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El artista plástico León Ferrari, uno de los más importantes y provocadores de los últimos años, cuya extensa obra se centró en la religión, las guerras y la intolerancia, murió hoy a los 92 años en la ciudad de Buenos Aires, confirmaron fuentes de la familia. A lo largo de su carrera cosechó el reconocimiento local e internacional, que alcanzó su punto máximo en 2007, cuando fue elegido mejor artista en la Bienal de Arte de Venecia donde se le otorgó el "León de Oro", el mayor galardón de una de las bienales más prestigiosas del mundo. Su obra originó tantos elogios como críticas y fue expuesta en algunos de los sitios más destacados del mundo, como el MOMA de Nueva York, el Museo Reina Sofía de Madrid, España y en la Pinacoteca do Estado de São Paulo, Brasil. Ferrari nació un 3 de septiembre de 1920 y era hijo de Susana y Augusto, un artista italiano que había realizado unos frescos en un tempo de Turín y una vez radicado en Argentina, reformó la iglesia de San Miguel donde pintó 120 cuadros y también construyó iglesias en la provincia de Córdoba. “Yo no sé si lo que hago tiene que ver con que mi padre haya construido iglesias”, dijo alguna vez el reconocido artista sobre su progenitor, quien también hizo el claustro de Nueva Pompeya. A principios de los años 50 viajó a Italia, donde comenzó a hacer esculturas de cerámica y realizó su primera exhibición individual en Milán, y en 1955 regresó a Argentina, mientras que en los años 59 y 60 realizó tallas en madera y estructuras de alambres, primero entrelazados y luego soldados. En 1962, durante su segundo viaje a Italia, realizó la primera escritura abstracta, ininteligible, serie que continuó hasta su muerte y que elaboró en distintas variaciones. Una de sus obras más impactantes la realizó en 1965, para el Premio Di Tella: “La Civilización Occidental y Cristiana”, una escultura que muestra a Cristo Crucificado sobre un avión bombardero estadounidense, que en su momento aludía a la guerra de Vietnam pero que recobra significado a lo largo del tiempo. A partir de esa muestra, se limitó a hacer algunas obras políticas presentadas en exposiciones colectivas, como “Homenaje a Vietnam” (l966), “Tucumán arde” (1968” y “Malvenido Rockefeller” (1969”, entre otras. En 1976 recopiló un grupo de noticias sobre la represión de la dictadura militar que publicó con el título de “Nosotros no sabíamos”, frase que una parte de la ciudadanía argentina utilizó frente a las pruebas de la tortura y de los centros de detención. Ese año, con la instauración del régimen militar de facto, se radicó en San Pablo, y durante su estadía allí se enteró de la desaparición de su hijo Ariel, quien había decidido quedarse en Argentina en vez de abandonar el país con el resto del clan Ferrari. En Brasil, retomó las esculturas metálicas y realizó experiencias con diversas técnicas: fotocopia, arte postal, heliografía, microficha, video-texto y libro de artista, entre otros. Retomó el tema político-religioso en 1983 con collages e ilustraciones de la Biblia, en los que sumó la iconografía católica, la erótica oriental e imágenes contemporáneas. A partir de 1985 inició una serie de obras con excrementos de aves y expuso en el MAM de San Pablo una jaula con dos palomas que defecaban sobre una reproducción del “Juicio final” de Miguel Ángel. Ferrari volvió a vivir en Buenos Aires en 1991, donde continuó con sus críticas al poder de la Iglesia Católica a través de su arte, o haciendo pasteles y dibujos. En 2004, se expuso en el Centro Cultural Recoleta una retrospectiva de su obra que abarcaba 50 años de producción, y que provocó la ira de grupos ultrareligiosos, protestas en las puertas del centro, la rotura de obras, la clausura y reapertura de la muestra por decisión de la justicia y uno de los más intensos debates en la historia del arte argentino. Allí, se podía observar las dos líneas centrales de su trabajo: aquella más abstracta y poética, representada por dibujos y esculturas en alambre, y la más política, iniciada con su emblemático avión y que culminaba en los collages sobre religión y política, y en sus polémicas series de Infiernos. El año pasado, entre otras muestras en las que participó, Ferrari presentó en el Malba una selección de 70 obras pertenecientes a las series “Brailles” y “Relecturas de la Biblia”, realizadas a lo largo de tres décadas y hasta entonces sólo parcialmente conocidas. Ferrari ilustró en 1996 el “Nunca más”, cuando fue reeditado por el diario Página/12 en forma de fascículos, con centenares de testimonios sobre los crímenes perpetrados por las Fuerzas Armadas durante la última dictadura militar.

Víctor Ernesto Roverano nació en Barracas el 26 de octubre de 1903. En Buenos Aires el apellido resuena cuando en 1878, Ángel y Pascual Roverano construyeron un edificio y galería comercial en la avenida de Mayo, junto al Cabildo, que aún se conoce como el Pasaje Roverano, donde antiguamente se encontraba la confitería de Monguillot. Víctor con su familia llegó a Quilmes cuando contaba 10 años de edad. La pintura fue parte de su naturaleza y si bien fue autodidacta su empeño y fuerza creadora superaron tiempo y espacio en su vida. Fue el máximo retratista de Quilmes. En 1927, año en que obtiene el Primer Premio Estímulo Salón Nacional, el periódico El Plata reprodujo el retrato de la Srta. Eva Palmaz y de la niña Beba Palla; también plasmó la imagen de rincones quilmeños como la obra “Atardecer en Quilmes”, donde tomó la biblioteca Sarmiento y las torres de la iglesia Catedral desde la mitad de cuadra de Mitre entre Alem y Garibaldi. En 1931 el retrato “Cholito” fue premiado en el Salón Nacional. Año sen el que también se destacaron en dicho Salón, los pintores locales, Ronconi y Llense. Entre 1932 y 1937, viajó a Europa, estudiando a los grandes maestros en Italia, la patria de sus ancestros, y en España. Pero fue en Quilmes que desarrolló y descolló en toda su obra artística. La temporada local de exposiciones de 1945, se cerró con el Vº Salón de Pintura, Escultura, Dibujo y Grabado realizado por la Agrupación de Artistas Plásticos Kilme, desde el 18 al 25 de noviembre, en la Asociación Española (Rivadavia 129). Obtuvo numerosos premios y distinciones y se halla representado en el Museo Nacional de Bellas Artes; en los provinciales de Bellas Artes de La Plata y de Santa Fe, en el municipal “Juan B. Castagnino” de Rosario, en el de Paraná y en el “Pedro de Mendoza” de la Boca. Fue un academicista en las artes plásticas y su obra tiene reconocimiento internacional en pinacotecas privadas de Italia, España y EEUU. EL MUSEO ROVERANO En 1967 fue nombrado Director de Museo Municipal de Artes Visuales de Quilmes. Había sido uno de los promotores de su refundación el 1º de setiembre de 1965. Este Museo fue pergeñado originalmente por el Prof. Francisco Míguez que planteó la conveniencia de agregar a la escuela de Bellas Artes un museo de artes visuales como apoyatura pedagógica didáctica y dotar a la comunidad de un espacio estético. El proyecto se concretó el 30 de octubre de 1944 con la exposición de 20 obras prestadas por la Dirección de Bellas Artes de la Provincia de Buenos Aires, que se presentaron en las mismas instalaciones de la Escuela, Alvear 730. Desde 1970 el Museo se halla en la calle Rivadavia N° 498, esquina Pringles y hoy lleva el nombre de Víctor E. Roverano, quien fue su segundo director y quien realizó las gestiones para adquirir a la familia Mujica su actual instalación. LA CASONA Su vida tuvo un único objetivo, toda ella rondó en torno a la creación artística a la que puso extrema pasión, por esa causa, a veces, parecía una persona distante e introspectiva, pero era un tenaz observador. Se casó con Carmen África Martínez Pirlot, quien fue la mejor compañera para un creador de su talla y también, en más de una ocasión, fue su modelo. Su casa en la calle Garibaldi entre Mitre y Alvear, frente a la sede de los Bomberos Voluntarios fue un centro cultural en vida de su propietario durante poco más de 60 años. Allí se reunía gran parte de las máximas figuras de las artes plásticas quilmeñas. La casa, además, adquirió renombre - como su propietario - , pues todos los años, en diciembre don Víctor y su esposa armaban en el garaje, con entrada a la izquierda de la casona, un extraordinario Nacimiento Navideño con piezas trabajadas por él, con detalles minuciosos; en torno al pesebre con las consabidas imágenes de Jesús, María y José, se agrupaban animales, pastores con sus ovejas, niños jugando, mujeres hilando con husos, labradores abriendo surcos en la tierra, cabañas iluminadas, puentes, los muros de una ciudad se elevaban sobre una colina, desde donde la guardia romana vigilaba, palmeras, etc.; las piezas estaba dispuestas de manera que las dimensiones de cada una determinaba las distancias y la perspectiva; la iluminación producía efectos que conmovían al espectador junto con un fondo musical de villancicos que se repetía en un combinado RCA Víctor, que el mismo Roverano controlaba. Falleció rodeado del afecto y la consideración de todo el pueblo de Quilmes el 6 de setiembre de 1992. Desarrollar la larga y abundosa experiencia artística de Víctor Roverano llevaría numerosas páginas y siempre se cometerían olvidos injustificables. LA CASONA ROVERANO HOY Tras la muerte de Víctor Roverano, sus herederos vendieron la propiedad a particulares. Por ordenanza municipal Nº 6085/98 el Honorable Concejo Deliberante declaró valor patrimonial histórico cultural a la casa de este artista plástico. En 2006 la Municipalidad de Quilmes la declaró Patrimonio Histórico y comenzó un enfrentamiento de intereses que sigue siendo tema de discusión en los tribunales quilmeños de varios fueros. En el 2010 el pueblo de Quilmes vio que una amenaza cayó sobre las paredes de lo que fue la casa de Roverano, pero las autoridades detuvieron cualquier acto de demolición. Recientemente la empresa que se considera propietaria subdividió el predio e intentó abrir un estacionamiento a la derecha de la casa y nuevamente intervinieron las autoridades. La casona es perfectamente reciclable. Un arquitecto avezado en construcciones centenarias, que en Quilmes los hay muy buenos, y restauradores, podrían recuperar la propiedad y junto con el Teatro Municipal con el que se comunica por los fondos, crear un polo cultural de excepción en el Partido. Recientemente el Berazategui se reciclo y recuperó en totalidad la antigua residencia de la familia Mansilla con su vasto parque de gran valor paisajista, que cuenta con obras históricas del maestro del arte cerámico Fernando Arranz, que creó en 1939 la Escuela Nacional Industrial de Cerámica en Buenos Aires, de la cual fue su primer director, allí se instaló el Museo del Golf “Roberto De Vicenzo”. La concepción de que si es viejo no sirve, o el fin utilitarista que se le ciegamente a todos los bienes que representan a una comunidad cercena la identidad de los pueblos y disgrega el sentido de pertenencia. Quilmes viene sufriendo ese mal desde hace dos décadas, no olvidemos la pérdida que sufrimos cuando entre 1995 y 1999, se nos arrebató la plaza Pintos trazada como tal en 1818, por el agrimensor Francisco Mesura. “Un pueblo sin tradición es un pueblo sin porvenir” según Alberto Lleras Camargo, y se podría agregar que un pueblo sin porvenir se debate en un permanente remolino de desencuentros y roces sin salida.

Hola, les dejo un video que hice para una entrega de Bellas Artes, donde estudio. Utilice filmaciones propias y el tema She´s Like a Rainbow de los Rolling Stone link: http://www.youtube.com/watch?v=0Bb9u0d1oRE&feature=youtu.be Gracias por pasar!

Continúa la exhibición del Grupo Mondongo hasta septiembre. La muestra ocupa dos salas, la primera alberga una serie de 15 paisajes continuados hechos íntegramente en plastilina y montados en forma de elipse. Una caminata de 45 metros por el Delta entrerriano por la vera del Río Uruguay. La otra sala cuenta con retratos y un esternón hecho de monedas de 5 y 10 centavos. Mondongo es un grupo de artistas argentinos integrado por Agustina Picasso, Juliana Laffitte y Manuel Mendanha. Trabajan juntos desde 1999 haciendo cuadros cuyo sello distintivo es el material. En sus orígenes, ante de trabajar en conjunto, eran pintores de óleo y acrílico, pero desde que decidieron trabajar y exponer en conjunto han ensayado con todo tipo de materiales, para crear collages de materiales increíbles. En las primeras obras utilizaron muchos materiales perecederos (lonchas de chacinería, galletitas, migas de pan, chicles, caramelos…) tratados con una solución de resina tóxica para evitar su corrupción. Algunos de estos materiales les han causado malas pasadas (v. g. el retrato del crítico Jorge Glusberg hecho con caramelos terminó derretido o algunos trabajados con carne que no han podido evitar la putrefacción). Ante estos problemas desde el 2005 trabajan con materiales de mayor durabilidad como hierro, plásticos y sobre todo, plastelina y e hilos de algodón, que son los materiales que predominan en la exposición. En plastelina se han convertido en virtuosos artesanos capaces de modelar pacientemente miles de formas. Horarios de Grupo Mondongo en el MAMBA : Martes a viernes: 11 a 19 hs. Sábados, domingos y feriados: 11 a 20 hs. Lunes cerrado (excepto feriados). Museo de Arte Moderno de Buenos Aires San Juan 350 Parque Lezama Ciudad de Buenos Aires Buenos Aires Tel: +54 (011) 4342-3001 Mail: [email protected] Web: www.museodeartemoderno.buenosaires.gov.ar Precio: Entrada general: $5- Martes: gratis.

Hola a todos aca les dejo info de la Escuela Municipal Carlos Morel de Quilmes, donde actualmente estoy cursando. Espero que les sirva de algo, saludos!HistoriaLa EMBA surgió en 1942 por iniciativa del entonces Concejal y Presidente de la Asociación de Cultura, Enrique Bicocchi. La propuesta se trató en la sesión del Honorable Concejo Deliberante, el 24 de noviembre de ese año, durante la Intendencia del Dr. Manuel J. Cruz.Se inauguró oficialmente 4 días más tarde, brindando enseñanza gratuita en las siguientes asignaturas: escuela coral, escuela de instrumento de arco, danzas clásicas y americanas.El 22 de marzo de 1944 fue bautizada con el nombre "Carlos Morel", en homenaje al precursor de las artes en el país y vecino de Quilmes, y ese mismo año incorporó a la enseñanza las ramas artística y técnica.El actual Conjunto Vocal de Cámara de Quilmes también nació en la EMBA, a partir de la creación de su coro estable.La escuela funcionó primero en la sede ubicada en Alvear N° 724 de nuestra localidad. En el año 1964 pasó al antiguo Palacio Municipal –hoy la Casa de la Cultura- hasta ubicarse definitivamente en la calle Sarmiento N° 625.A partir de 1970 se reconocieron oficialmente los títulos en los planes provinciales y en 1975 fueron reconocidos a nivel nacional.Por su plantel directivo, docente y egresados han pasado grandes figuras del quehacer artístico nacional e internacional. Su variedad de oferta educativa y la excelencia académica y profesional la han convertido en una de las escuelas de formación artística más importante del país.Extencion CulturalEl Departamento de extensión Cultural tiene la finalidad de generar y coordinar actividades entre la institución y la comunidad desde el punto de vista artístico, generando lazos de comunicación e intercambio con una clara intención de crecimiento e investigación en las áreas que compete al arte. ARTE X ARTE = CULTURA.CarrerasTécnico CeramistaRequisitos: 1. Escuela primaria completa. 2. Ser mayor de quince años. 3. Alumnos sin experiencia previa. 1º año: Modelado - Alfarería - Tecnología Aplicada – Tratamiento y acabado de superficie - Moldería - Dibujo y composición – Historia de la cerámica.2º año: Modelado II - Alfarería II - Tecnología Aplicada II – Tratamiento y acabado de superficie II - Moldería II - Diseño y composición – Historia de la cerámica contemporánea3º año: Modelado III - Alfarería III - Tecnología Aplicada III – Tratamiento y acabado de superficie III - Moldería III - Proyecto cerámico.Duración de la carrera: tres años.Alcance del título: Nivel Municipal.Danzas Folklóricas El objetivo general es la formación integral del bailador, como docente y como intérprete. Comprende una Formación Básica y un Profesorado en Danzas Folklóricas cuya finalidad es la docencia.FORMACION BASICA (FOBA)Duración 1 (un) año.Requisitos: 2º año Nivel Polimodal completo o 4º año Nivel Secundario.PROFESORADO EN DANZAS (DANZAS FOLKLORICAS)Para Nivel Inicial y EPB: duración 3 (tres) años.PROFESORADO EN DANZAS (DANZAS FOLKLORICAS)Para ESB y Polimodal: duración 4 (cuatro) años.Requisitos: Nivel Medio o Polimodal completo. Formación Básica para Profesorado en Danzas Folklóricas completa.Título: PROFESOR EN DANZAS (DANZAS FOLKLORICAS) para los Niveles Inicial - EPB; PROFESOR EN DANZAS (DANZAS FOLKLORICAS) para ESB y Polimodal.Incumbencia: habilita para la enseñanza en los niveles indicados en cada caso.Diseño La formación académica te permite la inserción laboral en varias actividades relacionadas con la comunicación gráfica y multimedia, ya sea como profesional independiente o en relación de dependencia en estudios de diseño, imprentas y agencias de publicidad.FORMACION BASICA VISUALES (FOBA)Duración 1 (un) año.Requisitos: 2º año Nivel Polimodal completo o 4º año Nivel Secundario.Perspectivas: Dibujo, Pintura, Grabado, Escultura, Cerámica, Gráfica, Lenguaje Visual, Percepción y Recepción del Arte, Historia del Arte y la Cultura, Introducción al Análisis.TECNICATURA EN DISEÑO GRAFICODuración 3 (tres) años, y 1 (un) año más de especialización.Requisitos: Nivel Merdio o Polimodal completo; Formación Básica en Artes Visuales completa.Títulos: Técnico en Diseño Gráfico (3 años); Diseñador Gráfico (4 años).MúsicaEl objetivo general es la formación integral del músico, como docente y como intérprete.FORMACION BASICAIngreso diferenciado por edades:FORMACION BASICA PARA NIÑOS Y PRE-ADOLESCENTESDuración 6 (seis) años.Requisitos: edad mínima 9 (nueve) años y EPB completa.FORMACION BASICA PARA JOVENES Y ADULTOSDuración 3 (tres) años.Requisitos: edad mínima 14 (catorce) años y 8º año completo.PROFESORADO EN MUSICA PARA NIVELES INICIAL Y EPBPROFESORADO EN MUSICA PARA NIVELES ESB Y POLIMODALDuración: 3 (tres) años, para Inicial y EPB; y 4 (cuatro) años para ESB y Polimodal.Requisitos: Nivel Medio o Polimodal completo. 2º Nivel o 2º año del C.M. de la Formación Básica en Música completo. Test diagnóstico de aptitud vocal.Títulos: Profesor en Música para los Niveles Inicial y EPB. Profesor en Música para los Niveles ESB y Polimodal.PROFESORADO EN MUSICA ORIENTACION INSTRUMENTODuración: 4 (cuatro) años.Requisitos: Nivel Medio o Polimodal completo. 2º Nivel o 2º año del C.M. de la Formación Básica en Música completo.Título: Profesor en Música Orientación Instrumento. En cada caso se especifica el instrumento que corresponde.Incumbencia: habilita para la enseñanza en establecimientos de Nivel Terciario.TECNICATURA EN CAPACITACION INSTRUMENTALDuración:2 (dos) años.Requisitos: EPB completa. 2º Nivel o 2º año del C.M. de la Formación Básica en Música completo.Título: Instrumentista.Incumbencia: capacita para la ejecución instrumental.TeatroFORMACION BASICA TEATRODuración: 1 (un) año.Requisitos: 2º año Polimodal completo o 4º Nivel Secundario.Perspectivas: Actuación, movimiento, Voz, Escenoplástica, Iniciación en el Análisis de la Producción Teatral, Rítmica y Danzas.TECNICATURA EN ACTUACION TEATRALDuración 3 (tres) años.Requisitos: Nivel Medio o Polimodal completo; Formación Básica en Teatro completa.Título: Actor - Actriz.Artes VisualesFORMACION BASICA VISUALES (FOBA)Duración 1 (un) año.Requisitos: 2º año Nivel Polimodal completo o 4º año Nivel Secundario.Perspectivas: Dibujo, Pintura, Grabado, Escultura, Cerámica, Gráfica, Lenguaje Visual, Percepción y Recepción del Arte, Historia del Arte y la Cultura, Introducción al Análisis.PROFESORADO EN ARTES VISUALES PARA NIVELES INICIAL Y EPBDuración: 3 (tres) años.Requisitos: Nivel medio o Polimodal completos; Formación Básica en Artes Visuales completa.Título: Profesor en Artes Visuales para los Niveles Inicial y EPB.PROFESORADO EN ARTES VISUALES PARA NIVEL ESB Y POLIMODALDuración: 4 (cuatro) años.Requisitos: Profesorado en Artes Visuales para Niveles Inicial y EPB.Título: Profesor en artes Visuales con Orientación en Pintura, Grabado, Escultura para los Niveles ESB y Polimodal.Sarmiento 625 Quilmes Este, entre Rivadavia y Alem- EMBATel.: 4254-8006sitio web:[/size]link: www.embacarlosmorel.com.ar Post de mis trabajos:link:

Anti-monumentos Es curioso, no hay mejor forma de invisibilizar algo que evidenciarlo todo lo posible. Este hecho (conocido y utilizado por los políticos) es especialmente obvio en el caso de los monumentos, esculturas públicas de gran tamaño que pasan desapercibidas para la mayoría de los transeúntes, condenado al olvido a los hechos o personajes que precisamente se pretenden recordar. «Un monumento —decía el dramaturgo Harold Pinter— es la mejor prueba de que nos hemos olvidado de alguien». Desde los años 60, diversos artistas han jugado con este efecto de visibilidad e invisibilidad de los monumentos y a invertir la legitimación ideológica que tratan de imponer. A continuación hablamos de algunos ejemplos: Jochen Gerz - Monumento contra el fascismo (Hamburg-Harburg, Alemania 1986). Esta obra fue realizada por la pareja de artistas Jochen Gerz y Esther Shalev-Gerz. En 1986 colocaron al lado de un puente peatonal en Hamburgo-Harburg una estela con revestimiento de plomo de 12 metros de altura. Por su forma de columna, el objeto denominado "Monumento contra el fascismo y la guerra" a primera vista se asemeja a un monumento tradicional. Sin embargo, los artistas invitaron a escribir la superficie de la estela con observaciones personales o políticas. El monumento fue hundido sucesivamente durante los años siguientes, hasta que en 1993 desapareció totalmente de la superficie y actualmente sólo se puede observar a través de una ventana. El monumento —señala Gerz— no puede exonerar a los ciudadanos maduros de la responsabilidad de desarrollar una conciencia política crítica y activa ya que, como se puede leer en una placa situada sobre el suelo junto al monumento hundido, "a la larga, no hay nada que pueda alzarse contra la injusticia excepto nosotros mismos". Con este concepto los artistas crearon una imagen concisa de la "desaparición del monumento". Los lugares vacíos de estos monumentos negativos de Hoheisel y Gerz no sólo hacen referencia a las rupturas y a las pérdidas históricas, sino que delegan directamente en los visitantes la tarea de recordar y de llevar a cabo acciones con fundamento moral. Walter De Maria – The Vertical Earth Kilometer. Para este monumento invisible creado para una documenta de Kassel, Walter de María perforó un kilómetro vertical en el suelo de Friedrichsplatz (una plaza céntrica) y llenó el agujero con barras de latón macizas de 5 cm. de diámetro, desde arriba solo se ve una chapa y en el medio el corte transversal redondo de la barra. Santiago Sierra - Monumento a la Desobediencia Civil (2012) El pasado día 20 enero, en el cuarto aniversario de la revolución islandesa, Santiago Sierra colocó el primer Monumento a la Desobediencia Civil enfrente del Parlamento islandés en Reykjavík, mientras en su interior se decidía si procesar al antiguo primer primistro Geir H. Haarde. El monumento consiste en una roca volcánica que es partida por una cuña negra. En la roca se ha colocado una placa en la que se puede leer uno de los artículos de la Declaración de los derechos del hombre y el ciudadano (1793) que dice: “Cuando el gobierno viola los derechos del pueblo la Insurrección es para el pueblo y para cada porción del pueblo, el más sagrado de sus derechos y el más indispensable de sus deberes”. Piero Manzoni – La base del mundo (1961) Esta simpática obra conceptual de Piero Manzoni fue construida en la localidad danesa de Herning y consiste en un pedestal cúbico dado la vuelta. La idea que transmite resulta de una claridad meridiana: dicho pedestal sostiene y presenta al mundo entero como el ideal de obra de arte, de forma que toda especie animal, vegetal o mineral contenida en nuestro planeta se transmuta automáticamente en una creación artística digna de admirar como tal. Charles Robb - El monumento invertido Ubicado en la ciudad de Melbourne, Australia, es una obra que realizó el escultor australiano Charles Robb, y uno de los homenajes a una de las personas más significativas de la historia de la colonización de Australia, el Primer Vice-Gobernador de la Colonia de Victoria, Charles La Trobe. “Eso es notable y es recordado mejor” – pensó el escultor australiano de Melbourne. El monumento, presentado en la exposición Making Melbourne en 2007, causó la reacción inunívoca – algunos lo consideraron como una idea valiente y original, y algunos – vieron en el esta idea la ofensa de la memoria del hombre. Pero en cualquier caso, antes de la instalación de un “monumento por el contrario,” no había un monumento normal al honor de La Trobe en Melbourne, y él apareció posteriormente, lo que significa que Charles Robb consiguió su objetivo. Ahora el monumento se instala permanentemente en el campus de la Universidad de La Trobe en el área de Bandoora, en Melbourne. Maurizio Cattelan - Fuck You (2010) Sin palabras. El provocador monumento del artista italiano situado frente al edificio de la bolsa es suficientemente explícito. Pegaso de Legazpi El conjunto escultórico “La gloria y los Pegasos” situado en la plaza madrileña de Legazpi lleva tiempo envuelto con unas lonas blancas al más puro estilo de Christo and Jeanne-Claude. Sin embargo no se trata de una actuación artística sino de una demora administrativa del ayuntamiento de la capital que pretende trasladar el conjunto a otro lugar, pero las cosas de palacio van despacio. Lo interesante del asunto es que al tapar el monumento este ha cobrado mucha más visibilidad, despertando la curiosidad y el interés de aquellos que se lo encuentran. El cuarto pilar de Trafalgar Square Uno de los cuatro pilares que rodean al almirante Nelson en Trafalgar Square lleva años siendo utilizado como pedestal para intervenciones artísticas contemporáneas. En una de ellas, el pilar era cedido para todo aquel que quisiera subirse a realizar cualquier actividad. En la actualidad podemos ver un balancín ecuestre de los artistas Elmgreen y Dragset. Jugando con los monumentos Por último traigo dos casos de esculturas monumentales reutilizadas como elementos lúdicos del espacio público. La primera pertenece a una obra de la artista polaca Kamila Szejnoch Fin del Post

John William Waterhouse Nace en Roma en Abril de 1849, ciudad en la que sus padres, ambos pintores, residen durante algunos años. Siempre fue conocido como Nino, diminutivo del nombre Giovannino. En Inglaterra, estudia en el taller de su padre y más tarde en la Royal Academy School desde 1870. Sus primeras pinturas clásicas estuvieron muy influenciadas por Alma Tadema. En 1872 exhibe sus obras en la Sociedad de Artistas Británicos y así también en 1874. Con 28 años viaja al extranjero, especialmente por Italia, y se puede observar una clara influencia italiana en sus obras de estos años y ciertas alusiones a su infancia y los lugares donde ésta transcurrió. Sus primeras obras tienen ciertas reminiscencias orientales pero la mayoría de las pinturas de estos años (hacia 1880) están basadas en la historia antigua. Grecia y Roma fueron sus predilectas dentro de la cultura clásica, como vemos en “Consultando el Oráculo” (”Consulting the Oracle”) de 1884 donde un grupo de mujeres griegas esperan la profecía del oráculo. En esta obra es clara la influencia del ya mencionado gran pintor Alma Tadema, uno de los más representativos dentro de los prerrafaelitas. Así mismo, Leighton será referencia constante en la obra de Waterhouse. Desde 1880 comienza a basarse en temas principalmente literarios, en poemas de escritores como Tennyson (como “Lady of Shalott” de 1888) y más tarde en Homero Esta obra fue pintada en 1888, exhibiéndose en 1894. Actualmente se halla en la Tate Britain de Londres. El pintor realizó tres obras sobre el mismo tema, inspiradas, como ya dijimos, en un poema con el mismo título de Tennyson, que forma parte de la antología clásica victoriana: The Lady of Shalott (1888), Lady of Shalott. Looking for Lancelot (1894), y I am half sick of shadows, said the Lady of Shalott (1916). Concretamente, cuenta la historia de Elena, la dama de Shalott, que fue encerrada en una torre donde tejía noche y día. Un susurro le anunció que le aguardaba una horrible maldición si miraba en dirección a Camelot: aunque desconocía en qué consistía la maldición, seguía tejiendo sin parar. Nadie la conocía, ya que vivía encerrada; algunos campesinos creían oírla cantar por las mañanas, al amanecer, y se referían a ella como a un hada. Su contacto con el mundo era a través de un espejo, que reflejaba la ventana, que le mostraba Camelot. En las telas que tejía se reflejaba lo que ella veía a través de ese espejo, como las aventuras de los Caballeros de la Mesa Redonda. Un día, a través del espejo, Elena vio a Lancelot y se enamoró de él. Dejó de coser y, sin poder evitarlo, miró hacia Camelot. En ese momento, el espejo se quebró, las telas salieron volando por la ventana y la maldición cayó sobre ella. Bajó de la torre y cogió una barca. En 1883 se casa con Esther Kenworthy en Ealing, al este de Londres. No tuvieron ningún hijo. La vida en pareja se desarrolla en una colonia en Primrose Hill, en una zona de estudios habitados por pintores. Hacia 1890 conoce a una bella modelo que protagonizará la mayor parte de sus grandes obras desde la fecha y se cree que se llamó Muriel Foster. Durante estos años goza de gran reputación y su arte se compara con la de Burne-Jones y Leighton. "Boreas"-1902 "Destyni"-1900 "Ophelia"-1894 "My Sweet rose" o "The Soul of the Rose"- 1908 "The Shrine"- 1895 A Waterhouse se le ha clasificado como prerrafaelita aunque se puede decir que es un pintor mucho más clásico. Indudablemente, fue uno de los que en 1880 reviviera las temáticas y personajes popularizados por el movimiento Prerafaelita. Como ellos, la figura de la belleza femenina, a veces “mujer fatal”, es el centro de su obra, aunque se puede decir que él creo un modelo de belleza muy personal, muy femenino, un tanto exótico y antiguo a la vez. Así mismo, los paisajes majestuosos, misteriosos, en los que muchas veces sus mujeres se ven inmersas y muchas de las historias que nos narran son propios también de esta corriente pictórica. En 1885 fue elegido ARA (Asociado a la Real Academia) y RA (Academico) en 1895. Hacia 1900 se muda con su mujer a St. Johns Wood, una zona que nos hace ver su buena situación económica y la necesidad de formar parte de una comunidad artística. Desde el inicio de su carrera tuvo un estilo definido que fue perfeccionando con los años, con ciertos cambios, pero siempre manteniendo su gran realismo, sus mujeres que parecen de carne y hueso y las atmósferas fantásticas que reflejan a la perfección esas escenas ya sean de temas clásicos o literarios. Hacia principios del siglo XX comienza a considerarse su estilo un tanto caduco pero es importante resaltar el hecho de continuación con un arte y un estilo que no era el propio de su generación, así como la influencia que tuvo en artistas jóvenes como Arthur Hacker, Herbert James Draper y Byam Shaw. En este siglo fue influenciado por el Impresionismo, y se muestra más tranquilo utilizando colores más claros y brillantes. Recibió un gran apoyo de la revista The Studio. Sir Henry Tate fue su mecenas y la Tate Gallery cuenta hoy entre sus obras con “Santa Eulalia” (”Saint Eulalia”) de 1885. Después del mecenazgo de Tate, fue patrocinado por Alexander Henderson, que le compra varias obras desde 1903 hasta 1917, entre ellas “Lamia” de 1905. Hacia el 1900, influenciado por el Impresionismo, se muestra más tranquilo y utiliza colores más claros y brillantes. En 1917 muere de cáncer en Londres con 68 años, trabajando fructíferamente hasta el final de sus días como reflejan sus dos últimas obras, que compró Lord Leverhume y que hoy se conservan en la Lady Lever Gallery. Las obras que se encontraron en su taller fueron subastadas en Christies, Londres, el 23 de Julio de 1926. De las 200 obras que pintó a lo largo de su vida, gran parte se encuentra en Inglaterra: en Londres están “La Sirena” (”The Mermaid”), que le sirvió como diploma en la Royal Academy. En la Walter Art Gallery de Liverpool se encuentran “Eco y Narciso” (”Echo and Narcissus”) donde se recoge el sentido del narcisismo. Y en Manchester está “Hylas y las ninfas” (”Hylas and the Nymphs”). Muchas de sus obras han sido compradas por galerías australianas. El estilo pictórico de Waterhouse se mantuvo prácticamente inalterable en toda su vida, pero en cualquier caso, la temática de sus obras va cambiando según la etapa que atravesaba.. Link de su catalogo de obras: http://es.wikipedia.org/wiki/Anexo:Obras_de_John_William_Waterhouse

Andreas Preis Diseñador Grafico e Ilustrador Alemán, con base en Núremberg, hoy te presentamos al artista digital Andreas Preis y su ultimo trabajo, ]Alive. Con un estilo bastante único y particular, este proyecto se destaca por por su impacto visual y por la calidad de sus ilustraciones, además de usar una mezcla de técnicas tradicionales y digitales. ALIVE, es un proyecto puramente personal del artista y esta basado en diferentes animales y sus significados. Con una técnica que mezcla pintura tradicional hecha con tintas o acuarelas y retoques digitales, estas imágenes resultan maravillosas y de gran armonía, ademas de tener un estilo vitral o mosaico bastante interensante. Su talento ya lo ha llevado a trabajar para clientes como DC Comics, ESPN Classics, Nike, la revista Digital Arts y TBWARoma entre otros. FIN DEL POST Gracias por pasar!