LosBichoMalo

La Historia de la Segunda Guerra Mundial cuenta con innumerables sucesos y anécdotas que podrían considerarse fuera de lo normal, incluso absurdas. Los protagonistas de esta contienda recurrieron a distintas alternativas para ganar la guerra; por ejemplo, cuando el gobierno de Winston Churchill llegó a un acuerdo con el propietario de la empresa que fabricaba el juego de mesa Monopoly para que se incluyeran mapas con rutas de escape y billetes reales en «ediciones especiales», para ser enviadas a los campos de prisioneros alemanes, hasta introducirse al mundo del misticismo y de la magia, buscando el triunfo ante sus enemigos. Tal es el caso del británico Jasper Maskelyne, un singular soldado que se ganó el título de “el mago de la guerra”. Maskelyne (1902-1973) fue hijo y nieto de grandes magos, profesión que aprendió y ejerció durante muchos años; en 1940, poco tiempo después de que estallara la guerra, decidió enlistarse en el Ejército Británico, y posteriormente fue destinado a Alejandría, donde —al mando de una sección secreta experimental— diseñó numerosos proyectos para despistar a los alemanes haciendo uso de la única arma que conocía y dominaba: la magia. Recién se incorporó al ejército, Jasper fue destinado a una unidad menor: Desarrollo y Camuflaje de Trenes de la Compañía Real de Ingenieros, un escuadrón con destino a El Cairo, cuya misión era camuflar y ocultar nidos de ametralladoras y vehículos para que no fueran descubiertos por el enemigo. A raíz de un enfrentamiento que sostuvo con el Príncipe Hassan, líder de la tribu de los Derviches, y gracias a sus habilidades obtuvo el mote de “mago de la guerra”. El príncipe, alertado porque en sus tierras (las cuales se encontraban en Turquía) había un extranjero con poderes mágicos, decidió retar al intruso: si el británico ganaba, el Príncipe permitiría el paso a las tropas extranjeras sin problema alguno, pero si perdía, no obtendría acceso. Jasper y Hassan comenzaron a enfrentarse con trucos cada vez más sofisticados, hasta que el derviche se clavó una lanza en el vientre. Ante tal acto, todos los presentes quedaron asombrados, menos Maskelyne, quien recordó que aquel truco también lo realizaba su abuelo, así que se aproximó para descubrir la faja de cuero que portaba el príncipe para simular la penetración. Fue así como consiguió el respeto del Príncipe, quien permitió que los ingleses atravesaran su territorio. Después del acto realizado por Jasper Maskelyne, sus superiores quedaron impresionados con las artes del mago y decidieron crear lo que se denominó Sección Experimental de Camuflaje, cuyo objetivo era luchar contra Rommel y su famoso Afrika Korps, fuerza militar alemana enviada al norte de África en 1941. Su primera misión fue camuflar 200 tanques desembarcados en el puerto de Alejandría. La idea que llegó a su mente de manera inmediata después de recibir la misión fue utilizar pintura, pero no contaban con la cantidad necesaria, así que Maskelyne tuvo que ingeniar otras ideas. Guiado por la astucia, el mago encontró en un vertedero cientos de kilos de una salsa Worcester (o salsa inglesa) caducada, la cual mezcló con estiércol de camello secado al sol, cuya combinación, aunque un poco nauseabunda, era lo más parecido al color de la arena. Fue así que consiguió ocultar los tanques para no ser descubiertos. Posteriormente fueron muchos trucos los que Maskelyne gestó en una nave dispuesta para que el mago desarrollara su potencial, sitio que fue llamado El Valle Mágico. Ahí se fabricaron réplicas de submarinos y ejércitos enteros de cartón que despistaban a los pilotos alemanes. Pero el proyecto más importante que Jasper recibió fue camuflar el puerto de Alejandría, un objetivo primordial para la aviación germana. El mago comprendió que esconder una ciudad entera iba a ser una misión imposible, pero pensó en una solución: crear una falsa Alejandría algunos kilómetros más abajo de su ubicación real, apoyándose en más de 200 hombres. El plan consistía en que, cuando los aviones alemanes se acercaran para bombardear el puerto, se apagarían las luces de la ciudad auténtica y encenderían las de la réplica con el fin de despistar al enemigo, una acción imposible que resultó verdaderamente efectiva. Los pilotos alemanes estaban seguros de que un ataque nocturno tomaría por sorpresa a la población del desierto africano, pero al llegar al lugar no pudieron ocultar su confusión al observar que la zona indicada estaba en la oscuridad. Cuando estuvieron convencidos que su misión había fracasado encontraron el halo de luz que indicaba que estaban cerca de Alejandría. Maskelyne había logrado uno de sus más grandes trucos: los soldados alemanes regresarían a sus bases con la ilusión que esa noche habían dado un paso más en la expansión del Tercer Reich, pero en realidad sus bombas simplemente arrasaron con una maqueta de la ciudad egipcia. Este tipo de actos continuaron engañando a los enemigos de los Aliados hasta la rendición condicional de Alemania. En 1946, regresó a su hogar con la intención de continuar con su prometedora carrera de mago; sin embargo, los trucos que engañaron al enemigo no le interesaron al público inglés: todo lo relacionado con la guerra quería ser olvidado, inclusive actos basados en luces y espejos. Desilusionado por el rechazo, se trasladó a Kenia donde continuó con sus actividades bélicas al colaborar con las autoridades británicas en la guerra contra los Mau Mau. link: https://vimeo.com/78663001 Durante la guerra, la mayor parte de los habitantes de Europa tomaron parte en ella con las actividades que mejor sabían hacer; Jasper Maskelyne con sus particulares actos, demostró que trucos diseñados para sorprender a multitudes distraídas también podían engañar a soldados y a ejércitos enteros. Hubo algunas pequeñas pero importantes acciones que definieron el curso de la Segunda Guerra Mundial y que pocos conocen; sin embargo, de no ser por ellas, quizá todo sería distinto el día de hoy.

Aún atormenta la mente de muchos la última escena de la representativa cinta de Lars Von Trier, “Dancer in the Dark”. Protagonizada por Björk y su dulce voz, narra la tragedia de una mujer que comienza a perder la vista y es traicionada por el esposo de una pareja que le ofrece un lugar para vivir. Es acusada de robo, asesinato y su destino da un oscuro giro cuando es sentenciada a muerte. El método con el que la “justicia” eliminará a Cvalda, nombre de la protagonista, es por medio de la horca, una de los más “rápidos”. Por lo general se deja caer a los acusados colgados de una soga, el cuello se desprende y la muerte es inmediata; aunque en algunos casos, al no crear la fuerza suficiente para hacerlo, la persona puede sufrir una gran cantidad de tiempo antes de morir por falta de aire. Pero más allá de estas sencillas técnicas, probablemente la forma de ejecución más brutal que se ha tratado a lo largo de la historia es la de disparo de cañón. La muerte por disparo de cañón definitivamente es una de las más sádicas formas de matar a alguien y existen documentos que afirman que se practicaba desde el siglo XVI en el Imperio Mughal y aún se practicaba hasta el siglo pasado. Fue una de las maneras tradicionales que usaron los colonizadores portugueses para mantener más terror y control en sus territorios controlados, como Brasil. En la mayoría de los casos, se sentenciaba a este tipo de muerte por crímenes como traición a la patria o a los rebeldes antigobierno. Los sentenciados eran atados a la boquilla del cañón con la parte superior de la parte baja de la espalda y debido al impacto que causa en el cuerpo la bola de cañón, la cabeza se elevaba varios pies, los brazos volaban disparados hacia los lados a una distancia considerable y las piernas quedaban en el piso. No queda un rastro de la persona que en algún momento estaría parada frente al arma. Es una muerte inmediata, pero una de las más brutales y enfermas que ha practicado la humanidad a lo largo de la historia. Actualmente, el Imperio Británico es visto como admirable, pero en algún tiempo fue el más violento e intolerante con las revueltas en sus territorios controlados como India y son el gobierno con mayor documentación de ejecuciones por disparo de cañón a partir del siglo XVIII. Fue usado como castigo para intimidar a los soldados nativos que siguieran órdenes y evitar que desertaran del ejército o comenzaran motines para liberarse del control británico. Al menos 44 personas fueron asesinadas de esta forma entre mayo y septiembre de 1857 durante la Rebelión India y existen algunos reportes que afirman que los insurgentes sentenciaron a mujeres británicas a esta forma de ejecución. Los casos más recientes –que llegan hasta 1930– son algunas documentaciones de Afganistan, en donde la sentencia a morir por disparo de cañón era la pena capital y al igual que el Imperio Portugués, Británico y Mughal, se usaba para generar miedo dentro de las fuerzas antigobierno y como una manera brutal de demostrar poder. Aunque en distintas ocasiones fue prohibido, o se realizaba de forma más esporádica, fue bajo el gobierno de dos emires del país que son recordados por su abuso de autoridad y por provocar el miedo en la sociedad, que en algún punto ya veía las ejecuciones como una forma de entretenimiento. Bajo el control del emir Tajik Habibullah Kalakani, que incluso fue conocido como el “reino de terror”, un momento de extrema violencia se apoderó del país y algunos burócratas afirmaron que el emir mandaba a ejecutar por disparo de cañón a decenas de personas sin importar si habían cometido un crimen o no. Mujeres, niños, ancianos y hombres fueron ejecutados de esa forma o de otras. Incluso, un artículo del New York Times en 1930 aseguraba que al menos 11 personas fueron asesinadas sin juicio previo en las calles de Kabul. No hay imágenes claras, pero teorías sugieren que se probaron diferentes posiciones por simple diversión o experimentación con este método. No ha sido prohibido per se, pero con la desaparición de los cañones en campos de batalla, la actividad parece haber desaparecido por completo (aunque aún se sospecha que en algunos países no desarrollados todavía se lleva a cabo). Parece que con cada avance tecnológico, el humano encuentra aún formas más terribles de eliminar a los individuos que no desea en su mundo. En algún punto se abandonó la simpleza de colgar a alguien y una bola de cañón se convirtió en la respuesta, revelando la putrefacción dentro de las personas y su deseo de causar terror en el resto así sean culpables o no. Si la historia nos enseña algo es que se repite, así que seguro no pasará mucho tiempo antes de que otra forma cruel y brutal para asesinar se haga parte del estilo de vida del terrícola.

En la realidad de nuestro mundo moderno, la apariencia lo es todo. La imagen define lo que permitimos que sea “real”; sin cesar ensancha los límites de la verdad o la mentira. Susan Sontag diría que la fotografía es, antes que nada, una manera de mirar, no la mirada misma. Sin embargo, con confianza podemos asegurar que la visión es la manera primordial en como los seres humanos percibimos y construimos”nuestra” realidad. La revista norteamericana Time, ha hecho una recopilación de lo que ellos consideran son las 100 fotos más influyentes desde que el daguerrotipo se inventó. Para la sociedad moderna, las fotografías son la entrada principal a realidades de las que no tenemos vivencia directa, afirma Sontag en “Sobre la Fotografía”. Las fotografías identifican acontecimientos, les confieren importancia e intentan volverlos memorables pero son sólo unas pocas imágenes las que trascienden los años por su impacto y se convierten en icónicas. “Muhammad Ali Vs Sonny Liston” *Fuente: Neil Leifer “La pelea de almohadas” *Fuente: Harry Benson “Hombre en la Luna” *Fuente: Neil Armstrong “La Inmolación del Monje” *Fuente: Malcolm Brown 1963 “El hombre que cae” *Fuente: Richard Drew “It´s gotta be the shoes” *Fuente: Co Rentmeester “Alan Kurdi” *Fuente: Nilüfer Demir. “Almuerzo en la cima de un rascacielos” *Fuente: Desconocida “Ghandi y la Rueca” *Fuente: Margaret Bourke-White “D-Day” *Fuente: Robert Capa (1944) Hongo atómico sobre Nagasaki *Fuente: Lieutenant Charles Levy “Hitler en un desfile Nazi” *Fuente: Heinrich Hoffmann “Niño albino de Biafra” *Fuente: Don McCullin “Izando bandera sobre Iwo Jima” *Fuente: Joe Rosenthal

Al escuchar el término estafa, la imaginación de un sinnúmero de personas crea una imagen mental de personajes que aprovecharon las normas del sistema para engañar exitosamente a otros. Más que decepción o enojo, las estafas que involucran estratosféricas sumas de dinero de por medio son aplaudidas por el gran público en un mundo más desigual que nunca: los individuos que llevan a perder millones de dólares a bancos, multimillonarios y corredores de bolsa son reconocidos por valores tan deseables en la sociedad actual como la inteligencia, astucia y el desprecio a las leyes establecidas, características que el papel de un villano exige en la contemporaneidad. Estos personajes demuestran su ingenio para conseguir librarse de la rigidez de las absurdas leyes de la sociedad y sólo los amantes del orden, carentes de una visión crítica podrían reprochar un caso atípico aludiendo al estado de derecho y el “imperio de la ley”; no obstante, gozan de un efecto Robin Hood que en vez de colocarlos en la decadencia moral de la villanía, los encumbra como mentes maestras. Pero, ¿qué hay de las personas que en vez de desafiar las absurdas normas de la sociedad, se enfrentan con los valores que comparte la mayoría y traicionan la confianza depositada en ellos, misma que los levantó al status de leyendas y ahora se derrumba como un fraude que aparece más visible con el paso de los años? Éstos son los casos que más dolor, enojo y decepción causaron al mundo: Victor Lustig El checo pasó a la historia como el hombre que vendió la Torre Eiffel no una, sino un par de veces. Lustig llegó a París en 1925 y aprovechó el momento de austeridad de la economía francesa y la molestia generalizada de los parisinos por el gasto que suponía el mantenimiento del que ahora es emblema de la ciudad. Lustig se disfrazó de un representante del ayuntamiento de la Ciudad Luz y reunió a un grupo de inversores en un hotel de París. Explicando la “inminente” demolición de la torre, escuchó todas las ofertas por las 7 mil toneladas de hierro, aunque su objetivo real no era el precio del metal, sino los sobornos para que las propuestas fueran escuchadas. Cuatro meses después realizó la misma operación con éxito, hasta que fue detenido en Nueva York en 1938. Konrad Kaju En 1983, el diario alemán Stern sacó a la luz una colección inédita que daría más luz sobre la oscura vida del dictador más famoso de la historia, Adolf Hitler. Orgulloso de sus fuentes, el rotativo germano aumentó sus ventas basado en los increíbles relatos del jefe del Tercer Reich. El periodista Gerd Heidermann se encargó de la negociación entre el poseedor, Kaju y el Stern. De forma inexplicable, los documentos pasaron distintas pruebas de autenticidad entre los mejores expertos de la Segunda Guerra Mundial y el periódico continuó emitiendo cada semana pequeños extractos que lo llevaron a la fama. Dos semanas después de anunciar en conferencia de prensa la originalidad de los diarios, un examen forense determinó que ni la tinta, el papel, las huellas dactilares ni el material de elaboración de los cuadernos correspondían a las técnicas de mediados del siglo XX y el desgaste era mínimo comparado con documentos oficiales de entonces. El escándalo llevó a Kaju y Heidermann a la cárcel y en el Stern corrieron cabezas editoriales por el fallo. L. Ron Hubbard Hubbard era un escritor de ciencia ficción poco conocido que trataba de hacer válido el sueño americano y al mismo tiempo, vivir de sus historias y los relatos que escribía. En 1950, publicó un texto de autoayuda con lecciones de filosofía personal rebuscadas y basadas en las religiones existentes. Dos años después y gracias al éxito de su texto, Hubbard fundó un grupo de autoayuda y a su mente vino una idea tan mala como inesperadamente brillante: utilizando sus antiguos relatos, Ron fundó la Iglesia de la Cienciología y creó todo un culto con su propia cosmovisión, génesis y tratamiento espiritual. En la actualidad, la Cienciología es un culto exento de impuestos, establecido en más de treinta países y con ingresos de miles de millones de dólares. A pesar de que los textos sagrados se basan únicamente en su imaginación, los misterios del modelo de ascensión dependiendo del pago del creyente constituyen un sistema piramidal que se conforma como la estafa más brillante del mundo actual. Fabrice Morvan y Rob Pilatus Durante 1988, dos bailarines decidieron unir su talento y trabajar conjuntamente en una agrupación pop con sonidos explosivos y estilizados. Después de conseguir financiamiento y un sello discográfico para grabar su primer álbum, Morvan y Pilatus saltaron a la fama en los Estados Unidos bajo el nombre de Milli Vanilli. Sus primeros sencillos, encumbrando su popularidad en Alemania y el Reino Unido, países donde fueron número uno con temas como “Baby Don’t Forget My Number”. Después de dos frenéticos años donde consiguieron firmar contratos millonarios y una gira estadounidense, su marcado acento alemán, el desinterés y desconocimiento musical mostrado en las entrevistas y una falla en la pista durante su concierto en Connecticut ocasionó que la gran mentira saliera a la luz: el 12 de noviembre de 1990 el autor intelectual y productor de la banda, Frank Farian, confesó que Fabrice y Rob sólo prestaban su físico para mover los labios durante sus presentaciones y los discos eran grabados por otros cantantes. Lance Armstrong El ciclista estadounidense no solamente se convirtió en una leyenda del deporte al conquistar en siete ocasiones Le Tour de France y una medalla de bronce en los Juegos Olímpicos de Sidney 2000, su figura se alzó como fuente de inspiración para miles de millones de personas después de vencer al cáncer y alzarse como multicampeón en su disciplina. Sin embargo, el rumor que circulaba desde 2001 se comprobó en 2012: la Agencia Antidopaje de Estados Unidos lo acusó de dopaje sistemático luego de coincidir en distintas pruebas con el uso de sustancias prohibidas. El mito se cayó a pedazos y las campañas que precedía, sus patrocinadores, el apoyo de organizaciones sin ánimo de lucro y del deporte en general le dio la espalda ante la decepción.

LA ESPONTANEIDAD ES UN INGREDIENTE QUE SE EXTRAÑA MUCHO EN EL ARTE; QUIZÁ POR ESO EL TATUAJE DISEÑADO POR ESTE MONO TIENE ALGO MUY ESPECIAL En este instante miles de personas alrededor del mundo están planeando su próximo (o su primer) tatuaje. Sin embargo, pocas o ninguna estarán contemplando la posibilidad de que sea un chimpancé quien lo diseñe. Y aunque la premisa parezca ridícula, no hay que olvidar que la originalidad y la naturalidad son dos componentes esenciales del arte y la creatividad. En ese sentido, tal vez no sea tan descabellada la idea de que un primate defina la imagen que cubrirá tu espalda por el resto de tu vida. Independientemente de que nuestra reflexión anterior te haya o no convencido, el alemán Jan Schekauski se autoconvenció y ya presume un gran tatuaje dorsal diseñado exclusivamente por un mono (e impreso en su piel por la artista Minerva Linda). El peculiar proceso quedó documentado en el video "Dancing Monkey With Pants" y fue convertido por Schekauski en un extraño manifiesto al incluir en su diseño una cita del artículo primero de la constitución de la Unión Europea, que reza: "La dignidad humana es inviolable". Como complemento a su extraña postura, el alemán afirma en su blog: En la vida diaria esto (el articulo primero) deja más a la interpretación que una pintura abstracta en un museo. No puede existir el arte que nadie puede ver, al igual que el conocimiento que no se utiliza tampoco existe. La dignidad humana... "dice el mono y continúa"... Todo es arte, todo es creación –una idea de coincidencia. En todo caso, mientras desentrañamos la ontología implícita en el acto de Schekauski, te invitamos a ver la obra que diseñó el mono sobre su espalda, la cual por cierto no está nada mal... link: https://www.youtube.com/watch?v=qDY-XVmZjNs

EL FASTUOSO TRONO DEL VATICANO QUE MUCHOS ASOCIAN CON UN ALTAR SATÁNICO La veta oscura de la iglesia católica tiene múltiples vertientes: desde la tolerancia de crímenes diversos, comenzando por la pederastia, hasta su rol como actor, vía el Banco del Vaticano, en sofisticadas operaciones de lavado de dinero, pasando por ciertos aspectos francamente macabros que orbitan alrededor de esta institución y, en especial, de su cúpula. En esta línea existe en la Santa Sede una especie de monumento particularmente llamativo. Se trata de la instalación que acompaña a un trono ubicado en la Sala de Audiencia Pablo IV, dentro del Vaticano. Terminada en 1971, esta estructura de bronce es, al menos oficialmente, una representación escultórica de la resurrección de Cristo (la escena muestra una figura emergiendo lastimosamente de un mar de caos). De acuerdo con su creador, el escultor italiano Pericle Fazzini, esta pieza, Resurezzione, representa a "Cristo emergiendo de un cráter abierto por una bomba nuclear; una explosión atroz, un vórtice de violencia y energía". Cientos de conspiracionistas, y público en general, percibe en esta pieza, que enmarca ciertas audiencias de los máximos pontífices, una especie de altar satánico que, según ellos, refuerza la posibilidad de que la iglesia católica sea en realidad una organización del mal. Obviamente esto puede ponerse en duda, o incluso calificarse como ridículo, pero en todo caso, lo que pareciera innegable es que la pieza es en esencia macabra y que genera una sensación inquietante, sino es que terrorífica.

El pintor visitó un centro para enfermos mentales en París. Mientras el director le enseñaba cada uno de los cuartos, Dalí se asomaba, examinaba al paciente y exclamaba “poco interesante”. En el último cuarto miró la imagen de un hombre despeinado; con ojos desorbitados. Le llamó la atención y ante la mirada de aquel hombre loco exclamó “Éste, éste, éste es un loco genial, se le nota enseguida”. El director del psiquiátrico le contestó: “Pero señor Dalí, aquí no hay nadie. Está frente al espejo de un armario”. Con esa anécdota, la personalidad irónica e irreverente del pintor español Salvador Dalí queda al descubierto. Uno de los pintores más reconocidos y polémicos del siglo XX, al centro de la discusión mientras estuvo vivo y con una popularidad aún mayor después de muerto. Las historias, los mitos y anécdotas continúan multiplicándose en torno a la figura de quien es uno de los máximos representantes del surrealismo. Durante su existencia, Dalí pintó más de 1500 cuadros. Sin mencionar los libros que ilustró, las litografías, los diseños escenográficos y una amplia variedad de dibujos. En ellos, Dalí desarrolló la idea del método paranoico-crítico. Una técnica en la que aparecían objetos o situaciones que se contraponen pero al mismo tiempo se complementan. “La persistencia de la memoria”, también conocido como “Los relojes blandos” es un claro ejemplo del trabajo de Dalí en el que la deconstrucción de la situación y los objetos muestra la relación que existe entre lo real y lo imaginario. No obstante, el universo Dadiliano presente en el cuadro es más amplio de lo que se imagina, por eso a continuación se enlistan 15 curiosidades que muy poca gente conoce acerca de quizás el cuadro más afamado de Salvador Dalí. “La persistencia de la memoria” fue pintada en medio de una alucinación En 1931, año en el que fue creada la pintura, Dali perfeccionó su “método paranoico-crítico”. El artista intentaría entrar en un estado meditativo de alucinaciones psicóticas autoinducidas para poder hacer lo que él llamó “fotografías de sueños pintadas a mano”. De esta rutina inusual, escribió: “Soy el primero en ser sorprendido, y a menudo aterrorizado, por las imágenes que veo aparecer en mi lienzo. Registro con toda la exactitud posible los dictados de mi inconsciente, mis sueños”. El cuadro es más pequeño de lo que crees El cuadro, considerado uno de los triunfos pictóricos de Dalí, mide 24 x 33 centímetros. Característica que la hace una pintura pequeña con respecto a otras creaciones del pintor. Este cuadro catapultó a Salvador Dalí a la fama. Sólo tenía 28 años. Dalí empezó a pintar con seis años de edad. En su juventud, trabajó con el cineasta español Luis Buñuel en dos cortometrajes surrealistas ‘Un Chien Andalou’ y ‘L’Age d’Or’. Sin embargo, el gran ascenso de Dalí llegó con la creación de “La persistencia de la memoria”, entonces la prensa y el público enloquecieron por él y la pintura apareció en la galería de Julien Levy en New York City, en 1932. “La persistencia de la memoria” permanece en los Estados Unidos gracias a un donador Después de su aparición en la galería, un mecenas compró la pieza y la donó al Museo de Arte Moderno en 1934. Desde entonces la pieza se volvió una de las joyas de la colección del MoMA con 80 años de exhibición y sigue vigente. En esa época Dalí ya no era un “surrealista certificado” El pintor no era considerado un surrealista por la sociedad surrealista oficial. Aún cuando se había convertido en el pintor surrealista más famoso del mundo, sus compañeros lo expulsaron del grupo debido a las pretendidas tendencias fascistas de Dalí. En su expulsión, Dalí les gritó: “El surrealismo soy yo”. El trabajo de Einstein pudo haber sido una de sus influencias “La Persistencia de la Memoria” ha suscitado una discusión académica debido a su interpretación. Algunos críticos creen que los relojes de fusión en la pieza son una respuesta a la Teoría de la Relatividad de Albert Einstein. Como señaló la crítica de arte Dawn Ades: “los relojes suaves son un símbolo inconsciente de la relatividad del espacio y el tiempo”. La respuesta de Dalí fue “cremosa” Cuando se le preguntó directamente si la Teoría de la Relatividad de Einstein lo había inspirado, Dalí declaró que su verdadera musa para los relojes deformados era una rueda de queso Camembert que se había derretido al sol. Sin embargo, la seriedad de esta respuesta sigue en discusión. El paisaje de la imagen proviene de la infancia Cataluña tuvo una gran influencia en las obras de Dalí. La casa de verano de su familia a la sombra del Monte Pani (también conocido como el Monte Panelo) le inspiró para plasmar su semejanza en sus pinturas. En “La persistencia de la memoria”, la sombra del monte Pani aparece en el primer plano, mientras que el cabo Creus y su costa escarpada destacan en el fondo. La pintura está dividida En 1954, Dalí revisó la composición del cuadro para realizar “La desintegración de la persistencia de la memoria”. El segundo cuadro inicia con el ojo de un pescado de color llamativo, en él se acentúa todo el peso del lienzo a diferencia del primero, que priorizaba los relojes. El aceite, por otro lado, es una representación del trabajo anterior de Dalí. La obsesión de Salvador Dalí se mueve entre dos imágenes Aunque los temas de “La persistencia de la memoria” y “La desintegración de la persistencia de la memoria” son los mismos, sus diferencias retratan los cambios en estos períodos de la carrera de Dalí. La primera pintura fue creada en medio de su fase freudiana, cuando Dalí estaba fascinado por el análisis de los sueños iniciado por Sigmund Freud. En los años cincuenta, cuando fue pintado el segundo cuadro, la musa de Dalí se había convertido en la ciencia de la era atómica. Dalí explicó esta transición al decir “En el período surrealista quería crear la iconografía del mundo interior. El mundo de lo maravilloso, de mi padre Freud, lo conseguí … Hoy el mundo exterior, el de la física; ha trascendido el de la psicología, mi padre hoy es el físico teórico Dr. Heisenberg. Freud también admiraba a Dalí El padre del psicoanálisis no era un admirador de los surrealistas, pero Dalí era la excepción. Cuando los dos se encontraron en 1938, Dalí dibujaba un retrato de su ídolo de 82 años. Después de mirarlo, Freud sólo dijo “Nunca había conocido a tan perfecto prototipo de español. Qué fanático”. Sin embargo, después de un análisis exhaustivo a “La metamorfosis de Narciso” confesó: “siempre he visto que los surrealistas eran 100 % tontos, pero este joven español con los ojos fanáticos de un genio me hizo reconsiderar esa opinión”. “La persistencia de la memoria” es un autorretrato El centro de la pintura podría ser una representación del propio Dalí. Se sabe que el artista era aficionado a los autorretratos. Justo debajo del reloj que yace en el suelo, una ceja, las pestañas, el bigote ralo y una nariz puntiaguda, nos muestran a Dalí. Otros cuadros que incluyen al pintor catalán en el lienzo son “Autorretrato en el estudio”, “Autorretrato cubista”, “Autorretrato con “L ‘humanité”, además de “Autorretrato” (1921). El reloj de la pintura no fue el único realizado por Dalí En la década de 1970, Dalí replicó sus relojes suaves en esculturas como “Danza del Tiempo I, II y III”, “Nobleza del Tiempo”, “Persistencia de la Memoria” y “Perfil del Tiempo”. La persistencia de la memoria tiene otros nombres Otros apelativos para esta pieza del artista son “Relojes suaves”, “Relojes Droopy”, “La persistencia del tiempo” y “Los relojes de fusión”. La pintura ha pasado a formar parte de la cultura Pop “La Persistencia de la memoria” ha sido referida en series de televisión como Los Simpson, Futurama, Hey Arnold, Doctor Who y Sesame Street (Plaza Sésamo). Además, se ha aludido a ella en la película de animación “Looney Tunes: Back in Action”, en el popular cómic “The Far Side”, y en videojuegos como “EarthBound” y “Crash Bandicoot 2: N-Tranced”. Incluso fue parodiado para aludir al reciente escándalo de DeflateGate de la NFL. “La persistencia de la memoria” es una pieza con un alto valor artístico e histórico. Como una pieza fundamental en la historia del arte, también está rodeada de diferentes curiosidades e historias en torno a ella. Sin embargo, el carácter creativo y disruptivo de la obra no ofrece ningún lugar a dudas, en este trabajo, el genio de Salvador de Dalí queda manifiesto de principio a fin. Después de todo, Dalí seguirá siendo el personaje en contra de los moldes y las formas correctas. Tal y como él lo advirtió: “sólo hay dos cosas malas que pueden pasarte en la vida: ser Pablo Picasso o no ser Salvador Dalí”.

De los barrotes de la jaula salió un brazo de manos delgadas y uñas tierrosas. Al acercarme pude ver la luna en los ojos de aquel lunático, quien a pesar de estar encerrado parecía monstruoso y violento. Su eterna sonrisa carecía de sentido, pues nadie con un poco de cordura se alegraría de estar atrapado. A pesar de su aspecto marginal había algo en el aire que me obsesionaba con fotografiarlo, su rostro desencajado, su expresión desafiante y la particularidad de sus movimientos me obligaron a dar el primer disparo con mi cámara. Seguí caminando por el corredor y en medio de un salón de losetas blancas con negro estaban dos mujeres sentadas, una reía exageradamente y la otra se escondía debajo de una bata café. Mientras mi cámara capturaba sus muecas un hombre se acercó para tomarme del brazo, giré para reconocerlo y lo primero que vi fue su rostro empapado en lágrimas diciéndome “ayuda”. En ese momento mi mente y alma se congelaron, pero como en automático mi dedo presionó el obturador. Aquel manicomio no era un lugar muy grande, pero de cada rincón parecían brotar locos de todo tipo. Los violentos y escandalosos se reunían en el jardín, los temerosos se escondían debajo de las mesas y detrás de sus camas; algunos convivían sin entenderse el uno al otro. Muchos se recostaban boca abajo como buscando algo en el piso, otros se golpeaban contra la pared, pero nada era más triste en el paisaje que la forma en que estas personas eran tratadas con crueldad y olvido. Raymond Depardon es quien seguramente vivió una experiencia como ésa. Él es el autor del libro “Manicomio”, en el que expone la serie fotográfica que realizó durante los años 70 en distintos centros psiquiátricos de Italia. Las capturas que Depardon consiguió están llenas de crueldad y olvido, pues los integrantes de estos asilos de locura fueron dejados a la deriva por sus familias para terminar al cuidado de un personal que no hizo más que despreciarlos. Durante los años que Depardon trabajó en Italia, el fotógrafo y cineasta tuvo oportunidad de conocer a Franco Basaglia, director del manicomio Trieste. Basaglia fue uno de los máximos representantes del movimiento antipsiquiátrico de su país, su denuncia pública iba en contra de las condiciones deplorables en las que operaban los manicomios de la época. A partir de sus manifestaciones se convirtió en uno de los impulsores del movimiento intelectual y político que logró la clausura de algunos “loqueros” italianos en 1978. Antes de que eso sucediera, Depardon se propuso documentar la triste realidad de los psiquiátricos en los que decenas de hombres y mujeres de todas las edades eran abandonados hasta perecer entre ropas sucias, habitaciones heladas y tratos hostiles. La cámara de este artista capturó la brutalidad con la que los enfermos mentales eran tratados en lugares como Trieste, Nápoles, Turín, San Servolo o San Clemente. El grueso de imágenes tomadas por Depardon permaneció oculto durante décadas, hasta hace un par de años el fotógrafo francés decidió editar su trabajo para mostrarlo a la luz. Este compilado de retratos se convirtió en un libro titulado “Manicomio”, el cual guarda vestigios de la época más oscura de la psiquiatría italiana. La crueldad y el olvido no son exclusivos de los manicomios italianos de hace décadas, pues en muchas partes del mundo los pacientes de algunos centros hospitalarios continúan siendo torturados por enfermeros irresponsables, así como olvidados por sus propios familiares. “Manicomio” es sólo una pequeña parte de este gran infierno en el que es difícil diferenciar entre la locura y la cordura, pues teóricamente un hombre razonable jamás le haría daño a otro ser humano, pero en estos lugares la brutalidad y la omisión son lo único que se conoce. Imágenes: Raymond Depardon

A diferencia del personaje kafkiano Gregorio Samsa, Joseph Carey Merrick no se halló sobre su cama convertido en un espeluznante insecto. No. Su transformación fue gradual, silenciosa. Un relámpago minúsculo creciéndole por dentro que no percibió sino hasta que los espejos se lo contaron, irreprochables. El rechazo de sus compañeros en la escuela, el murmullo de la gente en la calle al verlo pasar, todo como una evidencia de las reacciones que provocaba, y provoca aún en día, la historia de Joseph Merrick, el Hombre Elefante. “Vi la luz por primera vez el 5 de agosto de 1862. Nací en Lee Street, Leicester. La deformidad que exhibo ahora se debe a que un elefante asustó a mi madre, ella caminaba por la calle mientras desfilaba una procesión de animales. Se juntó una enorme multitud para verlos y desafortunadamente empujaron a mi madre bajo las patas de un elefante. Ella se asustó mucho. Estaba embarazada de mí y este infortunio fue la causa de mi deformidad…” Así se describió a sí mismo Merrick. Indicaba una de las posibles causas de las deformaciones en su cuerpo que lo hacían ver como un pequeño elefante: crecimientos desproporcionados de sus brazos, desviaciones en su columna vertebral, cadera y el desarrollo de células que hacían su cabeza una mole pesada y asfixiante. Joseph Carey Merrick nació en Inglaterra y desde los 18 meses su cuerpo comenzó a producir tantas células, que se empezaron a formar pequeños bultos en su su propia piel, dándole la apariencia de un elefante. Piel rugosa en más de la mitad de su anatomía, así como el brazo derecho muy similar en contextura y dimensiones a las patas de un paquidermo, fueron las causas de su sobrenombre: el Hombre Elefante. En un principio se pensó que Merrick padecía filariasis, desorden causado por una lombriz, similar a un parásito. Pero ese diagnóstico perteneció a una larga lista de enfermedades que fueron descartadas durante más de 100 años de investigaciones y debates en torno a la condición médica de Merrick, a quien finalmente se le relacionó con el “Síndrome de Proteus”, en 1979. El “Síndrome de Proteus” es una patología congénita llamada así en alusión a la deidad griega del mismo nombre, que se caracterizaba por mutar de forma según la circunstancia y su deseo. Hasta el día de hoy, únicamente se han documentado 200 casos de esta enfermedad desde su identificación, en 1979. Siendo el caso de Carey Merrick el más famoso por las historias que giran entorno a este individuo. “Mi cráneo tiene una circunferencia de 91,44 cm, con una gran protuberancia carnosa en la parte posterior del tamaño de una taza de desayuno. La otra parte es una colección de colinas y valles, como si la hubiesen amasado; mientras que mi rostro es una visión que ninguna persona podría imaginar. La mano derecha tiene casi el tamaño y la forma de la pata delantera de un elefante, midiendo más de 30 cm de circunferencia en la muñeca y 12 cm en uno de los dedos…” Pese a ver experimentado el rechazo desde pequeño, Joseph es descrito como un hombre amigable y gentil. Educado con quienes a él se acercaba y con una inteligencia superior a la media. Evidenciada ésta, por el estudio que se ha hecho de algunas textos y descripciones que hizo de sí mismo, como se aprecia en el párrafo anterior. Merrick dejó su hogar a la edad de quince años. La muerte de su madre, Mary Jane Merrick, cuando aún era un niño, y el continuo rechazo de su padre, fueron algunos de los motivos que lo orillaron a tomar esa decisión. Vivió momentos de incertidumbre y soledad. El aislamiento debido a su aspecto era un exilio del que se valió cuando, desesperado por su falta de ingresos y consciente de su situación, contactó a un promotor de espectáculos circenses, Sam Torr, que en cuanto lo vio supo que Merrick sería un negocio redituable. Después de haberse dedicado a ser exhibido en las ferias ambulantes durante años, Merrick arrivó a Londres en 1884. En ese lugar conoció al doctor Frederick Treves, quien se interesó en el caso del Hombre Elefante de inmediato y con quien entabló amistad hasta sus últimos días. Luego de una serie de eventos desafortunados, finalmente Joseph Merrick es internado en el London Hospital, gracias a la recomendación y amistad que tenía con el doctor Treves. Ya instalado en ese lugar, Merrick dedicó sus días a la lectura de novelas románticas, la escritura de historias cortas y a la conversación con quienes lo visitaban con frecuencia. La princesa de Gales fue una de sus más destacadas visitas mientras estuvo allí. Al amanecer del 11 de abril de 1890, el cuerpo del Hombre Elefante fue hallado sin vida en su habitación. La causa de muerte fue una posible asfixia, sufrida por el peso de su cabeza. Tenía 27 años cuando murió. Entre las curiosidades que rodean la historia de Merrick, sobresale aquella entre sus más fervientes estudiosos quienes aseguran que Merrick jamás sonrió, sin embargo, la tristeza del Hombre Elefante no necesariamente fue la tristeza de Joseph Merrick. De ser así, ¿quién ha escuchado el llanto de los elefantes? Franz Kafka publicaría “La metamorfosis” en 1915, sin haber intuido jamás que 25 años antes, un elefante se había convertido en uno de los hombres más recordados del siglo XIX. Tanto que su vida fue adaptada al cine en 1980, bajo la dirección de David Lynch y es considerada una de las mejores cintas dramáticas en la historia del cine.

Nunca ha sido buena idea tratar de dominar las fuerzas desconocidas de la naturaleza. Como muestra, el accidente nuclear más grave de la historia sucedió en la madrugada del 16 de abril de 1986. Tres décadas de distancia nos separan del fatídico instante de la actualidad y sin embargo, los estragos siguen tan visibles como entonces. Pripyat es una ciudad fantasma dentro de la Zona de exclusión, un área con un radio de 30 kilómetros que se consideró de alto riesgo y de donde el Ejército Rojo desalojó a más de 130 mil personas definitivamente después del accidente. Fundada en 1970 como el hogar de los trabajadores en la central nuclear de Chernobyl, la espesa vegetación y el clima templado durante el verano dieron gran fama a la urbe, que meses antes del siniestro contaba con 50 mil habitantes. El recorrido por los edificios departamentales, amplias avenidas, gimnasios y escuelas que ahora son parte de un paisaje fantasmagórico no puede extenderse por más de media hora, pues los niveles de radiación obligan a abandonar la zona cuando se recorre sin ningún tipo de protección. A pesar de las apuestas de científicos y biólogos sobre la disponibilidad de la vida en el sitio del desastre, hoy abunda la flora y fauna afuera de Chernobyl. La vida se abre paso de formas impensadas, aún en las condiciones más adversas. Hoy, los árboles, arbustos y más de 14 distintas especies de mamíferos merodean en busca de comida y agua en la zona, sin saber que están en un área potencialmente dañina y destruida por el hombre. A pesar de todos los daños animales y vegetales, el daño más grande se ha traducido en pérdidas humanas. La energía nuclear tiene la extraordinaria y devastadora capacidad de destruir el ADN y retar a la naturaleza creando decenas de copias erróneas de información genética, éstas se traducen en mutaciones que pueden ser fatales para el desarrollo de la vida. En el instante del accidente, más de 31 personas perdieron la vida en la zona; no obstante, los devastadores efectos aún se cuentan en cientos de miles. Después de veinte años, más de 215 mil personas han sido reubicadas y la zona de exclusión es, al menos de facto, cada vez más amplia. El aniquilamiento de la información genética es un desastre irreversible que trae consigo malformaciones, mutaciones y contaminantes que se introducen al cuerpo y son causantes de cáncer. Enfermedad que aumentó de forma exorbitante en la población ucraniana y rusa desde el accidente. El cáncer de tiroides, la leucemia y otras manifestaciones de un alto nivel de radioactividad azotan hoy a los herederos del accidente nuclear más grave de todos los tiempos, en una zona que seguirá excluida al menos durante los próximos 300 mil años, ante el inminente riesgo que entraña para la vida la central de energía. Las fotografías responden al trabajo de largo plazo de Pierpaolo Mittica, parte de la serie “The nuclear trilogy” que intenta crear consciencia de los riesgos inherentes a la energía nuclear fotografiando sitios donde ocurrieron graves accidentes relacionados con este tipo de reactores. Mittica ha vuelto a Chernobyl más de 15 veces desde el 2002 para continuar con su proyecto y en cada ocasión, un sentimiento de abandono y decadencia ha embargado al fotógrafo. “Los sentimientos aumentan súbitamente cada vez que vuelvo, porque un desastre nuclear es el fin de todo. Quiero mostrar lo que queda después de un accidente nuclear, sus consecuencias en el ambiente y en la salud de las personas“. No importa si sucede en Chernobyl o Fukushima, en medio de la Guerra Fría o en pleno siglo XXI, ni siquiera el sistema económico que lo produce. El objetivo del trabajo del fotógrafo italiano es demostrar que la energía nuclear nunca será una opción sustentable, si no se puede garantizar la integridad del medio ambiente y la vida alrededor de la producción energética.