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Grandes diseñadores graficos que han marcado al mundo del diseño Quienes de alguna manera estamos dentro de la industria de diseño grafico y la publicidad y somos relativamente nuevos en ella, pensamos que el diseño grafico y en general el diseño siempre ha sido como lo es en la actualidad, con todos sus avances tecnologicos, Photoshop, Ilustrador, Maya y demas aplicaciones digitales. Pero que hay antes de la era de las computadoras, quienes eran los gurus del diseño grafico cuando el Photoshop solo era posible en las novelas de SciFi, a quienes debemos los conceptos, estilos y tecnicas del diseño grafico que aun se utilizan, ahora potencializadas gracias a la tecnoligia digital. Enseguida una pequeña recopilacion de los grandes gurus del diseño a quienes debemos el que estemos hoy dentro de esta hermosa profesion. Jonathan Barnbrook (1966- ) Jonathan Barnbrook es uno de los diseñadores graficos mas activos de el reino Unido. Pionero del diseño grafico con contenido social, hoy llamada publicidad social, Barnbrook realiza fuertes conceptos acerca de la cultura corporativa, el consumismo, la guerra y la politica internacional. Trabajando en ambas esferas de la publicidad, comercial y no comercial, combina la originalidad, el ingenio, la política inteligente y amarga ironía por igual Saul Bass (1920-1996) Reconocido diseñador gráfico estadounidense, mejor conocido por su trabajo en la industria cinematográfica y en el diseño de algunas de las identidades corporativas más importantes de Estados Unidos. Bass estudió en el estudio de Artes League en New York y después en el Colegio de Brooklyn, cuyo maestro era Gyorgy Kepes, un diseñador gráfico húngaro quien había trabajado con László Moholy-Nagy en Berlín antes de emigrar a los Estados Unidos. Kepes fue el que introdujo a Saul Bass al estilo Bauhaus de Moholy y al Constructivismo ruso. Sus primeros trabajos en la meca del cine fueron la realización de carteles publicitarios para los films, aspecto que también revolucionó; enfrentándose con los conceptos establecidos que profesaban la “obligatoria” aparición de las fotos de los protagonistas en los afiches. Bass introdujo diseños abstractos transformando los simples carteles en una nueva forma de expresión artística. Robert Brownjohn (1925 – 1970) Robert Brownjohn fue un gran diseñador grafico conocido por mezclar los conceptos formales del diseño grafico con la cultura pop de los años 60s. Es mejor conocido por las secuencias de titulos de credito para las peliculas de James Bond “From Russia with Love” y “Goldfinger”, graficos para la Robert Fraser Gallery y crear arte para los Rolling Stones. Matthew Carter (1937-) El mas importante diseñador tipografico de nuestro tiempo. Matthew Carter es uno de los pocos diseñadores cuyo trabajo es usado por millones de personas todos los dias. Habiendo dedicado la mitad de su carrera a diseñar tipografias para su uso en la imprenta, como Miller and Bell Centennial, despues seria pionero en el diseño de fuentes para ser usadas en la pantalla, como su notablemente famosa Verdana Peter Saville (1955-) Peter Saville es el mítico diseñador detrás de Factory Records, disquera que a finales de los 70´s principios de los 80´s se encargo de proyectar la escena independiente británica de una fantástica forma, gran parte de esto, por lo menos lo visual se debe sin duda al estilo peculiar de Saville y el concepto detrás de el sello, Saville es el diseñador de portadas de verdad clásicas, como el siempre vigente trabajo hecho en “unkown pleasures” para Joy Division, considerado por muchos como la mejor portada que un disco haya tenido jamás. Stefan Sagmeister (1962-) Sagmeister estudió Diseño Gráfico en la University of Applied Arts de Viena, más tarde recibió una beca para estudiar en el Pratt Institute de New York. En 1991 se mudó a Honk Kong y ha trabajado para la agencia Leo Burnett, Tibor Kalman (fundador junto con Oliviero Toscani de la revista Colors de Benetton), para más tarde formar su propio estudio en el que ha trabajado con los más diversos clientes del mundo de la música, diseñando portadas realmente sorprendentes, cargadas de poder retorico y estetico. Desde su estudio se da el lujo de elegir a sus clientes como a David Byrne, Lou Reed, The Rolling Stones y la artista japonesa Mariko Mori. Alan Fletcher (1931 – 2006) Fundó la firma Fletcher/Forbes/Gill del diseño con Colin Forbes y Bob Gill en 1962. Un producto temprano era su libro diseño gráfico: Una comparación visual. Sus clientes incluían Pirelli, Cunard, libros del pingüino y Olivetti. Gill dejó la sociedad en 1965 y fue substituido por Theo Crosby, así que la firma se convirtió en Crosby/Fletcher/Forbes. Dos nuevos socios ensamblaron, y la sociedad evolucionó a Pentagram en 1972, con Forbes, Crosby, Grange de Kenneth y Mervyn Kurlansky, con clientes que incluían Lloyd´s of London y Daimler Benz. Muchos de sus diseños siguen funcionando: la insignia para Reuters que compuso de 84 puntos, creada en 1965, fue retirada en 1992, pero su insignia de “V&A” para Victoria and Albert Museum, y su insignia de “IoD” para el Institute of Directors sigue funcionando. En los años pasados el diseñó la insignia para la escuela italiana de la arquitectura “Facolta` di Architettura di Alghero”. Una exposición de su trabajo de vida se abrió en el Design Museum en Londres el el 11 de noviembre de 2006 hasta el 18 de febrero de 2007, junto a la publicación póstuma de su libro, “Picturing and Poeting”. Ganó el Prince Philip Prize al diseñador del año, fue presidente de Designers and Art Directors Association en 1973 y el presidente internacional de la Alliance Graphique Internationale a partir de 1982 a 1985. Lo eligieron al Hall of Fame del club de directores de arte de nueva york en 1994, era un compañero mayor de la universidad real del arte en 1989 y fue un socio mayor del Royal College of Art en el 2000. Abram Games (1914 – 1996) Muchas de las mas memorables imagenes de mediados del siglo XX el la Gran Bretaña fueron obra del trabajo de Abram Games. Como un Artista Oficial de Guerra durante la Segunda Guerra Mundial, diseño mas de un centenar de carteles y despues creo los logotipos para la BBC y el Festival of Britain. Armin Hofmann (1920-) Diseñador gráfico suizo, que hizo parte de la “Escuela de Basilea” de diseño gráfico. Fue reconocido por sus carteles, que hacían énfasis en la economía en el uso del color y la tipografía, en contra de lo que denominó “la trivialización del color”. Éstos han sido sido exhibidos ampliamente como obras de arteen importantes galerías como el Museo de Arte de Nueva York. También fue un educador influyente. En 1965, escribió su célebre Manual de Diseño Gráfico , obra de lectura obligada en muchas escuelas de diseño del mundo. Suyas son frases como “El pensamiento crítico es el resultado de una mirada crítica” y “no debería haber separación entre el trabajo espontáneo con un toque emocional y el trabajo dirigido por el intelecto. Ambos son complementarios y se deben considerar como íntimamente conectados. La disciplina y la libertad deben por tanto, verse como elemntos de igual importancia, cada uno parte del otro”. George Lois (1931-) George Loisn es un multipremiado director de erte, diseñador, publicista y autor. Es mayormente conocido por sus legendarias y brillantes portadas para Esquire Magazine que produjo como consultor de esa revista entre 1962 y 1972 sin ser nunca empleado de Esquire. Las portadas de Lois para Esquire mostraban un controversial estilo para la epoca con personajes como Marilin Monroe, Norman mailer, Muhammad Ali, Andy Warhol y Richard Nixon. En el 2008 The Museum of Modern Art exhibio 32 de las 92 portadas que Lois hizo para Esquire. Jan Tschichold (1902 – 1974) Tipografo, diseñador de libros, maestro y escritor. A la edad de doce años visitó la Internationale Ausstellung für Buchegewerbe und Gaphik comúnmente llamada Bugra la cual es una importante feria de las Artes gráficas que se realiza en la ciudad de Leipzig y que influyó profundamente en Tschichold. En sus ratos libres empezó a estudiar caligrafía hasta que tuvo la fortuna de conocer a Rudolf von Larisch que de alguna manera hizo que se interesara más por el diseño de tipos de letra, lo cual lo motivó a estudiar en la Academia de Artes Gráficas de Leipzig a la edad de 19 años. En el año de 1921 y hasta 1925 hizo varios carteles para distintas ferias y eventos que se organizaban en Leipzig y esto lo dio a conocer como calígrafo y rotulista. Uno de sus trabajos más importantes fue hecho para la Insel Verlag y fue seleccionado en 1926 para ser expuesto en la exposición internacional de caligrafía en Viena en donde también se presentaron trabajos de Eric Gill, Edward Johnston y Alfred Fairbank. En 1947 Tshichold aceptó la propuesta de Penguin Books para rediseñar las portadas de sus libros. Antes de comenzar a rediseñar, formuló unas reglas conocidas como Penguin composition rules que servían para que la comunicación entre el autor y el lector fueran más precisas ya que se detallaban los márgenes, títulos, adornos, símbolos que aparecían en los libros; las Penguin composition rules son consideradas el primer Manual de estilo para una colección de libros. Para los libros no existía una única tipografía, dependiendo del contenido del libro se decidía el tipo de letra que iba a ser empleado, es por eso que se tenía que hacer un diseño particular para cada uno de los libros. Tschichold creó cerca de 500 portadas para Penguin. En 1960 la casa fundidora Linotype encomendó a Tschichold la responsabilidad de crear un tipo de letra que pudiera utilizarse tanto en monotipia como en linotipia. El estilo tenía que ser parecido al Monotype Garamond pero más estrecho en un 5% para de esta manera poder ahorrar espacio. Fue así como surgió la letra Sabon, uno de los principales tipos desarrollados por Tschichold. Josef Muller Brockmann (1914 – 1996) Diseñador gráfico y profesor universitario de origen suizo. Fue docente de la HfG de Ulm en Alemania y uno de los impulsores, junto con Armin Hoffmann, de la llamada Escuela Germano Suiza de diseño, caracterizada por la sencillez y la claridad y por el uso de la retícula. Estudió arquitectura, diseño e historia del arte en la Universidad de Zúrich y en su Kunstgewerbeschule (Escuela de Artes Aplicadas y Oficios Artísticos). En 1936 abrió en esa ciudad su propio estudio, especializado en diseño gráfico, diseño de exposiciones y fotografía. Desde 1951 produjo carteles de conciertos para el Auditorio de Zurich. En 1958 se convirtió en editor y fundador, junto con Richard P. Lohse, Carlo L. Vivarelli y Hans Neuburg, de la revista New Graphic Design (también Neue Graphik y Graphisme Actuel) que, en 18 números y entre 1958 y 1965, revolucionó el diseño gráfico. En 1966, Müller-Brockmann fue nombrado consultor de diseño para Europa de la empresa IBM. Fue autor de las influentes obras El artista gráfico y sus problemas de diseño [Gestaltungsprobleme des Grafikers, Teufen] y Sistemas de retículas en el diseño gráfico [Rastersysteme für die visuelle Gestaltung] en 1961, y de Historia de la comunicación visual [Geschichte der visuellen Kommunikation, Teufen] e Historia del póster [Geschichte des Plakats, Zürich] en 1971. Milton Glaser (1929- ) Glaser estudio en la conocida Cooper Union entre 1948 y 1951 para continuar su formación en la Academia de Bellas Artes de Bolonia con el pintor Giorgio Morandi. Fundó con Seymour Chwast el Push Pin Studio para, en 1974, crear su propia compañía. Ha creado más de 300 carteles entre los que se cuenta el famoso de Bob Dylan, un símbolo de los años sesenta. Glaser se ha dedicado al diseño editorial y a la identidad corporativa. En el primer campo ha trabajo para publicaciones como Paris Macht, L´Express, Esquire o Village Voice y La Vanguardia (1987-1989) para realizar un cambio en esta publicación coincidiendo con su paso al color. En identidad corporativa, desde finales de los setenta se encargó de un gran proyecto para la compañía Grand Union, una cadena de supermercados en los Estados Unidos. También creo el logo de DC Comics. En 1981 creó el conocido símbolo para I love New York. El estilo de Glaser se caracteriza por el eclecticismo y esta influido por numerosas fuentes si bien siempre ha dado a la ilustración una importancia grande. Ha diseñado algunos tipos de letra, la mayoría de carácter decorativo y escasamente legibles, como reflejo de esta orientación suya muy alejada de la ortodoxia metodológica. Su concepción creativa se acerca más a la de un artista tradicional que expresa en su obra una particular visión del mundo. Paul Rand (1914 – 1996) Rand se destacó en el diseño editorial. Fue también recordado, por uno de sus empleados como la persona con “peor genio en el mundo”. Rand puede presumir de la fama de ser un viejo gruñón que siempre critica o desprecia nuevas tendencias o conceptos en el diseño, derecho ganado gracias a que nunca cambió su postura o cuestionó la rectitud de su camino en cuanto al modernismo, y aun a pesar de las idas y vueltas que sufrió el diseño él jamás cambio.Más que ser un gruñón fue un revolucionario del diseño en Estados Unidos, gracias a su trabajo, que comenzado como un oficio, terminó como toda una profesión. Fue un gran defensor, líder y hasta inspiración del movimiento modernista, el cual era casi una religión para él. Un buen ejemplo a retratar es el siguiente: “Durante la ceremonia de su retrospectiva en el Cooper Union en octubre del 95 se le preguntó si el modernismo había muerto. Rand replicó:”Yo sigo vivo”.” Utilizando ésta simplicidad del modernismo, y con el uso geométrico limpio de espacio en blanco, creó algunas de las identidades corporativas estadounidenses más reconocibles, como IBM, Westinghouse, United Parcel Service, American Broadcasting Company (ABC) y el más reciente USSB (Servicio de Televisión por Satélite), reconocidos en todo el mundo. Fue autor de varios libros sobre diseño. En 1935 creó su propio estudio en Nueva York y ya partir de 1956 se desempeñó como profesor de diseño gráfico en la Universidad de Yale en New Haven, Connecticut. Rand siguió el camino del diseño en gran parte hasta los noventa. En 1984 le concedieron la medalla del “Type Director´s Club” presentándolo como a uno de quienes “han hecho contribuciones significativas a la vida, al arte, y al arte de la tipografía”. Rand fue incluido en el “New York Art Directors Club Hall of Fame” en 1972. Entre sus muchos premios se incluyen medallas de oro. Seymour Chwast (1931- ) Estudió diseño gráfico e ilustración en The Cooper Union. En 1954 fundó, junto a Milton Glaser y Edward Sorel, el estudio Push Pin así como la Push Pin Press. Con una mirada ecléctica, y a veces historicista, que contrastaba profundamente con las propuestas suizas del momento y se mostraba como alternativa radical, Push Pin -desde 1985 The Pushpin Group- ejerció una enorme influencia en un buen número de diseñadores de los años 1960 y 1970. A lo largo de su extensa trayectoria ha destacado por sus carteles –unos 100 y muchos de ellos comprometidos políticamente- y por el diseño de libros y revistas. Como ha dicho Steven Heller, junto a sus colegas de Push Pin, ha contribuido a cerrar la brecha entre diseño e ilustración, una brecha que se fue abriendo a medida que se imponía un “diseño objetivo”, más basado en la fotografía. Chwast ha realizado numerosas exposiciones y recibido incontables premios. Su trabajo está presente en las colecciones permanentes de diversos museos entre los que puede citarse el Museum of Modern Art de Nueva York. FUENTE espero que les halla gustado :B

Quien es ? Mr. Kone es el seudónimo de César Evangelista Bautista, un director de arte e ilustrador mexicano que considero un peso pesado de los diseñadores latinoamericanos. Hice esta recomendación simultánea aprovechando la publicación del proyecto genial de The Nike Cup. Mr. Kone trabaja mucho con personajes. Tiene influencias claras del graffiti, la gráfica popular mexicana y la tradición de su país, según explica, mucho de lo que hace proviene de recuerdos y fijaciones de su infancia como las caricaturas y los videojuegos. También trata de explorar la dualidad en sus ilustraciones. Su trabajo ha salido en varias publicaciones incluyendo Revista Colectiva y The Ark Project. También ha trabajado para la clientela grande y co-fundó Ledy Ledy, una marca de muñecos de vinil y otros productos . Algunos Trabajos Entrevista (www.creativitystorm.com) 1.- Primeramente quiero agradecerte el tiempo y tu disponibilidad para esta entrevista. Para comenzar, por que no nos hablas un poco de ti sobre quien eres y que haces, asi como tus otros gustos? Soy diseñador e ilustrador, mi nombre real es César Evangelista Bautista. Pero mi nombre como diseñador de autor es mejor conocido como Mr. Kone. Me gusta todo lo que se pueda comer con los ojos y me encanta la música, Des de niño quise ser pintor. Pero al final me dedique al diseño. Soy adicto a las caricaturas desde que tengo uso de razón, me fascina el anime, el retrocartoon, los cómics y el manga. Nunca fui muy buen estudiante, pero aprendí aprovechar todo lo que me llegaba y me gustaba. Soy disléxico, y gracias al dibujo pude sobrevivir y encontrar un camino en mi vida. 2.- Por que no nos hablar un poco sobre tu arte? Bueno, no creo que sea arte. Si te refieres a mi trabajo. Lo considero más como gráfica. Me encantan hacer personajes, imaginar seres raros, objetos que toman vida, que salen de muchos lados. Ahora que han pasado muchas cosas en mi vida, comienzo a dejarme llevar por mis gustos y fijaciones. Y van dependiendo de mi estado de ánimo. Por ejemplo ahora estoy en una etapa muy tranquila, me siento muy contento y feliz, y mis personajes se han vuelto en un espejo. Me ayudan a salir de una realidad y puedo con ellos ponerle una sonrisa en la cara de la gente. No creo que sea arte, mas bien es una forma de expresar un mensaje, ahora soy mas positivo. Aun así estoy en una constante búsqueda y evolución. No se a donde me va a llevar, pero se como quiero estar. Eso es muy importante para mi, porque vivo mundos paralelos y eso es mi trabajo. Un mundo dual donde vemos dos cosas que son casi iguales, pero al final no lo son. 3.- Interesante el concepto que usas, pero también tienes influencias o fuentes de inspiración? Por supuesto. No inventamos nuevas cosas, solamente retomamos ideas, gustos y fijaciones que va capturando nuestros ojos y que se van guardado en la memoria. En mi caso tuve que reseterme. Es decir, deje todo lo que había creado, para empezar de nuevo. Me reinvente, y me di cuento que había mucha gente que estábamos en el mismo canal, y cada uno fuimos reinterpretando los mensajes. Pero sin lugar a dudas, con el tiempo uno va puliendo el estilo y decidiendo que quiere hacer. En mi caso cada determinado tiempo algo en mi pasa y comienzo a experimentar, hasta que genero algo diferente. Uno creería que es el primero, pero a la vuelta te encuentras con alguien que ya lo hizo o esta haciendo. 4.- Si, recordando la famosa frase de que “nada se esconde bajo la luz del sol” Exactamente. He conocido gente, sobre todo en el mercado mexicano, que creen, y hacen creer a las personas que son los primero. Y eso es molesto, y sobre todo habla mucho de la falta de sinceridad y humildad por su trabajo. 5.- ¿Tienes algun proceso a la hora de diseñar? ¿Sueles hacer bocetos? Soy de la vieja escuela, me toco la transición de las computadoras, y tuve la fortuna de aprender antes de entrar a diseño a usar las computadoras Macs. Ya que siempre fui muy inquieto. Al principio no estudiaba diseño, estaba en ingeniería, pero en la sala de computo estaban las macs. Y me ponía a jugar en ellas. Ya cuando entré a la carrera de diseño, ya sabia usar las mac y algunos de los primeros programas como Illustrator 88 y después la versión 3.0, también Freehand. Pero empezaban a dar las primeras clases de computación y seguían enseñando técnicas de representación tradicional. Ya sabes, graffito, acuarelas, acrílicos, etc. Y desde niño dibujaba. No concibo que un diseñador y mucho menos un ilustrador; no use por lo menos un boceto para su trabajo. 6.- ¿Que programas manejas para realizar tus trabajos, la mayoria veo que son tipo vector, por lo que me imagino que usas illutrator, no? Si, como te comentaba, aprendí a usar las primeras versiones de Adobe illustrator, también Freehand y por cuestiones de necesidad usaba Corel, cuando estudiaba la carrera de diseño. Pero También uso el Photoshop para darle mas dimensión a algunas de mis ilustraciones. 7.- ¿Cómo crees que esta evolucionando y como encuentras la situación de la ilustración en méxico? ¿Crees que en méxico hay un buen nivel en cuestion de ilustración? Bueno, la ilustración en México siempre ha tenido muy buen nivel, todo lo podemos hablar por generaciones. Supongo que yo pertenezco a una tercer generación contemporánea, tomando en cuenta que vayamos en la quinta generación o sexta. Pero lo que es preocupante de estos tiempos, es que la problemática económica del país y del mundo en general, ha ocasionado que se vayan cerrando espacios donde las nuevas generaciones de ilustradores pueden trabajar. Y si a eso le aunamos que la ilustración tomo mucha fuerza en los últimos 15 años. Siendo los últimos 5 como los mas pujantes en esta rama del diseño. Lo que esta pasando en que estas nuevas generaciones no salen bien preparados, la carrera de diseño se ha vuelto un gran negocio, ya casi en todas las escuelas de México tiene la carrera, las matriculas se han multiplicado y muchas veces los jóvenes que terminan sus estudios; se dan cuenta que no hay campo de trabajo en su zona y tiene que emigrar. Si a esto le añadimos que el diseño, como la medicina o alguna otras carreras; es de mucha vocación. Pero en el mundo actual los jóvenes tienen mayores distracciones, no se pueden enfocar en una sola cosa, no se ve que le pongan el 100% en sus estudios. Y es un problema preocupante porque al final cuando terminan se dan cuenta que han invertido de muy mala forma el tiempo. La vida a veces exige muchos sacrificios para lograr tus metas. Si hay nivel, pero no hay espacios, no hay trabajo. También en México se ha vuelto la ilustración muy mediatica y apegada a la moda. Veo trabajos en los chicos que postean en Facebook y nunca he leído un mal comentarios, siempre se aplauden y es cuando dices. ¿de verdad no están viendo todo lo que pasa a su alrededor? ¿acaso seguimos encerrados en nuestra burbuja? Hay mucho talento en México, pero se esta perdiendo, se están yendo con una idea errónea de lo que significa ser ilustrador. Hablando en concreto, no se trata de ser estrella o artista, se trata de cumplir nuestra función de comunicar. Pero nos estamos estancando en algunas corrientes de la ilustración. Todo es funny, todo es chistoso o cagadito. Pareciera que ser ilustrador o diseñador es ser una estrella del diseño. Eso no se busca, se llega con el tiempo y el trabajo. Y creo que no es por ahí la cosa. 8.- Veo que has trabajado para muchas empresas, ¿hubo algun proyecto con el cual te haya gustado trabajar o fue muy diferente a los demas? ¿y en que aspecto? Bueno desde el año antepasado, empece a trabajar directamente con las empresas y marcas. Nike fue el primero en acercarse a mi trabajo. Todos los proyectos que he realizado con ellos han sido proyectos que son el sueño de todo diseñador. Porque me dejan hacer lo que me gusta, no me ponen limites y me dan libertad creativa. Ha sido muy buenas experiencias, ya no tengo en medio a una agencia que muchas veces vuelve lento el proceso. Pero este proceso ha sido natural, la gente cree que es de la noche a la mañana, para este primer trabajo tuvieron que pasar 8 largos años de fogearme con revistas, agencias, despachos, etc. Es decir, llega ya con la experiencia. Son proyectos grande que llevas en los hombros una gran responsabilidad. Y eso es un gran reto. 9.- De hecho, me han comentando, que por los proyectos de Nike y Nickeloden te conocen, y si, en tus diseños se puede ver la libertad con la cual diseñas, algo que de muy pocos diseñadores oigo, mayormente se quejan por la limitacion que les imponen, y ya entrando en un tema general con los diseñadores ¿Cuales crees que deben ser las aptitudes o habilidades que debe haber en un diseñador? Un diseñador debe de ser un ser pensante, crítico, analítico. Debe tener la capacidad de resolver un problema de comunicación. Porque esos somos, no me gusta que algunas otras profesiones nos cataloguen como micos que hacen dibujos y mucho menos que nos vea como artistas. Pero nosotros somos responsables de que nos vean así. Yo al igual me quejaba muchos de los clientes, pero la verdad es que era porque no era objetivo, creía tener la razón cuando realmente no hemos aprendido que estamos para resolver los problemas de comunicación de un cliente o un producto. Creemos tontamente que debemos ser siempre los actores estelares del proyecto y es una gran equivocación. Si uno quiere ganarse el respeto y que sea escuchado o visto su discurso, debe aprender a ser autentico, creativo, y pensante. Solo nuestro trabajo podrá decir cuando estemos listos para ser escuchados. 10.- Si tuvieras que mencionar 5 o más sitios que te gusta visitar por su contenido, mensaje, inspiración para ti, ¿cuales serian? Estoy suscrito a Fubiz, Vimeo, Grain Edit, I love Tipography, y NFG! Actualmente me inspiro de todo el mundo que me rodea. 11.- Veo que ofreces conferencias en distintas partes del mundo, dime, Cual es el tema que manejas en ellas o de cual es la finalidad, me imagino que cada una es distinta? Bueno, solo he tenido una en Santiago de Chile; Sudala. Y este año voy por la segunda, que la considero como el punto mas alto que puedo llegar en este momento. Será en Barcelona, España en el evento internacional Offf. Lo mas increíble es que en Sudala, repetí algo que hice la primer vez que di una conferencia; hablar de mi vida cotidiana, de mis orígenes, de como el diseño me ayudo salir adelante y superar muchos obstaculos. A su vez en el escenario vemos imágenes de los proyectos he realizado. Creo que mis platicas, siempre han sido como conferencias de motivación, donde me pongo de ejemplo de que uno puede lograr todo lo que se ponga en la vida. Siempre y cuando sea un buen ser humano. Estoy ahora preparando mi presentación para Offf y es algo similar pero llevado a otro nivel. Me preocupaba de que iba hablar, pero de pronto entendí, que hablare con sinceridad y franqueza, sin pretensión. Seré yo mismo. 12.- Cuales consideras tus 3 mejores diseño ya sea propio o de cliente, donde influya todo, es decir, el proceso que hayas usado, o que simplemente crees que te quedo muy genial. Pues el proyecto de Nike Cup 2010, sin lugar a dudas es el mejor, le sigue otro que no puedo decir mucho, pero que saldrá a la luz en un par de meses, y un proyecto especial que hice para Nike USA, que fue una pieza única que se imprimió en madera, y no dejaría afuera el proyecto de cablevisión que no tuve ni que entregar un boceto. Esos proyectos son lo que vendría siendo mi ideología de trabajo… eso que a mi me gusta, es lo que te gusta a ti. 13.- Tus proyectos a corto, media y largo plazo. Bueno, a corto plazo salen dos proyectos importantes en mi trabajo como diseño de autor. Estoy por sacar un nuevo proyecto personal que se trata de gráfica. Estamos con el proyecto de nuestra marca de tshirt y mi propia marca de productos. A mediano plazo, pues estoy empezando la planeación de mi libro recopilatorio y mi incursión en la animación. Titularme después de 12 largos años Y a largo plazo, esta la idea de cambiar de residencia fuera del país. 14.- Para acabar, te agradezco profundamente el tiempo y dedicatoria que haz ofrecido para Creativity Storm y para mi, tambien felicitarte por tu trabajo y tu humildad. La pregunta es: ¿Que consejos o tips les darías a los diseñadores jóvenes que están naciendo ahora? Como les decía esta profesión exige muchos sacrificios. Estudien, trabajen mucho, no quieran correr cuando apenas están caminando. Apasionense y entreguense por lo que hacen, aprendan a ser autocráticos, sencillos, honestos, humildes y humanos. Compartan lo mejor de su vida con los demás. Aprendan de los errores, es lo mejor que nos puede pasar en la vida. Porque nos enseña a ser mejores día a día. Sean buenos ciudadanos. Siempre trabajen, disfruten de la vida y nunca dejen de soñar, porque es lo único que realmente no hace ser mejores personas. Buenas vibras y paz. -