manolo_gomez08

Queres ver el futuro? Primero oprimí "play" que con música de fondo es otra cosa link: http://www.goear.com/files/external.swf?file=2c8c468 “Las sociedades de consumo destrozaron el medio ambiente, liquidaron millones de especies de plantas y animales. Envenenaron los mares, los ríos y los lagos, contaminaron el aire, saturaron la atmósfera de bióxido de carbono y otros gases nocivos, rasgaron la capa de ozono, agotaron yacimientos de petróleo, carbón, gas natural y enormes riquezas de minerales de sodio. Exterminaron nuestros bosques y arruinaron los suyos Que quedó para nosotros? El subdesarrollo, la pobreza, la dependencia, el atraso, la deuda y la incertidumbre Para las sociedades súper desarrolladas el problema no es crecer, sino distribuir, y no solo distribuir entre ellas, sino distribuir, entre todos. El crecimiento sostenible del que se habla, es imposible sin una distribución mas justa entre todos los países. Quiérase o no, la humanidad es hoy una sola familia y todos tendremos el mismo destino. Ante la profunda crisis actual nos ofrecen un futuro todavía peor, en el que no se resolvería jamás la tragedia económica, social y ecológica de un mundo que será, cada vez más importante manifestando el control. Algo tiene que hacerse para salvar la humanidad. Un mundo mejor es posible." LA CARRERA ARMAMENTISTAEl capitalismo asesino propone una serie de pautas en contra de los derechos humanos y a favor de lo material. La carrera armamentista lleva como objetivo la destrucción. Millones de almas podrían tener una vida digna a cambio de omitir experimentos y tareas de experimentación con explosivos. Las guerras estan hechas para destruir basicamente materiales sin medir las consecuencias de las victimas y los tremendos destrozos que esto impone. El proposito es volver a construir todo de nuevo. Tal fue el caso de la segunda guerra mundial. Un absurdo manotazo de ahogado del imperio capitalista al ver el avance descomunal de la Revolución Rusa. Efecto invernadero Calentamiento global es la teoría por la cual hay un aumento en la temperatura media de la atmósfera terrestre y de los océanos motivada por el efecto invernadero causado por el hombre. El efecto invernadero en si no es malo, es un proceso natural de la atmósfera que hace que aumente la temperatura unos 35ª C (desde 20 bajo cero hasta 15ª C) y hace que sea habitable. Lo que es perjudicial es el efecto invernadero causado por las emisiones de dióxido de carbono y otros gases producidos por el hombre. La temperatura se ha elevado desde siglo XX, cuando se puso fin a una etapa de unos 400 años conocida como "pequeña glaciación". El efecto invernadero es como estar dentro de una caja de cristal a la luz de una gran lámpara. El calor sería constante e imposible de vivir. Año a año la temperatura aumenta por “el techo” que producen las nubes toxicas generadas en gran parte por los motores a explosión (hidrocarburos). El resultado de esas temperaturas es en principio el derretimiento de los hielos. El agua salada se impone al agua dulce. Dentro de aproximadamente 15 a 20 años el agua potable será tan escasa que se transformará en el elemento vital para la continuación de nuestra raza humana. (si es que la podemos catalogar de humana) LLUVIA ACIDA Los procesos industriales que implican combustión de carbón, petróleo o gas generan un aumento en las concentraciones de los óxidos de nitrógeno y azufre. Estos óxidos al combinarse con el vapor de agua presente en la atmósfera, forman ácidos: ácido nítrico y ácido sulfúrico respectivamente, siendo este último el más dañino El óxido de nitrógeno y el dióxido de azufre emitidos por centrales eléctricas, fábricas y vehículos que funcionan con carbón o productos derivados del petróleo que son enviados al atmósfera son los causantes del fenómeno que provoca la lluvia ácida al combinarse con la humedad del aire. Todos estos elementos químicos se condensan y al formarse la lluvia caen junto con el agua de las precipitaciones devolviéndose a la tierra. Es probable que las deformaciones de algunas especies de animales se deban a los efectos de la lluvia acida. Sequías y bosques totalmente destruidos será el posible resultado en un desgraciado breve tiempo. Tenes ganas de que esto no se vea nunca más? Ahhhh!! me olvidaba!...vos entraste por lo del futuro? que queres saber? Quien va hacer más puntos en el GDT el domingo? No,...no, para eso no es este post. Lo siento. Hablo de un futuro más cruel, pero tan cierto como desolador, y desgraciadamente no falta mucho, solo queda en vos, en mi, en todos los que tengamos ganas de romper con lo pre establecido para intentar alguna vez salvar al mundo de una crónica de una exterminación anunciada.

Registrate y eliminá la publicidad! Paul Cezanne: El padre del Arte Moderno Es el segundo de mis post y Paul Cezanne es el elegido para continuar un camino imaginario sobre las personalidades más importantes de los últimos tiempos en la Historia del Arte, las denominadas Vanguardias del Siglo XX. Obviamente que estoy cometiendo un gravísimo error; el de no hacer una intro relacionado con el arte propiamente dicho, con sus movimientos y el porque de algunos artistas en relación a sus trabajos, pero eso vendrá en la próxima entrega por la sencilla razón de que este ya lo empecé a escribir, ja….pero prometo hacer algunas aclaraciones al respecto. Paul Cezanne; autorretrato. Nació un 19 de enero de 1839, en Aix-en-Provence, hijo de dos trabajadores (su padre se dedicaba a la fabricación y exportación de sombreros y su madre trabajó en la empresa al lado de este). En 1848 formará en sociedad con un ex cajero una compañía financiera, lo que origina un crecimiento económico muy veloz. El por entonces pequeño Paul Cezanne asiste a la escuela Collage Bourbón donde establecerá una amistad importante con el futuro escritor Emile Zola. Curiosamente, este último comienza a incursionar en el dibujo y Cezanne en la poesía, algo que luego se invertirá. Cezanne también incursionará en la música junto a su amigo y no tiene peor idea que decirle a su padre que desea ser pintor, hecho que significó una dura lucha entre ambos con el resultado que comenzó a estudiar Leyes en la Universidad de Aix, aunque en paralelo concurría a la Escuela Municipal Libre de Dessin, donde obtiene un segundo premio merced a un óleo. Su padre paga a un sustituto para que realice el servicio militar en lugar de su hijo (eso habla de un muy buen pasar económico), con un Cezanne más interesado en sus clases de pintura que de leyes, y con el apoyo de su madre y su hermana (con la que tendrá una relación muy fuerte a lo largo de su vida-como Van Gogh con Theo pero sin tanto sufrimiento) y convencen a su padre para que este viaje a Paris a profundizar con estudios su talento para la pintura. Allí conoce a Camilla Pizarro, Auguste Rendir, y Claude Monet y reencontrándose con su amigo de la adolescencia, el ahora ya escritor Emile Zola. Su primer gran obra: "Casa del ahorcado" Visitará el Museo del Louvre, donde admirará las obras de los maestros clásicos; Rubens, Rembrandt, Tiziano, Tintoretto, Poussin entre otros. Sin embargo el ambiente artístico de Paris no es de su agrado. Cae en una depresión y vuelve a Aix a trabajar como cajero en el banco de su padre. En 1862 decide abandonar el trabajo de cajero para dedicarse de lleno a la pintura con el apoyo de su padre pero con una condición: que ingrese a la escuela de Bellas Artes de Paris. Allí tomará contacto con su viejo amigo Zola, con Manet, Bazille, dedicándose al estudio de desnudos y admirando cada vez más a Manet. Al regreso de su ciudad natal, realiza una serie relacionado con la violencia y el erotismo. Su afán por triunfar en el Salón Oficial lo llevará año tras año a intentarlo de forma empecinada (no parece esto algo parecido con los usuarios de Taringa por ser full o cuando le eliminan un post? jaja) pero recibiendo siempre el rechazo por parte del jurado, hasta que su indignación lo obliga a escribir una carta de protesta al Superintendente de Bellas Artes. "bañistas delante de la tienda" "cinco bañistas" Cezanne no utilizaba modelos vivos, solo extraía imagenes de bocetos propios y de los grandes maestros. La constante recurrencia a la figura femenina, se debía a su particular y costosa relación, que lo perturbó hasta la llegada de su esposa. Comienza a pintar al aire libre y conoce a Hortense Fiquet, una joven de 19 años que trabaja como modelo para los pintores, con la que termina conviviendo en secreto para evitar la asignación paterna (que el viejo no le de más plata). Su padre cierra la financiera y se dedica a la política donde es elegido como concejal. Se interesa de manera enfática con el paisaje, abandonando el estilo romántico –también llamado por aquellos días expresionista- , su esposa Hortense queda embarazada y se mudan a Pontoise invitados por Camilla Pizarro. En 1872 nace su primer y único hijo Paul. La familia del pintor no tiene conocimientos sobre este nacimiento y Cezanne pretende mantener en secreto la relación. Empieza a pintar al aire libre y empleará una paleta y pincelada al estilo impresionista. Ese año se muda a la casa del Doctor Gachet (el mismo medico que llevó a su casa a Van Gogh) quien le compra algunos cuadros, entre ellos “casa del ahorcado” la obra más impresionista del pintor. Visitando París se encontrará por única vez nada menos que con Van Gogh a quien invita a una muestra colectiva donde participan todos aquellos jóvenes que no podían triunfar en el Salón Oficial. De la muestra participaron Monet, Boudin, Pizarro, Rendir, Sisley, Gautier, Manet y el mismo Cezanne. Entre risas y burlas al Salón, la muestra es un éxito de aquellos jóvenes preocupados por la luz y el color, que tomando el nombre de un cuadro de Monet “Impresión, sol naciente”, el grupo pasa a ser reconocido como LOS IMPRESIONISTAS. "Madame Cezanne con vestido rojo". Hortense Fiquet, esposa del artista. Posó para el en más de 25 oportunidades. A pesar de pertenecer a un determinado estilo, Cezanne cree que el impresionismo debe mantener una infinita hegemonía en los museos y comienza a trabajar de manera tal que combina el volumen, las figuras humana en medio de la naturaleza, geometrizandola (tomado luego por el cubismo) con trazos contundentes (principio del expresionismo) y una paleta limitada rompiendo con las leyes tradicionales de la perspectiva. Para terminar sus obras tardará de tres a cinco años y algunos nunca fueron terminados. Su padre se entera de la existencia de su mujer y un hijo y reduce su cuota mensual. Los amigos de la infancia se comienzan a alejar cada vez más: para Zola, Cezanne es una existencia fracasada y para este, Zola es un burgués arribista. Como respuesta a este concepto de su ex amigo, una de sus obras es aceptada en el Salón, logrando uno de sus objetivos. Desde 1880 en adelante trabajará en las afueras de Aix, y comienza a tener serios problemas de salud, con una neuralgia al principio, depresión después a raíz de los problemas sentimentales con su esposa, con quien contrae matrimonio debido a las sucesivas presiones de su madre y hermana, pero que de ninguna manera sirvió para acercar al matrimonio de Paul Cezanne. "Bodegón con frutas". Elementos de la vida cotidiana del artista van a ser motivo para generar distintas influencias en los futuros movimientos pictoricos. Fallece su padre, dejando una herencia muy importante y tras esto, el exitoso escritor Zola, publica una obra donde el protagonista es un pintor genial que lucha contra el mundo y consigo mismo, con su pasado y temina enloqueciendo y suicidándose. Cezanne se identifica obviamente con la obra y rompe definitivamente la amistad con el escritor. Pinta mucho al aire libre, muchos paisajes y el grupo de impresionistas lo invita a participar de una muestra en Bruselas. Envía tres lienzos y viaja a Suiza con su familia. Este viaje lo llevará a desarrollar su máxima etapa creativa donde intenta transmitir la estructura de los objetos que aparecen en sus composiciones, expresando su esencia y captando la verdad fundamental de la naturaleza. Con el fallecimiento de su madre se vuelve más huraño y su mal humor y carácter son característica importante de su personalidad cada vez más cerrada. La importante herencia que les corresponde es ahora un problema. Alquila una casa donde arma un importante taller y realiza una producción admirable. Viaja menos y se relaciona con una cantidad escasa de personas. Una muestra con 50 cuadros, organizada por su hijo Paul, recibe el elogio de Pissarro, Degas, Matisse y Monet, pero fracasa ante el público. Muy a pesar de esto, consigue ser un constante protagonista de la Galería de Vollard, consiguiendo vender muchos cuadros y ser tenido en cuenta como principal influencia para los jóvenes artistas. Su cotización es alta y sus cuadros cada vez más demandados. En 1900 se exponen tres lienzos en la muestra “100 años de Pintura Francesa”. En Alemania se realiza una muestra íntegramente con sus trabajos. Al año siguiente en el Salón de los Independientes. Sin embargo y a pesar de este gran momento como artista, su salud es cada vez más frágil. La diabetes se convierte en una enfermedad aguda y su carácter es ahora intratable. Solo el trabajo le produce felicidad. "Martes de carnaval" "Gran bañista" Influencias directas para el futuro "periodo rosa" de Pablo Picasso Al mismo tiempo que una muestra suya se inauguraba en Londres, su delicada salud es sorprendida por una tormenta y un fuerte ataque de bronquitis mientras pintaba en la afueras de Aix. Un grupo de campesinos lo encuentran desmayado y lo llevan muy débil. Su caprichoso carácter hace que vuelva al trabajo para terminar un retrato al jardinero, hasta que un 22 de octubre de 1906 fallece de una pulmonía en su casa de Aix-en-Provence, la misma localidad que lo vio nacer y cuyos alrededores inmortalizó con su talento y su revolucionario estilo. Solo queda recordar el tremendo aporte que deja para los tiempos que vendrán con su estilo, su forma de ver la pintura, de tomar lo cotidiano, de transformar la composición, de utilizar trazos gruesos casi independientes de la obra y sobre todo rompiendo con un modelo o estilo que hasta ese momento nadie se había animado a hacer: con su muerte nace, el mito Cezanne. Bueno, espero que les guste, la próxima entrega será una pequeña intro sobre el arte abstracto asi podemos hacer entendible, llevadero y atractivo el estilo del impresionante Wassilly Kandinsky. Hasta el próximo post.

Por amor al arte, tercer post Mini Introducción al Arte Abstracto Amigos de Taringa, en el menú del día de la fecha vamos a tocar un tema que es apto para todo tipo de exclamaciones y aclamaciones: el arte abstracto. Uds saben; en lo visual hay dos maneras de componer, a través de lo figurativo y por medio de lo abstracto. Y aquí me veo obligado hacer una pequeña (y espero instructiva) introducción -antes de hablar del maestro Paul Klee en mi próximo post- y me parece lo correcto, porque el arte abstracto lo que provoca, lo que realmente genera es un sinnúmero de frases. Como por ejemplo: ¿?.....que es? Que me quiere decir? Que carajo es? Seguro estaba drogado!! todos los artistas son medios locos!!” Y los comentarios podrían seguir. Posiblemente cuando surgen estos cuestionamientos, lo más probable es que el resultado sea “NO ME GUSTA”, y se justifica porque lo común es que NO NOS GUSTE LO QUE NO ENTENDEMOS. Yo les propongo que piensen en un ejemplo de abstracto y lo dibujen para ver como les va….por ejemplo la inmensidad, el amor, la soledad,….como lo dibujarían? Que imagen les representan estas palabras? Se dan cuenta? Son conceptos que pueden tener estereotipos o símbolos, pero no formas concretas. De eso se trata: pintar, dibujar, componer en base a un concepto sin tener que representarlo tal cual es. Veamos. El siglo XX se caracterizó por su movimiento, su velocidad, sus descubrimientos, sus aportes a la ciencia y a la tecnología, a lo práctico. Bien, todo eso había que representarlo en la pintura. Piensen que un artista trabaja en base al contexto social que le toca vivir, por lo tanto lo abstracto fue una propuesta que representara todo esto que puntualizamos recién. La verdadera clave del arte abstracto es que el artista no pinta lo que ve, sino que pinta lo que siente ante lo que ve. Repito,…..EL ARTISTA NO PINTA LO QUE VE, SINO QUE PINTA LO QUE SIENTE ANTE LO QUE VE. A esa bonita frase tienen que sumarle los tremendos conocimientos que tiene un artista, la percepción visual personal, la búsqueda interminable desde lo empírico que desarrollan, la simplificación y descomposición de las formas y la insaciable pretensión del desprejuicio. Un claro ejemplo de esto último son los dibujos realizados por chicos. Se pusieron a ver alguna vez como dibuja un chico de 2 o 3 años? Nunca oculta sus trabajos, nunca los cubre, no le importa lo que digan y si bien no se entienden en sus formas (desde la mirada de un adulto!), el sabe perfectamente de que se trata cada uno de sus dibujos. En la imagen podemos apreciar que un día de lluvia para el artista de arte abstracto puede ser representada por una suma de manchas. (ver calidos y fríos en este caso como actúan de fondo y figura. Los colores generan un interesante dinamismo Superando la primer parte de preguntas, una segunda parte es el tema de la composición. Tal vez sea un poquito más compleja pero eso no quiere decir que no logremos un panorama claro. A ver,…un cuadro abstracto puede estar lleno de líneas y colores que se unen, que se entrecruzan, con colores oscuros y claros, líneas que van de un lado para otro, de distintas extensiones, distintas formas, etc. Vamos a ver una clase súper vertiginosa de composición, aclarando de antemano o mejor dicho groseramente, que esto es como el a-b-c o, como hacer los primeros palotes. DESDE LO LINEAL: Líneas en diagonal generan movimiento, acción, violencia, energía. Líneas de forma horizontal por el contrario denotan pasividad, quietud, calma. Líneas de forma vertical algo similar que las horizontales con el agregado del equilibrio, y según donde estén pueden generar movimiento también. Las verticales son ambiguas. El lugar que ocupen también representa significados importantes, izquierda, derecha, centro, arriba, abajo, depende el sitio tendrán aspecto psicológicos (en este tema no quiero extenderme mucho porque no soy psicólogo) que el autor trata de transmitir. Rectas sobre la parte inferior del soporte generan calma, quietud. Kandinsky tuvo cono principal influencia la música. Las notas, las melodías, el ritmo, los ensambles, pero fundamentalmente el tema de la composición fue notorio en sus obras. Las líneas diagonales transmiten movimiento, fuerza, violencia, dinamismo. DESDE EL COLOR: El color ofrece también significados importantes desde su ubicación, luminosidad, mezclas y tratado. Con un fondo oscuro los claros vendrán hacia delante indefectiblemente, igual resultado ocurrirá con los calidos y los fríos con el agregado de la alegría (prevalecen calidos) y de la tristeza o bajón para los fríos (su característica es más de apagado, distinta a la de los calidos que tienen “mucha luminosidad y claridad”). Este efecto tendrá como resultado establecer el famoso fondo/figura que en apariencias una obra abstracta carece. El rojo y negro generan sensación de violencia. Los colores monocromáticos (celeste, rosa, todos los mezclados con blanco) dan una sensación de etéreo, de paz, de tranquilidad, de calma. El rojo, amarillo, naranja, de calidez, lo contrario de los fríos que se relacionan al metal, a lo distante. Los valores (escala del blanco y negro) también ofrecen una lectura plástica, relacionada a la nostalgia, lo antaño, sin alegría, sin vida. El equilibrio en la composición es fundamental. A excepción de “tirarlo” todo hacia un lado a propósito, el color y las formas tienen su lectura. DESDE EL EQUILIBRIO Se puede generar con formas, con colores o valores a través de la superposición o de las transparencias. El claro y el oscuro son dos elementos importantes para establecer esto del equilibrio visual (o porque no el desequilibrio). Los oscuros (negro, azul, violeta.) será mucho más pesados que algo claro o de un color alto (lo denominado oscuro es bajo y lo claro ocupará el lugar de los altos) como por ejemplo un amarillo, rosa, naranja claro, etc. El aparato óptico tiende a volcar preferencias sobre la derecha, por ese motivo este ejemplo sirve para demostrar como se puede dar el equilibrio más allá de los tamaños. Dos ejemplos similares de equilibrio. Más allá de lo figurativo de las piezas de ajedrez (son temas recurrentes en mis trabajos que en algún momento voy a mostrar) vemos como no se trata de tamaño ni de formas sino de color (en este caso valor). Fin: Nos faltó ver la psicología de la Gestalt, los indicadores de espacio, la desmaterialización de las formas hacia la independencia del arte, del libro “De lo espiritual en el arte” del fabuloso Kandinsky, pero insisto lo que dije en un momento, es apenas un a-b-c dentro de la complejidad que genera realizar una obra de orden abstracto y saber que necesitamos una serie de contenidos adecuados para intentar interpretar la idea, el mensaje del autor. El arte nace y llega a nosotros por la vía mística y tal vez -y en muchos de los casos- sin darnos cuenta. Nos puede gustar o no una realización, pero de ninguna manera debemos cuestionar o criticar sin conocimientos previos de lo que estamos diciendo. La idea del post es apenas, apenas y humildemente, evitar el clásico “NO ME GUSTA PORQUE NO LO ENTIENDO” y repito una vez más, traté de ser lo más simple posible en la explicación y recordar que una casi imperceptible suma de líneas y figuras, pueden ser tan bellas y atractivas como la mejor de las composiciones figurativas que estamos acostumbrados a ver. Hasta el próximo post. PD. un agradecimiento mayúsculo al compañero LOBOSATA por su silenciosa modestia y su constante aporte con sus trabajos.

Por Amor al arte presenta: "Entretenimientos en familia" (Entretenimientos??? Ja…no somos los mismos!) Y VOS,......SABES ALGO DE ARTE? Tantos posteos de juegos, tantos posteos de juegos, algunos otros de pasatiempos, me llevaron a la conclusión de preguntarme; Y de Arte..QUE? Por tal motivo nace esta publicación, para que los amigos Taringueros pasen su tiempo recordando imágenes que alguna vez vieron o en algunos casos, ya son habituales en sus vidas. Hoy vamos con autorretratos, en los diversos períodos, de la Historia del Arte. Trabajos de artistas de todos los tiempos que al final (y sin hacer trampitas!!!) veremos como nos fue en el total, cuantos acertamos o cuantos reconocemos. Están listos para jugar? La página ya cargó perfecto, muevan el mouse despacio para no ver el nombre del artista que está inmediatamente debajo de la imagen. Todo está en orden,entonces.......SUERTE! A ver como les va. Para empezar sumando, arrancamos con uno facil: Bien! Acertaste...es Salvador Dalí. El tipo era impotente sexualmente hablando, por eso tantas estacas o apuntalamientos. Otro día les cuento más detalles de la vida de él. 2. Vamos con este ahora. NO HAGAN TRAMPAS!! Dejen quieta la imagen AHÍ!! no la bajen aún. Perfecto! es Leonardo Da Vinci. Y ojo!! Da Vinci no es el apellido, cita al lugar de donde era.....como decir, cacho de castelar, se entiende? Este también era pichi, asi que....bien 3. Sumaste ya los dos puntos anteriores? Veamos con este que vale un poco más: Este estuvo bravo. Se dice "inventó" el oleo. Pertenece al periodo del renacimiento y es un groso de verdad. Es Jan Van Eyck Si lo sacaste felicitaciones. 4. Este con cara de maraca, tiene una obra MUYYYYY conocida, aunque su rostro no lo sea. La obra más conocida es "El nacimiento de Venus". Hablamos de Sandro Botticelli, pintor del denominado periodo del Quattrocento. Fue también brava. 5. Y,....de uno jodido pasamos a uno....para que seguir hablando..... Anotate el punto que vale. Si....no te agrandes! es Van Gogh. 6. Este es español, soñaba pesadillas, tenía problemas de audio pero muy talentoso. Lo conocías? que bueno. No es tan facil, pero tampoco jodido. Si, es Goya. 7. Mexicano el hombre. A pesar de no tener facha se encamó con casí todas las mexicanas. Inclusive con María Felix, una de las mujeres más lindas de todos los tiempos y creeme que si tu abuela o bisabuela era mexicana, seguro que también la pasó pal cuarto. El gran taladro latino! Fue el esposo de Frida y el amante de todas las demás. El monumental Diego Rivera. 8. Como ayuda: Gauguin lo admiraba y Van Gogh lo odiaba a más no poder. Documentó el mundo del ballet, de la danza clásica. Es Edgar Degas. 9. Este inspiró al impresionismo. Vean si no fue importante. Paisajista el hombre. Frances de nacimiento. Es Gustave Courvet. Bueno, está bien......no fue facil. 10. Y...este no podría ser otro que EL 10!. El Maradona de los artistas. Si si señores!!.... Quien más que EL más grande de todos. El impresionante Pablo Picasso. 11. Si está Maradona, inmediatamente está pelé. El otro grande de todos los tiempos. El gran Miguel Angel Buonarotti. 12. Al siguiente se lo considera el padre de la pintura moderna. A ver si lo conoces: Rompió la etapa tradicional y a partir de su pintura nacieron las vanguardias revolucionarias del siglo XX. Paul Cezanne. 13. Holandes, creativo por naturaleza. Los Stones les encargaron el arte de tapa de un disco y el se negó Inspiró a un montón de artistas, fundamentalmente a músicos desde sus imagenes. Grabador por sobre todas las cosas. Escher es de quien hablamos. Lo conocias? si? que bueno. 14. Pionero del Impresionismo, de nacionalidad francesa. No es otro que Édouard Manet. QUE? A este no lo tenías? uhh....bueno, ahora si. 15. Revolucionario del arte en un 1000%, creador del Dadaismo y la ruptura del tradicionalismo estetico. Es el tipo que llevó un mingitorio o una rueda de bicicleta al museo. El gran Marcel Duschamp. Que loco se hizo! a partir de un pedazo de yeso! 16. Perteneciente a la vanguardia rusa, con cara de tujes pero muy talentoso. El hombre que nos enseñó a mirar el infinito. Un amigo cuando lo vió creyó que era Colón, Ja!.. Se trata de Kazimir Severínovich Malévich y reconozco que estaba jodido sacarlo. 17. Bueno, una fotografía, más ayuda que esta...imposible. Perteneciente a la movida surrealista, hablamos del genio de Man Ray. Era facil una vez que sabías quien era!. 18. Este es un animal....a ver si lo conocen: Ja,..fue una humorada lo de animal porque el tipo pintada de manera perfecta los animales porque se la pasó estudiando la estructura y la fisonomía de los bichos. Es el aleman Franz Marc. Como que no lo conocían? 19. El unico amigo que tuvo Van Gogh fuera de su hermano Theo. Intentó quitarse la presión que originan las grandes ciudades y se fue a vivir a la polinesia. Frances el hombre, hablamos de Paul Gauguin. 20. En este autorretrato no está a los gritos! Buena ayuda les dí! Es muy curioso el trabajo, es un autorretrato pero en el infierno! Quien otro que no sea Munch para realizar algo asi. 21. Perteneciente a la escuela veneciana, su verdadero nombre es Japoco Comin. Y....ta bien, no hay dramas, este fue jodido de verdad. Es Tintoretto. Italiano, se lo considera como el último gran pintor del renacimiento. 22. Retorcidos como pocos, pero con un arte terrible y apasionante. De Irlanda para el mundo, hablamos de Francis Bacon. 23. Incorporó el mundo del consumo de una forma inteligente al arte. Precursor del Pop en los 60, transgresor de raza a partir de tecnicas y herramientas impropias para el mundo del arte. Hablamos de Andy Warhol. Lo tenías? si? por supuesto que si. Ahhh..y no es el que diseñó la lengua de los Stones como muchos creen. 24. Pintor impresionista que terminó pintando figuras femeninas al aire libre. Nacido en Francia, influenciado directamente por Rafael. Hablamos de Pierre Auguste Renoir. 25. Mujer de pelo en pecho, de personalidad extremadamente marcada. Fue esposa de Rivera y amante de Trosky. Por supuesto que se trata de la inigualable Frida Kalho. Y vamos hacer una aclaración importante; Uds habrán visto muchos autorretratos de Frida con bigotes, no es que ella los tenía, sino que siempre quiso ser hombre. Es la tercera de otras cuatro hijas. Salvo su padre, con quien tuvó una relación muy afectiva, no había hombres en su casa. Desde ese punto, ella, quiso ser el varón que nunca tuvo su padre. 26. Dueño de un estilo ADMIRABLE, trascendió más por sus perversiones que por su enorme talento. Peidofilico, bisexual, voyeur, bigamo, que más?. Inigualable en su estilo. Austriaco de nacimiento, vivió muy pocos años pero su talento quedó en la Historia del Arte para siempre. Egon Schielle (fonetica: egon shil). 27. Uno de las grandes maestros del Barroco. No solo gran pintor, sino también grabador. Holanda, su país natal no solo tiene molinos, existen grandes artistas de la talla de Rembrandt. Lo habías escuchado nombrar alguna vez? si,...seguro que si. 28. A este seguramente lo viste en algún manual de historia. Su verdadero nombre es Doménikos Theotokópoulos, si, de origen griego. Pintor postbizantino, se dedicó al renacimiento en su avanzada edad. Es conocido como El Greco. Te acordaste? buenisimo. 29. Si te digo que una de las tortugas ninjas llevaba su nombre o que un cantante español de los años 60 había adoptado su seudonimo lo vas a sacar facil. Sus obras representan el paradigma del Renacimiento. Hablamos de Rafael o Raffaello Santi, tal vez, su posible y verdadero nombre. 30. Pionero del arte abstracto, junto a Kandinsky revolucionaron la pintura por su estilo totalmente distinto a todo. Pintor aleman, nacido en suiza, muy culto el hombre. Y......ta un poco jodido, porque se parece más a un dibujo de un chico pensaran muchos de Uds. Puede ser, pero creanme que ese fue su objetivo. Paul Klee es su nombre. 31. Uno de mis favoritos. Italiano. Violento en sus procederes. El movimiento en la pintura fue su eterna busqueda. Futurista su pintura, amante dil duche y de Nietzsche, no es nada menos que el gran Umberto Boccionni. 32. Creador de "Las Meninas", español y talentoso. Barroco su estilo. Me juego a que acertaron. Es Velazquez. 33. Una vida marcada por la mezcla de drogas, alcohol, mujeres, pobreza y enfermedad. Sólo alcanzó la fama después de muerto. De quien estamos hablando? Noooo....con esta introducción existen un montón y no son pintores precisamente!!! Aca hablamos del gran artista italiano Amedeo Modigliani. Quien creían que era? 34. Como ayuda les digo que el autorretrato no se parece en nada a su obra. Español, extremadamente talentoso y perteneciente al surrealismo. Lo sacaron? Que bueno! es Joan Miró. 35. Con una vida muy excéntrica, ligada a la alta sociedad. Nació en Polonia y murió en Mexico a pedido de su madre. Conmovedor. Los memoriosos, recordaran una obra de teatro en la argentina que recreaba su vida y que las acciones transcurrian en distintas habitaciones del teatro adaptada en una casona de san telmo. Se acuerdan de la obra "Tamara"? Bueno, es ella; Tamara Lempicka. 36. Este tiene nombre y apellido ruso pero es más autriaco que las salchichas! Conocido por sus retratos y paisajes expresionistas, vivió el arte desde muy pequeño al ser hijo de orfebres. Oskar Kokoschka es su nombre. Taba dificil también. 37. Este es muy simpatico y se calcula que es su autorretrato. Representante del manierismo italiano, y celebre por sus trabajos con hortalizas, frutas y verduras hablamos del gran Giuseppe Arcimboldo. El colmo hubiera sido que el tipo sea solo carnivoro. Ja... 38. Muy fachero el tipo y muy talentoso al mismo tiempo. Grabador por excelencia. Nació en Alemania. Es el artista del renacimiento aleman aunque su nombre no lo parezca. Alberto Durero. Un grabador tremendo que influenció muchisimo a quienes lo precedieron. 39. Silvio Rodriguez lo cita en una de sus canciones, "oleo de mujer con sombrero". Artista del surrealismo, nacido en Bielorrusia. Su nombre es Marc Chagall. Lo tenían? 40. Ultimos cuatro, y como broche de oro, cuatro argentinos y grosos ellos. El primero es posiblemente el que mayor trascendencia internacional logró. De Rosario, la chicago argentina, Antonio Berni. Hay que agregar algo mas? 41. Talentoso en todo su esplendor. Por suerte lo tenemos entre nosotros y podemos seguir disfrutando de su obra. Carlos Alonso. Un groso en serio. 42. Este marcó muchisimo a quienes estan en el mundo del arte. La serie de "emma" en grabado es insuperable. Lino Enea Spilimbergo, de argentina para el mundo. 43. Para terminar, un artista que perdimos desgraciadamente el año pasado. Tuve la oportunidad y el placer de conocerlo. Un tipo barbaro. Pintó el frente de la cancha de boca y de la Universidad de Morón. Perez Celiz. Que en realidad se llama Celiz Perez. Es al revez. Bonus y fuera de concurso. Como ayuda ya lo pasaron en esta lista, o sea, es un autorretrato repetido. Quien es? Ja....es Andy Warhol de drag-queen. Lo sacaron? y bue.....estos artistas!!! retorcidos, retorcidos los tipos!! jeje... ¿Y?....Como les fue? No fue tan dificil como parecía. O si? Cuantos acertaron? 1? 3? 8? los 45???? Genial!!!!! Aunque en realidad era pasar el rato como un pequeño desafio, arte mediante. Prometo para la próxima un post muchisimo más organizado y facil !!! El post está dedicado, humildemente a Fernando Peña, que fuera de su cuestionable exposición super mediatica, es un tipo muy talentoso. Los artistas nunca mueren, su arte los vuelve inmortales. Nos estamos cruzando. Hasta la próxima.

Pregunta: ¿Es el mismo post o el que te "jedi" ya se quedó sin ideas? Otra vez Egon Schiele es el propulsor del post. En este caso como principal influencia en las generaciones posteriores. Y como la mano viene "Pentrelli", vamos directamente a lo importante. Si bien se lo conoce por su obra cargada de erotismo mezcla de perversión y muerte, Schiele también desarrolló una serie de trabajos relacionados con el paisaje. Ese estilo, el de la vista urbana, es el que vamos a citar en esta ocasión. Nos servirá de guía para conocer al verdadero protagonista del post. Un personaje por demás singular. Teniendo en cuenta que el tema se centra prácticamente en el mundo de la arquitectura, y existiendo muchísimo respeto de mi parte, por los compañeros arquitectos, me voy a limitar a "hablar" solo de los lenguajes plásticos que puedan aparecer en el transcurso del relato, y en transformarme en transmisor de la mejor y fiel data posible. INTRODUCCIÓN OBLIGADA: Como se explicaba en el post anterior, el expresionismo austriaco va estar fundamentado en tres pilares, Gustav Klimt, Oscar Kokoschka y Egon Schiele. Este último, una vez más, será quien nos introduzca en la publicación. Observen con cierto detenimiento las próximas siete obras de Schiele: Terminamos de ver, irregularidad en la composición, formas y líneas agrupadas por yuxtaposición, colores complementarios en predominio de otros, una línea extremadamente discontinua y frenéticamente irregular, casi que no existen las rectas y muy poco la perspectiva. Años después aparecerá un arquitecto austriaco, Friedensreich Hundertwasser muuuuuyyyyyy influenciado por las pinturas de su compatriota y realizará algunas obras como estas: ¿LES GUSTÓ TARINGUEROS? Entonces damos comienzo al verdadero post. ("Por amor al Arte" de oferta: entrando a este post, te llevas medio de regalo!!) Se llama Friedrich Stowasser, pero prefería que le digan Friedensreich Hundertwasser. Artista como profesión y como forma de vida. Pintor, escultor y diseñador, realizó trabajos de arquitectura donde dejó su sello en la informalidad de sus proyectos. Aprovechó todos los instrumentos para expresar su filosofía de vida profundamente humanista que pretendía crear la armonía entre el hombre y el entorno que lo rodea. Talentoso por donde lo miren. Hizo de su profesión un instrumento para acceder a lugares que de otra manera no lo hubiese logrado y a partir de allí, todo le chupó un huevo. Y perdón por la expresión, pero es la que corresponde a utilizar en un caso tan particular como este personaje excéntrico. Nació un 15 de diciembre de 1928 en Viena; y fallece, un 19 de febrero de 2000 en algún punto sin determinar en el océano Pacífico, en las cercanías de Nueva Zelanda. Es criado en una familia medio judía por parte de su madre en Viena. Su padre (militar, artillero en la primera guerra mundial) es fallecido cuando su hijo tenía un año de edad. Para salvar a la familia del Holocausto la madre de Hundertwassen lo alistó en la juventud hitleriana. asistió brevemente a las clases de la Facultad de Bellas Artes de Viena en 1948 y comenzó su propia producción a finales de los años 1940. Friedensreich Hundertwasser y su imagen pintoresca. Tenía la particularidad de asistir a sus charlas vestido de manera muy informal...... ....o completamente desnudo. Decía que la ropa ya no está en consonancia con las necesidades naturales del individuo. En 1943 comienza sus estudios en Bellas Artes pero solo pasa tres meses. Años después, en 1949 inicia una serie de viajes a Norte de Italia, Toscana, Roma, Nápoles, Sicilia. Este hecho lo marcará para desarrollar su propio estilo y a partir de allí adopta el nombre Hundertwasser, que significa "Reino de la Paz Cientos de Aguas". 1950.Hundertwasser con René Castiglione en el Pavillon de Saint-Mandé, cerca de París por delante del mural que pintaron juntos. Entrados los años 50, se radica temporariamente en Marruecos y Túnez. Se asocia al "Club del Arte en Viena" y realiza su primera muestra en la ciudad que lo vio nacer. Es en ese momento que pasa más tiempo en París y desarrolla una carrera exitosa como pintor, escultor, decorador y presenta su primer manifiesto "Contra el Racionalismo en la Arquitectura". En 1960 edita un libro llamado "Como se puede vivir de forma independiente". En sus viajes publicitando su libro, llega a Japón donde será muy bien visto como artista y como arquitecto muy respetado. 1954. Friedensreich Hundertwasser como pocas se la ha visto; sin su clásica forma de vestir y sin barba. 1962. En Tokio, Japón, con motivo de una muestra, haciendo publicidad callejera con una de sus obras. Me animo a desgranar una acotación en base a lo que he leído de este personaje durante la década del 60, y más allá que realizó muchísimos viajes para presentar distintas muestras, ensayos, discursos, formar parte de agrupaciones ecológicas y conocer gente de todos los estilos, se me ocurre pensar, y teniendo otros claros ejemplos de marketing en el arte como lo fué Dalí, Friedensreich Hundertwasser utilizó mucho de esa temática en favor de realizar propagandas sobre si mismo. Eso le abrió las puertas a infinidades de lugares, de trabajo y de prestigio adquirido por sus desempeños extrovertidos y divagantes. Los últimos años en la década de los sesenta, se presentaba completamente desnudo a ofrecer charlas sobre lo irracional en el arte y la arquitectura. En el inicio de los 70, vive a borde un pequeño yate reciclado por el mismo llamado "Regentag" en la laguna de Venecia. Su interes por lo multifacético lo lleva al cine y produce un film titulado "Hundertwasser's Rainy Day". En paralelo a esto, comienza una serie de diseños del tipo gráfico, banderas, afiches y hasta estampillas, sin dejar de lado la arquitectura ni la pintura. El reciclado "Regentag" se transformó en su morada. Sobre las estampillas decía:"Aunque es pequeño lleva un mensaje importante. Es un puente entre las personas y países. Atraviesa todas las fronteras y llega a las cárceles, asilos y hospitales". Su estilo de vida no va a cambiar mucho, emprende un viaje en globo, se presenta en el Festival de Cannes y la Tv termina por seducirlo completamente al asistir al programa de Eurovisión "Make A Wish". Los medios de comunicación no escaparon de la atención de Hundertwasser. En su paso por el Festival de Cannes tuvo la particularidad de ir con estos zapatos. Tras el fallecimiento de su madre en 1972, una serie de viajes itinerarios, le devolvera de alguna manera sus origenes. Viaja a las Islas de Cabo Verde, Nueva Zelanda, New Plymouth, Wellington, Christchurch, Dunedin. Participa en la Trienal de Milán, donde el 15 árboles son plantados por inquilinos en las ventanas en la Via Manzoni, y publica manifiesto "Inquilino Albero". Exposición en Bellas Artes Aberbach de Nueva York. Exposición en los museos Australianos de: Melbourne, Canberra, Sydney, Mornington. Se muestra en la Albertina Colección Estatal de Artes Gráficas en Viena. Después, una exposición de toda su obra gráfica se inicia en recorrido a través de Yugoslavia. En Milan, Italia, no pudo pasar desapercibido al intentar plantar árboles en las principales avenidas de esa ciudad. Desarrolló un trabajo como diseñador gráfico. Su estilo dejaba las huellas de Egon Schiele. A raíz de dos accidentes, pasa dos meses en Bacoreta hospital de Nueva Zelanda. En 1977 realiza una exposición en museos de: Tokio, Yokohama, Hong Kong, Ciudad del Cabo, Pretoria y en América del Sur; Río de Janeiro, Brasilia, San Pablo y Caracas. En 1978 presenta un manifiesto de la paz, diseñando una bandera que proclamaba la no violencia entre dos culturas diferentes. Diseño de "Bandera por la paz", con una medialuna árabe y la estrella de David con un fondo blanco representando la paz. Diseñó una nueva bandera para Nueva Zelanda en ocasión de una de sus muestras en ese país. Exposiciónes en México DF, Montreal, Toronto, Bruselas, Budapest, Canadá, Alemania, Marruecos, New York, San Francisco, Tahití y Nueva Zelanda. Crea objetos cinco monedas en Viena: Al igual que la entrada de dinero en el paraíso. Experimentos con inodoros de humus, sin chimenea de ventilación y en interiores y exteriores con plantas de purificación de agua. Lee sobre el reciclaje de manifiesto "Mierda es Cultura". Dos diseños diferentes en la finalidad: dos ejemplos de las monedas que se mencionaron y el inodoro de reciclaje. Otra serie de viajes hacia Portugal, España, Alemania, Italia, Gran Bretaña. La exposición itinerante de pintura Hundertwasser, con 40 obras comienza en Europa y termina en Nueva York. En los años 80 se inclinará definitivamente en favor de la ecología y en contra de la energía nuclear. Realiza conferencias sobre el medio ambiente, la arquitectura y el arte en Colonia, Munich, Frankfurt, Graz, Viena, Berlín Oriental, Hamburgo. Es nombrado "medico de la arquitectura", y rediseña la fachada de la fábrica de Rosenthal en Selb. Antiguo y nueva fachada de la fabrica de Rosenthal en Selb, Alemania. Nuevas conferencias sobre la arquitectura, la protección del medio ambiente y el arte en Sídney, Manila, Seattle, San Francisco, Washington DC en noviembre y diciembre del 83. Se une a la lucha de Greenpeace y Jacques Cousteau en contra de la extinción de las ballenas. Funda un comité para la preservación del medio ambiente, al mismo tiempo que diseña el modelo al aire libre de la Casa Highrise en Múnich y otro en Nueva Zelanda. Vive en Nueva Zelanda, Tahití, Venecia y Normandía. Participa de la emisión de TV "La caída de la Avant-Garde". Hundertwasser en la presentación de uno de sus manifiestos por el cuidado del medio ambiente en el salón de las Naciones Unidas, Nueva York, 1983. Toma parte activa en las campañas para salvar el bosque ribereño Hainburg. Hay campamentos de una semana.(Libre De La Naturaleza es nuestra libertad). Trabaja todo el año en la obra de la Casa Hundertwasser, Viena, junto con el arquitecto Peter Pelikan, que se convierte en el artista más cercano colaborador en el ámbito de la arquitectura. 70.000 visitantes asisten a la "Casa Abierta". En 1986 la Casa Hundertwasser se presenta a sus inquilinos. Además 1000 banderas verdes Koru recorren Nueva Zelanda en favor de la No violencia en el mundo. Gran interés mostrado por la población, la prensa y en el parlamento. Su acercamiento a la agrupación Greenpeace intensificó aún más su preocupación por el medio ambiente y el cuidado de la naturaleza. Los años 90 lo encontraran con exposiciones en los EE.UU., Francia, Alemania, Suiza, Austria y Japón Exposición en Tokio de su nuevo libro: "Hundertwasser, Su arte, su ecología, su arquitectura". El Tokio Braodcasting sistema emite un documental televisivo sobre la arquitectura de Hundertwasser y su compromiso ecológico. Trabaja en la "Biblia Hundertwasser proyecto". Diseños de la cubierta Stowasser el Diccionario de Latín. En 1995 realiza nuevas exposiciones de arquitectura en Viena, en el Museo Histórico de la ciudad de Budapest y en Hannover. Dedicación de la fuente potable en Linz. Presentación de la Biblia Hundertwasser. Diseños para el exterior de un Boeing B 757 de la aerolínea alemana Cóndor, rechazada. Uno no, el otro si. Los diseños en medios de transportes no fueron excepción para el arte de Hundertwasser. Arquitectura para el diseño del museo de los niños Los niños en la Plaza de Osaka, Japón. Inauguración del Danubio buque, MS Vindobona, rediseñado por Hundertwasser. Galardonado con el Premio de Turismo de la Industria de Viena de 1996. Es galardonado con el "Gran Premio Alemán de la filatelia". En 1998 emprende una gira para presentar una retrospectiva en el museo Mathildenhöhe, Darmstadt, de Alemania. También en países asiáticos para terminar en Japón. El diseño de estampillas le permitió ganar notoriedad en el grueso del público. Alqo que muchos artistas nunca lograron. Trabaja en proyectos arquitectónicos La Ciudadela Verde de Magdeburgo y Ronald McDonald House en-Essen, Alemania. Presentación del proyecto de la arquitectura Hundertwasser Ambiental Estación del Ferrocarril, Alemania. Los trabajos de reconstrucción de la nueva bacoreta Pública WC,(baños públicos) en Nueva Zelanda. Una de sus obras más populares es la Estación del Ferrocarril Ambiental en Alemania. Los "Baños Públicos", les aseguro que cuando ví esta fotografía por primera vez dije: "Quiero uno así!!". Está mortal. Perdón por la subjetividad del párrafo. Año 2000, Trabaja en proyectos de arquitectura para Tenerife y Dillingen en Alemania. El sabado 19 de febrero muere de insuficiencia cardíaca, en el Pacífico, a bordo del Queen Elizabeth 2. De acuerdo con sus deseos, es enterrado en armonía con la naturaleza en su tierra en Nueva Zelanda, en el Jardín de la Feliz muertos, en virtud de un árbol de tulipán. Friedensreich Hundertwasser trabajó hasta los últimos momentos de su vida. Su cuerpo descansa a pedido de él mismo en Nueva Zelanda, debajo del árbol de los tulipanes que crecen como el siempre deseo que ocurriera: en total libertad. ALGUNAS DE SUS OBRAS: Considerando que es muy extenso todo lo realizado por el maestro, decidí hacer una síntesis desde las imágenes en un formato menor para que pueda entrar una mayor cantidad y el post no tarde tanto en abrir. Los que tengan ganas de ver sus obras en un buen tamaño, se las envío por mail sin costo adicional. je..je.. Autopista Restaurante, Bad Fischau (1989-1990) En 1986 debió asumir la tarea de rediseñar el restaurante, que había sido construido en la década de los setenta. La renovación fue la intención de atraer más visitantes y aumentar así el volumen de negocios. Otro arquitectos habían fallado con el objetivo. Edificio residencial de la ciudad de Viena (1983-1986) Hundertwasser decía que una obra le parecía interesante cuando no corresponde con los clichés y las normas habituales de arquitectura. Ventanas incontrolables, pisos irregulares, vegetación espontanea y bosques en el techo. Una casa diseñada por un pintor. Villa Termal Blumau - The Rolling Hills (1993-1997) La particularidad de esta construcción es que todos los edificios están totalmente cubiertas de vegetación y para pasear a pie. En la Rolling Hills naturaleza, el arte y la creación son una unidad. Los anhelos de los seres humanos, y para la unión romántica en una arquitectura en armonía con la naturaleza se han convertido en realidad. En 1997, la Villa Termal Blumau austriaco fue galardonado con el Premio Ambiental para el Turismo. Estación de trenes de medio ambiente,Uelzen (1999-2000) Tal vez su obra más conocida popularmente. Miren el tratado del piso y la mampostería de la pared la similitud que tienen con los techos de las pinturas de Egon Schiele. Maishima Centro de lodos (2000-2004) Encargado por la ciudad de Osaka, Japón. La planta fue construida para reciclar los lodos (tierra) con el fin de producir ladrillos, tejas y losas de piso. Posee, 170 metros de largo, 110 de ancho y 40 metros de alto el edificio industrial, con una chimenea de 140 metros de altura. Hundertwasser diseñó una espiral para el tercio más bajo, es decir, aproximadamente 30 metros de la chimenea. Lo realizó con la condición que no moleste el medio ambiente Plaza Infantil Osaka(2000-2004) Infantil Plaza Osaka es un patio de juegos y un mundo de aventura para los niños. Aquí los niños pueden experimentar la irregularidad, la ecológica y la diversidad creativa en una arquitectura que inspira su imaginación y su sentido de la aventura Bacoreta Aseo Público (1999) Se le pidió a Hundertwasser rediseñar este edificio que se remonta a la década de 1960. También se hizo cargo de la plantación de árboles en el techo. Hundertwasser con la maqueta del proyecto que tiempo después se adjudicará la "Premier Lugares Creative Award 2000" Taringueros: ¿Nos les gustaría tener un baño así? Hundertwasser tenía una particularidad inmensa: no disponía de un taller, es decir, sus trabajos los fue realizando en su casa, en la carretera, en cafés ,restaurantes, en el tren ,en aviones, en hoteles o en casas de amigos o conocidos cuando se encontraba de visita. Tampoco utilizaba caballete ya que pintaba en el piso. La temática en la pintura de Hundertwasser basicamente es la mezcla de colores. La utilización de una paleta de complementarios y tierras, donde la irregularidad en la pincelada, en el trazo de las líneas y una composición muy inspirada en el arte de Egon Schiele, es tal vez, lo que resalta a la hora de analizarla. LO ÚLTIMO DE HUNDERTWASSER EN EL POST. Para Hundertwasser, el arte no debía ser limitada por un marco. La obra de un artista debe tener un efecto en todos los ámbitos de la vida, ya sea en la ropa o a través de artículos de uso cotidiano. También creó muchos objetos destinados a expresar su búsqueda de la belleza y variedad en todos los ámbitos de la vida, pero también su preocupación y compromiso por el medio ambiente y para la naturaleza. Esto fue, y es, lo que más me impactó en todo su trabajo. En su etapa como diseñador gráfico podemos encontrar cientos de creaciones en innumerables terrenos. Tapa para un catalogo de alguna de sus muestras itinerarias. Una portada para una una enciclopedia. Diseños de tarjetas telefónicas. Diseño de La Biblia en 1995. Esculturas. Decoración en medios de transportes como se había mencionado más arriba del post. Cientos de afiches o tapas de libros. DOS VIDEOS DOS: link: http://www.videos-star.com/watch.php?video=WpHXcVUq46I link: http://www.videos-star.com/watch.php?video=vPiJRECHQgM Para ver las obras "en movimiento": Como son cortos, e inmediatamente terminados, van a tener la posibilidad de continuar accediendo a más opciones del mismo autor. Demás está decir que no es que el post sea extenso, la carrera del artista en cuestión es muy rica e interesante. Friedensreich Hundertwasser es un artista que marca un camino en demostrar la amplitud que tiene el arte, los espacios que se pueden ganar a través del arte y los objetivos personales y colectivos que se pueden construir a partir del arte. Su producción nos puede gustar o no, estremecer o no, emocionar o no. Lo que si es indiscutible es la entereza y la lucha del tipo al servicio del medio ambiente y la paz mundial. Nos deja el legado de toda una vida en favor de la creación y un mensaje final de esperanza por lograr, un mundo mejor. "Quedo a la espera" Volverme, Yo humus. Enterrado sin ataúd, desnudo. Bajo un árbol En MI tierra, en libertad. Hundertwasser, 1979 Fuente: Como siempre, la gentil y desinteresada colaboración de Wikipedia. Pero, la mejor información la van a obtener del libro "Hundertwasser; el poder del arte", el pintor rey con sus cinco pieles. de Pierre Restany de Editorial Taschen edición 1998. Espero que les haya gustado. Nos estamos cruzando.

Ante todo pido disculpas si cometo algun error, es mi primer post y vemos que pasa con eso de los pifies. Si todo sale bien, este será el primero de una serie de personalidades importantes que dejó la historia del arte. Vincent Van Gogh, pasión entre telas y decepciones. El de 30 de marzo de 1853 nace en La Haya, países bajos, uno de los genios que marcaron una apertura brillante en la historia del arte contemporáneo. Figura destacada del Postimpresionismo, tuvo la capacidad de realizar una de las mayores producciones artísticas de todos los tiempos, pese a sus adversidades. Pintó 900 cuadros (muchos autorretratos) y 1.600 dibujos. Fue el mayor de 6 hermanos. Hijos de un humilde pasto protestante, recibió el mismo nombre que le pusieran a un hermano que nació muerto, justo al año después. Cuatro años después nace Théo, con quien lo une una relación afectiva muy poderosa. Dueño de un infancia muy dura, digamos que no fue un alumno excelente ni mucho menos. Abandonó la escuela a los 15 años, y es allí donde empieza su afición a la pintura. En el mismo instante que dejó la escuela, su padre lo contacta con su tío para que ingrese en una importante compañía internacional de comercio de arte –Goupil & Co-, galerías de arte que le generan la necesidad de incursionar como alumno del mundo del arte. Hecho que no despierta mucho entusiasmo en sus profesores, condenándolo a partir de decir que nunca llegará a nada con la pintura. Este es un caso más que evidente para aquellos profesores no tienen una visión de futuro muy claro sobre sus alumnos. Se enamora de una propia prima, acto que no cayó muy bien visto, por eso lo destinan a Londres a otra sucursal de las Galerías de Arte, y en su lugar queda su hermano menor Theo, quien permaneció allí hasta el día de su muerte, cuya abnegación hizo posible que la carrera de Vincent en el arte fuera cierta, como así también intensa y dramática. "Los comedores o peladores de patatas" obra que realizó estando en una mina. Un nuevo fracaso amoroso con la hija de la dueña de la habitación que rentaba, logró dos cosas: la huida despavorida de la chica hacia suecia, y el acercamiento obsesivo por la Biblia y su interés por la teología. Luego de estudiar en la Universidad de Leiden, demostrando su profunda creencia en la religión cristiana. Pidió ser misionero en varias compañías, pero fue rechazado por no saber ni latín ni griego. Alguien se compadeció de el y lo mandó como misionero a las minas de Borinage en Bélgica. Durante los 22 meses que estuvo junto a los mineros dio todo lo que tenía: su ropa, su dinero, su comida además de realizar sus primeras pinturas y retomar así, su carrera como artista. Siguiendo la profesión de su padre, comenzó a predicar como misionero hasta que algunos empezaron a tenerle miedo porque Van Gogh los obligaba a creer en Dios, aduciendo que solo así se podría soportar tantas desgracias. Las autoridades de la iglesia se enteran de la obra de Vincent y deciden sacarlo de su puesto. De esta manera vive en una choza de la aldea más próxima durante un año en la más pura y absoluta pobreza. "Autorretrato" Como artista tenía un sueño: retratar a los mineros y darles un protagonismo que hasta ese momento carecían (piensen tarigueros que estamos hablando de un tiempo post manifiesto comunista y todas las luchas obreras crudas y sangrientas detrás) En 1881 (año del nacimiento de Pablo Picasso) empezó su etapa de pintar de forma regular y comenzó justamente con los campesinos y mineros que lo rodeaban. Llega a Etten a visitar a su hermano y este lo lleva a casa de su primo Antón Mauve, artista plástico, quien lo aconseja sobre la pintura. También vuelve a enamorarse, otra vez de una prima, otra vez es rechazado. Y si de amores se trata, el amor llega a Van Gogh en 1881 cuando conoce a Clasina Hoornik, conocida por Sien, prostituta de profesión, madre de 4 hijos y extremadamente débil debido a su escasa alimentación. 1885 es un año especial y trágico para el, porque pinta su primer obra (“los comedores de patata”) y por la muerte de su padre. Hecho que golpea a Vincent y se nota en sus obras de paleta (así se llama a los colores que un artista elige) de tierras muy oscuros, sin saber que se iba a caracterizar por sus colores calidos y vivos. Theo intentaba vender sus obras pero era imposible por “la oscuridad” que mostraban sus trabajos. A lo que Van Gogh respondió que no quería seguir el estilo de moda por aquellos días. Pero su vida estaba por cambiar, mejor dicho la vida en la historia del arte estaba por cambiar cuando en 1886 se muda a París para vivir junto a Theo, quien sería el eterno soporte y principal guía de su hermano. En París es donde cambia a una paleta más luminosa, debido a la espectacular luminosidad y forestación del paisaje urbano. Empezó a conectarse con otros pintores de la talla de Emile Bernard, Toulouse-Lautrec, Gerorge Seurat, Paul Signac, Camilla Pizarro, Paul Cezanne y Paul Gauguin con quien luego se iba a establecer un vínculo de amistad muy fuerte. La etapa más feliz de Van Gogh, en Arles, Francia. "La habitación". En 1888 llega alquila la famosa “casa amarilla” denominada así por sus paredes pintadas de ese color y transformarse en su color favorito (tanto fue así que llegó a comer pintura de ese color en su peor estado). Transforma su nuevo lugar en un gran taller al que asiste Paul Gauguin, este es homenajeado por Vincent con un cuadro mítico denominado “La Habitación” El tiempo pasaba y su relación de convivencia empeoraba debido a sus caracteres muy fuertes, sumados a los supuestos desordenes mentales de Vincent. En la tarde del 23 de diciembre de 1888, tienen un altercado fuerte en el cual Van Gogh amenaza con una navaja a su compañero. Vincent sale de la habitación enfurecido y horas después Gauguin recibe de manos de una prostituta amiga en común, envuelto en papel sucio y viejo, el lóbulo de la oreja izquierda (no la oreja entera como se dice!!) hecho que quedó marcado a fuego en la historia del arte y porque no de la humanidad. Gauguin deja Arles, rumbo a París y no vuelve a tener contacto con Van Gogh, mientras que este último es llevado e internado en un hospital, donde se neutraliza su hemorragia ayudada por una desnutrición alarmante. Theo es avisado por Gauguin y de regreso a la casa amarilla descubren que los cuadros de Van Gogh estaban rasgados por los vecinos que rechazaban su estadía. Hecho que deprimió enormemente al artista. Debido a un petitoria a la policía por parte de los vecinos, Van Gogh debe abandonar la casa y se lo considera de peligro para la comuna. Inmediatamente y por segunda vez es internado por alucinaciones. Su hermano lo lleva a su casa pero la esposa de Theo no quiere que Vincent este allí (lo pone en la encrucijada de “el, o yo”) lo que origina una internación voluntaria esta vez en el asilo de Saint-Remy de Provence. Allí le es otorgada una habitación para que pueda seguir pintando. Llega a realizar mas de 500 obras y unos 79 cuadros, entre ellos a un medico que lo ayudo desinteresadamente y admirando el enorme talento aunque sin dinero, le propone ir a su casa. Pero debido a su historia de amores rechazados, de una extrema soledad y de una personalidad muy fuerte, su presencia solo genera rechazos. "Autorretrato". Van Gogh en condiciones físicas muy extrema. Durante la noche del 27 de julio de 1890, a la corta edad de 37 años, tomó una escopeta, se internó en el campo y se disparó en el pecho. A pesar de su gravedad, se arrastró de vuelta a la posada y llevado al hospital. Murió dos días después en brazos de la única persona en el mundo que lo llegó a comprender y conocer: su hermano Theo. Se fue así, de una manera tan simple, uno de los máximos genios de la pintura y un nombre que engalana la vitrina de los grandes hombres, esa que solo esta destinada a unos pocos. Si sale bien, la próxima les cuento sobre otras personalidades grosisimas.

POR AMOR AL ARTE: CUARTO POST AMARILLO, ROJO, AZUL. 1925 (WASSILLY KANDINSKY) Antes que nada aclaro que es mi primer post jugando “en primera”, por lo tanto trataremos de mejorar el nivel existente en antiguos trabajos y estar a la altura de la circunstancia. Gracias especial a quienes posibilitaron que "POR AMOR AL ARTE" esté hoy por estos lados. Amigos taringueros, el menú del día es mirar, leer un poquito y aprender lo simple que puede ser una obra de arte que en apariencias es extremadamente confusa. Se trata de “amarillo, rojo, azul”, un cuadro realizado en 1925 por el gran Wasilly Kandinsky, de quien se encuentran aquí mismo y mediante el buscador, cientos de datos, bibliografías y trabajos sobre el. Pero, pero, pero …..análisis de obra no encontré ninguna, y como “veníamos de aprender" algunos detalles del arte abstracto, dejamos la bibliografía de Paúl Klee que prometí para la próxima vez y van a ver que no es tan difícil entender un trabajo abstracto (bueno,…..un poquito, pero para eso estamos) Como recién decía, no vamos a dar bibliografía pero si algunos datos importantes de Kandinsky, por ejemplo que nació en Moscú, Rusia en 1866, que desde muy pequeño fue sumergido al mundo del arte principalmente por su abuela a través de cuentos, relatos y sobre todo: música. La música va a ser una constante en la vida del artista, tal es así que va a ser una musa inspiradora en casi todos sus trabajos. Es preciso decir que tuvo una formación intelectual muy profunda: estudió economía, derecho, música, astronomía, teosofía, biología, sus viajes permanentes y el amor por el arte antiguo y oriental hizo de Kandinsky una verdadera muestra del saber y de la investigación constante. No obstante todo esto, se puede decir que como artista tuvo un éxito tardío, pues recién a los 42 años es reconocido por pares y aceptado en el mundo del arte a través de sus escritos. Teorías y obras que darán el inicio a la abstracción de las formas en la Historia del Arte. Vamos directamente a la obra en cuestión: “Amarillo, rojo, azul”. 1925. Óleo sobre tela. 127 cm. x 200 cm. Museo Nacional de Arte Moderno Centro George Pompidou. París, Francia. Solo mírenla. Una y otra vez. De izquierda a derecha, de arriba hacia abajo. Mírenla y piensen. Sientan que les sugiere la obra. Que piensan que es? Cual es, desde su punto de vista, la finalidad del autor en la obra?. Ante una composición abstracta pregúntense que es esto? Que representa esto? Piensen de antemano, que ningún autor en el mundo - ni siquiera Uds.- realiza un trabajo sin dejar mínimo un mensaje, una idea, o transformar a esa realización en un hecho significativo en sus vidas, por superficial que sea. Desde la experiencia, desde lo bibliográfico. Estamos de acuerdo? Entonces seguimos. Decíamos en el post anterior el significado de los colores según la ubicación, según la intencionalidad del autor. Para kandinsky el amarillo, el rojo y el azul son los colores fundamentales del triangulo cromático inicial, basado en los anteriores estudios sobre la teosofía y los efectos psicológicos de las tonalidades sobre el ser humano. La zona azul sobre la derecha denota lo celestial. Es mas oscura, más abigarrada y predomina lo pictórico sobre lo lineal. En la izquierda se define el amarillo. Las líneas son ágiles, rápidas y es el dominio de lo gráfico. Los colores secundarios se comienzan a vislumbrar a partir de sus transparencias. En el centro surge el rojo, de mayor vibración que genera el equilibrio de ambos extremos. Con esta propuesta se presenta otra teoría: si dos colores difieren por su claridad, el mas claro parecerá mas claro y el mas oscuro aun mas oscuro. En la obra varios de estos esquemas se reencuentran. Kandinsky escribió “Lo espiritual en el arte” .Para el, esto significó que en una época de mucho progreso técnico, (el siglo XX se caracterizó por los avances en la técnica y en la ciencia, dejando de lado el interior, lo espiritual en el ser humano) de allí tomamos ese concepto y lo emparentamos con sus estudios en el arte antiguo, más precisamente en el arte Bizantino. Taringueros volvamos a ver la obra. Y viene la primera lectura, desde la composición. Amarillo rojo azul reúne muchas figuras, líneas finas o gruesas, aisladas o agrupadas, arcos de círculos, círculos, puntos, línea sinuosa maciza, redes, suerte de transporte musicales. Todas estas figuras definen espacios coloreados, o bien crean ritmos y disonancias. A primera vista amarillo rojo azul es apenas una suma de líneas, generando una suerte de elementos agrupados enseñados en sus sucesivas teorías. El pintor ha concentrado las figuras negras a la derecha, alrededor del azul, y las figuras claras o blancas a la izquierda alrededor del amarillo. Los grises coloreados están mas bien reunidos al centro, alrededor del rojo. El amarillo encerrado en interior de la superficie rectangular, a la izquierda, se opone entonces al círculo azul de la derecha. El rojo esta situado entre ellos. Así los tres colores primarios, que dan titulo al cuadro, están ubicados en el orden de lectura, de izquierda a derecha, y se superponen hasta sobre sus márgenes dando nacimiento a los colores secundarios. Para que sea mucho más claro, vamos a partir la obra en dos partes. Inmediatamente divisamos una puerta, una puerta abierta hacia un eclipse o un sol que representa lo divino, y que alrededor se puede apreciar el aura que nos protege, como en las pinturas bizantinas. El arte bizantino es un periodo que impacto a Kandinsky y el aura que aparece alrededor, será una constante en las pinturas del artista. Intenta reflejar la búsqueda del interior hacia lo divino, hacia lo espiritual. Y si alguno de Uds. divisó un rostro, bien hecho, porque de eso se trata. Una cara delineada secundada por el aura que aparece, precisamente sobre el lado izquierdo de la obra y también se aprecia el amarillo, el rojo y el azul. Se ve entonces la figura humana secundada por un aura, como en el arte Bizantino. En la segunda parte veremos esto: En el centro se percibe una forma lobulada, algo que le faltaba al rostro de la imagen anterior y que simboliza un estado independiente en relación a su fanatismo por la música. Curiosamente, también tiene la forma de una paleta, lo que habla de la asociación del artista con las dos disciplinas. El dibujo analito para Kandinsky se transformará en una pasión, una suerte de interpretación por el dibujo y de relaciones entre los objetos y de las mismas estructuras entre esos objetos. Así a partir de una serie de fotografías el traduce los ejes del cuerpo en una suma de líneas que sugieren los movimientos y las tensiones energéticas. Kandinsky quería hacer de ello, una educación de la vista. Una forma de captar los elementos constitutivos de los objetos. Sus líneas de fuerza, la tensión que ellos expresan. Estas expresiones las completa con punto, línea, plano, ensayo de una teoría del arte. Este ejercicio lo realicé yo, para tratar de llevarles a Uds la idea de resaltar los ejes, la síntesis del movimiento. Para el pintor el punto es seguridad. El punto dice más que un rostro humano. La línea es el punto que ha perdido el reposo, en dirección, extensión. A la forma plástica de la línea corresponde la forma pictórica del color. A la vertical, a la horizontal, corresponden colores o sonoridades. Amarillo rojo azul reúne muchas figuras que kandinsky utiliza en muchos ejemplos de sus escritos. Líneas finas o gruesas, aisladas o agrupadas, arcos de círculos, círculos, puntos, línea sinuosa maciza, redes, suerte de transporte musicales. Todas estas figuras definen espacios coloreados, o bien crean ritmos y disonancias. A primera vista amarillo rojo azul es apenas una suma de líneas, generando una suerte de elementos agrupados enseñados en las sucesivas teorías de kandinsky. Retornamos a la obra. A la segunda mitad. Observen la línea gruesa y sinuosa sobre la derecha: Kandinsky realizó estudios teológicos profundos, de aquí surge otra versión: sobre la derecha, la línea negra y sinuosa, evoca la cola de una serpiente o un monstruo. Las masas violetas, azules, rojas, insinúan una pesadez animal. La barra rectilínea negra, como una lanza mantiene esta línea en la parte derecha. Con estos elementos se puede evocar la imagen de San Jorge contra el dragón. Aquí dos puntos básicos en su obra: el caballo y lo teológico, lo misterioso, lo místico. De todas formas, el caballo es un tema recurrente en el trabajo del artista. El enfrentamiento que resaltábamos al comienzo entre las formas y los colores, es ahora una cuestión figurativa. En el “fondo” una serie de nubes coloreadas, que generan un ambiente celeste, infinito, típico de las obras de la pintura clásica. El pintor transforma los colores en personajes mitológicos, que se combaten, se reencuentran y se acoplan, generando nuevos colores y nuevas formas. Para que se entienda mejor el concepto, retiré las figuras de la obra, para apreciar simplemente el fondo. (Utilicé el paint.) Sin dudas Kandinsky fue influenciado por la religión cristiano ortodoxa. Las decoraciones estilizadas y geométricas, puntillados, azulejados, signos litúrgicos negros y blancos, grietas en formas de líneas generadas en el arte bizantino. Es difícil no establecer un paralelo entre estas imágenes y la obra y allí surge una pregunta: Cuando comienza la verdadera etapa del arte abstracto geométrico? PARTE FINAL Si partimos de los conceptos propios del autor, el cuadro es también la traducción de una filosofía personal. En sus escritos, Kandinsky insiste en la oposición interior-exterior y afirma con propio criterio de una necesidad interior. Es una clara reacción en favor del espiritualismo, contra el avance técnico del siglo XX. El cree que algún día reinara la gran espiritualidad. Desde ahí, muchos de sus trabajos unen estas reflexiones a la teoría del arte. (los círculos rodeados con un color difuminado, representaría el aura) La forma es la expresión exterior del contenido interior. La obra reconstruye el éxtasis, la iluminación, la aparición. La tela es un espacio virgen donde cada uno representa una traducción del pensamiento y los sentidos en forma invisible. LA BUSQUEDA A TRAVES DEL ARTE, DEL PLACER,(LA MUSICA) PARA LLEGAR AL INTERIOR, LO DIVINO (EL ECLIPSE SEMEJANTE AL ARTE BIZANTINO) MAS ALLA DE LO MITICO Y RELIGIOSO (REPRESENTADO EN ESTE CASO POR SAN JORGE). TRES COLORES, QUE PUEDEN DERIBAR EN RESULTADOS DISPARES A TRAVES DE SUS MEZCLAS, TRES ELEMENTOS, PLACER, CREENCIA, ESPIRITUALIDAD QUE NOS PUEDEN LLEVAR A CAMINOS INSOSPECHADOS DE LA VIDA MISMA. TRES COLORES FUNDAMENTALES PARA INGRESAR AL MUNDO DEL COLOR. TRES CONCEPTOS NECESARIOS PARA LA BUSQUEDA DE LA MISMA FELICIDAD. “Amarillo, rojo, azul” (1925) Wassilly Kandinsky YAPA: A partir de los años 20, la abstracción se vuelve una corriente importante con sus manifiestos, sus escuelas, sus tendencias. Los partidarios del arte abstracto piensan que es el modelo calcado exacto del desarrollo técnico. La arquitectura como expresión artística urbana, no escapó al concepto de la síntesis de las formas propuesto por Kandinsky en sus manuscritos y desde la Bahuass. Taringueros: alguna vez se pusieron a mirar las formas y las líneas generadas por el paisaje urbano? YAPA II: Kandinsky fue muy amigo de Arnold Schoemberg, de quien y de forma reciproca, fluía una gran admiración, de allí ambas producciones motivaban a realizar grandes composiciones. Entonces, cuando hablamos de escuchar música y pintar, es exactamente este tipo de melodía a la cual hacia referencia. Para que entiendan lo que digo, paso a mostrarles algo de lo que hacia Schoemberg: música dodecafónica. Estilo que sirvió para que muchos, “tomaran prestado” algunas de sus cosas, entre ellos, nuestro queridísimo Astor Piazzolla (epa!!). Como no soy músico, no voy a meterme en un terreno que desconozco, pero queda el espacio abierto para que algún compañero de T! pueda hablar sobre una composición dodecafónica con palabras apropiadas y acordes al caso. https://ugc.kn3.net/s/http://www.youtube.com/v/A-fyWc6Mpd8 https://ugc.kn3.net/s/http://www.youtube.com/v/VhTtfTQc90g&feature=related https://ugc.kn3.net/s/http://www.youtube.com/v/PfeeRHvfJJM&NR=1 KANDINSKY (1866-1944) Con permiso del compañero LOBOSATA a quien siempre le agradezco su aporte: http://taringa.net/posts/arte/2080382/La-Dignidad-Y-El-Arte.html Algo con lo que uno se siente identificado. Un abrazo para todos.