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Así como lo leen, hoy les mostrare un par de cosas que deben de tomar en cuenta a la hora de enterrar al tieso por primera vez. El dejar de ser virgo es un evento que marca nuestras vidas, puede ser excelente, como también puede ser un recuerdo espantoso el cual no persiga por el resto de nuestra virgo vida. Para hacer que nuestra velada sea todo un éxito toma en cuenta lo siguiente. 1. Comprar 3 docenas de condones y mucho energizante No queremos que nuestra afortunada compañera piense que somos unos taringueros virgos que pasamos todo el día en taringa, hay que estar preparados para coger hasta el fin del mundo. 2. Consultar todos los libros de educación sexual que tienes en la biblioteca Para iniciados en la sexualidad recomiendo el siguiente libro. Para Taringueros experimentados recomiendo la revista playboy, y un par vídeos explicativos para entender mejor, uds sabrán donde los pueden ver mejor. (ojo sólo para pajeros avanzados). 3. Consigue que tus padres salgan esa noche, alegando que necesitan “revivir el romance” Aquí hay que tener mucho cuidado, no basta con tener la virgo cueva sola, hay que asegurarse de que la casa este absolutamente vacía, no tiene que estar ni el perro; esto por si a tu compañera le dan ganas de revolcarse por cada rincón de la casa, te aseguro que no vas a querer tener a tu mascota culeandote mientras estas distraido. 4. Mirar Virgen a los 40 Esto es solo para evaluar todo tipo de escenarios. Aunque no lo parezca esta película puede ser muy educativa.(al menos para un virgo) 5. Cambia el título de la playlist “SEXO” por algo más casual, como “Noche de Domingo” Sólo para que tu presa afloje más fácil mente. 6. Inventa una buena excusa para explicar por qué tu cuarto y computadora luce así. en mi caso mí computador luce así. 7. Roba unos cuantos cigarrillos del bolso de tu madre, por si ella quiere fumar después del sexo. 8. Organiza tu cajón de ropa interior de una manera más sofisticada. Sólo por si acaso 9. Deja un juego de mesa ordenado en la sala, por si tus padres llegan temprano y no sospechen nada. No queremos que nuestros viejos sospechen de los que estuvimos haciendo, en dado caso deberían sentirse orgulloso, porque su hijo de ahora en adelante forma parte de la población sexual mente activa. 10. Por favor, borra tu historial de internet, sabemos que no sales de poringa!, xvideos y demás paginas. Preferible mente no borres todo el historial selecciona la paginas una por una, para no levantar sospechas. 11. Y por último, no te deprimas, de seguro debiste perder tu virginidad hace ya muchos años, no dejes que te inexperiencia te averguence. Cuando estés sólo y triste recuerda que " el sol también esta sólo y sigue brillando". Fin del POST!

De todas las obras conocidas por su belleza o por su grandeza en la antigüedad, fueron siete las más famosas. De ahí el sobrenombre de "las siete maravillas del mundo". Lamentablemente, hoy, con una única excepción, no nos quedan más que las descripciones que hicieron los cronistas de la época. Comencemos. El Mausoleo de Halicarnaso El conjunto destacaba por la belleza de su diseño y por la riqueza de sus esculturas. En su construcción intervinieron los mejores artistas de la época: Piteo, Bryaxis, Leochares, Scopas y Timotheus. El mausoleo estaba dividido en tres partes: un podio de planta cuadrangular, una columnata intermedia con 36 columnas y un cuerpo piramidal coronado por una cuadriga. El edificio estaba adornado con numerosas estatuas de mármol que representaban caballos y hombres tallados de forma muy realista, destacando el hecho de que ninguna de las esculturas estuviera dedicada a los dioses de Grecia. Edificada en el año 350 a.C. El Mausoleo de Halicarnaso fue una tumba impresionante, hecha de mármol blanco, la cual llego a medir hasta 50 metros de altura, conto con cerca de 444 estatuas, y 117 columnas que sostenían el techo, para su construcción fueron convocados los mejores arquitectos, escultores y artistas de la época. Esta maravilla fue edificada en honor a Mausolo (de ahí el nombre “Mausoleo”) la cual dirigió su esposa Artemisa. El Mausoleo de Halicarnaso resistió los ataques de Alejandro Magno, de los Árabes e incluso de los bárbaros, pero un terremoto termino por derrumbarlo en el año 1404, reduciéndolo a ruinas. Gracias a esta increíble obra, en la actualidad, a los monumentos funerarios o tumbas grandes y adornadas, se les conoce como “Mausoleo” en honor al Mausoleo de Halicarnaso. Hoy, los restos de este antaño grandioso monumento ofrecen una triste estampa. El sitio sufrió ya en la Antigüedad, pero en la Edad Media todavía impresionaba. En 1522, los Caballeros de Rodas lo destruyeron hasta la última piedra y emplearon muchos de sus restos en la construcción del castillo de Bodrum. Estatua de Zeus Edificada en el año 430 a.C., La Estatua de Zeus de Olimpia (Actualmente Grecia) , como su nombre lo indica. Era una estatua maravillosa del más famoso de todos los dioses, Zeus. Fue esculpida en marfil, bañada de oro, adornada y conformada también por piedras preciosas, dicha obra fue realizada por un escultor clásico famoso, Fidias. La maravillosa estatua, de alrededor de 12 metros de alto, mostraba a Zeus sentado, con el torso desnudo y su manto cubriendo las piernas, una corona de olivo en su cabeza, sostenía una Niké (diosa de la victoria) en su mano derecha, y un cetro en la izquierda. La Estatua de Zeus, duro hasta entre los años 393 y 426, ya que en el 393 se prohibió el culto pagano y en el 426 se ordeno destruir los monumentos de Olimpia. El destino de la estatua se desconoce, en el siglo V después de Cristo los cristianos incendian el templo; según unas versiones la estatua desaparece en el incendio, según otras la misma había sido llevada hasta Constantinopla para salvarla por lo que pudiera pasar, pero en esa ciudad se pierde su rastro y nunca más se ha vuelto a saber de ella. En Olimpia se han hecho excavaciones en el templo y no se han encontrado restos de la misma, por lo que bien pudiera ser que la misma desapareciera durante su estancia en Constantinopla. El Coloso de Rodas Edificado en el año 392 a.C., El Coloso de Rodas, fue una enorme Estatua esculpida para el dios Helios (Dios griego del sol) situada en la isla de Rodas (Actualmente Grecia), dicha estatua alcanzaba los 32 metros de altura. Se cuenta que El Gran Coloso de Rodas se mantenía parado sobre la entrada del puerto, y era de tal magnitud que las embarcaciones podían pasar por debajo de sus piernas, aunque estudios y análisis recientes, sugieren que por el peso y la magnitud de la estatua, no sería posible mantenerse en pie en esta postura, por lo que pudo haber estado en otra posición. Cuando Rodas sufrió un terremoto en el 224 aC, el coloso se rompió de las rodillas, la parte superior cayó al suelo.. Por lo tanto, para los próximos 900 años las ruinas del Coloso de Rodas yacían en el suelo, que atrae a visitantes de todo el mundo para ser testigos de su escala. Cuando los árabes conquistaron Rodas en el año 654 AD, los restos se descompusieron y se transportan a Siria, y es probable que se vendieran por partes. Y así termina la historia de la maravilla de corta duración en el mundo antiguo, el Coloso de Rodas. Fue sin duda uno de las más formidables estatuas de la historia antigua y una de las menos apreciadas Lugar donde se supone estuvo situado el coloso de Rodas. El Faro de Alejandría La historia del Faro empieza en el siglo III a. de J.C., cuando Tolomeo II lo mandó construir siguiendo una idea de su padre. El Faro tenía 100 m de altura en un patio columnado. Se asentaba sobre un piso octogonal situado encima de una base cuadrada, y sostenía un nivel cilíndrico con una linterna en su cima, coronada por una estatua de Poseidón. Pero entre los siglos IV y XIV d. de J.C., una serie de terremotos acabó con él. Cuando el viajero árabe Ibn Battuta lo visitó en 1349, lo encontró "en tal estado de ruina que era imposible penetrar en él". Al cabo de más de un siglo, el sultán mameluco Ashraf Qaitbay mandó construir un fuerte en ese sitio. reconstrucción virtual del faro La reconstrucción gráfica que ha seguido siendo la vista popular aceptada del Faro hasta el momento, ha sido la elaborada por Herman Thiersch, un alemán que escribió un gran trabajo al que tituló "Faros" y que ha servido como una referencia normal desde que se publicó en 1909. Thiersch estudió imágenes de las monedas, terracotas, y ciertos mosaicos romanos en Libia y Jordania. También emprendió un estudio de varios alminares, incluso en Egipto, los cuales se piensa copiaron la forma del Faro. Hay un debate acerca de las posibles estatuas que se hallaban en el Faro, pues algunos autores suponen representaban a Poseidón, dios de los mares y Zeus. Otros han sugerido que hubo dos estatuas de los dioses Castor y Polux; los dioscuros griegos considerados protectores de los navegantes. Esta teoría esta basada en la inscripción de la dedicatoria que se talló en la pared del Faro, "Sostrato de Cnido, hijo de Dexífanes, en nombre de los marineros, a los salvadores divinos", mientras que la frase "salvadores divinos" habitualmente referida a éstos hijos gemelos de Zeus, pudo haber sido una ambigüedad deliberada para también permitirle referencia a Ptolomeo Soter ( El Salvador ) y su esposa Berenice e incluso a ambos ellos como verdaderos artífices de la construcción. El Templo de Artemisa Templo de Artemisa en Éfeso construido hacia 550 a.n.e y destruido por un incendio intencionado en 356 a.n.e “El Templo de Artemisa” se encontraba ubicado en la antigua ciudad de Éfeso, a unos 50 km al sur de la moderna ciudad portuaria de EsmirnaIzmir, en Turquía, en el valle a los pies de Ayasoluk por el rey Creso de Lidia la construcción de esta obra duró unos 120 años y fue dedicada a la diosa Artemisa. El 21 de julio de 356 a.n.e, fecha que coincide con el nacimiento de Alejandro Magno, un incendio destruyó totalmente el templo. El incendio habría sido desatado por un pastor llamado Eróstrato, quien, según los relatos, estaba loco. Un relato de Valerio Máximo que llega hasta nuestros días dice: "Se descubrió que un hombre había planeado incendiar el templo de Diana en Éfeso, de tal modo que por la destrucción del más bello de los edificios, su nombre sería conocido en el mundo entero". La Gran Pirámide de Guiza Situadas en la meseta de Giza a 18 kilómetros de El Cairo se encuentran las Pirámides, los monumentos más conocidos de Egipto y unos de los más antiguos del mundo. La construcción de las grandes pirámides comenzó sobre el año 2500 a.C. Hay 3 pirámides principales en Giza: Keops, Kefrén y Micerinos. Además de estas hay muchas otras pirámides menores. La pirámide más grande y famosa es la de Keops (Jufú), con sus 140 metros de altura y 230 metros de base (casi 1 kilómetros de perímetro), recibe también el nombre de Gran Pirámide de Giza. En un principio las pirámides tuvieron un revestimiento de caliza blanca, pero tras un terremoto se empezaron a usar estas piedras para la construcción de edificios en El Cairo. Actualmente podemos ver parte del revestimiento en la parte superior de la pirámide de Kefrén. Se cree que fue erigida para contener los restos del Faraón cuando muriera. Sin embargo, abundan otras teorías acerca de las Pirámides, algunas de las cuales arriesgan la creencia de que éstas fueron construidas como observatorios astronómicos y otras que sostienen que su posición tiene que ver con la guía de naves espaciales. Pirámide de Keops Los Jardines Colgantes de Babilonia Una de las leyendas acerca de la existencia de los Jardines Colgantes de Babilonia, atribuyen a este emperador la construcción de los mismos. Según esta leyenda, Nabucodonosor II tenía por esposa a Amytis, hija del rey de los Medos. Para complacer a su reina, Nabucodonosor II habría mandado construir los jardines, construidos de tal forma que recordaran la tierra natal Amytis, totalmente diferente a la región de Caldea. Otra leyenda dice que los Jardines Colgantes de Babilonia habrían sido construidos en el siglo XI a.C., por Shammuramat (conocida en el mundo griego como Semiramis), quien a la muerte de su esposo el emperador asirio Shamsidad V, gobernó el imperio como regente de su hijo Adadnirari III. Fue un gran gobernante; durante su regencia, los asirios conquistaron los grandes imperios de Egipto y la India. Cuando descubrió que su hijo conspiraba para derrocarla, el dolor la llevó al suicidio. La existencia de los Jardines Colgantes es también discutida. En las crónicas de las conquistas de Alejandro Magno, no aparecen menciones a ellos, como tampoco aparecen en crónicas de visitantes posteriores. En los escritos Babilónicos de la época, tampoco se encuentran referencias a ellos. Sin embargo, el geógrafo griego Estrabón, hace una descripción de los mismos en el siglo I a.C., diciendo: Este consta de terrazas abovedadas alzadas unas sobre otras, que descansan sobre pilares cúbicos. Éstas son ahuecadas y rellenas con tierra para permitir la plantación de árboles de gran tamaño. Los pilares, las bóvedas, y las terrazas están construidas con ladrillo cocido y asfalto. Posteriormente, un escritor judío que vivió en el siglo I d.C., describió a los Jardines Colgantes de la siguiente forma: Nabucodonosor ordenó levantar cerca de su palacio elevaciones de piedra, darles la forma de montaña y plantarlas con toda clase de árboles. Por deseo de su mujer instaló además un jardín como los había en la patria de ella. Las excavaciones arqueológicas recientes en la ciudad de Babilonia, descubrieron el lugar donde se encontraba asentado el palacio junto al cual, de acuerdo con algunas crónicas, se encontraban los Jardines. Al sur del palacio, otros hallazgos arqueológicos incluyen una construcción abovedada con paredes gruesas y un sistema de irrigación. Sin embargo, el historiador griego Estrabón había indicado que los jardines se habrían situado sobre el río Éufrates, mientras que la estas ruinas están alejadas algunos cientos de metros. Reconstruyeron el lugar del palacio y localizaron los Jardines en el área que se extendía del río al palacio. Paredes recientemente descubiertas, a orillas del río y que tienen 25 metros de espesor, podrían ser de forma escalonada, como las terrazas descritas en los antiguos escritos griegos. No obstante, las pruebas necesarias para avalar cualquiera de las teorías son insuficientes. Lejos aún se encuentran los arqueólogos e historiadores de confirmar o no su existencia. Fin del Post!

Dejando de lado a los realistas que usan la pintura como una forma expresión, protesta o denuncia del mundo como lo conocemos, hay pintura nos dejan perplejos, ya sea por su contenido gráfico o por mucho que cuesta tratar de comprender o visualizar lo que el pintor sentía y quiso transmitir con su pintura. Algunas pinturas están impregnadas de misterio y enigmas místicos y abiertas a miles de interpretaciones. Sin duda son obras que nos cautivan. 1. El grito de Edvard Munch 1893, óleo sobre cartón. National Gallery, Oslo El grito", la obra maestra de Edvard Munch, se convirtió en un símbolo mundial de la angustia que aparece multiplicado en reproducciones, inscripciones en camisetas, muñecos infantiles y una multitud de objetos, además de causar un debate incesante entre los expertos. ¿Pero exactamente qué está haciendo esa figura surreal en la pintura, agarrándose la cabeza con los brazos y abriendo la boca: grita o acaso oye un alarido? Aunque el público general parece seguro de que grita, los expertos no están de acuerdo. 2. El Guernica de Pablo Picasso 1937, óleo sobre lienzo. Museo Reina Sofía, Madrid Picasso renuncia al color para acentuar el dramatismo y sólo utiliza la gama de grises, el blanco y el negro,es lo que en arte se denomina grisalla. Es un cuadro “sonoro”, los personajes gritan, gesticulan y mueren bajo las bombas ciegas que con todo acaban. La denuncia de la violencia es aquí intemporal y ha sido siempre utilizada como un canto contra la sinrazón de la destrucción y la muerte en cualquier guerra. Picasso pinta a las cuatro mujeres en actitudes desesperadas, son la población civil indefensa, pero también al militar caído en la defensa y a los animales, ajenos a la locura humana. El expresionismo y el dolor están presentes en toda la obra. Una característica que el autor utiliza con frecuencia es la representación simultánea de varios planos en los rostros, como si los viésemos a la vez de frente y de perfil, de ahí un ojo diferente del otro, produciendo una visión globalizadora. A pesar de haber pasado la época cubista de Picasso, el pintor vuelve a utilizar los recursos cubistas.Técnicamente el Guernica tiene rasgos cubistas (reduce las formas naturales a formas geométricas) pero también emplea el expresionismo en los gestos extremos de los personajes y una gran pureza y definición de líneas que nos recuerda el neoclasicismo. 3. La última cena de Leonardo da Vinci 1495 -1497, mural al temple y óleo Santa Maria delle Grazie en Milán Leonardo ha escogido, puede que a sugerencia de los dominicos, el momento quizá más dramático. Representa la escena de la Última Cena de los últimos días de la vida de Jesús de Nazaret. La afirmación de Jesús «uno de vosotros me traicionará» causa consternación en los doce seguidores de Jesús, y ese es el momento que Leonardo representa, intentando reflejar "los movimientos del alma", las distintas reacciones individualizadas de cada uno de los doce apóstoles: unos se asombran, otros se levantan porque no han oído bien, otros se espantan y, finalmente, Judas retrocede al sentirse aludido. Aunque se basa en las representaciones precedentes de Ghirlandaio y Andrea del Castagno, Leonardo crea una formulación nueva. Como puede verse en el dibujo preparatorio, Leonardo pensó inicialmente en la composición clásica, con Judas delante de la mesa, y los otros once apóstoles en frente, con Jesucristo en el medio como uno más. Leonardo se apartó de esta tradición iconográfica e incluye a Judas entre los demás apóstoles, porque ha elegido otro momento, el posterior a su anuncio de que uno lo traicionará. Leonardo cambió la posición de Jesucristo, que inicialmente estaba de perfil hablando con Juan Evangelista, que parece en pie a su lado, (hay otro apóstol que también estaba de pie), y lo sitúa en el centro, hacia el que convergen todas las líneas de fuga, destacando aún más al perfilarse contra el ventanal del centro, rematado con un arco y separándolo de los apóstoles. A ambos lados de Jesucristo, aislados en forma de triángulo y destacados con colores rojo y azul, están los apóstoles, agrupados de tres en tres. La gran fama de ésta obra ha despertado el interés de muchos investigadores y también de algunos novelistas que buscan resolver los supuestos misterios y enigmas que la rodean, por ejemplo Clive Prince y Lynn Picknett en su libro La revelación templaria y Dan Brown en su novela El código Da Vinci afirman que la figura a la derecha de Jesús (izquierda según se mira), no es en realidad Juan, sino una figura femenina, las múltiples obras de arte que se han inspirado en el cuadro y las parodias existentes contribuyen a convertir a La última cena en una de las obras más magníficas en la Historia del Arte. 4. El Jardín de las Delicias de Hieronymus Bosch (El Bosco) 1500-1510, óleo sobre madera. Museo del Prado de Madrid El jardín de las delicias es la obra más conocida del pintor holandés. Se trata de un tríptico compuesto por una tabla central y dos laterales (pintadas en sus dos lados) que se pueden cerrar sobre aquella. Obra de gran simbolismo (que todavía no ha sido completamente descifrado), como El carro de heno y el Juicio Final, el Jardín de las delicias se sustrae a cualquier clasificación iconográfica tradicional. Tríptico abierto Al abrirse, el tríptico presenta, en el panel izquierdo, una imagen del paraíso donde se representa el último día de la creación, con Eva y Adán, y en el panel central se representa la locura desatada: la lujuria. En esta tabla central aparece el acto sexual y es donde se descubren todo tipo de placeres carnales, que son la prueba de que el hombre había perdido la gracia. Por último tenemos la tabla de la derecha donde se representa la condena en el infierno; en ella el pintor nos muestra un escenario apoteósico y cruel en el que el ser humano es condenado por su pecado. La estructura de la obra, en sí, también cuenta con un encuadre simbólico: al abrirse, realmente se cierra simbólicamente, porque en su contenido está el principio y el fin humano. El principio en la primera tabla, que representa el Génesis y el Paraíso, y el fin en la tercera, que representa el Infierno. 5. Los amantes de René Magritte 1928, óleo sobre lienzo. Bruselas. Colección particular Este conocido cuadro del pintor belga René Magritte (1898-1967) es una de sus obras más conocidas, y como buena parte de sus cuadros, enigmática e inquietante. Hay dos versiones de los amantes. En ambas los personajes aparecen con los rostros cubiertos con paños húmedos que nos impide adivinar quién está bajo las telas. En la otra versión los amantes aparecen uno junto a otro, pero en este caso sin besarse y en un paisaje natural. En este caso el fondo del cuadro es un fondo tenebroso, podría tratarse de un cielo tormentoso que vemos a través de una construcción abierta al exterior. Los personajes, que por las vestimentas parecen ser un hombre y una mujer, están enlazados y dándose un beso, aunque un paño blanco y húmedo les impide hacerlo con naturalidad. Un paño que se ha interpretado con el recuerdo del suicidio de su madre. Cuando la sacaron del río el propio artista la vio con una camisa mojada cubriéndole el rostro. La interpretación del cuadro es confusa. Por más que se relacione con la muerte de su madre, nada en este cuadro la recuerda ni parece relacionarse con este hecho, salvo el paño húmedo. Un beso de amor es el sabor de la persona besada, el olor y la calidez de los rostros rozándose mutuamente, o simplemente el contacto de las lenguas y los labios. El trapo húmedo actúa como barrera impidiendo que el beso en sí sea un beso de amor, eliminando esas sensaciones en los amantes. Algunos autores han querido interpretarlo como un beso furtivo de dos amantes cuya relación es prohibida a ojos ajenos a la misma, buscando el anonimato. También se ha interpretado el paño como una limitación de sus sentidos, privándoles del olor y la calidez del otro en el acto de besarse. La grandeza de Magritte reside en que con unos cuantos colores audaces y brochazos fuertes, y una composición relativamente simple consigue ilustrar una escena compleja, huyendo de artificios y simbologías complicadas y rebuscadas. 6. Las dos Fridas de Frida Kahlo 1939. Museo Frida Kahlo de Coyoacán, México Poco después de su divorcio de Diego Rivera, Frida completo este autorretrato de dos personalidades diferentes. Frida admitió que refleja las emociones que rodearon su crisis matrimonial. A la derecha representa la Frida respetada esposa y mexicana, vestida de tehuana en su mano sostiene un amuleto. A la izquierda una Frida bastante más europea con un vestido estilo victoriano, los corazones de ambas están a la vista, modo en que Frida nos refleja su dolor. 7. El retrato Arnolfini de Jan van Eyck 1434, óleo sobre madera. London National Gallery, Londres Representa al rico mercader Giovanni Arnolfini y a su esposa Jeanne Cenami, que se establecieron y prosperaron en la ciudad de Brujas (hoy Bélgica), entre 1420 y 1472. Al día de hoy, los historiadores del arte discuten exactamente la imagen que el cuadro presenta; la tesis durante mucho tiempo dominante, introducida por Erwin Panofsky en un ensayo de 1934, sostiene que la imagen corresponde al matrimonio de ambos, celebrado en secreto y atestiguado por el pintor. Sin embargo, muchas otras interpretaciones se han propuesto acerca del cuadro, y el consenso actual es que la teoría de Panofsky es difícilmente sostenible. En todo caso, la pintura —desde 1842 en la National Gallery de Londres tras desaparecer misteriosamente en 1813 del Palacio Real de Madrid— se considera una de las obras más notables de van Eyck. Es uno de los primeros retratos de tema no hagiográfico que se conservan, y a la vez una informativa escena costumbrista. La pareja aparece de pie, en su alcoba; el esposo bendice a su mujer, que le ofrece su mano derecha, mientras apoya la izquierda en su vientre. La pose de los personajes resulta teatral y ceremoniosa, prácticamente hierática; algunos especialistas ven en estas actitudes flemáticas cierta comicidad, aunque la extendida interpretación que ve en el retrato la representación de una boda atribuye a ello su aire pomposo. 8. American Gothic de Grant Wood 1930, óleo sobre aglomerado de madera. Instituto de Arte de Chicago, El cuadro ilustra a un granjero sujetando una horca (tridente) y a una joven mujer, enfrente de una casa de estilo gótico rural. Es una de las imágenes más conocidas del arte estadounidense del siglo XX y se ha convertido en un icono en la cultura popular siendo una de las imágenes del mundo moderno más reconocidas y parodiadas. Wood quería representar los roles tradicionales del hombre y la mujer, ya que el hombre sujeta un rastrillo simbolizando el trabajo duro. Wood tomó cómo modelos para el cuadro a su hermana Nan (1900-1990) y a su dentista el Dr. Byron McKeeby (1867-1950) de Cedar Rapids (Iowa). 9. Las manos lo resisten de Bill Stoneham 1972 La pintura fue creada por el pintor norteamericano Hill Stoneham, en 1972. Representa un joven junto a una muñeca, de pie, delante de una puerta con paneles de cristal contra el que muchas manos se presionan. Según el artista, el niño se basa en una fotografía de sí mismo de 5 años, y se interpreta como que la puerta es una representación de la línea divisoria entre el mundo de vigilia y el mundo de los sueños y posibilidades, y la muñeca es una guía que acompañe al niño a través de ello. Las manos representan a las diferentes posibilidades de vida del niño. Esta inquietante -y para algunos, horrible-, pintura, se convirtió en objeto de una leyenda urbana en febrero de 2000, cuando se puso en subasta venta en eBay, y se hizo público su complejo y aterrador bagaje. 10. Las tres edades de la mujer de Gustav Klimt 1905, óleo sobre lienzo. Galería Nacional de Arte Moderno de Roma Las tres edades de la mujer se exhibió por primera vez en la Exposición de Arte de 1908 junto a El Beso, mostrando ambas telas una composición similar ya que las zonas laterales están sin cubrir y el fondo está constituido por manchas cromáticas. En el centro de la escena podemos observar las tres edades de la mujer ante un campo de flores amarillas en el que observamos imperfectas elipses doradas y negras, recordando este fondo a los mosaicos bizantinos de Ravena que tanto atrajeron al maestro. De frente y en primer plano aparece la madre, con su hija en brazos, apoyando su cabeza sobre la de su retoño. Tiene los ojos cerrados y gesto de ensoñación, al igual que la pequeña, cuyo sexo no podemos contemplar al estar su figura apretada contra la madre. Una anciana desnuda, de lado, con el rostro cubierto por el largo cabello, llevándose la mano izquierda hacia la cara, es la representación de la vejez. De esta manera podemos apreciar la representación del nacimiento, la madurez y la decadencia, igual que se muestra en la Filosofía. De nuevo, Klimt evoca el importante papel de la mujer en la vida, aludiendo a su lado femenino, lo que algunos especialistas interpretan como la rebelión de Edipo. El maestro vienés se ha inspirado en una obra de Rodin para la figura de la anciana, manifestando la admiración hacia el escultor francés. Una vez más, encontramos el característico gusto por las líneas onduladas, el soberbio dibujo y el decorativismo que definen la pintura de Klimt, en sintonía con los trabajos del art-nouveau y de la Secession, precisamente el año que se produce una escisión dentro del grupo ante la presión de los "naturalistas", opuestos a la filosofía de arte global que defendían los promotores de los Talleres de Viena, entre ellos el propio Klimt. Las tonalidades brillantes empleadas contrastan con el fondo neutro, apreciándose la renuncia a la perspectiva tradicional que se manifiesta en el maestro vienés. 11. El festín de Baltasar de Rembrandt 1635. National Gallery de Londres. La obra recoge un episodio de la historia de Baltasar, rey de Babilonia. Durante el sitio de la ciudad por el general persa Ciro, Baltasar reunió a todos sus nobles y sirvió el vino en la vajilla procedente del saqueo de Jerusalén. Durante el banquete apareció una mano misteriosa que escribió un texto indescifrable en la pared, referente a la división de su reino. Esa noche murió Baltasar. De nuevo resulta sorprendente cómo Rembrandt ha captado las expresiones de las figuras, en este caso de sorpresa y temor ante la inscripción misteriosa, sobre todo Baltasar, que se retrae al contemplar la aparición. La luz clara es la otra gran protagonista, creando fuertes contrastes de luz y sombra característicos del tenebrismo. La pincelada del pintor se ha hecho un poco más suelta, como se puede apreciar en la capa del rey, aunque, a pesar de dicha soltura, aún se distinguen claramente los detalles, como el bodegón de frutas sobre la mesa, las joyas de las mujeres o el turbante. El colorido es oscuro, aunque tiene notas claras, como el precioso vestido rojo de la mujer de la derecha, la capa del rey o el turbante blanco. Sin duda es una obra maestra. 12. El puente de Waterloo de Claude Monet 1899, óleo sobre lienzo. Museo del Hermitage, San Petersburgo Al ver la pintura de cerca choca que casi no distinguimos nada quizá un circulo central, según vas tomando distancia va apareciendo el contorno del puente, incluso se vislumbra las barcas en una cadena lógica que une todo el trabajo. 13. Erosión de Jacek Jerka 2000 el pintor polaco conocido mundialmente por sus increíbles pinturas que combinan la realidad y la creación de otra realidad paralela, su trabajo es detallado y muy conmovedor. 14. Apoteosis de la guerra de Vasily Vereshchagin 1871, óleo sobre lienzo. Galería Estatal Tretyakov, Moscú Retrata un paisaje desértico en cuyo centro se levanta un enorme montón de cráneos humanos al que sobrevuelan numerosos cuervos. Este óleo se ha convertido en símbolo del pacifismo ruso. 15. Demonio sentado en un jardín de Mikhail Vrubel 890, óleo sobre lienzo. Galería Tretyakov, Moscú Se presenta como un diablo soñador y sensible; contemplando un atardecer entre flores. Imagen muy alejada de la que tenemos del diablo, el artista hablo sobre su cuadro más famoso "El Demonio - el espíritu no es tanto el mal como el sufrimiento y la tristeza-" 16. El paseo de Marc Chagall 1917, óleo sobre lienzo. Galería Estatal Tretyakov En el cuadro están retratados el pintor y su esposa Bella Rosenfeld, por la que sentía gran amor y adoración. Es un paseo romántico de los dos enamorados en el verdor de la campiña de los alrededores de Vitebsk , ciudad en la que nació Chagall. Bella aparece volando y Chagall está elegantemente vestido con un traje negro. En su mano derecha sujeta un pajarito. No podemos olvidar la naturaleza muerta que aparece en la parte inferior izquierda y en la que destaca el rojo brillante de la tela sobre la que se encuentra el bodegón. Es un cuadro donde la realidad convive con la fantasía. 17. Familia de Egon Schiele 1918, óleo sobre lienzo. Galería "Belvedere", Viena Schiele pintó este cuadro (que dejó inconcluso) el mismo año de su muerte. La figura masculina es sin lugar a dudas el propio artista pero la femenina no es su esposa Edith. El niño fue añadido más tarde, cuando el pintor supo del embarazo de su mujer. El cuadro es conmovedor y parece plasmar una visión de futuro, colmado de esperanza. La obra aparece consignada en el catálogo de la Secesión de 1818 con el título “Pareja humana en cuclillas”. Una vez fallecido el pintor se le puso el nombre de La familia. En este cuadro, premonitorio, todo es irreal pues proyecta una existencia futura que no existió nada más que en la mente del pintor. La armonía emocional ansiada por el artista parecía vislumbrarse y consolidarse. Atrás quedaba la vida bohemia, los escándalos y los años difíciles con Wally. Era ya un autor de éxito. Klimt había muerto ese mismo año y Schiele se erigió como el gran artista austriaco del momento. Su participación en la I Guerra Mundial había sido burocrática y no lo habían enviado al frente. Edith estaba embarazada, se trataba del primer hijo del pintor y Egon quiso pintar la familia que le haría feliz y que, por desgracia, nunca llegaría a ser. Es de un realismo bastante inusual en el pintor. Presenta un desnudo; el hombre, en el que es fácil reconocer al propio autor, se encuentra sentado sobre un sofá, delante de él, sentada en el suelo, aparece la figura de una mujer con un niño pequeño entre sus piernas envuelto en una manta. Destacan los cuerpos iluminados de los personajes adultos y la cara del niño sobre el color oscuro del fondo, los tonos cromáticos sirven en esta pintura para resaltar los volúmenes corporales, no son líneas gruesas rellenas de color, como sus anteriores pinturas. Es en realidad una obra pictórica que muestra un lenguaje menos agresivo que el utilizado anteriormente por Schiele. No obstante, la pintura denota una melancolía, no hay pasión; las miradas del hombre y de la mujer están perdidas en sus pensamientos, son miradas divergentes. Los personajes permanecen juntos pero aislados. Es como si Schiele presintiera que la suerte le iba a ser negada. 18. Nº. 5, 1948 de Jackson Pollock 1948, tablero de fibra Una y otra vez, los estilos artísticos innovadores se convierten en la nueva corriente dominante. Jackson Pollock es considerado como uno de los principales contribuyentes del arte del expresionismo abstracto La pintura fue creada en un tablero de fibras de ocho por cuatro metros. El estilo que Jackson Pollock utiliza para esta obra de arte fue el uso de pinturas líquidas. Decidió alejarse del estilo tradicional de usar pinturas sobre lienzo. No. 5 se puede ver con enormes cantidades de pintura amarilla y marrón rociados en él. Pollock se inspiró para crear esta pintura de sus propias emociones. Él se desvió de la utilización tradicional de las pinturas líquidas. El diseño de la pintura aparece un-nido como e inspirado diferentes emociones en los que ven la pintura. Fue esta complejidad y dedicación que trajo esta obra de arte a la parte superior de la escena artística. El uso de la pintura de la acción o el goteo espontáneo, manchas, y arrojando de pintura líquida fue el principal estilo que Pollock utiliza para No. 5 . Pollock también quería traer una nueva perspectiva en la pintura. Quería transmitir a través No. 5 la culminación de la emoción del artista en su propia técnica de pintura poco convencional. 19. Hombre y mujer ante un montón de excrementos de Joan Miró 1935 Óleo sobre cobre. Fundación Joan Miró, Barcelona Esta obra constituye uno de los ejemplos más significativos de las llamadas "pinturas salvajes". La angustia que el artista siente y materializa es un presagio de la tragedia de la guerra civil española. La orientación y las gesticulaciones que acompañan a los cuerpos dislocados parecen insinuar un abrazo imposible. La expresividad del color, opuesto a la negrura de un cielo apocalíptico, el claroscuro que acentúa la inconsistencia de los miembros, el paisaje desértico y el excremento que preside la escena, dan forma al sentimiento profundamente pesimista de Miró. 20. ¿De dónde venimos? ¿Quiénes somos? ¿A dónde vamos? de Paul Gauguin 897-1898, óleo sobre lienzo. Museo de Bellas Artes de Boston El mismo Gauguin afirmó que tras pintar el “¿De donde venimos? ¿Quienes somos? ¿A dónde vamos?” había intentado suicidarse. Sea esto cierto o no, lo cierto es que meses antes de pintar su obra maestra, las cosas se torcieron de tal manera que todo hacía presagiar un trágico final que sin embargo tardaría un lustro en llegar. En primer lugar, su situación económica se vuelve prácticamente insostenible –lo cual no le impediría, sin embargo, rechazar una asignación del Ministerio francés por considerarlo una “limosna”-, y por otra parte la sífilis y el alcoholismo convierten su estado físico en una tortura. No obstante, el más duro golpe le llegó literalmente por correo: en la primavera de 1897, una carta le informaba de la muerte, con apenas 21 años, de su hija Aline. Esta muerte supuso no sólo la ruptura del artista con su esposa, a la que acusó irracionalmente de la pérdida de su hija, sino con la Fe que aún podía conservar. En una devastadora carta fechada ese mismo año, Gauguin afirma: “Mi hija ha muerto. Ya no quiero a Dios.” En este estado mental Gauguin emprende la titánica tarea de pintar su testamento artístico, la obra que reúne en si misma todas las demás obras del artista: “¿Quienes somos? ¿De donde venimos? ¿A dónde vamos?” no es simplemente la obra más colosal que Gauguin pintó vida (139- 375 cm.) sino que desarrolla por completo la doctrina filosófica y pictórica del artista. Con un formato llamativamente horizontal, el lienzo sigue una evolución cronológica inversa, comenzando en su extremo izquierdo con la desoladora figura de una momia que, en posición fetal, tapa sus oídos como intentando mantenerse ajena a toda la escena; mientras que en el extremo izquierdo, un bebé, símbolo de la inocencia y la vida, es cuidado por tres jóvenes tahitianas. En el centro, la figura del hombre que coge un fruto simboliza la tentación y caída del hombre. Estructurando el cuadro en un sentido cronológico inverso, Gauguin parece señalar lo primitivo, lo inocente, como único camino a seguir por el artista Esto es todo... Fin del Post

¿Cuáles son las características masculinas que más atraen a las mujeres? Por lo general, estos son los comportamientos y rasgos que ellas encuentran más seductores. Tomen nota, caballeros, taringueros, virgos y maniceros: Mirada, sonrisa y manos. A menudo, no es el físico perfecto ni muy cuidado lo que más les seduce (los metrosexuales, aunque ellos crean lo contrario, no vuelven locas a las chicas). En cambio, les derrite una sonrisa bonita, una mirada penetrante y las manos grandes y cuidadas. Y también la mandíbula cuadrada y el trasero firme, signos de virilidad. Inteligentes. Les gustan los hombres inteligentes, cultos, reflexivos. Pero sin pretensiones de saberlo todo ni actitud egocéntrica. Nada más insoportable que un prepotente que monopoliza la conversación y se cree en posesión de la verdad. Prefieren a alguien capaz de tener la humildad de reconocer que puede estar equivocado o no lo sabe todo. Responsables. Ellas adoran a los hombres que afrontan los problemas con la cabeza fría, sin ser agresivos o groseros con quienes les ofenden. Que resuelvan las cosas sin perder el control. Que sean firmes, pero tranquilos. Y por supuesto que miren de frente los conflictos, sin poner excusas o esconder la cabeza cobardemente. Poderosos. Aunque resulte políticamente incorrecto, desde siempre las mujeres se han sentido atraídas por los hombres con poder. Pero no se trata solo de tener dinero, sino básicamente de poder personal: un hombre que es competente y exitoso en su profesión, que sabe lo que quiere en la vida y va a por ello sin pedir perdón a nadie resulta muy, muy sexy. Con sentido del humor. Les vuelven locas los tipos que saben tomarse la vida con ligereza, reírse de sí mismos, encontrar el lado cómico a las situaciones… Hacer, en definitiva, que la vida a su lado resulte fácil y placentera. Y también los hombres que son capaces de saltarse a la torera los convencionalismos, de sentir y expresar emociones y volverse locos ante algo que les apasiona. Que sepan disfrutar de la vida. En otras palabras, hombres que trabajan para vivir y no viven para trabajar. Que son curiosos y cultivan sus pasiones. Que saben gozar y exprimir el momento, y vivir con intensidad. Equilibrados. Sí, a ellas les encanta lo masculino: el poder, la fuerza, la seguridad, la decisión… Pero aún les gusta más si se alterna con lo femenino: comprensión, dulzura, capacidad de sentir y expresar emociones, etc. Sensuales. Los hombres que saben tomarse su tiempo para seducir son irresistibles. Aquellos que derrochan ternura, sensualidad, erotismo, que saben hacerlas sentir bellas y especiales con una mirada de deseo, con un gesto de bondad, con una sorpresa. Por el contrario, les horrorizan los fanfarrones y los narcisistas. Con empatía. Para muchas, el rasgo más seductor en un hombre es que sepa escuchar, crear un vínculo emocional, demostrar empatía. En definitiva, tener un alto grado de inteligencia emocional sin por ello resultar afeminado o infantil. Protectores. Es decir, que sepan hacerlas sentir seguras y apreciadas con un gesto, con su forma de tratarlas y tenerlas en cuenta. Hombres que cumplen su palabra y transmiten confianza porque lo que dicen y lo que hacen resulta coherente. Pero no les gustan los acaparadores, los machistas o los celosos. Bueno, eso es lo que una mujer cuerda buscaría, pero no nos engañemos todos sabemos que lo que mas les gusta a las mujeres es ver una billetera bien gruesa, llena de billetes. Con una billetera así, todas las mujeres caeran rendidas a tus pies, no importa la feo, pedorro y virgo que sea, la Solución es tenerla gruesa. Eso es todo taringueros... FIN DEL POST!

Depende mucho de cuánto se beba y del estado de salud, pero existen distintas formas de disminuir la resaca. La respuesta científica más original que encontramos fue que comer nopales antes de una borrachera ayuda a sufrir una cruda menos severa. De acuerdo con un estudio publicado por la Universidad de Tulane, en The Archives of Internal Medicine, algunas sustancias presentes en la piel del nopal y la tuna son capaces de reducir la producción de la proteína reactiva C, creada por el hígado al procesar el alcohol y responsable de varios malestares de la cruda. ¿Qué hace a una cerveza oscura? La cerveza oscura es fruto de un proceso en el que la malta (cebada germinada) se tuesta antes de colocarla en los tanques de fermentación. En el caso de la oscura, la malta se tuesta a 200º C, lo cual produce un mosto (líquido que, al fermentarse, se vuelve cerveza) muy oscuro con características de sabor mucho más intenso que la cerveza clara. ¿Y entonces, qué hace a una cerveza clara? El color, la textura y el sabor de cada cerveza dependen del cereal con el cual está hecha. Hay cereales que deben “maltearse” para ser fermentados después. La cebada -uno de los granos más populares para producir cerveza-, para convertirse en malta debe atravesar algunas etapas: una vez que los granos alcanzan el grado de germinación adecuado, se tuestan al horno para detener el primer proceso. El grado del tueste hace que la cerveza adquiera el color: una cerveza clara se produce con una malta horneada al mínimo (80º C aproximadamente). ¿Por qué nos da hipo? Esta contracción del diafragma y de algunos músculos de la garganta no ejerce función alguna en el organismo humano. Biólogos de la Universidad de París VI analizaron los orígenes evolutivos del hipo y afirmaron que el movimiento tiene su origen en los ancestros acuáticos, que lo empleaban como un mecanismo para mantener las agallas con agua fresca para obtener oxígeno. El hipo entonces se habría quedado como una especie de conducta fosilizada por cientos de millones de años. Sin embargo, todavía es preciso que la ciencia confirme esta teoría. ¿De qué está hecho el vodka? Puede hacerse de casi cualquier cosa, pues las regulaciones solo hablan de la concentración y calidad de alcohol o etanol . En su elaboración se usa una gran variedad de granos, como trigo o sorgo, o también papa, remolacha, azúcares y hasta alcoholes destilados de petróleo o de maderas. ¿Es mortal tomar desparasitantes y alcohol? No, pero puede ser una terrible experiencia. Entre los medicamentos desparasitantes hay algunos que contienen metronidazol, una sustancia que, al combinarse con alcohol, produce un gran malestar conocido como “efecto antabus”. El antabus era un medicamento que se utilizaba en el tratamiento del alcoholismo. Al mezclarse con los tragos causaba una sensación de “muerte inminente”. El efecto antabus es justamente la suma de los siguientes síntomas: sudoración, inquietud y angustia. ¿Por qué está prohibida la absenta? La absenta es un licor de destilados de plantas como anís estrella, menta, cilantro, enebro, nuez moscada, hinojo, anís y, sobre todo, ajenjo. Esta bebida se hizo popular a fines del siglo XIX, pero en la primera década del XX algunos casos de violencia atribuidos a su consumo culminaron por convertirla en ilegal. Pero, en 2003, la Comisión Europea determinó que la sustancia a la que se le atribuían los efectos alucinógenos (tujona) solo es dañina en concentraciones altísimas. La bebida ya es legal, incluso en México. ¿Qué es el xtabentún? El xtabentún es un licor producido en la península de Yucatán hecho a base de alcohol (en algunos casos se emplea ron) al que se le agregan esencias de anís y miel, con lo que se crea un licor digestivo de sabor dulce. ¿Ellas se embriagan más rápido? Sí, porque su estómago contiene alrededor de 60% más alcohol deshidrogenasa (ADH) que el de los hombres. ¿El alcoholismo es hereditario? Efectivamente, las investigaciones afirman que desarrollar la enfermedad viene de familia. De hecho, los genes que hereda una persona forman parte del hábito, aunque el estilo de vida –es decir, el ambiente– también es un factor que influye. Como por ejemplo: los niveles de estrés, las amistades y la facilidad de acceso al alcohol aumentan el riesgo.

Muchas personas padecen bruxismo, es decir, que aprietan y rechinan los dientes por la noche. Como consecuencia, pueden levantarse con dolor de mandíbula o de cabeza. Cuando cerramos los ojos deseamos, básicamente, conseguir un sueño tranquilo y reparador. Pero en realidad nuestro cuerpo experimenta fenomenos que muchos no conocen. 1. Repentinas sacudidas, saltos y tirones Seguro que te ha ocurrido alguna vez. Acabas de conciliar el sueño y de pronto, das un salto. Se trata de algo muy común que todos experimentamos de modo frecuente, y no, no es grave. Se trata de un fenómeno conocido impulso hipnótico que sucede únicamente cuando estamos durmiendo. Se debe a una preparación de nuestro cuerpo a los cambios que experimenta durante el sueño. Nuestras funciones se enlentecen y en ocasiones, el cerebro interpreta ese cambio como una caída. De ahí la reacción. En mi caso a veces duermo cerca de la pared, y cuando doy una patada involuntaria me llevo tremendo golpe en la rodilla. 2. Parálisis del sueño Es algo que muchas personas experimentan. Se sucede únicamente durante la fase del sueño más profunda, la que se conoce como REM (Rapid Eye Movement, o Movimiento Rápido de los Ojos). Son instantes en que de pronto, tomamos conciencia de que estamos soñando, sabemos que por ejemplo, esa horrible pesadilla en la que estamos inmersos no es real, pero por más que intentemos reaccionar y movernos, no podemos. Nuestros brazos y piernas están paralizados. Es un fenómeno que puede llegar a ser muy aterrador, porque somos incapaces de reaccionar aún sabiendo que estamos soñando. Es ahí cuando las pesadillas son más vividas. En la antigüeda se decía que este tipo de trastorno era causado por íncubos (Un demonio masculino en la creencia y mitología popular europea de la Edad Media que se supone se posa encima de la víctima durmiente, para tener relaciones sexuales con quien duerme, de acuerdo con una amplia cantidad de tradiciones mitológicas y legendarias) 3. Los dientes rechinan Es lo que se conoce como bruxismo. Nuestros dientes rechinan por razones de estrés o bien, por una desalineación en la mandíbula. Esto puede hacer que nos despertemos con dolor de mandíbula o con otros problemas dentales. 4. Hablamos en voz alta ¿Te ha ocurrido alguna vez a ti o a la persona que está junto a ti? Es algo muy común y en ocasiones puede traer problemas entre la pareja. Podemos decir en voz alta una palabra o una frase, e incluso verbalizar una pequeña conversación. Son fenómenos que luego olvidamos y por más que nos intenten recordar “lo que hemos dicho” somos incapaces de creerlo. 5. Excitación sexual No es ninguna sorpresa, seguro que lo has notado en alguna ocasión. Es frecuente por ejemplo que los hombres tengan erecciones nocturnas, algo que se debe básicamente a un efecto natural y saludable, puesto que la sangre tiende a oxigenarse y acaba provocando esa súbita erección. Pero este efecto no es exclusivo sólo de los hombres. También nosotras experimentamos en ocasiones esa sensación de excitación acrecentada por algunos sueños subidos de tono. Esta excitación se debe a que es precisamente durante la noche cuando se segregan determinadas hormonas capaces de inducirnos ese curioso estado. 6. Movemos más los ojos A pesar de tener los párpados cerrados, nuestros ojos no paran de moverse, en especial durante la fase REM. La verdad es que los científicos aún no han llegado a un consenso de por qué ocurre esto. Aunque muchos lo relacionan con esa mayor estimulación neuronal, esa actividad cerebral tan intensa que nos permite organizar recuerdos, clasificar información y optimizar así nuestra memoria. De ahí la necesidad biológica indispensable de disfrutar de un sueño tranquilo y reparador. 7. Somos un poco más altos por las noches Sólo somos “un poquito” más altos, nada más. Esto se debe básicamente a que nuestra columna durante la noche se separa un poquito más al hidratarse, permitiendo con ello que el espacio de los discos entre vértebra y vertebra se distancie levemente, dándonos un poquito más de altura. Pero eso sí, llegada la mañana los discos vuelven a contraerse en su posición original. Curioso ¿No es así? 8. El cerebro se desintoxica por la noche Como puedes ver dormir es imprescindible para nuestra salud y en especial para el cerebro, que está increíblemente activo durante estas horas nocturnas. Además de organizar información y clasificarla, depura toxinas y elementos que no le hacen falta durante estos instantes gracias al sistema glinfático. Es de este modo como se optimizan por ejemplo las proteínas que protegen nuestro cerebro, evitando así enfermedades como el Alzheimer. 9. Dejar de respirar Este desorden no es moderno, pero ha aumentado desde que la obesidad se transformó en un problema. Se le llama comúnmente apnea del sueño y ocurre cuando los músculos de la garganta colapsan bloqueando las entradas de aire, y por tanto, dejando de respirar. Las personas con este problema se despiertan numerosas veces en la noche, pero luego no lo recuerdan. Esto ocurre porque el cuerpo no está totalmente conectado con el cerebro, por lo que la persona está despierta sin saberlo. A la mañana siguiente se sienten muy cansados, porque no lograron establecer un sueño profundo. 10. Se segregan las hormonas de crecimiento en los niños Los niños necesitan dormir para crecer, es imprescindible para que la hormona del crecimiento humano o HGH se libere y permita a los músculos y huesos crecer. Y ojo, también nos permite a los adultos que nuestros tejidos se regeneren. Pero eso sí ¡debes dormir profundamente! 11. Dormir ¡adelgaza! Lo sabemos, dormir es una actividad que no nos ofrece rendimiento alguno, pero ojo, eso no significa en absoluto que no gastemos energía. Porque lo hace y mucha además. Mientras dormimos, nuestro cuerpo realiza muchas funciones básicas como desintoxicar y eliminar elementos nocivos y eso es esencial para depurar. Si no depuramos retenemos líquidos, nos hinchamos, nuestros riñones no funcionan bien… así que si no dormimos o dormimos mal todo esto no se llevará a cabo y aparecerá una hormona llamada ghrelina. ¿Y sabes lo que hace esta hormona? Hacer que tengamos más apetito. Vale la pena tenerlo en cuenta. Bueno esto es de el todo, que descansen... FIN DEL POST!