Rich_011

El origen del rock como ayuda humanitaria: The Concert for Bangladesh Hoy en día es muy común que conciertos de rock se hagan para ayudar a alguna causa humanitaria: los grandes “Live Aid” (1985), “Live 8” (2005), “USA for Africa” y cientos de conciertos más que se hicieron para ayudar a causas específicas. Y también es común que ciertos “rockers” se involucren en causas benéficas, tal el caso emblemático de Bono. Pero no fueron Bono, ni Bob Geldof, los primeros en involucrarse en estos temas. ¿Donde nació esto?, ¿cual fue el primer concierto de rock que tuvo ese propósito?, ¿quién dio el puntapié inicial? Sí, como todo en sus comienzos, Los Beatles siempre tienen algo que ver. Fue uno de ellos, George Harrison, quién organizó el primer concierto de rock con fines benéficos, de ayuda humanitaria: fue un hecho histórico, ocurrido hace un poco más de 41 años, y se denominó “Concierto por Bangladesh”. Para esta época, Harrison brillaba como solista, el mundo estaba descubriendo al beatle “tapado”, con su gran disco triple “All Thing Must Pass”. Y no solo tenía éxito por encima de la dupla Lennon-McCartney, sino que gozaba de un momento de paz espiritual, como todos sabemos, basado en la religión hindú. “My Sweet Lord” era número en todos lados, y Harrison se había encontrado a sí mismo. No tuvo mejor momento que este. link: http://www.youtube.com/watch?feature=player_embedded&v=a4T_45_EVTM Pero uno de sus primeros maestros de esta religión no la estaba pasando bien; es más, la estaba pasando muy mal. Ravi Shankar, el hombre que introdujo a George en los secretos del sitar y de la filosofía hindú, sufría por lo que pasaba en Bangladesh, una región conocida como Pakistán del Este, que se había emancipado en una guerra que dejó cientos de miles de muertos y una incipiente nación en total miseria. Se habló de 3 millones de personas muertas, y de 10 millones que quedaron en la indigencia total, refugiándose en Bengala. Y este acontecimiento conmovió a occidente, pero parece que mas a los músicos que a los políticos. Ravi Shankar le pidió a su amigo George Harrison si podía ayudar, mostrándole artículos de diarios que ilustraban la tragedia, y toco las fibras de Harrison, quien decidió no ser un mero observador. Y se puso a organizar, lo que hoy conocemos como “Concierto por Bangladesh”, en dos noches históricas en el Madison Square Garden de Nueva York, los días 1 y 2 de agosto de 1971. E hizo lo que nadie había hecho hasta entonces: lograr que el rock salve vidas, ayude, y tenga un sentido benéfico. Lo primero que se le ocurrió fue juntar a Los Beatles. La causa era buena, y pensó que podían dejarse de lado, en pos de ella, cuestiones personales. No pudo con todos. McCartney se negó de plano, hacía recién poco más de un año que él, anticipándose a todos, le había dicho al mundo que los Beatles se separaban, y era muy pronto para volver a reunirse, en el medio de las disputas que todos conocemos. ¡Pero Lennon dijo que sí! con una condición: que Yoko tocara con él. Harrison no lo aceptó. El quería convocar a leyendas y grandes del rock, y pensó que Ono no estaba a la altura. Tampoco pudo ser. Ninguno de los dos cedió. Pero sí tuvo el OK y la participación inmediata de Ringo, que fue parte del Concierto. Primero Harrison hizo el single “Bangladesh”, y luego, para mitigar la ausencia de la dupla Lennon-McCartney, llamó a dos de sus mejores amigos: Eric Clapton y Bob Dylan. No fue fácil la confección de la lista de artistas. Clapton estaba atravesando su peor período de adicción a las drogas y se había convertido en un recluso. Pero finalmente aceptó acompañar a Harrison. Bob Dylan dijo que podían conversar sobre el tema pero que eso no quería decir un sí. Como si esto fuera poco también estuvieron: el ascendente Leon Russell y el tecladista Billy Preston a los que se sumaban otros del ambiente como el productor Phil Spector, el bajista Klaus Voormann (amigo de Lennon y autor de los dibujos de la tapa de Revolver), el baterista Jim Keltner y el guitarrista Carl Radle (tocando el bajo). La importancia de este concierto radicó en que con él Harrison inventó el rock benéfico, esas reuniones de estrellas bien intencionadas que se dedican a juntar plata para los menos favorecidos. Dio el puntapié inicial, para que años después, Bob Geldof hiciera los famosos “Live Aid” y “Live 8”. Pero el concierto, además del hecho benéfico, tuvo condimentos espectaculares: fue la primera presentación en vivo de George Harrison, luego de la separación de Los Beatles, esto quiere decir, la primera vez que Harrison tocaba en un recital en vivo (salvando lo de la terraza de Abbey Road), desde el año 1966; fue la primera presentación de Bob Dylan en su país (lo había hecho en Europa, en la Isla de Wight) luego del accidente de motocicleta que lo tuvo postrado varios años, sin saberse nada de él; y marco el regreso de Eric Clapton, luego de su retiro a causa del alcohol y la heroína. La grabación del recital, mereció que ese mismo año saliera el vinilo tripe del mismo, fue la primera grabación oficial de Bob Dylan tocando en vivo. Nunca antes lo había hecho. Y Clapton desveló desde el escenario el misterio que a viva voz ya se conocía en el ambiente de la música: el sólo de guitarra de “While My Guitar Gently Weeps”, del Album Blanco de The Beatles, lo había hecho él. ¡Y como lo hizo esa noche! Misterio resuelto. El concierto en sí, comenzó con una bella pero larga introducción de música hindú a cargo de Ravi Shankar, que si bien no fue la primera vez que la música india pisaba un escenario rockero, pero si fue la más importante, ya que la difusión del evento convirtió a la música hindú en una gran carta de presentación de una de las músicas más antiguas, complejas y bellas del mundo. Pero el que se llevó todo por delante en el concierto fue el mismísimo Harrison que pasaba por la etapa más creativa de su carrera luego de su LP triple “All thing must past”, estaba muy nervioso; no sólo era su reputación la que estaba en juego, sino que, como dijimos, era la primera vez que se presentaba en público después de la separación de Los Beatles. Pero cuando arrancó con "Wah-wah", un tema de su álbum debut como solista, con Clapton secundándole, el Madison se vino abajo. Estaba el ahí, con Clapton y con Ringo atrás. "My Sweet Lord", hit del momento, subió aún más los ánimos. Cantó también Billy Preston, un gran tecladista, que le dio un tono muy espiritual al tema "That's the way God planned it", hasta culminar con una de las partes más emotivas del show al levantarse y recorrer danzando todo el escenario, mientras el coro siguió con la canción, iluminado por una luz móvil. La presencia de Ringo Starr fue ovacionada enormemente, y cantó un éxito propio, “It don´t come easy". Tocó la batería, canto, y se convirtió en una de las joyas del concierto. El gran tema de la noche fue “While My Guitar Gently Weeps”, con Clapton ahora visible, con un solo de guitarra impresionante, que marcó a esta versión del famoso tema de Los Beatles en una de las mejores versiones que jamás se hicieron. link: http://www.youtube.com/watch?feature=player_embedded&v=W3qx4RQotho Sin embargo, había dudas a como seguiría el show. En los ensayos anteriores, Bob Dylan había decidido bajarse, porque "no era su ambiente". Había ensayado los temas, pero de repente quiso bajarse. George lo dio por perdido. Y casi se muere cuando miró al costado y divisó la inconfundible figura de Dylan, con anteojos oscuros, dispuesto a presentarse. Fue increíble el recibimiento, ya que hacía muchísimos años que Bob no se presentaba en público en su país. El impacto emocional de la gente cuando vio a Bob Dylan en escena fue impresionante. Esto esta muy bien documentado en el audio del álbum, y en el DVD del concierto. Se especuló también con que al ser un recital benéfico, se iba a recuperar al Dylan de canciones políticas y de protesta de los primeros años. Fue apoteótico cuando Dylan subió al escenario, acompañado del propio Harrison a la guitarra, Russell al bajo y Ringo a los tambores y comienza a soltar cosas como “Blowin In The Wind”, “Mr. Tambourine Man” o “Just Like A Woman”. ¿Que pasó con los Rolling Stones? Obvio que también fueron invitados, pero tenían problemas legales e impositivos para salir de su “exilio” en la costa azul francesa, donde estaban trabajando en los primeros temas de su gran álbum “Exile on main Street”, refugiados en la Villa de Nellcote, y no pudieron ir. En su honor, Leon Rusell hizo unos rockitos mezclados, que se iniciaron con una rara versión de "Jumpin Jack Flash". Harrison hizo una versión mágica de su “Here comes the Sun”, cerrando luego el concierto con "Something" y por ultimo una canción para la velada, "Bangladesh". Estos dos temas fueron interpretados por todos, juntos, dando lugar a como se cerrarían, por delante, todos los conciertos benéficos: vengan todos y hacemos el tema final. Lo que se destaca del evento es la voluntad de Harrison, luchando contra todo, para poder hacerlo; y el carácter benéfico del mismo, el primer concierto de rock que tuvo esos propósitos. En lo específicamente humanitario, recaudo casi más de un cuarto de millón de dólares (que para la época era algo impresionante), y gracias Unicef fueron a convertirse rápidamente en medicamentos, comida y, sobre todo, agua no contaminada para Bangladesh. El álbum triple salió meses después, y en enero del año 1972 se estrenó la película del concierto, lo que engroso las arcas de la recaudación, que también seguirían y siguen llegando a Unicef, para la causa Bangladesh. El propósito del concierto quedaba claro aún mas en la tapa del disco: un niño hambriento, con un plato de comida sucio y vacío delante suyo, todo un símbolo directo de la situación. Se hizo una gran campaña para la venta del disco: desde el Melody Maker se pregonaba “por favor, si solo compran un álbum en 1972, que sea este”. En 2005 se hizo un DVD recomendable, con nuevo material nunca antes visto. ¿Qué logró Harrison con este concierto, además del aporte en sí? Logró que las estrellas de rock no estuvieran ajenas a los problemas del mundo, y se involucren, directa o indirectamente en situaciones de ayuda humanitaria. Bono, Bob Geldof, y tantos otros más, son el ejemplo vivo. Con el paso del tiempo, los derechos del álbum, del DVD, y de la imagen del concierto, recaudaron varios millones de dólares más, que se siguieron usando para ayuda humanitaria. En un mundo que necesita solidaridad, solo queríamos rescatar este concierto, que está considerado como el puntapié inicial del rock como ayuda humanitaria.

The Beach Boys - Pet Sounds Hay discos que marcan una época, que se convierten en hitos generacionales, y brillan situados en el periodo al cual enaltecen. No son muchos, digamos. Pero hay otros, contados con los dedos de una mano quizás, que trascienden la barrera del tiempo, que pertenecen –por más cursi que suene – a la eternidad, y valen como tesoros para una cultura completa. De ese exclusivo último grupo, The Beach Boys y su Pet Sounds es, tal vez, el bicho más raro: un trabajo que, casi sin utilizar guitarras, revitalizó al rock, viniendo de una banda ligada al surf-rock más liviano, y que aparentemente tiene demasiadas ideas para ser tan accesible. Pet Sounds es etéreo e indescifrable. Si uno quisiera reconstruirlo o versionarlo con exactitud, no sabría por donde partir. Más impresionante aún es que este sinfín de sutilezas habitó en la cabeza de un solo tipo, el cual demoró meses en llevarlo a cinta. Ahí parece descansar la gran razón por la cual este sigue siendo un álbum que impresiona a una generación tras otra. link: http://www.youtube.com/watch?v=SUitrNe1LgA Sólo para sumar antecedentes a la causa. Además de los Beach Boys (que se encargaban básicamente de las voces, salvo Brian Wilson en teclados y Dennis Wilson en batería, más alguna ocasional guitarra de Carl Wilson), en Pet Sounds participaron más de 60 músicos de sesión. Los Beach Boys iban por un camino alternativo al de The Beatles, estamos de acuerdo. Brian Wilson estaba más por el camino del pop tradicional de la época, y en esa senda lo alcanzado en “California Girls” pareció indicar una nueva era para la banda (Phil Spector es, más que un referente, una presencia inevitable en aquel camino). Wilson estaba conciente de ello, y tampoco quiso alejarse demasiado de “California Girls”. “Wouldn’t It Be Nice” comparte el ritmo y la temperatura del éxito de 1965, y es la mejor elección posible para abrir Pet Sounds. Y al final del álbum, Brian incluye el que fue su primer sencillo como solista, “Caroline, No”, un saludo aún más obvio a Spector, y que tiene un sentido muchísimo más amplio que simplemente cerrar la obra. Es Brian Wilson exponiéndose (y elevando su propia figura), poniendo el toque final a un retrato que no podía quedar incompleto, para hacer justicia al periodo que ya se subentendía como irrepetible. link: http://www.youtube.com/watch?v=JwTv62EcUsk ¿Es la sicodelia realmente el ingrediente esencial de Pet Sounds? Lo dudo. Sí se reconoce una intención por buscar mayor profundidad en el sonido de la canción pop, que no es lo mismo. Es en los temas más lentos donde Brian se echa a volar, apostando por condimentar lo suficiente la sonoridad de las composiciones como para que el auditor se pierda en ellas. ¿Cuánto dura “You Still Believe in Me”? ¿En qué momento empieza “Don’t Talk (PutYour Head On My Shoulder”? A eso es a lo que me refería. Toda gran obra musical tiene una carta de presentación, un extracto, una insignia. Para Pet Sounds, ese rol lo cumple una de las, quizás, pocas canciones perfectas de la historia: “God Only Knows”. Es la más simple de todas las piezas del LP, y no porque haya sido intencionalmente puesta en contraste con el resto del material. Simplemente, no necesitaba nada más. No se puede pedir más a esta melodía soñada; y si las voces eran la mayor fuerza de los Beach Boys, Carl Wilson baja del cielo para ofrecer una performance insuperable. link: http://www.youtube.com/watch?v=AOMyS78o5YI Más allá de “Wouldn’t it Be Nice”, lo más Beach Boys viene de la mano de “That’s Not Me”, “Sloop John B”, y “Here Today”. La voz de Mick Love siempre es reconocible, y los estribillos de estos temas son irresistibles. Sin embargo, son los pequeños segmentos instrumentales los que nos dan las mayores señales, esas que la mayoría pudo pasar por alto, pero que terminaron haciendo la diferencia a favor del disco. Qué extrañísima instrumentación para “I Know There’s An Answer”. Pero imposible negar lo estimulante del tema. Y no dejemos de mencionar los casos en que no hubo espacio para las palabras, “Let’s Go Away for a While” y “Pet Sounds”, ambas manifestaciones del carrusel de ideas que habitaban en la mente de Brian Wilson y que no bajaron nunca al piso. link: http://www.youtube.com/watch?v=nSAoEf1Ib58 Es difícil poner en una misma balanza a Pet Sounds con Sgt. Pepper. The Beatles explota el formato rock mucho más de lo que los Beach Boys jamás lo hubieran querido hacer. Si algo podemos decir de la comparación Beach Boys-Beatles, es que quizás sea más coherente poner este elepé en la misma balanza de Revolver; aún así, de todas formas, el triunfo histórico de Brian Wilson sigue sin ser fácil de explicar ni mucho menos racionalizar. El impacto de Pet Sounds no fue tan inmediato como el que alguno de los más revolucionarios trabajos de The Beatles pudo tener. Su repercusión fue con desfase, y lo cierto es que el valor del álbum no se justifica en cuánto modificó la manera en que se hacía música en los sesentas, sino en lo válido e indispensable que es todo lo que el buque conducido por Brian Wilson sigue representando décadas después. No hay más que decir. The Beach Boys - Pet Sounds 1 - Wouldn't It Be Nice 2 - You Still Believe In Me 3 - That's Not Me 4 - Don't Talk (Put Your Head On My Shoulder) 5 - I'm Waiting For The Day 6 - Let's Go Away For Awhile 7 - Sloop John B 8 - God Only Knows 9 - I Know There's An Answer 10 - Here Today 11 - I Just Wasn't Made For These Times 12 - Pet Sounds 13 - Caroline, No

Discos que cambiaron la historia del rock Es muy común escuchar que tal o cual disco “cambió” la historia del rock, o de determinado elemento de la cultura rock. Pero, ¿de qué estamos hablando cuando afirmamos eso? ¿Qué tiene que tener, o mejor dicho, que tiene que haber pasado con un disco para poder tildarlo de “provocador de un cambio”? Trataremos, ejemplificando con unos pocos, de entender porqué se le ha puesto a determinados discos, ese mote. Primero, se aclara que no fueron siempre los discos más vendidos, ni los más radiales, ni los “mas” de nada. Simplemente provocaron cambios. ¡Y qué cambios! “Graceland” Paul Simon, el del dúo Simon and Garfunkel. Hizo este disco en 1986 que provocó que los ritmos étnicos africanos, y su música invadieran el rock, y luego de este disco, tanto David Byrne, como el mismísimo Peter Gabriel, y el rock en general, fomentaron la fusión entre el rock y ritmos étnicos africanos. Crecíó, junto a esto, lo que se denominó “World Music” (que no es lo mismo, pero ayudó mucho). ¿Qué cambio provocó este disco? Que la música africana se mezclara con el rock. Que salieran sellos nuevos destinados a estas fusiones, y que la música borrara fronteras. Tema emblemático del disco: “You Can Call Me Al”. link: http://www.youtube.com/watch?feature=player_embedded&v=uq-gYOrU8bA#! “The Velvet Underground and Nico” el primer disco de la Velvet Underground. 1967, Nueva York. ¿Qué hizo este disco? Nada más ni nada menos que partir en dos troncos a la música rock. Antes de este disco sólo estaba el rock que provenía de la natural evolución del blues, del blues con ritmo, el rock inglés que invadía EEUU. Pero a partir de este disco nació una corriente nueva en Nueva York que terminó demarcando el camino de grupos como The Cure, Joy Division, The Stooges, Television, Patti Smith y demás. Guitarras abrasivas, letras explosivas, marginalidad, drogas, homosexualidad, sadomasoquismo y todo tipo de temas “tabu” para la época, se tocaron por primera vez en este disco. ¿Qué cambió entonces este disco? Abrió un camino nuevo, musical y de letras. Dijo Brian Eno: “Se vendió poco, pero todo el que lo compró terminó formando una banda”. Sin palabras. Tema emblemático: todos, pero me quedo con “I´m Waiting for the man”. link: http://www.youtube.com/watch?feature=player_embedded&v=hugY9CwhfzE#! “Disreali Gears” Salió en 1967. Si bien fue el segundo álbum de Cream fue su máxima expresión. ¿Qué cambio provocó este disco? Le mostró al mundo como con tres instrumentos (una guitarra, un bajo y una batería) se podía inundar de música a un disco. Fue ni más ni menos que el nacimiento de los power tríos. Nada de teclados, nada de primera y segunda guitarra. Grupos como The Police, The Jimi Hendrix Experience, Primus, Nirvana, y por nuestros pagos Divididos, Soda Stereo, Pappos Blues, agradecidos. Tema emblemático: y si, “Sunshine of your love”. link: http://www.youtube.com/watch?feature=player_embedded&v=Cqh54rSzheg#! “Talking Heads 77” ¡o bailar con buena música! Porqué solo se podía bailar, en los finales de los 70, con la música disco. Tan era así que los propios Stones y otros grupos de rock hicieron temas de musica “disco” (Miss You) para que la gente bailara. Este genial álbum de gente intelectual, culta y maravillosa (David Byrne, Tina Weymouth) como pocas, nos enseñó que se podía mover el esqueleto, y a su vez disfrutar de buena música, original, y de culto. Y fundaron la New Wave, allá por el 77, premonitoriamente, en el año de la explosión del punk. Siguieron su ejemplo grupos que nos hicieron bailar con buena música (The Police, por ej.), pero los primeros, fueron los Talking Heads, con este, su primer álbum. ¿Qué cambió este disco?: que puedas ir a un boliche, a fines de los 70 y en los tempranos 80, y puedas bailar un gran tema, sin que sea música bolichera, o disco (sin ánimo de desmerecer). Tema emblemático: Psycho Killer. ¡Buenísimo! link: http://www.youtube.com/watch?feature=player_embedded&v=vdp42fYKFZ8#! “TOMMY” 1969, The Who. Se han escrito hasta libros enteros de este disco. Fue tanto, que perturbó la vida de los Who hasta la posteridad. Nunca pudieron salir de semejante “cosa”, como lo es Tommy. Y cuando parecía que el legado de Tommy quedaba atrás, a alguien se le ocurrió en 1975, hacer una película, y los fantasmas volvieron. Solo “Quadrophenia” pudo hacer, por algún momento, que alguien se olvidara de Tommy. Pero ¿qué fue “Tommy”? Fue ni más ni menos que la primera ópera rock. Y también el primer disco conceptual (esto se discute mucho, ya que la definición de álbum conceptual es muy amplia) con una historia narrada, que tenía una introducción, un nudo y un desenlace entre todas las canciones. ¿Qué cambió este disco? La cabeza de varios músicos que se animaron luego a hacer algo parecido: una ópera, con música rock. Varias veces me pregunté si “The Wall”, la obra magna de un Pink Floyd ya casi en manos totales de Roger Waters es deudora, en alguna medida, de Tommy. Otro cambio que provoco “Tommy”: hizo que a su vez, la música clásica se interesara por el rock. A esas fusiones de principios de los 70, Tommy les abrió la puerta, y hasta la mismísima Orquesta Filarmónica de Londres hizo una versión Instrumental de Tommy. Tema emblemático: dos “Pinball Wizard”, y “Go To The Mirrow”. link: http://www.youtube.com/watch?feature=player_embedded&v=aOUqRZkR8dE#! “Revolver” The Beatles, año 1966. ¡Cuántos cambios!: primero, revolucionó la música moderna, cambió para siempre el modo en que los músicos se enfrentaron al hecho de hacer y de grabar discos. Nadie había hecho antes algo así. Los instrumentos sonaron diferentes al propio instrumento y se buscó adentro de cada nota, algo diferente. La música hindú se mezcló con occidente. Fue la primera vez que un grupo de músicos se internó días enteros en un estudio de grabación y aquí nació la manía de “trabajar” un disco hasta que estuviese listo. Tanto les gustó eso que dejaron de ser una banda de estadio, para ser una banda de estudio. Mas que un disco, es una enciclopedia, y sirve para entender porque nos gusta tanto esta música. Cada tema era una idea nueva en aquel entonces y desafió todas las reglas establecidas del pop. E inspiró a todo el mundo. Hoy se estima que destronó al Sargent Pepper´s como mejor álbum de los Beatles. Tema emblemático: imposible elegir, uno mejor que otro, mas que elegir un tema, recomiendo -sobre todo para los chicos- que lo escuchen entero, desde Taxman, hasta Tomorrows Never Knows, sin parar, como hacíamos antes, sin saltear, ni adelantar, y disfrutarán de algo inolvidable. ¿Qué cambió Revolver? Todo. link: http://www.youtube.com/watch?feature=player_embedded&v=Oyu5sFzWLk8#! “RAMONES” 1976. Nueva York. El guitarrista compró la guitarra porque era barata, el cantante nunca había entonado nada, el bajista rompió el bajo sin querer, y el baterista no sabía armar la batería. Esta era la “pintura” de la primera sesión de grabación de demos, de lo que luego sería uno de los álbumes más importantes e influyentes de la historia del rock: “Ramones”, el primer disco de la banda. Y fue tan importante que dio la patada fundacional, musicalmente, al movimiento Punk: Joe Strummer (The Clash), dijo que cuando escucho este disco, su vida cambió para siempre. Sid Vicious aprendió a tocar el bajo “arriba” de este disco (no le fue muy bien que digamos), y todo el movimiento punk (inglés y americano) tomó este disco como la base musical de todo lo que hicieron. Pero no solo fue importante por eso, sino porque además el disco devolvió al rock la frescura que había perdido con las grandes bandas establecidas, ya como dinosaurios del rock, y volvió al rock original, de garaje, de tres acordes y ritmos alegres. ¿Qué cambió provocó el disco? que naciera la “música punk”, y que el rock recuperara sus raíces. No es poco. Temas emblemáticos: “Judy is a Punk”, y obvio, “Blitzkrieg Bop”. link: http://www.youtube.com/watch?feature=player_embedded&v=TYh1lRR1m6Y La lista es interminable, solo queríamos, con algunos ejemplos, encontrar el porqué se dice que un disco cambió a la música rock por determinada circunstancia. Seguramente en todos los estilos musicales, deben haber discos que cambiaron formatos, conceptos, notas y formas de expresarse. En el rock, estos poquísimos ejemplos sirven para ilustrar. Quizás en otra entrega analicemos otros discos que cambiaron la historia del rock, y que la siguen cambiando.