Draicu

En este nuevo post y los siguientes hablare un poco de la religion que tenian los aztecas. El Pirmertema es: Las Cuatro Direcciones. Una de las ideas fundamentales de la religion azteca, consiste en agrupar a todos los seres segun los puntos cardinales y la direccion central, o de abajo a arriba. Por eso en la mentalidad mexicana es tan importante el numero 4 y el 5 como en la mentalidad magica occidental es importante el numero 3. Los 4 hijos de la pareja divina (Que representa la direccion central, arriba y abajo, es decir, el cielo y la tierra) son los representantes de las cuatro direcciones o puntos cardinales, por eso vemos que tres de ellos se nos representa con colores diferentes: ROJO,NEGRO Y AZUL. Que corresponden al este, al norte y al sur, mientras que Quetzalcoatl (Quetzalcoatl. Codice Borbonico) esta quiza an el lugar que debio tener en el mito primitivo, un Tezcatlipoca BLANCO, que corresponde al oeste. preo no solo los colores y los dioses quedan agrupados de este modo; los animales, los arboles, los dias y los hombres por el día en que nacen, tambien una de las cuatro regiones del mundo. Nota: En el siguiente tema les hablare un poco de los dioses como estan acomodados el los puntos cordinales como el color, de los mismos dioses y de una sorpresa.

Hola amigos como les habia comentado anteriormente hoy les dire 1 de los 4 dioses que estan en los puntos cardinales:Quetzalcoatl: Significa literalmente quetzal-serpiente o "serpiente de plumas". Pero como la pluma de quetzal es para el mexicano simbolo de la cosa preciosa(el significado de las plumas se hablara en otros temas), y coatl significa tambien hermano gemelo (de donde nuestro mexicanismo Cuate: carnal, hermano), el noble de Quetzat-coatl se traduce tambien esotericamente, por el de "gemelo precioso", indicando con esto que la estrella matutina y vespertina son una solo y misma estrella, es decir, el pleneta Venus, representado en la mañana por Quetzalcoatl y en la tarde por su hermano gemelo Xolotl.Esta identificacion de las estrella matutinas y vespertinas ( La primera estrella que se ve antes de caer la noche y la ultima que se ve al salir el sol) ha dado origen a multiples mitos en la humanidad y explica casi todas las leyendas de Quetzalcoatl.(Quetzalcoatl) ( Xolotl)(Nota:Les habia comentado en el anterior post que Quetzalcoatl esta en el oeste pero a ciencia cierte no se tienen los datos ciertos ya que es uno de los dioses de la creacion es dificicil su hubicacion hesacta ya que en la representacion de los 4 puntos ocupa el lugar contrario).Representado en el Este donde nace el sol, con el color BLANCO. Posiblemente tiene este lugar ya que por ser uno de los dioses que creo el 5º sol (1º al 5º sol: son los mundos credos por los dioses) se le designo este lugar ya que la salida del sol representa tambien las victorias que tiene el sol contra los seres de la oscuridad (al caer la noche), al surgir nuevamente de la tierraNota: Al finalizar con los aztecas le hare uun cuestionario para quin resulte ganador la dare la bigrafia o si tengo tiem un escane del libro de esta informacion

En este tema vomos al siguente dios del punto contrario a Quetzalcoatl.Uno de los dises mas faciles de distingir por su caracteristica macara que vista de enfrente, hace que parezca el dios que llevara anteojos y vigotes.En una escultura del museo de Berlin, se ve que realmente esta mascara esta formada por dos serpientes entrelazadas que forman un cerco alrededor de los ojos y juntan sus fauses sobre la boca del dios.(Tlaloc, Museo de Berlin.)esta macara esta pintada de azul, color del agua, como casi todos los atavios de este dios y representa la nube. El cuerpo y el rostro de estan generalmente pintados de negro, por que TLALOC representa prinsipalmente la nube, tempestuosa; en cambio las nubes blancas estan representadas por el tocado de plumas de garsa, que lleva en la parte superior de la cabeza. Aunque Tlaloc es en general un dios benefico, esta en su mano la inudacion, la sequia, el granizo, el hielo y el rayo, por lo que es tambien un dios muy temido en su corlera.Se creia que era un dios que provenia de europa por su mascara pero se confirmo que realmenta es un dios de Mesoamerica.Esta desisnado al oesta ya que tambien es un guardian para proteger al sol mientras se aculta, por que es una de los caminos para recorrer o llegar a mictlan (infomundo para los aztecas) para el descansa (se hablara mas adelante) y se cree que la casa de Taloc se encontraba en ese punto.

La cultura de Japón es el resultado de un proceso histórico que comienza con las olas inmigratorias originarias del continente asiático e islas del Pacífico, seguido por una fuerte influencia cultural proveniente de China, y posteriormente un largo periodo de aislamiento con el resto del mundo (sakoku) de parte del shogunato Tokugawa hasta el comienzo de la era Meiji, a finales del siglo XIX en donde recibe una fuerte influencia extranjera y que se acrecienta después del final de la Segunda Guerra Mundial. Esto dio como resultado una cultura distinta a otras culturas asiáticas.En Japón, las interrelaciones personales están muy influenciadas por las ideas de "honor", "obligación" y "deber", conjunto conocido como giri y que representa una costumbre diferente a la cultura individualista y liberal de los países occidentales. Las concepciones de moralidad y conductas deseables son menos practicadas en situaciones familiares, escolares y amistades; sin embargo se observa una práctica más formal frente a superiores o gente desconocida. Un aspecto que ha tenido un rol significante en la cultura japonesa es el idioma japonés. También en la cultura japonesa se practica el nemawashi que se refiere a la preparación cuidadosa y seria en un proyecto, que refleja la armonía aceptada y respetada dentro de la cultura japonesa. Por otro lado, los japoneses poseen un sentido del humor intrincado y complicado, que se refleja mucho en el idioma, la cultura, la religión y la ética, y que a veces es considerado como muy difícil de interpretar por otras culturas. Vestimenta En Japón se pueden encontrar dos tipos de vestimenta: la tradicional y la moderna. En el vestuario tradicional se destaca el kimono (literalmente "cosa para vestir" que es una prenda llamativa larga usada por mujeres, hombres y niños en ocasiones especiales. Otras prendas usadas por los japoneses son la yukata que es un kimono ligero de verano; la hakama una prenda ceremonial; el jinbei prenda masculina ligera usada como pijama y el jūnihitoe una prenda femenina similar a un kimono y usada por las nobles. Entre las correas y fajas tradicionales, está el obi que se usa junto con el kimono, la hakama y la yukata. En cuanto a los calzados tradicionales, están el tabi y el jika-tabi que son las medias tradicionales; el zōri que son usados como sandalias; el geta una especie de zueco y el waraji que es una sandalia usada por los monjes budistas. Con respecto al vestuario moderno japonés, existen algunas tendencias como el ganguro que es una moda emenina caracterizada por usar ropa de diseñadores, tener la piel bronceada, y el uso excesivo de accesorios. Otra moda moderna en Japón es la moda lolita (rorīta fashion), que está inspirado en la moda victoriana infantil con elementos del Rococó y que ha tenido derivaciones de las subculturas gótica, punk, meido, etc. Curiosamente el uniforme escolar japonés se ha tomado como una variante especial del vestuario juvenil, y que se encuentra muy plasmado en los medios de comunicación japoneses. Otra forma de moda moderna que se inició en Japón, es el cosplay (kosupure) que consiste en disfrazarse de algún personaje que aparezca en algún medio de comunicación japonés (anime, manga, videojuegos, vídeos musicales, etc.). Una inagen del ganguro Muestra del cosplay Gastronomía en Japón La gastronomía japonesa posee un largo pasado culinario yque se ha desarrollado en una gastronomía ofisticada, refinada y especializada para cada estación. Es similar a la gastronomía china con respecto a los alimentos básicos o shushoku que están basados en cinco alimentos ricos de carbohidratos (arroz, trigo y avena, plantas del género Setaria, frijol, mijo común o plantas del género Echinocloa; y los platos (conocidos como okazu,) cuya función es dar sabor a la comida principal, que por lo general son salados. Danzas Japonesas El origen de la danza clásica japonesa data desde muy antiguo y está muy ligado al del teatro japonés Kabuki. Puede tomarse como origen del Kabuki la presentación que hiciera en 1603 Izumo no Okuni, en un estilo conocido como “danza nenbutsu”, que se bailaba en conjunto dejando de lado todo lo superficial, acercando el alma al cielo, basándose en la sabiduría del Buda. En el año 1629, se prohíbe el Kabuki interpretado por mujeres y surge el “wakashu kabuki” (kabuki para hombres jóvenes), para más tarde transformarse en el “yaro kabuki” (kabuki de hombres). De esta forma, los hombres se encargan tanto de los roles masculinos (otoko mai) como de los roles femeninos (onna mai), ayudándose con pelucas, maquillaje y vestuario apropiados a los personajes que representan. La danza tradicional japonesa se ha desarrollado en forma muy cercana al Kabuki, y con la apertura cultural de la era Meiji, llega a su máxima expresión. Desde fines del siglo XVIII, se va haciendo más popular y en 1852 pueden contarse 14 escuelas o ramas que la practican. En la actualidad pueden contarse más de 200, las cuales tienen diferentes formas de interpretar una misma danza, pero la técnica es la misma en todas. Puede decirse que la danza japonesa, técnicamente se basa en la danza del teatro Kabuki. Se caracteriza por movimientos que si bien a los ojos del espectador son lentos, demandan una serie de posturas especiales, que son muy distintas de la danza occidental. Generalmente se usan abanicos, sombrillas e inclusive la manga del kimono (sode), que juegan un rol importante para acentuar movimientos o expresividad de la danza. KAGURA Kagura, cuyo origen está ligado con los ritos shintoistas, llegó a dividirse en varios tipos bajo la influencia del cambio en el concepto sobre las deidades y sobre el geino, un término que se refiere al teatro y artes fragmentarias adicionales tales como canciones, danzas y pantomima. Kagura, que fue el "arte teatral" representativo del período cuando la vida de la gente se centraba alrededor de los ritos shintoistas, se mantuvo como representativo del teatro japonés incluso hasta el siglo VII y posterior. El mito de la Cueva Celestial ya citado, contiene vestigios del Kagura de la época y muestra lo fundamental del Kagura con una naturaleza altamente shamanista. Los mitos del Augurio del Mar y el Augurio de la Montaña sugieren un origen similar pero tienen que ver más con los hombres que con las deidades y tienen un mayor significado como reproducción del mundo de los mitos. En épocas posteriores se hacen más frecuentes los intentos de intensificar esta tendencia. El Kagura que se originó en la primera mitad del período antiguo vio el desarrollo de tales tipos a medida que fueron combinados con las costumbres y eventos del año y con el desarrollo de la vida y la cultura. A veces, con el estimulo del teatro de origen foráneo, surgieron danzas folclóricas populares (Fuzokumai) relacionadas con deidades, tales como los dioses de Hachiman, Kashima y Sumiyoshi, en las cuales los elementos de pantomima y realismo eran elaborados. A este mismo grupo pertenece la danza Seino que pertenecía a los Amabe, una tribu marítima. Originado en el siglo IX estaba Mikagura, presentado en ceremonias en la corte imperial. Este era un tipo serio de representación,que se originó en el Kagura que se ofrecía al dios Hachiman y que posteriormente fue adoptado para uso en la corte. En sus primeros días este contenía en una sección subordinada acciones graciosas conocidas como zae no onoko. Al no haber sido todavía formalizado o haber tomado una forma fija, parece haber sido un arte muy animado. Es necesario explicar que zae no onoko eran los músicos y bailarines de Mikagura, aunque el término, encontrado en registros de mediados del período Heian, a veces denota solamente a aquel que se especializó en Sarugaku. Con frecuencia la danza era acompañada por dialogo improvisado. Paralelo a este Mikagura ejecutado en el palacio imperial existía un Kagura representado entre la gente común llamado Satokagura o "Kagura de aldea", que consistía de imitaciones de tanemaki, o plantación de semillas, y otras actividades agrícolas como un tipo de formula mágica, y la danza Okina, en la cuál el dios aparecía en la figura de un anciano entonando un rezo para la longevidad. La antología de canciones populares Ryojin Hisho, que datan del siglo XII, contiene muchas canciones acerca de santuarios y festivales shintoistas que nos permiten deducir que los Kagura estrechamente conectados con la vida diaria eran muy usados por la gente. Esta presentación es un kagura (danza que se baila durante el ritual de la religión Shinto) basada en un cuento “Apertura de Puerta de Roca Amano” que sale en Nihon Shinwa (Mitología Japonesa). El Dios Amaterasu (Dios de Sol) se enojó por la violencia de su hermano Dios Susanoo (Dios de Mar) y se escondió en una cueva de roca, Amanoiwaya. Como Amanoterasu es el Dios del Sol, el mundo se oscureció totalmente y empezaron a ocurrir desastres. Por lo que muchos Dioses se reunieron para resolver este problema. Primero el Dios Amanokoyane cortó todos los árboles Sakaki (Cleyera Japonica) de la Montaña llamada Amanokaguyama, y puso en el Sakaki dos de tres tesoros imperiales, una joya Yasakani y un espejo Yatano delante de la puerta de piedra de la cueva. [Los acompañantes hyottoko (payasos) reparten hojas de Sakaki entre la audiencia, pero luego viene Kojin (Dios malo) a quitárselo, entonces le pide por favor resistirse un poco y le entrega el Sakaki al Dios malo y a la vez pidiendo un deseo que quiere que el Dios escuche.] Entonces, para que Amaterasu salga de la cueva, se realizó una gran fiesta delante de la cueva. La Diosa Amenouzume bailó kagura, otros Dioses se reían y se divertían. [Los Dioses reparten sake a la audiencia, favor recibirlo. Este kagura se baila deseando la paz en la familia, a la salud y al matrimonio unido.] Amaterasu sentía curiosidad por la fiesta que se realiza fuera de la cueva, por lo que abrió un poco la puerta. Amaterasu preguntó “¿Qué pasó?” y Amenouzume contestó “Estamos festejando ya que apareció un Dios más poderoso”. Amaterasu vio la luz de él mismo que se reflejaba en el espejo que está guindado en el Sakaki y pensó que esa luz es otro Dios mencionado, por eso abrió un poco más la puerta. Con prontitud, el Dios Tajikarao que es muy fuerte, abrió la puerta de roca y sacó a Amaterasu a fuera de la cueva, así que al mundo volvió la luz. Se dice que el baile realizado por Amenouzume delante de la puerta de roca para abrir la puerta es el origen de Kagura. Principalmente el Kagura se baila durante la fiesta del templo sintoísta para dedicárselo al Dios. También se baila para agradecer por la cosecha deseando que la próxima cosecha sea abundante, para la salud, paz en la familia, que salga bien su negocio, o para celebrar bodas o cumpleaños de los adultos muy mayores. Hay lugares en que los bailarines visitan cada casa y delante o dentro de la casa bailan deseando la prosperidad de la casa. Se baila el kagura en muchas regiones del Japón, por lo que son diferentes los programas, la forma, la música, el vestuario etc. en cada región, o sea existen varios estilos de kagura. Dengaku Dengaku, con su tendencia conservadora y local, fue más lento en su desarrollo desde una forma de teatro antiguo hasta el teatro medieval de lo que lo fue Sarugaku, urbano y progresivo. La gran presentación de Dengaku en 1096 causó gran furor entre los cortesanos, hasta el punto que estimuló a Oe no Masafusa, quien tenía el titulo de doctor en literatura, a escribir el Recuento del Dengaku en Kioto (Rakuyo Dengaku Ki). Pero el Dengaku se negó a cultivar su cualidad dramática. Hay un registro de un grupo de 15 personas que dieron una presentación de calidad con diálogos humorísticos en 1270. Imitando al Sarugaku Noh, el Dengaku comenzó entonces a hacer énfasis en el enriquecimiento del elementos del teatro medieval, lo que logró poco tiempo después. El medio siglo comenzando con el año 1300 fue el período de establecimiento. El Entairyaku, o diario de Toin Kinkata (1291-1360), el canciller (dajo daijin), con fecha del tercer mes de 1311, registra que el ex-emperador vio Dengaku y que en esos años tipos de entretenimiento como este tenían una alarmante popularidad en muchos lugares. Su extraordinaria fama incluso condujo al habito de llamar con la expresión "enfermedad Dengaku" a la epidemia que comenzó poco tiempo después. Hojo Takatoki, quien llegó a ser regente (shikken) del bakufu (gobierno militar) Kamakura en 1316, fue un patrocinador fanático y conocedor de Dengaku Noh en los últimos 17 años de su vida. Él no estaba satisfecho con el arte de los intérpretes de Dengaku de Kamakura por tanto trajo a los intérpretes de las compañías Honza y Shinza desde Kioto. En el Taiheiki, una crónica de guerra, hay un recuento de cómo artistas profesionales interpretaban Dengaku Noh en el Santuario Sanno en Hie y del gran espectáculo del Dengaku Noh hecho en los bancos del río Kamogawa de Shijo en Kioto frente a un público de varios miles con el fin de solicitar contribuciones. Esta enorme popularidad muestra que Dengaku Noh se había desarrollado hasta un tipo de arte muy organizado. La popularidad se debió también a las actividades de artistas talentosos quienes lo establecieron y le dieron refinamiento. Doren y Koren, pertenecientes a la compañía Honza, son mencionados en el Sarugaku Dangi de Zeami, y aunque un poco inferior a ellos, estaban también Hana Yasha y Fuji Yasha, quienes pertenecían a la compañía Shinza. Itchu de Honza, a quien Kan'ami (padre de Zeami) respetaba como un artista ortodoxo, había estudiado con Doren y otros y fue un maestro que fue activo inmediatamente después que Doren y ejerció gran influencia en el primer período de Nohgaku. Un buen relato del estado real de Dengaku Noh hacia el final de este período se encuentra en el registro del Santuario Kasuga del año 1349 ya comentado.

China es uno de los países con más antigua civilización en el mundo, y su historia constada por escrito se puede remontar a 4,000 años atrás Primeras dinastías Se dice que la primera dinastía es la dinastía Xia, de la que apenas se tienen noticias, aunque se puede afirmar que gobernó una región del centro de China desde el siglo XXI a.C. al XVI. La dinastía Shang (Siglo XVI a XI a.C.), su sucesora, está bastante mejor documentada, no sólo por los antiguos historiadores chinos, sino por los abundantes restos arqueológicos descubiertos de su época, especialmente inscripciones en caparazones de tortuga, vasijas de bronce de una extraordinaria belleza, y los restos su capital Anyang, en las cercanías de la ciudad de Zhengzhou. Donde además de restos de casas y palacios, hay numerosas tumbas de reyes y príncipes con sus esposas y servidores enterrados vivos junto con ellos. Anyang no es más que una de las capitales de los Shang, ya que se dice tuvieron 6 capitales más durante sus 500 años de hegemonía. Tras derrotar al último rey Shang, los Zhou (S. XI a 770 a.C.), establecen en las cercanías de Xian un estado bastante desarrollado, con numerosos funcionarios que realizan tareas de gobierno. Diseñando un sistema de feudos que reparten a los miembros de la familia real, extienden por primera vez el territorio de China hasta abarcar gran parte de lo que hoy constituye el norte de China. El sistema funciona de forma eficiente durante varios siglos, con los señores feudales de cada región enzarzados en continuas guerras para integrar a las poblaciones locales bajo su jurisdicción en el mundo Zhou, pero con el paso del tiempo se observa una perdida de poder del soberano central a favor de estos señores periféricos, que de forma paulatina van acaparando poder en sus manos, hasta que se consideran capaces, en el siglo VII a.n.e. de desafiar al propio emperador. Algunos de estos señores, aliados a los nómadas del oeste, les obligan a abandonar su capita y trasladarla al este, a las cercanías de Luoyang. Se les llama entonces Zhou del Este, pero su poder es más nominal que real, y los señores feudales cada vez tienen más autonomía. China se fragmenta en numerosos reinos independientes en guerra continua. Es el llamado periodo de las Primaveras y Otoños, por un famoso libro que narra las continuas expediciones militares de estas estaciones. Las Primaveras y el Otoños (770-476 a.C.): El desarrollo de la agricultura y la fundición del hierro va transformando una sociedad de señores y esclavos, existente en las dinastías anteriores en una sociedad más parecida a la Edad Media europea. Llegó a haber 140 Reinos durante está época. Cada uno, un centro de poder. La sociedad experimenta un progreso considerable, los campesinos trabajan para quien les ofrece mejores condiciones. Los pensadores y filósofos viajan de un estado a otro exponiendo a los príncipes sus teorías para un mejor gobierno. Hay una ebullición cultural sin precedentes. Surgen importantes escuelas filosóficas que marcarán la historia de la China posterior: especialmente la escuela taoísta de Lao Zi, que propone un gobierno débil, la escuela de Confucio, que propone un gobierno fuerte, la motista, con los seguidores de Mozi y su política del amor universal y la legista de Shang Yang y Han Fei, que propone un gobierno igual para todos. "Shang Yang y Han Fei sostienen que el hombre es un lobo para el hombre, y solo donde siente el temor al castigo el hombre no osa violar las leyes. Por eso proponen unas leyes rigurosas iguales para todos, con las que pretenden acabar con los privilegios de los nobles y animar al pueblo a actuar de la forma correcta. Su objetivo último es alcanzar la grandeza del estado desde la que podrá emanar el bienestar del pueblo, aunque éste tenga que sacrificarse en el proceso. No hacen falta hombres sabios para dirigir el país, basta con leyes sabias, pues en ellas todas las relaciones están perfectamente definidas con una objetividad que no permite interpretaciones personales (Ceinos: Historia breve de China, p. 76). Poco a poco el poder se va concentrando en torno a los estados más poderosos de tal forma que para el año 475 a.C. sólo quedan siete estados, que guerrean continuamente entre sí, es la época llamada de Los Reinos Combatientes (475-221 a.C.) Desde el año 350 a.C. el Estado de Qin, el situado en la región más occidental, alcanza una riqueza sin precedentes conquistando los antiguos reinos de la provincia de Sichuan y estableciendo una administración más eficiente basada en las teorías de la escuela legista. Su riqueza le permite alcanzar una hegemonía política y militar, que posibilitará a Qin Shi Huang derrotar a sus enemigos y unifique China por primera vez en el año 221 a.C., proclamándose primer emperador de la dinastía Qin. Significado de la danza clásica china. Al igual que muchas disciplinas tradicionales chinas, la danza es atravesada por un profundo entendimiento de la relación entre el hombre y el cosmos, entre mente y espíritu. Espíritu de la China tradicional: la bailarina principal y coreógrafa Vina Lee interpreta “El Baile de la Flor de Ciruelo”. Floreciendo durante el invierno, los chinos han tomado esta flor como un símbolo de inquebrantable fuerza interior y hermoso espíritu que no se dobla o se marchita ni en las más ásperas de condiciones. La danza del dragon En la Danza del dragón, los hombres que sostienen el cuerpo del dragón con palos corren y se contornean para exhibir cómo el dragón se revuelca por el suelo, sacude la cola y se arrolla en una columna de jade. En la provincia de Zhejiang es popular el Dragón de cien hojas, danza en que un grupo de muchachas forman las escamas del dragón con las nubes y flores de loto de papel o seda en las manos y, bajo la guía de un hombre, se mueven con gracia cual si el dragón volara a través de las nubes. En las aldeas del sur de China, los campesinos atan paja de arroz para darle forma de dragón, le clavan encima varillas de incienso encendidas y bailan el Dragón de paja en la noche vieja. Así, en la oscuridad los espectadores admiran a un dragón de fuego volando con chispas. Los hans también bailan la danza Dragón de la tierra, transmitida de la dinastía Qing (1644-1911). Este dragón tiene patas y camina por el suelo y, con la cabeza alzada, vomita agua para anunciar buena lluvia en el nuevo año. Otra danza es el Dragón del banco, popular en las zonas al sur del río Amarillo. Es un dragón pequeño de fina confección y atado a un banco largo. Sus tres bailarines, sujetando cada uno una pata del banco, trotan y saltan dando vueltas al tañido retumbante de los gongs y tambores. Asimismo, se bailan el Dragón de trozos y el Dragón de cinco segmentos, con el cuerpo de este animal separado en trozos o segmentos. En las ciudades de Suzhou y Hangzhou y en el norte de la provincia de Sichuan se bailan el Dragón verde y el Dragón de papel, ambos de tamaño menudo. Y en las aldeas de la costa de Zhejiang, los pescadores bailan el Dragón con alhajas y el Dragón de dieciocho segmentos, de formas semejantes a naves más que al animal propio. En pocas palabras, las danzas del dragón son muy variadas y populares en las zonas de la etnia han, cuyos hombres, descendientes del dragón, las bailan sobre todo en la Fiesta de la Primavera, para dar plena expresión a la larga historia y vasta cultura de su etnia. La Danza del León La Danza del león de los hans es adaptada de la que arribó de Asia Central hace dos mil años. Con la propagación de la cultura budista, esta danza de la Fiesta de la Primavera, practicada con el estallido de petardos, se convirtió en parte indispensable de las ceremonias para conjurar el mal y desear bienestar y fortuna. De esta danza hay dos tipos: el león simpático del norte y el león vigoroso del sur. En la danza del primer tipo, el felino es amable y gracioso, juega con una bola grande, pisa un balancín de sube y baja y es tan amigo con la gente como el gato de casa. En la danza del segundo tipo, el león es portentoso, amenazador y rápido y baila con una serie de movimientos acrobáticos difíciles. En el distrito de Chenggu, provincia de Shaanxi, se practica de maravilla la danza cómica El monje reidor y el león, interpretada entre este monje y el león mandado al mundo a purgar su pecado por el Emperador Jade del cielo. Antaño constaba de 108 partes, pero hoy ha sido reducida y se da en la Fiesta de la Primavera. El protagonista es un león humanizado. La parte más divertida es “la perezosa recoge la cosecha en la era”. El argumento es así: La mujer, desempeñada por el monje, de cabeza grande, se levanta en la mañana y demora lavándose y peinándose, sin ganas de ir a la era. El león, acuciado por el deseo de purgar su pecado, la insta a ir con insistencia. Por fin la mujer pasa a la era cargando dos canasta con una pértiga al hombro. Con ayuda del león trilla la mitad del trigo, pero en eso la entra sueño. Aunque está tronando, se echa a dormir roncando en la esterilla. Viendo que va a llover, el león la apresura a pararse, mas sin efecto. Desesperado, le muerde los tobillos, la tira de la esterilla y la pone en pie. Al final, entre ambos guardan bien los haces antes de la lluvia. Así, la mímica hace un contraste perfecto y sutil entre la diligencia del león y la pereza de la mujer. Cuando termina la danza, el monje reidor despliega papeles con frases auspiciosas para felicitar a la gente por la nueva primavera, llenándola de alegría y esperanza. El yangge El yangge es una danza supergrande para resaltar el ambiente de las celebraciones masivas en la Fiesta de la Primavera. Tiene docenas de formas de representación y se practica precedido de un desfile pomposo. Los artistas pasan actuando por las calles y los callejones, dirigiéndose a una plaza espaciosa para presentarse de manera formal. Anteriormente, la gente en el norte de China llamaba a estos espectáculos “fuego de la comunidad” o “yangge” y a sus artistas “procesión del yangge”. A la cabeza del desfile va el maestro de ceremonias que alza en alto un paraguas enorme, símbolo de la buena lluvia y viento en el nuevo año. Por su detrás vienen el grupo de la Danza del dragón y el de la Danza del león, seguidos de otros más en este orden: el del “gran espectáculo”, cuyos artistas, con cintas de color prendidas a la cintura y cogidas en las manos, andan por la plaza formando dibujos de “dos calabazas”, “cuatro puertas y una tolva colgada” y “flores en espiral”; el de la danza Campo pequeño para demostrar el amor sincero entre los jóvenes; el de muchachos que tocan con fuerza los tambores rojos amarrados a la cintura y hacen poses de “combatir con el tigre”, “volver la cabeza para mirar a la luna” y “dar tres mazazos fuertes”; y el del “caballo”, el “barco en tierra” y el “asno trotando”. En este último grupo las tres cosas son fantasías, hechas con palos de bambú o madera. Sobre el asno, la recién casada, asistido del esposo, va a visitar a los padres.

La actitud de la Iglesia Cristiana hacia la danza, a partir del S IV y durante toda la Edad Media fué ambivalente. Por un lado encontramos el rechazo de la danza como catalizadora de la permisividad sexual, lascivia y éxtasis por líderes de la Iglesia como S. Agustín (354-430) cuya influencia continuó durante toda la Edad Media. Por otro lado, antiguos Padres de la Iglesia intentaron incorporar las danzas propias de las tribus del norte, Celtas, Anglosajones, Galos.. en los cultos cristianos. Las danzas de celebracion estacional fueron a menudo incorporadas a las fiestas cristianas que coincidian con antiguos ritos de fin del Invierno y celebración de la fertilidad con la llegada de la Primavera. A principios del siglo IX Carlomagno prohibió la danza, pero el bando no fué respetado. La danza continuó como parte de los ritos religiosos de los pueblos europeos aunque camuflados con nuevos nombres y nuevos propósitos. Durante esta época surgió una danza secreta llamada la danza de la muerte, propiciada por la prohibición de la iglesia y la aparición de la Peste Negra. Nacida como danza secreta y extásica durante los siglos XI y XII la danza de la muerte comenzó como respuesta a la Peste Negra que mató a mas de 50 millones de personas en 200 años. Esta danza se extendió desde Alemania a Italia en los siglos XIV y XV y ha sido descrita como una danza a base de saltos en la que se grita y convulsiona con furia para arrojar la enfermedad del cuerpo. Las danzas medievales son poco conocidas hoy en día porque se han conservado muy pocos escritos sobre ellas, y porque, además, en la época, ellos escribían las notas en un pentagrama de 4 líneas y no de 5, como tenemos actualmente, con lo cual resulta confuso el conocer las melodías. Además no se describen en ninguno de los escritos conservados, por tanto, es casi imposible saber como se hacían en la época. Las primeras danzas de las que se tiene constancia detallada son ya de la época del Renacimiento en Italia. Sin embargo, se sabe que en la Edad Media las hubo, porque además estan representadas en pinturas y miniaturas. Se sabe que había dos formas de danza muy comunes en la Edad Media, el carol y el estampie. El carol era una danza en círculo donde se cogían de la mano y cantaban al mismo tiempo q bailaban. Mientras que el estampie consistía en varias secciones de danzantes que repetían la forma aa, bb, cc... mientras bailaban Hay danzas medievales cuyos nombres se han conservado hasta nuestros días. Entre ellas tenemos: - Carol - Danza Macabra (siglo XIII) - Estampie (siglo XIII) - Branle (siglo XIV) - Saltarello (siglo XIV) - Tresque (siglo XIV) - Basse Danse (finales del siglo XIV) - Tarantela (siglo XV) Danza Macabra o Danza de la Muerte Tiene su origen en Francia y durante la Edad Media fue un tema muy recurrente. Por un lado tenía una intención religiosa donde se recordaba que el fin de todos era el mismo y que los placeres terrenales eran perecederos, y por otro lado tenía una intención satírica al hacer que todos cayeran muertos con independencia de la posición social que ocupaban. Todos eran iguales ante la muerte. La danza de la muerte castellana surge en el siglo XV, de hecho, se conserva un manuscrito en la biblioteca del Escorial donde la muerte saca a bailar a distintos personajes como un Papa, un Obispo, un labrador... recordandoles que todo llega a su fin con la muerte y haciendolos caer en sus brazos. Cuenta una historia que, al dar la media noche, la Muerte tiene el poder de aparecerse en los cementerios. Allí toca una danza en su violín y llama a los muertos, que salen de sus tumbas para bailar hasta el amanecer. En 1874, el músico francés Camilo Saint-Saëns compuso una pieza orquesta. A través de los siglos se han creado diversas formas de la tradición de la danza macabra (macabro quiere decir relativo a la muerte). Por ejemplo, en la Edad Media era un recordatorio de que todos vamos a morir, pues para esto no hay distinción entre los hombres. Así, la Muerte se aparece a ricos y pobres, a jóvenes y viejos, a hombres y mujeres. A pesar de que no quieren seguirla, todos van tras ella en una danza que los lleva a la tumba. La enseñanza es que debemos recordar siempre que la vida es corta y que tenemos nuestro final asegurado, por lo que hay que vivir del lado del bien. El hombre ha representado la danza macabra en distintas artes; la pintura ha sido una de ellas. Después de las grandes epidemias de Peste Negra del siglo XIV , que mataron a una tercera parte de la población europea, en los siglos XV y XVI se hicieron muchas pinturas y grabados de la danza de la muerte; las primeras se pintaban en los muros y los segundos se imprimieron directamente en libros. En muchos de los casos, las pinturas tenían textos asociados. Este es el caso de la Doten Dantz mit Figuren (Danza de la muerte con personajes). Danza del Carol Fue una composición inglesa del siglo XV, una especie de villancico con rimas tanto en inglés como en latín. No eran canciones populares pero sus melodías y ritmos le dieron ese aire popular. Tenía unas partes que se cantaban en un solo y otras de forma coral. Lo que se cantaba era poesía religiosa de estilo popular, sobre todo abundaban los temas de la reencarnación. Las estrofas se cantaban todas con la misma música y el estribillo tenía la suya propia. El estribillo siempre se entonaba al comienzo y después de cada estrofa Danza de Branle Es una danza que proviene del francés donde se baila de forma lateral, en parejas, o formando círculos. Proviene de la palabra "Brander" que en francés significa blandir. En España se conoce como "Bran". Se cree que esta danza se trasladó a Escocia donde fue conocida como "Brail" pero en Inglaterra no tuvo apenas popularidad. Se tiene creencia de que esta danza era solo para la plebe Danza de Estampie Es una composición de música instrumental que contiene de cuatro a siete secciones conocidas como "puncta" que se van repitiendo en series de forma aa, bb, cc... No se sabe absolutamente nada de como se bailaba puesto que no se conservan escritos de la época sobre ella, más que algunas iluminaciones en manuscritos NOTA: No encontra mucha informacion y pordonen si esta incompleta o erronea ya que no hay mucha informacion sobre estas donsas ya que varios de los monoscritos fueron destruidos o no estan conpletos y repito perdonen si esta incompleta o erronea.

esta es una sucesión de mi trabajo. La danza ha formado parte de la Historia de la Humanidad desde el principio de los tiempos. Las pinturas rupestres encontradas en España y Francia, con una antigüedad de mas de 10.000 años, muestran dibujos de figuras danzantes asociadas con ilustraciones rituales y escenas de caza. Esto nos da una idea de la importancia de la danza en la primitiva sociedad humana. Muchos pueblos alrededor del mundo ven la vida como una danza, desde el movimiento de las nubes a los cambios de estación. La historia de la danza refleja los cambios en la forma en que el pueblo conoce el mundo, relaciona sus cuerpos y experiencias con los ciclos de la vida. Antes de que el hombre aprendiera a expresar sus sentimientos o su experiencia de la vida a través de otros materiales, lo hizo con su propio cuerpo por medio de la danza. Con ella expresaba su alegría o su temor, regocijo o tristeza. Los hechiceros tienen un papel importante, son los maestros que enseñaban a cazar, la música, estos se iban de caza con todos y se vestía con la piel del animal allí comenzaba a hacer diferentes danzas, después de los pies se comenzaron a tocar las palmas mas tarde el ritmo sé hacia con piedras, el ritmo ya comienza a tener más sentido y a sentirse el miedo, la tristeza, la alegría, el llanto... Las danzas eran para comunicar sus sentimientos por ellos no eran en grupos, los primeros ritmos eran hacer ruido con los pies, alguien empezaba y todos le seguirían, la primera danza, era la rodada, de grupo, danza primitiva era la danza de la fertilidad, ha habido diferentes clases de danza de la fertilidad. Más tarde los pueblos se hacen sedentarios, ya empiezan a cosechar, cuidar ganado, la danza ya empieza a hacer peticiones como para la lluvia... Las danzas más elementales quizás todos danzaban para que lloviera pero cada uno era diferente. La danza comienza hacer rituales, la danza del fuego era la más importante todas las danzas se hacían alrededor del fuego. Antes de que surgiera la danza como tal, el hombre tiene dentro y fuera de sí un movimiento rítmico que determina la esencia de su vida. Este se encuentra presente en el latir del corazón, el fluir de la sangre y en la respiración, por lo tanto hay una necesidad imperiosa de moverse y de manifestarse por medio del cuerpo. La danza surge como un proceso de comunicación y de expresión para que el hombre se adapte a su medio y sociedad. Por medio de la danza, el hombre primitivo manifestó sus inquietudes, miedos, deseos, etc. Esta danza no se somete a reglas ni a técnicas, representa al hombre como grupo, predomina la danza colectiva pero después surgen líderes naturales. Esta danza no se somete a reglas ni a técnicas, representa al hombre como grupo, predomina la danza colectiva pero después surgen líderes naturales. Se encuentran fundamentalmente: danzas propiciatorias de la fecundidad, de la fertilidad de la tierra, guerreras, danzas de cacería, danzas a los astros y a los fenómenos meteorológicos. En general, el hombre primitivo bailaba con un fin mágico-religioso. La danza acompañó al ser humano desde los comienzos de la humanidad. En un principio, la danza tuvo carácter religioso: alababan al sol, la luna, y otros fenómenos que eran considerados dioses. Alrededor de hace unos treinta mil años, ya entrado el paleolítico superior, surge la creación artística, llámese plástica, danza, música o teatro, misma que nace de una necesidad de expresión y comunicación del ser humano. En el principio, el ritmo fue la expresión de la vida. El tambor podía representar la emoción del hombre y contagiarla a los demás. Podía con su secuencia, provocar un ambiente completo de emoción. Cuando no fueron suficientes el tambor y el ambiente para expresar la siempre necesidad expresiva del hombre, las manos y los pies, el cuerpo y la cabeza, marcaron el compás: Nació la danza. No había grupos sociales, entonces en el mesolítico[/font] nunca ha habido revolución, algunos de estos grupos comenzaron a domesticar a los animales a cultivar la tierra con lo cual el hombre se hace sedentario, en el comienzo del neolítico los grupos son mayores y se van expandiéndose por todo el territorio aparecieron las clases sociales porque aparecen las propiedades sociales, aparecen hombres ricos, dueños de tierra... se van creando ciudades, urbanizaciones y cada uno tiene una cultura diferente, danzas costumbres, maneras de ser... La danza se convierte en un rito y el hechicero dirigía las danzas de las cazas con máscaras y con plumas. Es muy importante la danza del fuego, para buenos espíritus, que le vayan bien en pareja... Aparecen las danzas mixtas entre la religión y la sexualidad son danzas eróticas o la fecundidad. Las cuevas Cogull se han encontrado un tipo de danza son 9 mujeres bailando alrededor a la figura masculina que era el Dios de la fecundidad. También había danzas eróticas para la pubertad. GRECIA Llegaron a Europa en la Edad de Hierro y hacían una cultura denominada latene como trabajar el hierro, entran en la península a través de los Pirineos en el IX a. C. Los griegos y los romanos en ese momento los llaman Galos por ser rubios con ojos azules, porque pensaban que venían de la Galia(Francia). Guijarros, diademas, cerámica son manifestaciones artísticas que nos han dejado. En Asturias los bailes que se bailan son de origen celta. Son el corri-corri, se baila con una canción y va acompañada de un pandero. Es un juego de amor, la figura central es un hombre que se llama el Bailén, representa al jefe de la tribu y el grupo que hay alrededor son doncellas, ellos bailan con la mirada baja y una ramita de olivo de entre éstas él elegía esposa. El periodo de la danza en circulo: La danza del larón es asturiana, es la danza de los guerreros junto al fuego antes de la guerra, hay dos grupos unos son los capitanes llevan banderas y se van saludando. Los griegos crearon una cultura más y una variada de gran impulso creador. La política fue una invención de los griegos que los romanos desarrollaron y en la literatura, poemas y teatros fueron difíciles de empezar, la danza siempre estuvo, presente en esta civilización y hay miles de documentos que lo prueban “Danza es de hermosura y fealdad” una frase de Plantón. CRETA- En la isla de Creta se dio origen a la danza griega, la danza cretense utiliza el gesto simbólico y se parece a la egipcia, la danza tiene una esencia de religión y simboliza un don de comunicación con los dioses, otra frase de Platón, “El orden y el ritmo que son característicos de los dioses son también de la danza” Por tanto la danza es el medio de ser agradable con los dioses y hombres, la danza es la unión de la poesía, la música y el movimiento. LA DANZA DIONISÍACA- Dionisio es un Dios del próximo oriente, bastante alabado Dios de la fertilidad, puede que signifique hijo de Dios. Estas danzas eran danzas sagradas en su honor, estaban llenas de locura, algunas danzas eran curativas, las ménades eran mujeres que huían de sus casas a los bosques y montañas danzando diabólicamente, cazaban con los deslos y comían carne cruda. Se ofrecían sacrificios humanos, bebés vírgenes. Tirso era una lanza que tenían. Los sátiros eran los hombres que se divertían con ellas, los movimientos de esta danza eran extensiones y torsiones de la cabeza y con los brazos angulosos que recordaban a la danza egipcia. DITIRAMBO- Es otra danza dionisíaca posterior, era una especie de himno cantado al rey Dionisio, era un coro de 50 personas que giran alrededor de Dionisio, se sacrificaba animales, el jefe invocaba y las bailarinas gritaban ritos, constituyo el principio de la orquesta, más tarde perdió lo religioso por un reflejo entre dioses y héroes. IBEROS Son morenos llegan a la península por el Sur, tiene gran influencia de los egipcios, entran y van incorporándose, Tartesos son iberos pero con un nivel cultural más elevado que ocupan el valle del Guadalquivir, su territorio fue el valle del Betis y después se extendió por Andalucía y Murcia, ellos danzaban para adorar el sol, el toro y la luna, se realizaban durante el solsticio de verano, se van extendiendo del sur hacia arriba y se dedican al pastoreo y a la agricultura, al extenderse se juntan con otros pueblos formando los celtiberos, su organización es la monarquía. CELTIBEROS Su foco principal esta en Aragón, vestían de negro se cubrían con una capa o un manto con capilla, era una manta grande con una rebeca, se dedicaban en la pesca y la caza, su origen era galo y sus sacerdotes se parecían a los galos. Fueron típicas las danzas y los sacrificios en los días de la luna llena. La covada era una costumbre de acostarse el marido con la mujer cuando ésta estaba dando a luz. EGIPTO La danza de Egipto fue evolucionando, comenzó siendo sagrada más tarde era propia de los funerales y acabó siendo objeto de diversión. Los bailarines se dedicaban más tiempo a la danza por lo que bailaban mejor y en ceremonias, había rivalidad entre quienes estaban más especializados. En épocas más alejadas en Egipto se danza con las rodillas dobladas además de ellos los hebreos, los cretenses y los griegos, los brazos iban con una palma de la mano vuelta hacia el cielo y la otra al suelo. Además de ésta danza la danza acrobática aparece con la inversión de la nuca o del cuerpo entero hasta hacer el puente sujetándose los tobillos con las manos. Los egipcios ofrecen una gran originalidad en sus coreografías sobre armas rituales, un grupo de bailarines/as acompañan a los cortejos fúnebres, guiando a los difuntos a una vida ultraterrena, los bailarines llevan boomerang en cortejo del dios Amor hacia Karnak. Las Muhu ran bailarinas sacerdotisas que casi desnudas recibían a los dioses estas y los bailarines de la corte danzaban para pasar al difunto a la otra vida. En el templo de Butron se celebra un combate ritual cada primavera, las bailarinas presenciaban todos los actos públicos y los privados de la elite, una característica del estilo de la danza egipcia era la inclinación de la cabeza hacia atrás. Las danzas agrarias eran como las danzas de la fecundidad caracterizado por la apertura de los senos, Bes era el dios de la danza, era grotesco con las condenas anclas y muy pardo, los especialistas lo apodaron como sátiros.

Entre el 600 y el 200 a.C., la filosofía griega constituyó el fundamento de toda la especulación filosófica en el mundo occidental. Las hipótesis intuitivas de los antiguos griegos presagiaron diversas teorías de la ciencia moderna, incluso muchas de las ideas morales elaboradas por los filósofos griegos han sido incorporadas a la doctrina moral cristiana. Las ideas políticas desarrolladas por los pensadores griegos han influenciado a muchos líderes políticos a lo largo de la historia. La historia de Grecia y su cultura puede entenderse mediante sus diferentes etapas de evolución: la Civilización Creto-Micénica (3100-1100AC), Época Oscura (1100-800 AC), Época Arcaica (800-500AC), Grecia Clásica (siglo V) y Grecia Helénica (323-31 AC). Los griegos que aparecen en escena alrededor del año 2000 A.C contribuyeron a configurar la civilización creto-micénica que tuvo sus centros principales en el Peloponeso y la parte sur de la Grecia Continental: Micenas, Argos y Pilos. La “Grecia Arcaica” (800- 500 AC) fue la época en que surgieron las “polis”. Estas polis eran más que una ciudad-estado, ya que todos aquellos griegos de distintas ciudades tenían conciencia de pertenencia a la misma cultura. Esta idea de pertenencia se manifestaba en dos momentos: Los juegos Olímpicos y El culto a los dioses en Delfos: allí había numerosos templos de los distintos dioses de las diferentes polis. Esta comunidad de civilización no significó una identidad absoluta. Existían diferentes dialectos según las ciudades, distinta organización política, que no impidió problemas internos entre los mismos griegos, por ejemplo, entre Esparta y Atenas que comienzan su mayor evolución en este momento. Así como Esparta se constituyó como una ciudad ofensiva (la única de las polis que no estaba amurallada) y absolutamente militarizada, Atenas se fue conformando como el centro cultural más importante. La “Grecia Clásica” fue la época de gran esplendor ateniense, cuando se edificaron los grandes monumentos, la reconstrucción de la Acrópolis; también hay un cambio en el modo de representar el cuerpo, se buscan las formas ideales (frente a lo que posteriormente será el arte romano, que basa la proporción del cuerpo humano en figuras más realistas). Militarmente, fue la época de las Guerras Médicas entre atenienses y persas, cuyo resultado fue el triunfo de la primera y la formación de la liga Marítima Délico-Ática. Gracias a la democracia de Pericles, se modificó la forma de participación en la Asamblea por parte de los ciudadanos. La Guerra del Peloponeso, entre Esparta y Atenas, constituyó uno de los hechos más penosos y desgastantes para los atenienses. Allí comenzó su decadencia, un periodo de gobiernos oligárquicos que derivó en el regreso de la democracia. La “Grecia Helenística” está caracterizada por la figura de Alejandro Magno, quien logró dar forma y unión a la Grecia Magna, proyecto anhelado por su padre, Filipo II, Rey de Macedonia. En la ejecución del imperio, Alejandro fusionó los pueblos helénicos y los conquistados sin ninguna resistencia por parte de unos y otros. El hecho de que al llegar respetara su cultura y sus dioses, hacía de la conquista un hecho menos violento. En efecto, las polis desaparecieron, volviéndose la religión una cuestión privada ya no patrocinada por el Estado. Atenas dejó de ser el centro cultural, desplazándose hacia Antioquía, Pérgamo, Éfeso, Rodas y Alejandría, en donde Alejandro hizo construir la ampulosa Biblioteca. En Asturias los bailes que se bailan son de origen celta. Son el corri-corri, se baila con una canción y va acompañada de un pandero. Es un juego de amor, la figura central es un hombre que se llama el Bailén, representa al jefe de la tribu y el grupo que hay alrededor son doncellas, ellos bailan con la mirada baja y una ramita de olivo de entre estas él elegía esposa. El periodo de la danza en círculo: La danza del larón es asturiana, es la danza de los guerreros junto al fuego antes de la guerra, hay dos grupos unos son los capitanes llevan banderas y se van saludando. Los griegos crearon una cultura más y una variada de gran impulso creador. La política fue una invención de los griegos que los romanos desarrollaron y en la literatura, poemas y teatros fueron difíciles de empezar, la danza siempre estuvo, presente en esta civilización y hay miles de documentos que lo prueban “Danza es de hermosura y fealdad” una frase de Plantón. CRETA- En la isla de Creta se dio origen a la danza griega, la danza cretense utiliza el gesto simbólico y se parece a la egipcia, la danza tiene una esencia de religión y simboliza un don de comunicación con los dioses, otra frase de Platón, “El orden y el ritmo que son característicos de los dioses son también de la danza” Por tanto la danza es el medio de ser agradable con los dioses y hombres, la danza es la unión de la poesía, la música y el movimiento. LA DANZA DIONISÍACA- Dionisio es un Dios del próximo oriente, bastante alabado Dios de la fertilidad, puede que signifique hijo de Dios. Estas danzas eran danzas sagradas en su honor, estaban llenas de locura, algunas danzas eran curativas, las ménades eran mujeres que huían de sus casas a los bosques y montañas danzando diabólicamente, cazaban con los deslos y comían carne cruda. Se ofrecían sacrificios humanos, bebés vírgenes. Tirso era una lanza que tenían. Los sátiros eran los hombres que se divertían con ellas, los movimientos de esta danza eran extensiones y torsiones de la cabeza y con los brazos angulosos que recordaban a la danza egipcia. DITIRAMBO- Es otra danza dionisíaca posterior, era una especie de himno cantado al rey Dionisio, era un coro de 50 personas que giran alrededor de Dionisio, se sacrificaba animales, el jefe invocaba y las bailarinas gritaban ritos, constituyo el principio de la orquesta, más tarde perdió lo religioso por un reflejo entre dioses y héroes.