversas de intervención artística en la calle. Centros del arte callejero son Berlín, São Paulo y Toronto. Intervención mediante plantilla de Banksy. Sin embargo, desde mediados del los años 90 el término Street art o su equivalente de Post-Graffiti se vienen usando para describir el trabajo de un conjunto heterogéneo de artistas que han ido desarrollando acciones artísticas en la calle mediante el uso de plantillas, posters, pegatinas y otras técnicas y códigos que se alejan del Graffiti. El uso de plantillas (stencil) y pintura en spray, a menudo con un mensaje político, cobra especial relevancia en París en la segunda mitad de los años 60. Sin embargo, no es hasta mediados de los años 90, con la aparición de artistas como el norteamericano Shepard Fairey y su campaña "Obey" (Obey Giant) (Obedece al gigante), ideada a partir de la imagen del personaje de lucha libre americana Andre The Giant y llevada a cabo mediante el uso de posters y plantillas, cuando las diversas propuestas de este tipo cobran auge en distintas partes del mundo y son percibidas en su conjunto como parte de un mismo fenómeno o escena. El mensaje original de esta campaña, inexistente, se erigió haciendo referencia a sí mismo, sin otro significado más que el mismo medio. Sin embargo, desde mediados de los noventa ha sido una de la imágenes de cultura urbana más veces reproducida y parodiada por otros artistas y el artista responsable de esta campaña ha creado una potente empresa de merchandising con esta imagen. Se ha parafraseado a manera de homenaje y otras como ironía, pero ha servido como base importante para el desarrollo del arte callejero en todas las capitales del mundo. Póster de "Mañoso" en Mexicali, México. ¿Contenido reivindicativo? La temática del arte callejero suele considerarse asociada especialmente a la lucha social y a la protesta política. Sin embargo, las manifestaciones de protesta se han ido reemplazando por otras que "no reclaman nada" ver, lo cual ha instalado un debate sobre los objetivos reales de los artistas que actualmente intervienen el espacio público. Metodos Los metodos comunmente utilizados para el street art son: ¨las plantillas, desde las mas simples hasta las mas complejas; ¨Las Stickers, o pegatinas; ¨La simple pintura con spray WIKIPEDIA ACA LOS VIDEOS: link: http://www.videos-star.com/watch.php?video=WtI1h8-PPRw link: http://www.videos-star.com/watch.php?video=-aBvX_9K6rw&feature=related link: http://www.videos-star.com/watch.php?video=eaHyo3O1vkU&feature=related Algunas fotos de yapa! Bueno amigos los dejo por ahora, nos vemos y gracias!!!

Registrate y eliminá la publicidad! El rock y el satanismo Las relaciones entre Rock y Satanismo se remontan a las raíces del estilo y a los orígenes del rock and roll como género; así, ya en el campo del Blues, precedente más directo del rock, se recoge la popular leyenda que relata el encuentro de Robert Johnson con el Diablo, al que habría vendido su alma en el cruce de la autopista 61 con la 49 en Clarksdale (Misisipi), a cambio de interpretar el blues mejor que nadie. La leyenda tiene su reflejo en su tema "Me and the devil blues"; este tipo de imaginería influiría más tarde en bandas posteriores como Led Zeppelin. Asimismo, posteriormente, Elvis Presley y Jerry Lee Lewis fueron acusados por sectores de la Iglesia Católica, de promover el satanismo a través de su música, debido a la pronunciada sexualidad que se podía apreciar en ella, y la amenaza para la moral tradicional que ello suponía. La utilización de imaginería de tipo satánica u ocultista en el rock se fue incrementando a finales de la década de los años sesenta, como consecuencia del creciente interés por el Ocultismo y otras creencias alternativas a la convencionalidad que conllevó el Hippismo; The Rolling Stones publicaron el álbum titulado Their Satanic Majesties Request ("El requerimiento de sus satánicas majestades" y posteriormente su clásico tema Sympathy for the Devil ("erróneamente traducido al español como: Simpatía por el diablo; realmente la palabra Sympathy puede traducirse más acertadamente al español como Lastima", perteneciente al álbum "Beggars Banquet"; cobrarón gran trascendencia los sucesos ocurridos en el festival de Altamont, en el cual un fan fallecería durante la interpretación de este último tema a manos de los Ángeles del Infierno. Más aún al respecto, la portada del álbum de The Beatles "Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band" muestra, entre un amplio elenco de personajes, la fotografía de Aleister Crowley, conocido ocultista inglés. Más tarde, en el seno de Led Zeppelin, se dio un ferviente interés en la figura del citado Aleister Crowley, personaje por el que el guitarrista de la banda, Jimmy Page, cultivó una creciente admiración, llegando a adquirir su mansión y diversos objetos pertenecientes al popular hechicero; pero sería la banda inglesa Black Sabbath una de las que más explotaría la imaginería de tipo Satánico y ocultista en sus letras, en el diseño de sus álbumes y en su actitud; sobre la banda pesaba la leyenda en torno a la portada de su homónimo primer álbum, en el cual aparecía una misteriosa figura femenina de la cual se afirmaba que no estaba presente al momento de ser tomada la fotografía; asimismo, en la portada de su disco "Sabbath bloody Sabbath" entre otros símbolos aparece el "666". Este tipo de estética continuaría durante toda la carrera del grupo, y discos posteriores como "Heaven and Hell", incluían portadas de tipo provocativo o misterioso. Una supuesta maldición pesaba sobre el grupo, motivo por el cual portaban en todo momento unas voluminosas cruces metálicas, fabricadas por el padre del vocalista del grupo, Ozzy Osbourne, las cuales les acompañaron constantemente durante su carrera; el vocalista sería bautizado posteriormente por la comunidad rockera con el apelativo de “Príncipe de las Tinieblas”. Ozzy Osbourne y su esposa SharonDe igual manera, el disco Hotel California, de The Eagles, mostraba en su portada un edificio, que en su momento fue supuestamente identificado como la sede de la Iglesia de Satán de Anton LaVey, un movimiento conocido por hace hincapié en un aspecto filosófico del Satanismo. A finales de los setenta, irrumpe la banda AC/DC con el éxito "Highway to Hell"; en la portada del disco del mismo título, se puede apreciar al guitarrista líder de la banda Angus Young ataviado con cuernos y cola puntiaguda; este tipo de estética sería usada también en sus conciertos en vivo, y otros temas como "Hell's Bells", perteneciente a su álbum de 1980 "Back in Black" se servirían de recursos líricos y referencias al infierno o al diablo; este tipo de imaginería era usada por AC/DC de un modo más festivo y lúdico, y sustancialmente menos siniestro que el matiz que cobraba en Black Sabbath. Otra banda que se sirvió de la temática satánica en el rock fue la banda de Heavy Metal Iron Maiden, que encabezaría la nueva ola del metal británico, conocida como NWOBHM, con el disco titulado "The Number of the Beast" (1982), que incluía el tema del mismo título, un corte que se convertiría en su canción más emblemática, y que hacía referencia a la llamada Marca de la bestia. Un año más tarde, el grupo de Hard rock y Glam metal Motley Crüe se serviría también del Pentagrama invertido, un símbolo tradicionalmente satánico, en la portada de su álbum de 1983 "Shout at the Devil" ("grítale al diablo". Este tipo de referencias se convirtieron en habituales en otros muchos grupos, y en concreto en el campo del Heavy Metal se volvieron una temática recurrente, incidiendo en su aspecto más fantástico, y apartándose del interés suscitado en los años 60 por el ocultismo como creencia o filosofía alternativa a lo convencional. Y ya a finales de los noventa, cuando la imaginería de tipo satánico parecía haber sido agotada como recurso estético, Marilyn Manson la fortaleció, recurriendo a su lado más filosófico, y haciendo hincapié en la figura de Anton LaVey y su Iglesia de Satán, como una forma de oposición a la moral tradicional, mas que como una mera fantasía o una práctica de tipo trascendental y no falta decir que han tachado al grupo de español de folk-heavy metal Mägo De Oz por el disco de Gaia II: La Voz Dormida 82005) por las canciones de Aquelarre Y Diabulus In Musica. Al margen de todo ello, cabe hacer notar que determinados grupos de Black Metal, se consideran verdaderamente Satánicos en la acepción más tradicional del término, celebrando rituales, Misas negras y adorando al Diablo, habiéndose identificado en Escandinavia sucesos e incidentes relacionados con este tipo de prácticas entre las bandas del estilo; ello constituye una práctica minoritaria dentro del género, en el cual el Satanismo ha sido un elemento más de tipo alegórico o fantástico, que se une a un más amplio elenco de recursos líricos que conforman el género. Uno de los pilares del rock & roll de los sesenta (“The Beatles”) había sido acusado de incluir mensajes satánicos en el tema "Revolution 9" perteneciente al denominado "Álbum blanco", mensajes que habrían sido de tipo subliminal, grabados para ser escuchados al revés mediante la técnica conocida como "Backmasking"; asimismo, al término de la era Hippie, la conmoción por los asesinatos de Charles Manson, que reinterpretaría otro tema del mencionado album blanco de los "Fab Four", Helter Skelter, como una incitación al crimen, acrecentaría la especulación en torno a supuestos significados ocultos en las canciones del género. Muy posteriormente, Marilyn Manson, tomaría parte de su nombre artístico del apellido del popular asesino. En relación a estos supuestos significados ocultos, y al "Backmasking" en particular, cobraron posteriormente una especial popularidad, los rumores en torno al tema Stairway to Heaven, de Led Zeppelin, tema en el que, supuestamente, al pincharlo en sentido inverso, se podrían escuchar textos y frases completas relativas al diablo o de temática satánica. Más tarde, en 1990, Judas Priest se enfrentarían a un juicio en el estado norteamericano de Nevada, del que saldrían absueltos, debido al suicidio de dos de sus fans, según la acusación por un supuesto mensaje oculto mediante la citada técnica del Backmasking en el tema "Better By You, Better Than Me", perteneciente a su álbum de 1978, Stained Class. Muchos de estos rumores se desataron durante la década de los 80, principalmente en Estados Unidos. A ello ayudó la creciente influencia durante esta década, en EEUU, de grupos conservadores y sectores católicos fundamentalistas que sostuvieron tesis de este tipo; en 1985, Tipper Gore creó el PMRC, (Parents Music Resource Center o Centro de Recursos Musicales de Padres), una entidad encaminada a la persecución de determinadas temáticas o actitudes que consideraban perniciosas en el mundo del Rock; se dio en los EEUU durante la Era Reagan todo un ambiente de crítica de corte conservador a la imaginería usada habitualmente en el rock; ello facilitó el crecimiento de diversos rumores, uno de los cuales apuntaba a que el nombre de la banda de Hard Rock y Heavy Metal de New York "Kiss" era una sigla satánica que significaría Knights in Satan Service ("Caballeros al servicio de Satanás", además de que las dos últimas letras en el símbolo de Kiss parecerían ser rayos, "Signos Satánicos", que en realidad estaban inspirados en el símbolo de las SS, Servicio Secreto Nazi. Las puestas en escena con disfraces y maquillajes reforzaban, a juicio de los críticos, el argumento. Los Reagan en 1981Ayudó a alimentar este tipo de rumores, las muertes en circunstancias extrañas de estrellas como el primer cantante de AC/DC Bon Scott o John Bonham, batería de Led Zeppelin, ambos muertos por causa de abusos con el alcohol. Un caso especial es el asesinato de John Lennon, el 8 de diciembre de 1980 a manos de Mark David Chapman; Lennon fue asesinado frente a la puerta de su casa, el célebre edificio Dakota en New York, el cual ya arrastraba una leyenda negra como lugar de encuentros sátánicos a principios del siglo XX, debido a que fue habitado por el mencionado mago Aleister Crowley;[3] la leyenda cobró otros matices al rodar Roman Polanski en su interior el film "La semilla del diablo"; sufriendo, en 1969, tras estrenar la película, el asesinato de su esposa Sharon Tate, a la sazón embarazada, a manos del ya mencionado Charles Manson. SIMBOLOS En el mundo del rock se han sucedido determinados símbolos que en uno u otra ocasión han sido relacionados con el Satanismo o con significados e implicaciones demoníacas; algunos de ellos serían; -La famosa calavera, usada por algunos rockeros, (en el caso de Guns n' Roses cuatro calaveras situadas en los extremos de una cruz), ha sido en ocasiones relacionado con aspectos satánicos, o con la propia muerte. -Se ha aducido en ocasiones que la lengua extendida pudiera ser un símbolo satánico[cita requerida]; este símbolo es usado por los Rolling Stones como logotipo de la banda; al mismo tiempo, un conocido "Gimmick" o recurso escénico de Gene Simmons, bajista-cantante de la banda Kiss, consiste en sacar su lengua en actitud lasciva. -"S" Satánica; representa un "lighting bolt" o rayo cayendo, que según algunos significa "Destructor”[cita requerida], dicho símbolo es usado por varias formaciones, entre ellas el rayo del logotipo de AC/DC o la “S” usada en ocasiones para Black Sabbath; y sobre todo la usada por Kiss, en las dos últimas letras de su logotipo; también se puede apreciar en la "T" de Twisted Sister del álbum "you cant stop rock and roll". -La “mano cornuda” usada en el mundo del rock. Este símbolo fue popularizado por Ronnie James Dio, quién ha contado que tomó el mismo de su abuela, una dama italiana con supersticiones.Según él este símbolo era usado por su abuela para repeler el mal de ojo o para echárselo a otra persona. También hay quienes lo confunden con el símbolo del lenguaje de los sordomudos que significa "I love you"("te amo" en español). Este símbolo apareció por primera vez en el mundo del rock en la portada del álbum de Kiss "Love Gun" de 1977, en donde Gene Simmons aparece haciendo la señal pero con el pulgar extendido. -La cruz invertida y el pentagrama invertido: usada por numerosos grupos de Black Metal, Heavy Metal y por los satanistas en general, representan la negación del cristianismo y una abierta invitación a Lucifer. Ahora algunas imagenes de los famosos cuernitos!!!!! Y de yapa estos personajes... no se si heavys, pero cuernitos hacen!! LOS BUSH Bueno amigos taringueros eso es todo por hoy!! Y ya saben comentarios mas que bienvenidos!!!

Hola amigos taringueros!!! Aca toxxxina de nuevo, para mostrarles algunas de mis pinturas!!! Ojala les gusten!!!! Perdon por la calidad de las fotos, hice lo que pude con una camara que no es mia!!! Bueno aca van..... Estan hechas con acrilico, sobre fobrofacil, con base de latex blanco! Bueno amigos como siempre comentarios y criticas constructivas mas que bienvenidas!! Muchas gracias por pasar!

Bueno, aca les dejo mi arte, ya que no tengo nada interesante que decir, prefiero expresar todo con mis dibujos! Ojala les guste, y si quieren dejar comentarios seran agradecidos! Sepan que tambien las criticas son tambien bienvenidas. Bueno basta de chachara, aca les van.... Ojala les agraden!!!!!