ALEJANDRATOR2

La tarea del director de teatro, conceptos de los directores e investigadores Federico Herrero y Nicolás Francisco Herrero El trabajo de dirigir una obra teatral tiene un principio y un fin, que es más que un inicio y un final. El principio es este: tener una escena ausente: tener una historia conmocionante: tener un hecho de sumo interés. Y el fin no es menos: volver a vivir la escena: revivir la historia conmocionante: revivir el hecho de sumo interés. Cuando decimos que el teatro es juego estamos hablando de la capacidad de divertirnos repitiendo. Si algo llama siempre la atención acerca del juego infantil es la capacidad de repetición que los niños muestran. Lo vuelven a hacer una y otra vez. Este juego, entre los adultos, lo encontramos regularmente en el lecho amoroso. El juego es inherente a la naturaleza humana. Vivir es repetir, y como prueba ahí está el hecho cotidiano. Pero vivir no es sólo una redundancia. Lo que significa que el juego tiene un algo más. ¿Que hace que lo cotidiano se vuelva agobiante?¿Qué hace que el lecho se torne aburrido?¿Qué hace que el niño abandone el juego? Lo cotidiano nos puede estar dando seguridad, el lecho placer y el juego infantil entretenimiento, y sin embargo todo puede adquirir una espantosa monotonía. ¿Monotonía? ¿Qué le da color a la vida? La respuesta tal vez esté en la diversidad, y por eso, por lo común, tratamos de meternos en muchas cosas para tener una vida cotidiana más variada. Y por eso no nos basta una pareja. Y por eso el niño va de un juego a otro. Pero no, no es la diversidad. ¿Será el interés? Nada puede ser más estimulante que un hombre interesado en algo. Los ojos atentos, la respiración casi contenida, los músculos congelados...¡diosmío, qué está mirando ese hombre! Sí, es el interés. ¿Y cómo algo se vuelve interesante? Simplemente cuando adquiere valor. Cuando sólo hagamos lo que consideremos valioso, nuestra cotidianidad se volverá interesante. Cuando mi pareja me descubra valioso y yo le descubra valiosa y cuando ambos descubramos que juntos podemos incrementar nuestro valor, la cama será parte de la gloria. Cuando el juego infantil se parezca a vivir jamás será abandonado. Pero, ¿qué es valioso?, o en todo caso, ¿cómo se genera el valor? El valor es una cualidad en parte material y en parte intangible que otorgamos a ciertos elementos por su utilidad, en otras palabras, el valor es un sistema de prioridades en el que se ubican los instrumentos, medios o herramientas del universo humano. Los fines últimos del hombre son invalorables, nadie puede comprar o vender la vida, pero todos participamos del intercambio de medios para vivir o morir. El valor sólo existe para los medios y no para los fines, y el hombre mismo es quien los otorga. El valor depende de lo que el hombre cree. Lo que significa que existe el riesgo de otorgar valor a algo que finalmente no lo tiene. El valor de los medios está en relación a su capacidad de permitir el acceso a los fines. La justa valoración de los medios dependerá enteramente de la capacidad de reconocer las posibilidades de la vida humana, pues estas posibilidades se constituyen en los fines para cuya realización adquirimos medios. Cuanto más importante el fin, tanto más valioso el medio. ¿Para qué nos sirve esta aparente digresión? Sirve para llegar a la comprensión del estatus teatral, ¿cuál es el valor del teatro? La realidad no nos permite engañarnos: en el sistema de prioridades de nuestro país el teatro está entre los últimos, inclusive para los mismos teatristas. ¿Por qué vale tan poco? Una lectura de la realidad nos dice que hoy mucha gente paga para ver espectáculos deportivos o musicales, pero no teatrales. Pero por otro lado, tenemos el testimonio del espectador petersburguense, que señala sin titubeos que, aun en tiempos difíciles, personas de bajos recursos económicos (estudiantes, obreros) estuvieron dispuestas a entregar parte de su escasa riqueza a cambio de algo que consideraron de altísimo valor: el teatro. La cosa no es tan relativa ni existen tantas verdades, por lo menos eso parece decirnos la realidad. Y lo que parece cierto es que el valor del teatro depende principalmente de los fines que persigue. ¿Será que el principal fin del teatro está en permitir jugar a vivir? ¿Será la terapia y su catarsis la meta de quien juega en el teatro? No hay duda que los griegos algo sabían. El juego es interesante porque permite repetir infinitamente cosas interesantes, valiosas, útiles a la vida: la afirmación de nuestra calidad humana, la superación del sufrimiento, la aceptación de lo inevitable, la explicación de lo desconocido, la superación de los límites. ¿En qué consiste el juego teatral? En conocer una gran historia y en volver a presenciarla. No son los personajes históricos, ni los hechos históricos los que atrapan nuestra atención, son las relaciones. El teatro nos devuelve al juego de la vida y por eso es indispensable la verosimilitud de las relaciones, queremos aprender o confirmar algo que creemos. El teatro constituye el gran laboratorio de la vida humana. Y ya es hora de ir a lo más concreto. El saber que la dirección teatral exige responsabilidad social, búsqueda de lo humano ausente y talento personal, nos ayuda a reconocer los cimientos sobre los que descansa esta actividad y de los que depende en mucho su éxito, pero, no nos ayuda a solucionar los problemas específicos que enfrenta quien asume tal reto. Por esta razón, vamos a tratar a continuación acerca de cómo enfrentar esta importante tarea. Un director tiene la responsabilidad de entregarnos un producto terminado: la obra teatral. Y para ello cuenta con un equipo de trabajo, aunque sólo sean dos. De lo que podemos deducir que la tarea del director, básicamente, consiste en dirigir un equipo de trabajo a fin de realizar una obra teatral. ¿Qué significa dirigir? ¿Cómo se consigue un buen equipo de trabajo? ¿Qué hace un director para poner en escena una obra teatral? En un diccionario de los años 50 encontramos las siguientes acepciones del término dirigir: "enderezar, llevar rectamente una cosa hacía un término / aconsejar y gobernar la conciencia de una persona / guiar, mostrar, enseñar o indicar el camino". Considerando estas acepciones, podemos señalar que dirigir es asumir la responsabilidad de crear un proyecto teatral para convertirlo en una obra teatral, también podemos afirmar que dirigir es asumir el gobierno de un equipo de trabajo para realizar un producto teatral, y así mismo decir que dirigir es asumir la conducción de un proceso de capacitación para enfrentar tareas teatrales. De modo que dirigir es asumir una función creativa, una función organizativa y una función instructiva. ¿Cómo se consigue un buen equipo de trabajo? Primero, teniendo un proyecto teatral serio. Esto significa que el proyecto debe estar suficientemente desarrollado como para sentir que lo único que se necesita es hacerlo. Segundo, sabiendo el número de plazas de trabajo que se requieren y las funciones precisas de cada una. No tener en claro las funciones de cada miembro constituye un enorme problema que puede generar confusión, tensión y pugna al interior del equipo. Tercero, reconociendo los valores y principios personales que deben ser parte del perfil del miembro del equipo, pues ellos han de conformar el punto común de encuentro y conciliación. Es frecuente no prestar atención al tema de los valores y principios personales, sino hasta cuando es muy tarde. Un buen resultado teatral depende del equilibrio del grupo y de su capacidad para mantener la estabilidad en momentos críticos. Cuantos más valores y principios sean comunes, más fácil será la comunicación, la comunión, la conciliación y la reconciliación. Cuarto, propiciando y protegiendo un correcto ambiente de trabajo, que ha de producir la necesaria y valiosísima confianza, para lo cual se ha de redactar un reglamento memorizable que no exceda de las diez normas. Hace mucho se escribió "el que ama cumple la ley", cuando un reglamento surge del deseo común de estar de acuerdo en los asuntos que permitan la mejor convivencia, pierde su carácter impositivo, sin negar el normativo, y se convierte en una verdadera guía del comportamiento. Quinto, preparando un examen de selección que permita reconocer la calidad personal (responsabilidad, entusiasmo, empeño), la calidad profesional (habilidad, conocimiento, docencia) y la capacidad de aprendizaje (sensibilidad, comprensión, elaboración). Sexto, evaluando el estado de salud —incluida la alimentación y el reposo— de cada miembro, por ser ésta una condición elemental para el buen desempeño, así como proporcionando y monitoreando una rutina de ejercicios físicos y de relajamiento, que permitan contar con un excelente estado físico. Y considerando la alegría, como el índice de un sano estado anímico, el que es necesario para enfrentar las exigencias del trabajo artístico. Sin un aceptable nivel de satisfacción es imposible lograr un resultado teatral aceptable, y aquel no depende de los recursos materiales disponibles tanto como de la actitud hacia la vida y las aspiraciones de realización personal que se proyecten sobre el resultado del trabajo en desarrollo. Por ello, la labor de motivación e incluso consejería será un espacio obligado que la dirección hará bien en programar. ¿Qué hace un director para poner en escena una obra teatral? Pues ejercer sus tres funciones: creativa, organizativa e instructiva, en cuatro lugares: el texto, los ensayos, la puesta y la función. Un director sabio sabe administrar sus recursos materiales y su equipo humano, razón por la que se aconseja de las ciencias administrativas para el buen desempeño de su función organizativa. Igualmente, este sabio director sabe ser un excelente capacitador que siempre presta oídos a la didáctica y a la pedagogía para mejorar su función instructiva. Pero donde el camino se le angosta y dificulta es en el desempeño de su función creativa, la que es propiamente teatral, de modo que este mismo y sabio director estará interesado en saber qué podemos decirle al respecto. La tarea creativa del director se manifiesta principalmente por medio del llamado "proyecto teatral", el que como sabemos está compuesto por la versión, el texto acotado, la partitura y escenografía.

-Arte dramático, representación o presentación-. A continuación contenidos, desde mi punto de vista. Federico Herrero y Nicolás Francisco Herrero, especialistas en artes y ciencias del actor, presentaron en el Festival Internacional de teatro de Lovaina y en el Teatro Escuela Central de ciudad de Buenos Aires, un trabajo de investigación. Tema: -Arte dramático, representación o presentación-. A continuación contenidos, desde mi punto de vista. Es a destacar que en el citado festival internacional de teatro, la obra del autor y director Nicolás Francisco Herrero, obtuvo el primer premio en la especialidad: teatro de vanguardia. Federico Herrero, con una interesante reflexión: la obra de teatro existe sin representación, por si misma, por supuesto exige de un lector profundamente capacitado en el tema. Es como leer una partitura musical. El especialista la podrá pensar en sonidos. El término drama proviene del griego y significa representación. A estudiantes de teatro, Nicolás Francisco Herrero, explica: por lo tanto, lo que caracteriza al género dramático es que las obras están escritas en forma de diálogo y pensadas para ser representadas en un espacio físico, es decir en un ámbito teatral y ante un público. Las principales formas de la dramática son: La tragedia, la comedia y el drama. La tragedia: que es una forma dramática que tuvo su origen en la antigüedad. Habitualmente el conflicto trágico es producto de la ruptura del orden del mundo, evento que enfrenta a los personajes con un destino inexorable. El gran modelo de la tragedia como forma dramática lo encontramos en las obras de los clásicos griegos. La comedia: es una forma en la que la acción dramática discurre de manera opuesta a la tragedia. Si en la tragedia los personajes cambian de un estado favorable a uno desfavorable, en la comedia se da un ascenso en el estado de los personajes. El drama: A diferencia de las formas anteriores, el drama no tiene un carácter definido, sino que en él se combinan indistintamente aspectos trágicos y cómicos. Esto se debe a que el drama pretende representar la vida tal cual es, razón por la cual, tiende a tratar los asuntos de forma menos rígida que la tragedia y la comedia. Además de lo citado podemos establecer. Farsa: pieza cómica breve que incluye personajes caricaturescos y extravagantes. Sainete: obra breve que muestra las costumbres y la características del inmigrante europeo de principios de siglo. La escenografía presenta un espacio abierto, por ejemplo: un patio de conventillo. Grotesco: obra breve de intención critica y cuyos temas son las desdichas cotidianas presentadas a través de situaciones cómicas. Las obras dramáticas pueden estar escritas en verso o en prosa. Federico Herrero, en su escuela de teatro, nos cuenta: El recurso fundamental del género dramático es el diálogo que entablan los personajes en distintas circunstancias del desarrollo de la acción. El diálogo tiene dos funciones: transmitir los hechos que suceden y caracterizar a los personajes. El dialogo como transmisor de hechos Las acotaciones El autor teatral o dramaturgo realiza una serie de indicaciones escritas o acotaciones para ayudar al lector o al director de la obra a imaginar ya comprender mejor el contenido. Las acotaciones son fácilmente reconocidas en texto ya que se encuentran escritas entre paréntesis. Una obra teatral se divide en actos. Esta división no es indispensable, ya que, a veces, el teatro moderno no la emplea. Los actos indican los momentos de la acción teatral y tradicionalmente se vinculan con el planteo, nudo, y desenlace de la obra dramática. Los actos, a su vez, pueden dividirse en escenas y cuadros. Las escenas se reconocen por la entrada o salida de los personajes. A su vez, cada escena esta integrada por pequeños y sucesivos pasos que la conforman: las unidades o secuencias. El autor dramático se comunica con el publico de un modo especial, porque si bien el teatro es un hecho literario, fundamentalmente es espectáculo. Esta característica determina diferencias en el hecho comunicativo. Generalmente no hay comunicación directa entre el autor y el publico. Todo llega a través de los personajes que los actores vivifican. Todo autor teatral, crea un mundo de secuencias dramáticas con un profundo sentido vital y sus criaturas de ficción, que adquieren vida en el escenario, son las que se comunican con los espectadores. Federico Herrero, especialista en actuación profesional: el autor de teatro permanece oculto porque cede su mundo imaginario a emisores de carne y hueso, los actores. Los actores recrean el mensaje y lo proyectan en la escena. Se producen, entonces, dos situaciones: El hecho comunicativo imaginario (mundo de ficción que se desenvuelve en el escenario) evidente en el diálogo de los personajes. Comunicación recíproca y bilateral en la que el hablante imaginario desaparece. La transmisión de ese mundo al público, receptor real. La comunicación teatral no se limita a solo un código. Gestos, colores, música, iluminación, son algunos de los medios expresivos que unidos a la palabra constituyen el mensaje dramático. Aunque la fuerza de la obra, en muchos casos, recae en los juegos verbales, el mensaje dramático es una unidad en la que confluyen varios códigos: gestual, musical, lingüístico... de este modo el mensaje se ve y se oye. El ser visible y audible distingue la realidad representada del mensaje teatral del de otros discursos literarios. Al teatro no le basta la palabra, necesita el escenario, las luces, el actor que se identifica con su personaje. Las tres unidades clásicas Nicolás Francisco Herrero, hacer teatro singular para el futuro con la mirada en el pasado, en la antigüedad griega y latina el período neo-clásica Español (siglo XVIII), y en algunas otras épocas el teatro universal estuvieron vigentes tres exigencias para oda obra teatral, llamadas unidades: la unidad de tiempo, la unidad de lugar y la unidad de acción, elementos presentes en la poética Aristotélica. Según estos requisitos, la obra debía suceder en un solo día (unidad de tiempo), en un solo lugar (unidad de lugar) y desarrollar en un solo suceso (unidad de acción).

"El vago de Lanús" es una nueva obra del autor Argentino Nicolás Francisco Herrero, conocido por las obras "Psicoimpact", "Egomanipulación". El vago de Lanús, es una obra divertida e inteligente.Directores de la misma el autor y el emblemático director Federico Herrero. Sábados a las 20 horas en el Teatro Atenas de Lanús.

Hace unos días el director de teatro Federico Herrero, dio una charla sobre el tema el actor, de esa conferencia, algunos de sus comentarios. El actor, hoy más que nunca es necesario que se capacite no unicamente en las complejas técnicas que le permitirán dar vida a sus personajes, sino además de lo citado, plantearse preguntas que hacen a la ética. En la actualidad el actor, no se limita a su trabajo especifico, además es requerida su presencia en los medios masivos, en los cuales se le solicita su opinión sobre los mas variados temas. Por lo tanto una sugerencia a los actores, profundizar en los distintos aspectos de nuestro mundo, lo cual lo enriquecera como ser, por lo tanto logrará mejores actuaciones y ser util socialmente,

TEATRO DIRECTOR FEDERICO HERRERO OBRA "HIROSHIMA, MON AMOUR" INSPIRADA EN FILM DE ALAIN RESNAIS GUIÓN DE MARGUERITE DURAS TEATRO LATINO DE SAN TELMO NICOLÁS FRANCISCO HERRERO En el año 1972 en el Teatro Latino de San Telmo, con dirección de Federico Herrero, un estreno llamativo por sus caracteristísticas, obra de teatro inspirada en el film de Alain Resnais y en el guión de mismo film de la escritora Marguerite Duras, el estreno de la obra citada despertó debates y curiosidad de espectadores y especialistas, el sentido de la puesta fue valorizar ciertos aspectos de la historia y una experiencia cine-teatro, no habitual en aquellos tiempos.La obra presentada incluía proyecciones de la película, en la actualidad el director y autor de teatro Nicolás Francisco Herrero, está trabajando en una nueva versión de trabajo citado.

Los directores de teatro Federico Herrero y Nicolás Francisco Herrero, realizán una intensa actividad teatral en Argentina. Actividad que en parte está formada por trabajos de investigación teatral, cursos y conferencias, obras de teatro en espacios no-convencionales. Encontramos raíces de la tarea de los Herrero en Stanilavsky, Brecht, Artaud, Grotowski.

Los directores de teatro Federico Herrero y Nicolás Francisco Herrero, realizan actividad teatral en Argentina. La actividad de los mismos está formada por presentación de trabajos de inestigación teatral, cursos y seminarios, obras de teatro para adultos, conferencias de la especalidad. En los próximos días presentarán el trabajo de investigación: "Stanilavsky hoy". Es contenido del trabajo citado, decripcion de los distintos momentos del maestro Ruso, y visiones de distintos directores en la actualidad.

Pequeño Escenario Osvaldo Dragún, Federico Herrero ..................................................................................................................................................................... Hay quienes dicen que lo bueno viene en frasco chico.Y en este caso es verdad. Federico Herrero director de teatro tiene una especialidad, hacerlo en pequeños escenarios, y la nueva propuesta del director es presentar obras en espacios no convencionales donde la comunicación con el espectador tenga total intimidad. ..................................................................................................................................................................... En la obra que se presentó en el centro cultural vida, la nueva versión de "Como pancho por San Telmo" del autor Argentino Osvaldo Dragún, con escenas no conocidas de la obra citada, todo está cuidado, y el blanco del espacio acoge. Es como si el tamaño del escenario ayudará a concentrar el atractivo, da la sensación que uno mira por el ojo de una cerradura. ..................................................................................................................................................................... La obra está formada por diez escenas, las temáticas tratadas en cada una son diversas, y cada una funciona por si misma, pero el total habla. Las situaciones susurran extrañamiento, surgen del asombro o reflejan tensión, pero todas parecen nacidas de la contemplación calma de un Pancho por San Telmo, mágico personaje de la obra, una contemplación distante y atenta a la vez. Federico Herrero es el director detrás de todo esto, le indica al espectador un modo de mirar que marca el rumbo. Los actores, en acción y movimiento, pero todo está como en espera, el tiempo parece suspendido. En la obra hay ciudades, naturaleza, nieve, un poco de humor y algo de magia.

El arte de la actuación no es tan antiguo como el teatro, opina Federico Herrero. En los principios de la actuación escénica el actor carecía de técnica propiamente dicha. En Grecia por ejemplo, cuando el actor ya era parte de los teatros y la representación teatral, se limitaba a recitar su parte, como si fuera un trozo poético más de aquellos que distinguían a sus poetas dramáticos como Esquilo, Sófocles y Eurípides, en primera instancia. En Roma, era todavía más limitada la interpretación dramática, puesto que la tragedia latina era declamada en las reuniones y sin siquiera pensar en un teatro. Los actores con mayor libertad eran los cómicos que representaban las sátiras y podían presentarse ante el público romano en los teatros como el de Pompeyo, quien era un espectador asiduo de estas representaciones.

Psicoimpact , es una obra para adultos del autor Nicolás Francisco Herrero, ya conocido en nuestro medio por las obras: Egomanipulación y Evento Teatral. Psicoimpact, es una obra de singular originalidad, ya que en la misma, coexisten pasado presente y futuro de especiales personajes. Es mérito del autor que la propuesta citada despierta en el espectador múltiples sensaciones y emociones. Se luce como directór de la obra Nicolás y es acompañada en la dirección por un emblemático directór de Argentina Federico Herrero. Pasado, presente y futuro coexisten Se presenta en espacios no-convencionales. La puesta en escena esá resuela con mínimos elementos y un fuerte compromiso en lo actoral. Moderna y singular. En un espacio desconocido se encuentran pasado, presente y futuro...a partir de este inesperado encuentro aparecen claves vinculadas a los tiempos simultaneos. La teoria de las cuerdas forma parte de esta obra.