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Título: Juno Director: Jason Reitman Guión: Diablo Cody Protagonistas: Ellen Page - Michael Cera - Jennifer Garner - Jason Bateman - Alisson Janney - J. K. Simmons Año: 2007 Duración: 96 minutos País: Canadá - Estados Unidos Idioma: Inglés Crítica Que hermosa y divertida película que es Juno. La puedo ver una y otra vez y no cansarme de escuchar a esta diminuta adolescente hablar y hablar sin parar, y lo mejor que no sólo habla, sino que también dice cosas. Disfrazada de una comedia romántica adolescente, Juno está lleno de hermosos momentos desde el primer segundo hasta el último, y es una película que satisface y enamora apenas terminada de ser vista, pero que a la vez es inteligente y concienzuda y no le tiembla el pulso a la hora de tocar temas sensibles. Juno Mac Guff (Ellen Page), cuyo apellido es una referencia al término Mac Guffin inventado por Alfred Hitchcock, es una jóven de 16 años que tiene un embarazo no deseado. El padre es su mejor amigo Bleeker (el siempre virginal Michael Cera), y Juno no se siente preparada para ser madre, así que decide ir a un centro de aborto. En la puerta se encuentra con una compañera de la escuela que está haciendo una solitaria protesta enfrente del edificio, y logra convencer a Juno de no interrumpir su embarazo por un detalle tan inverósimil como lo es que el bebe ya tiene pequeñas uñas, además de ser intimidada por la burocracia y la frialdad con que se manejan en el centro, como si de un pequeño trámite se tratara. Habiendo descartado la chance del aborto, la posibilidad que sigue es ponerlo en adopción, y los candidatos ideales son Vanessa (Jennifer Garner) y Mark (Jason Bateman), una treinteañera pareja que no puede tener hijos. Juno es una adolescente poco típica. Su principal característica es su forma de hablar al igual que las palabras que utiliza. Habla rápido pero claro y usa la ironía y el humor casi en todo momento. Como ejemplo se me viene a la cabeza la primera vez que se encuentra con los padres adoptivos de neneonato, que al ofrecerle algo para beber Juno dice tranquilamente que quiere un whiskey en las rocas. Pero no solo es eso, sino que también tiene interesantes y divertidos pensamientoe, tales como cuando ve a los chicos de su escuela corriendo en sus pequeños shores de atletismo, no puede evitar pensar y sentirse asqueada por sus penes rebotando de aquí para allá, o como se siente ofendida por el término "sexualmente activo" como si de una máquina se trataran las personas. Sus gustos son igual de particulares, ya que es una fanática del punk rock de finales de los 70 y de las películas de gore, en especial de Dario Argento. Juno es una divertida, esxtrovertida, inteligente y también rara chica, pero que no deja de ser una adolescente, con sus inseguridades e inmadurez que caracterizan a la edad. Los futuros padres son dos claros opuestos. Vanessa es una estructurada profesional (no recuerdo cual esra su profesión, pero no viene al caso) de acartonados movimientos y de carácter frío. Desea fervientemente tener hijos porque piensa que lógicamente es el paso a seguir. Sigue todas las convenciones sociales y se preocupa demasiado en detalles como de que color va a ser al cuarto de su futuro hijo, pero que a la vez se siente incómoda a la hora de conectarse con Juno, por tener personalidades tan diferentes. Mark trabaja en la publicidad, y no necesita salir de su casa para trabajar. Él es inmaduro, por lo que se lleva bien con Juno. Comparte sus gustos en el cine y la música (el solía tocar en una banda) y logra congeniar con alguien que tal vez tiene su misma edad mental. Los padres de Juno, Mac (J. K. Simmons) y Bren (Alison Jenney) (que en realidad es su madrastra), son muy diferentes a los estereotipos de Hollywood. Ambos tomaron la noticia con desagrado, pero con más decepción que enojo, y se concentraron en tratar de ayudar a su hija, más que en castigarla. Bleeker, el padre del bebe, es un introvertido jóven que dedica su tiempo a las carreras de atletismo. Él está enamorado de Juno y aunque no está dispuesto a hacerse cargo como padre, acompaña en las decisiones de su enamorada. Si bien tiene un mensaje anti abortista en si misma, no creo que sea lo principal de la película. En primer lugar me parece que es una exploración de personaje. Toda la historia se centra sobre Juno, y ella es el motor que pone en marcha el filme. Su forma de ser, pensar y actuar son los motivos de todo lo que pasa. Al ser ella una adolescente es casi con obligación un filme de crecimiento tanto emocional como físico, y del difícil traspaso desde la niñez hacia la adultez. El embarazo precoz es otro de los temas tratados y su estigmatización social en algunos sectores más conservadores, aunque Juno es aceptada por sus pares y mayores casi en forma unánime. También es una exploración de las relaciones parentales con respecto a sus hijos, ya que aquí sus progenitores aparecen más bien como guías que como jueces. La inmadurez y la dificultad de aceptar responsabilidades de Mark son una muestra de lo que es una parte de los hombre maduros de hoy en día, o como a veces son denominados, pendeviejo. Por último el amor en la juventud y todo lo que eso acarrea es representado por Juno y Bleeker, dos raritos que están casi destinados a estar juntos. Algo parecido ocurre en otra película de esta guionista, Diabólica tentación, con 2 de sus protagonistas. La dirección es de Jason Reitman (Thank you for Smoking), que sería merecidamente nominado al oscar por su trabajo aquí. Ya desde el primer momento con la primera escena de Juno caminando al son de "All I Want is You" en un estilo mezcla de realismo con dibujo animado, Reitman marca una pauta de su talento. Genial apertura que muestra a una chica simplemente caminando y bebiendo jugo, pero que con su cara refleja inteligencia y un amor por la vida y felicidad, solamente disfruta el presente. En cuanto a la cámara utiliza tomas fijas normalmente, pero me gustaria poner atención en los accesorios que hay en el filme. Un ejemplo es el teléfono hamburguesa que usa Juno, el conejo que acaricia la amiga de ella o la infinidad de objetos que inundan la casa de los mac Guff. Aunque parezcan detalles sin importancia son pequeñas cosas que aportan bastante para un todo más grande. Por último está la música que se utiliza. Ya nombre a la de apertura, pero el filme está lleno de dulces baladas folk, y la canción del cierre es un perfecto contrapunto para la del principio. En cuanto a la actuación, quien se lleva todos los aplausos, y por lo que fue reconocida mundialmente, es sin duda Ellen Page. Con 20 años para ese año, Ellen creó un personaje que será recordado dentro de muchos años. Sus expresiones faciales, su voz y su contextura física son perfectos para el rol, que creo yo no pudo haber sido interpretado mejor por nadie. Ellen seguirá apareciendo en películas, pero para mi siempre sera Juno, así como Frances Mc Dormand es Marge Gunderson o Noomi Rapace es Lisbeth Salander. Del resto del reparto me gustaría destacar a J. K. Simmons, como el padre de Juno. Es una persona con un porte y una personalidad que simpre se termina robando algunas escenas, en especial cuando le sale es J. J. Jameson de adentro. Michael Cera actúa prácticamente de lo mismo que en Superbad, Jennifer Garner y Jason Bateman acompañan pero no se destacan, al igual que Alison Janney. Juno es un hermoso relato sobre una interesante adolescente que le pasa algo imprevisto. Como es una pelicula basada en una personalidad, mucho depende del actor si la película sale a flote o no. Ellen Page logró sacarla y con creces, creando esta divertidisima obra. Juno es recomendada para todos, tanto para cinéfilos expertos como para aquel pochoclero que busca divertirse. Podrán ir en busca de una comedia romántica, pero se encontrarán con algo mucho mejor, original y divertido. PUNTAJE FINAL: 9,50 ALGUNAS IMÁGENES ALGUNOS VÍDEOS (NO HAY MUCHOS EN YOUTUBE) link: https://www.youtube.com/watch?v=20PQBtyfNZY link: https://www.youtube.com/watch?v=1U9iQD1Xk5I

Título: No Country for Old Men Directores: Joel y Ethan Coen Guión: Joel y Ethan Coen Reparto: Tommy Lee Jones - Javier Bardem - Josh Brolin - Kelly MacDonald - Woody Harrelson - Garret Dillahunt - Tess Harper Año: 2007 Duración: 122 minutos Crítica Sin Lugar Para los débiles es una película de los Coen sin la marca de ellos, dejando en claro que no solo son 2 locos con extravagantes historias, sino que son directores excelsos con una visión y un talento casi inigualables. Es un filme que no da un paso en falso, y va con seguridad, convencimiento y decisión hacia el inevitable final, tal vez anticlimático, pero no irreal. Ver este trabajo es una experiencia que se debe vivir y saber que los Óscars le dieron tanto reconocimiento es casi una revancha de la injusticia del 96, cuando su, creo yo, superior Fargo cayó derrotada ante El Paciente Inglés. La historia está basada en un libro homónimo (que no he leído) de Cormac McCarthy. La cosa es así, Llewelyn (Josh Brolin) está un día cazando venados y se topa con lo que fue la noche anterior un enfrentamiento entre narcotraficantes. Como es un veterano de la guerra y un eximio cazador deduce que alguien se llevó el dinero, y lo encuentra a la sombra de un árbol cercano. Luego de una serie de sucesos aparece en escena uno de esos personajes que sobreviven a la película y al paso del tiempo, estamos hablando de Anton Chigurh (Javier Bardem), un matón a sueldo contratado para encontrar el dinero que persigue a Llewelyn por todo el estado. La tercera pata de este juego del gato y el ratón es el sheriff Ed Tom Bell (Tommy Lee Jones) , que va tras las pistas tratando de deducir el por qué de todas las muertes que se van sucediendo. El protagonista Llewelyn es una persona que se encuentra en una situación que no desea, pero que en fin se provocó a sí mismo. Ya sea quedándose con el dinero (cosa que creo que cualquiera de nosotros haría) o retornando a la escena del crimen porque su conciencia lo molestó, Llewelyn acepta el escenario donde se metió y trata de manejarlo con toda la sensatez posible. Solo hay que prestar atención a toda las escenas del motel donde se queda a dormir la primera noche. Todo sus actos son calculados para evitar ser capturado, y los Coen no necesitan dar explicaciones con un diálogo o una voz en off, nos invita a que saquemos nuestras propias deducciones. El otro personaje en cuestión y el más memorable es Anton Chigurh. La primera vez que lo vemos ya nos demuestra lo que realmente es: una máquina de matar fría e imparable. Cuando digo máquina no me refiero a un Terminator, me refiero a este ser, totalmente humano, pero con un trastornado sentido de la justicia y moral. En su primera escena es detenido por un policía al que, momentos después, ahorca sin remordimiento alguno, para luego detener a otro vehículo desde un patrullero robado y asesinar al que lo maneja también. Anton piensa de sí mismo como una fuerza del destino o naturaleza, cree que si alguien tuvo la mala suerte de encontrarse en su camino significa que su hora ha llegado y que es su trabajo el matarlo. El extraño sentido de justicia de Chigurh queda demostrado en la genial escena de la estación de servicio, donde un estacionero lo saca de quicios dando lugar a una conversación que da ganas de enmarcarla y ponerla en tu pared. O cuando se topa con un asesino a sueldo contratado para matarlo (Woody Harrelson) y le explica su raro entendimiento de la vida. El sheriff Bell tiene una acotada participación, pero logra dar un poco de perspectiva a todo lo que sucede. Aunque llega siempre a la escena del crimen cuando éste ya ha sido consumado, logra dar una explicación exacta de lo sucedido y de lo que tienen que hacer. Al ser un espectador objetivo de todo lo que va sucediendo, se convierte un poco en la voz de la razón y su participación es principalmente la de tratar de comprender lo incomprensible. Carla Jean (Kelly MacDonald) es la esposa de Llewelyn y, a pesar de que al principio parezca ser solamente una ignorante pueblerina, logra romper el molde y ser un personaje más profundo con algo más que decir, particularmente en una de las últimas escenas. Por último está Carson Wells, el asesino a sueldo interpretado por Woody Harrelson, que tiene un pequeño aporte. Aparece prácticamente como un descargo cómico para toda la tensión generada, pero por lo que se deja denotar es un profesional capaz, que tiene el honor de haber logrado sobrevivir a Chigurh. El tema principal del filme es la maldad imparable tan clásica en las películas estadounidenses. Desde Terminator hasta el Guasón, pasando por cada slasher de cada película de terror, este tema es abordado por éstos seres humanos o no, que no se detienen y, tarde o temprano logran su cometido. Aquí Chigurh la representa tanto en sus acciones como en su filosofía de vida. Lo otro, que también lo nombre en la película mi crítica a Fargo, es los extremos que se pueden tocar en busca del lucro propio. Acá tanto Llewelyn como Anton, ponen en riesgo sus vidas y las de los otros por un puñado de billetes. Los Coen son excelsos directores y como dije antes, aquí no están sus manerismos característicos, cosa que enriquece a la película. Por momentos usan tomas largas y tranquilas, donde el paisaje toma un papel protagónico (en especial al principio) para tener cortes rápidos y precisos, aunque no confusos, en las escenas de acción y confrontación entre los 2 protagonistas. Además la música, o la falta de ella mejor dicho, le da al filme algo de pensativo, y trata, creo yo, de no ensalzar la violencia del filme, sino que mostrarla objetivamente. Hablando de la violencia, lo Coen no son ningunos niños de pecho, pero está representada de una manera precisa y en dosis saludables, porque saben que es mejor el suspenso que la acción. Por lejos Javier Bardem se come la película. Su interpretación de Chigurh se compara con Hopkins como Hannibal Lecter o Chrostopher Waltz como Hans landa, se transforma en icónica y en un punto de referencia. Todo, desde su extraño peinado, su ropa tan poco llamativa o su cara inexpresiva ayuda a crear a este genial ente. Solo miren la escena en la que se cura sólo y la actuación de Bardem, de una persona aguantando dolores más allá de los soportable, es excelente. Josh Brolin es lacónico y no dice mucho, es más bien un hombre más de pensar que de hablar, pero está correcto como el "heróe" del filme. Tommy Lee Jones es una garantía, y en sus pocos momentos en pantalla logra robarse algunas miradas. Grata sorpresa es la de Kelly Mac Donald como Carla jean, que sin tener un gran personaje se mete en nuestra retina gracias a su muy buena actuación. Por último, Woody Harrelson, logra meterse en nuestros recuerdos gracias a la cantidad de chistes que cuenta en la escena de la contratación. haciendome recordar, no se por qué, a Munson en Kingpin. Sin lugar Para los Débiles es una obra maestra del cine de autor moderno y una muestra de como se hace un buen thriller. Normalmente el suspenso es muchísimo más entretenido y atrapante que cualquier película de acción. Este filme es recomendado para todos aquellos que tengan la paciencia de pasar los primeros 20 minutos iniciales, algo lentos para los estandártes de impuestos por el cine moderno, y luego disfrutar de buen cine. El final es anticlimático y tal vez el único punto en contra que tiene esta pieza. En el cine de hoy donde Michael Bay es la norma y somos asaltados por acción sin sentido cada segundo, y los personajes son estereotipos y no seres humanos, es muy refrescante ver un buen thriller de vez en cuando. PUNTAJE FINAL: 9,50 ALGUNAS IMÁGENES PELÍCULA COMPLETA link: https://www.youtube.com/watch?v=4ETWyVRw4TU

Título: Machstick Men Director: Ridley Scott Guión: Ted Griffin - Nicholas Griffin Reparto: Nicolas Cage - Sam Rockwell - Alison Lohman - Bruce Altman - Bruce McGill Año: 2003 Duración: 116 minutos País: Estados Unidos Idioma: Inglés Crítica Las películas de estafadores normalmente no son transparentes. No sólo se estafan entre ellos sino que casi siempre están jugando con los espectadores, mostrando algo o tapando otro, para que el giro final llegue con sorpresa, como si de magos se tratara. Hay que admitir que a uno le gusta ser engañado, siempre y cuando el embuste sea sincero y honesto y no use trucos ni apele a deus ex machinas. Los tramposos no es una excepción con respecto a a ese aspecto de la trama, pero le añade algo que le falta a la mayoría, un corazón. Roy (Nicolas Cage) es un estafador con TOC (Transtorno Obsesivo Compulsivo) que se dedica principalmente a engañar a la gente vendiendo a subreprecio unos filtradores de agua. Luego de que sufrió un ataque de pánico, su compañero Frank (Sam Rockwell) le recomienda que vea a un psiquiatra amigo, el doctor Harris (Bruce Altman). Tras unas sesiones el doctor le recomienda que hable con su ex esposa Heather, por lo que descubre que tiene una hija de 14 años llamada Angela (Alison Lohman). Los 2 se encuentran y se empiezan a llevar bien desde un principio. Después de algunos encuentros Roy le cuenta que es un estafador y tras una implacable insistencia de su hija accede a enseñare un embuste, involucrando un boleto de lotería y una lavandería. Mientras los días pasan Roy se conecta más y más con su hija hasta que llega al punto de involucrarla en un trabajo sobre un tal Chuck Frechette (Bruce McGill). Roy es un hombre muy trastornado. Sufre de muchas obsesiones y tics, de los que puedo recordar ahora una obsesión malsana por la limpieza y lo gérmenes, otra con la luz y una gran cantidad de tics en su cara. Como sus relaciones no han salido bien, la única amante que tiene es su trabajo, por más inmoral que sea. Él no se considera un ladrón común, ya que como explica, la gente le entrega voluntariamente el dinero, y no utiliza la fuerza ni las amenazas. Además toma su profesión como un trabajo más, como si de un oficinista o arquitecto, por nombrar 2, se tratara. Cuando llega su hija a su vida, le da una inyección de vida y de amor por ella, así como por las personas en general. Poco a poco va olvidando sus problemas y obsesiones y se dedica a lo único que realmente importa, vivir y disfrutar la vida. Angela es una divertida y despreocupada adolescente. Aunque creo que cualquier persona reaccionaría diferente al ver a su padre por primera vez en su vida, su actitud relajada y humorística nos hace olvidar este detalle. Pero no todo es alegría para Ángela, porque también logra mostrar aspectos más complejos de su personalidad, como por ejemplo luego de su pelea con su madre o en los momentos de discusión con su progenitor. Frank es el compañero de Roy, y se lo muestra como un hombre sensato, pero que también se siente indiferente con respecto a la amoralidad de su profesión. Por último está el doctor Harris, paternal y eficaz, parece ser alguien que comprende la complejidad psicológica de Roy. Si bien en este tipo de películas los guiones se concentran principalmente en la estafa, las complicadas tramas o los giros del final (sin repetir y sin soplar, Nueve Reinas, Los Sospechosos de Siempre, El gran Truco, La Trampa, Vida Bandida, etc), creo que aquí toma el protagonismo la relación padre hija y como se logran conectar, a pesar de no haberse visto en toda su vida. Roy, como todo padre, intenta inculcar sus valores, tradiciones y costumbres a su simiente. Ella por su lado le aporta la alegría que le venía faltando a la vida de Roy hace rato. La ambigüedad con que Roy toma la decisión de su hija de tratar de hacer lo que él hace para ganarse la vida es casi un cuestionamiento hacia sí mismo sobre la virtuosidad de su empleo. El director de este filme es el veterano Ridley Scott. Aunque nos tiene acostumbrado a grandes producciones, tanto de época (Gladiador y Robin Hood) como contemporáneas (La caída del Halcón negro y American Gangster) o futurísticas (Blade Runner, Alien y Prometheus), a veces nos sorprende con alguna pequeña historia (Thelma y Louise). Ridley es un dotado cineasta y sabe muy bien como reflejar los sentimientos o pensamientos de sus personajes en cámara. Aquí pone unos rápidos cortes y tomas cortas, casi como una proyección de la hiperactiva mente de su protagonista. Las escenas finales la cámara está estática y tranquila, Roy encontró la tan ansiada paz mental. Nicolas Cage es un irregular actor, parece que agarra todo lo que le cae en las manos, por lo que tiene algunos horribles trabajos, y otros de notable calidad como éste. Hay que destacar que Cage ha trabajado con directores como: Martin Scorsese, los hermanos Coen, Mike Figgis, David Lynch, Spike Jonze y Brian de Palma. Acá realiza una muy buena interpretación, y su actuación es genial. Fijémonos cuando juega a los bolos con su hija, su expresion es de un amor incondicional, o cuando tiene el ataque de pánico, y podemos ver como su cabeza está a punto de estallar. Una grata sorpresa es la de Alison Lohman, la eterna adolescente. Debido a sus rasgos y su contextura física, está actriz, que contaba con 24 años, siempre le toca hacer papeles más jóvenes de lo que ella realmente es. Alison lleva adelante a Angela de una manera excelente, y logra convencernos en todo momento de su edad. Rockwell y Altman aparecen poco y no se logran desarrollar totalmente, pero sus participaciones son correctas y efectivas. Los Tramposos es un entretenido y divertido thriller. Como dije antes tiene un giro en el final (que no voy a revelar) que es ingenioso y es derivado de la trama, no es que aparece de la nada. Es super recomendable para todo el mundo y toda la familia, cosa que se vio reflejada en su buena performance en la taquilla. La escena final es la que para mí hace la película. De haber terminado unos minutos antes, sería una más de la interminable lista de filmes de estafadores, pero esa última escena le da una profundidad y una enseñanza de que al final, el dinero es lo de menos. PUNTAJE FINAL: 8, 50 ALGUNAS IMÁGENES ALGUNOS VÍDEOS

Título: Do the right thing Guión: Spike Lee Protagonistas: Rosie Perez - Danny Aiello - Ossie Davis - Ruby Dee - Richard Edson - Giancarlo Espósito - Spike Lee - Bill Nunn - John Turturro - John Savage Año: 1989 Duración: 120 minutos País: Estados Unidos Idioma: Inglés - Italiano - Español Crítica Mucho antes de que Crash apareciera en los cines en el 2004 y se llevara el Oscar a mejor película con su crisol de historias de racismo, en el año 89 Spike Lee realizó un más eficiente e inteligente filme sobre este tema. Abarcando poco y apretando mucho, Lee pone en el tablero las tensiones raciales en un barrio de Nueva York, mientras que a la vez expone un retrato de la vida misma y algunas ciertas ideas del guionista a través de sus personajes que no solo habitan las 2 horas que dura la película, viven más allá que ella. Todo el filme se centra en el día más caluroso del año en un barrio de Brooklyn. El personaje central de esta historia es Mookie (Spike Lee), un repartidor de la pizzería del barrio que sirve como nexo para todas las pequeñas historias que se van llevando a cabo. El dueño de la pizzería se llama Sal (Danny Aiello) que está en ese suburbio desde hace 25 años y maneja el negocio junto a sus hijos Pino (John Tuturro), el mayor y el que siente un odio racial por sus clientes, y Vito (Richard Edson) tolerante pero con un débil carácter. El hecho desencadenante de la tragedia del final son unas peleas que tiene Sal con 2 de sus clientes. El primero es con Buggin Out (Giancarlo Espósito), un reaccionario joven de la calle, por tener cuadros de Italoamericanos solamente colgados en su pared. El segundo con Radio Raheem (Bill Nunn), otro joven que transita las calles con su radio a todo volumen, por, justamente los altos decibeles de su música. La escalada de tensión social y prejuicios verá su cúspide en el final del día, con un gran disturbio. En este momento voy a decir un spoiler así que no lo lean (comienzo de spoiler): según leí en internet, cuando a Spike Lee se le preguntaba porque quemaban el negocio de Sal el les contestaba que ningún negro le había jamás preguntado eso. Eso me hizo pensar en mi mismo, porque yo me pregunté lo mismo que todos ellos, y no me di cuenta o le di menos importancia a la muerte de Radio Raheem, cuando una vida no se compara con cualquier perdida material (fin del spoiler). Lee nos muestra una paleta de personajes muy diferentes. Empezemos por Sal y sus hijos. Sal es un hombre trabajador que realmente quiere a su clientela ya que como el mismo dice los vio crecer de niños. No es racista, pero es temepramental y eso lo puede llevar a decir y hacer cosas que no quiere. Sus hijos Pino y Vito son 2 formas en como los blancos miran a los negros: uno los odia y discrimina abiertamente, el otro los aprecia y hasta empieza a imitarlos. Mookie es un jóven que debe mantener a su exigente novia Tina (Rosie Perez) y a su pequeño hijo Héctor con su trabajo de repartidor, pero carece de la ambición para salir de allí. Entre los personajes que pululan en las calles podemos nombrar a Da Mayor (Ossie Davis) un ebrio anciano bienintencionado que parece ser la voz de la razón. Mother Sister (Ruby Dee), una mujer que ve todo sentada desde la ventana de su casa. Radio Raheem, un enorme joven negro que carga su enorme radio con la canción de Fight the Power a todo volumen. Buggin Out, reaccionario como pocos, se sobresalta ante cualquier provocación, por más de que esta este solo en su cabeza (en une escena un hombre blanco lo pisa sin querer y él no acepta sus disculpas), y va por ahí exacerbando a la gente. Love Daddy (Samuel Jackson) el Dj de la cuadra que es una especie de relator del pueblo. Sonny (Steve Park) es un coreano que tiene un negocio exitoso y es asediado por los lugareños. Por último puedo nombrar a un grupo de jóvenes que pasan su tiempo vagando (entre ellos está Martin Lawrence) y otro de ancianos, que se sientan a ver el mundo pasar y a molestarse los unos a los otros. Si pase tanto tiempo describiendo a los personajes es porque son lo más importantes de la película. A pesar de que algunos aparezcan poco o tengan diálogos cortos sus personalidades y motivaciones están muy bien marcadas. Todos ellos son estereotipos de personas de ambas razas y representan distintos pensamientos que tenemos todos. La ambigüedad que le da a todos los hace perfecto para esta película ya que ninguno y por ende todos son villanos, héroes, culpables e inocentes. También deja planteada la doble moral sobre algunos temas como por ejemplo se argumenta que los únicos negocios exitosos no son de negros porque son flojos, pero a la vez dice que es porque la sociedad los a adoctrinados así. Yo les pregunto ¿quién tiene razón? En cuanto a la dirección Lee hace un excelente trabajo. La cámara está viva y los extraños ángulos no dejan de aparecer. También están la escena a mitad del filme donde un par de personajes propinan insultos racistas a la cámara sin razón aparente. Este momento que no tiene ninguna concatenación con el resto de los eventos de la película da una imagen de lo tonto y vanos que son los prejuicios raciales. La escena inicial con Rosie Perez bailando al ritmo de Fight the Power también es una delicia para los ojos y los oídos. Los movimientos de ella combinados con la poderosa letra de la canción es una demostración de enojo e ira. La escena en que Mookie y Tina tienen sexo es en extremo ingeniosa, y solo necesito algunos cubos de hielos. Los colores también juegan un partido aparte. Todo el barrio brilla en extremo y las ropas ochentosas de las personas también son un espectáculo para los ojos. Las actuaciones son tal vez lo menos destacable, no porque hayan sido malas sino porque no hay tiempo de que nadie se luzca demasiado. Danny Aiello como Sal fue de lo mejor ya que manejó bien la dicotomía de su personaje y le valió una nominación al Oscar. Spike Lee como actor es un buen firector y guionista, pero no llega al punto de Sofia Coppola. Rosie Perez aparece poco pero es efectiva. El resto no se destaca pero tampoco son maas actuaciones, es que no hay tiempo de poder escuchar a fondo a todos ellos. De visión obligada, Haz lo correcto creo que logra lo que muy pocas películas: entregar todo lo que tiene para dar. Spike Lee dejó cuerpo y alma en una película que transpira talento por donde se a mire. Impecable dirección y guión, logró retratar las tensiones raciales solamente en 2 horas y, por sobre todas las cosas, no emite juicio para ningún lado, dejando que el espectador sea el que elija. Haz lo que debas es una invitación a todo el público y voy a cerrar con esta pregunta que espero que me la respondan cuando terminen de ver el filme ¿Hicieron lo correcto? Puntaje final: 9,50 ALGUNAS IMÁGENES ALGUNOS VÍDEOS link: https://www.youtube.com/watch?v=U35MvblI4og link: https://www.youtube.com/watch?v=cOxOR3x8FBQ link: https://www.youtube.com/watch?v=IA3oxE4X5w8 link: https://www.youtube.com/watch?v=9kSR88HEKSQ link: https://www.youtube.com/watch?v=fuZnjop54JM

Título: Election Director: Alexander Payne Guión: Alexander Payne - Jim Taylor Basado en: Election de Tom Perrotta Protagonistas: Mathew Broderick - Reese Witherspoon - Chris Klein - Jessica Campbell - Phil Reeves Año: 1999 Duración: 102 minutos País: Estados Unidos Idioma: Inglés Crítica Todavía no vi una película de Alexander Payne que me disgustara. Sus filmes son una mezcla de comedia, drama, situaciones extrañas y patetismo casi perfecta. Es un gran satírico de la vida misma y de la tragedia humana, cuando a la vez logra crear ambientes perfectamente balanceados entra la comedia y los dramas cotidianos. Aquí cuenta la historia de la rivalidad de un profesor y una alumna, dos actores en distintos peldaños de la escalera social, con una gracia e ironía que lo deja a uno con ganas de que la película siga después de que rodaron los créditos. Jim McAllister (Matthew Broderick) es un profesor de ética bienintencionado de una escuela de secundaria de Omaha. Entre sus alumnos se encuentra Tracy Flick (Reese Witherspoon), una superexigente muchacha que realmente lo saca de sus cabales (además Tracy tuvo relaciones sexuales en el pasado con un colega y amigo suyo que terminó con el profesor siendo despedido). La trama, y aunque suene redundante el título, gira entorno a la elección del presidente del cuerpo estudiantil. Como es de esperar Tracy se postula y al no haber ninguna competencia es la segura ganadora. Entonces Jim decide poner una Pepsi a su Coca Cola (analogía sacada de la película) y ayuda al capitán del equipo de fútbol americano, Paul (Chris Klein), a que compita contra ella. Jim no es un hombre malo, pero se siente algo ambiguo con respecto a Tracy, por un lado la detesta y por el otro la desea, por ello el echo de insitar al futbolista a postularse como presidente. Además de su vida profesional, también hay que destacar su vida personal. Jim está casado, pero por lo que se denota la llama se apagó hace rato (además no le pude dar un hijo, cosa que desean) y sus ojos se posaron en la ex mujer de su amigo Dave, el que echaron por acostarse con Tracy. Del otro lado de la moneda tenemos a Tracy, con pocos o incluso sin amigos, concentra todas sus energías en sobresalir en todo lo que hace y en aparecer en todas las actividades extracurriculares que pueda. La principal razón por la que estuvo con el profesor Dave era que por fin había una persona al lado suyo que la escuchara. Cuando Paul aparece como contraparte de ella en las elecciones, su ambición por ganar en todo se ve amenazada, por lo que una tarde, en un ataque de histeria rompe todos los carteles promocionales y los tira a la basura. Si es castigada o no por esto no es algo que voy a revelar, pero será el centro de todo lo que reste. Paul, el popular deportista, sufrió un accidente de esquí durante el invierno y lo dejó sin la chance de dedicarse al deporte que tanto quiere. A diferencia de todos otros mariscales de otras películas, Paul es una buena persona y desea siempre lo mejor para los demás. Su hermana Tammy (Jessica Campbell), que también se postula a presidenta, pero con intenciones totalmente diferentes a la de los otros 2, es una adolescente que ya tiene decidido hace rato para donde va ir su vida sexual, y sueña con irse a la secundaria católica donde son solamente mujeres. Estos 2 personajes, si bien son secundarios, tienen algunos momentos cruciales en la película, por eso son dignos de ser nombrados. Los protagonistas son 2 clásicos opuestos: Tracy, obsesiva y extremadamente ambiciosa siempre impecable y lista para actuar, y Jim, también eficiente pero conformista, con un pequeño trabajo en una ciudad chica sin muchas chances de avanzar. Creo que este es el centro de la película: la elección de vida que uno elige. Se me vienen dos frases que se aplican a los 2 puntos de vista, para Tracy se me ocurre "Hay quienes se consideran perfectos, pero es solo porque exigen poco de sí mismo" y para Jim "Como no tengo todo lo que quiero, quiero todo lo que tengo". Ninguno de los 2 está mal, pero yo me quedaría con algo más intermedio, dar todo de sí mismo, pero sin dejar de lado la diversión y las amistades, que hacen que la vida valga la pena vivirla. En cuanto a la dirección de Alexander Payne, su mano se hace notar. Inunda la película con muchas voces en off, que reflejan el pensamiento del personaje en un momento dado o sirven para explicar y explayarse en un tema. Pongamos en ejemplo la primera escena donde Jim explica su trabajo y se detiene a describir la personalidad de Tracy, por lo que la escena también se frena, pero la cara no queda en una típica foto carnet, queda en una expresión cómica y deforme. También hay que destacar el toque de comedia que le da a todo Payne. Hasta hora explique los personajes, sus motivaciones y algunos momentos caves, pero no me detuve a decirles que la película es muy entretenida y divertida. A veces en la exageración de rasgos, en conversaciones hilarantes (el corte de escena cuando se dice lo que no sabemos sobre Tracy es a la vez exquisito y de mal gusto) o en el clásico humor físico el filme logra sacarnos más de una carcajada. Los 2 protagonistas son 2 actores talentosos que normalmente hacen su trabajo aficientemente. Mathew Broderick, con sus grandes ojos y su apariencia de eterno joven, le cae como anillo al dedo su personaje de profesor joven con ganas y pasión por su trabajo. Reese Witherspoon como Trcy es la mejor lejos y la que se lleva todas las miradas. Con 23 años, fue uno de sus primeros papeles importantes y lo maneja de una genial manera. Su vestimenta, su mueca, su postura, su forma de hablar y hasta su peinado son un arreglado pack de perfección y orden envidiable. Witherspoon demuestra posteriormente lo versátil que es como actriz, fijémonos en la protagonista de Legalmente Rubia que es todo lo opuesto a Flick, pero ella lo interpreta con la mismas ganas que en este film. Una pequeña mención para Chris Klein (Oz de American pie) que también crea un personaje realmente adorable. Creo yo que cada uno se va a sentir identificado o va a detestar a uno de los 2 protagonistas, por mi parte a mí me cayó bastante mal Tracy, su ambición y esa de forma de ser tan asertiva me cayó realmente mal. Pero al final, como todas las personas, tiene su lado bueno, su lado malo, su lado humano y su lado malvado. Election es recomendable para todo el público: para quien quiera pasar el rato, para quien quiera reirse o simplemente para quien quiera ver algo cada vez más difícil de encontrar, una buena e inteligente comedia. Puntaje Final: 8,50 ALGUNAS IMÁGENES ALGUNOS VÍDEOS link: https://www.youtube.com/watch?v=yisFmY4OAbs link: https://www.youtube.com/watch?v=eh3TXsx8B40 link: https://www.youtube.com/watch?v=OYt6asKb5bw

Título Original: 500 Days of Summer Dirección: Marc Webb Guión: Scott Neudstater - Michael Weber País: Estados Unidos Año: 2009 Reparto: Zoey Deschanel - Joseph Gordon Levitt - Clark Gregg - Chloe Grace Moritz - Mathew Gray Gubler - Rachel Boston La primera vez que vi este film lo percibí como una comedia romántica más. Ingeniosa sí, divertida sí, original tambien, pero no como nada fuera de lo común. Con el pasar del tiempo fue creciendo en mi y hoy por hoy la considero sin dudarlo entre mis 10 películas favoritas, porque cuando una película puede darte ejemplos de como transitar algunos momentos de la vida es porque es algo más que una simple película. La trama es muy simple y ya lo dice el narrador al comenzar el filme, es una película sobre un chico que conoce una chica, pero como también lo aclara, no tiene un final feliz. El chico es Tom Hansen (Joseph Gordon Levitt) y la chica es Summer Finn (Zoey Deschanel), quienes se ven por primera vez en su lugar de trabajo, donde ella recién ingresa y nuestro amigo Tom ya no pudo sacar sus ojos de su mirada. Voy a tratar de contar la trama de forma lineal y se podría decir que es más que simple. Tom se enamora de Summer a primera vista, es tímido y no se anima a encararla, se terminan juntando, la pasan bien, ella se vuelve distante, Summer lo corta, el se deprime, sale a flote y cambia su vida. Si nos ponemos a analizar esta historia se puede decir que la hemos visto miles de veces, pero el acierto está en la forma de contarlo. Porque la verdad las cosas son así, las historias son siempre parecidas, la diferencia está en quien la cuenta, es como ese amigo que a pesar de haber escuchado sus anécdotas todos los días de tu vida, aún así la queres volver a escuchar. La técnica que utiliza el director, y es lo que le da el nombre a la película, es utilizar los 500 días del enamoramiento, siendo el día uno la primera vez que vio a Summer y el día 500 cuando al fin la supera, y mostrarnos fragmentos de cada día de manera desordenada, por lo que podemos ver a un Tim feliz en el día 95 y a un depresivo Tim en la otra escena transitando el día 450. Además de éste recurso técnico, la película tiene mucho más para ofrecer, Yo por ejemplo se las recomiendo a todos los hombres del mundo, porque considero que es la única comedia romántica hecha para hombres, y esos es mucho decir. Normalmente se utiliza el punto de vista de la mujer o el de ambos a lo sumo, pero un filme donde todo este desde el punto de vista masculino, sin llegar a ser machista o misógino es un logro en sí mismo. ¿Por qué digo esto? Porque en ningún momento demonizan a Summer como una mujer malvada que quiere hacer sufrir a Tim. Todo lo contrario ella es libre y siempre fue sincera con él, dejando todo en claro desde un principio. Y hablando de Summer, caracterizada por la irresistible Zoey Deschanel, es una chica joven, despreocupada y que sabe bien lo que quiere. Ella le deja en claro a Tim que no quiere nada serio, y aún así el se enamora, ¿qué culpa puede llegar a tener? Luego en una escena cerca del final, porque ella se está a punto de casar, Tim le pregunta que tiene él, y ella le responde con total sinceridad: con él estoy segura de lo que contigo no estaba. Fuerte y directo al corazón, pero con sinceridad. En cuanto Tim, también es un personaje creíble. Si bien ella le deja en claro que quiere algo casual, el corazón quiere lo que el corazón quiere, y es imposible negar esos sentimientos. Tim es retratado como un muchacho que está en un impaz en su vida, con un trabajo sin importancia en una vida sin pasión, Summer termina siendo el gatillo que lo lleva a superarse a sí mismo. Al final de todo, esta su amigo McKenzie, el clasico patiño que acompaña a los protagonistas pero que a pesar de todo logra tener su nivel de profundidad, y su hermana Rachel (Chloe Grace Moretz) que si bien es una ayuda para Tim en varios pasajes es el personaje menos creíble de la película. Por eso es que está película llega tanto, porque sus dos personajes principales son creíbles y consistentes, porque actúan de manera lógica correspondiendo a sus personalidades y porque apela a los sentimientos compartidos por la humanidad, el amor y la decepción. Además te da algunos tips para el futuro, en especial una frase que deja Rachel a Tim: si una chica linda comparte algunos gustos contigo, no necesariamente es tu alma gemela. Eso resume creo yo el mensaje del filme, s¡aunque compartas de todo con una chica no significa que estén destinados, porque al fin y al cabo las relaciones se hacen de a 2. En cuanto el director, que hizo su debut en la pantalla grande con ese filme y que luego se dedicó a hacer los reboots del Hombre Araña, como nombre antes se puede destacar su forma de contar desordenadamene la historia, aunque eso puede ser más gracias a los guionistas. Lo que si vale destacar de Marc son la técnica en ingenio que utilizó en 2 escenas puntuales, la primera cuando Tim tiene sexo por primera vez con Summer y su alegría cuando sale a la calle es tal que hace que todo el mundo baile con él, y es más gracioso porque creo que eso le pasa a muchos hombres, que sienten que (aquí literalmente) el mundo les sonríe, La otra escena es otra desgarradora y también realista, cuando Tim se reencuentra son Summer y se contrapone la expectativa de Tim contra la realidad, y como ésta última es una dura pared de ladrillo contra las ilusiones y fantasías personales. La música elegida es otro acierto del director, tonadas suaves y pop que complementan con el tono del filme, melancólico pero positivo al fin. Joseph Gordon Levitt y, como ya dije antes, la irresistible Zoey Deschanel, son una dupla perfecta, tienen una exelente química en pantalla, pero siguen siendo a pesar de todo New Girl y el chico con cáncer en 50 50. A esto me refiero que no son actores muy versátiles, son jóvenes y hermosos, cosa que ayuda, pero en el fondo siempre son ellos mismos, lo que no mancha el filme. El resto de los personajes no son dignos de destacarse, porque todo el peso cae en la pareja principal y solo aparecen muy brevemente, pero repito, sin la química que tienen y con otros actores, la película pudo haber flaqueado, aunqe tenga un fuerte guión. 500 día con ella es una película que recomiendo ver a todos los hombres cuando crean que perdieron la oportunidad o la mujer de su vida, en esos momentos este filme va a ser un 10. Para el resto de los días del año, les va a parecer una entretenida comedia romántica, nada más. Para redondear la considero una de mis películas favoritas que no puedo parar de ver, asi como The Cabin in The woods en otro género, pero reconozco que no es una de las mejores que se han filmado. Sea como sea, creo yo que todos hemos tenido, o tenemos una Summer en nuestras vidas Puntaje Objetivo: 7/10 Puntaje Subjetivo: 10/10 Imágenes Videos

Título: Into the Wild Director: Sean Penn Guión: Sea Penn Protagonistas: Emile Hirsch - Marcia Gay Harden - William Hurt - Jena Malone - Catherine keener - Brian Dierker - Vince Vaughn - Zach Galifianakis - Kristen Stewart -Hal Holbrook Año: 2007 Duración: 148 minutos País: Estados Unidos Idioma: Inglés Crítica Hasta ahora he posteado casi solamente películas que me gustaron o me sorprendieron de alguna manera. Ahora voy a hacer una excepción y dedicarme a criticar una película que, por un lado no niego que sea entretenida y bien hecha, odio hasta la más mínima fibra de mi cuerpo. Y no solo odio su mensaje, su música y su puesta en escena, odio el hecho de que haya tenido tan buenas críticas y que la mayoría de la gente la adore. También odio que sea manipulativa, que haya arruinado al actor principal para mí (cada vez que lo vea veré a McCandless), que estén tantos buenos actores y que el director sea Sean Penn. Para resumir todo, odio Into the Wild. La historia es así, Christopher McCandless (Emile Hirsch) se gradúa con honores de la universidad, pero el malcriadito odia esta sociedad porque sus padres se peleaban cuando el era chico, así que decide romper todas sus tarjetas de créditos y de identificación, regalar su dinero y empezar a viajar por el país. Cuando pierde su auto en una inundación, empieza a hacer dedo y así sigue su camino de "autodescubrimiento", que lo va a llevar a encontrarse con distintas personas como por ejemplo Jan (Catherine keener) y su marido Rainey (Brian Dierker), una vieja pareja hippie, Wayne (Vince Vaughn) un jefe suyo en una compañia vinícola, Tracy (Kirsten Stewart) una jóven muchacha que se las trae con Christopher y Ron (Hal Holbrook) un jubilado que se ofrece para ser su padre, Bueno, esta es la historia en crudo y tengo que decirlo que no es una mala trama, lo que pasa es que yo no esoy ni un uno por ciento de acuerdo con la filosofía de este muchacho. Es un chico con todas las oportunidades del mundo para triunfar y tener una buena familia, pero rechaza todo. Lo que más me molesta de él y del filme en general, es que se cree mejor que uno porque él no necesita la sociedad, pero a pesar de ello vive, come y se viste con productos que son fabricados en el ceno de la sociedad que él rechaza. También vale destacar que, volviendo al estado natural como lo hace Christopher, la mayoría de la humanidad no sobreviviría, y tendríamos una esperanza de vida de unos 30 años. Lo que creo que le pasa a este chico, y por extensión a Sean Penn que es el director y guionista, es que se odian a sí mismo o a sus padres y culpan a todo el mundo por ello, cuando ellos son los únicos culpables de su infelicidad. Realmente detesto la mentalidad pseudohippie de algunas personas que juzgan a todos porque ellos se creen mejor por, por ejemplo, no comer carne, no trabajar o no insertarse en la sociedad, cuando en realidad son unos chicos mimados que deshechan las oportunidades que tienen, que otros morirían por tener. Volviendo a Christopher, odio su forma de pararse o de hablar, Con la barbilla arriba y mirando a todos desde arriba, se cree que es lo mejor que hay. Pensemos en la escena en que vuelve desesperado a la ciudad cuando se pierde en el desierto, y mira a todos los vagabundos y tiene un momento de iluminación en el que se da cuenta de que esto no es para él. La realidad es que es un niñito egoísta que ignora a quien incluso lo quiere en realidad, como su hermana. Entre el resto del reparto son solo un manojo de hippies viejos y sucios que " deshechan" la sociedad pero viven de ella, una total incoherencia. Me gustaría destacar un poco a Ron, que parece ser la única voz razonable de la película, que francamente le dice que su viaje a Alaska es una locura de muerte segura, pero el "inspirador" Christopher también lo abandona a él. Sen Penn realiza su debut comodirector aquí y hace un buen trabajo detrás de cámara que va a ser que disfrute aquel que esté de acuerdo con su mensaje. A mi me pareció vomitivo cada segundo que dura esta película, ah no les dije, dura 2 horas y media. Si señor, 2 horas y media de pura fantasía hippie, delirios de grandeza y de un carácter obsenamente pretencioso. Y si faltaba algo está la música. Aaaaay la música. Decenas de canciones country o de rock más bien melódico que sumados a la estúpida cara de Emile Hirsch te dan ganas de, perdón por mi vocabulario, cagarlo a palo. Las letras dicen cosas como que si la sociedad ofrece x cosa para mí, sociedad no te necesito, o algo sobre el hijo pródigo. Para destacar están los bellos escenarios y los paisajes naturales francamente hermosos, arruinados a veces por un autobus mágico. Si leíste bien, un autobús mágico. Se me hace muy difícil analizar este filme fríamente, pero las actuaciones son buenas. Emile Hirsch maneja muy eficientemente su primer protagónico importante, y Hal Holbrook recibió una merecida nominación a los Oscars. El resto son solo caricaturas y cliches creados en favor de este odioso mensaje. Catherine Keener es una hippie vieja unidimensional, Marcia Gay Harden es la madre sumisa de Chris y William Hurt es el clásico malvado padre de Chris que es dibujado como un "monstruo". Todos son estereotipos de personajes mil veces antes vistos, funcionales solamente para los maquiavélicos fines de su director. Creo que no hay nada más que decir, solo que escribo esto con un odio terrible. Odio las películas manipuladoras y pretenciosas como estas, hechas por riquitos que se odian a sí mismos y se creen mejor que todos por hacerlo. Odio los hippies viejos nacidos de los 60 que son nada más y nada menos que unos vagos mugrosos. Pero tengo que decir que Into the Wild no es una mala película y que creo que a la mayoría de las personas y críticos que la han visto les ha gustado, pero debo decir un viejo dicho que describe este fenómeno con una total claridad: si mil moscas comen mierda, mil moscas no pueden equivocarse. Puntaje final: 5 (solo porque trato de ser neutral, si fuera por mí iría un gigantesco y rojo 1) PD para el que ya vio la película: Cortito y al pie, se debió haber acostado con Kirsten Stewart, nada más. ALGUNAS IMÁGENES ALGUNOS VÍDEOS link: https://www.youtube.com/watch?v=Mwx3RvDWvDM link: https://www.youtube.com/watch?v=32Js2Ef5Ojg link: https://www.youtube.com/watch?v=t_G00TJ45zM link: https://www.youtube.com/watch?v=5REHIkn5kRQ link: https://www.youtube.com/watch?v=fLx1zglbXTU

Nombre original: Martyrs Director: Pascal Laugier Guión: Pascal Laugier Protagonistas: Mylene Jampanoi y Morjana Alaoui Año: 2008 Duración: 94 minutos País: Francia - Canadá Idioma: Francés Crítica Aún no he visto película más desesperanzadora como Martyrs en mi vida, y eso que he visto otras piezas del gore que si bien pueden llegar a ser más asquerosas (August Underground, Nekromantik) o más extremas (A Serbian Film), Martyrs me ha dejado con un sabor amargo en la boca que ninguna de las otras ha podido hace, además de poner en la mesa algunas preguntas sobre la vida y la muerte que dejará a más de uno rascandose la cabeza, lo que es una de las cosas que más me gustan en los filmes El film comienza con Lucie escapando de una especie de taller donde era torturada sistemáticamente. Al ser encontrada por las fuerzas policiales es puesta en un orfanato donde se hace amiga de Anne, y donde también descubrimos que ella es atacada por un ente monstruoso que es básicamente una jóven muchacha llena de cicatrices y heridas. Ya en la adultez, Lucie (Mylene Jampanoi) irrumpe en una casa de una familia y la asesina a sangre fría por creerlos culpable de sus vejaciones en su juventud. Cuando Anne (Morjana Alaoui) ve lo que hizo su amiga se horroriza, pero aún así la ayuda a tratar de esconder a evidencia de su crimen. Lucie comete suicidio al ver que el horroroso monstruo que la agobia nunca se irá, y Anne, mientras limpia la casa descubre una habitación subterránea secreta donde encuentra una chica torturada con una placa metálica que está perforada en su cráneo. A partir de aquí la película da un giro y toma una nueva dirección y es aquí donde se hace realmente interesante y filosófica la película. Es imposible no hablar sin dar spoilers así que sepan disculpar. Resulta que un grupo secreto de personas secuestran mujeres y la torturan hasta los límites del cuerpo humano para martirizarlas (como dice el título) y de esa manera, en un total desprendimiento de la mente por sobre el cuerpo, pueda ver en vida y contar como es el más allá, o puesto en otro modo si realmente existe. Anne se transforma en el nuevo specimen y es torturada por una largo período de tiempo hasta llegar a despellejarla lo que es la última etapa de martirio. Al final parece que llega a la iluminación, y le comenta algo inaudible para el espectador a la gorda líder de este grupo (Catherine Begin), que al terminar el filme, cuando es cuestionada por lo que Anne le contó, le responde "sigan dudando" y se suicida. He aquí la gran duda que se genera con este film (que me recuerda en cierta medida a la escena entre Bill Murray y Scarlet Johansson en Lost in Traslation), ¿qué le dice Anne a la Mademoiselle en el final del film y por qué genera ésto el suicidio de ella? Cada uno puede tener su conclusión o hipótesis y ser correcta, todo depende de lo que vos creas realmente, lo que puede revelar algo dentro tuyo. Por ejemplo puede ser que Anne le haya dicho que hay un cielo y que es hermoso, y ella, con actitud egoista no puede esperar para verlo. O tal vez le dijo que no hay nada, y para no arruinarle la vida al resto se suicida. Cualquier respuesta es válida, y es más bien un espacio en blanco ara rellenar con lo que uno desea o crea que sea la vida, o no vida, más allá de la muerte. En cuanto a la dirección es bastante standard en cuanto a los planos o movimientos de cámara, sin ser destacados pero acompañando a la acción como y cuando se debe. Lo que si se destaca, para bien de algunos o mal de otros, es la violencia gráfica que acompaña a la película. Puedo destacar algunas escenas que pueden hacer cerrar los ojos a unos cuantos, como por ejemplo el asesinato de los niños con la escopeta, casi todos los ataques del monstruo que atosiga a Lucie, cuando Anne le saca el casco metálico a la torturada chica del sótano de la familia y, por supuesto, el despellejamiento de Anne. Todas estas escenas llegan a los límites del buen gusto pero creo, en este caso, ayudan a darle esta átmosfera agobiante y sin luz a final del túnel que propone Martyrs. Las actrices en el protagónico lo hacen bastante bien, pero como el foco se centra princialmente en la historia y en las dudas que provocan, casi cualquier actriz decente (no como las de la porquería fílmica del Ciempiés Humano) pudo haber sobrellevado el papel, tal vez con un poco de recelo por los temas tocados y las formas de hacerlo. En fin, Martyrs es una interesantísima película, plagada de preguntas sin respuesta, escenas que llegan al límite e imágenes que te quedaran grabada en el inconciente. En mi humilde opinión, cuando un filme te deja con ganas de no solo verlo una vez más, sino que te deja con preguntas en tu mente que le das vueltas y vueltas para encontrarle una solución son películas que realmente merecen que todos las veamos una sola vez. Y cierro ésta breve opinión con una pregunta ¿Que vio Anne en su martirio? Puntaje: 8/10 En youtube está la peli completa, no se si poner el link pero bueno, les aviso

Dirección: Daniela Goggi Guión: Alberto Rojas Appel Basado en: Abzurdah, de Cielo Latini Protagonistas: Eugenia Suarez, Esteban Lamothe, Gloria Carrá, Rafael Spregelburd, Malena Sánchez, Paula Kohan, Zoe Hochbaum Abzurdah no es una gran película, esta lejos de ser una mala, pero con el material tratado y los actores a los que recurre uno siente que se pudo haber hecho más, tal vez alejándose un poco del material original, pero tratando de ir un poco más a los extremos. No es así, se mantiene en los terrenos seguros, y aunque mantuvo mi atención durante a hora y media que dura, deja la sensación de que pudo haber sido más memorable. El film relata la historia real de Cielo Latini, una chica de clase media alta que tiene una malsana obsesión y relación con Alejo, un muchacho 10 años mayor que ella. Todo comienza cuando ella, triste por su primer desilusión amorosa, comienza a chatear con un tal Hogweed del cual se termina enamorando. En su primer encuentro, con todo el grupo de Chat, que eran personas de distintas edades y estamentos sociales, el casi ni habla pero se nota la tensión que hay entre ellos dos (debo denotar acá que Alejo me recuerda enormemente al 10 de San Lorenzo de Almagro, el Pipi Romagnoli), y ella se enamora perdidamente de él casi al instante. El sexo no tarda en llegar, y las tardes de Cielo se consumen en el departamento de Alejo (otra cosa a destacar, no estoy en contra del sexo en la pantalla grande, pero hubo muchas escenas gratuitas, creo yo para mostrar los atributos de nuestra protagonista principal). La cosa se empieza a complicar cuando él empieza a alejarse de ella, principalmente por los deseos de ella de entablar una relación y la renuencia de él. Ese es el quiebre de la película, Cielo se vuelve más y más obsesionada con Alejo lo que la lleva primero a la bulimia y luego a la anorexia, alejándose de sus amigos de facultad y de sus padres. Yo veo al Alejo del film no como un persona enteramente mala, sino como un oportunista egoísta con muy pocos escrúpulos que aprovecha lo que se le presenta sin pensar en las consecuencias. Tiene parte de la culpa de lo que le sucede a Cielo, pero no toda. En cuanto al rol de Cielo es una chica con problemas ya desde un principio, rayando lo antisocial en algunos sentidos. El mayor mérito de que la película en general funcione hay que dárselo a la China Suárez, que si bien al principio no es creíble como una chica de 17 años, a medida que pasan los minutos encarna muy bien los sentimientos encontrados de la muchacha y realiza una transformación física donde se le nota como su cuerpo, y también su mente, son consumidos por esta obsesión. En cuanto a Esteban Lamothe como Alejo me pareció algo frío, como si no estuviera enteramente en la piel de él, aunque esto puede ser adrede, retratándolo como un tipo sin sentimientos y calculador. El final es lo que mas me disgustó del film. Me pareció muy abrupto, como que le faltó media hora más. Ésto se lo atribuyo a que no habrán querido pasarse de la seguridad de los 90 minutos, y en lugar de hacer un producto comercial se dedicaran a realizar un verdadero arte. En general Abzurdah es entretenida, te deja una enseñanza positiva y hace que por 90 minutos te olvides de tus problemas y te sumerjas en los de otros. Me gusta más las películas que al terminar me dejen más peguntas que respuestas en mi cabeza, aunque siendo éste un producto comercial le da a todos algo de lo que quieren. Puntaje final: 6/10 Algunas Imágenes Trailer Les dejo el link de mi blog http://criticaconstructiva2015.blogspot.com.ar/

Título: Black Swan Director: Darren Aronofsky Guión: Mark Heyman - Andres Heinz - John McLaughlin Protagonistas: Natalie Portman - Vincent Cassel - Mila Kunis - Barbara Hershey - Winona Ryder Año: 2010 Duración: 108 minutos País: Estados Unidos Idioma: Inglés Crítica "La perfección es el único don que la naturaleza ha negado al ser humano, pero aún reconociéndolo tratamos de perfeccionarnos", Esta frase del abogado y político Benito Juárez puede describir tranquilamente a la protagonista del Cisne Negro, una jovén mujer, bella y con mucho porque vivir, pero con una obsesión y un deseo de perfección que la leva hasta los límites de la cordura. Este filme es una exploración de personaje y, como en la mayoría donde el protagonista no está totalmente en sus cabales, los límites de la realidad y la imaginación están distorsionados. Nina (Natalie Portman) es una joven bailarina del ballet de una compañía de Nueva York. Su vida entera gira arededor de su profesión y su posesiva madre (me hizo acordar en algunos aspectos a a madre en La Pianista de Michael Haneke) que es un frustrada bailarina. Un día llega un nuevo director llamado Thomas Leroy (Vincent Cassel) que planea hacer la clásica obra del Cisne Negro, pero con un leve cambio, el cisne negro y el blanco serán interpretados por la misma persona. A partir de allí se le agrega los ingredientes de la relación psicosexual que llevan adelante Nina con leroy y con una compañera del grupo, Lily (Mila Kunis) que es la antitesis total de Nina, talentosa pero desenfadada y relajada. Toda la trama girará en torno a Nina y su intento de controlar un mundo que parece desvanecerse ante sus ojos, hasta llegar al climax final donde vemos a una Natalie Portman bella y deslumbrante como a la misma vez terrorífica. Habiendo dejado de lado un poco la trama, es hora de concentrarnos en las otras capas del guión. Quedándonos solamente con que es un filme sobre una loca bailarina es decir muy poco de este trabajo. El tema de la competencia laboral es tocado, en especial con otra bailarina que insulta a Nina y con beth (Winona Ryder) la ex número 1 de la compañía. La rebelión sexual y el autodescubrimiento es representado por Leroy, que ligeramente le sugiere a Nina que se masturbe para que libere toda la tensión que lleva adentro. Por último pero no por eso menos importante están la relación madre-hija está presente en la represora madre de Nina, que a haber sido ella una ex bailarina descarga todas sus frustaciones en su pobre hija, que se dedica a lo mismo que su progenitora porque ,creo yo, no conoce otra cosa. Darren Arronofsky dirige esta película con una subjetividad absoluta. Todo lo vemos a través de los ojos de Nina, por lo que salta la pregunta de ¿qué es real y qué no lo es? Si una persona percibe algo con sus 5 sentidos ¿eso lo hace menos real si no lo percibe nadie más? De ser así quedaría entendido de que la realidad es lo que la mayoría percibe, como si fuera un sufragio o algo así. Pero ya me estoy yendo de tema, volviendo a Arronofsky, no se ve la hiperactividad que lo caracterizó en Pi y mucho más en Requiem para un sueño, pero por lo menos nos entrega mucha cámara en mano pero pocas tomas rápidas. Aunque la dirección de Arronofsky es incuestionable y no veo la forma de haberlo hecho mejor. La actuación de Natalie Portman como Nina es la mejor de su vida y, en mi opinión, la mejor que hará, aunque espero equivocarme. Su nominación y luego victoria en los Oscars estuvo merecidísima, ya que una película como ésta solo puede tener éxito si la actriz principal está a la altura de las circunstancias (sino vean El Padrino 3, una película que sería superior de no ser por Sofia Coppola). Portman hace de Nina una pequeña muñeca de porcelana que parece frágil al tacto atormentada por unos demonios internos que la hacen parecer a punto de estallar. Sus escenas de baile del principio y el final (que según leí hizo la mayor parte ella) son simplemente "perfectas". Kunis como la fiestera Lily está respetable al igual que Cassel como el estricto y sexual Leroy. Barbara hershey, como la madre de Nina, es tal vez un punto más bajo no porque lo haya hecho mal sino porque en momentos se llega a la exageración de parecer la madre de Carrie White. Por último el pequeño papel de Winona Ryder le queda como anillo al dedo, no sólo por su talento, porque sino también porque es una especia de posta de una generación de actriz hacia otra. Muy recomendable para todo el público (no por algo con 13 millones de inversión recaudaron 300 millones) El cisne negro ofrece una interesante historia, una muy buena puesta en escena y en especial una espectacular actuación de Natalie Portman. Aunque hay que destacar que le falta algo de originalidad ya que se puede decir que algunos pasajes son algo previsibles. Lo que sí,después del Cisne Negro habrá 2 cosas que van a cambiar: mirarás 2 veces antes de tocarte en tu cuarto y las bailarinas de Ballet no volverán a ser las mismas ante tus ojos. PUNTAJE FINAL 8,50 ALGUNAS IMÁGENES ALGUNOS VÍDEOS link: http://www.youtube.com/watch?v=5jaI1XOB-bs link: http://www.youtube.com/watch?v=CsvtIzebNcw link: http://www.youtube.com/watch?v=iyuTmdCyIrQ link: http://www.youtube.com/watch?v=-25lGre0bvc