MandarinaMadura

J. L. Borges, un post para conocerlo Buenas estimados Taringuer@s, vengo con mi primer post a divulgar (tarea penosa si las hay) a tan gran escritor como ha sido Jorge Luis Borges, con el unico fin de que ustedes se tomen el trabajo serio de leerlo o por lo menos conocerlo. Espero les sirva en algo Pequeña reseña biográfica: (Buenos Aires, 1899 - Ginebra, Suiza, 1986) Escritor argentino. Jorge Luis Borges procedía de una familia de próceres que contribuyeron a la independencia del país. Su antepasado, el coronel Isidro Suárez, había guiado a sus tropas a la victoria en la mítica batalla de Junín; su abuelo Francisco Borges también había alcanzado el rango de coronel. Pero fue su padre, Jorge Borges Haslam, quien rompiendo con la tradición familiar se empleó como profesor de psicología e inglés. Estaba casado con la delicada Leonor Acevedo Suárez, y con ella y el resto de su familia abandonó la casa de los abuelos donde había nacido Jorge Luis y se trasladó al barrio de Palermo, a la calle Serrano 2135, donde creció el aprendiz de escritor teniendo como compañera de juegos a su hermana Norah. En aquella casa ajardinada aprendió Borges a leer inglés con su abuela Fanny Haslam y, como se refleja en tantos versos, los recuerdos de aquella dorada infancia lo acompañarían durante toda su vida. Apenas con seis años confesó a sus padres su vocación de escritor, e inspirándose en un pasaje del Quijote redactó su primera fábula cuando corría el año 1907: la tituló La visera fatal. A los diez años comenzó ya a publicar, pero esta vez no una composición propia, sino una brillante traducción al castellano de El príncipe feliz de Oscar Wilde. En el mismo año en que estalló la Primera Guerra Mundial, la familia Borges recorrió los inminentes escenarios bélicos europeos, guiados esta vez no por un admirable coronel, sino por un ex profesor de psicología e inglés, ciego y pobre, que se había visto obligado a renunciar a su trabajo y que arrastró a los suyos a París, a Milán y a Venecia hasta radicarse definitivamente en la neutral Ginebra cuando estalló el conflicto. Borges era entonces un adolescente que devoraba incansablemente la obra de los escritores franceses, desde los clásicos como Voltaire o Víctor Hugo hasta los simbolistas, y que descubría maravillado el expresionismo alemán, por lo que se decidió a aprender el idioma descifrando por su cuenta la inquietante novela de Gustav Meyrink El golem. Hacia 1918 lee asimismo a autores en lengua española como José Hernández, Leopoldo Lugones y Evaristo Carriego y al año siguiente la familia pasa a residir en España, primero en Barcelona y luego en Mallorca, donde al parecer compuso unos versos, nunca publicados, en los que se exaltaba la revolución soviética y que tituló Salmos rojos. En Madrid trabará amistad con un notable políglota y traductor español, Rafael Cansinos-Assens, a quien extrañamente, a pesar de la enorme diferencia de estilos, proclamó como su maestro. Conoció también a Valle Inclán, a Juan Ramón Jiménez, a Ortega y Gasset, a Ramón Gómez de la Serna, a Gerardo Diego... Por su influencia, y gracias a sus traducciones, fueron descubiertos en España los poetas expresionistas alemanes, aunque había llegado ya el momento de regresar a la patria convertido, irreversiblemente, en un escritor. De regreso en Buenos Aires, fundó en 1921 con otros jóvenes la revista Prismas y, más tarde, la revista Proa; firmó el primer manifiesto ultraísta argentino, y, tras un segundo viaje a Europa, entregó a la imprenta su primer libro de versos: Fervor de Buenos Aires (1923). Seguirán entonces numerosas publicaciones, algunos felices libros de poemas, como Luna de enfrente (1925) y Cuaderno San Martín (1929), y otros de ensayos, como Inquisiciones, El tamaño de mi Esperanza y El idioma de los argentinos, que desde entonces se negaría a reeditar. es Durante los años treinta su fama creció en Argentina y su actividad intelectual se vinculó a Victoria y Silvina Ocampo, quienes a su vez le presentaron a Adolfo Bioy Casares, pero su consagración internacional no llegaría hasta muchos años después. De momento ejerce asiduamente la crítica literaria, traduce con minuciosidad a Virginia Woolf, a Henri Michaux y a William Faulkner y publica antologías con sus amigos. En 1938 fallece su padre y comienza a trabajar como bibliotecario en las afueras de Buenos Aires; durante las navidades de ese mismo año sufre un grave accidente, provocado por su progresiva falta de visión, que a punto está de costarle la vida. Al agudizarse su ceguera, deberá resignarse a dictar sus cuentos fantásticos y desde entonces requerirá permanentemente de la solicitud de su madre y de su amigos para poder escribir, colaboración que resultará muy fructífera. Así, en 1940, el mismo año que asiste como testigo a la boda de Silvina Ocampo y Bioy Casares, publica con ellos una espléndida Antología de la literatura fantástica, y al año siguiente una Antología poética argentina. En 1942, Borges y Bioy se esconden bajo el seudónimo de H. Bustos Domecq y entregan a la imprenta unos graciosos cuentos policiales que titulan Seis problemas para don Isidro Parodi. Sin embargo, su creación narrativa no obtiene por el momento el éxito deseado, e incluso fracasa al presentarse al Premio Nacional de Literatura con sus cuentos recogidos en el volumen El jardín de los senderos que se bifurcan, los cuales se incorporarán luego a uno de sus más célebres libros, Ficciones, aparecido en 1944. Vicisitudes públicas En 1945 se instaura el peronismo en Argentina, y su madre Leonor y su hermana Norah son detenidas por hacer declaraciones contra el nuevo régimen: habrán de acarrear, como escribió muchos años después Borges, una "prisión valerosa, cuando tantos hombres callábamos", pero lo cierto es que, a causa de haber firmado manifiestos antiperonistas, el gobierno lo apartó al año siguiente de su puesto de bibliotecario y lo nombró inspector de aves y conejos en los mercados, cruel humorada e indeseable honor al que el poeta ciego hubo de renunciar, para pasar, desde entonces, a ganarse la vida como conferenciante. La policía se mostró asimismo suspicaz cuando la Sociedad Argentina de Escritores lo nombró en 1950 su presidente, habida cuenta de que este organismo se había hecho notorio por su oposición al nuevo régimen. Ello no obsta para que sea precisamente en esta época de tribulaciones cuando publique su libro más difundido y original, El Aleph (1949), ni para que siga trabajando incansablemente en nuevas antologías de cuentos y nuevos volúmenes de ensayos antes de la caída del peronismo en 1955. En esta diversa tesitura política, el recién constituido gobierno lo designará, a tenor del gran prestigio literario que ha venido alcanzando, director de la Biblioteca Nacional e ingresará asimismo en la Academia Argentina de las Letras. Enseguida los reconocimientos públicos se suceden: Doctor Honoris Causa por la Universidad de Cuyo, Premio Nacional de Literatura, Premio Internacional de Literatura Formentor, que comparte con Samuel Beckett, Comendador de las Artes y de las Letras en Francia, Gran Premio del Fondo Nacional de las Artes de Argentina, Premio Interamericano Ciudad de Sèo Paulo. Inesperadamente, en 1967 contrae matrimonio con una antigua amiga de su juventud, Elsa Astete Millán, boda de todos modos menos tardía y sorprendente que la que formalizaría pocos años antes de su muerte, ya octogenario, con María Kodama, su secretaria, compañera y lazarillo, una mujer mucho más joven que él, de origen japonés y a la que nombraría su heredera universal. Pero la relación con Elsa fue no sólo breve, sino desdichada, y en 1970 se separaron para que Borges volviera de nuevo a quedar bajo la abnegada protección de su madre. Los últimos reveses políticos le sobrevinieron con el renovado triunfo electoral del peronismo en Argentina en 1974, dado que sus inveterados enemigos no tuvieron empacho en desposeerlo de su cargo en la Biblioteca Nacional ni en excluirlo de la vida cultural porteña. Dos años después, ya fuera como consecuencia de su resentimiento o por culpa de una honesta alucinación, Borges, cuya autorizada voz resonaba internacionalmente, saludó con alegría el derrocamiento del partido de Perón por la Junta Militar Argentina, aunque muy probablemente se arrepintió enseguida cuando la implacable represión de Videla comenzó a cobrarse numerosas víctimas y empezaron a proliferar los "desaparecidos" entre los escritores. El propio Borges, en compañía de Ernesto Sábato y otros literatos, se entrevistó ese mismo año de 1976 con el dictador para interesarse por el paradero de sus colegas "desaparecidos". De todos modos, el mal ya estaba hecho, porque su actitud inicial le había granjeado las más firmes enemistades en Europa, hasta el punto de que un académico sueco, Artur Ludkvist, manifestó públicamente que jamás recaería el Premio Nobel de Literatura sobre Borges por razones políticas. Ahora bien, pese a que los académicos se mantuvieron recalcitrantemente tercos durante la última década de vida del escritor, se alzaron voces, cada vez más numerosas, denunciando que esa actitud desvirtuaba el espíritu del más preciado premio literario. Para todos estaba claro que nadie con más justicia que Borges lo merecía y que era la Academia Sueca quien se desacreditaba con su postura. La concesión del Premio Cervantes en 1979 compensó en parte este agravio. En cualquier caso, durante sus últimos días Borges recorrió el mundo siendo aclamado por fin como lo que siempre fue: algo tan sencillo e insólito como un "maestro". La obra de Jorge Luis Borges Borges es sin duda el escritor argentino con mayor proyección universal. Se hace prácticamente imposible pensar la literatura del siglo XX sin su presencia, y así lo han reconocido no sólo la crítica especializada sino además las diversas generaciones de escritores, que vuelven con insistencia sobre sus páginas como si éstas fueran canteras inextinguibles del arte de escribir. Borges fue el creador de una cosmovisión muy singular, sostenida sobre un original modo de entender conceptos como los de tiempo, espacio, destino o realidad. Sus narraciones y ensayos se nutren de complejas simbologías y de una poderosa erudición, producto de su frecuentación de las diversas literaturas europeas, en especial la anglosajona -William Shakespeare, Thomas De Quincey, Rudyard Kipling o Joseph Conrad son referencias permanentes en su obra-, además de su conocimiento de la Biblia, la Cábala judía, las primigenias literaturas europeas, la literatura clásica y la filosofía. Su riguroso formalismo, que se constata en la ordenada y precisa construcción de sus ficciones, le permitió combinar esa gran variedad de elementos sin que ninguno de ellos desentonara. El primer libro de poemas de Borges fue Fervor de Buenos Aires (1923), en el que ensayó una visión personal de su ciudad, de evidente cuño vanguardista. En 1925 dio a conocer Luna de enfrente y, tres años más tarde, Cuaderno San Martín, poemarios en los que aparece con insistencia su mirada sobre las "orillas" urbanas, esos bordes geográficos de Buenos Aires en los que años más tarde ubicará la acción de muchos de sus relatos. Puede decirse que en estos primeros libros Borges funda con su escritura una Buenos Aires mítica, dándole espesor literario a calles y barrios, portales y patios. El poeta parece rondar la ciudad como un cazador en busca de imágenes prototípicas, que luego volcará con maestría en sus versos y prosas. En 1930 publicó Evaristo Carriego, un título esencial en la producción borgeana. En este ensayo, al tiempo que traza una biografía del poeta popular que da título al libro, se detiene en la invención y narración de diferentes mitologías porteñas, como en la poética descripción del barrio de Palermo. Evaristo Carriego no responde a la estructura tradicional de las presentaciones biográficas, sino que se sirve de la figura del poeta elegido para presentar nuevas e inéditas visiones de lo urbano, como se manifiesta en capítulos tales como "Las inscripciones de los carros" o "Historia del tango". Hacia 1932 da a conocer Discusión, libro que reúne una serie de ensayos en los que se pone de manifiesto no sólo la agudeza crítica de Borges sino además su capacidad en el arte de conmover los conceptos tradicionales de la filosofía y la literatura. Además de las páginas dedicadas al análisis de la poesía gauchesca, este volumen integra capítulos que han servido como venero de asuntos de reflexión para los escritores argentinos, tales como "El escritor argentino y la tradición", "El arte narrativo y la magia" o "La supersticiosa ética del lector". En 1935 aparece Historia universal de la infamia, con textos que el propio autor califica como ejercicios de prosa narrativa y en los que es evidente la influencia de Robert Louis Stevenson y Gilbert Chesterton. Este volumen incluye uno de sus cuentos más famosos, "El hombre de la esquina rosada". Historia de la eternidad (1936) y, sobre todo, Ficciones (1944) acabaron de consolidar a Borges como uno de los escritores más singulares del momento en lengua castellana. En las páginas de este último libro se despliega toda su maestría imaginativa, plasmada en cuentos como "La biblioteca de Babel", "El jardín de los senderos que se bifurcan" o "La lotería de Babilonia". También pertenece a este volumen "Pierre Menard, autor del Quijote", relato o ensayo -en Borges esos géneros suelen confundirse deliberadamente- en el que reformula con genial audacia el concepto tradicional de influencia literaria. También de 1944 es Artificios, que incluye su célebre cuento "La muerte y la brújula", en el que la trama policial se conjuga con sutiles apreciaciones derivadas del saber cabalístico, al que Borges dedicó devota atención. El Aleph (1949), volumen de diecisiete cuentos, vuelve a demostrar su maestría estilística y su ajustada imaginación, que combina elementos de la tradición filosófica y de la literatura fantástica. Además del cuento que da título al libro, se incluyen otros como "Emma Zunz", "Deutsches Requiem", "El Zahir" y "La escritura del Dios". El Hacedor (1960) incluía algunas piezas escritas treinta años antes y sin embargo guardaba una sólida unidad entre todas sus partes, no sólo formal sino también en cuanto a contenidos, siempre alineados en la idea borgeana de que tanto los grandes sistemas de la metafísica como las parábolas y las elucidaciones de la teología son elementos que forman parte del gran mundo de la literatura fantástica. La obra de Borges se reparte también en un buen número de volúmenes escritos en colaboración, tanto dedicados a la ficción como al ensayo. Engrosan el caudal de sus escritos una gran cantidad de notas de crítica bibliográfica y comentarios de literatura, aparecidos en diferentes publicaciones periódicas argentinas y extranjeras, además de conferencias y entrevistas en las que desplegó con inteligencia y mordacidad sus puntos de vista. Se trata de una parte de su obra que, casi a la misma altura que sus libros considerados mayores, ha sido objeto recurrente de comentario y estudio por parte de la crítica y de numerosas recopilaciones. DOCUMENTALES: A propósito de Jorge Luis Borges: link: http://www.youtube.com/watch?v=aIh1aXeMjW8 link: http://www.youtube.com/watch?v=xzf31YJjV0M&feature=related link: http://www.youtube.com/watch?v=0y5UyEGcZAA&feature=related link: http://www.youtube.com/watch?v=3EDIWmphhAo&feature=related link: http://www.youtube.com/watch?v=RItTdH7Fngs&feature=related Documental de R. Lejtman: link: http://www.youtube.com/watch?v=qtD8S5fMmGk link: http://www.youtube.com/watch?v=CqYcROQqDIk&feature=related link: http://www.youtube.com/watch?v=KAMoRAyiDD4&feature=related link: http://www.youtube.com/watch?v=7w7WkoCsoYQ&feature=related link: http://www.youtube.com/watch?v=E8Aja3Jx5cY&feature=related link: http://www.youtube.com/watch?v=Xbz60YGQ7h0&feature=related link: http://www.youtube.com/watch?v=GjikPpWw_F4&feature=related link: http://www.youtube.com/watch?v=R1urQtpSQH4&feature=related link: http://www.youtube.com/watch?v=J6V3j3RrBt8&feature=related link: http://www.youtube.com/watch?v=22gHAaQitcI&feature=related Entrevista de Soler Serrano: link: http://www.youtube.com/watch?v=o8Wo4Hd4RZ8 Los libros y la noche (creo que faltan algunos videos): link: http://www.youtube.com/watch?v=iGyRp66Kako link: http://www.youtube.com/watch?v=_ij1XL_0Sp0&feature=related link: http://www.youtube.com/watch?v=dQKs2BUvvpc&feature=related link: http://www.youtube.com/watch?v=BWl2Luf99T8&feature=related link: http://www.youtube.com/watch?v=lxb35AMFKTQ&feature=related link: http://www.youtube.com/watch?v=rrCd_aT9h3c&feature=related link: http://www.youtube.com/watch?v=6Sid8-tSpXY&feature=related Algunos Poemas: POEMA DE LOS DONES Nadie rebaje a lágrima o reproche esta declaración de la maestría de Dios, que con magnífica ironía me dio a la vez los libros y la noche. De esta ciudad de libros hizo dueños a unos ojos sin luz, que sólo pueden leer en las bibliotecas de los sueños los insensatos párrafos que ceden las albas a su afán. En vano el día les prodiga sus libros infinitos, arduos como los arduos manuscritos que perecieron en Alejandría. De hambre y de sed (narra una historia griega) muere un rey entre fuentes y jardines; yo fatigo sin rumbo los confines de esta alta y honda biblioteca ciega. Enciclopedias, atlas, el Oriente y el Occidente, siglos, dinastías, símbolos, cosmos y cosmogonías brindan los muros, pero inútilmente. Lento en mi sombra, la penumbra hueca exploro con el báculo indeciso, yo, que me figuraba el Paraíso bajo la especie de una biblioteca. Algo, que ciertamente no se nombra con la palabra azar, rige estas cosas; otro ya recibió en otras borrosas tardes los muchos libros y la sombra. Al errar por las lentas galerías suelo sentir con vago horror sagrado que soy el otro, el muerto, que habrá dado los mismos pasos en los mismos días. ¿Cuál de los dos escribe este poema de un yo plural y de una sola sombra? ¿Qué importa la palabra que me nombra si es indiviso y uno el anatema? Groussac o Borges, miro este querido mundo que se deforma y que se apaga en una pálida ceniza vaga que se parece al sueño y al olvido. LOS ENIGMAS Yo que soy el que ahora está cantando Seré mañana el misterioso, el muerto, El morador de un mágico y desierto Orbe sin antes ni después ni cuándo. Así afirma la mística. Me creo Indigno del Infierno o de la Gloria, Pero nada predigo. Nuestra historia Cambia como las formas de Proteo. ¿Qué errante laberinto, qué blancura Ciega de resplandor será mi suerte, Cuando me entregue el fin de esta aventura La curiosa experiencia de la muerte? Quiero beber su cristalino Olvido, Ser para siempre; pero no haber sido AJEDREZ I En su grave rincón, los jugadores rigen las lentas piezas. El tablero los demora hasta el alba en su severo ámbito en que se odian dos colores. Adentro irradian mágicos rigores las formas: torre homérica, ligero caballo, armada reina, rey postrero, oblicuo alfil y peones agresores. Cuando los jugadores se hayan ido, cuando el tiempo los haya consumido, ciertamente no habrá cesado el rito. En el Oriente se encendió esta guerra cuyo anfiteatro es hoy toda la tierra. Como el otro, este juego es infinito. II Tenue rey, sesgo alfil, encarnizada reina, torre directa y peón ladino sobre lo negro y blanco del camino buscan y libran su batalla armada. No saben que la mano señalada del jugador gobierna su destino, no saben que un rigor adamantino sujeta su albedrío y su jornada. También el jugador es prisionero (la sentencia es de Omar) de otro tablero de negras noches y de blancos días. Dios mueve al jugador, y éste, la pieza. ¿Qué dios detrás de Dios la trama empieza de polvo y tiempo y sueño y agonías? EL AMENAZADO Es el amor. Tendré que ocultarme o huir. Crecen los muros de su cárcel, como en un sueño atroz. La hermosa máscara ha cambiado, pero como siempre es la única. ¿De qué me servirán mis talismanes: el ejercicio de las letras, la vaga erudición, el aprendizaje de las palabras que usó el áspero Norte para cantar sus mares y sus espadas, la serena amistad, las galerías de la Biblioteca, las cosas comunes, los hábitos, el joven amor de mi madre, la sombra militar de los muertos, la noche intemporal, el sabor del sueño? Estar contigo o no estar contigo es la medida de mi tiempo. Ya el cántaro se quiebra sobre la fuente, ya el hombre se levanta a la voz del ave, ya se han oscurecido los que miran por las ventanas, pero la sombra no ha traído la paz. Es, ya lo sé, el amor: la ansiedad y el alivio de oír tu voz, la espera y la memoria, el horror de vivir en lo sucesivo. Es el amor con sus mitologías, con sus pequeñas magias inútiles. Hay una esquina por la que no me atrevo a pasar. Ya los ejércitos me cercan las hordas. (Esta habitación es irreal, ella no la ha visto). El nombre de una mujer me delata. Me duele una mujer en todo el cuerpo. EL ORO DE LOS TIGRES Hasta la hora del ocaso amarillo Cuántas veces habré mirado Al poderoso tigre de Bengala Ir y venir por el predestinado camino Detrás de los barrotes de hierro, Sin sospechar que eran su cárcel. Después vendrían otros tigres, El tigre de fuego de Blake; Después vendrían otros oros, El metal amoroso que era Zeus, El anillo que cada nueve noches Engendra nueve anillos y éstos, nueve, Y no hay un fin. Con los años fueron dejándome Los otros hermosos colores Y ahora sólo me quedan La vaga luz, la inextricable sombra Y el oro del principio. Oh ponientes, oh tigres, oh fulgores Del mito y de la épica, Oh un oro más precioso, tu cabello Que ansían estas manos. PROTEO Antes que los remeros de Odisea fatigaran el mar color de vino las inasibles formas adivino de aquel dios cuyo nombre fue Proteo. Pastor de los rebaños de los mares y poseedor del don de profecía, prefería ocultar lo que sabía y entretejer oráculos dispares. Urgido por las gentes asumía la forma de un león o de una hoguera o de árbol que da sombra a la ribera o de agua que en el agua se perdía. De Proteo el egipcio no te asombres, tú, que eres uno y eres muchos hombres. Dos cuentos (ambos pertenecientes a El Aleph): La casa de Asterión Sé que me acusan de soberbia, y tal vez de misantropía, y tal vez de locura. Tales acusaciones (que yo castigaré a su debido tiempo) son irrisorias. Es verdad que no salgo de mi casa, pero también es verdad que sus puertas (cuyo número es infinito) están abiertas día y noche a los hombres y también a los animales. Que entre el que quiera. No hallará pompas mujeriles aquí ni el bizarro aparato de los palacios, pero sí la quietud y la soledad. Asimismo hallará una casa como no hay otra en la faz de la tierra. (Mienten los que declaran que en Egipto hay una parecida.) Hasta mis detractores admiten que no hay un solo mueble en la casa. Otra especie ridícula es que yo, Asterión, soy un prisionero. ¿Repetiré que no hay una puerta cerrada, añadiré que ho hay una cerradura? Por lo demás, algún atardecer he pisado la calle; si antes de la noche volví, lo hice por el temor que me infundieron las caras de la plebe, caras descoloridas y aplanadas, como la mano abierta. Ya se había puesto el sol, pero el desvalido llanto de un niño y las toscas plegarias de la grey dijeron que me habían reconocido. La gente oraba, huía, se prosternaba; unos se encaramaban al estilóbato del templo de las Hachas, otros juntaban piedras. Alguno, cro, se ocultó bajo el mar. No en vano fue una reina mi madra; no puedo confundirme con el vulgo, aunque mi modestia lo quiera. El hecho es que soy único. No me interesa lo que un hombre pueda trasmitir a otros hombres; como el filósofo, pienso que nada es comunicable por el arte de la escritura. Loas enojosas y triviales minucias no tienen cabida en mi espíritu, que está capacitado para lo grande; jamás he retenido la diferencia entre una letra y otra. Cierta impaciencia generosa no ha consentido que yo aprndiera a leer. A veces lo deploro, porque las noches y los días son largos. Claro que no me faltan distacciones. Semejante al carnero que va a embestir, corro por las galerías de piedra hasta rodar al suel, mareado. Me agazapo a la sombra de un aljibe o a la vuelta de un corredor y juego a que me buscan. Hay azoteas desde las que me dejo caer, hasta ensangrentarme. A cualquier hora puedo jugar a estar dormido, con los ojos cerrados y la respiración poderosa. (A veces me duermo realmente, a veces ha cambiado el color del día cuando he abierto los ojos.) Pero de tantos juegos el que prefiero es el de otro Asterión. Finjo que viene a visitarme y que yo le muestro la casa. Con grandes reverencias le digo: Ahora volvemos a la encrucijada anterior o Ahora desembocamos en otro patio o Bien decía yo que te gustaría la canaleta o Ahora verás una cisterna que se llenó de arena o Ya verás cómo el sótano se bifurca. A veces me equivoco y nos reímos buenamente los dos. No sólo he imaginado eso juegos, también he meditado sobre la casa. Todas las partes de la casa están muchas veces, cualquier lugar es otro lugar. No hay un aljibe, un patio, un abrevadero, un pesebre; son catorce [son infinitos] los pesebres, abrevaderos, patios, aljibes, la casa es del tamaño del mundo; mejor dicho, es el mundo. Sin embargo, a fuerza de fatigar patios con un aljibe y polvorientas galerías de piedra gris, he alcanzado la calle y he visto el templo de las Hachas y el mar. Eso no lo entendí hasta que una visión de la noche me reveló que también son catorce [son infinitos] los mares y los templos. Todo está muchas veces, catorce veces, pero dos cosas hay en el mundo que parecen estar una sola vez: arriba, el intrincado sol; abajo, Asterión. Quizá yo he creado las estrellas y el sol y la enorme casa, pero ya no me acuerdo. Cada nueve años entran en la casa nueve hombres para que yo los libere de todo mal. Oigo sus pasos o su voz en el fondo de las galerías de piedra y corro alegremente a buscarlos. La ceremonia dura pocos minutos. Uno tras otro caen sin que yo me ensantgriente las manos. Donde cayeron, quedan, y los cadáveres ayudan a distinguir una galería de las otras. Ignoro quiénes son, pero sé que uno de ellos profetizó, en la hora de su muerte, que alguna vez llegaría mi redentor, Desde entonces no me duele la soledad, porque sé que vive mi redeentor y al fin se levantará sobre el polvo. Si mi oído alcanzara los rumores del mundo, yo percibiría sus pasos. Ojalá me lleve a un lugar con menos galerías y menos puertas. ¿Cómo será mi redentor?, me pregunto. ¿Será un toro o un hombre? ¿Será tal vez un toro con cara de hombre? ¿O será como yo? El sol de la mañana reverberó en la espada de bronce. Ya no quedaba ni un vestigio de sangre. -¿Lo creerás, Ariadna? -dijo Teseo-. El minotauro apenas se defendió. Biografía de Tadeo Isidoro Cruz El seis de febrero de 1829, los montoneros que, hostigados ya por Lavalle, marchaban desde el Sur para incorporarse a las divisiones de López, hicieron alto en una estancia cuyo nombre ignoraban, a tres o cuatro leguas del Pergamino; hacia el alba, uno de los hombres tuvo una pesadilla tenaz: en la penumbra del galpón, el confuso grito despertó a la mujer que dormía con él. Nadie sabe lo que soñó, pues al otro día, a las cuatro, los montoneros fueron desbaratados por la caballería de Suárez y la persecución duró nueve leguas, hasta los pajonales ya lóbregos, y el hombre pereció en una zanja, partido el cráneo por un sable de las guerras del Perú y del Brasil. La mujer se llamaba Isidora Cruz; el hijo que tuvo recibió el nombre de Tadeo Isidoro. Mi propósito no es repetir su historia. De los días y noches que la componen, sólo me interesa una noche; del resto no referiré sino lo indispensable para que esa noche se entienda. La aventura consta en un libro insigne; es decir, en un libro cuya materia puede ser todo para todos (1 Corintios 9:22), pues es capaz de casi inagotables repeticiones, versiones, perversiones. Quienes han comentado, y son muchos, la historia de Tadeo Isidoro, destacan el influjo de la llanura sobre su formación, pero gauchos idénticos a él nacieron y murieron en las selváticas riberas del Paraná y en las cuchillas orientales. Vivió, eso sí, en un mundo de barbarie monótona. Cuando, en 1874, murió de una viruela negra, no había visto jamás una montaña ni un pico de gas ni un molino. Tampoco una ciudad. En 1849, fue a Buenos Aires con una tropa del establecimiento de Francisco Xavier Acevedo; los troperos entraron en la ciudad para vaciar el cinto: Cruz, receloso, no salió de una fonda en el vecindario de los corrales. Pasó ahí muchos días, taciturno, durmiendo en la tierra, mateando, levantándose al alba y recogiéndose a la oración. Comprendió (más allá de las palabras y aun del entendimiento) que nada tenía que ver con él la ciudad. Uno de los peones, borracho, se burló de él. Cruz no le replicó, pero en las noches del regreso, junto al fogón, el otro menudeaba las burlas, y entonces Cruz (que antes no había demostrado rencor, ni siquiera disgusto) lo tendió de una puñalada Prófugo, hubo de guarecerse en un fachinal: noches después, el grito de un chajá le advirtió que lo había cercado la policía. Probó el cuchillo en una mata: poro que no le estorbaran en la de a pie, se quitó las espuelas. Prefirió pelear a entregarse. Fue herido en el antebrazo, en el hombro, en la mano izquierda; malhirió a los más bravos de la partida; cuando la sangre le corrió entre los dedos, peleó con más coraje que nunca; hacia el alba, mareado por la pérdida de sangre, lo desarmaron. El ejército, entonces, desempeñaba una función penal; Cruz fue destinado a un fortín de la frontera Norte. Como soldado raso, participó en las guerras civiles; a veces combatió por su provincia natal, a veces en contra. El veintitrés de enero de 1856, en las Lagunas de Cardoso, fue uno de los treinta cristianos que, al mando del sargento mayor Eusebio Laprida, pelearon contra doscientos indios. En esa acción recibió una herida de lanza. En su oscura y valerosa historia abundan los hiatos. Hacia 1868 lo sabemos de nuevo en el Pergamino: casado o amancebado, padre de un hijo, dueño de una fracción de campo. En 1869 fue nombrado sargento de la policía rural. Había corregido el pasado; en aquel tiempo debió de considerarse feliz, aunque profundamente no lo era. (Lo esperaba, secreta en el porvenir, una lúcida noche fundamental: la noche en que por fin vio su propia cara, la noche que por fin oyó su nombre. Bien entendida, esa noche agota su historia; mejor dicho, un instante de esa noche, un acto de esa noche, porque los actos son nuestro símbolo.) Cualquier destino, por largo y complicado que sea, consta en realidad de un solo momento: el momento en que el hombre sabe para siempre quién es. Cuéntase que Alejandro de Macedonia vio reflejado su futuro de hierro en la fabulosa historia de Aquiles; Carlos XII de Suecia, en la de Alejandro. A Tadeo Isidoro Cruz, que no sabía leer, ese conocimiento no le fue revelado en un libro; se vio a sí mismo en un entrevero y un hombre. Los hechos ocurrieron así: En los últimos días del mes de junio de 1870, recibió la orden de apresar a un malevo, que debía dos muertes a la justicia. Era éste un desertor de las fuerzas que en la frontera Sur mandaba el coronel Benito Machado en una borrachera, había asesinado a un moreno en un lupanar; en otra, a un vecino del partido de Rojas; el informe agregaba que procedía de la Laguna Colorada. En este lugar, hacía cuarenta años, habíanse congregado los montoneros para la desventura que dio sus carne a los pájaros y a los perros; de ahí salió Manuel Mesa, que fue ejecutado en la plaza de la Victoria, mientras los tambores sonaban para que no se oyera su ira; de ahí, el desconocido que engendró a Cruz y que pereció en una zanja, partido el cráneo por un sable de las batallas del Perú y del Brasil. Cruz había olvidado el nombre del lugar; con leve pero inexplicable inquietud lo reconoció... El criminal, acosado por los soldados, urdió a caballo un largo laberinto de idas y de venidas; éstos, sin embargo lo acorralaron la noche del doce de julio. Se había guarecido en un pajonal. La tiniebla era casi indescifrable; Cruz y ¡os suyos, cautelosos y a pie, avanzaron hacia las matas en cuya hondura trémula acechaba o dormía el hombre secreto. Gritó un chajá; Tadeo Isidoro Cruz tuvo la impresión de haber vivido ya ese momento. El criminal salió de la guarida para pelearlos. Cruz lo entrevió, terrible; la crecida melena y la barba gris parecían comerle la cara. Un motivo notorio me veda referir la pelea. Básteme recordar que el desertor malhirió o mató a varios de los hombres de Cruz. Este, mientras combatía en la oscuridad (mientras su cuerpo combatía en la oscuridad), empezó a comprender. Comprendió que un destino no es mejor que otro, pero que todo hombre debe acatar el que lleva adentro. Comprendió que las jinetas y el uniforme ya lo estorbaban. Comprendió su íntimo destino de lobo, no de perro gregario; comprendió que el otro era él. Amanecía en la desaforada llanura; Cruz arrojó por tierra el quepis, gritó que no iba a consentir el delito de que se matara a un valiente y se puso a pelear contra los soldados junto al desertor Martín Fierro. De todo un poco (Escritos, Interpretaciones, Fotos, Etc....) Charla entre Jorge Luis Borges y Ernésto Sábato (...) - Borges: No se que escritor dijo: "Las ideas nacen dulces y envejecen feroces" - Sábato: ¡Hermosa frase! Además son siempre los pensadores los que mueven la historia. - Borges: Pienso que toda la historia de la humanidad puede haber comenzado en forma intrascendente, en charla de cafe, en cosas así, no? - Sábato: Perdone que me quede tocado por esa frase que usted cito. Recordemos las cosas feroces que se hicieron en nombre del Evangelio. Y las atrocidades que hizo Stalin en nombre del Manifiesto Comunista. - Borges: ¡Que extraño!... nada de eso a ocurrido con el Budismo. - Sábato: (Con tono esceptico) Pero digame, Borges, ¿A usted le interesa el Budismo en serio?. Quiero decir como religion. ¿Ó sólo le importa como género literario? - Borges: Me parece ligeramente menos imposible que el cristianismo (ríen). Bueno, quiza crea en el Karma. Ahora, que haya cielo e infierno, eso no. Por un instante las risas se confunden con las palabras. Los dos se divierten ¿Y qué opina de Dios, Borges? - Borges: (Solemnemente irónico) ¡Es la máxima creacion de la literatura fantastica!. Lo que imaginaron Wells, Kafka o Poe no es nada comparado con lo que imagino la teologia. La idea de un ser perfecto, omnipotente, todopoderoso es realmente fantástica. - Sábato: Si, pero podria ser un Dios imperfecto. Un Dios que no puede manejar bien el asunto, que no haya podido impedir los terremotos. O un Dios que se duerme y tiene pesadillas o accesos de locura: serían las pestes, las catastrofes.... - Borges: O nosotros (Se ríen). No se si fue Bernard Shaw que dijo: "Dios esta haciendose" - Sábato: Es un poco la idea de Strindberg, la idea de un Dios histórico. De todas maneras las cosas malas no prueban la inexistencia de Dios, ni siquiera la de un Dios perfecto. Usted acaba de insinuar que cree mas bien en los budistas. Si un niño muere, de modo aparentemente injusto, puede ser que este pagando la culpa de una vida anterior. También puede ser que no entendamos los designios divinos, (que pertenecen a un mundo transfinito). - Borges: Eso coincide con los ultimos capitulos del libro de Job. - Sábato: Pero digame, Borges, si no cree en Dios ¿Por que escribe tantas historias teologicas? - Borges: Es que creo en la teologia como literatura fantastica. Es la perfección del genero. - Sábato: Entonces, suponiendo que fuera el Gran Bibliotecario Universal, ese bibliotecario que toda la vida soño ser. Borges pondria en el primer lugar la Biblia, no? - Borges: Y sobre todo un libro como Summa Teológica. Es una obra fantastica muy superior a la de Wells. (...) Lunes, 22 de julio de 1985 He asistido, por primera y última vez, a un juicio oral. Un juicio oral a un hombre que había sufrido unos cuatro años de prisión, de azotes, de vejámenes y de cotidiana tortura. Yo esperaba oír quejas, denuestos y la indignación de la carne humana interminablemente sometida a ese milagro atroz que es el dolor físico. Ocurrió algo distinto. Ocurrió algo peor. El réprobo había entrado enteramente en la rutina de su infierno. Hablaba con simplicidad, casi con indiferencia, de la picana eléctrica, de la represión, de la logística, de los turnos, del calabozo, de las esposas y de los grillos. También de la capucha. No había odio en su voz. Bajo el suplicio, había delatado a sus camaradas; éstos lo acompañarían después y le dirían que no se hiciera mala sangre, porque al cabo de unas "sesiones" cualquier hombre declara cualquier cosa. Ante el fiscal y ante nosotros, enumeraba con valentía y con precisión los castigos corporales que fueron su pan nuestro de cada día. Doscientas personas lo oíamos, pero sentí que estaba en la cárcel. Lo más terrible de una cárcel es que quienes entraron en ella no pueden salir nunca. De éste o del otro lado de los barrotes siguen estando presos. El encarcelado y el carcelero acaban por ser uno. Stevenson creía que la crueldad es el pecado capital; ejercerlo o sufrirlo es alcanzar una suerte de horrible insensibilidad o inocencia. Los réprobos se confunden con sus demonios, el mártir con el que ha encendido la pira. La cárcel es, de hecho, infinita. De las muchas cosas que oí esa tarde y que espero olvidar, referiré la que más me marcó, para librarme de ella. Ocurrió un 24 de diciembre. Llevaron a todos los presos a una sala donde no habían estado nunca. No sin algún asombro vieron una larga mesa tendida. Vieron manteles, platos de porcelana, cubiertos y botellas de vino. Después llegaron los manjares (repito las palabras del huésped). Era la cena de Nochebuena. Habían sido torturados y no ignoraban que los torturarían al día siguiente. Apareció el Señor de ese Infierno y les deseó Feliz Navidad. No era una burla, no era una manifestación de cinismo, no era un remordimiento. Era, como ya dije, una suerte de inocencia del mal. ¿Qué pensar de todo esto? Yo, personalmente, descreo del libre albedrío. Descreo de castigos y de premios. Descreo del infierno y del cielo. Almafuerte escribió: Somos los anunciados, los previstos hay un Dios, si hay un punto omnisapiente; ¡y antes de ser, ya son, en esa mente, los Judas, los Pilatos y los Cristos! Sin embargo, no juzgar y no condenar el crimen sería fomentar la impunidad y convertirse, de algún modo, en su cómplice. Es de curiosa observación que los militares, que abolieron el Código Civil y prefirieron el secuestro, la tortura y la ejecución clandestina al ejercicio público de la ley, quieran acogerse ahora a los beneficios de esa antigualla y busquen buenos defensores. No menos admirable es que haya abogados que, desinteresadamente sin duda, se dediquen a resguardar de todo peligro a sus negadores de ayer. link: http://www.youtube.com/watch?v=0UQy0FbKnxI link: http://www.youtube.com/watch?v=ZfcaWrYsgmE link: http://www.youtube.com/watch?v=4-0az6uMdWY Borges de vaciones..... Borges cambiando el agua a las aceitunas .... Borges y amantes ... Finalemente un Borges diciendo para sí: "No leí un carajo"...... Algunas frases...... Uno está enamorado cuando se da cuenta de que otra persona es única. He cometido el peor pecado que uno puede cometer. No he sido feliz. Siempre imaginé que el Paraíso sería algún tipo de biblioteca. Hay que tener cuidado al elegir a los enemigos porque uno termina pareciéndose a ellos. Para el argentino, la amistad es una pasión y la policía una mafia. Quizá haya enemigos de mis opiniones, pero yo mismo, si espero un rato, puedo ser también enemigo de mis opiniones. Creo que con el tiempo mereceremos no tener gobiernos. Ordenar bibliotecas es ejercer de un modo silencioso el arte de la crítica. El tiempo es la materia de la que he sido creado. Bueno, final del post... Espero lo disfruten... Saludos ...

[email protected] [email protected] a mi segundo post. Trataré de ser lo más breve posible:como mis intenciones se rehúsan a dar forma acabada a cualquier idea, artificio o mera opinión, a través de este medio voy a dar una introducción y/o divulgación del movimiento artístico Surrealista. En sí, dejo en ustedes la tarea de adentrase en este maravilloso mundo. Espero sepan disfrutar mi post.... Pequeña introducción: El surrealismo fue el movimiento literario y artístico más importante de entreguerras, pero sus intenciones no se limitaron al arte. Su finalidad era transformar la vida a través de la liberación de la mente del hombre de todas las restricciones tradicionales que la esclavizan. La religión, la moralidad, la familia y la patria se convierten así en instituciones a revisar. El movimiento surrealista se inició de manera oficial en París en 1924 con la publicación del Primer Manifiesto, escrito por André Breton. Sin embargo, durante los tres años anteriores se puede considerar que estaba gestándose, pues el foco dadaísta parisino lo configuraron los mismos miembros que, más tarde, se adscribirían a los surrealistas. El surrealismo adoptó formas muy diversas; en un primer momento fue la causa un proyecto esencialmente literario, sin embargo en la segunda mitad de los años veinte se fue adaptando rápidamente a las artes visuales (la pintura, la escultura, la fotografía, el cine). André Breton, Salvador Dali, René Crevel y Paul Eluard. Según la definición otorgada por André Breton el surrealismo es un “automatismo psíquico puro por el cual se propone expresar, sea verbalmente, sea por escrito, sea de cualquier otra manera, el funcionamiento real del pensamiento”. Se trata pues de un verdadero “dictado del pensamiento”, compuesto “en ausencia de todo control efectuado por la razón, fuera de cualquier preocupación estética y moral”. La inspiración básica de Breton procedía de las teorías de Sigmund Freud. El descubrimiento freudiano de los procesos insconcientes que comandan la vida anímica inicia a fines del siglo XIX un nuevo paradigma que rompe con la cosmovisión en boga en esta época del hombre como dueño de la razón. Para Freud existen en nuestra experiencia cotidiana ciertos actos aparentemente inintencionados cuyo origen resulta desconocido para la conciencia. De esto se desprende que los contenidos de conciencia o las conductas observadas resultan insuficientes a la hora de aclarar el comportamiento humano en toda su extensión. No es por azar que la idea de un sujeto que no es amo, al menos totalmente, de sus accciones y pensamientos fue resistida por muchos sectores en una época en la cual el valor de la razón era preponderante. Tanto las ideas freudianas sobre lo inconsciente como depositario del conocimiento más profundo del ser humano, como la posibilidad de acceder a él a través de técnicas como la asociación libre o la interpretación de los sueños, constituirán la base teórica del movimiento surrealista. La obra de Freud con la asociación libre, análisis de los sueños y el inconsciente era de suma importancia para los surrealistas en el desarrollo de métodos para liberar la imaginación. Se abrazaron idiosincrasia, al tiempo que rechaza la idea de una locura subyacente. Más tarde, Salvador Dalí lo explicó así: "Sólo hay una diferencia entre un loco y yo no estoy loco." Las obras más importantes de Freud como "La interpretación de los sueños" y "Psicopatología de la vida cotidiana" comienzan a publicarse en Francia recién a partir de los años 20, sin embargo Breton ya había tenido ocasión de experimentar ambas técnicas derivadas de las investigaciones freudianas cuando trabajaba de auxiliar en un hospital, durante la Primera Guerra Mundial. Breton visitó a Sigmund Freud en 1921 quien, al parecer no se mostró impresionado por la obra de los artistas surrealistas, con excepción de la pintura de Salvador Dalí, que lo visitó en Londres durante la Segunda Guerra Mundial. Desde cualquier punto de vista, el surrealismo siempre intentó ser una revolución, que apelando al poder de lo inconsciente, se valió de la irracionalidad, de la vida onírica e incluso de la locura para entrever qué pueden deparar los territorios inexplorados del espíritu humano. De hecho, la palabra “surrealista”, tomada de la obra de Guillaume Apollinaire “Las tetas de Tiresias” – subtitulada como un drama surrealista en 1917-, significa por encima del realismo. Ellos querían liberar a la gente de la falsa racionalidad, y las costumbres restrictivas y estructuras. Breton proclamó que el verdadero objetivo del surrealismo fue "larga vida a la revolución social, y solo eso!" Para este objetivo, en varios momentos surrealistas alineada con el comunismo y el anarquismo. La portada de estreno de "Las tetas de Tiresias" es una obra de Picasso. El surrealismo en la literatura: Los primeros escritores que se adhieren al movimiento fueron Paul Éluard, Louis Aragon, Antonin Artaud, Benjamin Péret, Robert Desnos, Georges Limbour, Raymond Queneau, Michel Leiris, Joseph Delteil, Pierre Naville, René Crevel, Roger Vitrac y Philippe Soupault. Los Campos magnéticos, texto redactado conjuntamente en 1919 por André Breton y Philippe Soupault, y publicado en la revista Littérature en 1920, fue considerado, retrospectivamente, como el primer escrito surrealista. Los autores ya experimentaron allí la técnica del automatismo, al dejar libre curso a su imaginario evitando toda planificación o control del escritor sobre el sentido de su escritura como así también rechazar todo retoque posterior de la obra; transformando de esta manera la continuidad lógica de la prosa clásica del siglo diecinueve, en un vagar que, como el vagabundeo urbano o el viaje sin objeto ni dirección fija (dos prácticas expuestas por Breton en el primer Manifiesto), es una forma de liberación y de conocimiento fuera del logos. Max Morise, Roger Vitrac, Jacques Boiffard, Andre Breton, Paul Eluard, Pierre Naville, Giorgio de Chirico y Phillipe Soupault en plena escritura automática. Foto tomada por Man Ray en 1923. Verdadera exploración de la lengua, el surrealismo predicaba una poesía revolucionaria apartada de toda norma y todo control de la razón. El acto poético se vivía como una posición social, política y filosófica, y constituía una de las tres ramas de trinidad surrealista “libertad, amor, poesía”. La poesía expresaba una nueva moral del amor, que encontraba su equilibrio entre la potencia del deseo y el amor electivo en El libertinaje de Louis Aragon (1924), en la Libertad o el amor de Robert Desnos (1927) o en El amor loco de André Breton (1937); era reflejo también de la libertad en la aceptación y utilización del azar, así como en la fascinación por la locura (Nadja, André Breton, 1928). El movimiento en los años 1920 a mediados de se caracterizó por reuniones en los cafés, donde los surrealistas jugaron colaboración de dibujo, que se analizan las teorías del surrealismo, y ha desarrollado una variedad de técnicas como el dibujo automático. Breton inicialmente dudaba de que las artes visuales, incluso podría ser útil en el movimiento surrealista, ya que parece ser menos maleable y abierto al azar y el automatismo. Esta advertencia fue superada por el descubrimiento de técnicas como el frottage y la calcomanía. El surrealismo en las artes plasticas: El surrealismo en las artes plásticas prolongó una tradición ilustrada donde el sueño, la fantasía, el simbolismo, la alegoría y el mito asumen un papel primordial; estos elementos estaban ya presentes en las obras de Bosch y Arcimboldo, en las anamorfosis y en los grotescos, en los prerrafaelistas ingleses, en las ilustraciones de William Blake y en los cuadros de Gustave Moreau, Odilon Redon o de Gustav Klimt. El onirismo, el choque visual producido por la yuxtaposición de imágenes u objetos incongruentes, pero siempre arreglados en una producción significante, son uno de los fundamentos poéticos del movimiento surrealista. El surrealismo intentó, y a su manera consiguió, realizar un quiebre cultural con toda una serie de obras, actitudes y manifiestos en los que su furibundo desprecio hacia la sociedad y la cultura burguesas se expresaba de manera lapidaria. “La obra plástica - escribió Bretón - para responder a la necesidad de revisión absoluta de los valores reales sobre la cual hoy todos los espíritus se ponen de acuerdo, se referirá pues a un modelo puramente interior o no será.» Entre los artistas contemporáneos admirados por los surrealistas figuraban Giorgio de Chirico, Marcel Duchamp, Francis Picabia y Pablo Picasso, aunque ninguno de ellos era oficialmente miembro del grupo surrealista. 4 trajes para baile (1929) de Giorgio de Chirico. La pintura surrealista La pintura surrealista se manifiesta de dos modos distintos, uno es el automatismo y otro, el onirismo. En el primer caso los artistas optan por un lenguaje basado en el automatismo, de manera que los elementos del cuadro surgen del inconsciente del artista, así como de la intervención del azar. Dentro de este grupo se encuentran André Masson, que ya en 1924 realizó numerosos dibujos automáticos, en los que la pluma se deslizaba libremente sobre la superficie del papel o de la cartulina, sin hallarse supeditada a ningún tipo de norma. Algo después Masson efectuó sus famosas pinturas de arena. El artista colocaba las telas en el suelo, dejando caer sobre ellas un reguero de cola. Más tarde, echaba arena y, al disponer la tela verticalmente, ésta se adhería sólo donde estaba la cola, adoptando caprichosas configuraciones. La pintura quedaba concluida cuando el artista realizaba una serie de trazos libres con pintura. Surgían de este modo pinturas que denotaban un grado máximo de libertad y pretendían ser la exposición directa del inconsciente. André Masson. Automatic Drawing. (1924). Ink on paper, 9 1/4 x 8 1/8" (23.5 x 20.6 cm). Museum of Modern Art, New York. Joan Miró, por su parte, fue otro de los grandes representantes de esta modalidad. Sin embargo, sus composiciones no resultan tan automáticas como las de Masson. El lenguaje mironiano está configurado por un corpus sígnico muy peculiar que otorga a cada una de sus realizaciones un carácter plenamente individual en relación a las obras efectuadas por otros surrealistas. El esquematismo y la vitalidad inherente a los elementos plasmados por el artista catalán, junto con el gusto por los colores puros, constituyen la característica esencial de su obra. por otra parte, Miró al igual que otros surrealistas, realizó también numerosos objetos de funcionamiento simbólico. En ellos se percibe claramente la influencia freudiana, así como un sutil carácter lúdico. Harlequin`s Carnival. A partir de 1924, Max Ernst, Jean Arp y Man Ray se adhirieron al movimiento. En cuanto a Max Ernst, de quien el propio Breton afirmaría que su obra dadaísta no se diferenciaba de la surrealista, actúa en la brecha que une las dos vías de actuación surrealista. En ella se descubren elementos de carácter automático, junto a otros relacionados con la representación del sueño. Fue un artista que se distinguió fundamentalmente por su gran capacidad inventiva a la hora de adoptar técnicas novedosas. Fotografía de Man Ray Jean Arp, que también había realizado obras dadaístas con materiales de desecho, se destacó por realizar esculto-pinturas en las que determinadas configuraciones biomórficas se convertían en protagonistas. Arp, considerado por sus obras minimalistas y abstractas, como un referente ineludible del surrealismo, fue además un excelente poeta y, junto a su mujer, Sophie Tauber se abocó a la investigación de formas simples en la plática; en sus poesías exploró la idea de las “correspondencias”. Hans Jean Arp, Évocation d'une forme humaine lunaire spectrale, 1950, pierre calcaire grise, 28 x 22,5 x 19 cm, Fondation Arp, Clamart. La vía onírica del surrealismo está representada por artistas como René Magritte y Salvador Dalí, entre los más significativos. Magritte se distingue por asociar elementos dispares en sus obras, adoptando una metodología similar a la de la terapia del psicoanálisis. Salvador Dalí, quien se incorporó al movimiento en 1930, prefirió en cambio representar algunas de sus escenas oníricas mediante el sistema de la doble figuración. En otras pinturas desarrolla determinados temas, vinculados a sus particulares obsesiones a través de asociaciones delirantes, como las que pueden darse en la paranoia. La violación (1934), de René Magritte Persistence of Memory de Salvador Dalí La principal aportación de Dalí al surrealismo fue la elaboración del método paranoico-crítico, destinado a la interpretación de la obra de arte. Es célebre su escrito El mito trágico del Ángelus de Millet en el que, a través de asociaciones delirantes, interpreta la obra del artista francés del año pasado. La aportación de Dalí al surrealismo no se circunscribió meramente a la pintura y a la teoría, sino que abarcó otros ámbitos. Así, son muy conocidos sus objetos de funcionamiento simbólico y sus aportaciones al cine, junto a Luis Buñuel. El 6 de junio de 1929, en el estudio de Ursuline, se presenta "Un perro andaluz", ante la flor y nata de la sociedad parisina que supo percibir de inmediato su importancia. Es la primera vez en la historia del cine que las imágenes llevan sus deseos hasta el mismo límite. En sólo diecisiete minutos "Un perro andaluz" muestra que todo es posible: que un ojo sea cortado por una navaja, que que hormigas salgan de la palma de una mano, hasta incluso ver un par de burros en estado de putrefacción arriba de un piano de cola. Cartel del film Un Perro Andaluz El auge del surrealismo fue tan grande que llegó a afectar a artistas tan significativos como Pablo Picasso, quien mantuvo una estrecha relación con el grupo parisino y llegó a realizar pinturas y collages de estética surreal. La rápida difusión de las ideas surrealistas, a través de las publicaciones, comportó que en otros lugares de Europa muchos artistas siguieran la corriente iniciada en París. Uno de los pintores que en ocasiones realizó obras, a finales de los años veinte, en las que se advierte una cierta influencia del onirismo surreal es Paul Klee. En el ámbito escultórico destacó, aparte del propio Max Ernst, Alberto Giacometti, artista suizo que en 1922 se había instalado en parís. Entre sus obras de los años veinte se encuentran una serie de esculturas de carácter monolítico, muy esquemáticas, que denotan la clara influencia de las tallas negroafricanas. Hay que pensar que tanto el círculo de Breton como éste sentían auténtica veneración por el arte primitivo. A los surrealistas no sólo les interesaban los aspectos formales de ese tipo de manifestaciones, sino el carácter mágico inherente a las mismas. Entre los últimos miembros del movimiento surrealista figuran además el americano Yves Tanguy, Hans Bellmer, Raoul Ubac, Oscar Dominguez y Victor Brauner. El surrealismo se expandió por todo el mundo latinoamericano, tuvo importantes seguidores en México, también en Japón,donde incluso se llegaron a traducir los manifiestos. Tuvo además gran repercusión en el arte de los años cuarenta y cincuenta, no sólo en Europa, donde surgió el informalismo, sino también en estados Unidos, donde muchos de los representantes del expresionismo abstracto habían iniciado sus trayectorias bajo la influencia derl surrealismo. Óscar Domínguez, Retrato de Roma 1933. Óleo sobre lienzo. 120 x 90 cm.Colección particular. Tenerife. España. El teatro surrealista La palabra surrealista fue utilizado por primera vez por Guillaume Apollinaire para describir su juego 1917 Les Mamelles de Tiresias (Los pechos de Tiresias), que más tarde fue adaptado en una ópera de Francis Poulenc. Antonin Artaud, un surrealista temprano, rechazó la mayoría del teatro occidental como una perversión de su intención original, que a su juicio debe ser una experiencia mística, metafísica. Teorizo una nueva forma teatral que sería inmediata y directa, que uniría las mentes inconscientes de los artistas y los espectadores en una especie de acto ritual, Artaud creó el Teatro de la Crueldad, en el que las emociones, sentimientos, y lo metafísico no se expresa mediante el lenguaje pero físicamente, la creación de una mitología, una visión arquetípica, alegórico, estrechamente relacionado con el mundo de los sueños. Antonin Artaud El otro profesional de teatro importante que han experimentado con el surrealismo en el teatro es el dramaturgo y director español Federico García Lorca, sobre todo en sus obras de teatro El Público (1930), Cuando pasen cinco años (1931), y jugar sin un título (1935). Otras obras surrealistas son Backs de Aragón a la pared (1925) y Roger Vitrac es The Mysteries of Love (1927) y Victor, o los niños Take Over (1928). F. García Lorca Música Surrealista Entre el apogeo del neoclasicismo europeo y la influencia ineluctable del jazz estadounidense de los años veinte, el surrealismo nunca impulsó un nuevo movimiento en música. Sería demasiado extenso esbozar una historia de la música, máxime teniendo en cuenta que, sin exagerar, la verdadera expresión musical empezó con la aparición sublime de Wolfgang Amadeus Mozart. Contando con el precedente de Joseph Haydn, Mozart dio comienzo a un avatar indetenible de desarrollo constante de nuevas formas: clasicismo, romanticismo, impresionismo, nacionalismo, neoclasicismo. Fueron aproximadamente 140 años de cambios en los modos de concebir la música; etapas de sucesivas transformaciones y reestructuraciones teóricas que dieron a la luz renombradas figuras. En ese devenir musical propongo hacer un salto y llegar al período neoclásico, no por ser éste más importante, sino por su proximidad cronológica con el surrealismo europeo promovido por André Breton en 1924. En rechazo de las formas propias del impresionismo, que tuvo en Maurice Ravel su exponente más importante, el neoclacisimo musical incubado en las dos décadas anteriores a la segunda guerra mundial propugnó una liberación de toda connotación literaria, buscó llegar a una música "pura", más prolija y cuidada, intentando alcanzar cierta elegancia formal. Como lo dice su denominación, el estilo neoclásico pretendía retomar el camino que habían iniciado Bach, Mozart y sus contemporáneos y tapar la "mala influencia" de uno de los músicos más vapuleados del siglo XIX: Richard Wagner . La postura neoclásica intentaba retomar una estructura más rígida en el armado de las melodías, dejando en manos del talento del músico la responsabilidad de lograr un sonido agradable al oído. La figura por excelencia de este período fue Igor Stravinski, que produjo sus mejores obras entre 1927 y 1945, superponiendo formas rítmicas y aplicando diseños sincopados, una forma de la que ya se había apropiado el jazz mucho antes, del otro lado del océano. En Estados Unidos, el jazz, gestado desde los últimos años del siglo XIX, dio su primer paso como forma musical en 1917: The Original Dixieland Jazz Band grabó el primer disco de jazz de la historia. Con el éxito obtenido, el jazz empezó a convertirse en moda y pasaron seis años hasta que la forma más típica y depurada comenzó a moldearse: el jazz de los músicos negros. Con Louis Armstrong en corneta, la King Oliver 's Creole Band grabó su primer disco en 1923, junto a Johnny Dodds en clarinete. Al año siguiente el blues ya era una forma instalada en el universo del jazz y el mundo entero conocía a Satchmo (como se hacía llamar el gran Louis), el hombre que cambió la visión del jazz por completo. Fue él quien instaló la improvisación y los solos como partes esenciales para todo músico. Era una época que prefería la calma, el "blues original", la forma depresiva. Pasaron aproximadamente trece años antes de que el jazz diera su último gran salto al "estrellato" como estilo musical. Ben Goodman hizo despertar a un público que parecía dormido por la idea "blue" y posteriormente Glenn Miller, Artie Shaw, Count Basie y Duke Ellington terminaron de dar forma al período de las denominadas Big Bands: en ellas se reunían los mejores intérpretes de cada instrumento para grabar discos. The Duke meets the Count es uno de los mejores logros de estas Big Bands. Se reunieron armonosiamente los dos mejores pianistas del momento, Duke Ellington y Count Basie, logrando sonidos impactantes; también la orquesta de Glenn Miller es un buen ejemplo de Big Band, con la trompeta como estandarte principal y el conocídismo Rhapsody in blue . Los discos se vendían por millones, a todo el mundo. Hasta aquí, dos historias paralelas. Dos estilos inconciliables. Música (neo)clásica y jazz. Europa y Estados Unidos. En el medio, el Manifiesto Surrealista de 1924. El inconsciente, lo onírico, la escritura automática. La transcripción de las ideas tal como surgen del pensamiento, sin pensar una lógica. Y el jazz, nuevamente. A pesar de la innegable relevancia del ya mencionado Stravinski, la música negra estadounidense cruzó el océano y llegó a Europa. Copó la escena y abrió al Viejo Mundo una nueva posibilidad a la hora de elegir discos. Ya no era Stravinski o Stravinski. Cualquiera podía elegir entre Stravinski, Louis Armstrong, Jelly Roll Morton o Johnny Dodds. Y si bien no existió, en términos estrictamente teóricos, una música surrealista, el jazz vino a ocupar ese lugar que estaba reservado a escritores y pintores. Como bien explica Adrián Iaies, "el jazz es improvisación, por supuesto. Pero nadie crea de la nada. Nadie improvisa como quiere. Hay bases, hay limitaciones. Está la imaginación, pero están los acordes y las escalas. Nadie tocaría un re natural sobre un mi bemol dominante." De esta manera, queda claro el objetivo del jazz: sorprender, pero no descolocar. Y por eso es que la forma musical más próxima al surrealismo no pudo nunca, en términos teóricos, seguir los preceptos básicos volcados en el manifiesto (¿quién negaría que uno de los objetivos del surrealismo consistía en descolocar?). Igor Stravinsky por Picasso Hay que agregar, sin embargo, que es altamente probable que los músicos europeos, al verse "eclipsados" por la llegada de extranjeros a "su" tierra, hayan incubado un odio y desprecio por esos nuevos artistas. Y de ninguna manera podían permitirse unirse a un estilo que proponía, precisamente, lo que para el jazz era ineludible. Por otra parte, debemos tener en cuenta la predominancia de etnocentrismo para entender ese odio: los discos que llegaban a Europa eran de músicos de tez negra, lo que llevaba a los europeos a desvalorizar esas producciones extranjeras. Asimismo, fue tal el éxito de esta "música negra", que se produjo una asimetría artística notable entre Estados Unidos y Europa en el momento del surrealismo y los años posteriores: una música en su máximo desarrollo, inclusive exportada, por un lado; una evolución sostenida de la pintura, la literatura e inclusive la arquitectura europeas ( la Bauhaus como representante máximo), por el otro. Si nos preguntamos por exponentes estadounidenses en esos ámbitos, seguramente no encontremos demasiados. Sucede lo mismo con la música en Europa. ¿Recordamos a alguien además de Sergei Prokofiev, Igor Stravinski, y Béla Bartók? Jazzeros del veinte hacia delante pueden salir de nosotros sin que tengamos que ponernos a pensar: además de los nombrados, Thelonius Monk, Bill Evans, Charlie Parker, John Coltrane, Miles Davis, Ron Carter, Sonny Rollins, Charlie Mingus. Todos de piel negra, excepto Bill Evans... El desencuentro entre surrealismo y música terminó debiéndose más a una decisión propia de los artistas que a una inaplicabilidad práctica de los principios surrealistas. De hecho, hay que mencionar que muchas veces se grababan discos directamente de las "Jam sessions", momentos donde los músicos se reunían y tocaban sin ningún tipo de atadura. Únicamente con las salvedades que marcaba el pianista Adrián Iaies. ¿Y qué mejor que una música "instantánea", sin meditaciones, sin búsqueda de lógica? Tal vez con la misma voluntad revolucionaria de André Breton, Joan Miró y Salvador Dalí, podría haber surgido algún tipo de "música surrealista". Aún considerando la dificultad de concebirla, no tendríamos por qué ser taxativos respecto de su inexistencia potencial. "Después de todo, hagas lo que hagas, para el jazz va a estar bien. Melódicamente, tocando notas dentro de una misma escala, siempre van a ser agradables al oído." Sin proponérselo, el jazz terminó bien cerca de los postulados básicos del surrealismo, y opuesto a los artistas europeos neoclásicos. A la luz del siglo XXI, pensar en un estilo parecido es casi imposible. Las empresas ganaron cada vez más lugar, las figuras que aparecen tienen poco de artistas y mucho de marketing. Lejos de ellas quedaron la irreverencia de Satchmo y la belleza neoclásica de Stravinski. Las tecnicas surrealistas El cadáver exquisito Si bien tomó elementos del cubismo y el dadaísmo, el movimiento surrealista buscó la innovación recurriendo a nuevos materiales y, muy especialmente, a técnicas nunca antes empleadas. La técnica más conocida y practicada dentro del grupo fue la del cadáver exquisitoque, de manera análoga al automatismo, intentaba reducir al mínimo la intervención posible de la voluntad conciente del autor. El cadáver exquisito (cadavre exquis, en francés) fue una técnica usada por los surrealistas en 1925 y consistía en una creación colectiva que se va continuando sin que los autores conozcan la obra del autor anterior. Los surrealistas escribían o dibujaban en un papel, lo doblaban - de manera que quedase oculto lo escrito - para que el siguiente autor continuara la obra. Al desplegar la hoja se obtenía un montaje de imágenes inconexas que formaban una nueva imagen. La idea procedia del poeta Isidore Ducasse, autodenominado Conde de Lautréamont quien en sus "Cantos de Maldoror" (siglo XIX) había definido la belleza como el encuentro fortuito en una mesa de disección de una máquina de coser y un paraguas. Venerados por los surrealistas, sus Cantos de Maldoror convierten a Ducasse en una figura de culto de la vanguardia parisina que considera su obra como una fuerza liberadora de la imaginación. Con su escepticismo radical, Lautréamont se rebela contra el Dios del Antiguo Testamento y se destaca por su extraordinaria inventiva y por la originalidad de su estilo, así como por su horror ante la falta de humanidad del hombre para sus semejantes. Cito el texto Los cantos de Maldoror (abajo dejo enlace, muy interesante): dijo:CANTO PRIMERO RUEGO al cielo que el lector, animado y momentáneamente tan feroz como lo que lee, encuentre, sin desorientarse, su camino abrupto y salvaje, a través de las desoladas ciénagas de estas páginas sombrías y llenas de veneno, pues, a no ser que aporte a su lectura una lógica rigurosa y una tensión espiritual semejante al menos a su desconfianza, las emanaciones mortales de este libro impregnarán su alma lo mismo que hace el agua con el azúcar. No es bueno que todo el mundo lea las páginas que van a seguir; sólo algunos podrán saborear este fruto amargo sin peligro. En consecuencia, alma tímida, antes de que penetres más en semejantes landas inexploradas, dirige tus pasos hacia atrás y no hacia adelante, de igual manera que los ojos de un hijo se apartan respetuosamente de la augusta contemplación del rostro materno; o, mejor, como durante el invierno, en la lejanía, un ángulo de grullas friolentas y meditabundas vuela velozmente a través del silencio, con todas las velas desplegadas, hacia un punto determinado del horizonte, de donde, súbitamente, parte un viento extraño y poderoso, precursor de la tempestad. La grulla más vieja, formando ella sola la vanguardia, al ver esto mueve la cabeza, y, consecuentemente, hace restallar también el pico, como una persona razonable, que no es~á contenta (yo tampoco lo estaría en su lugar), mientras su viejo cuello desprovisto de plumas, contemporáneo de tres generaciones de grullas, se agita en ondulaciones coléricas que presagian la tormenta, cada vez más próxima. Después de haber mirado numerosas veces, con sangre fría, a todos los lados, con ojos que encierran la experiencia, prudentemente, la primera (pues ella tiene el privilegio de mostrar las plumas de su cola a las otras grullas, inferiores en inteligencia), con su grito vigilante de melancólico centinela que hace retroceder al enemigo común, gira con flexibilidad la punta de la figura geométrica (es tal vez un triángulo, aunque no se vea el tercer lado, lo que forman en el espacio esas curiosas aves de paso), sea a babor, sea a estribor, como un hábil capitán, y, maniobrando con alas que no parecen mayores que las de un gorrión, porque no es necia, emprende así otro camino más seguro y filosófico. André Masson reanudó el automatismo de la escritura e intentó reflejarlo en sus dibujos, luego en sus telas a la arena y al pegamento (Batalla de los peces, 1926, Museo Nacional de Arte moderno, París). Estas experiencias fueron practicadas también por Max Ernst en sus encolados y en sus frottages (reunidas en la recopilación Historias naturales, publicado en 1926), y también por Miró en sus telas de los años veinte (La siesta, 1925, Museo Nacional de Arte Moderno). El compromiso político En diciembre de 1924 el movimiento surrealista encuentra en La revolución surrealista, fundada por Pierre Naville y por Benjamin Péret, su poderoso medio de expresión. En 1930, la revista pasa a llamarse El surrealismo al servicio de la revolución, traduciendo la orientación política del movimiento (que se había adherido al partido comunista en 1927). Políticamente, el surrealismo era trotskista, comunista o anarquista. La separación de Dadá ha sido caracterizada como una división entre anarquistas y comunistas, con los surrealistas como comunista. En 1925, el grupo surrealista en París y la extrema izquierda del Partido Comunista Francés se unieron para apoyar a Abd-el-Krim, líder de la revuelta del Rif contra el colonialismo francés en Marruecos. En una carta abierta al embajador de escritor y francés a Japón, Paul Claudel, el grupo anunció en París: "Los surrealistas nos pronunciado a favor de cambiar la guerra imperialista, en su forma crónica y colonial, en una guerra civil. Por lo tanto hemos puesto nuestras energías al servicio de la revolución, del proletariado y sus luchas, y se define nuestra actitud hacia el problema colonial, y por lo tanto, respecto a la cuestión de color. El compromiso político del movimiento como la personalidad de André Breton fueron la causa una serie de de revueltas y desmembramientos (los de Artaud, Vitrac y Soupault, en particular,) al final de los años veinte: el Segundo Manifiesto surrealista, publicado en 1929, señaló por su parte la adhesión de nuevos miembros (René Char, Francis Ponge, Joë Bousquet, Brille Buñuel, Georges Sadoul, etc.) y la reconciliación de Tristan Tzara con André Breton. Después de haber suscrito en 1925 a Bretón, el grupo de la calle Blomet (André Masson, Joan Miró, Michel Leiris, Antonin Artaud) se unió a Georges Bataille y a la revista Documents, acusando a Bretón por su “materialismo vulgar”. Al mismo tiempo, el grupo de la calle du Ch"teau (Jacques Prévert, Marcel Duhamel, Yves Tanguy) se fue alejando progresivamente. En 1929, Roger Gilbert-Lecomte, René Daumal, Roger Vailland y el pintor de origen checo José Sima crearon, en oposición a Bretón, la revista le Grand Jeu (El Gran Juego) que publicó las obras de Saint-Pol Roux, de Georges Ribemont-Dessaignes y del dibujante Maurice Henry. En 1933, los surrealistas participaron en la revista Minotaure, fundada por el editor Albert Skira y en la que Bretón se convirtió en jefe de redacción en 1937. En 1936 Bretón expulsa a Dalí por sus tendencias fascistas y a Paul Eluard, y en 1938 firma en México junto con León Trotski y Diego Rivera el Manifiesto por un Arte Revolucionario Independiente. El surrealismo en su punto. La política interna En 1929 el grupo de satélite alrededor de la revista Le Grand Jeu, incluyendo a Roger Gilbert-Lecomte, Henry Maurice y el pintor checo Josef Sima, fue condenado al ostracismo. También en febrero, Breton pidió al grupo de surrealistas evaluar su "grado de competencia moral", y refinamientos teóricos incluidos en el segundo Manifiesto que excluye a reacios a comprometerse con la acción colectiva (una lista que incluía a Leiris, Georges Limbour, Morise Max, el barón, Queneau, Prévert, Desnos, Masson y Boiffard) Excluidos los miembros lanzaron un contraataque, criticando fuertemente Breton en el Cadavre( folleto que mostraba la foto de Breton con una corona de espinas). En retrospectiva, la desunión de 1929-30 y los efectos de Un Cadavre tuvo un leve impacto sobre el surrealismo, ya que tanto Aragón, Crevel, Dalí y Buñuel se mantuveron fieles a la idea de la acción de grupo, o al menos para el momento. El éxito (o al menos la polémica) de Dalí y el cine de Buñuel en diciembre de 1930 tuvo un efecto regenerativo, aprovechando una serie de nuevos reclutas, y alentando a un sinnúmero de nuevas obras artísticas al año siguiente ya lo largo de la década de 1930. Los surrealistas descontentos se trasladaron a Documents, editado por Georges Bataille, cuyo anti-idealista del materialismo formo un surrealismo hibrido, con la intención de exponer a los bajos instintos de los seres humanos. Para la consternación de muchos, Documents dejó de emitirse en 1931. Tapa de Documents No 1, 1929 Hubo una serie de conciliaciones después de este período de desunión, por ejemplo, entre Breton y Bataille, mientras que Aragón abandonó el grupo después de comprometerse con el partido comunista en 1932. Más miembros fueron expulsados en los últimos años para una variedad de infracciones, tanto política como personal, mientras que otros dejaron de perseguir la creatividad de su propio estilo. A finales de la Segunda Guerra Mundial el grupo surrealista liderado por André Breton decidió abrazar el anarquismo de forma explícita. En 1952 Breton escribió: "Fue en el espejo negro del anarquismo que el surrealismo primero se reconoce" .Breton fue consistente en su apoyo a la Federación Anarquista de habla francesa y él continuó ofreciendo su solidaridad después de los Plataformistas alrededor Fontenis transformado la FA en la Federación Comunista Libertaria. Fue uno de los pocos intelectuales que siguieron a ofrecer su apoyo a la LCF durante la guerra de Argelia cuando el FCL sufrió una severa represión y fue forzado a la clandestinidad. Las grandes exposiciones en la década de 1930 1936 - Exposición Internacional del Surrealismo de Londres está organizada en Londres por el historiador del arte Herbert Read, con una introducción por André Breton. 1936 - Museo de Arte Moderno de Nueva York muestra la exposición Arte Fantástico, Dadá y el surrealismo. 1938 - Una nueva Exposición Internacional del Surrealismo se llevó a cabo en la Galería Beaux-Arts de París, con más de 60 artistas de diferentes países, mostraron cerca de 300 pinturas, objetos, collages, fotografías e instalaciones. Los surrealistas querían crear una exposición que en sí mismo sería un acto creativo y llamaron a Marcel Duchamp para hacerlo. En la entrada de la exposición Duchamp puso el "Mannequin Rotting in a Taxi-Cabe" de Salvador Dalí (un viejo taxi aparejado para producir un chorro constante de agua por el interior de las ventanas, y una criatura de tiburón de cabeza en el asiento del conductor y un maniquí rubia plagado de caracoles vivos en la espalda). "Surrealist Street" fue un hall de entrada con maniquíes vestidos por los surrealistas. Además él diseñó la sala principal como una cueva subterránea con 1.200 bolsas de carbón suspendidas del techo sobre un brasero de carbón, con una sola bombilla que proporcionó la única iluminación siendo solo posible por medio de linternas ver el arte. El suelo estaba alfombrado de hojas secas, helechos y pastos y el aroma del café tostado llenaba el aire. Para gran satisfacción de los surrealistas de la exposición escandalizó a los espectadores. Segunda Guerra Mundial y el período de la posguerra. La Segunda Guerra Mundial causó estragos no sólo para la población general de Europa, sino especialmente para los artistas y escritores europeos que se opusieron al fascismo y el nazismo. Muchos artistas importantes huyeron a América del Norte. La comunidad artística de Nueva York, en particular, ya estaba lidiando con las ideas surrealistas y varios artistas como Arshile Gorky, Jackson Pollock, Robert Motherwell y Roberto Matta, se reunieron en estrecha colaboración con los artistas surrealistas mismos, aunque con cierto recelo y reservas. Las ideas acerca de la imaginería inconsciente y el sueño se abrazaron rápidamente. En la Segunda Guerra Mundial, el sabor de la vanguardia americana en la ciudad de Nueva York abrió con decisión hacia el expresionismo abstracto, con el apoyo de los responsables del gusto clave, como Peggy Guggenheim, Leo Steinberg y Clement Greenberg. Sin embargo, no debe ser fácil de olvidar que el expresionismo abstracto en sí fue el resultado directo de la reunión de los Estados Americanos (especialmente Nueva York) con los artistas surrealistas europeos exiliados auto-durante la Segunda Guerra Mundial.El trabajo inicial de muchos expresionistas abstractos revela un estrecho vínculo entre los aspectos más superficiales de ambos movimientos, y la aparición (en una fecha posterior) de los aspectos de humor dadaísta de artistas como Rauschenberg, arroja una luz aún más claro en la conexión. Hasta el surgimiento del Pop Art, el surrealismo se puede ver que ha sido la influencia más importante en el crecimiento repentino de las artes de América, e incluso en el pop, algunos de los que el humor se manifiesta en el surrealismo se pueden encontrar, a menudo se dirigió a una crítica cultural . Roberto Matta. Elle Loge La Folie. La Segunda Guerra Mundial eclipsó, por un tiempo, casi toda la producción intelectual y artística. En 1940 se casó con Yves Tanguy la pintora americana surrealista Kay Sage. En 1941, Breton fue a los Estados Unidos, donde co-fundó la revista VVV de corta duración con Max Ernst, Marcel Duchamp y el artista americano David Hare. Sin embargo, fue el poeta de América, Charles Henri Ford, y su punto de vista el que ofrecía en la revista Breton un canal para la promoción de surrealismo en los Estados Unidos. La obra de M. Duchamp fue crucial para la comprensión pública del surrealismo en América. A pesar de la guerra resultó perjudicial para el surrealismo, las obras continuaron. Muchos artistas surrealistas continuaron explorando sus vocabularios, entre ellos Magritte. Muchos miembros del movimiento surrealista continuaron e intercambiaron correspondencia . La influencia del surrealismo en 1940 también se sintió en Inglaterra y Estados Unidos. Mark Rothko se interesó por las figuras biomórficas, y en Inglaterra, Henry Moore, Lucian Freud, Francis Bacon y Pablo Nash usado o experimentado con técnicas surrealistas. Sin embargo, Conroy Maddox, uno de los primeros surrealistas británicos cuyo trabajo en este género data de 1935, se mantuvo dentro del movimiento, y organizó una exposición de la obra surrealista actual en 1978 en respuesta a un programa anterior que lo enfureció, ya que no representan adecuadamente Surrealismo. Exposición de Maddox, titulado Surrealismo Unlimited, se celebró en París y atrajo la atención internacional. Él llevó a cabo su última exposición individual en 2002, y murió tres años más tarde. Tras el aplastamiento de la revolución húngara de 1956, Endre Rozsda regresó a París para seguir creando su propia palabra que se había trascendido el surrealismo. El prefacio de su primera exposición en la Galería de Furstenberg (1957) fue escrito por Breton . Muchos artistas nuevos explícitamente tomaron la bandera surrealista por sí mismos. Dorothea Tanning y Louise Bourgeois siguieron trabajando, por ejemplo, con el bronceado de Rainy Day Canape de 1970. Duchamp continuó produciendo la escultura en secreto como una instalación con la representación realista de una mujer puede ver sólo a través de una mirilla. Breton continuó escribiendo y defienden la importancia de la liberación de la mente humana, al igual que con la publicación de La Torre de la Luz en 1952. Breton regreso a Francia después de la guerra, comenzó una nueva fase de la actividad surrealista en París, y sus críticas del racionalismo y del dualismo encontrado una nueva audiencia. Breton insistió en que el surrealismo fue una rebelión continua contra la reducción de la humanidad a las relaciones de mercado, los gestos religiosos y de la miseria y defienden la importancia de liberar a la mente humana. Las grandes exposiciones de la década de 1940, los años 50 y 60 1942 - First Papers of Surrealism - Nueva York - Los surrealistas volvieron a pedir a Duchamp para el diseño de la exposición. Esta vez se tejió una red de 3 dimensiones a través de las salas, por lo que era casi imposible ver las obras. 1947 - Exposición Internacional del Surrealismo - Galerie Maeght, París 1959 - Exposición Internacional del Surrealismo - París 1960 - Intrusos surrealista en el dominio de los encantadores - Nueva York Post-Breton: el surrealismo No hay un consenso claro sobre el final, del movimiento surrealista. Algunos historiadores del arte sugieren que en la Segunda Guerra Mundial efectivamente se disolvió el movimiento. Sin embargo, el historiador de arte Sarane de Alejandría (1970) establece que "marcó la muerte de André Breton en 1966 el final del surrealismo como un movimiento organizado." También ha habido intentos de relacionar el obituario del movimiento de 1989 a la muerte de Salvador Dalí. En la década de 1960, los artistas y escritores agrupados en torno a la Internacional Situacionista se asociaron estrechamente con el surrealismo. Mientras Guy Debord era crítico y se distanció del surrealismo, otros, como Asger Jorn, utilizo técnicas y métodos surrealistas. Los acontecimientos de mayo de 1968 en Francia incluyeron una serie de ideas surrealistas, y entre las consignas de los estudiantes que se pintaron en las paredes de la Sorbona fueron conocidos los surrealistas. Joan Miró conmemoro este hecho en una pintura titulada “Mayo de 1968”. Mayo de 1968, de Miró. En Europa y en todo el mundo desde la década de 1960, los artistas han combinado el surrealismo con lo que se cree que es una técnica clásica siglo 16 llamada Mischtechnik, una especie de mezcla de pintura al temple y óleo redescubierto por Ernst Fuchs, un contemporáneo de Dalí, incluyendo a Robert Venosa y Marte Chris. El ex curador del Museo de San Francisco de Arte Moderno, Michael Bell, ha llamado a este estilo de "El surrealismo verista", que representa con claridad meticulosa y con gran detalle un mundo análogo al mundo de los sueños. Otros artistas temperaturas, tales como Robert Vickrey, regularmente muestran las imágenes surrealistas. Durante la década de 1980, por detrás de la Cortina de Hierro, el surrealismo entró de nuevo en la política con un movimiento de oposición clandestina artística conocida como la Alternativa Naranja. La Alternativa Naranja fue creada en 1981 por Waldemar Fydrych (alias 'Major'), un graduado de la historia y la historia del arte en la Universidad de Wroclaw. Ellos usaron el simbolismo surrealista y la terminología en sus acontecimientos a gran escala .Mayor era él mismo el autor de un "Manifiesto del surrealismo socialista". En este manifiesto, afirmó el socialista (comunista) que el sistema se había vuelto tan surrealista que podría ser visto como una expresión de arte en sí mismo. The Dwarf, estatua de Alternativa Naranja (Oranje Alternative) Algunos videos: Entreacto de René Clair link: http://www.youtube.com/watch?v=1G39B3ECZGA link: http://www.youtube.com/watch?v=NXjlRCB8wbM L'imitation du cinéma-Marcel Marien-1960 link: http://www.youtube.com/watch?v=dIEEkFABfYQ Le sang d'un poète (1930, Jean Cocteau) link: http://www.youtube.com/watch?v=BAqxEq4ylb4 L'Age d'Or de Buñuel y Dalí (1930) http://video.google.com/videoplay?docid=7633509394552540790 'The Seashell and the Clergyman' link: http://www.youtube.com/watch?v=AfJ352Wpk2s L'Etoile de Mer (1928,Man Ray) link: http://www.youtube.com/watch?v=V7PQvkYYikU Un perro andaluz (1929, Luis Buñuel) link: http://www.youtube.com/watch?v=DREePfBA_ik Documental: link: http://www.youtube.com/watch?v=mugY7Yy1pwc&feature=related link: http://www.youtube.com/watch?v=2TPuIBc2e8A&feature=related link: http://www.youtube.com/watch?v=c29lArGRrdk&feature=related link: http://www.youtube.com/watch?v=DvCcxL-upJg&feature=related Algunos cortos que me resultaron interesantes: link: http://www.youtube.com/watch?v=IfcQR8I3Gkg&feature=related link: http://www.youtube.com/watch?v=0-2KzPhT-zo link: http://www.youtube.com/watch?v=4b4Q8EARpRM&feature=related link: http://www.youtube.com/watch?v=CSRRgskQ3zg&feature=related link: http://www.youtube.com/watch?v=j8JpN7M4S7I&feature=related link: http://www.youtube.com/watch?v=n03daAEyllc&feature=related Les dejo alguno dibujos animados( que para mí tienen un toque de surrealismo) link: http://www.youtube.com/watch?v=NHcPj7n6to0&feature=related link: http://www.youtube.com/watch?v=3nColswx1Z0&feature=related link: http://www.youtube.com/watch?v=mdoswiclVFg&feature=related Y para cortar con los videos: Monty Python!! (recomiendo que los vean, son muy buenos) link: http://www.youtube.com/watch?v=49c-_YOkmMU&feature=related link: http://www.youtube.com/watch?v=bmNZEFe1jp8&feature=related link: http://www.youtube.com/watch?v=QYgqdaI-NRg&feature=related link: http://www.youtube.com/watch?v=DMwJVoF9kos&feature=related link: http://www.youtube.com/watch?v=6CQF9AhM4bc&feature=related link: http://www.youtube.com/watch?v=pAKU2nBbcQg&feature=related Un poco de imágenes... Los muchachos diciendo para sí "cuentanos más". Bueno, fin del post. Espero lo hayan disfrutado como yo. Ah... y no se olviden que la ostra del Senegal se comerá el pan tricolor.

Nuevamente con la intención de divulgar (lo único posible que podemos hacer en internet) les regalo este sencillo post que hace tiempo vengo gestando y que el día de hoy ve la luz (?) Espero que lo disfruten!! Pequeñas biografía-no-traducida: Shaun Ferguson received a BFA from University of Trent in Nottingham in 1985 and a postgraduate in painting from Royal Academy of Arts in 1988. He is inspired by models in quiet, contemplative moods. Although conventional in composition, his portraits are instilled with a strong sense of energy and tension. Ferguson’s work has been exhibited extensively across the UK and featured in numerous publications. It has been awarded the 1989 Henry Wyndham Prize and the 1988 Elizabeth Greenshields Award, among others. Pequeña reseña-tampoco-traducida: The majority of Shaun Ferguson’s wonderfully atmospheric and sensitively expressed paintings are inspired by the figure, and usually this is the figure caught in a quiet, contemplative mood. His work involves an intriguing balance between subject matter, painterly considerations and interpretation, offering challenges and qualities that lift it well beyond straightforward portraiture, which in fact is never his objective. Interestingly, although he quite often adopts the conventional head and shoulders ‘portrait’ composition for his figure subjects, in seeking a more individual, painterly result he instils in the work a strong sense of energy and tension’ Robin Capon –The Artists’ Magazine, Jan 2006. Extract from feature- ‘Shaun Ferguson Master Class’ Obras: Video para el deleite: link: http://www.youtube.com/watch?v=ZzvEL-6PMz0&list=FL9VGEdVy14mzW1uXU-ca8Uw&feature=player_detailpage Bueno, final del post, espero les agrade. Saludos.