jorgec333

Sabés donde estás parado??? Ubicate... Creo no equivocarme si pienso que la mayoría de nosotros, sabemos, hemos oído hablar o incluso poseemos un Receptor GPS (o GPS a secas)… Lo mismo pienso sobre su funcionamiento, seguramente tenemos una idea del mismo… De todos modos me pareció una buena idea para un post comentar el funcionamieto básico del GPS, las diferentes clase de familias existentes, el posicionamiento, Trucking y mapas electrónicos vectoriales utilizados… Espero que sea de su interés también… FUNCIONAMIENTO BÁSICO DEL SISTEMA GPS Y GIS GPS significa Sistema de Posicionamiento Global (Global Positioning System). Este sistema parte de una constelación de 24 satélites pertenecientes al Ministerio de Defensa estadounidense. Viajan en órbitas controladas a aproximadamente 19,300 kilómetros encima de la superficie de la tierra, haciendo dos rotaciones completas cada día. Las órbitas son establecidas de modo que en cualquier momento, en todas partes en la Tierra, haya al menos cuatro satélites "visibles" en el cielo. Cada satélite transmite una señal de radio compleja que incluye una señal de tiempo muy exacta. Usando a un receptor GPS (desde dispositivos recreativos a instrumentos de navegación de misiles) las señales de radio de satélite son recibidas y los cálculos de trigonometría simples determinan una posición precisa 3D en la superficie y altura de la Tierra. Se requiere mínimo de 3 señales de satélite pero la mayor parte de unidades GPS pueden tener acceso a hasta 12 o más para la exactitud aumentada. Esta “exactitud” está regulada por Ministerio mencionado de modo tal que el usuario común no sepa “exactamente” donde se encuentra, esto es, se introduce un error aleatorio en la señal que a los efectos prácticos normales es insignificante (entre 5 y 25 metros) pero a los efectos “tácticos” es considerable. GIS significa Sistemas de Información Geográficos: el GIS (Geographical Information System) puede ser usado para visualizar una amplia variedad de la información basada en el mapa organizada en capas. Estas capas pueden incluir rasgos como caminos, corrientes, utilidades, características de propiedad, jurisdicciones políticas, fotos aéreas, información meteorológica o casi cualquier cosa que puedas imaginar. Casi cada uno ha oído de o ha usado la Google Earth como un navegador de inteligencia visual geoposicional libre. Las agencias del gobierno, las compañías de sector privado y los individuos usan GIS para crear los datos que son mostrados en Google Earth y vendela información de las capas del mapa como capas de rasgo para Google Earth o Microsoft Virtual Earth de modo que los usuarios no técnicos puedan explorar la información de mapa valiosa generada por profesionales GIS. MODOS Y USOS DEL GPS/GIS • Localización simple: en los comienzos y en los dispositivos más sencillos la única información mostrada por el dispositivo son las Coordenadas Cartesianas (Longitud y Latitud) y en elgunos caso la altura relativa al Nivel del Mar. • Localización y Navegación básica: el ldispositivo permite generar un Tracking o ruta del desplazamiento a través de marcas periódicas denominadas Waypoints. Puede ser por tránsito (registro) o precargado. Generalmente permiten el Return o recorrido inverso con guía asistida. • Navegación avanzada: se indica el Destino deseado y el dispositivo indica el camino óptimo acorde al criterio solicitado (más corto, más rápido, con menor diferencia de alturas en trekking, etc…). • Geoposicionamiento directo: simplemente muestra la localización simple referenciada en un Mapa electrónico con o sin Tracking. • Georeferencia inteligente: muestra puntos de interés a elección del usuario y en un radio especificado (turismo, restaurantes, hospitales, radares ruteros, estaciones de tren, etc) • Navegación específica: similar a la avanzada pero con un fin deterrminado, cosecha, fumigación, relevamiento de terrenos, recorrido de grandes extensiones. • Tracking AVL: Automatic Vehicle Localization, se utiliza para localizar vehículos en general o como medida de seguridad ante robo o situación de riesgo, generalmente se complementa con corte de energía o combustible, botones de pánico, cámaras de cabina, alarmas sonoras, micrófonos de cabina… • Tracking de Flota AVL: recorrido, velocidad promedio, consumo de combustible, horarios de salida o arribo, kilometraje para mantenimiento, cerca electrónica (recorrido preestablecido o áreas excluídas). • Mapas electrónicos: si bien hay muchos protocolos y tipos de mapas, voy a citar únicamente dos por su representatividad: o Mapa Satelital (Tipo Google Earth) el cual parte de una foto a la cual se la georeferencia por las coordenadas de las fotos que la componen. o Mapa Vectorial (ESRI = Enviromental Systems Research Institute) los cuales son mas similares a los mapas comunes en papel pero en medio electrónico einformático. • Otros sistemas de localización: a veces se confunde la localización real del GPS con otras de menor exactitud y tecnología como Triangulación por señal celular, radiobaliza (señal que se dispara y se debe ubicar por rastreo con vehículos receptores). CONSTELACIÓN SATÉLITES GPS MODELO DE LOCALIZACIÓN GPS PERSONAL MODELOS GPS PORTÁTILES DE MANO MODELOS GPS PORTÁTILES PARA VEHÍCULOS LA NUEVA GENERACIÓN CELULAR CON GPS REAL INCORPORADO ANTENA GPS PARA AGREGARLE A UNA NOTEBOOK GEOREFERENCIADOR PARA CÁMARAS DIGITALES EL CHIP GPS ANTENAS GPS GADGETS CAMPERA CON MP3 Y GPS RELOJES GPS DISPOSITIVO SISTEMA AVL ARQUITECTURA DEL SISTEMA AVL AVL FLOTA CENTRAL DE MONITOREO EJEMPLO DE COBERTURA DE MAPAS ELECTRÓNICOS / SATELITALES EJEMPLOS DE TRACKING GPS SOBRE MAPA SATELITAL EJEMPLO DE MAPA ELECTRÓNICO VECTORIAL REFERENCIABLE GEOREFERENCIA GIS SOBRE MAPA SATELITAL ASOCIANDO FOTOS A PUNTOS GEOGRÁFICOS GIS, ASOCIANDO INFORMACIÓN A PUNTOS GEOGRÁFICOS Fuente: http://www.google.com.ar/imagenes

Realce sus fotografías en PhotoShop – Parte I Soy aficionado a la fotografía desde hace unos 15 años y por supuesto aprendí las técnicas de toma, revelado y positivado analógico, exposición, laboratorio, temperatura de los químicos, agitado, apantallado del negativo, ja ja… toda una antigüedad… Estoy comenzando a incursionar al equivalente del revelado y positivado digital, es decir, la post-producción… Aquí continúo posteando una serie de artículos que creo útiles y de buena fuente… Por Alberto Rodríguez Realce sus fotografías en Photoshop (Parte I) Ya sea por medio del tratamiento fotográfico en la toma o luego mediante algunos pasos en Photoshop, siempre es interesante realzar el sujeto principal de la imagen. Comenzaremos en esta nota a conocer algunos procedimientos para conseguirlo. Sea cual sea el estilo o la línea fotográfica que sigamos, sin dudas queremos que nuestras fotografías se destaquen de otras, es decir que el espectador encuentre atractiva nuestra creación. Son muchos los factores que intervienen en el logro de ese cometido, tendríamos que hablar del contenido, la calidad, el equilibrio de los elementos que forman la imagen, etc. Podríamos reducir casi todos estos factores al hecho de que la imagen tenga un discurso claro, es decir, que de manera rápida llegue lo que queremos decir. Para eso contamos con una gran cantidad de recursos técnicos que podemos aplicar. Si bien el laboratorio digital ha magnificado las posibilidades de explotación de muchos de estos recursos, no debemos descuidar la realización fotográfica desde la toma misma. Elegir una escena, encuadrar observando los elementos que vamos a incluir en la misma, aprovechar el mejor ángulo en conjunción con los parámetros de cámara (diafragma, tiempo) y componer son y seguirán siendo fundamentales. En resumen, no debemos olvidar que nuestra fotografía es el contenido de un área de imagen, y que si el espectador no encuentra claramente cuál es el punto de interés sobre el que tiene que fijar la vista para luego recorrer los demás elementos que acompañan a éste, seguramente no dedicará la suficiente atención y pasará rápidamente a contemplar otra fotografía. Sea cual sea el propósito de nuestra imagen, seguramente deseamos que la gente elija quedarse en ella. Sin embargo, a los aspectos antes mencionados podemos ayudar en la etapa del laboratorio, especialmente en el tratamiento digital. Por lo tanto veremos de qué manera aplicar algunas de estas ayudas en pos del realce de la imagen. Síntesis de elementos Esta cuestión debe resolverse desde la toma, evitando caer en el error de querer incluir en el fotograma “lo más posible”. Seguramente esto se debe a que nuestro campo visual es muy amplio y podemos ver muchos elementos a la vez, pero en la foto final es preferible, en general, mostrar lo justo y necesario. Este concepto es fácil de comprender observando la Foto 1, donde es lógico imaginar que la escena continuaba. Sin embargo mostrar sólo un fragmento convierte una simple postal en una imagen diferente. En el Photoshop podemos reencuadrar nuestra imagen mediante la herramienta Recortar. Su aplicación es muy simple, sin embargo trataremos de cortar lo menos posible, ya que indefectiblemente estaremos reduciendo el tamaño en píxeles de la imagen. Por lo tanto, las posibilidades del tamaño de copia se reducen indefectiblemente si queremos mantener la máxima calidad. Un concepto asociado a la síntesis de elementos, es la eliminación de objetos indeseables. De más está decir que también este aspecto puede controlarse en gran medida desde la toma, prestando atención a aquellos objetos que por lo general no vemos por estar en el fondo de la escena. Una vez en Photoshop las herramientas Tampón de clonar y Pincel corrector, son una de las opciones válidas para esta eliminación. Básicamente se trata de elegir un punto de origen a partir del cual crearemos un clon del tamaño y características del pincel que hayamos elegido en la barra de opciones de la herramienta. En el caso del Pincel corrector, éste además adecuará por promedio el tono de la muestra en el destino. Para fijar ese origen basta con mantener presionada la tecla Alt y hacer clic con el Mouse en el lugar elegido, luego de soltar Alt dirigimos el Mouse al lugar de destino y volvemos a clickear, pudiendo hacer un simple clic o deslizar el Mouse mientras mantenemos pulsado. Las posibilidades de estas herramientas pueden apreciarse en las Fotos 2 y 3. Este tipo de trabajos podrá aplicarse en aquellas imágenes en las que podemos interpretar libremente, y en las que documentar la realidad no es un valor en sí mismo como podría ser un trabajo periodístico. Foco diferenciado Con este nombre conocemos a la técnica mediante la cual logramos un enfoque selectivo, pudiendo encajar, por ejemplo, el primer plano perfectamente en foco y el fondo o segundo plano completamente desenfocado. Es un recurso sumamente efectivo para destacar un objeto, especialmente indicado para retratos. Esta técnica está relacionada con la profundidad de enfoque, por lo que vale la pena recordar que los diafragmas abiertos dan menor profundidad de enfoque que los más cerrados. Hay que tener en cuenta que también interviene la distancia focal de la óptica, pudiendo decir en general, que a mayor distancia focal obtendremos menor profundidad de foco. Pero a estos conceptos hay que sumar el análisis de la distancia entre el primer plano y la cámara y entre éste y el fondo. Siempre que la distancia entre cámara y sujeto sea menor que entre el sujeto y el fondo, obtendremos el efecto deseado de foco y desenfoque, lógicamente que podremos potenciarlo teniendo en cuenta diafragma y focal. Una vez más voy a recalcar que la imagen con foco diferenciado más natural y mejor lograda será la que se obtenga desde la toma, como podemos apreciar en la Foto 4, donde se ha utilizado un tele de 200 mm y diafragma 5,6. Obsérvese el desenfoque en el fondo y como de esa manera éste no compite con el primer plano. Sin embargo este recurso puede ser creado en Photoshop. Para eso es necesario duplicar la capa de la imagen y aplicar sobre esta capa un desenfoque, por ejemplo, mediante el uso del Filtro/Desenfocar/Desenfoque gaussiano, ajustando la cantidad deseada. Luego aplicaremos una Máscara de capa a esta capa y ocultamos el sector correspondiente al primer plano, en este caso la pava y el fuego. Es importante tener en cuenta trabajar sobre la Máscara con distintos grados de opacidad al aplicar el color, pensando que el desenfoque fotográfico se produce por distancia a la cámara. Observemos la Figura 5. En una próxima nota continuaremos conociendo algunos de los métodos para darle impacto a nuestras fotografías. FUENTE: http://www.fotomundo.com OTROS POSTs JORGEC333

Hágalo usted mismo – Marcos para cuadros y espejos - Mecánica Popular “Hágalo Usted Mismo” marcos para cuadros y espejos, me parece bueno para la gente que quiere ahorrarse unos pesos en esta época que nos toca vivir o simplemente le gusta hacer cosas por su cuenta… Fuente: Revista Mecánica Popular - Volumen 28 - Agosto 1975 - Número 8 NOTA: las publicidades son de la época y de USA y están en el original… OTROS POSTs JORGEC333

Hágalo usted mismo – Pintando paredes - Mecánica Popular Siguiendo la onda del “Hágalo Usted Mismo” en esta tercer entrega, me parece que es algo que casi todos hacemos alguna vez y bueno postear alguna data para la gente que quiere ahorrarse unos pesos en esta época que nos toca vivir parece una buena idea… La casa, siempre hay que hacerle algo a la casa!!! Fuente: Revista Mecánica Popular - Volumen 44 - Mayo 1991 - Número 5 OTROS POSTs JORGEC333

Fotografía digital y la luz en la naturaleza Por ADA SACCHI Con luz natural en la naturaleza La luz viaja en línea recta, pero a veces, hasta que llega a un objeto, rebota, se llena de color, se suaviza, refleja y nos ofrece un mundo de brillos y texturas que como fotógrafos no debemos pasar por alto. Su estudio e investigación es fascinante y nunca se acaba. Cualquier objeto puede cobrar vida e importancia según esté iluminado. Para tener un control real de la iluminación natural, debemos tener muy en claro las distintas calidades de luz y el lenguaje que su dirección nos propone. En un estudio es mucho más fácil su aprendizaje, la manipulamos como mejor la precisamos, su intensidad sumada a la calidad y dirección hacen que elaboremos en un todo la puesta de iluminación. Pero ¿qué sucede si de luz natural se trata? Si bien seguimos apreciando y utilizando el mismo criterio, el ejercicio es más ajustado y a veces requiere de tener que esperar que se den las condiciones. La naturaleza, las plantas, el agua, las piedras, la arena, las flores, las corteza de los árboles, etc. nos presentan, si observamos detenidamente, un mundo distinto lleno de colores, formas y texturas. Podemos realizar la toma con accesorios de aproximación o lentes de focales largas, según el tamaño del objeto que fotografiemos. En la foto 1 (Nogal en Tilcara, Jujuy) observamos la textura parcializada de un árbol. El sol directo toca sólo en algunas partes el tronco y produce, por la dirección de la luz, la textura de la que hablamos pero, además, al ser sol directo tiene esa fuerza y presencia sobre el objeto, sin que nada se interponga. Otro ejemplo es el de la foto 2 dónde la fuente de luz es el sol directo y marca en el cactus, el ritmo y el carácter con profundidad en las sombras. En el ejemplo de la foto 3 vemos como la luz rasante en la arena acentúa la textura y le da más volumen a la imagen. El verdín ayuda con la saturación del color. También observamos ahora, como en el ejemplo de la foto 4, que un día nublado da una luz brillante pero sin sombras muy marcadas. El contraste en este tipo de fotografías está dado por el color de las hojas recién caídas del árbol; la oscuridad de la base del piso son flores y hojas quemadas. El ejemplo de la foto 5 es de un día nublado, donde la luz del sol está tamizado por las nubes. La luz llega con una dirección cenital y su difusión reduce el contraste. En la foto 6, tiene iguales condiciones que la anterior, sólo que aquí con desenfoque en el primer plano se logra una imagen distinta, jugando con las formas. En la foto 7 existe una pequeña diferencia ya que la luz está rebotada. Estamos a la sombra pero los rebotes de luz llegan a esta hermosa flor. Para resaltar su color me ubiqué con dirección a un fondo oscuro y la trabajé con un objetivo macro, para jugar con el foco diferenciado sólo en algunos planos. En el caso de la foto 8, los rebotes de luz hicieron posible que los colores reales de esta planta se vieran parejos y saturados. La composición en todos los casos esta presente. Líneas, puntos áureos, ritmo, etc.} En los ejemplos de las fotos 9 y 10, observando por el visor de nuestra cámara logramos componer con lo que la naturaleza nos presenta. Es una invitación a observar más y pasar con más cautela delante de lo que nos es cotidiano que, al final de cuentas, puede encerrar la esencia misma de la belleza. Estas fotografías están hechas con luz rebotada naturalmente sin ningún accesorio fotográfico, usando la aproximación del mismo objetivo en posición macro. Están a unos centímetros de distancia una de otra y parecen tan diferentes. En la foto 11 la luz fue tomada por transparencia entre hoja y hoja. Es otra posibilidad de utilización de la luz del sol directo, pero esta vez midiendo la que pasa a través del objeto. La composición en diagonales le da cierta dinámica. En la foto 12, la transparencia de la chala deja ver sus nervaduras. Finalmente, hablando sobre composición, el ejemplo de las fotos 13 y 14 muestran como las herida en las hojas pueden contener formas rescatables, ingresando más en la fotografía abstracta. La luz fue por rebote. En todas las tomas nos adaptamos a la luz existente, observando cómo la luz cae sobre los objetos. Esto es de gran importancia para la ejercitación visual de la iluminación. Las tomas fueron realizadas con cámara digital reflex de 8.2 Mpx, la mayoría entre ISO 100 y 200, con medición matricial con preponderancia central, objetivos macro de 50 mm, 200 mm y zoom 17-85mm. El formato cuadrado corresponde a una decisión de diseño. FUENTE: http://www.google.com.ar/imagenes TODOS LOS POSTs de JORGEC333

Fotografía digital con luz polarizada Por Mariano Molinari Polarización de la luz y la fotografía digital La fotografía digital es un medio de registro y restitución de imágenes por medio de la luz. Los fenómenos de polarización influyen en la toma y en la visualización de las imágenes. Filtros polarizadores en la toma fotográfica La gran mayoría de los efectos y correcciones que podían lograrse mediante el empleo de los filtros ópticos de cámara pueden obtenerse hoy mediante el uso de las herramientas digitales. En efecto, hasta hace algunos años los fotógrafos debíamos contar con el auxilio de filtros conversores o correctores de temperatura color al fotografiar en negativo o transparencia color. Pero las posibilidades de control en la cámara y, principalmente, en la computadora han limitado su empleo. El uso de filtros de color al emplear película blanco y negro ha mutado en la herramienta Blanco y Negro de Photoshop, que permite traducir a diferentes grises los colores de la fotografía, y que funciona tanto dentro del propio programa como en el módulo RAW. Podemos así elegir qué colores adjudicaremos a los distintos valores de gris de la imagen y, eventualmente, mezclar dos tipos de filtración en zonas diferentes de la misma foto. En la valija de los filtros fotográficos ha quedado casi en exclusividad el polarizador. Las correcciones que podemos aplicar con este filtro no pueden obtenerse en post-producción digital. ¿Qué es un filtro polarizador? Las ondas que componen un rayo de luz se desplazan en diferentes ángulos con respecto al sentido de su propagación. Tendremos así ondas desplazándose de modo horizontal, vertical, y en todos los posibles ángulos intermedios. Un filtro polarizador permite una transmisión selectiva en un ángulo determinado de esta propagación. El filtro polarizador es como una reja que deja pasar únicamente la luz que oscila en el mismo plano de sus barrotes. Los filtros fotográficos de polarización están hechos de un material llamado precisamente Polaroid, un plástico cuyas cadenas moleculares han sido orientadas durante su fabricación en un solo sentido. Una fina lámina de este material es colocada entre dos láminas de cristal y puesta en una montura circular con giro libre, que se ajusta al objetivo de la cámara fotográfica. El Polaroid fue inventado por el Dr. Edwin Land en 1928, y dio su nombre a la empresa que lo fabricaba, que luego sumaría otro invento genial, la fotografía instantánea basada en la transferencia de colorantes por difusión. También le dio una fortuna al Dr. Land. Hay dos categorías de filtros polarizadores: lineares y circulares. El polarizador linear es más efectivo y económico, pero puede confundir a los sistemas de auto enfoque y medición de la exposición de las cámaras, que emplean internamente semi-espejos y polarización. El circular es menos efectivo pero no produce este tipo de problemas. Personalmente apuesto por el linear, porque creo que la fotografía de estudio o paisaje que se hace empleando polarización requiere también exposición y enfoque manual, aunque es justo reconocer que esto no es aplicable a todos los géneros fotográficos. Controlando el brillo de superficie El brillo de superficie de un objeto depende del índice de refracción de la superficie del material que lo compone, y del ángulo de incidencia de la luz sobre el mismo respecto al eje de cámara. Podemos encontrar objetos de idéntico color, pero con distinto brillo de superficie. El ejemplo más claro de esto sería un objeto pintado con esmalte brillante y un objeto pintado con esmalte del mismo color, pero de superficie mate. Cuando un rayo de luz es reflejado por una superficie brillante es particularmente rico en radiaciones luminosas que oscilan en diferentes ángulos, por lo que su intensidad puede controlarse mediante un filtro de polarización. De este modo podremos evitar los brillos de las superficies permitiendo la visualización de los colores que hay debajo de esos brillos. Este control será más eficiente en un ángulo de 30 a 40 grados, de forma que si ubicamos la cámara en un ángulo de 37 grados con respecto a una superficie brillante y giramos un polarizador delante de ella, podremos eliminar todos sus brillos. Esta técnica se aplica en el estudio cuando fotografiamos un producto sobre la mesa de vidrio con un fondo iluminado visto a través de ésta. Si ubicamos la cámara en un ángulo aproximado de 37 grados eliminaremos el reflejo del objeto sobre el vidrio. Las sombras no existen debido al apoyo del objeto sobre el vidrio transparente. Así obteníamos fotos de objetos recortados sobre fondo blanco antes de la aparición de la fotografía digital, o de los objetos suspendidos sobre un fondo de color. Hoy, todavía, esta técnica es más económica que recortar digitalmente. Debemos tener en cuenta el peso de los productos sobre el vidrio. A mayor peso, mayor espesor de vidrio. Debe tenerse en cuenta que no pueden polarizarse los reflejos metálicos y que ciertos objetos de plástico transparente fabricados por inyección pueden verse con halos de color al ser polarizados. Es un fenómeno llamado bi-refringencia. En la fotografía de estudio podemos controlar los brillos de cajas y envases barnizados o laqueados, así como algunos planos de botellas y envases de vidrio. Otra aplicación importante es la reducción de reflejos en ventanas, vidrieras y también en superficies de líquidos, ya se trate de una pileta de natación o de un vaso de jugo. Los brillos en la superficie de las hojas de vegetales pueden controlarse con gran eficiencia, pero es importante aclarar que no toda eliminación del brillo se traduce en una mejora de la fotografía. ¡Eliminando brillos podemos eliminar las formas de los objetos! Las moléculas de la atmósfera dispersan la luz del sol en planos con distinta angulación, principalmente en la longitud de onda correspondiente al azul (efecto Tyndall). Es posible polarizar esta luz, eliminándola y oscureciendo el cielo azul. La mayor intensidad de polarización se logra en un ángulo de 90 grados con respecto al sol. Para comprobar que zonas del cielo se oscurecerán, basta apuntar con el dedo índice al sol formando un ángulo recto con el pulgar, que nos indicará la zona de mayor polarización. Debemos tener en cuenta que cuando empleamos objetivos granangulares en paisajes, incluimos extensas zonas de cielo que pueden no estar en ángulo de 90 grados con respecto al sol, con lo que el cielo no resultará polarizado en esa área. La capa grasosa brillante de la piel humana puede polarizarse, pero el resultado es raro, porque la eliminación de los brillos provoca alteraciones en la percepción del volumen. No aconsejamos su uso en fotografía comercial, pero si usted quiere experimentar… Al fotografiar ventanas, vidrieras o cualquier objeto de vidrio, el polarizador es indispensable. El polarizador tiene un factor de filtro alto, entre 1 y 2 puntos de diafragma o pasos de exposición, por lo que será importante prevenir esto al preparar la luz o regular la sensibilidad de la toma. Además, el coeficiente es variable, dependiendo de la cantidad de luz polarizada Las reproducciones de cuadros cambian mucho con la polarización, sobre todo en pinturas al óleo con mucho relieve. Las pinceladas, que en cuadros con mucha “materia” pueden ser verdaderos “objetos” de hasta 1 cm de espesor o más, pueden dar diferentes resultados para bien o para mal. En la era digital, hacemos dos disparos, con polarizador y sin él, y luego elegimos la mejor foto. Una técnica refinada para iluminar cuadros consiste en la utilización de láminas de filtro polarizador en las fuentes de luz, sin emplear filtro en la cámara. Antes de hacer ciertas fotos, es bueno dar un giro al polarizador. Aunque más no sea, para ver qué ocurre. La visualización de las imágenes digitales se hace en primera instancia a partir de la luz, en el display de la cámara y en el monitor de la computadora. Luego pasamos a la etapa de impresión. Por eso debemos estar al tanto de las tecnologías de monitor LCD, que hacen un empleo intensivo de la polarización. Los filtros polarizadores permiten el paso de los rayos luminosos en un ángulo determinado. Si colocamos dos polarizadores cruzados en un ángulo de 90 grados, bloquearemos el paso de la luz. La polarización de la luz fue utilizada en muchas oportunidades como un auxiliar para la visualización de fotografías. La fotografía estereoscópica empleó en diferentes oportunidades los filtros polarizadores, utilizados para asignar a los ojos derecho e izquierdo del observador las imágenes tomadas por una cámara estereoscópica. Estos dispositivos van desde las simples curiosidades de feria a herramientas digitales de visualización de diseños 3D y aplicaciones geoespaciales. Sin embargo, el uso mas importante de la polarización en fotografía digital está en las tecnologías de los monitores y proyectores LCD. Monitores LCD El acrónimo LCD significa en inglés Liquid Crystal Display (Monitor de cristal líquido). Los cristales líquidos son productos químicos en forma de fluido, cuyas moléculas pueden ser alineadas con precisión en presencia de un campo eléctrico, de un modo similar al de las limaduras de hierro que pueden ordenarse siguiendo los patrones de un campo magnético. La estructura molecular de estos cristales líquidos está dispuesta de modo naturalmente helicoidal, es decir en forma de tirabuzón o hélice, y permite la transmisión de la luz. Como esta estructura adopta alternativamente en su desarrollo un patrón tanto horizontal como vertical, puede usarse para conducir luz desde un polarizador hasta otro polarizador cruzado a 90 grados, haciéndola pasar a través de sí misma. La luz que pasa a través del primer filtro polarizador se desplaza a través de la hélice, cambia su dirección de polarización 90 grados y puede entonces salir a través del segundo filtro polarizador en la otra cara. Si se aplica una corriente eléctrica a esta estructura molecular, el patrón helicoidal se desorganiza temporariamente y la transmisión de luz se interrumpe. De modo que podemos dirigir el paso de la luz mediante una estructura molecular controlada eléctricamente que permita o corte el paso de la luz entre dos polarizadores cruzados. Si generamos una matriz de pequeñas celdas de este tipo, y contamos con un dispositivo que permita su accionamiento selectivo, podremos representar tramas de imagen que posibilitan el paso selectivo de una fuente de luz que luego llegará a nuestros ojos. De este modo funciona el monitor LCD. En la parte trasera del display se encuentra un rectángulo iluminado por lámparas de luz fría. Delante de este hay un sándwich formado por dos polarizadores cruzados en medio de los cuales están las pequeñas cápsulas conteniendo el cristal líquido, combinadas con filtros para cada uno de los tres primarios RGB. Una matriz eléctrica informa cual celda quedará obturada y cual celda quedará abierta, transmitiendo o no la luz del fondo luminoso. De esta forma funcionan también los proyectores de computadora usados para conferencias y los Carrier empleados para convertir minilabs tradicionales en digitales. En vez de unos suaves tubos de luz fría, emplean potentes lámparas para proyectar sobre la pantalla o para exponer por proyección el papel fotográfico. Características de los monitores LCD Cuando miramos una pantalla LCD estamos viendo luz polarizada, eso es fácil de comprobar rotando un polarizador delante de ella y viendo como se oscurece. También tenemos que tener en cuenta que la transmisión de luz tiene lugar a través de un medio denso y “orientado”, como si se tratara de una serie de “tubitos” paralelos. Esto produce que toda celda que no esté exactamente orientada a nuestros dos ojos se vea diferente a aquellas que están frente a nuestra vista. El problema se acentúa cuando miramos la pantalla en un ángulo diferente a los 90 grados, generando el llamado “Efecto Túnel”, en el que la intensidad luminosa de la pantalla es variable. En un intento por minimizar problema, los fabricantes orientan la visualización “hacia arriba”, fuera de un ángulo perpendicular que favorece el uso general del equipo, pero hace imprecisa la evaluación de fotografías. El ángulo de 90 grados de los polarizadores es teórico, hay monitores que presentan diferentes ángulos para compensar otras deficiencias, con lo que los límites son más imprecisos. Las variaciones del ángulo de visión modifican en primer término el contraste, en segundo término la intensidad y finalmente el color. De esta forma podemos encontrar el contraste máximo de 250:1 en el ángulo de 90 grados perpendicular a la pantalla, pero ese contraste baja a 5:1 si nos desplazamos 30 grados. Imagínense lo difícil que resulta para dos personas sentadas juntas hablar de la misma foto. La tecnología LCD está en permanente cambio y en realidad agrupa a un conjunto de sistemas bastante diversos entre sí. El sistema de control digital que emplean hace que se muestren menos colores en un LCD que en un CRT (Cathodic Ray Tube, el monitor clásico de tubo de rayos catódicos). ¿Se trata de una conspiración de los fabricantes de monitores para arruinarnos la vida a los fotógrafos? No, los monitores LCD tratan bien a nuestra vista. Hace 6 horas que estoy frente a un LCD trabajando. Si hubiera estado el mismo tiempo frente a un monitor de tendría más fatiga visual. Los LCD consumen menos electricidad y ocupan menos espacio. Para manejar procesadores de texto, internet y correo electrónico un LCD es más que suficiente. Para editar fotografías no. Si comparamos un monitor LCD de precio medio con un CRT, también la comparación económica va netamente hacia el monitor de tubo, que costará menos de la mitad del precio. Por el momento los monitores LCD de precio bajo y medio son inadecuados para trabajar con fotografía digital, pero buena noticia es que los monitores LCD de alta calidad que pueden emular el funcionamiento de un monitor de tubo están bajando su precio, de forma que a corto plazo la alternativa es seguir con el CRT, y a largo plazo un LCD de calidad, cuando los precios hayan bajado aún mas. Si usted quiere analizar cómo trata las imágenes su monitor LCD, conéctese a y haga el test que propone la página, luego haga el mismo test en un CRT. La sección Viewing Angle /Angulo de Visión del test es simplemente sorprendente. http://www.google.com.ar/imagenes

Edición RAW en Photoshop Aquí un artículo que no es tan útil para todo el mundo dado que sólo las cámaras de media y alta gama permiten guardar las tomas en formato RAW (crudo, sin procesar ni comprimir) pero de todas maneras me parece interesante por los conceptos teóricos implícitos…. Por Alberto Rodriguez Guia de Edición RAW en Photoshop Si usted toma sus fotos en formato RAW de cámara, luego deberá realizar una edición individual de esas imágenes con un software especial para ese propósito. Analizamos en esta nota cuales son los procesos básicos que debemos realizar en el editor Camera RAW de Photoshop. Antes de adentrarnos de lleno en el proceso, vale la pena que recordemos brevemente cuales son las ventajas de realizar nuestras fotografías en formato RAW de cámara en lugar del tradicional JPG. En primer lugar digamos que al utilizar la cámara en JPG, interviene el software interno de la misma para asignar la interpretación de color, balance de blancos y aún terminar de definir la exposición misma. Recordemos también que al guardar la información en JPG siempre hay compresión, por lo tanto reducción del peso de la misma. Esto significa ineludiblemente una reducción en la cantidad de variaciones de tono, es decir, en la profundidad de color. Es preciso tener presente que aunque ajustemos la cámara para lograr la mayor calidad, o sea la menor compresión posible, siempre tendremos alguna pérdida en la profundidad de color. Además, al trabajar en JPG nuestra cámara lo hace con un espacio de 8 bits por canal, esto significa que la cantidad máxima de variaciones de tono que podemos adquirir es de 256 por canal. Recordemos que siempre hablamos de los tres canales: Rojo, Verde y Azul. Por el contrario, si elegimos el formato RAW, comenzaremos por contar con un espacio de al menos 12 bits por canal, lo que significa 4096 variaciones de tono por cada uno. En este modo la información, que graba la cámara, no pasa por la interpretación del software interno, entregándonos un archivo que aún no está completamente definido. Seremos nosotros los que en el editor RAW terminaremos de asignar el balance de blancos, la exposición y aún podremos intervenir en el enfoque, reducción de ruido y ajustes del color. El objetivo de esta nota es hacer un rápido repaso al método de trabajo con el editor Camera RAW de Photoshop CS3, por lo que no podremos ahondar en mayores detalles sobre las particularidades de uno u otro sistema de trabajo. Para ello recomendamos revisar las notas de Fotomundo Nº 462 y 463 de junio y julio de 2007. Actualizar el Camera RAW Antes de comenzar la edición, debemos estar seguros de que nuestro Photoshop CS3 está lo suficientemente actualizado como para reconocer el formato RAW de nuestra cámara. Cada modelo de cámara maneja un formato propio, y por lo tanto si la cámara salió a la venta después que la versión que usamos de Photoshop, no podrá reconocer ese modelo. Si esto ocurre debemos descargar el archivo de actualización de http://www.adobe.com/support/downloads/detail.jsp?ftpID=3896 Una vez realizada la descarga, debemos descomprimirla con WinZip y luego copiaremos el archivo Camera Raw.8bi en nuestro rígido en la dirección C:Archivos de programaArchivos comunesAdobePlug-InsCS3File Formats, reemplazando el ya existente. De esta manera estaremos completamente actualizados y Photoshop podrá reconocer todas las cámaras hasta la fecha. Configurar el Camera RAW Antes de empezar a trabajar, por única vez debemos configurar el editor a nuestro trabajo, para ello debemos tener al menos un archivo RAW de nuestra cámara copiada en algún lugar del rígido y abrirlo. Automáticamente se abrirá el editor Camera RAW y esta primera vez le haremos los ajustes de configuración. Esta vez no ajustaremos la foto, sino que en primer lugar haremos clic en los datos que se ven debajo de la imagen y aparecerá una ventana tal como se muestra en el punto 1 de la Figura 1. Allí asignaremos Adobe RGB (1998) como espacio y 16 bits para la profundidad, el tamaño lo dejamos como está y la resolución podemos colocar la que habitualmente usamos para nuestros originales. Dejaremos destildada la casilla Abrir en Photoshop como objetos inteligentes. Como segundo paso haremos clic en el símbolo que se encuentra a la derecha de la leyenda Básico, como indica el punto 2 de la Figura 1. En esta ventana emergente haremos clic en Guardar nuevos valores por defecto de RAW de cámara. El último paso es hacer clic en el botón Hecho, como se ve en el punto 3 de la Figura 1. De esta manera ya estará configurado para que siempre que abramos una imagen RAW de esa cámara desde nuestro rígido se encuentre con esa configuración. La edición en RAW Como siempre cuando llegamos a nuestra computadora con las tomas, esta vez en formato RAW, las descargaremos por medio de un lector de tarjetas al destino que elijamos en nuestro rígido. Luego podremos ver las imágenes como miniaturas a través del Adobe Bridge y desde allí abrirlas con un doble clic, de este modo se abrirá el Camera RAW. Si bien este editor nos ofrece realizar una gran cantidad de ajustes, seguramente lo aconsejable es dejar algunas tareas para realizarlas luego en Photoshop, ya que las cuestiones de interpretación final es preferible hacerlas con capas y de ese modo parcializarlas o controlarlas mejor. Sin embargo los primeros ajustes, como la exposición y el filtrado son mucho menos dañinos al realizarlos sobre el RAW. Además en este punto nos interesa generar un original de máxima calidad como punto de partida para las interpretaciones finales. Por lo tanto nos ocuparemos básicamente de ajustar primero la exposición y aprovechamiento del rango dinámico. Los controles que usaremos son los que están a la vista (solapa Básico). Tengamos en cuenta que el deslizador Exposición controla los tonos altos y el punto de blanco; Negros, los tonos bajos y el punto de negro y Brillo los tonos medios. También podemos utilizar Recuperación para controlar los extremos de iluminación bajándolos sin afectar tanto los tonos medios y, Luz de relleno, nos permite subir los extremos bajos. Con estos controles lograremos encajar en rango y decidir la exposición de nuestra foto siempre observando el Histograma, donde el área blanca corresponde a la información RGB. Una vez hechos estos ajustes podremos filtrar la dominante de color por medio de los deslizadores Temperatura para equilibrar el canal Azul-Amarillo y Matiz que trabaja sobre el canal Verde-Magenta. Con las distintas combinaciones de ambos lograremos un equilibrio adecuado para eliminar cualquier dominante, recordando que el canal “faltante”, o sea el Rojo-Cyan, en realidad se forma con las combinaciones de los anteriores ya que al sumar Azul y Verde formaremos Cyan y con Amarillo y Magenta obtendremos Rojo. Si bien encontramos muchas más herramientas y controles, para hacer una edición rápida y adecuada para luego pasar a Photoshop, los que analizamos resultan suficientes. Del mismo modo no sería necesario que modifiquemos los parámetros que se encuentran en las demás pestañas. Recordemos siempre que estamos haciendo una reseña a modo de guía rápida de edición en Camera RAW. Podemos apreciar un ejemplo de este trabajo en la Figura 2. Un secreto importante a la hora de querer abrir nuestra foto ya editada, pasándola a Photoshop, es pulsar la tecla Alt y mantenerla de ese modo. Veremos que el botón Abrir imagen, cambia a Abrir copia, allí haremos clic. Esto es importante ya que si simplemente abrimos, al mismo tiempo se modificará el archivo RAW, sin embargo al abrir copia el mismo permanece inalterable y los cambios que produjimos sólo aparecerán en la imagen abierta en Photoshop. Como última recomendación, ya una vez en Photoshop, realizaremos todos los procesos que deseemos con capas, capas de ajuste, máscaras de capa, etc. y al momento de guardar lo haremos como un archivo PSD o TIF ya que se encuentra en 16 bits. Si luego queremos una copia en JPG primero deberemos cambiarla a 8 bits desde Imagen/Modo/8 bits. De esta manera, aunque sencilla y rápida, ya estaremos aprovechando lo más importante de la edición RAW, podemos comparar la toma sin editar y el resultado de estas modificaciones en RAW en la Figura 3. Por supuesto que habría mucho más para profundizar, pero no es la idea de una guía rápida como esta. FUENTE: http://www.fotomundo.com OTROS POSTs JORGEC333

Hágalo usted mismo – Instalar un ventilador de techo - Mecánica Popular Cuando era chico, una de mis revistas preferidas era la Mecánica Popular… Tanto me gustaba el Paso-a-Paso y las herramientas que creo que fue una de las razones por las cuales decidí estudiar en escuelas Técnicas… Aunque después cambié de profesión, sigo teniendo ese gusto e inclinación por el “Hágalo Usted Mismo” y aunque no lo hago (ja ja), creí interesante postear algunos artículos para la gente que quiere ahorrarse unos pesos en esta época que nos toca vivir… Aunque el verano “técnicamente” ya terminó, tal vez no sea tan tarde… Fuente: Revista Mecánica Popular - Volumen 47 - Diciembre 1994 - Número 12 OTROS POSTs JORGEC333

Realce sus fotografías en Photoshop Parte II Aquí continúo posteando la Parte II... Por ALBERTO RODRIGUEZ Realce sus fotografías en Photoshop (Parte II) Seguiremos analizando las posibilidades de edición que nos permitirán lograr una imagen de alto impacto y fácil lectura. Entonar y apantallar Para quienes provienen del laboratorio tradicional o analógico, estos términos resultarán familiares; sin embargo, como actualmente muchos fotógrafos se han iniciado directamente en la era digital y no han transitado por el laboratorio es posible que desconozcan su significado. Por entonar entendemos la sobreexposición de una zona de la imagen en la copia, logrando que ese sector resulte más oscuro y, por apantallar, a la subexposición mediante el bloqueo del paso de la luz en diversas áreas en la copia, que arroja como resultado un área más clara. Con estas posibilidades es que tomamos la decisión de aplicar distintos niveles de exposición para nuestra fotografía, considerando que los sectores más claros producen un efecto de realce para nuestra vista, como si se colocaran por delante. Por el contrario, un área más oscura será interpretada por nuestro cerebro como un sector de menor protagonismo, ubicándose por detrás. Observemos la Foto 1 donde el ambiente fotografiado es bastante interesante por su clima; sin embargo, el ojo del espectador lo recorre sin encontrar un objeto o punto en especial donde centrarse. Esto provoca que la fotografía no sea de gran interés, más allá de lo documental. Trataremos de dirigir la vista según nuestro deseo. Si bien existen diferentes técnicas para lograr esto en Photoshop, detallaremos una de ellas. Crearemos una nueva Capa, esta vez desde el menú Capa/Nueva/Capa, aparecerá una ventana en la cual ajustaremos la opción Luz suave para el Modo y tildaremos la casilla que surge con la leyenda “Rellenar de un color neutro para Luz suave (50% gris)”. De este modo en la Ventana Capas observaremos la creación de una capa de color gris que sin embargo no afecta la imagen. Ahora sobre esta capa pintaremos con la herramienta Pincel eligiendo como Color frontal el Blanco. Es importante elegir un pincel redondo de diámetro grande y bordes suaves. Ajustando diferentes Opacidades en la barra de opciones del Pincel, notaremos que al pintar sobre esta capa gris la imagen de fondo se aclarará (apantallado). De la misma manera crearemos otra capa gris en Luz suave, pero esta vez pintaremos sobre ella con Negro como Color frontal. Veremos que esta vez se oscurece la imagen de fondo. Con esta técnica podemos crear áreas con diferente iluminación y así resaltar lo que consideremos es el sujeto principal de nuestra imagen, conduciendo la vista del espectador. Veamos un posible resultado en la Foto 2. Contraste tonal Pensemos en el contraste como diferencia. Instintivamente percibimos fácilmente la diferencia entre claro y oscuro, luz y sombra y cuanto mayor sea esta diferencia hablamos de mayor o menor contraste. Sin embargo muchos fotógrafos desatienden el contraste tonal, es decir la diferencia entre tonos. Con un poco de observación del color, podemos aprovechar la diferencia de colores para destacar de manera muy eficiente, el sector elegido de la imagen que se convertirá así en el sujeto principal. En general podemos pensar que un tono frío en contraposición de otro cálido marcará un buen despegue, del mismo modo colores saturados contra otros desaturados lograrán el mismo efecto. Pero si queremos estar seguros de colocar a la mayor distancia posible dos tonos, la elección de dos colores opuestos nos dará una rápida diferenciación. Para esto es necesario recordar algo de la teoría del color y conocer que a los primarios Rojo, Verde y Azul se le oponen los complementarios Cian, Magenta y Amarillo, en ese orden. Observemos la Foto 3. En esta escena se ha colocado el sujeto contra un fondo de colores prácticamente opuestos, ya que la vestimenta del paisano se ubica en la gama de los Rojos y Magentas y el fondo está en la zona de los Verdes (próximos también a los Cianes). Como se ve, esto permite un rápido y efectivo despegue. Sin embargo en Photoshop podemos saturar un poco más los colores protagónicos. Para ello elegí crear una Capa de ajuste de Tono/saturación por encima del Fondo. Una vez en los controles de Tono/saturación de esta capa elegí los canales Rojo y luego Magenta para saturar un poco más a estos. El resultado lo podemos apreciar en la Foto 4. Este recurso es de suma importancia en la fotografía color, ya que generalmente los colores más saturados atraen más la atención que los menos saturados. Evitar distracciones Muchas veces se incluyen en la toma elementos que sólo sirven para distraer la atención sobre el objeto principal. Un recurso muy simple y efectivo es oscurecer las áreas circundantes quitando protagonismo a esas distracciones. Una manera sencilla de lograr esto en Photoshop es por medio de una copia de la imagen en una capa y cambiar el Modo de fusión de ésta de Normal a Multiplicar. Esta fusión hará que la imagen final se subexponga, especialmente los tonos medios y bajos. Luego, por medio de una Máscara de capa descubriremos aquellas zonas que queremos oscurecer. El éxito de esta operación dependerá del grado de sutileza que usemos en la Máscara para lograr una transición correcta. Todo dependerá de usar un Pincel lo suficientemente grande y blando. De esta manera estaremos controlando la iluminación circundante al sujeto, considerando que los elementos menos iluminados o en sombra pasan a un segundo plano. Un ejemplo de este recurso lo podemos apreciar en las Fotos 5 y 6. Estas son sólo algunas recomendaciones y técnicas, pero la intención es motivar al lector para que preste suficiente atención a la importancia de la síntesis y el realce de sus fotografías. No puedo dejar de decir que si bien el Photoshop nos permite incrementar al máximo este realce, es mucho lo que podemos y debemos concretar desde el momento mismo de la toma, sin descuidar los conocimientos fotográficos por confiar demasiado en la edición posterior. http://www.fotomundo.com

Guía rápida de edición en Photoshop Aquí un artículo que creo que puede ser útil para todos los que nos iniciamos en la postproducción digital y me parece interesante por los conceptos teóricos implícitos…. Por Alberto Rodríguez Guía rápida de edición en Photoshop Frente a la computadora, desde el Photoshop, nos decidimos a editar una fotografía; por lo tanto comenzaremos a transitar una serie de pasos, algunos rutinarios y otros específicos para esa imagen. Tener en claro un cierto orden en el procedimiento nos permitirá llegar con éxito al resultado final. La escena es conocida ya que permanentemente la repetimos: hemos realizado una serie de tomas y llegamos hasta nuestra computadora con el material listo para ser revisado y editado; sin embargo debemos establecer un plan de trabajo ordenado y calculado para no cometer errores. A esto podemos llamarlo flujo de trabajo y debe ser preciso en algunos aspectos y flexible en otros. Trataremos de establecer a manera de guía rápida una serie de pasos que nos pueden conducir de manera segura y exitosa por este trabajo. En esta entrega me referiré a la edición de archivos en formato JPG de cámara. Seguiré el proceso de una fotografía directa, sin montajes, buscando como resultado final la máxima calidad de la misma y cierta interpretación personal sobre su carácter expresivo. 1. Descargue las fotos de la tarjeta Nunca trabaje directamente con las fotos almacenadas en la tarjeta de la cámara. Si usa habitualmente un programa para ver las imágenes como por ejemplo el Adobe Bridge, ni siquiera cargue las vistas en miniatura desde la tarjeta, ya que este software o cualquier otro similar, aún el visor de Windows, crean un pequeño archivo como base de datos de la vista en miniaturas que se almacenará en la tarjeta dentro de la carpeta que contiene las fotos, y ya sabemos que no es conveniente grabar nada desde la computadora en la tarjeta. Lo recomendable es descargar las imágenes por medio de un lector de tarjetas, (tampoco directamente conectando la cámara). En este caso copiaremos los archivos a una carpeta creada por nosotros en nuestro disco rígido y luego será esa carpeta la que abriremos en el programa visualizador, ejemplo Adobe Bridge. Tampoco le recomiendo copiarlas directamente de la tarjeta a un CD o DVD ya que sobre ese soporte el visualizador no podrá grabar la base de datos de las miniaturas, debiendo crearla cada vez que queramos verlas, siendo esto un proceso más lento. Es preferible grabar ese CD o DVD desde el rígido ya que se incluirá el archivo de datos ya creado. Una vez copiadas las fotos podremos volver a colocar la tarjeta en la cámara y formatearla o borrar todas. 2. Ordene y clasifique con el Bridge Una vez creadas las miniaturas en el Bridge, este programa nos ofrece la ventaja de poder clasificar y ordenar de manera muy rápida nuestras fotos. Hacer una selección de las mismas evitará que cada vez perdamos tiempo decidiendo cuales son las mejores tomas y, por ende, cuales queremos editar. Tampoco dude en eliminar las desastrosas, aunque podemos ser más benévolos con aquellas que puedan tener alguna chance en el futuro o que nos deparen dudas. Conservar todas las fotos de una sesión no siempre es buena idea: a la suma de espacio se le agrega una pérdida de tiempo en la búsqueda. Además una buena autocrítica le ayudará a mejorar en la próxima sesión de tomas. Una vez clasificadas use los filtros del Bridge para ver sólo las mejores, seguramente son esas las que primero vamos a editar. 3. El comienzo en Photoshop. Encuadre y orientación Una vez que hemos elegido nuestra foto a editar al hacerle doble clic desde el Bridge la misma se abrirá en Photoshop. Lo primero que tenemos que definir es el encuadre y la orientación, recuerde que la herramienta Recortar puede solucionar, además del corte, problemas de horizontalidad o verticalidad, inclusive correcciones de perspectiva. Una vez definido el encuadre analice la presentación de la imagen y considere si es necesario voltear la imagen en horizontal mediante el comando Imagen/Rotar lienzo/Voltear lienzo horizontal. Esto puede resultar muy importante en muchos casos desde el punto de vista compositivo. 4. Ajuste el tamaño y la resolución Si bien se supone que siempre debemos tener ajustada nuestra cámara para obtener una imagen del mayor tamaño y con la mejor calidad posibles, luego de haber realizado algún corte no está de más que revisemos en Photoshop cual es el tamaño y la resolución que tiene nuestro archivo. Para ello recurrimos al comando Imagen/Tamaño de imagen, donde deshabilitando la opción Remuestrear la imagen podemos ajustar la resolución según las necesidades finales del archivo como por ejemplo, 300 ppi para una impresión. Una vez hecho esto volvemos a habilitar Remuestrear la imagen y nos enteraremos en el sector Tamaño del documento, cual es la superficie en cm que cubrirá nuestra imagen impresa a esa resolución. 5. Guarde el archivo como PSD o TIF Recuerde que esta guía es para aquellos que están trabajando en JPG en su cámara, y que este formato significa siempre un grado de compresión, por lo tanto un nivel de pérdida de información en lo que hace a la profundidad de color. Sin embargo no queremos que luego de la compresión y pérdida que se produjo en la cámara estemos sumando mayor daño desde la edición. Por lo tanto el concepto tiene que ser muy claro: foto que vamos a editar, foto que debemos convertir a un formato sin compresión, como por ejemplo PSD o TIF. Ambos nos darán el mismo resultado de calidad pudiendo tener algunas ventajas durante la edición el PSD, que es el nativo del programa. Por lo tanto en este punto podríamos ya guardar nuestra foto con el nombre que determinemos y ese formato en el destino que elijamos, para eso recurrimos al comando Archivo/Guardar como y definimos esos parámetros. 6. Ajuste el rango dinámico y la exposición. Niveles. El comando Imagen/Ajustes/Niveles es el ideal para lograr que nuestra foto aproveche de la mejor manera posible el rango dinámico, es decir que determinaremos en Niveles de entrada que la información de la imagen abarque desde el negro hasta el valor de tono alto que precisemos, no siendo necesario que siempre el blanco llegue hasta el límite del histograma ya que esto significa contar con un blanco sin detalle, (para mayor información recomiendo releer la nota publicada en Fotomundo Nº 459 de marzo del 2007). Recuerde que con el deslizador del medio podrá ajustar la exposición general de la imagen, siempre de manera general. Para hacer ajustes parciales luego deberá recurrir al uso de las capas y Borrador o Máscaras de capa. 7. Filtre la dominante En una fotografía color, luego de ajustar el rango dinámico, lo más importante es realizar un correcto filtrado ante la existencia de una dominante. Recuerde que entendemos por dominante la presencia de un color invasivo en toda la superficie de la foto, que afecta la textura y la sensación de volumen y aún de definición. El comando ideal para eliminarla es Imagen/Ajustes/Equilibrio de color, donde buscaremos de aplicar exactamente el color opuesto al de la dominante y en la cantidad exacta, aplicando la teoría del color según la cual los colores opuestos se contrarrestan. Si piensa en crear una imagen en Blanco y Negro este paso no debe ser pasado por alto, sería un error, ya que la permanencia de la dominante afectaría incluso la imagen monocroma. Es también un error hacer la toma en Blanco y negro directamente en la cámara, ya que nos privamos de todas las posibilidades de edición del color al contar con más cantidad de información en este modo y luego de poder hacer la conversión en Photoshop por diversos métodos con resultados diversos. 8. Ajuste los colores a voluntad Una vez filtrada la imagen, contará con la máxima separación tonal, por lo tanto podremos disponer algunos cambios a voluntad sobre el aspecto de los tonos. Es ahora cuando podemos recurrir a comandos como Imagen/Ajustes/Corrección selectiva o Imagen/Ajustes/Tono saturación para “fabricar” nuestros colores y la intensidad de los mismos. 9. Carácter e interpretación En esta etapa debemos pensar más qué nunca que partes de la foto son las que queremos destacar. Trabajaremos entonces realzando los puntos de interés y elaborando los distintos planos de la imagen. Podemos actuar con áreas de mayor iluminación y otras de sombra, al estilo de los tradicionales “apantallados” y “entonados”, o jugar con desenfoques o cualquier otro tipo de filtro. En definitiva se trata de darle el carácter expresivo que queremos a nuestro trabajo. 10. Contraste Dejo el contraste casi para el final de la edición, recuerde que la aplicación del comando Imagen/Ajustes/Brillo/Contraste, elevando el contraste, es siempre perjudicial si se lo exagera ya que elimina tonos medios. Justamente una de las novedades del Photoshop CS3 radica en que este comando ahora es de aplicación más moderada, contando con una casilla Usar heredado (Use legacy) que al habilitarla nos devuelve el funcionamiento de las versiones anteriores. Por supuesto que existen otras formas de elevar el contraste que exceden el alcance de esta guía rápida. 11. Enfoque Un tema discutido es cuando se debe enfocar la foto, si al principio o al final de la edición. Mi opinión es hacerlo prácticamente al final, ya que en realidad todo intento de enfoque en photoshop es una serie de maniobras para reforzar el brillo y el contraste especialmente en los bordes de la imagen para alcanzar una sensación de mayor definición. Cada paso de una correcta edición, como por ejemplo un buen aprovechamiento del rango dinámico, un buen filtrado, una buena separación de tonos a voluntad, un buen contraste, cada uno aportan algo más a esa sensación de definición. Por lo tanto si aplicamos enfoque al comienzo es posible que luego resulte sobrando. Por eso prefiero hacerlo al final, en cuanto al método uno de los aconsejables es el uso de Filtro/Enfocar/Máscara de enfoque o Filtro/Enfocar/Enfoque suavizado. 12. Presentación Una vez concluidos todos los trabajos de edición, volveremos a guardar nuestro archivo como PSD y a partir de allí prepararemos luego las copias para los distintos destinos finales, con esto quiero decir que si vamos a preparar un archivo para enviar a copiar ajustaremos el tamaño deseado desde Imagen/Tamaño de imagen, realizando la interpolación necesaria y luego guardando una copia en JPG sin alterar el original PSD. Lo mismo si necesitamos una copia reducida en tamaño, resolución y peso, como por ejemplo para un envío por mail o Web, siempre como copias sin modificar el original. Reflexión final Si bien ésta pretende ser una guía rápida de los pasos a seguir, es fundamental que antes de trabajar una foto nos detengamos unos instantes a contemplar la imagen y analicemos profundamente qué es lo que esperamos de ella como imagen resultante, de esa manera vamos a establecer en cada caso la estrategia a seguir. No existe un plan que se repita sin variantes en todos los casos, ya que cada foto tiene sus problemas y características propias y su discurso particular. http://www.fotomundo.com