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Helmut Disch: Helmut Ditsch (Villa Ballester, Provincia de Buenos Aires, 1962) es un pintor argentino contemporáneo, identificado dentro del hiperrealismo. Nació en en el seno de una familia de origen germano. En 1988, se estableció en Austria, estudiando en la Academia de Bellas Artes de Viena. Logró el reconocimiento de la crítica al realizar una obra para el Banco Nacional de Austria, valuada en aproximadamente 300.000 dólares. Es en el presente, el artista argentino (vivo) mejor cotizado del mundo. Está casado con Marion, una alemana que conoció cuando él tenía 29 y ella 19, momento desde el cual no se separaron. En 2008 lanzó al mercado europeo una serie de vinos de Alta Gama bautizados como "Cuyucha Mansa by Helmut Ditsch", dos exclusivos malbec Reserva y Gran Reserva cosecha 2005, concebidos enteramente en sus propios viñedos de la Provincia de Mendoza, junto a su hermano Herbert Ditsch. Su precio ronda los €200 por botella, con lo cual se convirtió en el vino argentino más costoso que se haya lanzado al mercado mundial. Actualmente reside en un castillo en Dublín, Irlanda. Además, tiene otro atelier ubicado en Viena. Cronologia: 1962 Nace en Buenos Aires, Argentina. 1969 La temprana muerte de su madre termina con una infancia despreocupada. 1970 Hasta entonces influenciado por la infinita llanura de las pampas, descubre las altas cumbres andinas. La añoranza de lejanía llega a convertirse en una constante de su vida. 1980-82 Servicio militar en la Marina Argentina. 1983 Ditsch comienza a trabajar en Buenos Aires como artista independiente. 1984 Estadía de trabajo en EE.UU. 1985 Como reacción a sus primeras experiencias con las galerías interrumpe su labor de artista y se dedica a la escalada extrema. Realiza numerosas expediciones a los Andes argentinos. 1986 Reanuda la actividad artístico pictórica y la búsqueda de alternativas al negocio de las galerias. Ditsch se aleja del surrealismo y deja que sus vivencias como escalador impregnen su pintura. 1988 Se radica en Viena, Austria. 1988–93 Estudios de pintura y licenciatura en la Academia de Bellas Artes de Viena. 1991 Realiza la serie Zyklus (Ciclo). 1993 Finaliza el primer cuadro de gran formato. 1994 Ditsch traslada su atelier en un antiguo hogar de niños cerca de Viena. Encuentro con el legendario alpinista Reinhold Messner en Meran, Italia. 1995 Viaje de estudio a Argentina. Atraviesa el Hielo Continental Patagónico. 1996 Realiza la pintura panorámica Klagenfurter Becken por encargo de la BIG, República de Austria. Estudio del tema “Los diez mandamientos” en la península del Sinai. 1997 Invitación a participar en el certamen artístico organizado por el OeNB II, Banco central de Austria. 1998 Ditsch pasa varias semanas aislado en los Alpes austríacos preparando varios estudios para la obra Das Gebirge (La Cordillera). 1999 Tras dos años de trabajo, el artista termina la pintura Das Gebirge (La Cordillera), 150 x 1190 cm, para el OeNB, Banco central de Austria. Realiza la obra Grossglockner II por encargo de la BIG, República de Austria. Nominado para el Premio Anton Faistauer. 2000 Ditsch traslada su atelier a Irlanda, donde también reside. 2001 Ditsch encuentra el músico argentino Charly García en Buenos Aires. 2002 Finaliza la obra Das Eis und die vergängliche Ewigkeit (El Hielo Y La Eternidad Transitoria) para la BIG, República de Austria, y Los Hielos para la agencia Agulla & Baccetti, Buenos Aires. Pinta la obra Reducción, una miniatura de 2 x 5 cm, inspirada en la obra monumental Das Eis und die vergängliche Ewigkeit. 2003 Realiza la obra Under Your Sign (Bajo Tu Signo), 800 x 360 cm, para la sede central de la empresa constructora STRABAG de Viena. Viaje de estudio a los Andes chilenos para la obra Aguas blancas. Brinda diversas conferencias sobre arte en universidades de la República Argentina. Viaje de formación a la costa oeste irlandesa (Loop head). 2004 Finaliza la obra Also sprach Zarathustra (Así habló Zarathustra) a pedido de la empresa CUUBUUS Real Immobilien. Realiza las obras Cafayate y Das Meer I a pedido de la República de Austria. 2005 Completa el ciclo “Grandes Temas naturales” con la obra Das Meer II. Editorial Prestel edita la primer monografía sobre la obra de Helmut Ditsch. 2006 Muestra plastica y presentacion de la primer monografia en la 32ª Feria Internacional del Libro de Buenos Aires. Inauguración del MMM Firmian (Messner Mountain Museum) Bozen, Italia y presentacion de la obra K2. Exposiciónes unipersonales (selección): 1983 Municipalidad de San Martín, Buenos Aires Centro Cultural Teatro San Martín in Buenos Aires, Argentinien 1995 Hipp-Halle, Gmunden, Österreich 1997 Bau Holding Kunstforum, Klagenfurt 2001 Museo Nacional de Bellas Artes, Buenos Aires Museo Nacional de Bellas Artes, Santiago de Chile 2002 Meister / Werke im Belvedere (4), Museum Österreichische Galerie Belvedere, Wien 2003 Kunsthalle Krems, Krems, Österreich 2005 The Triumph Of Nature, “tresor” en el BA-CA Kunstforum, Viena 2006 32ª Feria Internacional del Libro de Buenos Aires, Buenos Aires, Argentina Premios: 1990 Premio de la clase magistral – Academia de Bellas Artes de Viena. 1993 Premio al mérito del Ministerio Federal de Ciencias e Investigación de Austria. 1997 Premio especial del Bau Holding Kunstforum. Fuentes: http://www.helmut-ditsch.com/espanol/Artist-s/Artist%20Frameset.html http://es.wikipedia.org/wiki/Helmut_Ditsch un videito Bueno y aca algunas de sus obras: (son pinturas no fotos! ) Mas pinturas en la pagina oficial del señor pintor:

Estas son algunas huevadas que escribo de vez en cuando... opien, comenten, critiquen!!! pero no me recalquen las faltas de ortografia Mi generación despertó Con luces en los zapatos, Botones en los dedos, Metales perforando nuestra piel, Comida basura para saborear, Y tecnología para todo. Aparatos diminutos para poder comunicarnos aparatos diminutos para que la música camine con nosotros aparatos cada vez mas pequeños, aparatos, cada vez mas… y detrás u plan: que los dedos se acalambren presionando botones y teclas que la piel se nos pudra de tanto metal y aros. Que los televisores os dejen ciegos y tontos además, bastante torpes e ignorantes Ese plan darnos todo, dejarnos son nada. Mi generación duerme fresca en un shopping de ambiente climatizado y cadenas de pies a cabeza. Espirales, gotas, furia, componiendo una imagen. Sangre, lo eterno. Girando sobre un mismo eje. Llorando. Corroida por la demencia, paranoia. Exentricidad, recuerdos, memoria. Su rostro, el mio, el olvido. Un momento, palabras, Espirales, gotas, lagrimas Un momento, vos, yo, la calma El tiempo, color, silencio Confucion, nosotros, NADA. Este es uno de mis preferidos Con el cerebro completamente vacio intentaba escribir algo que fuese medianamente revelador. solo queria dejar de funcionar como una maquina, asi me sentia. Tratando de olvidar todo aquello que me pudiese influenciar desestailizar un todo, un nada, y aquello que brilla. destruir lo etico y lo moral acabar con lo razonable. Ajena a la batalla que sacudia mi mente mientras mis creaciones me repugnaan me fasinaban. Ostentosas, tan llenas y vacias tan propias, tan nada. Catastroficamente perfectas. Provocativas, falsas, reales, surreales, da igual. Un artista que no se glorifica a si mismo apesta, repugna, Un artista que no se ama y se odia al mismo tiempo con un ferbor inclasificable, no es digno de ser. Aquel que se siente excluido de la masa, que sabe ser diferente y se siente exclusivo y miserable a la vez es realmente un artista (aunque o lo note) Aquel que le abuelta en el pecho como un fetido feto en gestacion La venganza, vergüenza Villania, rencor, artista. El que con cada trazo, cada pincelada deja un hilo a la luz de si mismo Abstracto, ajeno, indesifrable, enigmatico paranoico, y sobre todo deemente. Ese es el artista, el que ahogado en sus prpias desdichas sabe todavia gritar lo que siente. y con un silencio, soltar un unico y último alarido para que lo noten para que lo sientan, para que lo vean, para que comprendan, y para salvarse, solo de si mismo. Quisiera decir tanto y no digo nada. Decir que vi un antilope pasar por la vereda y decir que vi un circulo perfecto e el cielo formado por nubes. Poder gritar que me enferma y llorar cuando esucucho que hay mas de mi en este mundo encerrado y que no hay otra alternativa estrellada en el piso rodeada de moho. Quiero poder reir sin soberbia cuando veao a la gente odiar sin sentido alguno, ninguno o quizas si. Ojala pudiese decir nada cuando digo tanto, pero hablo demaciado, mas de lo que en relidad quiero decir. solo por hoy, algo insolito, una refleccion de la clase algo normal, como si fuera verdad la mentira de aquellos que se desviven por ensconder la paranoia. Solo por hoy en algun punto dejar la exigencia y tener derecho al reclamo de aquella que ya esta roto. Me gusta desprender lo inestable de la sensibilidad, con afiches que señalan sus fallas, pero no lo digo. Mi vision luminosa de la vida parece sufrir de un corto, pero hipersensible. Y derepente me encontre en un bar a las 3 d ela mañana de un viernes cualquiera bebiendo cerveza, frente a personas que halaban de Freud, Nietsche o sobre algun tema para gente intelectual. Gente "culta", "bohemia" y yo en el silencio luchaba por despejar de mi cabeza la nube de alcohol. Si alli estaba mientras ellos hablaban Alli estaba yo tan distante llorando, sola entre tanta gente. El calor me derrite. Nos encontramos todos completamente sumergidos en un caldo de sudor y bronca, locura, demencia, recuerdos, fantasmas. Somos como los creditos de una pelicula, estamos pero nadie nos ve. nuestro paso por la tierra no es seguro ni eterno. Somos insignificantes, minimos. Pero aqui estamos, por casualidad o destino, aqui estamos pero, shhhhhh... nadie lo nota. Los personajes de una pelicula muda, podemos gritar hasta que la garganta sangre pero seria inutil como todo lo que hacemos ¿acaso alguien lo nota? solo un sordido eco entre millones de muecas intentando decir algo. Nadie nos oye, nadie te oye, aqui estoy ¡ayuda! y asi de a poco volcamos nuestra mirada hacia el nuevo Reality Show, vaciando nuestros cerebros, como lo hara la droga, quedando insulsos, faltos de contenido. Chatos, lisos, fundiendo y mezclando nuesttra esencia. Creando una gran masa uniforme de la que inevitablemente seremos parte por voluntad o a la fuerza. nos desvanecemos, el cuerpo todo, incluso algunas neuronas, tic-tac, se aproxima nuestro verdugo. El reloj continua destrullendonos, envejeciendonos, eliminandonos. Él, el mas astuto, invisible, poderoso,invensible.. el arma disparada en nuestra contra.... Inevitable tiempo.. ¿nunca te detendrás? El reloj y el tic- tac me volvieron loca y quise que la frase el tiempo vuela fuese literal. asi que tome el reloj y lo arroje por la ventana y voló literalmente. Y me senti parte del tiempo porque yo tambien vuelo asi que tambien, me arroje por la ventana. Gigantes de madera con frondosas melenas observan desde lo alto Luciernagas petrificadas incandilan la ciudad de almas polarizadas mientras yo muero en la cuna donde yacen las ideas.

El Apoclipsis no es mas que fábula. Llegué a tu guarida y me encontré rodeada de majestuosas figuras e imágenes angelicales observándome. Comencé a sentir la paranoia. Esos rostros que intentan inspirar tranquilidad, equilibrio, paz interna, pero que si los observo solo me transmiten una cosa: demencia. La demencia que puede desatar una sola idea sobre todos nosotros, personas, humanos. Empecé a cuestionarme ¿Por qué estás aquí? ¿Qué sentido tiene dar la vida por millones de personas que dudan de tu existencia? Y estas ahí, tan muerto y resucitado, y nosotros sentados cantando salmos que suponen ser hechos reales que invocan a tu presencia. Aunque si lo analizo , según dicen, estas presente en cada uno de nosotros, entonces para mi cada día se muere algo de ti, el niño inocente asesinado, la niña que jugando a la mamá paso a serlo, el abuelo que muere abandonado, lo joven suicida, el adolescente homicida, los hipócritas que escriben tu mensaje a cambio de dinero. ¿Pero a quién le hablo? No sos más que cemento moldeado en figura humana clavado en una cruz sangrando pintura. Catedrales, iglesias, templos, capillas, sinagogas, mezquitas, negocios, mercados, política. Judíos, católicos, musulmanes, mormones, musulmanes, are krishnas, budistas, suicidas, dementes, homosexuales, sanos, enfermos, pobres, ricos, mentirosos, dependientes sistemáticos, artistas, trabajadores, empleados, negros, blancos, estudiantes, latinos, orientales, europeos, empresarios, xenofobia… todo hormonas de la misma carne de la misma sangre, y el cemento mirándome. Cruces castigándome por no ser retrograda, por pensar distinto y pobres de aquellos que gritan ¡arderás en el infierno! Ingenuos, no notan que cielo e infierno están aquí mismo. Dios y Lucifer somos nosotros intentando responsabilizar a algo de lo que no podemos o no queremos hacernos cargo. Levanto la mirada y observo nuevamente, la puñalada que derramo tu rojo veneno rogando que no hallas escuchado mi pensamiento: pecado impuro No me miren he aquí judas. Guardianes de los cielos vigilándome, rostros que me acusan, pasillos poseídos de egocentrismo ahorcándome lentamente. Y el cemento mirándome. No hay donde esconderse, se vuelca la fuente de tu agua bendita quemándome. La joven suicida, el adolescente homicida, el comienzo de la vida, me libero de tu acusadora mirada, no tengo nada que venerar, el Apocalipsis no es mas que fabula. Dejen comentarios!!!

DADAISMO. Aca les dejo un fragmento del manifiesto dadaísta publicado en 1918 en la revista "Dada de zurich" N° 3 escrito por traistan tzara. Si les gusta pueden leerlo entero en: http://www.ideasapiens.com/textos/Arte/manifiesto%20dadaista.htm Para lanzar un manifiesto es necesario: A, B,C. irritarse y aguzar las alas para conquistar y propagar muchos pequeños y grandes a, b, c, y afirmar, gritar, blasfemar, acomodar la prosa en forma de obviedad absoluta, irrefutable, probar el propio non plus ultra y sostener que la novedad se asemeja a la vida como la última aparición de una cocotte prueba la esencia de Dios Dada no significa nada Si alguien lo considera inútil, si alguien no quiere perder tiempo por una palabra que no significa nada….El primer pensamiento que se agita en estas cabezas es de orden bacteriológico…, hallar su origen etimológico, histórico o psicológico por lo menos. Por los periódicos sabemos que los negros Kru llaman al rabo de la vaca sagrada: DADA. Yo destruyo los cajones del cerebro y los de la organización social: desmoralizar por doquier y arrojar la mano del cielo al infierno, los ojos del infierno al cielo, restablecer la rueda fecunda de un circo universal en las potencias reales y en la fantasía individual. Si yo grito: IDEAL, IDEAL, IDEAL, conocimiento, conocimiento, conocimiento bumbúm, bumbúm, bumbúm, registro con suficiente exactitud el progreso, la ley, la moral y todas las demás bellas cualidades de que tantas personas inteligentil han discutido en tantos libros para llegar, al fin, a confesar que cada uno, del mismo modo, no ha hecho más que bailar al compas de su propio y personal bumbúm y que, desde el punto de vista de tal bumbúm, tiene toda la razón: satisfacción de una curiosidad morbosa, timbre privado para necesidades inexplicables; baño; dificultades pecuniarias; estómago con repercusiones en la ‘ida; autoridad de la varita mística formulada en el grupo de una orquesta fantasma de arcos mudos engrasados con filtros a base de amoniaco animal. Con los impertinentes azules de un ángel han enterrado la interioridad por cuatro perras de unánime reconocimiento. La espontaneidad dadaísta Yo llamo amíquémeimportismo a una manera de vivir en la que cada cual conserva sus propias condiciones respetando, no obstante, salvo en caso de defensa, las otras individualidades, el twostep que se convierte en himno nacional, las tiendas de antigüallas, el T.S.H., el teléfono sin hilos, que transmite las fugas de Bach, los anuncios luminosos, los carteles de prostíbulos, el órgano que difunde claveles para el buen Dios y todo esto, todo junto, y realmente sustituyendo a la fotografía y al catecismo unilateral. Y me gusta mezclar en este momento con tal monstruosidad los colores al mezclar en este momento con tal monstruosidad los colores al óleo: un tubo de papel de plata, que, si se aprieta, vierte automáticamente odio, cobardía, y villanía. El artista, el poeta aprecia el veneno de la masa condensada en un jefe de sección de esta industria. Es feliz si se le insulta: eso es como una prueba de su coherencia. El autor, el artista elogiado por los periódicos, comprueba la comprensibilidad de su obra: miserable forro de un abrigo destinado a la utilidad publica: andrajos que cubren la brutalidad, meadas que colaboran al calor de un animal que incuba sus bajos instintos, fofa a insípida carne que se múltipla con la ayuda de los microbios tipográficos. Hemos tratado con dureza nuestra inclinación a las lagrimas. Toda filtración de esa naturaleza no es mas que diarrea almibarada. Alentar un arte semejante significa diferirlo. Nos hacen falta obras fuertes, rectas, precisas y, mas que nunca, incomprensibles. La lógica es una complicación. La lógica siempre es falsa. Ella guía los hilos de las nociones, las palabras en su forma exterior hacia las conclusiones de los centros ilusorios. Sus cadenas matan, minirapodo gigante que asfixia a la independencia. Ligado a la lógica, el arte viviría en el incesto, tragándose su propia cola, su cuerpo, fornicando consigo mismo, y el genio se volvería una pesadilla alquitranada de protestantismo, un monumento, una marcha de intestinos grisáceos y pesados. fuente: http://www.ideasapiens.com/textos/Arte/manifiesto%20dadaista.htm mini-biografia del fundador del movimiento Tristan Tzara Tristán Tzara (1896-1963), ensayista y poeta francés nacido en Rumania y conocido principalmente por ser el fundador del movimiento dadaísta. Primero en Zürich y más tarde en París, Tzara escribió los primeros manifiestos del movimiento, en los que definía sus principios nihilistas. Alrededor de 1930 abandonó el pesimismo y la esterilidad propios del dadaísmo y se interesó por el surrealismo. Se unió a la Resistencia francesa durante la II Guerra Mundial y una vez terminada la guerra desplazó su visión poética hacia los problemas más reales que amenazaban a la humanidad. Fuente: http://raulygustavo.tripod.com/LUSigloXX5a/id4.html Libros que se pueden consultar referidos al dadaismo: Autor/es: Setton, Yaki (compilador) Título: La revuelta surrealista Edición:2ª ed. Publicación Buenos Aires: Coquena Grupo Editor, 1990 Autor/es:Stangos, Nikos (compilador) ; Sánchez Blanco, Joaquín (traductor) Título: Conceptos de arte moderno Edición: 1ª ed. Publicación Madrid : Alianza Editorial, 1989 Autor/es: Raymond, Marcel ; Domenchina, Juan José (traductor) Título: De Baudelaire al surrealismo fuente: http://www.bnm.me.gov.ar/cgi-bin/wxis.exe/opac/?IsisScript=opac/opac.xis&dbn=BINAM&src=link&tb=tem&query=DADAISMO&cantidad=10&formato=&sala= Bueno espero que les guste les sirva los inspire lo que sea y comenten, opinen!!! y por ultimo: Libertad: DADA, DADA, DADA, aullido de colores encrespados, encuentro de todos los contrarios y de todas las contradicciones, de todo motivo grotesco, de toda incoherencia: LA VIDA.

MADI Movimiento, Abstracción, Dimensión, Invención. ¿Qué es MADÍ? ¿De qué se trata? El Movimiento Madí es una corriente artística iniciada en 1946 en la Argentina en 1946 por el plástico y poeta argentino-checoslovaco Gyula Kosice. Se trata de una propuesta para todas las ramas del arte (dibujo, pintura, escultura, música, literatura, teatro, arquitectura, la danza, etc.) basada en la extremación de los conceptos de "creación" e "invención", con el fin de liberar la creación artística de las limitaciones "externas" a la obra misma y expandir ilimitadamente todas las posibilidades que derivan de la continuidad de la obra de arte. Entre los artistas que integran el Movimiento Madí se encuentran Carmelo Arden Quin, Rhod Rothfuss, Martín Blaszko, Waldo Longo, Juan Bay, Esteban Eitler, Diyi Laañ, Valdo Wellington, entre otros. Orígen del termino Como ha explicado el propio Gyula Kosice, El nombre "Madí" proviene del lema republicano en la Guerra Civil Española, "Madrí, Madrí, no pasarán".El término también se considera como un acrónimo de cuatro conceptos artísticos básicos: Movimiento, Abstracción, Dimensión, Invención. Sobre los artistas que integran el movimiento y algunos de sus documentos: Carmelo Arden Quin Nace el 16 de Mayo de 1913 en Rivera (Uruguay) con el nombre de Carmelo Heriberto Alves. Antes de llegar a la Argentina a fines de la década del ’30, vive en Brasil y Uruguay. Es poeta y escritor político; en 1944 junto a un grupo de artistas entre los cuales se destacan: Torres García, Lidy Prati, Hlito, entre otros, inicia su labor teórica al elaborar y publicar la revista "Arturo" de artes abstractas. Al año siguiente los animadores de dicha revista se dividen y Arden en compañía de Martín Blaszko, Rothfuss y Gyula Kosice instauran el movimiento Madí que edita, entre los años 1947 y 1950, la revista "Arte Madí". En 1948 lleva el Madismo a París; luego retorna a Buenos Aires en 1955, donde organiza con el poeta Aldo Pellegrini, la "Asociación Arte Nuevo", que reúne artistas geométricos y abstractos. Finalmente en 1956 parte a París. Sus pinturas y esculturas realizadas preferentemente en planchas finas de madera o metal son de variadas formas y en sus superficies planas o curvas introduce dibujos de líneas geométricas. Son las condiciones materiales...", en: revista Arturo, Buenos Aires, 1944, s/p. Son las condiciones materiales de la sociedad, las que condicionan las superestructuras ideológicas.El arte, superestructura ideológica, nace y se desarrolla en base a los movimientos económicos de la sociedad.Esa es la revelación que sobre el arte hace el materialismo histórico.Para la exacta interpretación del arte, en su función histórica, debe establecerse este orden dialéctico. Primitivismo Realismo Simbolismo.En este orden aparece el arte a todo lo largo de la historia.Hasta ahora la característica fundamental de estos órdenes han sido la expresión, la representación y la significación.En el Primitivismo, el hombre, desarmado de razón y espacio ante las fuerzas exteriores (seres, elementos; los dos igualmente “cosas” para él) que lo presionaban, no ha podido menos que representar sus temores, indecisiones, búsquedas, transformados en supersticiones, magia, signos, en sus obras; lo que devino expresión para la naturaleza.Sería, sin embargo, recaer en la interpretación idealista, si hiciéramos con ello la ley única, permanente, del Primitivismo, y no le concediéramos ningún desarrollo dialéctico propio, a su vez; incluso con una representación y una simbolización, y llegar así a explicarnos sus períodos de realismo (siempre dentro de la ley de frontalidad) y geometrización, sus etapas de monocromismo, policromismo, estilización, y retorno, en este caso siempre como retrogresión, como por ejemplo el cuarto periodo, en el bosquimano, que es una vuelta total al monocromo rojo. Lo que define y caracteriza al primitivismo, es la expresión de las cosas, compuesta en la ley de frontalidad.El Primitivismo (es de capital importancia) ha durado en toda su fuerza de expresión mágica, hasta la Grecia del siglo V, donde, por primera vez en la historia, el hombre ha sustituido la expresión por la representación óptica pura.Después de Grecia, los recomienzos, como los de Bizancio e Italia (determinados por épocas de profundas transformaciones económicas y sociales. Pasaje del esclavajismo, al feudalismo. Temores religiosos. Luchas religiosas.) no han podido sacudir del todo la herencia helenista de representación, herencia que tomaría cuerpo cada vez más, hasta desembocar en el Renacimiento, de puro realismo casi fotomecánico.Nadie se ha detenido con pensamiento dialéctico materialista, en la Escuela de París, para ver que ella ha sido el resultado emocional e ideológico de una transformación total del mundo.Nadie pensó en subordinar el fenómeno del arte moderno, y sus abstracciones, al proceso de liquidación económica y social del orden capitalista, y a la creación de una nueva sociedad bajo formas socialistas de producción.Nosotros estamos viviendo, en economía como en arte, y demás ideologías, un período de tesis; período de recomienzo; período primitivo; pero bajo normas y estructuras científicas, en oposición al primitivismo material, instintivo, de la formación de la historia .El arte, dialécticamente, con una precisión de correspondencia histórica, que asombra, entró en un recomienzo total, y sus creadores, desde un principio y con gran intuición, han visto en el arte de los pueblos aborígenes, su más pura correspondencia.La sociedad humana, después de su comunismo primitivo, pasó por tres órdenes de economía (esclavajismo, feudalismo, burguesía) para retornar a sus olvidados cauces históricos. Pero retorno nada más que como correspondencia, pues la misma marcha ascensional de la historia (Lenín dejó subrayada la proposición engeliana de la “marcha en espiral”), impide que ese retorno sea una copia exacta, lo que sería una regresión. Se repite la historia, estructurada científicamente en sus nuevas condiciones. Las etapas que se vuelven a encontrar, en el constante devenir de la historia, están así separadas por espacios de ascensión. En verdad la historia no se repite; y se corresponde.Así la expresión, que en arte, ha sido el fundamento del primitivismo natural, vino a ser reemplazada por la INVENCION, en el primitivismo moderno, científico. Sus artistas más que intuitivos puros, han sido inventores. Y más que un sentido de imaginación (Apollinaire no tenía gran imaginación), han tenido un sentido de creación. De ahí que hayan podido levantar con toda conciencia (los movimientos lo prueban) el sólido edificio del arte contemporáneo.Más allá de la expresión de la naturaleza (representación de sí mismo), el hombre grabó (imitando sus huellas en las arenas); y pintó, en los árboles y paredes de sus cavernas (antes de la palabra; antes de el pensamiento; cuando obraba nada más que con sus miembros; y por instinto) sus manos ensangrentadas, o húmedas de savia vegetal; más allá del periodo de la Caza; en plena recolección de raíces y frutos; primero casualmente; por azar; y luego por imitación; y después por juego inventivo; como es dado ver aún entre ciertos primitivos; p. ej. los esquimales con sus tallas del marfil, en que no aparece ningún signo expresivo mágico.Así, yendo a más profundas fuentes históricas, podemos hallar para el arte contemporáneo, todavía correspondencias más puras. Y eso por determinismo. Y no por justificación, cosa que la historia desconoce.Se ve pues que no puede ser ya la expresión, la que domine el espíritu de la composición artística actual; ni mucho menos una representación, o mágica, o signo. El lugar ha sido ocupado por la INVENCION, por la creación pura.En el momento actual, expresionismo, automatismo onírico, etc., importan nada más que reacciones y retrocesos. Y deben ser desterrados, abolidos.El automatismo no dio nunca una criatura viva. Ha dado fetos. En buena hora el automatismo para despertar la imaginación. Pero inmediatamente recobrarse e incidir sobre él con una alta conciencia artística, y cálculos, incluso fríos, pacientemente elaborados y aplicados. Automáticamente devendrá ello creación.Así la invención se hace rigurosa, no en los medios estéticos, sino en los fines estéticos. Esto, naturalmente, implica primero la imaginación aflorando en todas sus contradicciones; y luego la conciencia ordenándola y depurándola de toda imagen representativa naturalista (aunque sea de sueños), y de todo símbolo (aunque sea subconsciente).Ni expresión (primitivismo); ni representación (realismo); ni simbolismo (decadencia). INVENCION. De cualquier cosa; de cualquier acción; forma; mito; por mero juego; por mero sentido de creación: eternidad. FUNCION. Alfredo Hlito. Nace en 1923 y fallece en 1993. Es hijo de inmigrantes sirios. Estudia en la Escuela Nacional de Bellas Artes hasta 1942. Es co-fundador de la Asociación Arte Concreto Invención junto a Tomás Maldonado y otros artistas y en 1946 decide separarse de la misma, para luego realizar exposiciones de arte concreto. En sus pinturas utiliza elementos como las líneas, las figuras geométricas y los colores. Realiza un viaje por el exterior, en el que comienza a intercalar colores para hacer contraste entre luces y sombras y utilizar líneas rectas y curvas para indicar los paisajes. El artista pinta con una técnica llamada espectros, que consiste en aplicar pinceladas regulares y romboidales, empleando colores diluídos hasta la transparencia, que le otorgan gran luminosidad a la pintura. En su obra "Iconostasis" (biombo con puertas ubicado delante del altar que se cierra para ocultar al sacerdote durante la consagración en las iglesias griegas), coloca dentro de nichos figuras similares, relacionadas con la geometría. Aquí se evidencia su inclinación hacia los temas misteriosos. • La imagen percibida o representada no agota la realidad del objeto; no hace más que abstraer de él una de sus propiedades (la de ser percibido o representado), pero sin enseñarnos nada sobre la composición de su naturaleza y, menos aún, sobre la multiplicidad de sus relaciones. • Si todo aquello que puede percibirse o representarse existe de algún modo en la realidad, lo cierto es que ella no se reduce a ser percibida o representada. • La conciencia puramente perceptiva, por lo demás, no es principio de praxis renovadora. La práctica el hombre no se limita a su experiencia sensible; creerlo así sería pretender encerrarlo en el antro individual de que hablaba Bacon. Lo que Interesa es transformar la realidad, no deformarla. • La representación artística se muestra en el orden más restringido de la práctica, como expresión de aquella individualidad que no acierta a resolverse concretamente, puesto que carece de los elementos propios de la actividad real. • Ella parte de una interpretación estrecha de la praxis, que consiste en concebir el sujeto en oposición pasiva respecto al mundo. “No concibe la actividad humana misma como actividad objetiva –dice Marx en una de sus notas críticas a Feuerbach–; la práctica sólo es concebida y fijada por él en su forma vil, judaica, fenomenal. De ahí que no comprende la actividad revolucionaria práctica.” • El arte representativo expresa cumplidamente los postuladas de un “materialismo” grosero y primitivo, totalmente superado por el marxismo. • La técnica representativa se limita a “reflejar” el mundo, ello no implica el conocimiento efectivo del mismo; a lo sumo, (frecuentemente) es expresión de la conciencia subvertida de aquél. • Como la representación no contiene los elementos de la actividad real, su proceso se resuelve en la alienación del objeto. “El hombre que se extraña a la naturaleza (el objeto) –dice Feuerbach– se crea un modo de ser arbitrariamente subjetivo… porque quiere destruir la necesaria relación con el objeto”. La enajenación de este último es el resultado de la duplicación artificiosa del sujeto por sí mismo (representación), concordante con la representación de Dios en la psicología religiosa. • La representación si bien procede de la percepción de lo real (impronta de los objetos), no retorna necesariamente de lo subjetivo a lo objetivo, como acontece con la actividad concreta, sino que duplica la subjetividad, y en el producto de esa duplicación pretende ver el objeto. • Ahora bien, como el objeto es el término necesario de la actividad real del sujeto, la alienación de aquél expresa la alienación real del sujeto. “La alienación del hombre a su producto entraña la alienación del hombre en tanto ser genérico y social, ya que –de acuerdo con Marx– lo que define al hombre en tanto ser genérico consciente es la producción práctica de un mundo objetivo, la transformación de la naturaleza inorgánica, aun estando libre de necesidad física.” • El arte representativo entraña la alienación del hombre en tanto ser genérico (social) por cuanto es la expresión artística de esa alienación. • No es casual el hecho de que todas las formas históricas de la alienación (Religión, Estado, Clase) se hayan valido del arte representativo para disolver en el hombre sus energías sociales. • Marie Alain Couturier, O. P. en su libro “Art et Catholicisme”, escribe: “... el arte cubista, así como el arte no representativo, aparte de sus auténticos valores, es esencialmente irreligioso: si el arte religioso se caracteriza por su referencia al mundo sobrenatural (alienación), ¿cómo este arte que no se refiere más que al mundo natural, que guarda en sí todas sus razones de goce (aprehensión), podría ser religioso?” • “El conocimiento va de lo particular abstracto a lo universal concreto”, dice Lefevbre. La teoría económica del valor es abstracta; sin embargo, es concreta. Un marxista no puede asombrarse de que nuestro arte sea abstracto y concreto a la vez. Las teorías más abstractas de la física y de las matemáticas destruyeron Hiroshima, y de ser desbaratadas las maniobras de las fuerzas reaccionarias, esas mismas teorías servirán de base a una nueva era de la historia técnica de la humanidad.Es que, como dijo Engels, el espíritu lleva la maldición de la materia. • No se trata de poner el arte “a tono” con las nuevas circunstancias, esto es, de sustituir un tipo de representación por otro, un sistema de símbolos por otro; de lo que se trata es de impugnar los fundamentos (necesidades interiores) de la representación y del simbolismo; en una palabra, de todo aquello que refracta, deforma, la intelección objetiva del mundo real. • La contradicción actual de la pintura representativa consiste en que, lo que se exige esencialmente es saber pintar, no importa lo que se pinte: manzanas, compoteras, seres famélicos, seres de formas rubicundas e intenso drama interior, etc. Se hace (con frecuencia) mala pintura con los mejores sentimientos hacia la humanidad y recíprocamente. ¿Qué se responde a esto? • ¿Dónde has visto alguna vez caballos amarillos, azules o verdes? –Lo que hay que considerar aquí es la pintura. –Entonces ¿para que diablos?... • El hecho artístico puede ser concebido o aprehendido haciendo abstracción de aquello que representa; de ahí que la crisis del arte representativo no constituya la crisis del arte, sino tan solo de la representación. • El descubrimiento puede ser resultado de un encuentro fortuito (teoría de los factores); la invención no puede serio jamás. • La invención es todo lo contrario de cualquier forma o subforma del enajenamiento (homo ludens, Pascal). • Inventar es una función de la conciencia práctica. • Esa función no consiste en proyectarse fuera del mundo (evasión); ni tampoco en la conciencia que se extraña (contemplación). Inventar significa INTRODUCIR EN EL MUNDO POR OBRA DEL EXPERIMENTO Y LA INDUSTRIA lo que no existía hasta ese momento. • No se diga que no hemos hecho nada nuevo. El arte concreto no cierra la historia del arte; ella tampoco ha existido para hacer posible en un momento dado el arte concreto. Pero si es verdad que el arte progresa en el sentido en que lo hacen las sociedades humanas, el único camino es el propiciado por el invencionismo. Rhod Rothfuss (Montevideo, Uruguay, 1920 - 1969) Carlos María Rothfuss nace en 1920 en Montevideo. En 1938 ingresa en el Círculo de Bellas Artes, donde tiene como profesores a Guillermo Laborde y José Cúneo. A principios de los ‘40 estudia en la Academia de Bellas Artes de su ciudad natal, donde en 1939, en una exposición de Emilio Pettoruti, conoce a Carmelo Arden Quin.Más tarde se establece en Buenos Aires y conoce a Gyula Kosice y Tomás Maldonado. En 1944 integra el grupo editor de la revista Arturo donde publica su artículo “EI marco: un problema de la plástica actual”. Participa en las exposiciones realizadas en casa de Enrique Pichon Rivière en octubre de 1945 y en casa de Grete Stern, en diciembre del mismo año.En 1946 funda el Movimiento Madí junto a Arden Quin, Gyula Kosice y Diyi Laañ, entre otros. Con el grupo participa en la 1ª Exposición MADI, realizada en la galería Van Riel (1946),donde se da a conocer el manifiesto, se exhiben pinturas, esculturas, poemas, maquetas arquitectónicas y se realizan audiciones de música y espectáculos de danza. Asimismo integra la 2ª y 3ª Exposición MADI, presentadas respectivamente en la Escuela Libre de Arte Altamira y en el Bohemien Club de Buenos Aires en 1946, y en diciembre de ese año, la Primera exposición Madí internacional, organizada en la AIAPE (Asociación de Intelectuales, Artistas, Periodistas y Escritores) de Montevideo. En 1948 forma parte de la representación Argentina en el Salon des Réalités Nouvelles de París.Entre 1945 y 1950 crea esculturas abstractas con algunos componentes practicables y utiliza rombos y figuras geométricas irregulares en sus pinturas. Estudia el desplazamiento perceptual producido por polígonos adyacentes, tema que publica en el artículo “Un aspecto de la superposición” aparecido en el N° 2 de la revista Madí, en 1948.En Montevideo integra la exposición Arte no figurativo, realizada en la Facultad de Arquitectura de la Universidad (1952), que dedica una sala a Madí. Luego presenta sus obras en la Exposición de la Asociación Cristiana de Jóvenes (septiembre de 1952) y en Diecinueve artistas de hoy, realizada en el Subte Municipal (1955).Fallece en Montevideo el 31 de diciembre de 1969. "A propósito del marco", en revista Madí, Buenos Aires, octubre de 1950, N° 4. El cubismo, al abolir la representación naturalista en sus temas, planteó la revisión del concepto que impulsó a los pintores de todas las épocas a encerrar el cuadro dentro de un marco regular, la “ventana” desde la cual, aparentemente, se ve el mundo. En el año 1941, intenté la solución de este problema, que el cubismo no había resuelto (a pesar de las experiencias de Marcoussis). Los dos aspectos que se planteaban en este caso eran: si debía de haber una relación inmediata entre la estructura temática y el contorno, o si por el contrario, se debía de continuar con la relación mediata del tema con el contorno a través de “fondos”, porque si bien el fondo, en la pintura naturalista es imprescindible para crear la ilusión de espacio, siempre es un elemento que crea en la composición una solución de continuidad, es decir, que da un fragmento del tema, nunca la totalidad de él; de esto surgía que la pintura, al dejar de ser representativa, para encarar la creación de entidades, debía de ser resuelta como una unidad total, y de ninguna manera fragmentarla. La solución fue recortar el marco, que parecía satisfacer plenamente este concepto, porque crea una composición discontinua.Estas primeras experiencias las expuse en el Ateneo de Montevideo, en el año 1943, y teóricamente estas búsquedas fueron documentadas en el N° 1 del año 1944 de la revista “ARTURO”.Al formarse el grupo “ARTE CONCRETO INVENCION”, estas experiencias pasan a formar el cuerpo de doctrina del mismo. Más tarde, el grupo se divide por la exclusión de algunos de sus integrantes, que han de permanecer utilizando la misma denominación, y en lo que respecta al núcleo central del movimiento toma el nombre de “MADI”.Desde Madí, este proceso evolutivo sigue su curso, y se analizan y fundamentan dos tipos de pinturas en razón de su construcción, y se caracterizan por su marco; ellas son: de marco recortado y de marco estructurado; en el sentido de que en el marco recortado se ha seguido un proceso de intraversión, es decir se ha tomado un polilátero y se lo ha dividido (forma fraccionada) o simplemente se lo ha recortado sobre la base de un polilátero regular fraccionado; en este caso, la forma resultante siempre guarda memoria de la forma en que se generó, porque continuando las líneas fundamentales de aquella, se puede reconstruir el polilátero regular en que fue concebido. En el caso del marco estructurado, el procedimiento es inverso, o sea de extraversión, se han compuesto los poliláteros partiendo de un centro o varios (formas compuestas).De esto se desprende que en la pintura de marco recortado, al ser éste, en la casi totalidad de los casos, la única forma creada conscientemente adquiere una importancia fundamental, en detrimento de la composición de la pintura, que se reduce a una serie de casilleros logrados por el trazado de líneas entre puntos del perímetro, y por lo tanto sin tema plástico, o bien, cuando lo tiene, entonces es necesario recurrir a formas de relleno (fondos) para cubrir los espacios que median entre el tema propiamente dicho y el marco, mientras que en la pintura de marco estructurado, este es el resultado final de un proceso de desarrollo y composición de un tema plástico estricto, no necesitando en ningún caso de elementos ajenos a sí, para su normal estructuración.He aquí las razones que dieron origen al surgimiento de los nuevos conceptos, que sostienen, apoyados por razones dialécticas y científicas, estas teorías, contra los viejos métodos, dando lugar al surgimiento de infinitas perspectivas para el futuro de la pintura. Martín Blaszko (Berlín, Alemania, 1920) Martín Blaszkowski nace el 12 de diciembre de 1920 en Berlín (Alemania). En 1933 abandona ese país y se instala en Polonia, donde estudia dibujo con Henryk Barczynsky y con Jankel Adler. En 1938 visita París y se vincula a Marc Chagall. Al año siguiente se establece en la Argentina. Hacia 1945 conoce a Carmelo Arden Quin, con quien participa en el Grupo Madí desde 1946. Durante la década de los cuarenta produce pinturas de marco recortado y formas tridimensionales que, más tarde, tomaron un impulso ascensional transformándose en monolitos, torres y columnas.En 1952 realiza un proyecto para el Monumento al Prisionero Político Desconocido, expuesto en la Tate Gallery de Londres y es premiado por el Institute of Contemporary Art, de esa ciudad. Integra la representación argentina en la II Bienal Internacional de San Pablo y en 1960 es incluido en el envío argentino realizado a la Bienal de Venecia. En 1958 es seleccionado para participar en la Exposición Universal de Bruselas, en la que obtiene la Medalla de Bronce. En 1961 la Galería Lirolay le organiza la exposición Quince años de escultura, con selección y prólogo de Germaine Derbecq. Este artista de origen berlinés, que desde 1959 adopta la nacionalidad argentina, suma la producción teórica a su trabajo creativo. Entre sus escritos cabe mencionar "La escultura y el principio de la bipolaridad", revista Leonardo, Oxford (1968); "Nace una escultura", revista Sculpture International, Oxford (1970) y "La realización de una escultura", revista Leonardo, Oxford (1971). En la Novena Conferencia Internacional de Escultura, realizada en 1976 en Nueva Orleans, plantea su posición en la disertación Monumental Sculpture and Society. Obtiene importantes reconocimientos, entre ellos, el Premio Adquisición en el Salón de Mar del Plata, 1959; el Gran Premio de Honor en el Salón Manuel Belgrano, 1960; el Primer Premio en el Salón de Córdoba, 1960; el Premio Cámara de Representantes de la Nación en 1973 y el Premio Open-Air Museum, Hakone, Japón, 1991.Su obra Júbilo (1986) realizada en aluminio pintado se encuentra en el Parque Centenario de la ciudad de Buenos Aires y El canto del pájaro que vuela está emplazada en Utsugushi-Ga-Hara, Japón.Entre las exposiciones recientes merecen destacarse la realizada en el Bank of Interamerican Development (BID) en Washington (1984) y su participación en Latin American Artist of the XX Century, Museum of Modern Art, Nueva York, 1990; en Argentina. Arte Concreto Invención 1945. Grupo Madí 1946 en la Rachel Adler Gallery, Nueva York, 1990; en Exposición de Arte Madí, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid, 1997 y en Abstract art from Río de la Plata. Buenos Aires and Montevideo 1933/53, The Americas Society, Nueva York, 2001.Vive y trabaja en Buenos Aires. Juan Bay (Trenque Lauquen, Pcia. de Buenos Aires, 1892 - Italia, 1978 ) Nace en Trenque Lauquen, provincia de Buenos Aires en 1892. Desde 1908 reside en Italia. Hasta 1914 cursa estudios de dibujo y pintura en Milán.En 1911 participa en una muestra libre futurista realizada en la Umanitaria de Milán.Entre 1925 y 1929, de vuelta en la Argentina, ejerce la docencia. Reanuda su actividad artística en Milán y expone en las galerías Bardi, Polígono, Casa d’Artisti, Il Milione y Mascioni, entre otras. Participa con los artistas no figurativos italianos en la muestra de Brera organizada en 1938 y en la exposición de la Galería Moody de Buenos Aires, en 1936. En 1942 expone en la Galería Mascioni con el grupo no figurativo de Como. Participa con los Futuristas en la Bienal de Venecia y en la Quadriennal e de Roma.En 1949 regresa a Buenos Aires y exhibe sus obras en las galerías Van Riel, La Máscara y Antú. En 1951 se realiza una importante exposición de la colección de Ugo Bernasconi que incluye dos óleos no figurativos de su autoría.Se suma a la agrupación Madí en 1952, integrando las muestras del grupo realizadas en la Galería Krayd de Buenos Aires y la Galería Número de Florencia, ambas en 1955. También participa en las presentadas en Buenos Aires en Galería Bonino durante 1956 y en Galería Van Riel en 1957. En París su obra se incluye en Art Madí International. Groupe Argentin organizada en la Galería Denise René en 1958.Integra la I Muestra Internacional del Museo de Arte Moderno de Buenos Aires realizada en noviembre de 1960. En 1976 concurre a la exposición Homenaje a la vanguardia argentina de la década del ’40, realizada en la Galería Arte Nuevo.Su producción figura en importantes colecciones europeas, entre ellas la del Museo del Castello Sforzesco y la del Museo de Arte Moderno, ambas de Milán.En 1978, año en el que fallece, se efectúa una exposición retrospectiva de su obra en la Galería de la Salle, Saint Paul de Vence, Francia. Gyula Kosice (Kosice, Hungría, 1924) Fernando Fallik nace en Kosice, Hungría el 26 de abril de 1924. Llega a la Argentina en 1928. Estudia dibujo y modelado en academias libres y asiste brevemente a la Escuela de Bellas Artes Manuel Belgrano.En 1944 integra el grupo editor de la revista Arturo, donde publica diversos escritos teóricos y poemas. Participa en las exposiciones realizadas en 1945 en casa de Enrique Pichon Rivière (octubre) y en casa de la fotógrafa Grete Stern (diciembre).En 1946 es uno de los fundadores del Movimiento Madí. Infatigable impulsor de esa agrupación, organiza numerosas exposiciones y contribuye a su difusión internacional. Funda y dirige la revista Arte Madí Universal. En 1948 es invitado a exponer obras del grupo en el Salon Realités Nouvelles de París.Atraído por el uso de nuevos materiales experimenta con plexiglás, vidrio y tubos de gas de neón. Más adelante, a su interés por el movimiento, agrega el empleo del agua, al realizar esculturas Hidrocinéticas, expuestas en la Galerie Denise René de París (1958). Diez años más tarde el Instituto Torcuato Di Tella de Buenos Aires presenta 100 obras de Kosice, un precursor.A comienzos de los años ‘70 proyecta la Ciudad Hidroespacial, concebida como un nuevo hábitat suspendido en el espacio.Publica numerosos libros sobre temas relacionados con el arte y la poesía. Además realiza monumentos en espacios públicos de diversos países.Participa en la XXVIII Bienal Internacional de Venecia (1956), en la IV Bienal Internacional de San Pablo (1957), en la VI Bienal Internacional de San Pablo (1961), III Bienal Coltejer, Medellín (1972) y en la II Bienal de La Habana (1986).En 1994 recibe el premio a la Trayectoria en Artes Plásticas otorgado por el Fondo Nacion al de las Artes.Entre sus exposiciones individuales merecen citarse Spatial constructions and first hydraulic sculpture en la Drian Gallery de Londres (1953), La cite hydrospatial en el Espace Cardin de París (1975), La ciudad hidroespacial en el Planetario de Buenos Aires (1979), Kosice en el Hakone Open Air Museum de Tokio (1982), Obras Monumentales de Kosice en el Centro Cultural Recoleta de Buenos Aires (1985) y la muestra retrospectiva Kosice. Obras 1944-1990 en el Museo Nacional de Bellas Artes durante 1991. En 1999 en el Centro Cultural Recoleta se organiza Gyula Kosice. Anticipaciones.Interviene en numerosas exposiciones colectivas entre las que cabe mencionar Vanguardia de la década de los 40. Arte Concreto-Invención. Arte Madí. Perceptismo en el Museo Eduardo Sívori (1980) y Arte Madi en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (1997). Integra la exposición Art from Argentina 1920/1994 inaugurada en el Museum of Modern Art de Oxford en 1994 muestra itinerante, que luego de recorrer varios países europeos, en 1995 finaliza en el Centro Cultural Borges de Buenos Aires. Su obra es incluida en Abstract art from Río de la Plata. Buenos Aires and Montevideo 1933/53 realizada durante 2001 en The Americas Society de Nueva York. Actualmente vive y trabaja en Buenos Aires. Gyula Kosice. "Escultura Madinemsor", en: revista Madí. Buenos Aires, octubre de 1948, N° 2. El marco irregular, la pintura articulada; la escultura con movimiento articulado, lineal, desplazable y universal, son invenciones absolutas de Madí.El espacio físico puede ser enteramente distinto de la representación que de él tenemos mediante nuestra experiencia visual y muscular directas.Nosotros decimos:El espacio es dimensionable en profundidad. Ninguna de las escuelas premádicas se ha detenido ante el siguiente axioma que encierra este arco triado: –distancia - velocidad - movimiento–La profundidad espacial es medible. El misterio no existe.Hasta hoy la pared, el muro, intermediario de la pintura.Color y anécdota en planos cinéticos, aéreos!Esculturas de control remoto!Imágenes poéticas inventadas que rebasen toda configuración!Contra el estatismo del arte concreto.Contra la literatura discursiva. manifiesto madí Se reconocerá por arte Madí la organización de elementos propios de cada arte en su continuo. En ello está contenida la presencia, a ordenación dinámica móvil, el desarrollo del tema propio, la ludicidad y pluralidad como valores absolutos, quedando por lo tanto abolida toda injerencia de los fenómenos de expresión, representación y significación. El dibujo Madí es una disposición de puntos y líneas sobre una superficie. La pintura Madí, color y bidimensionalidad. Marco recortado e irregular, superficie plana y superficie curva o cóncava. Planos articulados, con movimiento lineal, rotativo y de traslación. La escultura Madi, tridimensionalidad, no color. Forma total y sólidos con ámbito, con movimiento de articulación, rotación, traslación, etc. La arquitectura Madí, ambiente y formas móviles, desplazables. La música Madí, inscripción de sonidos en la sección áurea. La poesía Madí, proposición inventada, conceptos e imágenes no traducibles por otro medio que no sea el lenguaje. Suceder conceptual puro. El teatro Madí, escenografía móvil, diálogo inventado. La novela y cuento Madí personajes y acción sin lugar ni tiempo localizados o en lugar y tiempo totalmente inventados. La danza Madí, cuerpo y movimientos circunscriptos a un ambiente medido, sin música. En los países que alcanzaron la etapa culminante de su desarrollo industrial, el viejo estado de cosas del realismo burgués desapareció casi totalmente, en ellos el naturalismo se bate en retirada y se defiende muy débilmente. Es entonces, cuando la abstracción, esencialmente expresiva, romántica, ocupa su lugar. En este orden están involucradas las escuelas de arte figurativo desde el cubismo hasta el surrealismo. Tales escuelas han respondido a necesidades ideológicas de la época y sus realizaciones son aportes inestimables a la solución de los problemas planteados a la cultura de nuestros días. No obstante ello, su tiempo histórico debe darse por pasado. Por otro lado su insistencia en el tema "exterior" a sus cualidades propias es un retroceso al servicio del naturalismo contra el verdadero espíritu constructivo que se extiende por todos los países y culturas, como es el caso del expresionismo, surrealismo, constructivismo, etc. Con lo concreto -que, en realidad, es un gajo mas joven de ese espíritu abstraccionista- se inicia el gran periodo del Arte No Figurativo, donde el artista, sirviéndose del elemento y su respectivo continuo, crea la obra en toda su pureza, sin hibridaciones y objetos extraídos a su esencia. Pero en "lo concreto" hubo falta de universalidad y consecuencia de organización. Se cayó en hondas e insalvables contradicciones. Se conservaron los grandes vacíos y tabúes del ante antiguo, como ser en la pintura, escultura, poesía, etc., respectivamente la superposición, marco rectangular, atematismo plástico; lo estático, la interferencia entre volumen y ámbito; proposiciones e imágenes gnoseológicas y traducibles gráficamente. La consecuencia de ello fue que el ante concreto no pudo oponerse seriamente, por intermedio de una teoría orgánica y practica disciplinaria, a los movimientos intuicionistas, que, como el surrealismo, han ganado para sí todo el universo. De ahí el triunfo a pesar de todas las condiciones en contrario, de los impulsos instintivos contra la reflexión, de la intuición contra la conciencia; de la revelación del subconsciente contra el análisis frío, el estudio y la detención rigurosa del creador ante las leyes del objeto a construir; del simbolismo, de lo hermético, de la magia contra la realidad; de la metafísica contra la experiencia. En cuanto a la teoría y conocimiento del arte, campea en ellos la descripción subjetiva, idealista, reaccionaria. Resumiendo, el ante antes de Madí: Un historicismo escolástico, idealista. Una concepción irracional. Una técnica académica. Una composición unilateral, estática, falsa. Una obra carente de verdadera esencialidad. Una conciencia paralizada por sus contradicciones sin solución; impermeabilizada a la renovación permanente de la técnica y del estilo. Contra todo ello se alza Madí, confirmando el deseo fijo, absorbente del hombre de inventar y construir objetos dentro de los valores absolutos de lo eterno, junto a la humanidad en su lucha por la construcción de una nueva sociedad sin clases,que libere la energía y domine el espacio y el tiempo en todos sus sentidos y la materia hasta sus ultimas consecuencias. Sin descripciones fundamentales referentes a la totalidad de la organización no es posible construir el objeto ni hacerlo penetrar en el orden constante de la creación. Es así como el concepto invención queda definido en el campo de la técnica y el de creación como una esencia definida totalmente. Para el madismo, la invención es un "método" interno, superable, y la creación una totalidad incambiable. Madí, por lo tanto, INVENTA Y CREA. Kosice 1946 Lectura del Manifiesto Madí Instituto Francés de Estudios Superiores - Bs.As. - 1946 Fuentes: http://es.wikipedia.org/wiki/Mad%C3%AD http://www.oni.escuelas.edu.ar/olimpi97/pintura-argentina-sigloxx/Carmelo%20Arden%20Quin.html http://www.arteargentino.buenosaires.gov.ar/areas/cultura/arteargentino/02dossiers/concretos/02historia_5.php http://www.buenosaires.gov.ar/areas/cultura/arteargentino/02dossiers/concretos/lanzadoc12.php

Registrate y eliminá la publicidad! I FESTIVAL MISION MIXTURARTEDesde hace un tiempo estamos trabajando en el Proyecto Chaco (difusión de la problemática chaqueña, en el Impenetrable, dónde tobas y wichis están sufriendo el olvido y la desidia). En este camino nos cruzamos con ALAPAH (Asociación Latinoamericana Argentino Panameña para el Intercambio Cultural y la Asistencia Humanitaria) que nos transmite inquietudes que podemos resolver más rápidamente: la del Paraje Arroyo Pelón y acudimos a ese llamado, sin olvidarnos ni abandonar el proyecto original.En ese camino, MIXTURARTE nace como una herramienta solidaria y colectiva para empezar a actuar sobre estos problemas.MIXTURARTE es el contacto con el otro, la comunicación, la ruptura con el individualismo en el camino de las producciones artísticas de nuestra comunidad. La fuerza creadora del arte, y su impronta de unión para poder mirar la realidad con verdadero espíritu solidario y crítico. Así, la propuesta es juntarnos en un mismo espacio y mixturarnos con diferentes expresiones artísticas: música, pintura, circo, arte en vivo, dj`s, videodocumental, y feria independiente. MIXTURARTE propone un espacio de muestra de diferentes artes independientes y un lugar, también, para la reflexión. Nuestro objetivo no es el asistencialismo porque creemos, pensamos y sentimos en el contacto con nuestros iguales y la ayuda a través de herramientas artísticas. Así es el arte el que acude al llamado de las necesidades de nuestros hermanos en el norte del país para hacerlas visibles y comprensibles con acciones concretas. El 12 de octubre realizaremos este festival para poder expresarnos y recaudar fondos para ser enviados y poder asistir las necesidades más urgentes de los habitantes de Paraje Arroyo Pelón. Allí se encuentra Raúl, un compañero que pertenece a ALAPAH (Vpte), y está interiorizado en sus problemáticas. Con él trabajamos en conjunto y constituye el puente entre MIXTURARTE y ALAPAH.Gracias a su trabajo, ese día, en el marco del festival, podremos conocer, con fotos y videos, la realidad de Paraje Pelón. También se exhibirán videodocumentales y fotos sobre el ImpenetrableEl 12 de octubre, en el Corralón de Floresta, Gaona y Gualeguaychú, los que hacemos MIXTURARTE presentaremos: Bandas ao vivo:Iluminate (hip-hop) http://www.myspace.com/iluminatecrewThe jacket´s charly (electronica en vivo) http://www.myspace.com/thecharliesjacketPersianas (rock) http://www.myspace.com/persianasrockSinfuturo superstar (rock) http://www.fotolog.com/sinfu_superestar+ bandas a confirmarDj´sonando:Maga-lee (drum and bass-dubstep) http://www.myspace.com/djmagaleeGustavo A. (warm up-80´90´)Brujito de la Flor (reggae-reggaeton)Variete circense de la mano de "Colectivosalpicon"+ info en: http://www.colectivosalpicon.blogspot.com/Arte en vivo de la mano de E.B.A "Manuel Belgrano"+VIDEODOCUMENTAL+EXPOSICIÓN DE ARTE+FERIA INDEPENDIENTEy mucho, muchísimo más!!ENTRADA: Bono contribución a voluntad, como así también podés colaborar con una bici que ya no uses (algunos niños caminan 6 km para asistir a clases), ropa que quieras regalar, colchones, alimentos no perecederos, pelotas de fútbol, volley, sogas para saltar, aros de básquet, útiles escolares, hamacas, bomba para agua, cocina industrial, etc, etc....Mixturarte para conectarte, para solidarizarte, comunicarte y romper con el individualismo. Mixturarte para imaginar nuevos cambios, entre todos.TU ARTE, EL MÍO, EL NUESTRO!Si querés comunicarte con nosotros, tanto para sumarte, como para acompañarnos a Corrientes, podés hacerlo a: [email protected] ó[email protected] esperamos, y gracias a T@dos los que hacen esto posible!!!