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Breves Crónicas de la Historia del Rock Nacional: Primera Parte Introducción El Rock Nacional como lo conocemos hoy comienza a surgir un poco antes de la década del 60, en un clima de opresión sentida por la generación joven, que busca formas de expresarse y rebelarse ante los mayores, las injusticias y la censura. A lo largo del viaje nos encontraremos con pequeñas crónicas de las bandas que crearon y alimentaron la historia de este género. Prepárense para ver algunos nombres repetidos muchas veces, idas y venidas, cambios de estilo, experimentación, copias, talento, éxito efímero, de todo. Puede que haya omitido algunos grupos en el camino, lo que no significa que haya sido parcial en cuanto a la idea de “historia”, incluso he tenido que investigar bastante con algunos grupos de los que no sabía mucho, el asunto es que hay tantas bandas que tuve que recortar un poco y atenerme a los más representativos. También hay algunas idas y vueltas en cuanto al orden cronológico, porque debido a la contemporaneidad algunas bandas se superponen y se complica ordenarlas. Los videos fueron seleccionados de una manera un poco aleatoria, en algunos casos me resultó difícil elegir sólo un tema de cada banda, la intención es mostrar una parte e incentivarlos a que investiguen/escuchen un poco más. Contexto Socio-político Para entender cómo se desenvuelve el género, hay que situarse en el contexto socio-político histórico. Desde 1930, Argentina tuvo gobiernos que alternaban entre militares y democráticos, sin una constancia o duración demasiado extensa. En 1955 Perón es derrocado y el peronismo prohibido, de manera que muchos partidarios suyos fueron fusilados o apresados. En 1958 asume la presidencia Frondizi (de la Unión Cívica Radical Intransigente) que es derrocado por otro golpe militar. En 1963 es elegido presidente Illia (Unión Cívica Radical del Pueblo), luego de que Guido ocupara el puesto en 1962. En 1966, la “Revolución Argentina” encabezada por Onganía toma el poder. Detengámonos acá para describir el ambiente: violencia política creciente, intolerancia hacia las universidades donde “se generaba la subversión y el comunismo”, supresión de los derechos gremiales y represión de las huelgas y protestas obreras. En estos años se suceden la Noche de los bastones largos (1966), el Cordobazo y el Rosariazo (1969), estos últimos llevan al final del gobierno de la Revolución Argentina. En 1973 asume Cámpora, que pronto renuncia y vuelve Perón, quien poco después muere y toma el poder quien fuera su esposa y compañera de fórmula María Estela Martínez de Perón (Isabel para los partidarios). Bajo el gobierno de ella (que era meramente protocolar, porque el poder era concretamente de López Rega –ministro de Bienestar Social y ex secretario de Perón durante el exilio-) funcionó la fuerza parapolicial conocida como Triple A: Alianza Anticomunista Argentina, que perpetraba secuestros, torturas, asesinatos y atentados contra personajes de la izquierda, y también se entablaban conflictos armados con grupos guerrilleros, como el Ejército Revolucionario del Pueblo (ERP). En 1976, comienza el Proceso de Reorganización Nacional, a cargo de la junta militar que tomara el poder el 24 de marzo. Así, el último y más violento gobierno de facto de Argentina tenía lugar. Creo que son conscientes de los actos de terrorismo de estado ejecutados durante estos años (1976-1983), de la represión, censura, secuestros, desapariciones y demás atrocidades sucedidas en ese lapso además de la crisis y los problemas económicos. Lo que vino después es más contemporáneo así que doy fin al marco político y social. Los Comienzos El rock iba creciendo como género en Estados Unidos y Europa en la década de 1950, y llega a las tierras latinoamericanas por artistas como Elvis Presley y Bill Haley, quien incluso toca en Argentina en 1958, e inspira a músicos nacionales para que comiencen a imitar ese estilo. En ese entonces, los grupos argentinos empezaron a hacer covers en inglés, y otros hacían versiones en español, de los temas famosos del Rock and Roll, de artistas como Chuck Berry, Little Richard o Buddy Holly (quien falleció en 1959, “el día que murió la música”, en un accidente de avión junto con Ritchie Valens –quien compuso el tema La Bamba, el primer tema de rock en español un año antes- y Big Bopper Richardson, además del piloto). Este sería el caso de Sandro, que antes de ponerse melódico y romanticón hacía covers de The Beatles y otros clásicos en su grupo Sandro y Los de Fuego, allá por 1963, y también hacían temas propios. El primer músico argentino de rock fue Eddie Pequenino, que en 1953 formó la banda Mr. Roll y Sus Rockers, otro de los primeros fue Billy Cafaro, reconocido como el primer ídolo del rock del país. También vale la pena mencionar a Johny Tedesco, quien cosechó mucho éxito. Con la Invasión Británica, nacen las bandas beat uruguayas, como Los Shakers, Los Mockers y Los Walkers, que producen las conocidas Invasiones Uruguayas (1964-65) e influyen en el surgimiento del beat argentino. Los Shakers se destacan sobre los otros dos grupos, por componer ampliamente en base a The Beatles, pero con un sonido y letras propias, donde se aprecia cierta originalidad, aunque se cerraron en escribir en inglés y eso impidió que prosperaran demasiado, en sociedades donde se buscaba lograr cierta clase de nacionalismo. Una gran banda beatle de Argentina fue Los Jets, que llegó a grabar varios discos y alcanzó un alto nivel de popularidad. En la televisión se transmitían dos programas clave: •Club del Clan, totalmente comercial y simplista, con estrellas como Palito Ortega, Nicky Jones, Johny Tedesco, Violeta Rivas, Chico Novarro, entre otros. •La Escala Musical, donde encontramos a bandas como The Seasons, Los Búhos, Los In, Los Bishops, Los Jerks, Billy Bond y el Lew Cuarteto, entre otros. A la vez, en Buenos Aires, grupos de rockeros se concentraban en lugares como La Cueva, Plaza Francia o La Perla. Ahí se juntaban Nebbia y Fogliatta, los hermanos Fattoruso, Moris, Javier Martínez, Francis Smith, Pappo, Claudio Gabis, Miguel Abuelo, Tanguito, y muchos más. Ahora, ¿quiénes eran todos esos? Empecemos por Los Beatniks, banda que contaba con Moris, Pajarito Zaguri, Antonio Pérez Estévez, Jorge Navarro y Javier Martínez, y se había formado en Villa Gesell. El tema Rebelde, que editaron en 1966 junto con No Finjas Más es comúnmente considerado el primer simple del “Rock Nacional”. Litto Nebbia y Ciro Fogliatta eran rosarinos, entre 1964 y 1965 habían formado parte de Los Gatos Salvajes, y ahora junto con Kay Galifi, Oscar Moro y Alfredo Toth conformaban otra banda, Los Gatos, que en 1967 sacó un simple que marcó historia: La Balsa (compuesta por Tanguito) y como lado B Ayer Nomás, una versión del tema que compusieron Moris y Pipo Lernoud (un poeta que frecuentaba La Cueva). Los hermanos Fattoruso (Hugo y Osvaldo) eran parte de Los Shakers. Francis Smith es conocido por hacer compuesto temas como De Boliche en Boliche, Zapatos Rotos, Yo en mi casa y ella en el bar, Estoy hecho un demonio, y muchos más. También fue el productor de Los Náufragos. En pocas palabras, se dedicó a lo que conocemos como rock complaciente, comercial o vacío. En 1968 se comienza a publicar la revista de rock Pinap, y se crea el primer sello discográfico de rock argentino: Mandioca (la madre de los chicos), fundado por Jorge Álvarez. Para Mandioca grabaron bandas como Sui Géneris, Almendra, Pappo’s Blues, Manal y Vox Dei. 1969: La base del Rock Nacional tal como lo conocemos Durante 1969 surgen dos bandas que serían la base del desarrollo musical que vendría después. •Almendra, formada en Bajo Belgrano (Buenos Aires) por Luis Alberto Spinetta, Emilio Del Guercio, Edelmiro Molinari y Rodolfo García a través de la fusión de otros grupos (Los Larkins y Los Sbirros) que tocaban en inglés. Desde composiciones poéticas plenamente argentinas hasta el destierro del artículo “Los” antes del nombre de una banda, Almendra trajo algunas innovaciones al rock nacional, que en realidad ya estaban dentro de la mente de los músicos, pero había cierta reticencia a ponerlas en práctica, por miedo al rechazo social. •Manal, pioneros del blues en castellano, era un trío compuesto por Javier Martínez (que escribía la mayoría de los temas), Claudio Gabis y Alejandro Medina. El sonido de Manal era más duro, puede decirse que menos lírico y más de los suburbios, era más directo. Ambas bandas se separaron rápidamente, en los comienzos de la década del ’70, tiempo donde el rock nacional se diversifica y surgen muchas bandas que crearían la identidad del género. Se abren los caminos Tomemos al rock nacional como si fuera un árbol. Nos encontramos en un punto donde el tronco sentó un punto firme desde el cual partir y comenzar a crear de manera independiente y original, el sonido de las tierras argentinas. Así surgen bandas, ramas, que se bifurcan, entrecruzan y relacionan de manera directa. •Pescado Rabioso: Banda bien orientada al rock, con mucha fuerza y momentos de fusión con el blues; integrada por Spinetta, Black Amaya y el Bocón Frascino, quien sería reemplazado más tarde por David Lebón, a la vez que se sumara Carlos Cutaia. Entre 1971 y 1973 Pescado nos dejó dos discos: Desatormentándonos y Pescado 2 (si bien Artaud es editado como si fuera de Pescado Rabioso, es en realidad un trabajo de Spinetta como solista). •Aquelarre: Fue un grupo progresivo, formado por lo que fue la base rítmica de Almendra, Emilio del Guercio y Rodolfo García, además de Héctor Starc y Hugo González Neira. Grabaron cuatro discos en su primera etapa (1971-1975) y otro en su reencuentro (1999): Aquelarre, Candiles, Brumas, Siesta y Corazones del Lado del Fuego. Llevaron su música del país a Europa, donde hicieron giras antes de separarse en los ‘70s. •Color Humano: Fue un trío con miras esencialmente al blues. En un principio lo integraron Edelmiro Molinari, Rinaldo Rafanelli y Lebón, pero después éste se fue a tocar con Pescado, siendo reemplazado por Oscar Moro (quien había sido parte de Los Gatos). Entre 1971 y 1974 grabaron sus tres discos: Color Humano, II y III. También hay un disco en vivo del trío tocando en 1995. •Vox Dei: se formó teóricamente en 1967 en Quilmes (Buenos Aires), pero se hacían llamar Mach 4 y hacían covers de bandas británicas, como The Rolling Stones, The Byrds, The Kinks y The Beatles. Mandioca les ofreció grabar, pero como condición tenían que cantar en nuestro idioma. Cambiaron el nombre a Vox Dei y después de un recital, Spinetta, que los había ido a ver, los felicitó y les dijo que no entendía cómo con tanta riqueza idiomática no componían en español. Es así que tradujeron el tema Bitter Sugar a Azúcar Amargo, y desde ahí la banda empezó a grabar con Mandioca. Más adelante la banda quedaría formada por Willy Quiroga, Ricardo Soulé y Rubén Basoalto. Se volverían exitosos haciendo hard rock, con discos como Caliente (1970), La Biblia (1971) y Jeremías Pies de Plomo (1972). •Billy Bond y La Pesada del Rock: La pesada fue una banda creada en 1970 como acompañamiento de Billy Bond. Al principio fue una especie de rejunte de músicos que se juntaban a zapar, completamente abierto a los rockeros que quisieran sumarse. De esta forma, los que ya eran “reconocidos” tocaban con los que estaban arrancando. En 1972 tomó forma de banda estable, integrada por Kubero Díaz, Claudio Gabis, Alejandro Medina, Jorge Pinchevsky, Isa Portugheis, Jimmy Marquez y Billy Bond; pero no duraría mucho, ya que en octubre se produjeron serios disturbios en un fallido festival de rock en el estadio Luna Park. La única banda dispuesta a tocar fue La Pesada, que fue culpada por incitar a la violencia, a través del famoso grito de Billy Bond “Rompan Todo”. Después de esto el grupo se alejó de las actuaciones, hasta 1974, cuando la banda decidió disolverse. En sus años de banda estable acompañó a distintos artistas en las grabaciones de sus LP, como Sui Géneris, Raúl Porchetto y otros tantos. •Pappo’s Blues: Esta fue una banda que cambió constantemente de formación, para no extendernos mucho podemos decir que en ella tocaron músicos como Black Amaya, Pomo, Machi, Alejandro Medina, Lebón, Luis Gambolini. El grupo liderado por Pappo nos ofrecía un sonido de heavy metal y blues, que fue incluso reconocido internacionalmente. Podemos decir que la banda se desarrolló en la década del ’70, porque en 1980 el Carpo forma Riff, pero de todos modos el grupo volvió en distintas ocasiones (en los años ‘90s) y editó otro par de discos. •El Reloj: Influenciados en gran parte por Deep Purple, surgen a principios de los ‘70s como una banda heavy, aunque después se inclinan un poco a lo sinfónico y progresivo. Fueron una banda muy popular, su formación original contaba con Willy Gardi, Osvaldo Zabala, Eduardo Frezza, Luis Valenti y Juan "Locomotora" Espósito. La banda toca hasta 1978, y luego regresaría con distintas formaciones en los años ’80 y ’90, grabarían varios discos, uno de ellos en el año 2002. •Plus: Integrada por Cacho D’Arias, Hugo Racca, Julio Sáez y Saúl Blanch, hicieron hard rock, influenciados en gran parte por Led Zeppelin, entre los años 1975 y 1982. Editaron tres discos (No Pisar el Infinito, Plus – donde participa Celeste Carballo – y Escuela de Rock’N’Roll). •Arco Iris: Esta banda se formó en el ’68, en El Palomar (Buenos Aires). Sus integrantes, Gustavo Santaolalla, Ara Tokatlian, Guillermo Bordarampé y Horacio Gianello, acompañados por la guía espiritual Dana, vivieron en comunidad y crearon una fusión entre el rock y el folk de estas tierras. Entre 1972 y 1975 editaron cinco álbumes (Suite nº 1; Tiempo de Resurrección; Sudamérica, o el regreso a la Aurora; Inti-Raymi y Agitor Lucens V), hasta que la comunidad se separó y Santaolalla empezó un nuevo proyecto. •León Gieco: Este músico originario de Cañada Rosquín, Santa Fe, formó una banda local que ganaría un concurso y tocaría en Canal 5 (de Rosario), haciendo covers de bandas como The Beatles, The Rolling Stones y Spencer Davis Group. Viajó a Buenos Aires en 1969 para probar suerte, y se encontró con artistas que le dieron la oportunidad de tocar como soporte en sus recitales. Logró popularidad con sus canciones folk-rock de protesta después de tocar en los famosos festivales BA Rock de principios de los ‘70s. Grabó sus primeros LPs y un par de años más tarde se uniría a Porsuigieco. Todavía sigue en actividad como solista. •Sui Géneris: Nito Mestre y Charly García formaron un dúo en 1969, empezaron haciendo música psicodélica al estilo de Procol Harum y nadie les dio demasiada atención hasta que Jorge Álvarez, de Mandioca, les ofreció grabar e hicieron su primera actuación en el festival en que se filmó en la película “Rock hasta que se ponga el sol”, de Aníbal Uset. Si bien han tenido músicos de apoyo, Sui Géneris era un dúo. En sus primeros discos (Vida y Confesiones de Invierno) manejaron un sonido clásico y acústico, con letras poéticas. El tercer disco, Pequeñas anécdotas sobre las Instituciones, trajo un sonido más eléctrico y letras más duras, que tuvieron que ser censuradas. En 1975 se despiden con dos conciertos en el Luna Park, que fueron filmados para convertirse posteriormente en una película y álbumes en vivo, Adiós Sui Géneris. •Porsuigieco: Este grupo se creó para salir de gira, aunque terminaron editando un disco. Se llamó de esta manera a través de la fusión de los nombres de los integrantes: Por de Porchetto, Sui de Sui Géneris y Gieco por León, aunque la formación era completada por María Rosa Yorio. Tocaron entre 1974 y 1976, con un sonido que desde el folk rock evolucionó a estilos más elaborados y eléctricos, sin perder la esencia; en el LP fueron acompañados instrumentalmente por Moro, Alfredo Toth, Gustavo Bazterrica y otros tantos. •Pedro y Pablo: En 1968 el dúo Los Cronopios, formado por Miguel Cantilo y Jorge Durietz, cambia su nombre a Pedro y Pablo. Representantes del folk de protesta argentino, presentaron su álbum Conesa en el BA Rock del ’72. Entre 1973 y 1975, grabaron el disco Apóstoles, que no saldría hasta 1981. En 1976 Cantilo se va a España, y allá forma otro grupo, Punch. Regresa en 1980, pero la nueva banda no logra mucho éxito en el país y resurge Pedro y Pablo. Tocaron en el Festival de la Solidaridad Latinoamericana en el ’82, sacaron otro disco, Contracrisis, pero volvieron a separarse para trabajar en proyectos personales, aunque editaron el disco Corazón Sudamericano en 1985. En los noventas retornaron a los escenarios, y de vez en cuando vuelven a tocar. •Vivencia: este dúo de folk integrado por Eduardo Fazio y Héctor Ayala grabó su primer disco en 1972, titulado “Vida y Vida de Sebastián”, un álbum conceptual. El éxito le llegaría a Vivencia en 1973 con el LP Mi Cuarto, un clásico del rock nacional. El nivel alcanzado por este segundo disco marcaría el tope de la carrera del dúo, que grabó otros siete álbumes antes de separarse en 1983, sin poder innovar ni reinventarse, haciendo una y otra vez lo mismo en cada disco. En 2005 volvieron a tocar y grabaron otro LP. •Pastoral: otro dúo de folk, esta vez integrado por Alejandro de Michele y Miguel Ángel Erausquin, formado en 1973. Se destacaron por una profundidad poética en sus temas, un sonido desgarrador y rústico, una voz suave contrastando con la oscuridad de las letras, bastante surrealistas y en algunos casos hasta nihilistas. Lograron bastante éxito, grabaron cuatro discos (Pastoral, En el Hospicio, Humanos y Atrapados en el Cielo) hasta que en 1978 decidieron separarse, pero al haber firmado anteriormente contrato con la discográfica Sazam tuvieron que editar tres discos más: dos solistas, y De Michele – Erausquin en 1979, disco que dejaba en claro que Pastoral ya no existía. Alejandro de Michele se junta entonces con Gustavo Montesano, que había sido parte de Crucis y forman Merlín, editando un solo disco homónimo. En 1982, Pastoral regresa y graba Generación, un disco que traía un estilo muy diferente a los anteriores, con un sonido eléctrico y letras directas, que comentaban de manera irónica la situación del país. En abril 1983 brindan un concierto en el estadio Obras, ante gran cantidad de público, tanto que tuvieron que colocar equipos de sonido en la calle para que también pudieran escuchar los que se habían quedado sin entrada. Pastoral se terminó definitivamente el 20 de mayo del ’83, cuando Alejandro de Michele falleció tras un accidente automovilístico. •Alma y Vida: La primera banda en fusionar rock con el jazz fue esta, formada en 1970 por Alberto Hualde, Bernardo Baraj, Mario Salvador (que sería reemplazado por Gustavo Moretto poco después), Juan Barrueco, Carlos Villalba y Carlos Mellino. Grabaron un simple para Mandioca y tocaron en el BA Rock, lo que los llevó a editar un LP para RCA, en 1971. Al año siguiente vuelven a los estudios para grabar su segundo álbum, con el que logran la popularidad, que se mantiene en su tercer disco: Del Gemido de un Gorrión. Después de la salida de Alma y Vida Volumen 4, en 1974, Moretto deja el grupo para formar la banda Alas. En 1976 grabaron un último disco como quinteto, después Mellino y Baraj se alejarían. La banda continuó en pie, grabando algunos simples y hasta otro LP (que se publicaría recién en 2008) pero se separan en 1978. A lo largo de los años han regresado en distintas oportunidades para hacer diversos recitales y grabar discos en vivo. •Materia Gris: un grupo que no duró mucho, tocaron entre 1970 y 1972, y grabaron solamente un álbum. Pero lo interesante de esta banda es que ese único LP es considerado la primera ópera rock argentina: Oh, Perra Vida de Beto. Estaba formada por Julio Presas, Edgardo Rapetti, Omar Constanzo y Carlos Riganti. •Contraluz: fue un grupo surgido a principios de la década del ’70, que se hace conocido a partir de sus presentaciones en los festivales BA Rock, a pesar de no contar con una gran discografía (en esa primera época grabaron un solo disco, en 1973, titulado Americanos; y más adelante, en una reagrupación de la banda en el año 2000 editarían otros dos: El Pasaje, en el 2000 y Ramos Generales en 2002) han sido pioneros en el Rock Sinfónico, admirados en un principio por la calidad limpia y refinada de su sonido. Se separaron en 1974-1975 y regresaron en el año 2000. El núcleo del grupo está constituido por los hermanos Carlos y Néstor Barrio y Freddy Prochnik, pero por la banda han pasado músicos como Gerry Barchielli, Alvaro Cañada y Alejandro Barzi. •Crucis: fue una banda que editó solamente dos discos, pero estos fueron de una calidad tal que sentaron una marca indeleble en el progresivo argentino, en realidad, ellos fueron de los primeros en abordar ese género. Debido a su talento alcanzaron gran popularidad rápidamente. Como ya dije, grabaron dos LP: Crucis en 1976 y Los Delirios Del Mariscal en 1977, antes de separarse. Aníbal Kerpel, Pino Marrone, Gustavo Montesano, Daniel Oil, Gonzalo Farrugia (también Daniel Frenkel y José Luis Fernández) hicieron historia en tan sólo tres años. •Espíritu: generadores de rock sinfónico nacional, debutan en un recital en 1973. Influenciados más que nada por Yes y Genesis, sacan su primer disco, conceptual, en 1975, titulado Crisálida. La banda se encontraba formada por Osvaldo Favrot, Carlos Goler, Fernando Bergé, Claudio Martínez y Gustavo Fedel. Este último sería reemplazado después por Ciro Fogliatta. En 1976 editan Libre y Natural, el segundo LP, antes de separarse. En la década del ’80 regresarían, con otra formación y otro estilo, para grabar dos discos más, Espíritu y En Movimiento. Volvieron a separarse, y en 2003 vio la luz otro álbum: Fronteras Mágicas. Al año siguiente se editó un disco en vivo. •Polifemo: este power trío rockero estaba integrado por David Lebón, Juan Rodríguez y Rinaldo Rafanelli. Solían ser la banda soporte de Sui Géneris, pero de a poco fueron armando su camino independiente. Ganaron bastante popularidad en 1976 y grabaron su primer disco, homónimo. Contaron con la participación de Ciro Fogliatta en la grabación, y de Pappo en la presentación en vivo. Fueron muy criticados por la prensa y se fueron desintegrando como grupo. Se separaron en 1977, cuando salía su segundo LP: Polifemo II. •Alas: este grupo no duró mucho, pero nos dejó una fusión rock/tango/jazz destacable, estaba formado por Gustavo Moretto, Carlos Riganti y Alex Zucker. Gracias a la técnica de los músicos y la experimentación constante lograron un sonido bastante complejo. En 1976 salió su primer LP, homónimo. Ese mismo año incorporaron a una serie de bandoneonistas como músicos invitados, acrecentando ese estilo pseudo-folk que intentaba plasmar la esencia de Buenos Aires en la música que creaban. Al año siguiente Zucker deja la banda para irse a Estados Unidos y es reemplazado por Pedro Aznar, que había formado parte de Madre Atómica con Litto Epumer y Mono Fontana (quien participaría en Los Desconocidos de Siempre). Grabaron un segundo álbum, Pinta Tu Aldea, pero la banda se separó a principios del ’78 y el disco salió recién en 1983. Para ese entonces el rock nacional ya no era el mismo, y el disco pasó desapercibido. •Invisible: power trío de rock progresivo, que en algunos momentos deriva un poco hacia el jazz, integrado por Pomo Lorenzo, Machi Rufino y el Flaco Spinetta. Su discografía consta de tres LPs y en el último la banda contaba también con Tomás Gubitsch en guitarras. Todos los álbumes de esta banda son increíbles debido al talento de sus integrantes, son clásicos del género, imperdibles. Su debut fue el homónimo, en 1973; seguido por Durazno Sangrando en 1975 y El Jardín de los Presentes al año siguiente. El grupo encontraría el final en 1977. •La Máquina de Hacer Pájaros: se vieron influenciados por Genesis, Yes, Steely Dan y Focus, entre otros, para crear rock progresivo. Si bien no tuvieron mucho éxito mientras tocaban, pocos años después empezaron a ser una banda reconocida. El grupo estaba compuesto por Charly García, Oscar Moro, Carlos Cutaia, Gustavo Bazterrica y José Luis Fernández. Entre 1975 y 1977 grabaron dos LPs: el primero, homónimo, en 1976 y el segundo, Películas, en 1977. •Nito Mestre y Los Desconocidos de Siempre: Entre 1976 y 1980, Los Desconocidos de Siempre hizo las veces de banda soporte de Nito Mestre. Integrada por Ciro Fogliatta, Alfredo Toth, María Rosa Yorio, Juan Carlos Fontana y Rodolfo Gorosito, hicieron tres discos de un folk muy parecido al de Sui Géneris, y alcanzaron gran popularidad. Se separaron cuando Yorio dejó el grupo para empezar un camino en solitario. Esto es todo por ahora, próximamente verán la continuación, espero que lo hayan disfrutado. Hasta el próximo post!

The Dark Side of the MoonThe Dark Side of the Moon (titulado en la edición de disco compacto de 1993 como Dark Side of the Moon; en español: El lado oscuro de la luna) es un álbum conceptual y el octavo de estudio de la banda británica de rock progresivo Pink Floyd. Fue lanzado el 17 de marzo de 1973 en Estados Unidos y el 24 de marzo del mismo año en el Reino Unido. El álbum está construido a partir de las ideas que Pink Floyd había explorado en sus conciertos y anteriores grabaciones, pero carece de los largos instrumentales que caracterizaban a los trabajos posteriores a la marcha en 1968 de su miembro fundador, principal compositor y letrista, Syd Barrett. La temática del álbum incluye el conflicto, la avaricia, el envejecimiento y la enfermedad mental, tema este último inspirado en parte por el deterioro mental de Barrett.El álbum se desarrolló como parte de una futura gira de la banda, estrenándose en directo varios meses antes de que siquiera hubieran comenzado las grabaciones en el estudio. El nuevo material se fue refinando a medida que avanzaba la gira, y fue grabado en dos sesiones en 1972 y 1973 en los Abbey Road Studios de Londres. Pink Floyd usó algunas de las técnicas de grabación más avanzadas de la época, incluyendo grabaciones multipista y loops.En varias de las pistas se usaron sintetizadores analógicos, mientras que una serie de entrevistas con la banda y el equipo técnico aparecen a lo largo del álbum en forma de citas filosóficas. Alan Parsons fue el responsable de algunos de los aspectos sónicos más innovadores del álbum, incluyendo la interpretación no léxica de Clare Torry.The Dark Side of the Moon fue un éxito inmediato, llegando en Estados Unidos a lo más alto de la lista Billboard 200 durante una semana. Permaneció en las listas 749 semanas (catorce años), siendo así el álbum que más tiempo ha permanecido en listas de la historia. Con una estimación de ventas de 45 millones de copias, es el álbum más exitoso de Pink Floyd y uno de los más vendidos a nivel mundial de la historia. Ha sido remasterizado y reeditado en dos ocasiones, además de haber sido versionado por varias bandas. Del álbum se extrajeron dos sencillos: «Money» y «Us and Them». Además de su éxito comercial, podría decirse que The Dark Side of the Moon es el álbum más popular entre los seguidores y críticos, y aparece frecuentemente en las listas de mejores álbumes de todos los tiempos.Speak to MeLa idea original fue de Nick Mason. Mason había jugado el rol de director del proyecto, cuando el álbum estaba completo y ensamblado, tuvo la idea de hacer una obertura, resumiendo todo el disco, música y sonidos. En un principio, Speak to Me iba a ser parte de Breathe, pero Mason quería un crédito de autor. Debido a esto la canción fue editada originalmente como una sola pista, pero dividida en dos partes, a. Speak to Me, b. Breathe.El título de la canción era en un principio Nick's Section, durante los cuestionarios que se hacían a las personas para obtener grabaciones de voces, Alan Parsons repetía constantemente la frase "speak to me" (háblame), probando el nivel de volumen de los micrófonos al grabar, y de allí surgió el nuevo nombre.BreatheLa idea original le surge a Roger Waters unos años antes, en 1969, durante la realización de una banda sonora para la película The Body (El Cuerpo), junto a Ron Geesin. En la misma, el cuerpo humano es una metáfora de la existencia humana. Breathe (respira), es una invitación a tomarse un respiro, a detenerse y reflexionar sobre el significado de la vida, para no caer en la búsqueda de metas sin sentido. La película comienza con las líneas: "Breathe, breathe in the air".En la edición original en LP, Breathe era la segunda parte del primer tema junto con Speak to Me, (a. Speak to Me, b. Breathe), separadas por cuestiones de créditos. En las ediciones en disco compacto, se separan las partes en distintas pistas, pero la duración de los temas está unida y se detalla en Breathe.link: http://www.youtube.com/watch?v=AxgGAnLvMwQOn the RunSu nombre original era "The Travel Sequence" (La secuencia de viaje), un composición de sonido electrónico, generado por sintetizador, con la intención de dar una sensación de movimiento. En este tema es donde más ventaja se ha sacado a las posibilidades que brindaba el synthi-A, patrones de sonido eran pregrabados y reproducidos unos sobre otros; hasta el hi-hat de fondo ha sido creado con sintetizador. Sobre las bases electrónicas se escucha un locutor anunciando una lista de salidas de vuelos, y la guitarra de David Gilmour, que simula las turbinas de avión.Este tema se trata del miedo a la muerte y el miedo a volar simultáneamente. Los integrantes de la banda han declarado en varias oportunidades su miedo a volar. La frase "live for today, gone tomorrow, that's me", algo así como: "vivo hoy, no me preocupo por mañana, ese soy yo", es de Roger The Hat, en respuesta a ¿Le tienes miedo a la muerte?.link: http://www.youtube.com/watch?v=2Z55Qd4hNnATimeEste tema está inspirado en las ideas y la experimentación de Roger Waters sobre el tiempo, de que la vida no se trata de prepararse para lo que viene, sino de tomar control de tu destino."Pasé una gran parte de mi vida, hasta los 28 años, esperando que mi vida comenzara. Pensé que en cierto punto, me convertiría de un capullo en una mariposa, que mi verdadera vida podría empezar. Si tuviera que vivir de nuevo esa etapa de mi vida, preferiría vivir el lapso entre los 18 y 28 años sabiendo que sería así, que nada ocurriría repentinamente, que el tiempo pasa, que eres lo que eres, y que haces lo que haces."Roger Waters, 1982Los relojes y las alarmas que se escuchan al principio, fueron grabados por separado, por Alan Parsons, de una tienda de antigüedades cerca de los Estudios Abbey Road. Los tenía grabados para un disco de efectos de sonido. En el estudio se transfirieron cada uno a una cinta y se alinearon para su edición final.La canción finaliza con Breathe (reprise), una recaptulación de Breathe, con distinta letra.link: http://www.youtube.com/watch?v=g1exROcpBjw&feature=relatedThe Great Gig in the SkyOriginalmente fue llamada The mortality Sequence (La Secuencia de la Mortalidad), The Religion Song (La Canción de la Religión) y Ecclesiastes (este nombre es previo a la inclusión en el disco, y se debe a que durante las interpretaciones en vivo, se leían parodias del Libro de Eclesiastés, de la Biblia).Es una canción inspirada en la tristeza y la inminencia de la muerte, enfatizada por la voz protagonista de Clare Torry, Alan Parsons había trabajado con ella previamente y la llamó para sesionar. Cuando se disponían a grabar la voz, los Floyd dieron como únicas instrucciones a Torry: "Piensa en la muerte o en algo horrible y canta" La cantante, tras acabar, salió avergonzada y pidiendo disculpas; lo que sorprendió a los miembros de la banda, a quienes encantó su improvisación.Luego de tres tomas, se realizó la mezcla y quedó lista la edición. Pink Floyd unánimemente acordó en la inclusión de las tomas.Las voces que se escuchan durante el tema son de Gerry Driscoll, portero de Abbey Road, quien recita:"And I am not frightened of dying, any time will do I don't mind. Why should I be frightened of dying, there's no reason for it you've got to go some time"Traducida al español:"Y no tengo miedo de morir, en cualquier momento lo haré, no me importa. ¿Por qué debería tener miedo de morir?, no hay razón para ello, tienes que irte en algún momento."y de Myfawny Watts, quien dice:"I never said I was frightened of dying""Nunca dije que tuviese miedo de morir."The Great Gig in the Sky, es una canción que tiene una relevancia especial en el fenómeno conocido como The Dark Side of the Rainbow (El Lado Oscuro del Arco Iris). Cuando el álbum es escuchado como música de fondo de la película El Mago de Oz, numerosas imágenes de la cinta parecen coincidir con la música y las letras. Los miembros de Pink Floyd han afirmado que el fenómeno no fue premeditado, es sólo una coincidencia.El comienzo de la canción The Great Gig in the Sky marca el comienzo de la escena en la cual un tornado que se lleva la casa a la tierra de Oz, el vuelo o "baile" de la casa, "en el cielo" se da durante la duración de la canción. En la pantalla se puede ver a la casa girando y girando entre las nubes. Cuando el tornado cede en su fuerza, es cuando la canción cesa en intensidad y tensión.Curiosamente, la película pasa de Blanco y Negro a Color, cuando Dorothy llega a la tierra de Oz. Esto coincide con el fin de la canción y también del primer lado del LP. Al comenzar el segundo lado del disco, se escuchan las monedas de la canción Money (Dinero), mientras en la pantalla se ven las primeras imágenes a color de la película, y también de la tierra de Oz. El dinero es normalmente asociado con el concepto de mejor calidad de vida y contiene un atractivo que, en la película, se enfatiza perfectamente con el contraste de "blanco y negro/color".En un nivel más caprichoso, se puede interpretar que la "muerte" de la que se habla en la canción, puede ser reflejada en el hecho de que Dorothy, deja su vida normal para pasar a una vida onírica y de fantasía, luego de una catástrofe, como la que significa un tornado.link: http://www.youtube.com/watch?v=UqCEPytSFqU&feature=relatedMoneyMoney ha sido compuesta en 7/4, mientras la mayoría de las canciones están compuestas en 4/4 y la mayoría de las excepciones son en 3/4. Durante el solo de guitarra la canción cambia a 4/4, luego vuelve a 7/4 y termina en 4/4 nuevamente. Esto se hizo por que David Gilmour pensó que sería muy complicado escribir el solo en 7/4. Estos cambios de tiempo le dan a la canción un dinamismo muy atractivo. La progresión de acordes está dada en un twelve bar blues, en Si menor. Dos versos en twelve bar son seguidos es de una sección instrumental en twelve bar conjuntamente con un saxofón tenor estilo funk, teclados, bajo y batería.Roger Waters había hecho una versión demo en su casa, que él mismo describía como "correcta y muy inglesa", en The Making Of The Dark Side Of The Moon, muy distinta a la blusera y editada. Aunque está acreditada a Roger Waters, ya que escribió la composición y las letras, es realmente una pieza de grupo: los cambios de tiempo que logró David Gilmour, Dick Parry con su solo de saxofón y Richard Wright y Nick Mason improvisando sus partes. Dick Parry es amigo de David Gilmour, compañero de su anterior banda Jokers Wild.La apertura fue ensamblada en 7/4 y fue armada luego de grabar cada sonido por separado, una hoja de papel rompiéndose, la apertura de una caja registradora y una bolsa de monedas cayendo. Se grabó cada sonido en una cinta distinta y se fueron superponiendo unos con otros, y grabándose hasta lograr completar el collage. La canción trata del dinero y sus propiedades para corromper los ideales de las personas, la letra tiene un tono irónico que se mantiene en toda la canción, refleja la visión socialista sobre el dinero que tiene Roger Waters."Money" continúa siendo una de las dos únicas canciones (junto con All You Need Is Love, de The Beatles, que logró el puesto nº 1) que fueron escritas en tiempo 7/4, y que lograron llegar al top 20 en los Estados Unidos. "Money" llegó al puesto nº 13.Money fue regrabada en 1981 para el álbum recopilatorio A Collection of Great Dance Songs, porque Capitol se negó a cederle los derechos a Columbia Records en Estados Unidos. David Gilmour se encargó de tocar cada uno de los instrumentos, salvo el saxofón para el cual llamó a Dick Parry, y la canción se grabó en New Roydonia Studios.link: http://www.youtube.com/watch?v=102aurGSnGk&feature=relatedUs and ThemFue originalmente escrita para la banda sonora de la película Zabriskie Point, pero el director Michelangelo Antonioni la rechazó porque casi no se parecía a canciones del estilo de "Careful with that Axe, Eugene". Fue incluida en la obra maestra The Dark Side of the Moon y en el recopilatorio Echoes: The Best of Pink Floyd, aunque con un final diferente, puesto que en su edición original la canción empalmaba con la siguiente en el disco ("Any Colour You Like". No obstante, en Echoes esta canción aparece con un final al piano que introduce al oyente en "Learning to Fly", la siguiente en la lista de canciones del recopilatorio.La canción está notablemente compuesta por Richard Wright y Roger Waters, en la música y letras respectivamente. Es una canción lenta y tranquila, siendo los coros mas dinámicos y fuertes que los versos. Posee dos solos de saxofón. Richard Wright empieza la canción con su teclado Hammond y luego ingresa el piano (la parte de piano fue compuesta originalmente para la película Zabriskie Point hace unos años atrás, bajo el nombre de "The Violent Sequence"La canción posee una potente progresión de acordes influeciada por el jazz: Dsus2, D6(add9), D minor major 7,(Faug/D) y G (con D en el bajo). Este patrón de acordes es sumamente raro en el rock de la época.link: http://www.youtube.com/watch?v=0pbso85eeNo&feature=relatedAny Colour You Likelink: http://www.youtube.com/watch?v=NbKAh3zJmH8Brain DamageFue compuesta por Roger Waters durante la gira del álbum Meddle, tiempo en el que escribió también Money. Por aquel entonces, la canción se llamaría The Dark Side Of The Moon y eventualmente el título se utilizaría para el álbum en sí. El nombre Brain Damage lo dio Roger Waters dedicado a Syd Barrett cuando se volvió loco a causa del excesivo consumo de drogas.En un principio la canción iba a ser cantada por David Gilmour, como casi todas las canciones restantes, pero al final fue cantada por Waters y Gilmour hizo los coros. De este modo, Brain Damage y Eclipse son las únicas canciones cantadas por Waters. Las risas que se oyen durante el final son las de Peter Watts, a quien se le puede oír diciendo algunas frases entre las canciones del disco.La canción consta de 3:50 minutos, siendo una de las canciones más cortas del álbum y al final se mezcla con Eclipse, de manera que parecen una sola canción.También fue una de las canciones pensadas en ser incluidas en el recopilatorio Echoes: The Best of Pink Floyd, pero fue descartada. En el álbum en vivo P.U.L.S.E, de 1994, fue cantada por David Gilmour, debido a la ausencia de Waters.link: http://www.youtube.com/watch?v=PwNYqHRHUOQ&feature=relatedEclipseEclipse es una canción compuesta por Roger Waters, miembro de Pink Floyd, que originalmente tuvo su primera aparición oficial en el álbum de 1973 The Dark Side of The Moon. Es el último tema de la lista de canciones del disco, el noveno, famoso por su frase de cierre: "There's no dark side of the moon, matter of fact it's all dark" (Traducido al español: "No hay lado oscuro en la Luna, en realidad toda la Luna es oscura", mientras se escuchan latidos de corazón con un volumen bajo. Eclipse (A piece for assorted lunatics) sería el título del actual álbum "The Dark Side of The Moon", ya que un grupo de rock folk, llamado Medicine Head, había lanzado un álbum con el mismo título, "Dark Side Of The Moon", pero al ver la poca, casi nula popularidad de ese álbum, decidieron seguir adelante con sus planes.link: http://www.youtube.com/watch?v=IlHRSpFGtQk&feature=relatedLetrasSpeak to Me (Mason) 1:16 "I've been mad for fucking years, absolutely years, been over the edge for yonks, been working me buns off for bands..." "I've always been mad, I know I've been mad, like the most of us...very hard to explain why you're mad, even if you're not mad..." (Instrumental)Breathe (Waters, Gilmour, Wright) 2:44 Breathe, breathe in the air. Don't be afraid to care. Leave but don't leave me. Look around and choose your own ground. Long you live and high you fly And smiles you'll give and tears you'll cry And all you touch and all you see Is all your life will ever be. Run, rabbit run. Dig that hole, forget the sun, And when at last the work is done Don't sit down it's time to dig another one. For long you live and high you fly But only if you ride the tide And balanced on the biggest wave You race towards an early grave. On The Run (Gilmour, Waters) 3:32 [female announcer, announcing flights at airport, including 'Rome'] "Live for today, gone tomorrow, that's me, HaHaHaaaaaa!" (Instrumental)Time (Mason, Waters, Wright, Gilmour) 7:06Ticking away the moments that make up a dull day You fritter and waste the hours in an offhand way. Kicking around on a piece of ground in your home town Waiting for someone or something to show you the way. Tired of lying in the sunshine staying home to watch the rain. You are young and life is long and there is time to kill today. And then one day you find ten years have got behind you. No one told you when to run, you missed the starting gun. So you run and you run to catch up with the sun but it's sinking Racing around to come up behind you again. The sun is the same in a relative way but you're older, Shorter of breath and one day closer to death. Every year is getting shorter never seem to find the time. Plans that either come to naught or half a page of scribbled lines Hanging on in quiet desperation is the English way The time is gone, the song is over, Thought I'd something more to say. Breathe (reprise) Home, home again. I like to be here when I can. When I come home cold and tired It's good to warm my bones beside the fire. Far away across the field The tolling of the iron bell Calls the faithful to their knees To hear the softly spoken magic spells. The Great Gig in the Sky (Wright) 4:44 "And I am not frightened of dying, any time will do, I don't mind. Why should I be frightened of dying? There's no reason for it, you've gotta go sometime." "If you can hear this whispering you are dying." "I never said I was frightened of dying." (Instrumental) Money (Waters) 6:32 Money, get away.Get a good job with good pay and you're okay.Money, it's a gas.Grab that cash with both hands and make a stash.New car, caviar, four star daydream,Think I'll buy me a football team.Money, get back.I'm all right Jack keep your hands off of my stack.Money, it's a hit.Don't give me that do goody good bullshit.I'm in the high-fidelity first class traveling set And I think I need a Lear jet.Money, it's a crime.Share it fairly but don't take a slice of my pie.Money, so they sayIs the root of all evil today.But if you ask for a raise it's no surprise that they're giving none away."HuHuh! I was in the right!""Yes, absolutely in the right!""I certainly was in the right!""You was definitely in the right. That geezer was cruising for abruising!""Yeah!""Why does anyone do anything?""I don't know, I was really drunk at the time!""I was just telling him, he couldn't get into number 2. He was askingwhy he wasn't coming up on freely, after I was yelling andscreaming and telling him why he wasn't coming up on freely.It came as a heavy blow, but we sorted the matter out"Us and Them (Waters, Wright) 7:40Us, and them And after all we're only ordinary men. Me, and you. God only knows it's noz what we would choose to do. Forward he cried from the rear and the front rank died. And the general sat and the lines on the map moved from side to side. Black and blue And who knows which is which and who is who. Up and down. But in the end it's only round and round. Haven't you heard it's a battle of words The poster bearer cried. Listen son, said the man with the gun There's room for you inside. "I mean, they're not gunna kill ya, so if you give 'em a quick short, sharp, shock, they won't do it again. Dig it? I mean he get off lightly, 'cos I would've given him a thrashing - I only hit him once! It was only a difference of opinion, but really...I mean good manners don't cost nothing do they, eh?" Down and out It can't be helped but there's a lot of it about. With, without. And who'll deny it's what the fighting's all about? Out of the way, it's a busy day I've got things on my mind. For the want of the price of tea and a slice The old man died.Any Colour You Like (Gilmour, Mason, Wright) 3:25 (Instrumental) Brain Damage (Waters) 3:50 The lunatic is on the grass. The lunatic is on the grass. Remembering games and daisy chains and laughs. Got to keep the loonies on the path. The lunatic is in the hall. The lunatics are in my hall. The paper holds their folded faces to the floor And every day the paper boy brings more. And if the dam breaks open many years too soon And if there is no room upon the hill And if your head explodes with dark forebodings too I'll see you on the dark side of the moon. The lunatic is in my head. The lunatic is in my head You raise the blade, you make the change You re-arrange me 'til I'm sane. You lock the door And throw away the key There's someone in my head but it's not me. And if the cloud bursts, thunder in your ear You shout and no one seems to hear. And if the band you're in starts playing different tunes I'll see you on the dark side of the moon. "I can't think of anything to say except... I think it's marvelous! HaHaHa!" Eclipse (Waters) 2:04 All that you touch All that you see All that you taste All you feel. All that you love All that you hate All you distrust All you save. All that you give All that you deal All that you buy, beg, borrow or steal. All you create All you destroy All that you do All that you say. All that you eat And everyone you meet All that you slight And everyone you fight. All that is now All that is gone All that's to come and everything under the sun is in tune but the sun is eclipsed by the moon. "There is no dark side of the moon really. Matter of fact it's all dark." Lo querés descargar?http://www.*upload.com/file/360825060/Pink_Floyd_-_Dark_Side_Of_The_Moon.rar(reemplazar el * por una "w"El link no es mío pero anda Bueno esto es todo amigos floydeanos espero que lo hayan disfrutado, no olviden comentar.

Buenas tardes gente! Esta vez hago un post de un dibujo que terminé hace rato, pero nunca subí en un post. Es, desde mi punto de vista, uno de mis mejores dibujos. Va dedicado a @Humblepie, a él lo dibujé. link: http://www.youtube.com/watch?v=CBFP_Sw5R4clink: http://www.youtube.com/watch?v=aNzksrKtleceste es un dibujo anterior:y este es el que estoy haciendo ahora n.nBueno, espero que les haya gustado. Saludos (:

Buenas, hago este post para compartir con ustedes un dibujo que acabo de terminar. Si no sabés quién fue Allen Collins: http://www.taringa.net/posts/musica/12322164/Allen-Collins-_Biografia_Here_-There-Eamp_-Back-Mediafire_.htmllink: http://www.youtube.com/watch?v=CkTQUtx818wFoto en la que me basé:Mi Dibujo paso a paso:(al principio no le saqué fotos, porque, sinceramente, no me estaba gustando como me salía)Esto es todo, espero que les haya gustado (:

link: http://www.youtube.com/watch?v=mYWxE-ShdXcLed Zeppelin fue formado en octubre de 1968 por el guitarrista Jimmy Page (1944) debido a la disolución de The Yardbirds, su grupo hasta entonces. John Paul Jones (1946), un respetado arreglista y músico de estudio reemplazó al bajista Chris Dreja que se quería dedicar a la fotografía, y Terry Reid declinó la oferta de vocalista en favor de un desconocido Robert Plant (1948), que a su vez recomendó a John Bonham (1948—1980) cuando el batería B. J. Wilson también declinó la oferta y se quedó con Procol Harum. El cuarteto conectó inmediatamente y después de completar un pequeño tour de actuaciones pendientes del anterior grupo bajo el nombre de New Yardbirds, cambiaron su nombre a Led Zeppelin, siguiendo una broma de uno de los The Who, Keith Moon, que viendo sus posibilidades dijo que probablemente «se estrellarían como un zepelín de plomo» (lead zeppelin). Su mánager era Peter Grant (1935—1995), el peso pesado de todos los grupos de rock ingleses. Armado con un prestigioso y nunca visto contrato con Atlantic Records, que no permitía a la compañía discográfica ninguna injerencia en el material musical, ni sobre carátulas, ni promoción, ni conciertos, el grupo se embarcó en un tour por EE.UU. de teloneros de Vanilla Fudge, antes de su explosivo debut con «Led Zeppelin» (1969), que incluía canciones excepcionales como «Good Times, Bad Times», «Communication Breakdown», «Dazed And Confused», «How Many More Times» y «You Shook Me».Una combinación de talentos incomparables, que además contaban con la meticulosa producción de Page, y la expresiva voz de Plant, una combinación que sería aún mayor en «Led Zeppelin II». El grupo ya contaba como uno de los grandes, con multitudinarios conciertos abarrotados a través de todo EEUU, cuando la publicación de «Led Zeppelin II» (1969) los propulsó aún más hacia arriba. «Whola Lotta Love» es ya un clásico, y canciones como «Thank You» o «What Is And What Should Never Be» enseñaban la versatilidad del grupo y allanaban el camino para «Led Zeppelin III» (1970), grabado en una decrepita granja en Snowdonia (Gales) llamada Bron-Yr-Aur, inmortalizada así en dos canciones del cuarteto. «That's The Way» y «Tangerine» representan ese espíritu pastoral y acústico del momento. «Immigrant Song» y «Gallows Pole» sin embargo se encargan de recordarnos la fuerza indomable del grupo.Led Zeppelin en ese momento estaban en la cima del mundo de la música, como uno de los grupos más atrayentes del panorama. En los conciertos la sexualidad y sensualidad de Plant, y el carácter ambiguo y oscuro de Page, combinaban perfectamente y los hacía dueños del escenario. Sin embargo la fuerza siempre creciente del grupo se dejó ver en su cuarto álbum, publicado en 1971, sin título oficial, aunque generalmente conocido como «Led Zeppelin IV», «Four Symbols», «ZoSo», «Runes Album», etc., en referencia a que los músicos incluyeron símbolos misteriosos que representaban a cada uno de ellos. Este álbum incluye la famosísima «Stairway To Heaven», conocida simplemente como la canción definitiva del rock. El gran eco de «Stairway To Heaven» hizo que las demás canciones se relegasen a un segundo plano, lo cual no es nada justo, porque ese álbum contiene otras grandes canciones como «When The Levee Breaks» donde Bonham demuestra todo su poder. «Going To California», una agridulce balada acústica. «Black Dog», «Rock And Roll» o «The Battle Of Evermore» también representan la grandeza, imaginación y poder del grupo. Este disco vendió sólo en EE.UU. 16 millones copias.Después vendría en 1973 «Houses of the Holy», otro de los considerados como mejores álbumes de la banda, con influencias muy variadas, fue acompañado por un tour en EE.UU. que volvió a batir records de taquilla, y que les permitió lanzar su propio sello discográfico «Swan Song» y grabar una película sobre un concierto y algunas paranoias propias de los componentes, que no saldría hasta 1976 con el título «The Song Remains The Same». En 1975 bajo su sello, sale «Physical Graffiti», un doble álbum, donde el cuarteto se suelta completamente y toca todos los gustos musicales de sus componentes. Desde su ya clásico rock, con «Custard Pie» o «Sick Again», pasando por la hipnótica y mística «Kashmir», siguiendo por las irrefrenables «Trampled Under Foot» y «Houses of the Holy» y terminando con extensas piezas de blues progresivo como «In My Time Of Dying». El álbum se estreno mientras estaban de gira en EE.UU., que además fue un éxito total, pero la gira mundial fue aplazada indefinidamente en agosto de 1975 por causa de un gravísimo accidente automovilístico de Plant en Grecia. Durante la convalecencia de Plant, que pasó en silla de ruedas, se grabó un nuevo álbum, pero por problemas con la portada y el diseño, se aplazó su publicación. Los pedidos antes de la publicación que llegaron de EE.UU. le aseguraron varios discos de platino. «Presence» saldría a la luz finalmente en 1976, con la grandiosa «Achilles Last Stand» abriendo el álbum y con el blues triste de «Tea For One» cerrando.En 1977 el grupo estaba embarcado de nuevo en un titánico tour por EE.UU., cuando llegaron malas noticias de Inglaterra, el hijo de Plant, Karac de tan sólo 6 años, había muerto de una súbita infección vírica. Todo el resto de la gira fue cancelado, y la sombra de la separación apareció sobre el grupo. Permanecieron inactivos durante más de un año, y solo a finales de 1978 se decidieron a ir a Estocolmo, al Polar, estudio de grabación perteneciente a ABBA, que los había invitado. Allí grabaron «In Through the Out Door», su último trabajo en estudio, y donde se reveló la gran influencia de John Paul Jones. Los dos conciertos en Inglaterra en el «Knebworth Festival», muestran que aún son los amos, y el público responde entusiasmado. Hacen una gira por Europa, con un balance muy positivo, y entonces empiezan a planear el tour por EE.UU. Pero el 25 de septiembre de 1980, John Bonham es encontrado muerto. Y el 4 de diciembre de ese mismo año, Swan Song anuncia la disolución del grupo y la publicación más adelante de un disco con material inédito del grupo, que sería «Coda», publicado en 1982.Jones es ahora un reconocido productor, y ha sacado un par de excelentes álbumes en solitario, más para su diversión que pensando en éxitos comerciales. Por otro lado Plant se embarcó en una exitosa carrera en solitario, siempre aclimatándose a los nuevos tiempos musicales, y haciendo muy diversos —y efímeros— grupos, aunque últimamente ha vuelto con fuerza al mejor rock. Por su parte Page ha hecho prácticamente de todo desde Led Zeppelin, incluyendo una banda sonora para «Death Wish II» (una película bastante mala), un buen álbum en solitario llamado «Outrider», una muy desafortunada versión de «Kashmir» con un rapero, varios grupos que no llegaron a mucho, un escarceo en 1984 con Plant en la banda Honeydrippers y finalmente en 1994 Plant accede a reunirse con Page para hacer un «Unplugged», que irónicamente llaman «Unledded», inexplicablemente John Paul Jones es apartado del proyecto. El álbum es bastante bueno y al final ofrece una excelente versión de «Kashmir». Page y Plant deciden seguir juntos y graban un álbum con canciones nuevas en 1998, un indudable acierto comercial. Plant sin embargo no acaba de acostumbrarse y decide formar otra banda, y así Page se unió a los Black Crowes para una gira con temas de Led Zeppelin, que se saldó con un álbum en directo bastante bueno en el 2000.Led Zeppelin está acertadamente reconocida como la banda con más influencia en el mundo del rock, su catálogo sigue vendiéndose sin parar (periódicamente el grupo sigue recibiendo discos de diamante) y siguen inspirando a todas las generaciones de músicos.link: http://www.youtube.com/watch?v=WbrjRKB586sFrases«Creo que puedo cantar y esquilar unas cuantas ovejas al mismo tiempo.»«Salvador Dalí no pintaba porque necesitase el dinero. Ninguna conversación sobre materialismo y música tiene sentido. Haces música y ya está, no importa el porqué.»— Robert Plant«No tengo ni idea de cómo vamos a sonar en el futuro, y la verdad, no tengo ningún interés en saberlo.»«No a todo el mundo le gusta o entiende un sólo de batería, así que me gusta añadir efectos y sonidos para mantener su interés.»— John Bonham«La prensa nos odiaba durante nuestros primeros años porque no les hacíamos el menor caso y no podían con nosotros, y ese también era el caso con Led Zeppelin.»— Freddie Mercury«Cuando tocamos en Los Ángeles era el cumpleaños de Bonzo. Keith Moon estaba allí y los dos se querían mucho. Dejó que Keith subiera a escena y tocara durante su sólo, algo que no habría permitido a ningún otro batería. Había un gran respeto entre ambos.» — Jimmy Page«No puedes abandonar algo en lo que realmente crees por razones financieras. Si mueres en la miseria, que así sea. Pero al menos sabrás que lo has intentado. Diez minutos en la escena musical son el equivalente a cien años fuera de ella.»— Robert Plant«La habitación era muy pequeña. Sólo tocamos una canción “Train Kept a-Rolling” y de inmediato todo estaba allí. Una sensación indescriptible.»«Sabemos a dónde estamos yendo como grupo. Somos cuatro individuos que han encontrado su común denominador en la música.»— Jimmy Page«Todos teníamos ideas, y utilizábamos cualquier cosa que se presentase, daba igual que fuera folk, country, blues, indio o árabe.»— John Paul Jones«Led Zeppelin era el tipo de banda con la que todo el mundo sueña. Para mí fue un honor inmenso ser parte de ello.»— Jimmy Page«Recuerdo en los primeros días cuando tocábamos seis noches a la semana durante un mes y yo hacía mi sólo largo de batería cada noche. Mis manos estaban cubiertas de ampollas.»— John Bonham«Pagey toca desde algún otro lugar. Me gusta pensar en ello como... una pequeña porción de cielo.»— Robert Plant«Me prohibieron tocar en todos los clubs de Birmingham. Estaba tan ansioso por tocar que lo hacía a cambio de nada. Pero tocaba de la manera que yo quería.»— John Bonham«Lo que realmente sucedía era que eramos unos músicos maduros. Teníamos unas raíces profundas que abarcaban culturas diferentes, una de ellas obviamente el blues.»«Existía un vacío y nosotros llegamos para llenarlo. Primero por aquí, luego por allá... Era como un tornado que fue barriendo todo el país.»— Jimmy Page«Bonzo tenía un gusto muy amplio. Cuando no estábamos oyendo a James Brown o a Otis Redding, podía estar escuchando a Joni Mitchell o a Crosby, Stills, Nash & Young. A Bonzo le encantaban las canciones.»— John Paul Jones«Soy un reflejo de lo que canto. A veces tengo que ponerme serio porque las cosas por las que he pasado son serias.»— Robert Plant«Algunas veces cuando cometía torpezas los chicos me miraban con miedo en los ojos. Pero era algo bueno. Quería decir que había intentado algo que nunca había hecho antes.»— John Bonham«“Stairway to Heaven” es una pequeña canción agradable, acogedora, ingenua y muy inglesa. No es la canción definitiva de Led Zeppelin, esa es “Kashmir”.»«¿Cómo puede considerarse el “flower power” desfasado? La esencia de mis letras es el deseo por la paz y la armonía. Eso es lo que todo el mundo siempre ha querido. ¿Cómo puede estar desfasado?»— Robert Plant«Recuerdo a Bonzo, Plant, Page y Jones en la hierba escuchando las mezclas de “D'Yer Mak'er” y de “Dancing Days” y a todos ellos caminando sincronizados como Groucho Marx, hacia delante y hacia atrás, siguiendo el ritmo de la música como si fueran niños.» — Eddie Kramer«John siempre sentía que era insignificante, pero si le quitas de cualquiera de nuestras canciones, éstas pierden su sensualidad, su potencia y su poder. Tenía un corazón de oro pero nunca tuvo idea de lo importante que era.»«Me encontré a mí mismo en la esquina de una calle, sopesando doce años de mi vida con un nudo en la garganta y lágrimas en los ojos, y no sabiendo hacia dónde ir.»— Robert Plant«La gente siempre me dice “he crecido escuchando a Led Zeppelin, es la banda sonora de mi vida”. Bien, yo también crecí con Led Zeppelin y aún son mi banda preferida.«“In Through the Out Door” no fue un álbum nada fácil. Pienso que era un disco de transición... un trampolín hacia lo que podría haber sido.»— Jimmy Page«Con Zeppelin trato de tocar algo diferente todas las noches en mis solos. Suelo tocar durante 20 minutos pero el más largo fue de 30 minutos. Parece largo, pero cuando estoy tocando el tiempo vuela.»— John Bonham«Admito que algunas veces me gustaría tener un segundo guitarrista en escena conmigo, pero no estaría bien. Me gustaría tocar durante otros 20 años, pero no sé... no creo que pase. No sé porqué. Es un presentimiento... una sensación curiosa... buitres.» (1974)«Tan pronto como murió le pusieron en Playboy como uno de los mejores baterías, y no hay duda de que lo era. No ha habido nadie como él desde entonces. Era uno de los mejores baterías que jamás ha existido.»«Sabemos a dónde estamos yendo como grupo. Somos cuatro individuos que han encontrado su común denominador en la música.»— Jimmy Page«Aun cuando peor estábamos, éramos superiores a la mayoría. Y en nuestros mejores momentos podríamos haber fregado el suelo con casi todos.»— John Paul Joneslink: http://www.youtube.com/watch?v=luDgb5vVHuACuriosidadesBron-Yr-AurCabaña otrora abandonada en el sur de Snowdonia (Gales) que fue propiedad de Robert Plant y en la cual se compuso la mayor parte de «Led Zeppelin III». Como pequeño homenaje a este lugar en el disco se puede leer esta nota:«Credit must be given to BRON-Y-AUR a small derelict cottage in South Snowdonia for painting a somewhat forgotten picture of true completeness which acted as an incentive to some of these musical statements.»— Agosto, 1970Esta misma nota aparece de nuevo en el álbum «No Quarter: Unledded» de Jimmy Page y Robert Plant en 1994.La diferencia en la ortografía se atribuye a un error de transcripción en el que se habrían saltado la “R”, dando como resultado que apareciese como «Bron-Y-Aur» en vez de como «Bron-Yr-Aur».En galés «Bron-Yr-Aur» quiere decir literalmente «pecho de oro», aunque interpretando correctamente su significado, vendría a significar algo así como «ladera de oro», refiriéndose a que la casa en cuestión está asentada en la ladera de una colina. Colina que por cierto está cerca de la granja de Plant, en la misma zona donde se le puede ver en la película «The Song Remains the Same».Dos canciones del grupo están dedicadas a este curioso lugar, «Bron-Y-Aur Stomp» que podemos encontrar en «Led Zeppelin III», una marchosa canción folk y «Bron-Yr-Aur» en «Physical Graffiti», una suave balada acústica compuesta por Page.Headley GrangeMansión situada en Hampshire (y en aquella época en ruinas), cerca de la granja que perteneció a John Bonham. En ella se compusieron y grabaron gran parte de las canciones del cuarto álbum sin título, «Houses of the Holy» y «Physical Graffiti». También era utilizada para los ensayos de la banda antes de las giras.«Ensayábamos a menudo en Headley Grange, y estábamos acostumbrados al lugar. Era territorio familiar. Incluso vivíamos allí durante los ensayos. Pienso que fueron Fleetwood Mac quienes nos sugirieron el sitio por primera vez, habían ensayado allí durante un tiempo y decidimos ir con un camión de grabación. Ese fue el principio del periodo “Headley”.»— Jimmy PageEn uno de sus salones se compuso la archifamosa «Stairway to Heaven», y bajo la escalera de piedra que conduce al primer piso se grabó la poderosa batería de «When the Levee Breaks».«Había un vestíbulo abierto, con una escalera que subía hacia el primer piso, y en ese lugar fue donde conseguimos ese sonido de la batería. Era un sitio bastante austero pero me encantaba la atmósfera.»— Jimmy PageSímbolos del Cuarto ÁlbumJimmy Page en un esfuerzo por dar la mayor importancia a la música sobre otros temas que él consideraba secundarios, había optado por dar títulos poco significativos a los 3 anteriores trabajos, y había dejado de lado el tema de las portadas igualmente. Hay que decir que los anteriores discos fueron hechos en la mayor de las urgencias, entre concierto y concierto, y con la compañía discográfica metiendo toda clase de prisas. Esta vez, quiso llevar hasta el límite su particular filosofía, y decidió que el nuevo álbum que se estaba grabando no llevaría título, ni siquiera el nombre de la banda, ni el número de serie, ni el logotipo de Atlantic.«En cada una de las portadas anteriores, lo que habíamos pedido no fue lo que conseguimos. Queríamos una portada sin ningún tipo de inscripción y nada de logotipos de Atlantic por ninguna parte.»— Robert PlantEvidentemente, Atlantic se negó en redondo y les dijo que sería un «suicidio comercial», pero la banda también se plantó, lo cual originó un retraso de meses a la salida del LP. Led Zeppelin simplemente se negó a enviar los masters a Atlantic si no cedían posiciones, y finalmente sería Peter Grant el que tras meses de negociación se cansó, fue a Nueva York, se reunió con los jefes de Atlantic y con el contrato debajo del brazo les dijo que si no hacían lo que quería Led Zeppelin les demandarían. Jimmy Page se salió con la suya. La portada del cuarto álbum fue la primera en la que realmente se hizo todo como ellos querían.Page en su afán por restar importancia a todo lo que no fuese la música, decidió sustituir los propios nombres de los componentes del grupo por símbolos.«Jimmy tuvo la idea de dejar el disco sin título, de utilizar sólo cuatro símbolos. Me enseñó un libro que tenía, The Book of Signs de Rudolph Koch, y me dijo que todos debíamos elegir un símbolo del libro que nos representase. Bonzo y yo así lo hicimos, y no fue hasta bastante más tarde que descubrimos que Jimmy y Robert habían hecho diseñar por su cuenta sus propios símbolos. Realmente típico.»— John Paul JonesComo bien dice Jones, él y Bonham utilizaron el libro de Koch, lo cual deja sin mucho misterio sus símbolos, aunque como siempre que se tocan los temas subjetivos, hay opiniones para todos los gustos, y nunca faltará quien les vea a los dibujos profundos significados arcanos.El símbolo de BonzoComo ya decía, si Bonzo escogió directamente del libro de Koch su símbolo, no tenemos porqué dudar de su interpretación.«Es un símbolo temprano de la Trinidad. Cada círculo tiene su propio centro, por lo cual están completos en sí mismos; al mismo tiempo cada uno tiene una gran porción en común con los demás círculos, aunque solo la parte central esta cubierta por los tres círculos. En esa porción hay un nuevo centro que es el corazón verdadero de la figura»— The Book of Signs, Rudolph KochLa Trinidad precristiana es Padre, Madre e Hijo, y la cristiana como sabemos es Padre, Hijo y Espíritu Santo. Desde luego no podemos saber si este fue el motivo de su elección, y Page ha dicho que lo escogió simplemente porque le gustaba el dibujo, independientemente de lo que representase, aunque siempre se ha comentado que a Bonham le llamó la atención que el símbolo representase también el logotipo invertido de su marca de cerveza favorita en los Estados Unidos, la Ballantine. Otros apuntan a que realmente escogió el símbolo como representación de su familia, siendo un tipo muy hogareño y familiar que siempre echaba de menos a los suyos cuando estaba de gira. Existen también quienes dicen que fue escogido porque representaba una batería.En la segunda imagen se puede ver el logotipo de la cerveza en los 70. Si se rebusca más, se puede encontrar el símbolo en algunos juegos de cartas del tarot, siempre representando alguna trinidad esotérica de difícil interpretación. En cuanto a la carta del tarot que se ve en la tercera imagen, el símbolo de Bonham representa la trinidad Osiris, Isis y Horus (muerte, mujer y luz).El símbolo de John Paul JonesLa interpretación del símbolo de Jones en el libro es la siguiente:«Este signo se usa para exorcizar los espíritus malignos. En el caso de este signo así como en el del pentagrama y octograma, es interesante notar que requieren una cierta destreza, y que una persona torpe sería incapaz de dibujarlos.»— The Book of Signs, Rudolph KochComo siempre, muchos de los que dicen que Page, Plant y Bonham firmaron un pacto con Satanás, argumentan que Jones se salvó gracias a la utilización de este símbolo, que le protegió de todo mal. Siempre se ha dicho que este símbolo, como apunta vagamente Koch, representa a una persona diestra y competente.El símbolo de Robert PlantEl siempre contradictorio Plant ofrece dos versiones de su diseño. Una de sus explicaciones de la pluma es que significa valentía.«La pluma es un símbolo en el que se han basado todo tipo de filosofías, y tiene una herencia interesante. Por ejemplo, significa valentía en muchas tribus. Quiero contar la verdad. Sin tonterías. Eso es es lo que significa la pluma en el círculo.»— Robert PlantLa otra explicación es que es el símbolo de una antigua (y supuesta) civilización desaparecida.«La civilización Mu vivió hace unos 15.000 años en un continente perdido que existió en alguna parte del océano Pacífico entre China y México. Toda clase de cosas están ligadas a Mu, includas las efigies de la isla de Pascua. La gente de Mu dejó tablillas de piedra con sus símbolos en México, Egipto, India, China y muchos otros sitios, y todas datan de la misma época. Los chinos decían que esa gente venía del este, y los mexicanos decían que venían del oeste, así que obviamente eran de algún lugar en el medio.»— Robert PlantLas muchas teorías sobre continentes y civilizaciones perdidas existen desde siempre, y forman parte de la mitología de muchas religiones. Mu no es mas que otra reencarnación de la Atlántida, Lemuria, o de Ultima Thule, mitos inalcanzables y remotos sobre sueños de humanidad utópica. Robert Plant posiblemente se basara en un libro de un tal James Churchward, que en los años 30 afirmaba conocer a fondo la civilización Mu, incluidos sus 63 millones de habitantes. Su libro está considerado como una fantasía mayormente, aunque siempre hubo quien creyó ciegamente en lo que contaba. En el segundo dibujo vemos uno de los mapas que hizo Churchward situando el continente Mu.Existe también la creencia de que el símbolo de la pluma es el de la diosa egipcia Ma'at, protectora de la justicia y la verdad, que como se ve en la tercera imagen se representa con una pluma sobre la cabeza, o simplemente con una pluma, al igual que el símbolo de Plant.Y como no, hay gente que dice que la pluma le representa como escritor, dado que por aquella época se hacía cargo de la mayoría de las letras de Led Zeppelin.El símbolo de Jimmy PageSin duda, éste símbolo es el que más interpretaciones ha merecido a lo largo de los años y si hay que dar una razón no es por nada especial en sí mismo, sino simplemente porque es el símbolo de Jimmy Page. Jimmy Page el satanista que hablaba todas las noches con Belzebú, que vendió su alma al Diablo, que celebraba místicos aquelarres, y que por supuesto no podía tener un símbolo normal, sino que debería representar al mismísimo Maligno saliendo de la boca del Infierno para comernos a todos. Eso sería lo que pensarían muchos, que aún hoy siguen dándole vueltas al símbolo de marras. ¿El símbolo es misterioso? Pues claro, Page es un declarado ocultista (que no satanista) y el ocultismo y esoterismo se caracterizan por el uso de símbolos misteriosos. ¿Tiene significado? Seguramente, y el que mejor lo sabe será Page y sólo Page (y Plant si se acordara).«Puede que no te lo creas, pero Pagey una vez me llamó en un aparte y me dijo “mira, te voy a contar esto una vez y nunca más lo volveré a mencionar, o por lo menos no en muchísimo tiempo”. Y ¿te puedes creer que lo he olvidado y ahora Pagey no me lo quiere decir? Eso es lo único que puedo aportar.»— Robert PlantPreguntarle a Jimmy Page no sirve, puesto que su enfado es instantáneo, y siempre que algún periodista ha tentado la suerte, en el mejor de los casos durante el resto de la entrevista solo obtendrá monosílabos del guitarrista, y en el peor se acaba la entrevista de forma precipitada. Sólo una vez y excepcionalmente se dignó a dar una pista, y lo que dijo fue «Thursday». Lo cual es realmente una pista escasa e insatisfactoria y que solo deja espacio para las teorías, unas más afortunadas que otras.Primera teoría (Robert Godwin)Robert Godwin es un conocido biógrafo de Led Zeppelin, y en ciertas épocas gozó de cierta confidencialidad con el grupo. Basándose en la «pista» de Page, deduce que como Thursday viene de Thor (el dios del trueno de la mitología nórdica) y que su equivalente en la mitología romana es Júpiter, la «Z» del símbolo de Page se corresponde a ambos dioses, por un lado simbolizando el martillo de Thor (Mjolnir), y por otro el relámpago de Júpiter. Ahí queda eso, aunque parece incompleto puesto que no explica el resto del dibujo.Segunda teoría (Duncan Watson)Duncan Watson, un hippie New Age un poco trasnochado, afirma en su página haber econtrado la solución al misterio. Cuenta que en un viejo grimorio llamado Ars Magica Arteficii, escrito por el hermético Girolamo Cardano, para referirse al planeta Saturno se utiliza un símbolo virtualmente idéntico al usado por Jimmy Page. Se puede ver en el dibujo número dos que el parecido es notable. Para llevar aún más allá sus afirmaciones, apunta que Saturno es el planeta que rige el signo zodiacal de capricornio, que singularmente es el signo astrológico de Jimmy Page. Explica que la «Z» sería en realidad la representación del signo de capricornio, y que lo que parece ser «o-S-o» le han dicho que significa 666 (el número de la Bestia en el Apocalípsis bíblico moderno).El mismo Watson afirma que no sabe si el símbolo esconde más significados, y da otras pistas como que el dibujo sería un diseño del propio Aleister Crowley llamado «Dragón Rojo», y que sería una especie de catalizador de energía sexual.Más adelante nos muestra otros dibujos que representan el metal mercurio y el signo zodiacal de cáncer, y que unidos a la «Z» darían como resultado el símbolo de Jimmy Page. Justifica el signo de cáncer aludiendo a que es el signo zodiacal lunar de Page.Aunque parte de una base probable, la verdad es que hay algunas incoherencias que le restan credibilidad. Por ejemplo, el símbolo de cáncer no parece ser realmente el mismo que en el diseño de Page, puesto que está al revés la parte superior. En cuanto al símbolo del mercurio, se olvida que los círculo tienen puntos muy visibles en su centro, y eso en alquimia tiene significado. Y para terminar el mercurio es el antagonista de Saturno, si nos fiamos de lo que dicen los grimorios, y por lo tanto no es muy probable que apareciese asociado a Saturno. Watson dice basarse en un libro llamado Dictionary of Occult, Hermetic and Alchemical Sigils de un tal Fred Gettings, publicado en 1982, no pretendo saber más que el autor (un iluminado con poco crédito), pero viendo las otras imágenes de Saturno en ese libro y una simple búsqueda por Internet da como resultado que ese símbolo que dice pertenecer a Saturno, es en realidad una combinación de signos, de los cuales Saturno sólo es la parte de la «Z», aparte en un Magickal Calendar de 1620 se ve una imagen que parece plantear legítimas dudas. Conclusiones La simbología anciana está demasiado desvirtuada por sucesivos abandonos, resurgimientos y reinterpretaciones a lo largo de los siglos. El resultado es que por ejemplo cualquier símbolo alquímico tiene como mínimo 2 ó 3 significados contradictorios, y la cuestión sería saber en qué significado se basó Page, lo cual es una misión imposible.Soy un escéptico consumado, y amante del método científico, así que todas estas cosas alquímicas, astrológicas, religiosas y mágicas me parecen un poco caducas para seguir dándoles vigencia en pleno siglo XXI, así y todo, voy a poner todas las pistas que he encontrado, y que cada uno saque su propia conclusión.Los símbolos alquímicos que representan al dios griego Zeus, a su equivalente romano Júpiter y a su igual nórdico Thor, también se basan en una «Z».Una de las cosas que Watson obvia es el uso de la «S» en la parte «o-S-o» del símbolo de Page, esa «S» en alquimia simboliza el plomo, estamos hablando del metal asociado a Saturno, y del que curiosamente está hecho cierto zeppelin. La «S» en la alquimia también significa algo santificado o sagrado.En cuanto a las dos «O» con un punto en el centro, de nuevo en la alquimia encontramos un significado, ese símbolo está asociado al oro, al sol y a la riqueza, y su explicación esotérica es la siguiente:«Representa la chispa creativa de conciencia divina que existe en cada individuo, enlazándole con la fuente del origen de la vida y haciéndole co-creador del mundo. Representa el deseo de vivir y la energía vital del individuo.»— Thought Signs, Carl G. LiungmanComo decía más arriba, es un tema muy subjetivo, y cada persona puede sacar un significado propio, pero en cuanto a éste símbolo el único que tiene la llave es Jimmy Page. Fuente: http://www.back70.com/bio/simbolos.htmlLogotipo de Swan SongEl logotipo de Swan Song, la compañía de discos de Led Zeppelin, está basado en la imagen de Apolo (el dios griego del sol), que «cae» con la llegada de la noche.La pintura original en la que se inspiraron para dibujar el logotipo es un cuadro creado con una técnica mixta —lápiz, óleo y carboncillo— de William Rimmer, pintado entre 1869 y 1870 llamado «Evening, Fall of Day». Pertenece a la colección del Museum of Fine Arts de Boston.En el logotipo vemos que tiene los dos brazos levantados, mientras que en la pintura solo tiene uno, se especula que se cambió para evitar problemas legales.The StarshipEste Boeing 720B, había pertenecido al cantante Bobby Sherman, y fue usado por Led Zeppelin desde 1972 hasta 1977, momento en el cual sufrió una avería en los motores.El Starship, contaba con múltiples comodidades, un bar con órgano, televisión, equipo de música, un sofá de 9 metros, dormitorio, ducha, oficina, varias mesas con asientos reversibles, etc. Además contaba con la presencia de dos azafatas, Susie, una rubia de 18 años, y Bianca, una morena de 22.Durante la gira de 1975, se dice que a Bonham le gustaba copilotar el aparato, y Grant una vez comentó que el batería había pilotado desde Nueva York a Los Ángeles. A Plant en una entrevista le preguntaron cuál era su mejor recuerdo en el Starship, y con su desparpajo habitual comentó que el sexo oral con turbulencias.Robo en el hotel DrakeEn el hotel Drake de Nueva York situado en la exclusiva Park Avenue, el 29 de julio de 1973 se perpetraba un robo, los ladrones abrían una caja de seguridad en particular. La caja contenía 203.000 dólares que pertenecían a Led Zeppelin, que acababa de terminar la gira americana y la filmación para «The Song Remains the Same» en el Madison Square Garden. Al terminar el concierto, el grupo fue informado del incidente, Page y Plant lo encontraron divertido, pero ni Bonzo ni Grant se lo tomaron bien, tanto que un malhumorado Grant atacó a un periodista y estuvo unas horas metido en un calabozo. La prensa trató injustamente al grupo, acusándolos de haber montado todo para darse publicidad.«Si decimos que nos importa, dicen que somos unos tacaños, y si decimos que no nos importa, responden que despreciamos el dinero.»— John Paul JonesA pesar de que nunca se supo nada del culpable el FBI acusó a Richard Cole (la caja de seguridad no estaba forzada y él tenía la llave), pero éste fue defendido por el grupo. Al final el hotel tuvo que pagar una cuantiosa indemnización al grupo. ¿cómo murió john bonham? El 24 de septiembre de 1980 John Bonham fue a los ensayos del grupo para la próxima gira americana, por el camino paró en varios pubs, y empezó a consumir vodka con naranja. Después de los ensayos fueron a la casa de Page en Windsor y siguió bebiendo hasta que se desmayó. Lo llevaron a una habitación y lo acostaron. El día después extrañados porque aún no se había levantado, el asistente de Robert Plant, Benji LeFevre fue a ver qué ocurría y se encontró a Bonham sin pulso. Cuando llegó el médico solo pudo certificar la muerte. El informe de la autopsia determinó causa de muerte accidental, Bonham se habría ahogado en su propio vómito después de beber unas 40 medidas de vodka. La muerte de Bonham también supuso el fin de Led Zeppelin, el 4 de diciembre de 1980 el resto de la banda emitió un comunicado.«Deseamos hacer saber que la pérdida de nuestro querido amigo y el profundo respeto que tenemos por su familia, así como el sentimiento de armonía indivisible que sentimos nosotros y nuestro mánager, nos ha llevado a decidir que no podíamos continuar tal como eramos.»— Jimmy Page, Robert Plant y John Paul Jones¿robert plant se inspiraba en j. r. r. tolkien?Aunque es una cosa que se acepta ya como un hecho, el tema está lejos de la realidad. Robert Plant dijo en muchas ocasiones durante los 70 que «El Señor de los Anillos» de J. R. R. Tolkien era su libro preferido, así que algo se debía filtrar en las letras, y es así, pero sólo existen 3 casos claros: «Ramble On», «The Battle of Evermore» y «Misty Mountain Hop» (y esta última sólo en el título). En «Ramble On» Plant se arrepintió de la letra tildando sus referencias a Tolkien de infantiles unos años después de que Led Zeppelin llegase a su fin. Muchos apuntan una relación de los escritos de Tolkien con la letra de «Stairway to Heaven», pero la letra es tan ambigua que está abierta a cualquier interpretación que se le quiera dar, por lo que no se puede decir con seguridad.¿es jimmy page un satanista?No. Jimmy Page se considera a sí mismo como un ocultista, para el que no vea las diferencias estre ocultismo y satanismo:ocultismo:1. m. Conjunto de conocimientos y prácticas mágicas y misteriosas, con las que se pretende penetrar y dominar los secretos de la naturaleza.2. m. Dedicación a las ciencias ocultas.— Real Academia Españolasatanismo:1. m. Perversidad, maldad satánica.— Real Academia EspañolaLos que piensan que Page, Bonham y Plant firmaron un pacto con el diablo para conseguir éxito y dinero, de verdad, ¿alguien cree realmente que se puede hacer un pacto con el diablo?¿hay mensajes satánicos en «stairway to heaven»?Siempre ha existido la leyenda urbana de que si se escucha la canción al revés se escuchan mensajes satánicos, lo cual es bastante ridículo por varias razones. Los que afirman esto (los típicos iluminados con ganas de celebridad) dicen oír mensajes satánicos cantados por Plant dando la vuelta a la voz que canta de forma normal en la canción, bueno, esto es técnicamente imposible, como han señalado todos los profesionales del mundo de la música y la grabación. Nadie puede decir una frase y escuchando esa frase al revés, que haya cualquier tipo de mensaje, y cuando digo nadie, es nadie. Otra cosa distinta es lo que hicieron grupos como Pink Floyd o ELO que grabaron mensajes, les dieron la vuelta, y los grabaron en sus discos al revés, de manera que cuando se escucha normalmente solo es ruido sin sentido, y si se toca al revés se oye el mensaje. Aun si hubiese mensajes al revés, todos los científicos coinciden en que el cerebro humano sería incapaz de descifrarlos.«Quiero decir, ¿a quién se le hubiese ocurrido eso en primer lugar? Tienes que tener mucho tiempo libre para siquiera considerar que alguien pueda hacer eso. Y especialmente con “Stairway to Heaven”, estábamos tan orgullosos de ella, y sus intenciones son tan positivas. La sola idea me parece sucia, pero es muy americano, en ningún otro sitio del mundo nadie se lo ha planteado o se han preocupado por ello. Si los mensajes al revés funcionasen todos los discos llevarían “compra este álbum” escondido.»— Robert Plant«Si vas por ahí diciendo “Sí, si escuchas la canción ocho a 36 rpm se escucha un mensaje” todos irán derechos a casa a intentarlo. Las bandas inglesas tienden a ser más irónicas y sarcásticas, y una vez que descubren la falta de ironía y humor de los americanos, éstos se convierten en presas fáciles. Sólo tienes que ir a por ellos.»— John Paul Jones¿led zeppelin copiaba canciones a otros artistas?No en el sentido de plagiar, sí en el sentido de usarlas como inspiración. En el caso de Led Zeppelin hablamos del uso de fragmentos de antiguas canciones de Blues que se han transmitido desde su creación de manera oral entre músicos, y no hablo de hace dos días, sino de finales del siglo XIX (y antes). La música nunca se consideraba patrimonio único y personal de un artista, sino que se inspiraban unos en otros, y muchas veces tocaban las mismas canciones distintos artistas sin problemas. El copyright vino a cambiar todo esto, sobre todo en EE.UU. a partir de 1976, que se endurecieron las reglas del copyright hasta ponerlo más o menos al nivel que lo conocemos hoy en día. El caso es que los artistas Blues de ese momento pensaron en poner copyright y declarar como suyas las canciones del repertorio tradicional Blues americano. Lo más triste es que lo consiguieron, y empezaron a poner demandas a diestro y siniestro a todos los que se inspiraron o utilizaron esas canciones. Led Zeppelin tiene una decena de canciones de claras influencias Blues. Fueron demandados por el infame Willie Dixon en el caso de «Whole Lotta Love» por el parecido de la letra con una canción suya que seguramente estaba basada en una más antigua. Otro caso parecido fue el de «Boogie with Stu».«La improvisación se convirtió en “Boogie with Stu”, que era obviamente un variación de “Ooh My Head” de Ritchie Valens, que a su vez era una variación de “Ooh My Soul” de Little Richard. Intentamos poner en los créditos a la madre de Ritchie Valens porque ella nunca había recibido ningún dinero ni los royalties de las canciones de su hijo y Robert había cogido un par de frases de la letra. Y ¿qué pasó? Nos intentaron demandar por toda la canción, así que les dijimos que se jodiesen.»— Jimmy PageBueno, aquí concluye la primera parte del post sobre Led Zeppelin. En la próxima entrega: Letras de las canciones.Espero que les haya gustado.

Buenas tardes, quiero compartir con ustedes un dibujo que hice hoy. Espero que les guste, y me den una opinión. Lo hice basándome en esto:El boceto:Con más forma y un poco de color:Terminado:

Bueno les voy a dejar algunos de mis dibujos, algunos son más o menos viejos, pero los queria compartir con ustedes. no estan certificados pero la mayoria tiene mi nombre, sino pueden entrar acá, estan todos: http://hippieharrison.deviantart.com Si alguno no les gusta sigan bajando, que hay muchos y a lo mejor despues hay uno que les guste. La calidad de las fotos varía, no tengo cámara Mai, de Mai HiME Watson y Crick (científicos que propusieron el modelo de doble hélice del ADN) Michael Fox (el actor de volver al futuro) Un Cello Mai y Natsuki (de Mai HiME) Un dibujo que le hice a una amiga Rock Lee Gir Happiness ... Amelie Un tipito que dibuje en el cuaderno de matemática .... Natalie Katie Personas a Cuerda Rock .... Pattie Boyd Mother Nature Son Someday Sakura Card Captors El hombre pulpo con guitarra (? ... (oh) Pretty Woman I'm only sleeping Please Mr. Postman Lovely Rita El Hombre Mariposa oh, girl.... Ardillitas Pez Koi Kero Ocaso George Harrison Chibi Pulpo. HELP!- Mandala. Caramelos dulces El Jardin del Calamar Gigante. Bueno, eso fue todo por ahora. Espero que al menos uno les haya gustado, saludos gente. Si no comentas....

"Creo que la gente que realmente puede entregarle su vida a la música le están diciendo al mundo "Puedes tener mi amor. Puedes tener mi sonrisas. Olvida las malas partes, no las necesitas. Solo toma la música, lo grandioso, porque eso es lo mejor", y esa es la parte que yo doy".-George HarrisonHola, buenos días. Sé que falta, pero estamos cerca. El 29 de este mes (noviembre) van a cumplirse diez años desde que partió del mundo físico George Harrison, quizás algunos digan "y a quién le importa?" o "ah, el de los beatles" o tal vez no sepan ni quién es, pero con un poco de suerte esto ayude, como un homenaje, bastante humilde, para que sepan lo conozcan, y sea valorado por el músico y la persona que fue. No pienso poner en el título algo así cómo "el post que se merece", porque sé que me voy a quedar corta, y es inevitable. De cualquier modo, acá voy.George me inspiró de distintas maneras, con sus composiciones, tanto líricas como instrumentales, me acercó a otras músicas, que por cierto me gustaron. De cierta forma abrió mi espectro musical, como Beatle, como solista, y como un Wilbury. Fue mi primer dibujo con intenciones más allá de los que he hecho para el colegioy a través del tiempo, a medida que fui progresando, fui dibujándolo también...Una Pequeña BiografíaGeorge Harrison nació el 25 de Febrero de 1943 y era el menor de cuatro hermanos, su familia vivía en una casa adosada con cuatro habitaciones en Wavertree, un barrio obrero de Liverpool.Su padre trabajaba como conductor de autobús municipal y su madre era ama de llaves, según recuerda George "Las habitaciones de abajo estaban terriblemente frías en invierno, ya que solo había un calefactor en toda la casa y el lavabo estaba en el exterior."Cuando cumplió seis años la familia se mudo a una casa más grande en la cerca de Speke y aunque la economía familiar no era muy boyante salieron adelante, siendo una familia muy unida.Cuando ya era adolescente se empezó a interesar por la música y con ayuda de su madre se compro su primera guitarra, que le costo tres libras y diez chelines, cifra que pago a un compañero por vendérsela de segunda o tercera mano.Conoció a Paul del colegio, siempre iban juntos en el autobús a estudiar y en sus ratos libres siempre se reunía con Paul en su casa para tocar.Fue el único de los hermanos que asistió a la escuela secundaria, donde se matricularía en el prestigioso Instituto de Liverpool. Peor eso de estudiar no era lo suyo y suspendió todas las asignaturas, excepto Arte.Como comprobó que eso de estudiar era una perdida de tiempo, acepto un puesto de aprendiz de electricista. Pasado un tiempo, cuándo George contaba con catorce años Paul le presento al resto del grupo, pero nadie le invita a unirse al grupo. George empezó a rondarlos y cada vez que le dejan sube al escenario a acompañarlos.Sin darse cuenta, George comienza a ir a los ensayos y era capaz de tocar solos, su interpretación de "Raunchy" le valdría para integrarse al grupo. Tomada ya la decisión por parte de John y Paul, eliminan del grupo a Eric Griffiths y George seria el guitarrista principal del grupo, esto seria el 13 de Marzo de 1958.Después de la integración Ringo Starr, ultimo miembro de los Beatles el éxito estaba por llegar.Cuando filmo su primera película con los Beatles " A Hard Day´s Night ", George conoció en dicho rodaje a la modelo Pettie Boyd con la que se casaría posteriormente.En esta película George tiene la oportunidad de cantar como solista la canción escrita por Lennon "I´m Happy Just To Dance With You" la que canta a la perfección.Aunque George tenia buenas dotes como vocalista y compositor siempre estuvo a la sombra de sus compañeros John y Paul los que verdaderamente lideraban el grupo.Ya en su etapa final como miembro de los Beatles, cabe destacar canciones tan bellas como: "Here Comes The Sun" , "Something" y "While My Guitar Gently Weeps".En Noviembre del 68 compone la banda sonora de la película "Wonderwall" y al año siguiente lanza su segundo disco "Electronic Sound".Después de la separación definitiva de los Beatles, George edita su primer álbum comercial el triple "All Things Must Pass" que contiene la canción "My Sweet Lord" siendo numero uno mundial.En 1972 organiza un concierto benéfico a favor del pueblo de Blangladesh en el Madison, con la colaboración de " Bob Dylan, Eric Clapton, Leon Russell, Ringo Starr y Billy Preston ".Crea su propio sello "Dark Horse", y publica "33 1/3" en 1976; "George Harrison" en 1979; "Somewhere In England" en 1981; y "Gone Troppo" en 1982. A finales de los 80, su mujer Pattie Boyd le abandona por su amigo Eric Clapton.Superado el asunto de su matrimonio publica la canción "Got My Mind Set On You" con la obtendría un nuevo número uno.Se le diagnosticaron varios tumores de los cuales se estuvo tratando, pero uno de ellos se le reprodujo y el 29 de Noviembre del 2001 muere en Los Ángeles a la edad de 58 años, rodeado de su familia.-Vivíamos en el 12 de Arnold Grove. Dos cuartos abajo y dos arriba. La única calefacción era una estufa de carbón, no había electricidad. Un pequeño patio trasero. Y el baño en el fondo del patio. Era un lugar muy frío.-Qué tipo de chico era George?-Era un gallito. Un pequeño gallito. El... sabía muy bien quién era. Nadie podía burlarse de él. Palabras de uno de los hermanos de George.Tenía un peinado increíble. El pelo negro, largo levantado hacia atrás. Teníamos...Teníamos un amigo, Arthur, que solía describirlo como a un maldito turbante. Y así era. Lucía como algo inmenso... Era... una cosa maravillosa. Viendo hacia atrás, antes de la fama. Sólo eras un chico más que no podía entrar en cualquier lado, porque no era famoso. No le gustaba a las maestras. Tú sabes, el Rock and Roll no había llegado aún… Siempre pienso que fue algo digno de Dickens. Y la escuela a la que fui con George era, coincidentemente... un lugar muy viejo digno de Dickens. De hecho, Dickens enseñó ahí. Así de digno era. Crecías esperando salir de ahí. Te enfurecía, por ende el arte era una visión dorada, nosotros... todavía no lo llamábamos arte. Era Rock and Roll. Necesitábamos un buen guitarrista. John y yo tocábamos un poco, pero no podíamos hacer un solo. No éramos tan buenos. Entonces dije, "Conozco un chico". "Es un poco joven, pero es bueno." John dijo, "Muy bien, probémoslo, adelante." Así que le dije a George, "Tienes que conocer a estos chicos, Tenemos un grupo, sabes?", Él dijo "Seguro", así que trajo su guitarra, estábamos en el piso de arriba de un autobús de Liverpool, a la vuelta de la casa de John, en un lugar llamado Woolton. El autobús estaba vacío, y ya era muy tarde, ehh... John le dijo a George, "Bueno, adelante. Muéstranos como tocas." Le dije, "Vamos, vamos, saca tu guitarra." Entonces George desenfundó su guitarra, la tomó, y tocó una cosa llamada Raunchy. Paul McCartneySabía que a John lo incomodaba el hecho de que yo sea tan chico, lucía como un niño de diez años. Cuando conocí a John, sólo tenía cuatro cuerdas en su guitarra, quiero decir, John ni siquiera sabía que las guitarras llevaban seis cuerdas. Le dije, "Qué estás haciendo?, Qué es eso?" Y él contestó, "Qué?" El pensaba que era así. Así que le enseñamos a John los acordes. Mi y La y todos esos. Mi madre amaba la música, así que estaba muy feliz con los muchachos alrededor. Y a John siempre le entusiasmaba la idea de escapar de su casa porque um... Su tía Mimi lo vigilaba y era muy estricta... y eso lo incomodaba. Recuerdo una vez, yendo a la casa de John, la primera vez que lo vi. Yo aún estaba en el instituto. E intentábamos vernos como Teddy Boys, que era, la moda de aquel momento. Y me debería lucir muy bien, porque al verme... no le simpaticó en absoluto. Estaba shockeada. Dijo, "Míralo!" Tú sabes, "Quién se cree que es?" "Trayendo a este chico a casa." "Míralo. Luce desalineado, como un Teddy Boy." Y él respondió, "Cállate, Mary, cállate!"George HarrisonKlaus me presentó ante ellos y John hizo su, tú sabes, "Soy un hombre, soy un hombre" y Paul en plan "soy un buen chico, buena educación", tú sabes. Nos dijimos hola y... estrechamos nuestras manos. Y George sólo... me miró y dijo, "Oh, hola, y tú eres la novia de Klaus?" era siempre tan dulce, comencé a conocer a George después. Estaba interesado en tantas cosas, pero, de una forma muy tranquila, porque Paul era el que decía, "Oh, qué es eso?" y, "Quién escribió ese libro?" y, "Quién es ese de la foto?" George solo se sentaba, miraba mi habitación, que debería ser muy extraña para él, porque era completamente negra con hojas y ramas colgadas del techo. Supongo que lo primero que debe haber pensado es que estaba loca. Pero luego se convirtió, brevemente, en una encantadora y tierna amistad.….George solo tenía 17 años, pero era tranquilo. Te miraba fijo a la cara. Era gracioso. Y era un catalizador en la banda. Verás, John y Paul eran tan diferentes. Y George era el que traía el equilibrio, quiero decir, Ringo aun no estaba con ellos, porque Pete Best era el baterista. Y Stuart estaba más apartado, pero George estaba justo en el medio de esas dos personalidades. Luego de la muerte de Stuart, John y George realmente se preocuparon por mí, solían venir a visitarme a casa. Y de hecho fue sugerencia de John. John dijo, "Puedo ver dónde solía pintar?" Así que respondí, "Por supuesto que puedes." En ese momento, tenía que tomarle una foto. Así que agarré esta vieja silla y la acomodé ahí. Y John estaba lleno de emoción estando en la misma habitación dónde su amigo pintaba, que casi se pone a llorar. Y George estaba un tanto preocupado, así que le dije, "Bueno, párate detrás de él." Puedes ver que rápido George entendió de qué se trataba. La muerte y la vida. Acababa de cumplir 18. Y cuando ves esa foto, y ves sus ojos, están llenos de protección hacia John. Y John se caía a pedazos sentado ahí. Y puedes ver eso en su rostro.Astrid KirchherrAntes de haberlo logrado, como dicen, el dinero era, en parte, la meta. Y a su vez tampoco era: "hagamos algo de dinero”. Pero de repente recibimos el dinero, y no resultó ser tan bueno. Al tener el dinero nos dimos cuenta que éste no era la respuesta, porque teníamos todo tipo de bienes materiales del tipo que la gente se pasa una vida tratando de obtener, y nosotros obtuvimos todo muy tempranamente. Y estuvo bueno realmente porque nos dimos cuenta que eso no era todo. Todavía nos faltaba algo. Y ese algo es lo que la religión trata de darle a la gente.…..Ravi y su hermano me dieron muchos libros de hombres muy sabios. Uno de estos libros escrito por Swami Vivekananda, decía, "si existe un dios, debes verlo y si hay un alma debemos percibirla, de otro modo es mejor no creer, es mejor ser ateo propiamente dicho, a ser un hipócrita" Y después de toda mi vida, fui comprendiendo... Bien, han tratado de convertirme al catolicismo. Te dicen que creas en lo que te dicen y no que tengas una experiencia directa. Y para mí en el viaje a India escuchar a alguien diciendo, "No, no puedes creer en algo si no experimentaste una percepción directa" fue fantástico. "Finalmente, di con alguien que tiene sentido." Entonces quería meterme en esto más profundamente.George HarrisonLa Canción de Ringolink: http://www.youtube.com/watch?v=9PjnOdHq-T8We were young, it was funAnd we couldn't loseTime were right, overnightWe were headline newsCrazy days and reckless nightsLimosuines and bright spotlightsWe were brothers through it allAnd your song will play on without youAnd this world won't forget about youEvery part of you was in your songNow we will carry on...Never Without you(Without you Without You) Within you without youHere comes the sun is about youHere today, not aloneWith my memoriesLife is strange how things changeIt's realityYou played a beautiful melodyThat keeps on haunting meI can always feel you by my sideAnd your song will play on without youAnd this world won't forget about youEvery part of you was in your songNow we will carry on...Never Without you(Never Without You) Within you without you(Within you without you)Here comes the sun is about youI know all things must passAnd only love will lastI'll always love the memory of you and meTake it away EricAnd your song will play on without youAnd this world won't forget about youEvery part of you was in your songNow we will carry on...Never Without you(Never Without You) Within you without you(Within you without you)I think that love is about youThe Concert for GeorgeEl Concert for George fue un memorial organizado en el Royal Albert Hall de Londres el 29 de noviembre de 2002 dedicado a George Harrison en el primer aniversario de su muerte. El evento fue organizado por su viuda, Olivia, y su hijo Dhani Harrison, mientras que la dirección musical recayó en manos de Eric Clapton, con todos los beneficios destinados a la fundación The Material World Foundation que Harrison fundó en 1973.El concierto comenzó con una sección de música india encabezada por Anoushka Shankar, hija de Ravi Shankar, al interpretar "Your Eyes". Posteriormente, Anoushka y Jeff Lynne interpretaron "The Inner Light" para dejar paso a la composición de Ravi Shankar "Arpan" (que se puede traducir por "dar" y que según el músico indio definía el espíritu de Harrison), especialmente escrita para la ocasión.Tras la sección de música india, tuvo lugar un interludio protagonizado por miembros de Monty Python, entre los que figuraban Michael Palin, Eric Idle, Terry Jones y Terry Gilliam, junto a Tom Hanks, cantando "Sit On My Face" y "The Lumberjack Song". El resto del evento incluyó las composiciones de George Harrison interpretadas por artistas invitados, entre los que figuraban Paul McCartney, Ringo Starr, Eric Clapton, Jeff Lynne, Tom Petty and the Heartbreakers, Billy Preston, Jools Holland, Albert Lee, Sam Brown, Gary Brooker, Joe Brown, Ray Cooper, Marc Mann, el hijo de Harrison Dhani así como muchos más que participaron en las grabaciones de los álbumes de Harrison a lo largo de los años.Las canciones interpretadas en el concierto proceden tanto de su etapa con The Beatles como de su carrera musical en solitario, generalmente respetando los arreglos originales de las canciones. Algunos éxitos del concierto incluyen la versión de "Isn't It A Pity" interpretada por Clapton y Preston, "Photograph", cantada por Ringo, "Something", interpretada por McCartney con el ukelele al comienzo, y la reunión de McCartney, Starr y Clapton por primera vez desde su grabación en "While My Guitar Gently Weeps".El evento fue filmado y grabado, editándose un DVD dirigido por David Leland el 17 de noviembre de 2003 de forma simultánea a la de un disco. El interludio protagonizado por los Monty Python y el tema "Horse To The Water", interpretado por Sam Brown, no fueron incluidas en el disco compacto.link: http://www.youtube.com/watch?v=BA6PRMbTGaA&feature=results_main&playnext=1&list=PL6B1DEE90D441E6A3link: http://www.youtube.com/watch?v=StKVbOog9KI&feature=BFa&list=PL6B1DEE90D441E6A3&lf=results_mainlink: http://www.youtube.com/watch?v=D8MlS0vu7gE&feature=BFa&list=PL6B1DEE90D441E6A3&lf=results_mainlink: http://www.youtube.com/watch?v=EixACFOP8hY&feature=BFa&list=PL6B1DEE90D441E6A3&lf=results_mainlink: http://www.youtube.com/watch?v=LkjFvwNkoe8&feature=BFa&list=PL6B1DEE90D441E6A3&lf=results_mainlink: http://www.youtube.com/watch?v=drCKvCL93hw&feature=BFa&list=PL6B1DEE90D441E6A3&lf=results_mainlink: http://www.youtube.com/watch?v=ELOe3f-hihc&feature=BFa&list=PL6B1DEE90D441E6A3&lf=results_mainlink: http://www.youtube.com/watch?v=S7_MsY2IJz4&feature=BFa&list=PL6B1DEE90D441E6A3&lf=results_mainlink: http://www.youtube.com/watch?v=G8RbE3vSqLc&feature=BFa&list=PL6B1DEE90D441E6A3&lf=results_mainThe Concert for BangladeshThe Concert For Bangladesh es el título del evento organizado por George Harrison y Ravi Shankar el 1 de agosto de 1971 consistente en dos conciertos en el Madison Square Garden de Nueva York con el fin de recaudar fondos para los refugiados de Pakistán del Este, hoy en día Bangladés. El evento supuso el primer concierto benéfico de la historia musical, en el cual participaron, entre otros, Bob Dylan, Eric Clapton, Ringo Starr, Billy Preston y Leon Russell.Un álbum sería publicado a finales de 1971, mientras el largometraje sería estrenado en 1972, con la posterior publicación en video. En 2005, la película fue reeditada en DVD acompañada de nuevo material.El concierto recaudó 243.418,50 dólares para los regufiados bangladesíes que fueron administrados por UNICEF.link: http://www.youtube.com/watch?v=aYhQ6kmf8Rwhttp://www.theconcertforbangladesh.com/Algunos videoslink: http://www.youtube.com/watch?v=U_dBwJDUlS4&feature=results_main&playnext=1&list=PLE6770E886F85D0BFlink: http://www.youtube.com/watch?v=-_niy2ZM5Jolink: http://www.youtube.com/watch?v=70_U0JB8hWIlink: http://www.youtube.com/watch?v=v5k-OE0-fWslink: http://www.youtube.com/watch?v=TQXx-PKTOw0link: http://www.youtube.com/watch?v=mePp1l299EElink: http://www.youtube.com/watch?v=AOrTNBKUisw&feature=bf_next&list=PLE6770E886F85D0BF&lf=results_mainlink: http://www.youtube.com/watch?v=2pdWG3mlk50&feature=bf_next&list=PLE6770E886F85D0BF&lf=results_mainlink: http://www.youtube.com/watch?v=fwpNOmVUwKc&feature=bf_next&list=PLE6770E886F85D0BF&lf=results_mainlink: http://www.youtube.com/watch?v=s1E5XPzBSBY&feature=BFa&list=PLE6770E886F85D0BF&lf=results_main&index=47Bueno, como ven, este post me ha llevado tiempo, y esfuerzo. No es muy largo, ni está absolutamente completo, pero no es una copia de wikipedia u otros sitios populares. Hay partes que me costó bastante hacer, como las citas que hay más arriba. Están sacadas de la película "George Harrison: Living in the material world" y las hice a partir de los subtítulos, los cuales edité para que formen un texto fluído. Seguro que me faltaron muchas canciones que son importantes, si notan que alguna que consideran esencial no está, pueden compartirla en los comentarios. Este homenaje está hecho con cariño, cualquier crítica fundamentada es bien recibida. Los invito a comentar lo que quieran, opinar sobre George, sobre su música, su legado, lo que gusten, siempre manteniendo el respeto.Saludos gente, que tengan un buen día.

Este post es sobre un músico que admiro. Es un tipo muy talentoso, con una voz hermosa, y una gran calidad de composición, sumada a su capacidad de interpretar y adaptar temas de otros músicos, con un estilo personal muy presente. Él es Pedro Aznar, y para quien no lo conozca, o no le suene de algún lado, hago una especie de breve biografía.Nació en Buenos Aires, en 1959. Formó parte de Serú Girán (una de las bandas más importantes en la historia del rock argentino), compuso la música de muchas películas, escribió dos libros de poemas - "Pruebas de Fuego" (1992) y "Dos pasajes a la noche" (2009) - y fue parte del Pat Metheny Group como multiinstrumentista y vocalista. Colaboró con muchos músicos como productor, compositor, arreglador, instrumentista y cantante en sesiones de grabación y conciertos. Como solista tiene catorce discos. Sus trabajos abarcan estilos como el Rock, el Jazz y la música popular de raíz argentina y latinoamericana. Algunos temasUn DVD completo (son dos discos) "Quebrado Vivo"Entrevista en el programa "¿Qué fue de tu vida?" de TV Pública, el 10-06-11 (está en cuatro partes) Algunos poemasNoviembreTu boca me empuja al éxtasis.Arrojo pétalossobre tu noble cabeza.Caigo en el abismoigual que la lluviaatrás de la ventana.Paseo dos jazmines por tu justa espalda.Bebes mi esencia.Muerocomo las frágiles floresque destrozo contra tu cuerpo.Hasta hoyMuy bien,he aquí lo que he vistohasta hoy:Cada cuerpo un bastión de "lo mío-que jamás serálo tuyo ni lo nuestro";miedo incontrolable: miedo ciegoa abrir la puerta y dejarnos verunos a otrosque estamos desnudos;procesiones incontables corriendo atrás del amor ideal, un fantasma que siempre se disuelve,siempre,al dar vuelta a la esquina;inventos infructuosos de cualquier tenor y alcance para convencerse de que la felicidad pueda ser alguna otra cosaque entregarse a los demás;reglas, dictámenes, teorías y credos inútiles (porque no le dan cabida al alma,bendita en su repulsión a los encierros;porque son el Olimpo de los necios que creen en llegara alguna parte enviando al amor al destierro por ser indefinible);multitudes de hipócritas apedreando a los que muestransus manos vacías;pesimistas sin ningún motivo;optimistas sin ningún motivo;lo-que-sea-istas subidos al carro de turno;la desconfianza, alimentada de saber que el otro esconde en sífianza, alimentada de saber que el otro esconde en sílos mismos monstruos;el odio, nacido de no reconocer los monstruosen nosotros mismos;la máquina de forjar hombres a imagen y semejanzade un dios perverso, vengativo e ignorante;separación, separación por todas partes: esto no es aquello no eslo otro ni lo de más allá (y el doloroso preciode la soledad);los muertos echando tierra estéril sobre la divina semillade la infancia en las escuelas;la mirada impotente y mezquina de los padresque se proclaman dueños de los Hijos de la Vida,(¡la Vida!, ¡que jamás espera nada de nadie!);los que quieren que todo quede como estásaqueando con gritos, balas o vergüenzalos dones de la juventud;¡un océano tan vasto de dolor cuando todo podría ser tan distinto!He visto, también,los que no cejan:buscando a tientas;aferrándose (o soltándose) al centro en las mareas cambiantes;dejando un tenue rastro del perfume inconfundible en los vientos furiosos;librando, cada día, la batalla más difícil, la única noble,la de adentro;borrando con su propia sangre los dictados negros (propiosy ajenos);equivocándose, equivocándose y volviendo a empezar;dudando de su fuerza, pero ofreciendo el pecho;sabiendo que está todo por hacer, y que tendrá que ser hechocada vez por cada uno;templando su coraje en la negrura más espesa de la noche.Cuatro jazminesCorto cuatro jazminesde la planta que me regalómi amigo.Lleno de agua clarauna vasija de barro que,muerta de sueño,sorprendí en la alacena.Me quedo viendo, encadenado a la fragancia,la inconcebible explosióndel blanco sobre el verdeflotando, abandonada,por el diminuto marde exacta calma.Pero no,al fin descubro un tenue latidoen el velo transparente.Mis brazos, apoyados en la mesaen la que escribo,le transmiten el ritmode mi sangre.Y así entiendo:Yo también soy recipientede barro lleno de agua destinada a secarsealguna vezMi flor aún se está abriendoA Mishima¡Hunde la espada en tu vientre! y deja que la sangre brotesublevadacomo el primer semenfrente a la hermosa imagendel mártir cristiano.Creo saber lo que querías:La grandeza del hombre,dibujada, irrenunciable,en los hombros del atleta que amastea la distancia;La vidahecha un aterrador punto brillante,colgando del hilo transparente de la desesperaciónde Yasue,sus sobrinos tragados por el marfrente a sus ojos de vigía impotente;El amor indomable que te mate siete veces:devorado, atravesado por espadas,ahogado en sus aguas turbulentas,abrasado por su fuego incontrolable,borracho de veneno, mordido por serpientes,aplastado en una lluvia torrencial de piedras, hasta darte la inmortalidad que desdeñabas; y La muerte, al fin,como el orgasmo verdaderode la liberación.Ningún otro beso podría haber saciadotu casta boca,hambrienta del sabor olvidadode la carne humana.¿Qué hiciste,griego loco,encarnando en samurai?DemoliciónHoy pasé por la demolición.Está casi terminada; quedasólo el basamento (coronado de chapas protectorascomo espinas) de los cinco pisosque vieron pasar casi un siglo,incluídos vos y yo.Tenías razón: sobre el hombro indiferentede la mole impersonal que alguien plantó a su lado(y que parece haber llegado justo a tiempo de escoltar la muerte)quedó la huella del color durazno que elegistepara el corredor de tu casa.¡Ay, las coordenadas!¡La geometría que voló a mis ojospara calcular aquel lugarque amamos!Hoy en ese punto hay puro espacio,cielo virgen, miradas perdidasesperando el semáforo,nada.Y aún estás allíconmigo, muerta de fríomirando las estrellas de la alineacióncomo si de veras fueran a hacerle algo al mundo.Aún estoy allí,en mi arrogancia veinteañera;la vista clavada sobre el río,un nudo de silencio en la garganta.Estás ahí:corrida por la magiaque tu corazón no se atrevía.Aún me veodejándote una y otra vez,volviendo siempre.Fuimos ahí, más que en otras partes,vos y yo, tanto,que tal vez no imaginamosnunca, nosotros en otrolugar.Por eso,ese nuevo punto que ganó el vacíose nos parece tanto. Está lleno del horrorde no tener olvido. EstambulRostro cubiertoPiel de color olivaOjos antiguosRíos de gentesalvajemente bellaConozco a todosSudor paisajede parra y aceitunaspor los tejadosCarros de frutaLos pájaros insistenen ser el cieloUn laberintode luz enloquecidaLas piedras sabenEl mar no mienteUn rayo en mi cabezaYo ya estuve aquíDos pasajes a la nocheafuerase calló la griteríael pueblo se acurruca temerosocontra las montañasa no poder contar la enormidadde estrellasde lejos el viento trae música borrachasacudida en la coctelerade un galpónque de día ha de servir de fábricade cosas inserviblesmás plásticopara que arrastre el ríosomos dos en esta habitacióny sobran camasincómoda presenciaque parece burlarse del pesode la corporeidadla altura da un perpetuodolor de cabezade esos que ni cesanni alcanzan para desesperarcomo una pregunta sin respuestaalguien sopla una quena lastimeraa la distancia y todo se detienelas constelacionesla harina en las veredasel olor a comino y a chichay tu cara y la míamañana cenizasigual que el carnavalEl cielo por refugioperdidosante un horizonte siemprea la distancia del deseoperdidos de esperanzatorrentes de infinitoen este cauceque un díatodo nos responde sólo podemos preguntarallídonde la sangrese levantaqué se lleva de nosotrosel viento que dibuja en las arenasqué se queda de élen esta piel heridaperdidosbajo un manto de luceshechas danzapor la mano pródiga de formascorazón abierto al cosmosdoblando la apuestade la soledadperdidoshasta que unos ojosdesnudos de rumboy despuésA Georgeque el sonido tenía coloresbajo el efecto de la pócima del Dr. Robertalmas más pequeñas suelen ver otras cosasmucho más sangre que un lazo de familiatu música se grabó en mis célulascómo dejarte ir sin decirte estoestarías en paz con el mundo?dicen que no tenías pacienciapara gastar con idiotasbien por vossi vieras con lo que se quedancuando ya no estásves, no lloro esta vez,como a los ocho añoscuando lo de tu accidente de autono me despido tampocoque no sigas estandono es que no vayas a sersitar de siesta psicotrópicasol que sale por primera vezhoy me quedo un poco más huérfanoy aunque tu partida era cuestión de díasme había acostumbrado a no recibir la noticiacomo si no fuera a llegar nuncaeste momento el paso al para siempresiempre duelepero no hagas caso:sabé que iluminaste muchas vidasy aunque en vida quién sabe si eso te importara o te pudiera hacer felizese pequeño grandioso paraísoaquí se queda con tu nombreque lo que en vos nunca lo tuvoalcanzarásegurola fuente de toda dichaEn este pueblogritos de niños a la siestamotos lejanasmotores de dos tiempostiempo de destiemposvida que pasa lenta intrascendentementecomo ausente de glorias y anhelosmenos promesas donde anestesiarsemás misterio donde desprotejersey sin embargo es aquíen estos pueblosdonde vivir se dice con los verbos más banalesse viste con las ropas más tristes de vidriera polvorientacomo si se entendiera que vivires otra cosa que pender del artey sus caireleso como si no se hubiera entendidonadaLa mañana es un gritoLa mañana es un grito de muñecos ahogados por una infantil mano asesinagris y pegajosa como hulepara forrar un cuaderno donde escribirmil vecesla humedad me mataLas torres de alta tensiónpatas de puta malabaristaofreciendo su entrepiernaa la baba del diabloAsco en el estómagoasco con hambre insaciablegesto de cansado desprecioa un día que mejor hubiera hechoen no serEl cielo se quiere abrir a la derechay me cago en él no quiero más luzque llueva hasta que se ahoguenlos arbustos de las inútiles esperanzascaminos que salen hacia el medio del campoporque alguna vez a alguiense le ocurrió que se podía ser felizatrás de aquellos árbolesLa zanahoria del burro de la historiaser felizya bastante es dominar el asco en el estómagoAtención a 500 metros control de cargasSáqueme sólo la esperanza de la espalda, inspectorque el asco no me pesaPara qué estar despierto cuando todo duermeQue se calle de una vezel cuerpo y su insistenciade anhelar cariciasque se ocupe del ascoque no es pocoQue calle de quererseechado a tu ladoun brazo sobre tu cuerpo desnudoplaya lamida por el deseo de la mañanasaciadabuscando nueva supernovaNo te tendráporque tu néctar es venenoporque tu agua es sedporque tu dulzura es filoporque tu sueño es decepciónSi siente sueño no siga manejandoLa ruta sigue en brumasy tengo sueños que no duermenni dejan dormirlos siento, sí, y manejo entre mediocomo un borracho que se felicitapor su destreza al volanteLo que no viene porque no quiereo no existeo no oye ni veno lo voy a hacer venirpor mucho que maneje el ascoQuién sabe la respuesta seano manejarlo más

Tutorial: Cuadrículas - Estilo Stencil/Pop Art Por: @HippieHarrison Buenas, esta vez hago un post que pretende ser un tutorial, pero es mi primera vez con estas cosas, así que no sé si merece llamarse así. De cualquier manera espero que les sirva de algo. Muchas veces, dibujar se vuelve difícil porque mantener las proporciones es un asunto complicado, que requiere mucha práctica, sobre todo cuando uno quiere hacer un dibujo realista. Que tus dibujos estén desproporcionados es algo muy frustrante, y si uno no tiene tiempo (o, para ser sincera, ganas) de aprender sobre perspectiva y anatomía, probablemente no sea una actividad completamente placentera, lo cual, sin dudas, no es el objetivo de ponerse a dibujar. Con la suficiente motivación e inspiración, cualquiera puede hacer un buen dibujo, uno realmente bueno. La clave está en practicar, practicar, practicar y no desanimarse. Buscar tutoriales, técnicas, consejos y demás en internet puede ser de mucha ayuda. A veces la explicación sencilla de algún usuario de un foro o alguna página resulta más comprensible o más sencilla de poner en práctica que la de algún libro sobre dibujo. Una página de ejemplo es DeviantArt, pero hay muchas más. Con herramientas como el traductor de páginas de Google (que es bastante rudimentario, pero de mucha utilidad si no dominás el inglés u otro idioma) las opciones se multiplican, y hay una gran cantidad de sitios donde investigar. Sin embargo, leer sobre el tema también es algo que vale la pena hacer. Si tus ideas están orientadas hacia el dibujo realista, quizás un buen comienzo es utilizar una cuadrícula para lograr un dibujo proporcionado. Este "tutorial" muestra dos formas de hacerlo. Si te interesan esos dibujos que tienen una onda Stencil - Pop Art (no sé exactamente cómo se denomina la técnica) también te muestro dos formas de hacerlo. La primera es jugar, (sí, jugar. Experimentar hasta encontrar lo que teníamos en mente) con los editores de imágenes online (como Befunky.com por ejemplo. Podés encontrar más buscando en Google) o algún otro editor de imágenes. La segunda es con Photoshop, y la encontrás en este "tutorial". Es importante remarcar que no todas las fotos quedan bien usando estos métodos, pero con un poco de imaginación puede mejorarse el diseño, o bien hay que buscar varias, hasta encontrar una que se adapte a nuestras ideas. Les dejo el "tutorial" con imágenes que preparé (para ampliar las imagenes abrilas en una pestaña nueva). Acá les dejo algunos ejemplos de cuadrículas que yo usé en mis dibujos, dibujos con estilo Stencil/Pop Art, en fin, algunas imágenes del método puesto en práctica. Gracias por leer, espero que les haya resultado útil, no duden en dejar su opinión o compartir alguna técnica o consejo, saludos.