TheHDown

El guitarrista y su grupo presentan hoy, en el Opera Citi, su tributo a los de Liverpool. En los tempranos ‘60, la infancia de Al Laurence Dimeola transcurría de una manera no muy distinta a la de cualquier otro niño de New Jersey con una hermana seis o siete años mayor. Sólo que la suya, un día llegó a su casa con el LP Meet The Beatles (1964) bajo el brazo, lo puso en el tocadiscos, y su vida cambió para siempre. “Me impresionó mucho, cuando lo escuché. Y recuerdo que apenas agarré la guitarra que alguno de los amigos de mi hermana traía a casa, para probar tocar esas canciones, sentí un amor inmediato por el instrumento”, cuenta casi 50 años después Al Di Meola (59), mientras sus músicos (Kevin Seddiki, guitarra; Peter Kaszas, batería; Fausto Becalossi, acordeón) toman por asalto el escenario del Roxy palermintano para ensayar el repertorio de su último álbum, All My Life. Un tributo a The Beatles-, que hoy a las 20.30 horas presentará en el Teatro Opera Citi. Sin embargo, a pesar de haber sido parte de alguna banda teen que hacía covers de The Beatles y de The Rolling Stones, el guitarrista esquivó la fórmula banda de colegio - banda de rock adolescente - banda de rock profesional. “Quería saber más que unos pocos y simples simples acordes, y desarrollar lo que había aprendido con mi primer profesor, un jazzero de la vieja escuela”, explica. Y agrega: “Además, una vez que Los Beatles se separaron, sus carreras individuales ya no me resultaron tan interesantes. Lo de John y Yoko y John era muy raro. No era un fan de lo que hacían, más allá de que amara a John. Como también amaba a Paul, pero nunca fui fan de Wings. A esa altura, el jazz tenía elementos más interesantes para mí.” A partir de entonces, el guitarrista se metió de lleno en el mundo del jazz, y de su embrionaria fusión con el rock. Un breve lapso de tiempo en Berklee fue la antesala de su ingreso a Return to Forever, grupo seminal de esa combinación, con el que grabó los indispensables No Mystery y Romantic Warrior; y de una carrera solista que a fines de los ’70 tomó impulso con los álbumes Elegant Gypsy y Casino, que en los ’80 se disparó a partir de la sociedad que formó con John McLaughlin y Paco de Lucía, y que en los ’90 tuvo a la música de Astor Piazzolla como una de sus grandes fuentes y a la llamada World Music como una extenso terreno de exploración y producción. ¿Qué lugar ocuparon los Beatles durante todo ese tiempo? Era apenas algo que estaba en algún lugar de mi memoria. ¿No tocabas sus canciones? Nunca, excepto algunas veces que estaba sonando alguna, y la acompañaba. Pero estaba inmerso en una música muy distinta. ¿Por qué, entonces, que decidiste volver a su música? Mientras hacía mi álbum anterior, Pursuit of Radical Rhapsody, se me ocurrió grabar una versión de Strawberry Fields Forever. Cuando lo hice, todos mis recuerdos de aquellos tiempos lejanos se reavivaron de golpe, y lo disfruté mucho. A esa sensación, se sumó la sugerencia de muchos amigos de que hiciera un disco completo con canciones beatles, y la idea terminó de tomar forma definitiva. La única condición que me impuse fue que lo que hiciera tendría que ser algo único. ¿Cómo fue el proceso de realización? Comencé en mayo del año pasado. Mientras entre concierto y concierto de mi tour europeo mis músicos regresaban a sus hogares, yo me propuse encontrar un estudio de grabación. Pensé en Praga, en algún estudio en Alemania, hasta que se me cruzó qué sería de Abbey Road. Era una idea muy loca, porque yo ni sabía si seguía funcionando. McCartney sigue grabando algunas partes de sus discos allí. Sí, pero yo no estaba al tanto. Así que llamé a un amigo músico, que vive en Londres, y le pedí que averiguara si se podía grabar allí. Cuando me llamó y me dijo que había un día disponible, me parecía increíble. Para mí, que siempre había soñado con ir a sacarme una foto en la puerta de los estudios, estar grabando allí era un sueño hecho realidad. ¿Viajaste enseguida a Londres? Sí. Y les pedí a mi hija y a Hernán Romero, un gran amigo mío argentino, hijo de la cantante argentina Estela Raval, que vive en New Jersey y es mi coproductor, que viajaran hacia allá también. Hernán me trajo varias de mis guitarras, y grabé Blackbird, Because y If I Fell. ¿Y el resto? En un principio, mi intención era regresar a los Estados Unidos después de la gira, y terminar todo en mi estudio. Pero cuando llegó el momento, cambié de plan, y pensé en hacer algo diferente. ¿Cómo qué? Me propuse alquilar una casa en una zona de Long Island; un sitio al que mucha gente de Hollywood va durante el verano, en el que nunca había estado antes. De modo que me parecía interesante alquilar una casa, para completar los arreglos de las canciones. ¿Pudiste cumplir el plan? Sí. Afortunadamente encontré la última casa que quedaba disponible, cuyo dueño me dijo que no solía alquilarla, pero que yo le caía bien. De paso, me comentó que tendría como vecino a un famoso pop star. Así que le pregunté de quién se trataba. ‘¿Billy Joel? ¿Bon Jovi?’, arriesgué. ‘No’, me respondió. Y cuando agregó que se trataba de Paul McCartney, me dieron escalofríos y empecé a lagrimear. Era algo increíble. ¿Lo conocías? No. Y recién lo pude saludar al tercer día. El pasaba con su auto, un Ford antiguo verde oscuro, y cuando le hice señas se detuvo. Bajó su ventanilla, nos estrechamos la mano y le conté que estaba grabando su música en Abbey Road. ‘Uauh’, me dijo. Hablamos unos cinco minutos más, y eso fue todo. Mi sueño de conocer a Paul antes de morirme se había hecho realidad. Y durante los días siguientes seguí escribiendo los arreglos mientras veía a quien había escrito esas canciones pasar a diario por delante de mi casa. Y de ahí, a tu estudio. Sí. Pero intenté grabar lo que faltaba, y no pude. ¿Por qué? Porque la calidad de sonido no era la misma. ¿La calidad de sonido, o la atmósfera que se respira entre esas paredes históricas? Ambas cosas. Pero básicamente era la calidad de sonido, que en Abbey Road es la mejor que haya obtenido en una sala de grabación. ¿Cuán difícil te resultó adaptar los temas a tu estilo? Muy difícil. Porque me impuse la premisa de que las melodías debían ser reconocibles y las armonías respetadas, aunque llevara a mi estilo sincopado algunas canciones, como Penny Lane o Michelle. Para mí, esta música es sagrada, como también lo es la de Astor Piazzolla. Es una música grandiosa, cuya belleza está en su simpleza. Y la idea fue conservarla, agregándole mi sello. Y lograrlo, en algunos casos, me tomó un largo trabajo. ¿En qué medida los Beatles influyeron en tu música? La cuestión melódica fue una gran influencia, y también la manera de producir de George Martin. Cuando mezclo, siempre pienso en cómo lo hacían ellos. Me encanta escuchar los chelos bien lejos, de un lado, y a Ringo del otro. Puede sonar extraño, pero es un sonido mucho más profundo. De ese modo, las voces suenan más claras. Es algo que se nota especialmente cuando estoy haciendo música muy compleja. ¿Qué lugar tiene tu música en este proyecto? Mi música sigue ahí. El subtítulo de este show es Beatles y más. Ese ‘más’ es mi música y la de Piazzolla, cuya influencia en mí fue tan grande, que siempre está presente en lo que hago. Reúne lo que yo soy, y dos de mis influencias más importantes.

Dave Grohl, el que fuera batería de Nirvana hasta la desaparición del ídolo Kurt Cobain, ha desvelado para la revista Access Hollywood algo que ya era conocido como que los Beatles tuvieron una gran influencia sobre Nirvana. Grohl asegura que el propio Kurt Cobain se maravillaba de la sencillez de las canciones de los Beatles y de que parecían muy sencillas y fáciles de tocar, cuando en realidad no era así. "Kurt amaba a los Beatles, porque eran tan sencillos. Bueno, al parecer eran simples... sonaban fáciles de tocar, pero ¿sabes qué? Era jodidamente difícil". link: http://www.youtube.com/watch?v=PbgKEjNBHqM El actual guitarrista y líder de Foo Fighters también habló de está cuestión el pasado sábado en la gala benéfica organizada por MusicCares que otorgaba a Paul McCartney el título de "la Persona del Año". Dave admite McCartney es uno de su ídolos: "Nunca tuve un maestro. Tenía esos discos de los Beatles. Incluso para Nirvana los Beatles fueron una influencia enorme". "Me gustaba escuchar los discos y tocarlos. Por supuesto, no sonaba como los Beatles, pero me hizo comprender la estructura de una canción, la melodía, la armonía y los arreglos." YAPA Charly Garcia hablando de Nirvana y Los Beatles link: http://www.youtube.com/watch?v=kK1Wmx0Gkbw

Sobrevivir y superar la ola de bandas indie-rock británicas que llenaron escenarios a mediados de la década pasada, y más allá, convertirse en la mejor agrupación del Reino Unido, no es una tarea fácil, más si se tiene en cuenta que esto ha sucedido en tan sólo 7 años desde su debut de estudio Whatever People Say I am, That’s What I’m Not (2006). Pero así son Arctic Monkeys, sin duda lo más emocionante que le ha pasado al rock inglés desde la aparición de Radiohead y quienes con el pasar de los años han ido desvaneciendo la ansiedad adolescente para dar paso a una nueva fase evolutiva, construyendo su propia historia al salirse de la rutina e ir más allá de repetir los sonidos de las leyendas de género, evolucionando así un sonido auténtico que se abre a infinitas posibilidades en cada una de las cinco creaciones que nos han transmitido. "AM es expresivo y su maleabilidad sonora lo convierte en una obra ecléctica…" Cada una de estas producciones da fe de su evolución y crecimiento. Con Favourite Worst Nightmare (2007) perfeccionan la fórmula que una vez lista les permite sumergirse en las entrañas del rock clásico en Humbug (2009) y así presentar la seducción glam pop Suck It and See (2011). Es difícil encontrar una banda más completa en el panorama actual, los laberintos mentales de Alex Turner son oscuros y peligrosamente adictivos y en AM (2013) los beats son densos y malvadamente emocionantes, las letras mantienen su agudeza porque se niegan a abandonar la ironía pero los sucesores de Pete Doherty se han calmado, han bajado las revoluciones para dar un mayor valor a la reflexión poética y el nivel de experimentación les permite tenerse suficiente confianza para unir riffs, r&b, Motown y Hip Hop con maestría, obteniendo composiciones profundas intrínsecas a su naturaleza y fieles a su esencia original. A través de los doce cortes que conforman AM sostienen un hilo narrativo donde manejan personajes y situaciones a su antojo de la misma forma en que Turner maneja su voz y quienes lo escuchamos lo apropiamos porque allí reside gran parte de la magia de su música, en brindarnos la posibilidad de reconocernos en nuestra cotidianidad a través de sus historias. Es un álbum para escuchar completo, no sólo una sino varias veces porque así es como van haciéndose tangibles esos pequeños detalles. Un viaje sincrónico por la impecable y brillante batería de Matt Helders que nos lleva de esas palmas que se van mezclando con un riff afilado en “Do I Wanna Know” a los coros de “On the Road”, que luego estallan en esa especie de Black Sabbath meets Dr. Dre que es “Arabella”, se detiene en la resplandeciente balada BritPop “No.1 Party Anthem” e intenta escalar entre el falsetto sostenido de “Why’d You only Call Me When You’re High” pasando a los destellos Motown que es posible apreciar en “Snap Out of It” para cerrar con una versión maravillosa original del poeta punk ingles John Cooper Clarke, “I Wanna Be Yours”. AM es expresivo y su maleabilidad sonora lo convierte en una obra ecléctica, el tarareo sarcástico de Turner se mantiene así como las melodías punzantes, Arctic Monkeys son conscientes y confían de su habilidad creativa porque con sus dos anteriores trabajos se pocisionaron en el lugar que les corresponde y demostraron que el éxito de su debut iba más allá de un golpe de suerte, han superado al mito creado en torno a si mismos y ahora pueden sentirse y probarse tanto como deseen. Pero este no es su mejor álbum, ese aún está por venir.M link: http://www.youtube.com/watch?v=bpOSxM0rNPM