1º Vanguardias (1905 en adelante)

Este es la primera parte de un TP, que tuve que hacer para el Cole. Me tomo vario tiempo encontrar la Info y las imágenes, con sus respectivos nombres y años de creación. De hecho algunos no los encontré!
Espero que les sea útil, en algún momento!!! (LA SEGUNDA PARTE, la encontraran con el titulo 2º VANGUARDIAS (1945 en adelante) PRÓXIMAMENTE) Los que necesiten las imagenes o el TP COmpleto en WORD, Avisen para enviarselos!

INDICE:
1º Vanguardias 1905 en adelante
• Fauvismo…………………………….………
-Origen del termino Fauvismo
-Características principales de la pintura fauvista
-Influencias del Grupo
-Henri Matisse
-André Derain

• Expresionismo Alemán…………………...….
-Características
-August Macke
-Max Beckman

• Expresionismo de la Escuela de Paris………...
-Georges Henri Rouault
-Amedeo Modigliani

• Cubismo…………………….……………….
-Cubismo analítico
-Cubismo sintético
-Características
-Pablo Picasso
-Georges Braque

• Abstracción…………………….……………
-A la abstracción se puede llegar por dos vías:
-El arte abstracto tiene dos grandes corrientes
-Etapas de la abstracción en el s. XX
-Wassily Kandinsky
-Piet Mondrian

• Dadaísmo………………….………………...
-Tristán Tzara
-Richard Huelsenbeck
-Pintura
• Surrealismo………………………………….
-Técnicas
-André Breton
-Salvador Dalí

• Constructivismo……………...……………..
-Tatlin, 'arte constructivo' y productivismo
-Aleksandr Ródchenko
-Vladimir Tatlin

• Escuela de Baultaus…………………………
-Arquitectura
-Primera época (1919-1923)
-Segunda Época (1923-1925)
-Segunda Época (1923-1925)


VANGUARDIAS
1º Vanguardias 1905 en adelante

Fauvismo

Origen del termino Fauvismo

El fauvismo surge en torno a la celebración del Salón de Otoño de 1905. Será un salón al que se presentan muchas obras a concurso, aparecen problemas a la hora de clasificar y encajar ciertas obras. Lo que pasó en su momento con los impresionistas, va a suceder con los fauves. Van a ser excluidos por esa manera de expresarse tan fuerte y diferente. Aquí van a aglutinarse todos los artistas del movimiento fauvista. Artistas que pintan de forma salvaje, fuerte, con unos colores llamativos, etc. El nombre del grupo va a surgir gracias al crítico de arte Louis Vauxcelles al describir el trabajo de estos artistas como ‘Donatello entre las fieras’ (fieras en francés es fauves, de ahí la derivación a fauvisme). La sala donde se encontraban las pinturas, estaba una escultura de corte renacentista, de ahí del Donatello rodeado por las fieras. El grupo no lo entenderá como peyorativo, terminando por aceptar este nombre para denominarse como grupo.

Características principales de la pintura fauvista:

• El fundamento de este movimiento es el color fundamentalmente. Un color liberado con respecto al dibujo, exaltado de contrastes cromáticos. Los artistas fauves van a jugar con la teoría del color: ésta se va a basar, principalmente, en entender que colores son primarios, cuales son secundarios y cuales los complementarios. Al entender esto, se va a conseguir una complementariedad entre colores, lo que producirá un mayor contraste visual, una mayor fuerza cromática:
o Colores primarios: rojo, amarillo, azul
o Colores secundarios: se obtienen mezclando colores primarios: rojo + azul (violeta); rojo + amarillo (naranja); amarillo + azul (verde).
o Complementarios: se entiende por color complementario, el color opuesto a otro: para el verde es el rojo, para el azul es el naranja y para el amarillo es el violeta.
• Por motivo de esta búsqueda tan marcada por el color, van a olvidarse de otros aspectos como el modelado, el claroscuro, la perspectiva, la composición. Todo esto será secundario, siendo el color lo que predomine en las obras de este movimiento.
• Van a despreciar también la habilidad técnica → se va a traducir en el uso de toques rápidos, vigorosos, los trozos toscos y discontinuos, la distorsión, es decir, todo aquello que da la sensación de espontaneidad. Parece como si no supieran pintar, como si hicieran sus obras de cualquier manera.
• Otra característica de esta pintura es su intención de expresar sentimiento. Esto es importante porque tendrá una percepción de la naturaleza y de lo que les rodea en función de sus sentimientos.
• El dibujo será un aspecto secundario para estos artistas, sin embargo, Matisse no se va a olvidar de él. También va a destacar un aspecto decorativo y líneas onduladas.
• Defienden una actitud rebelde, de transgredir las normas con respecto a la pintura. Buscan, en definitiva, algo diferente, que les haga avanzar en el ámbito artístico.
• Con respecto a los temas, van a ser muy diversos: algunos pintarán el mundo rural, otros el ámbito urbano. Los habrá que pintan desnudos, interiores. El aire libre y la alegría de vivir también van a ser recurrentes para otros

En 1904, Henri Matisse (padre del fovismo), pintó Lujo, Calma y Voluptuosidad, considerada como la obra síntesis del postimpresionismo, manipulado en un ejercicio personal, y virtualmente un manifiesto de lo que sería el fovismo poco después. La utilización subjetiva del color y la simplificación del dibujo sorprendieron a todos cuando fue expuesto en el Salón de los Independientes del Salón de otoño de 1905. André Derain se sintió inmediatamente influido y comenzó a pintar utilizando nada más que la línea y el color. Su desinterés por el acabado y sus colores chillones le granjearon el desprecio de la crítica cuando expuso sus paisajes, pintados en Colliure, en el Salón de Otoño de 1906. Allí también se expuso el Retrato de la Sra. Matisse de Matisse, que fue interpretado como una caricatura de la feminidad y como una excentricidad. La repulsa de la crítica convirtió a los fovistas en el grupo más avanzado de París.
Como movimiento expresionista, apareció cronológicamente a la vez que el expresionismo alemán, con una base de protesta opuesto al positivismo, al naturalismo y al impresionismo. Sus principales influencias vienen de Paúl Gauguin y de las ideas de Zola, Nietzsche, Stirner y Huysmans.
Aunque concebían la actividad artística como un impulso vital, el punto de partida fue la resolución de problemas puramente plásticos, como el uso del color en una función plástica y constructiva al mismo tiempo. El maestro del grupo fue Gustave Moreau, en cuya escuela estudiaron Matisse y Rouault, Marquet y Manguin. Moreau no enseñaba ninguna doctrina sino que forzaba a sus alumnos a pintar con independencia y con la técnica que fuera más adecuada a su temperamento. De la obra de Gauguin aprendieron la libertad en el uso del color, que llevaron al extremo (los colores como cartuchos de dinamita, que diría Derain), así como la liberación del temperamento y el instinto personal. También admiraban la capacidad de síntesis y el sentido decorativo de la obra de Gauguin. Para los fauvistas el cuadro debía ser expresión y no composición y orden.

Influencias del Grupo:
• Van Gogh (postimpresionista): la ejecución libre, personal, impulsiva, pasional y emocional.
• Gauguin (postimpresionista): exotismo de lo primitivo y salvaje (aquello que huye de la cultura occidental).
• Neoimpresionismo o puntillismo: el uso de la técnica divisionista.
• Pintura francesa antigua (XIII y XIV): tratamiento del espacio sin recurrir a las perspectivas tradicionales, color saturado y dibujo de carácter lineal y definidor.


Henri Matisse
(1869-1954) Considerado el líder de los fauvistas, fue el único de ellos que no cambió su dirección. Intenta expresar sentimientos a través del uso del color y de la forma.
Su primera formación la realizó dentro de la tradición académica en el estudio de Gustave Moreau, siendo condiscípulo de Roault y Marquet. Realizó numerosas copias de los cuadros de los maestros clásicos a la vez que estudió el arte contemporáneo, sobre todo el de los impresionistas, comenzando su propia experimentación.
La verdadera liberación artística de Matisse, referida al uso del color como configurador de las formas y planos espaciales, se produjo bajo la influencia de Van Gogh y Gaugain. También adoptó la técnica puntillista de Signac, pero la modificó aplicando pinceladas más amplias. En La alegría de vivir (1905-1906) resume su aprendizaje inicial de los cuadros clásicos, de Gaugain, de las estampas japonesas y de los iconos persas y bizantinos.
La construcción con el color y la simplificación formal dominaban sus cuadros con gran audacia y seguridad. Matisse dibuja con el color, que es el que da entidad a la pintura pudiendo desempeñar el papel de dibujo, de perspectiva y de sombra de volúmenes.


-Madame Matisse -Bleu nude



André Derain
(1880-1954) La mayor parte de su producción de época fauvista son personajes campestres y urbanos, como Puente en Londres (1906) y muestran colores puros, a menudo aplicados sobre el lienzo directamente con el tubo, pinceladas irregulares y despreocupación por la perspectiva o por la representación realista.
Hacia 1908 comienza a experimentar con otros estilos. La influencia de Cézanne le lleva a un colorido más sosegado y a un mayor control en sus composiciones. En Las bañistas (1908) intenta combinar las innovaciones de los pintores anteriores, como Monet y Cézanne. Le influyó el cubismo produciendo obras geométricas como El puente viejo de Cagnes y el primitivismo de la escultura africana. Sus últimas obras, posteriores a 1912 mostrarán cada vez más la influencia de estilos diversos.


- Le phare de Collioure (1905) - Mountains at Collioure, 1905





Expresionismo Alemán

El expresionismo es un movimiento artístico surgido en Alemania a principios del siglo XX, en concordancia con el fauvismo francés y plasma el deseo de dar al espectador una visión de los sentimientos del artista. Recibió su nombre en 1911 con ocasión de la exposición de la Secesión berlinesa, en la que se expusieron los cuadros fauvistas de Matisse y sus compañeros franceses, además de algunas de las obras precubistas de Pablo Picasso.
En 1914 fueron también etiquetados como expresionistas el grupo de los pintores alemanes en Dresde y Berlín a partir de 1911 y Der Blaue Reiter (El Jinete Azul), formado en 1912 en Múnich, alrededor de un almanaque, dirigido por Kandinsky y Marc.
El expresionismo se entiende como una acentuación o deformación de la realidad para conseguir expresar adecuadamente los valores que se pretende poner en evidencia, y se manifestó como una reacción parcial al impresionismo.
El Expresionismo es una corriente pictórica que nace como movimiento a principios del siglo XX (1905-1925), principalmente en Alemania, aunque también aparece en otros países europeos, ligado al fauvismo francés como arte expresivo y emocional que se opone diametralmente al impresionismo. Tras finalizar la Primera Guerra Mundial, a esta corriente pictórica le siguieron otras tendencias como el constructivismo, la nueva objetividad, el informalismo y, más tarde, los denominados nuevos salvajes y el foto realismo.
Los elementos más característicos de las obras de arte expresionistas son el color, el dinamismo y el sentimiento. Lo fundamental para los pintores de principios de siglo no era reflejar el mundo de manera realista y fiel —justo al contrario que los impresionistas— sino, sobre todo, romper las formas. El objetivo primordial de los expresionistas era transmitir sus emociones y sentimientos más profundos. De hecho, en cualquier reproducción en blanco y negro de un cuadro expresionista se intuye esa energía y esa emotividad que subyacen a todas sus obras. Esta corriente artística estuvo abanderada por conocidos pintores como August Macke, Paul Klee o Franz Marc, quienes pertenecieron a distintas agrupaciones como Die Brücke (El Puente) o Der Blaue Reiter (El jinete azul) —fundada por Kandinsky y Marc—, gracias a las cuales fue posible la transición del expresionismo hacia la abstracción. Kandinsky fue quien dio nombre al grupo. Sus motivos favoritos eran los caballos y su color predilecto era el azul.

Características:
• Lo importante en este movimiento es la forma y solo la forma.
• Las soluciones del expresionismo rara vez se reducen a un concepto simple.
• Las técnicas de construcción prefieren la tradición artesanal a la tecnología moderna.
• Las obras parecen una prolongación de la naturaleza.
• Algunos de los "expresionistas" mas importantes son: Max Beckman, Ernst Ludwig Kirchner, Oskar Kokoschka, Edvard Munch, Emil Nolde, Egon Schiele

August Macke
(3 de febrero, 1887 – 26 de septiembre, 1914) fue uno de los principales miembros del grupo expresionista alemán Der Blaue Reiter (El Jinete Azul). Vivió durante un período especialmente innovador del arte alemán, con el desarrollo del Expresionismo y la llegada de los sucesivos movimientos de vanguardia que estaban apareciendo en el resto de Europa. Como auténtico artista de su época, Macke supo como integrar en su pintura aquellos elementos que más le interesaban de las vanguardias.
El encuentro de Macke con Robert Delaunay en París en 1912, supuso una revelación para él. El Cubismo cromático de Delaunay, llamado Orfismo por Guillaume Apollinaire, influyó definitivamente en el arte de Macke a partir de ese momento. El ambiente exótico de Túnez, que Macke visitó con Paul Klee y Louis Moilliet en 1914, fue fundamental en la aproximación a la luz de su etapa final, en la que creó una serie de trabajos que se consideran actualmente obras maestras. La carrera de Macke fue interrumpida bruscamente por su temprana muerte en septiembre de 1914, en el frente de la I Guerra Mundial.


-Turkish Café (1914) - Muchachas bajo los árboles (1914)

Max Beckman
Nació el 12 de febrero de 1884 en Leipzig (Alemania). Estudió en la Academia de Bellas Artes de Weimar; sus primeras obras son de estilo impresionista. Pasó algún tiempo ejerciendo como ayudante en el cuerpo médico durante la I Guerra Mundial, experiencia que le marcó profundamente, y que le llevó a pintar obras enérgicas y de gran dramatismo, caracterizadas por contornos muy marcados, colorido fuerte y violencia implacable. Como las obras del movimiento la Nueva Objetividad (Neue Sachlichkeit), sus cuadros expresaban una crítica social a la Alemania de posguerra. En la década de 1930, Beckmann reflejó su consternación por el ascenso del nacionalsocialismo en nueve trípticos, que son gigantescas alegorías figurativas con colores estridentes, como La partida (1932-1933, Museo de Arte Moderno, Nueva York). Pintó esta obra nada más ser destituido por los nazis del cargo de profesor de arte en la Escuela de Arte Städel de Frankfurt por considerarlo degenerado. En 1937 emigró a Ámsterdam al enterarse de que su obra iba a incluirse en la exposición nazi de arte degenerado, y en 1947 se trasladó a los Estados Unidos. Entre 1947 y 1949 ejerció como profesor en la Universidad Washington de Saint Louis (Missouri), puesto que abandonó para trasladarse a Nueva York, donde murió al año siguiente.


-The Actresses -The Journey (1944)


Expresionismo de la Escuela de Paris

A pesar de que el Expresionismo es un movimiento que se da principalmente en Alemania, existen artistas en otros países de Europa cuya obra puede englobarse dentro de esa corriente. Es quizá en la Escuela de París donde se hallan algunos de los más interesantes artistas expresionistas no alemanes.
El francés Georges Rouault, por ejemplo. Con sus temáticas religiosas o bien con las de carácter profano siempre se mantuvo muy lejos de las soluciones fauves. Sus colores eran preferentemente oscuros y utilizaba líneas de contornos muy gruesas, con objeto de resaltar sus imágenes.
Amedeo Modigliani, italiano afincado en Paris desde muy joven, frecuentó los mismos lugares que Picasso y sus amigos fauvistas, pero, sin embargo, sus actividades pictórica y escultórica no poseen ningún punto en común con ellos. Para determinados historiadores del arte Modigliani es un artista expresionista peculiar que recibió gran influencia del arte primitivo, así como de su contemporáneo Brancusi. Pero en Modigliani también pueden rastrearse elementos procedentes del mundo italiano manierista. Sus alargados rostros o figuras demuestran el profundo conocimiento que Modigliani tenía de Panmigianino. Aparte de la temática de los retratos, el artista italiano abordó también el tema de los desnudos femeninos, recuperando así la tradición renacentista de la Venus. En algunas de sus pinturas se llega a percibir alguna influencia de Giorgione o de Tiziano, en el modo de disponer las figuras sobre divanes o incluso en las tonalidades de las carnaciones.
Un caso muy distinto es el de Marc Chagall, artista procedente de Rusia que se instaló en Paris en 1910, y cuya pintura resulta tan extraordinariamente personal en esas fechas que enclavarlo en un movimiento o tendencia determinada no es demasiado ortodoxa. No obstante, en su pintura se llegan a advertir elementos que enlazan con algunas obras del Expresionismo alemán, así como con algunas manifestaciones cubistas o futuristas.



Georges Henri Rouault
(27 de mayo de 1871 – 13 de febrero de 1958) fue un pintor francés fauvista y expresionista.
Desde 1895 en adelante, participó en grandes exposiciones públicas, destacadamente, en el Salón d’Automne, donde se mostraban pinturas de temas religiosos, los paisajes y los bodegones. En 1905 expuso sus pinturas en el Salón d’Automne con los otros fauvistas. Mientras Matisse representaba los aspectos reflexivos y racionales del grupo, Rouault encarnaba un estilo más espontáneo e instintivo.
Su uso de bruscos contrastes y su emocionalidad se atribuyen a la influencia de Vincent van Gogh. Sus caracterizaciones de personalidades grotescas remarcadas en exceso inspiraron a los pintores expresionistas.


-Pierrot (1939) -Les Trois Clowns (1928)

Amedeo Modigliani
Amedeo Clemente Modigliani (Livorno; 12 de julio de 1884 - París; 24 de enero de 1920) fue un pintor y escultor italiano, perteneciente a la denominada Escuela de París.
Modigliani es el arquetipo del artista bohemio: una vida marcada por una mezcla de drogas, alcohol, mujeres, pobreza y enfermedad. Sólo alcanzó la fama después de muerto, pero mereció la pena lo que su extraordinario talento ha legado a la posteridad. Artísticamente, es uno de los más grandes de todos los pintores europeos de todos los tiempos y, sin duda, auténtico exponente de la verdadera inspiración como fuente creativa, evidencia que aguarda a los verdaderos pintores de enraizada vocación.


-Girl with Brands - Mujer sentada con hijo




Cubismo

El cubismo fue un movimiento artístico desarrollado entre 1907 y 1914, nacido en Francia y encabezado por Pablo Picasso, Georges Braque y Juan Gris. El cubismo trata las formas de la naturaleza por medio de figuras geométricas, representando todas las partes de un objeto en un mismo plano. Es considerada la primera vanguardia ya que rompe con el último estatuto renacentista vigente a principios del siglo XX, la perspectiva. La representación del mundo pasaba a no tener ningún compromiso con la apariencia real de las cosas. Además es un avance pues el arte acepta su condición de arte, y permite que esta condición se vea en la obra, es decir es parte intrínseca de la misma. Nació en el Salón de los Independientes.
El término cubismo fue acuñado por el crítico francés Louis Vauxcelles, el mismo que había desglosado a los fauvistas motejándolos de fauves (fieras); en el caso de Braque y sus pinturas de L'Estaque, Vauxcelles dijo, despreciativamente, que era una pintura compuesta por «pequeños cubos». Se originó así el concepto de «cubismo», que maduró entre 1908 y 1914.
A pesar de ser pintura de vanguardia los géneros que se pintan no son nuevos, y entre ellos se encuentran sobre todo bodegones, paisajes y retratos. Picasso y Braque crean dos tendencias del cubismo. La primera es el cubismo analítico (1910-1912), en donde la pintura es casi monocroma. Los colores en este momento no interesaban pues lo importante eran los diferentes puntos de vista y la geometrización, no el cromatismo. En este período se incluye otro tipo de cubismo: el cubismo hermético. Estas obras parecen casi abstractas por la cantidad de puntos de vista representados, de este modo la imagen representada era casi imposible de ver, a no ser por algunos objetos como una pipa, o letras de periódico, que permiten distinguir lo que se está representando. El cubismo hermético se llevó tan lejos, que con miedo de caer en la abstracción, se transformó en lo que se conoce como el segundo período que es el cubismo sintético (1912-1914). El cubismo sintético lo inició Braque al poner papel collé pegado directamente en la pintura. Picasso y Braque comenzaron a poner periódicos y esto evolucionó en lo que es hoy en día el collage. Estas obras son más sencillas y parecen estar ensambladas, formadas por diversos materiales cotidianos como tiras de papel de periódico, cajetillas de cigarros o cajas de cerillas.
El cubismo utiliza como tonos pictóricos los grises, verdes y marrones.
El primer estudio teórico del cubismo lo hicieron Albert Gleizes y Jean Metzinger, con su obra Du cubisme (1912). El cubismo es esencial como movimiento pues da pie al resto de las vanguardias europeas del siglo XX.
Fue el francés Apollinaire quien lo adaptó en la literatura. Busca recomponer la realidad mezclando imágenes y conceptos al azar. Una de sus aportaciones fue el caligrama. Igualmente, en defensa de la pintura cubista escribió Les peintres cubistes (1913).



Cubismo analítico
En la evolución de este movimiento se establecieron dos épocas claramente marcadas, denominada fase analítica y sintética.
El período analítico transcurrió entre 1910 y 1912. Los lienzos de esta época se caracterizaron por el análisis de la realidad y la descomposición en planos de los distintos volúmenes de un objeto para que la mente captase su totalidad.
Desde el principio se pretendía un arte más conceptual que realista. Predominaban los ángulos y las líneas rectas y la iluminación no era real, ya que la luz procedía de distintos puntos. Las gamas de colores se simplificaron notablemente, en una radical tendencia al monocromatismo: castaños, grises, cremas, verdes y azules. Con todo ello se lograba la tridimencionalidad del mundo real con la bidimencionalidad de la obra artística.
En una primera etapa de la fase analítica, todas estas formas aparecieron generalmente compactas y densas, para irse haciendo cada vez más amplias y fluidas hasta difuminarse en los bordes del lienzo.
Los elementos preferidos fueron instrumentos musicales -en especial la guitarra-, botellas, pipas, vasos y periódicos, aunque nunca se excluyó la figura humana. Entre las obras más destacadas de estos momentos cabe señalar "Hombre con guitarra", de Braque.

Cubismo sintético
La fase sintética trajo consigo la reconsideración de algunos de los modos expresivos de la anterior. El color volvió a tener mayor protagonismo. Las superficies, aunque seguían apareciendo fragmentadas, eran más amplias y decorativas.
La novedad más singular fue, sin duda, el uso de materiales no pictóricos. Esta técnica, conocida como collage, incorporó al lienzo elementos cotidianos como cajetillas de cigarros, páginas de periódicos, trozos de vidrios, telas y, no en pocas ocasiones, arena. Con la incorporación de estos inusitados materiales en el lienzo, el cubismo, a la vez que aprovechó las diferencias de textura y naturaleza de sus componentes, planteó, desde un ángulo original, la cuestión, siempre inquietante, de qué era realidad y qué ilusión.
En este estilo cubista, Braque realizó sus famosos papiers collés y Picasso obras como "El jugador de cartas" o "Naturaleza muerta verde".

Características
El estilo cubista reclamó una pintura plana, bidimensional, opuesta a las técnicas tradicionales de la perspectiva y el claroscuro.
Rechazó, asimismo la antigua teoría, mantenida y seguida durante siglos, de que el arte era una imitación de la naturaleza. Quizá por esto, aunque inicialmente los pintores cubistas tomaron como modelos los temas de la naturaleza, y representaron rostros y figuras humanas, pronto centraron su temática en naturalezas muertas que eran composiciones formadas con objetos usuales, agrupados casi siempre sobre una mesa, que carecían de profundidad, y en los que todos los elementos ocupaban el primer plano, gracias a una descomposición en facetas.

Pablo Picasso
Fue un pintor y escultor español. (Málaga, 25 de octubre de 1881- Mougins (Francia), 8 de abril de 1973). Uno de los principales artistas del siglo XX. Fundó, con Georges Braque y Juan Gris, el movimiento cubista.
Es considerado uno de los mayores artistas del siglo XX. Participó y estuvo en la génesis de muchos movimientos artísticos que se propagaron en todo el mundo y ejerció de ese modo una gran influencia en muchos otros grandes artistas de su tiempo. Incansablemente prolífico, pintó más de 2000 obras sobrevivientes en museos de toda Europa, y el resto del mundo.
De 1907 a 1914, realizó con Georges Braque una pintura que se denominará "cubista". Este tipo de arte se reconoce por la intensa búsqueda de figuras geométricas: cada una de las partes de la pintura se dividen para darle este tipo de arte y se reducen a simples formas geométricas, casi siempre van a ser cuadros o triángulos. Esto significa que un objeto no se representa tal y como aparece visiblemente, sino por códigos correspondientes a su realidad conocida. El cubismo también consiste en representar objetos en el espacio sobre un lienzo de dos dimensiones. Picasso descompone la imagen en múltiples facetas ( o cubos, de ahí el nombre cubismo ) y deforma la realidad para crear figuras extrañas ( como una figura representada la mitad de frente , y la otra mitad de lado ). Esta técnica, iniciada por Picasso y Braque, tuvo muchos imitadores, como Juan Gris, Francis Picabia, Brancusi, Delaunay y Albert Gleizes.


-Femmes (1908) -Buste de Femme (1909)

Georges Braque
(13 de mayo de 1882 - 31 de agosto de 1963), pintor y escultor francés. Con Pablo Picasso y Juan Gris fue uno de los tres creadores básicos del cubismo.
Tuvo unos primeros momentos fauvistas. En el verano boreal de 1907 pinta en L'Estaque, lugar donde pintó Cézanne, una serie de paisajes "lineales" que son ya pre cubista.
Existen dos fases en su cubismo. En una primera época pinta cuadros de superficies superpuestas y planos angulares, componiendo a base de cubos; usaba pocos tonos cromáticos. Después pasó por una fase de "cubismo analítico" (1909-1912), en el que los objetos quedaban descompuestos en facetas hasta el punto de ser irreconocibles. En un tercer momento cultiva el "cubismo sintético", es decir, con unidad compositiva. Impulsa más que Picasso esta tendencia del cubismo sintético.
A la vuelta de la Primera Guerra Mundial desarrolló un estilo propio, con forma unida al color. Representa figuras de gran tamaño. Pinta algún paisaje. Y realiza, sobre todo, multitud de bodegones de estructura similar.
Después de la Segunda Guerra Mundial pinta cuadros de pájaros y de estudios.


-Le jour (1929) -Les Oiseaux (1953)


Abstracción

Arte abstracto es el estilo artístico que enfatiza los aspectos cromáticos, formales y estructurales, acentuándolos, resaltando su valor y fuerza expresiva, sin tratar de imitar modelos o formas naturales.
Surgió alrededor de 1910, como reacción al realismo, e influido por la aparición de la fotografía que provocó la crisis del arte figurativo, siendo una de las manifestaciones más significativas del arte del siglo XX.
El arte abstracto deja de considerar justificada la necesidad de la representación figurativa y tiende a sustituirla por un lenguaje visual autónomo, dotado de sus propias significaciones.
Este lenguaje se ha elaborado a partir de las experiencias fauvistas y expresionistas, que exaltan la fuerza del color y desembocan en la llamada abstracción lírica o informalismo, o bien a partir de la estructuración cubista, que da lugar a las diferentes abstracciones geométricas y constructivas.

El arte abstracto es aquel que no representa temas convencionales sino manchas de color, formas geométricas, signos... Por este motivo ha sido denominado también arte no figurativo. Sin embargo algunos autores consideran que el punto, la línea,... son, igualmente, "formas" y por eso prefieren la denominación de arte concreto para definir esta corriente.

A la abstracción se puede llegar por dos vías:
1 - la simplificación de las formas hasta su presentación más elemental y genérica: el reduccionismo; es el caso de los conocidos estudios de Mondrian sobre "Los árboles" o de Van Doesburg sobre "La vaca" que van esquematizando progresivamente esos temas hasta perderse la referencia para quien no conoce el origen.

2 - la expresión directa de estados de ánimo, sentimientos,... sin representar tema alguno: la abstracción pura: ésta es la forma de la mayor parte de los pintores abstractos que llegan a suprimir incluso el título, por lo que encontramos muchos cuadros "sin título". El gesto espontáneo domina sobre el planteamiento en la técnica del dripping que practica J. Pollock.

El arte abstracto tiene dos grandes corrientes:
1.- la abstracción lírica que utiliza la función expresiva y simbólica de los colores y del ritmo producido por la relación entre ellos para manifestar los procesos emocionales mediante la pintura.

2.- la abstracción geométrica que utiliza la simplificación y el rigor matemático de las formas y los colores en un ritmo más estricto y una ordenación más calculada.

Etapas de la abstracción en el s. XX
Cronológicamente hay que destacar la división del siglo XX en dos etapas claramente definidas:
- antes de la 2ª guerra mundial: 1900-1940: la primacía en la primera etapa (antes de la 2ª G.M.) la tiene Europa: París, Holanda, Alemania, Rusia,... donde surgen la mayor parte de las vanguardias artísticas.

- después de la 2ª guerra mundial: 1940-Hoy: pero, al producirse la guerra, algunos de los principales pintores europeos mueren y otros emigran a Estados Unidos. Desde entonces el arte contemporáneo y, en concreto, el arte abstracto recibe en Estados Unidos un gran impulso. Así, se transfiere de Europa gran parte de la influencia y del mercado del arte mundial al continente americano a partir de 1945.

Wassily Kandinsky
Vasili Vasílievich Kandinski (Moscú, 4 de diciembre de 1866 - Neuilly-sur-Seine, 13 de diciembre de 1944) fue un pintor ruso, precursor de la abstracción en pintura y teórico del arte, con él se considera que comienza la abstracción lírica.
Llegó a una abstracción impregnada de sentimiento, su pintura está destinada a despertar la emoción en el espectador. Para él, el arte debía expresar el espíritu, la realidad interior, la los estados de ánimo, los sentimientos. Esto es lo que le llevará a suprimir el título en muchas de sus obras.
En 1910 ejecutó la primera acuarela sin tema, conocida como Primera acuarela abstracta. Sobre un espacio imaginario flotan y se mueven formas abstractas coloreadas en las que no se encuentran referencias miméticas. La fluidez de las manchas de color y el gesto nervioso de la línea configuran un espacio de gran dinamismo.
A partir de este momento comienza a pintar lienzos llenos de manchas cromáticas y formas simplificadas. El alejamiento del natural y su tendencia hacía lo abstracto se efectuó en una serie de obras que él mismo denominó Impresiones, Improvisaciones y Composiciones, como por ejemplo: Improvisación 14.


-Giallo, Rosso, Blu (1923) - Swinging (1925)

Piet Mondrian
Pieter Cornelis Mondriaan, (*Amersfoort, 7 de marzo de 1872 - † 1 de febrero Nueva York, 1944) fue un pintor vanguardista holandés; miembro de De Stijl y fundador del neoplasticismo junto con Theo van Doesburg. Evolucionó desde el naturalismo y el simbolismo hasta la abstracción de la cual es el principal representante inaugural junto a los rusos Vasili Kandinski y Kazimir Malévich.
Aspiraba a una pintura no sentimental, no subjetiva, independiente de cualquier carga histórica, cultural o geográfica. Lo consigue limitando el vocabulario a la línea recta y el ángulo recto, es decir, a la horizontal y al vertical y a los tres colores primarios (rojo, amarillo y azul) junto con el blanco, el gris y el negro, y no los que resultan de sus combinaciones. A este nuevo lenguaje artístico lo llamó Neoplasticismo.
Composición en rombo con rojo, gris, azul, amarillo y negro o Composición con río, amarillo y azul son ejemplos del neoplasticismo.


-Composition II –Composition in Brown and Gray (1913-14)


Dadaísmo

Movimiento artístico surgido en Europa y en Norteamérica. Apareció en Zurich, Suiza entre 1916 y 1922 con Tristan Tzara como su fundador.
Fue una oposición al pasado violento de la Primera Guerra Mundial. El poema dadaísta suele ser una sucesión de palabras y sonidos, lo que hace difícil encontrarle lógica. Se distingue por: la inclinación hacia lo dudoso, terrorismo, muerte y nihilismo, lo fantasioso, busca renovar la expresión mediante el empleo de materiales inusuales o manejando planos de pensamientos antes no mezclables y tiene una tónica general de rebeldía o destrucción.
Caracterizado por gestos y manifestaciones provocadoras en las que los artistas pretendían destruir todas las convenciones con respecto al arte, creando un anti-arte. Sus orígenes se localizan cuando una serie de artistas de distintas nacionalidades se encontraron como refugiados en Zurich durante la Primera Guerra Mundial.
Artistas reconocidos de este movimiento fueron: Tristán Tzara y Marcel Jank de Rumania, el francés Jean ARP y los alemanes Hugo Ball, Hans Richter y Richard Huelsenbeck. Tras varios encuentros informales en distintos cafés, empezó a tomar forma la idea de crear un cabaret internacional. La primera celebración tuvo lugar el 5 de febrero de 1916 en el Cabaret Voltaire, y consistió en un espectáculo de variedades con canciones francesas y alemanas, música rusa, música negra y exposiciones de arte. El nombre Dadá lo encontraron casualmente en un diccionario Ball y Huelsenbeck mientras buscaban nombre artístico a una de las cantantes: pongámosle Dadá "...El primer sonido que dice el niño expresa el primitivismo, el empezar desde cero, lo que nuestro arte tiene de nuevo". En ese mismo año se publicó un panfleto titulado Cabaret Voltaire conteniendo aportaciones de Guillaume Apollinaire, Marinetti, Pablo Picasso, Amedeo Modigliani y Wassily Kandinsky; en la cubierta aparecía un dibujo de Arp. En 1917 se inauguró la Galería Dadá y Tristán Tzara comenzó la publicación.
Dadá se presenta como una ideología total, como una forma de vivir y como un rechazo absoluto de toda tradición o esquema anterior. En el fondo es un antihumanismo entendiendo por humanismo la tradición anterior, tanto filosófica como artística o literaria. No por casualidad en una de sus primeras publicaciones había escrito como cabecera la siguiente frase de Descartes: «No quiero ni siquiera saber si antes de mí hubo otro hombre.»
El movimiento dadaísta es un movimiento antiartístico, antiliterario y antipoético porque cuestionan la existencia del arte, la literatura y la poesía. Por definición, cuestionan el propio dadaísmo.
Dadá se manifiesta contra la belleza eterna, contra la eternidad de los principios, contra las leyes de la lógica, contra la inmovilidad del pensamiento, contra la pureza de los conceptos abstractos y contra lo universal en general. Propugna, en cambio, la desenfrenada libertad del individuo, la espontaneidad, lo inmediato, actual y aleatorio, la crónica contra la intemporalidad, la contradicción, el no donde los demás dicen sí y el sí donde los demás dicen no; defiende el caos contra el orden y la imperfección contra la perfección. Por tanto en su rigor negativo también está contra el modernismo, es decir, el expresionismo, el cubismo, el futurismo y el abstraccionismo, acusándolos, en última instancia, de ser sucedáneos de cuanto ha sido destruido o está a punto de serlo. La estética dadá niega la razón, el sentido, la construcción del consciente. Sus formas expresivas son el gesto, el escándalo, la provocación. Para dadá la poesía está en la acción y las fronteras entre arte y vida deben ser abolidas.
La expansión del mensaje dadá fue intensa, amplia y tuvo repercusiones en todos los campos artísticos. En Alemania encontró adeptos entre los intelectuales y artistas que apoyaban el movimiento espartaquista (movimiento revolucionario que intentó una revolución socialista). En Francia ganó las simpatías de escritores como Bretón, Louis Aragón y el poeta italiano Ungaretti.
El aporte permanente del dadaísmo al arte moderno es el cuestionamiento continuo de qué sea el arte o qué sea la poesía; la conciencia de que todo es una convención que puede ser cuestionada que por tanto no hay reglas fijas y eternas que legitimen de manera histórica lo artístico. Gran parte de lo que el arte actual tiene de provocación viene de dadá, la mezcla de géneros y materias propias del collage también deben mucho a dadá. La diferencia fundamental estriba en que el arte actual se toma en serio a sí mismo, mientras que el dadaísmo nunca olvidó el humor.
En poesía el dadaísmo abre el campo para la llegada del surrealismo y ayuda a crear un lenguaje poético libre y sin límites. Para entender qué es la estética dadá en el mundo de la poesía nada mejor que recoger los consejos que Tzara propone para hacer un poema dadaísta:

Coja un periódico

Coja unas tijeras
Escoja en el periódico un artículo de la longitud que cuenta darle a su poema
Recorte el artículo
Recorte en seguida con cuidado cada una de las palabras que forman el articulo y métalas en una bolsa
Agítela suavemente
Ahora saque cada recorte uno tras otro
Copie concienzudamente
en el orden en que hayan salido de la bolsa
El poema se parecerá a usted
Y es usted un escritor infinitamente original y de una sensibilidad hechizante, aunque incomprendido del vulgo.



Tristán Tzara
Tristan Tzara es el seudónimo del poeta y ensayista Samuel Rosenstock, que nació en Moineşti, Bacau, Rumania, el 16 de abril de 1896 y falleció en París, Francia, el 25 de diciembre de 1963Vivió casi toda su vida en Francia y fue uno de los autores más importantes del movimiento Dada, que fundó junto con Jean Arp y Hugo Ball, una corriente revolucionaria en literatura que anticipó las actitudes del surrealismo.
El movimiento dadaísta se originó en Zurich, durante la I Guerra Mundial; Tzara escribió los primeros textos Dadá ("La primera aventura celestial del señor Antipirina", 1916) y ("Veinticinco Poemas", 1918), así como los manifiestos del movimiento: ("Siete manifiestos Dadá", 1924). En París organizó, con sus compañeros de movimiento, espectáculos callejeros plenos de absurdísimo para "escandalizar la burguesía", y dio un poderoso impulso a la escena dadaísta. Durante la II Guerra Mundial se incorporó a la resistencia francesa; tras obtener la ciudadanía en 1947, se afilió al Partido Comunista Francés. Su militancia se extendería hasta 1956, cuando, tras la invasión de Hungría por las tropas soviéticas para apagar la revuelta popular, se apartó del partido. Su obra de la época es característicamente compleja, aunque más convencional que en su juventud; en ella destacan ("Hablar solo", 1950) y ("El rostro interior", 1953). Murió en diciembre de 1963 en París, y fue enterrado en el cementerio de Montparnasse.


Richard Huelsenbeck
(Frankenau, Hesse-Nassau, 23 de abril de 1892 - 30 de abril de 1974) fue un poeta, escritor y baterista alemán.
Huelsenbeck fue un estudiante de medicina en vísperas de la Primera Guerra Mundial. Fue declarado inválido por el ejército y emigró a Zurich, Suiza en febrero de 1916, donde se enamoró del Cabaret Voltaire. En enero de 1917, se trasladó a Berlín, llevando consigo ideas y técnicas que le ayudaron a fundar el grupo dadaísta de Berlín. «Hacer literatura con una pistola en la mano ha sido durante algún tiempo mi sueño», escribió en 1920.1 Sus ideas se ajustaban a la corriente política de izquierdas que predominaba en aquella época en Berlín. Sin embargo, el idealista Huelsenbeck y sus compañeros del desafío «Dadá es el bolchevismo alemán» tuvo desafortunadas repercusiones más adelante, cuando los nazis denunciaron todos los aspectos del arte moderno como Kunstbolschewismus. Más tarde, se trasladó a la ciudad de Nueva York, donde practicó el psicoanálisis Jungiano con el nombre de Charles R. Hulbeck. En 1970 regresó a la región de Ticino en Suiza.
Huelsenbeck fue el editor del Dada Almanach, y escribió Dada Sieght, En Avant Dada y otras obras dadaístas. Hasta el final de su vida, Huelsenbeck insistió en que «Dadá aún existe», aunque los otros fundadores del movimiento puede que no estuvieran de acuerdo.


-Forward Dada. The History of Dadaism (1920) -Dada Almanac: On Behalf of the Central Committee of the German Dada Movement (1920)


Surrealismo

El Surrealismo (en francés: surréalisme; sur [sobre, por encima] más réalisme [realismo]) o superrealismo es un movimiento artístico y literario surgido en Francia, en el primer cuarto del siglo XX en torno a la personalidad del poeta André Bretón. Buscaba descubrir una verdad, con escrituras automáticas, sin correcciones racionales, utilizando imágenes para expresar sus emociones, pero que nunca seguían un razonamiento lógico.
Los términos surrealismo y surrealista proceden de Apollinaire, quien los acuñó en 1917. En el programa de mano que escribió para el musical Parade (mayo de 1917) afirma que sus autores han conseguido.
Una alianza entre la pintura y la danza, entre las artes plásticas y las miméticas, que es el heraldo de un arte más amplio aún por venir. (...) Esta nueva alianza (...) ha dado lugar, en Parade a una especie de surrealismo, que considero el punto de partida para toda una serie de manifestaciones del Espíritu Nuevo que se está haciendo sentir hoy y que sin duda atraerá a nuestras mejores mentes. Podemos esperar que provoque cambios profundos en nuestras artes y costumbres a través de la alegría universal, pues es sencillamente natural, después de todo, que éstas lleven el mismo paso que el progreso científico e industrial.
La palabra surrealista aparece en el subtítulo de Las tetas de Tiresias (drama surrealista), en junio de 1917, para referirse a la reproducción creativa de un objeto, que lo transforma y enriquece. Como escribe Apollinaire en el prefacio al drama,
Cuando el hombre quiso imitar la acción de andar, creó la rueda, que no se parece a una pierna. Del mismo modo ha creado, inconscientemente, el surrealismo... Después de todo, el escenario no se parece a la vida que representa más que una rueda a una pierna.


Técnicas

El surrealismo tomó del dadaísmo algunas técnicas de fotografía y cinematografía así como la fabricación de objetos. Extendieron el principio del collage (el "objeto encontrado" al ensamblaje de objetos incongruentes, como en los poemas visibles de Max Ernst. Este último inventó el frottage (dibujos compuestos por el roce de superficies rugosas contra el papel o el lienzo) y lo aplicó en grandes obras como Historia Natural, pintada en París en 1926.
Otra de las nuevas actividades creadas por el surrealismo fue la llamada cadáver exquisito, en la cual varios artistas dibujaban las distintas partes de una figura o de un texto sin ver lo que el anterior había hecho pasándose el papel doblado. Las criaturas resultantes pudieron servir de inspiración a Miró.
En el terreno literario, el surrealismo supuso una gran revolución en el lenguaje y la aportación de nuevas técnicas de composición. Como no asumía tradición cultural alguna, ni desde el punto de vista temático ni formal, prescindió de la métrica y adoptó el tipo de expresión poética denominado como versículo: un verso de extensión indefinida sin rima que se sostiene únicamente por la cohesión interna de su ritmo. Igualmente, como no se asumía la temática consagrada, se fue a buscar en las fuentes de la represión psicológica (sueños, sexualidad) y social, con lo que la lírica se rehumanizó después de que los ismos intelectualizados de las Vanguardias la deshumanizaran, a excepción del Expresionismo. Para ello utilizaron los recursos de la transcripción de sueños, la escritura automática y engendraron procedimientos metafóricos nuevos como la imagen visionaria. El lenguaje se renovó también desde el punto de vista del léxico dando cabida a campos semánticos nuevos y la retórica se enriqueció con nuevos procedimientos expresivos


Pintura

Masson adoptó enseguida las técnicas del automatismo, hacia 1923-1924, poco después de conocer a Breton. Hacia 1929 las abandonó para volver a un estilo cubista. Por su parte Dalí utilizaba más la fijación de imágenes tomadas de los sueños, según Breton, «...abusando de ellas y poniendo en peligro la credibilidad del surrealismo...»; inventó lo que él mismo llamó método paranoico-crítico, una mezcla entre la técnica de observación de Leonardo da Vinci por medio de la cual observando una pared se podía ver como surgían formas y técnicas de frottage; fruto de esta técnica son las obras en las que se ven dos imágenes en una sola configuración. Óscar Domínguez inventó la decalcomanía (aplicar gouache negro sobre un papel el cual se coloca encima de otra hoja sobre la que se ejerce una ligera presión, luego se despegan antes de que se sequen). Además de las técnicas ya mencionadas de la decalcomanía y el frottage, los surrealistas desarrollaron otros procedimientos que incluyen igualmente el azar: el raspado, el fumage y la distribución de arena sobre el lienzo encolado.
Miró fue para Breton el más surrealista de todos, por su automatismo psíquico puro. Su surrealismo se desenvuelve entre las primeras obras donde explora sus sueños y fantasías infantiles (El Campo labrado), las obras donde el automatismo es predominante (Nacimiento del mundo) y las obras en que desarrolla su lenguaje de signos y formas biomorfas (Personaje lanzando una piedra). Arp combina las técnicas de automatismo y las oníricas en la misma obra desarrollando una iconografía de formas orgánicas que se ha dado en llamar escultura biomórfica, en la que se trata de representar lo orgánico como principio formativo de la realidad.
René Magritte dotó al surrealismo de una carga conceptual basada en el juego de imágenes ambiguas y su significado denotado a través de palabras poniendo en cuestión la relación entre un objeto pintado y el real. Paul Delvaux carga a sus obras de un espeso erotismo basado en su carácter de extrañamiento en los espacios de Giorgio de Chirico.
El surrealismo penetró la actividad de muchos artistas europeos y americanos en distintas épocas. Pablo Picasso se alió con el movimiento surrealista en 1925; Breton declaraba este acercamiento de Picasso calificándolo de «...surrealista dentro del cubismo...». Se consideran surrealistas las obras del período Dinard (1928-1930), en que Picasso combina lo monstruoso y lo sublime en la composición de figuras medio máquinas medio monstruos de aspecto gigantesco y a veces terrorífico. Esta monumentalidad surrealista de Picasso puede ponerse en paralelo con la de Henry Moore.
Otros movimientos pictóricos nacieron del surrealismo, o lo prefiguran, como por ejemplo el Art brut.


André Breton
(Tinchebray, 19 de febrero de 1896 - París, 28 de septiembre de 1966), fue un escritor francés, conocido como el principal impulsor del movimiento surrealista.
Movilizado en Nantes, durante la Primera Guerra Mundial, en 1916, conoció a Jacques Vaché, que ejerció sobre él una gran influencia, a pesar de haber escrito únicamente cartas de guerra. Entra en contacto con el mundo del arte a través del grupo dadaísta en 1916. Durante la guerra trabajó en hospitales psiquiátricos, donde estudió las obras de Sigmund Freud y sus experimentos con la escritura automática (escritura libre de todo control de la razón y de preocupaciones estéticas o morales), lo que influyó en su formulación de la teoría surrealista. Se convirtió en pionero de los movimientos antirracionalistas conocidos como dadaísmo y surrealismo. En 1920 publicó su primera obra Los campos magnéticos, en la que exploraba las posibilidades de la escritura automática. Al año siguiente rompió con Tristan Tzara, el fundador del dadaísmo.

Ensayos
• Manifiesto surrealista (1924, 1930, 1946)
• El Surrealismo y la pintura (1928)
• Segundo manifiesto (1929)
• Antología del humor negro (1940)
• Prolegómenos a un tercer manifiesto o no (1942)
• Delito Flagrante (1949)
• El surrealismo a través de sus obras (1954)

Salvador Dalí
Salvador Felipe Jacinto Dalí i Domènech, Marqués de Pubol (Figueras, 11 de mayo de 1904 — ibídem, 23 de enero de 1989), fue un pintor, escultor, diseñador, escritor y cineasta español.
En 1929 Dalí colaboró con el director de cine surrealista Luis Buñuel en el cortometraje ("Un perro Andaluz". Fue el encargado de ayudar a Buñuel a escribir el guión para la película y ahí conoció a su musa de inspiración y su futura esposa Gala Eluard Dalí o simplemente Gala. Principalmente, era responsable de ayudar a Buñuel escribiendo el guión para la película. Dalí declaró más tarde, haber estado involucrado más profundamente en la filmación del proyecto, pero esto no está corroborado por relatos contemporáneos. En el mismo año, Dalí tuvo importantes exhibiciones profesionales y se unió, oficialmente, al grupo surrealista en el barrio de Montparnasse, en París (aunque, durante dos años, su trabajo ya había sido fuertemente influenciado por el surrealismo). Los surrealistas criticaron fuertemente lo que Dalí llamó el Método paranoico-crítico de acceso al subconsciente para mayor creatividad artística.


-El gran masturbador (1929) -La persistencia de la memoria (1931)


Constructivismo

Fue un movimiento artístico y arquitectónico que surgió en Rusia en 1914 y se hizo especialmente presente después de la Revolución de Octubre. Es un término de uso frecuente hoy en el arte moderno, que separa el arte "puro" del arte usado como instrumento para propósitos sociales, a saber, la construcción del sistema socialista.
El término arte de construcción fue utilizado por primera vez en forma despectiva por Kasimir Malevich para describir el trabajo de Alexander Rodchenko en 1917.
Constructivismo aparece por primera vez como un término positivo en Manifiesto Realista de Naum Gabo en 1920. Alexei Gan utilizó la palabra como el título de su libro Constructivism, impreso en 1922. Constructivism a su trabajo, mientras que su abstracción geométrica se debió, en parte, al Suprematismo de Kasimir Malevich.
La base de enseñanza para el nuevo movimiento fue puesta por el Comisariado del Pueblo para la Educación del gobierno de Bolchevique, a cargo del Ministerio de Cultura y Educación, que suprimió la vieja academia de Petrogrado de Bellas Artes y la Escuela de Moscú de Pintura, Escultura y Arquitectura en 1918. La oficina artística del Comisariado funcionó durante la Guerra Civil rusa principalmente dirigida por futuristas, que publicó el diario Arte de la Comuna. El centro del constructivismo en Moscú residía en VKhUTEMAS: la escuela para el arte y el diseño, establecida en 1919. Gabo señaló más adelante que la enseñanza en la escuela fue orientada más en la discusión política e ideológica que en la creación artística.


Tatlin, 'arte constructivo' y productivismo

La obra canónica del constructivismo fue la propuesta de Tatlin para el Monumento a la III Internacional (1919) que combinaba una estética de máquina con componentes dinámicos que celebraban la tecnología, como los reflectores y las pantallas de proyección. Gabo criticó públicamente el diseño de Tatlin diciendo O se crean casas y puentes funcionales o el puro arte por el arte, pero no ambos. Esto llevó a una división importante dentro del grupo de Moscú en 1920 cuando el Manifiesto Realista de Gabo y Pevsner afirmó la existencia de un núcleo espiritual para el movimiento. Esto se oponía a la versión del constructivismo adaptable y utilitario que sostenían Tatlin y Rodchenko. La obra de Tatlin fue inmediatamente alabada por artistas en Alemania como una revolución en el arte: una foto de 1920 muestra a George Grosz y John Heartfield sosteniendo una pancarta diciendo 'El arte está muerto - Larga vida al arte de la máquina de Tatlin', mientras que los diseños para la torre se publicaron en la revista de Bruno Taut Fruhlicht.


Vladimir Tatlin
Vladimir Yevgráfovich Tatlin, nace en 1885, Ucrania, y fallece en 1953 en Moscú; fue un pintor y escultor ruso, constructivista, que abarcó múltiples facetas: escultura, pintura, proyectos arquitectónicos, objetos inventados, de diseño, y decorados teatrales.
En 1915 fundó el Constructivismo, siendo el principal inspirador de la vanguardia artística de mayor impacto en la URSS, junto con el Futurismo.
Conoció a Picasso y pasó por varios movimientos artísticos. Quiso materializar el arte con montajes, y promover la muerte del arte de museo: "la Obra debe participar en la vida y en la construcción del mundo."
El más famoso de sus proyectos fue el del Monumento a la Tercera Internacional, datado en 1919-1920, pero que nunca se construyó. Sería un edificio habitable, mucho más alto que la Torre Eiffel, en el que se albergaría la sede de la III Internacional.
Tatlin diseñó también el Letatlin (letat significa volar en ruso), aparato volador sin motor de uso individual que permitiría a los ciudadanos soviéticos desplazarse sin crear contaminación y de manera natural.


-Monumento a la III Internacional (1919) -Letatlin (1929-1931)

Aleksandr Ródchenko

Aleksandr Mijáilovich Ródchenko (San Petersburgo, 5 de diciembre de 1891 - Moscú; 3 de diciembre de 1956), escultor, pintor, diseñador gráfico y fotógrafo ruso, fue uno de los artistas más polifacéticos de la Rusia de los años veinte y treinta. Fue uno de los fundadores del constructivismo ruso.
De 1918 a 1921, Ródchenko, bajo influencia de Malevich y Tatlin, creaba series de premisas formales, como la superficie plana, la factura, la línea, la mancha, y también bajo el influjo de la revolución bolchevique, pues su obra tenía como objetivo una sociedad ordenada.
Ródchenko se hace famoso en los debates artísticos, de donde surge el Movimiento Constructivista, el artista se convierte en un ingeniero visual.
Ródchenko exploró el fotomontaje para el diseño de carteles y cubiertas de libros. Lo usó como una alternativa a la pintura y que se beneficiaba de su reproducción automática que le hacía tener una audiencia masiva. Fue en 1924, al emplear materiales cada vez más peculiares para sus fotomontajes cuando recurrió al empleo de la cámara fotográfica.


-Construction especial nº 12 (1920) -Painting Black on Black (1918)

Escuela de Baultaus

La Staatliches Bauhaus (Casa de la Construcción Estatal) o simplemente la Bauhaus, fue la escuela de diseño, arte y arquitectura fundada en 1919 por Walter Gropius en Weimar (Alemania) y clausurada por las autoridades prusianas (en manos del partido nazi) en el año 1933. El nombre Bauhaus deriva de la unión de las palabras en alemán Bau, "de la construcción", y Haus, "casa"; irónicamente, a pesar de su nombre y del hecho de que su fundador fue un arquitecto, la Bauhaus no tuvo un departamento de arquitectura en los primeros años de su existencia.
Sus propuestas y declaraciones de intenciones participaban de la idea de una necesaria reforma de las enseñanzas artísticas como base para una consiguiente transformación de la sociedad de la época, de acuerdo con la ideología socialista de su fundador. La primera fase (1919-1923) fue idealista y romántica, la segunda (1923-1925) mucho más racionalista y en la tercera (1925-1929) alcanzó su mayor reconocimiento, coincidiendo con su traslado de Weimar a Dessau. En 1930, bajo la dirección de Mies van der Rohe, se trasladó a Berlín donde cambió por completo la orientación de su programa de enseñanza.
La Bauhaus sentó las bases normativas y patrones de lo que hoy conocemos como diseño industrial y gráfico; puede decirse que antes de la existencia de la Bauhaus estas dos profesiones no existían tal y como fueron concebidas dentro de esta escuela. Sin duda la escuela estableció los fundamentos académicos sobre los cuales se basaría en gran medida una de las tendencias más predominantes de la nueva Arquitectura Moderna, incorporando una nueva estética que abarcaría todos los ámbitos de la vida cotidiana: desde la silla en la que usted se sienta hasta la página que está leyendo (von Eckardt). Dada su importancia Las obras de la Bauhaus en Weimar y Dessau fueron declaradas como Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO en el año 1996.

Arquitectura
La arquitectura Bauhaus se desarrolló después de la Primera Guerra Mundial. Se basa en formas simétricas de orígenes grecolatinos. También incluye aspectos del Renacimiento Clásico. Mark Lawliette comenzó esta revolución hacia la arquitectura. Él quiso expandir su arte a través de la prestigiosa escuela Bauhaus, siendo uno de los más importantes participantes de este maravilloso movimiento que cambió el modo de apreciación hacia la arquitectura de esa y nuestra época. Algunas de sus más famosas creaciones fueron: El Yvoliette, Le Pour Leyette, Jauquelyn, Açufrenchais, todos ellos situados en este momento en el museo Madame Tussaud. En su mayoría consta de formas triangulares y rectas que ayudan a apreciar la rigidez del carácter que impuso Lawliette. Sus colores son opcionales, pero generalmente se utilizan tonos marrones y rojos oscuros, aunque hay excepciones como por ejemplo en el famoso Jauquelyn, en el cual se utilizaron colores fuertes en los que predominaba el azul cielo y el magenta. Después de haber aportado tanto a este arte Lawliette, a sus 46 años de edad, murió de tuberculosis. En esa misma época se produjo un cambio drástico en la arquitectura, cambiando así de formas triangulares a ovaladas y rectangulares entre otros aspectos. Por ello hoy en día no es muy conocido el nombre de este gran artista que sin lugar a duda fue uno de los más importantes en este sector.

Primera época (1919-1923)
En el momento de su fundación los objetivos de la escuela, definidos por Walter Gropius en un manifiesto, fueron: "La recuperación de los métodos artesanales en la actividad constructiva, elevar la potencia artesana al mismo nivel que las Bellas Artes e intentar comercializar los productos que, integrados en la producción industrial, se convertirían en objetos de consumo asequibles para el gran público" ya que una de sus metas era la de independizarse y comenzar a vender los productos elaborados en la Escuela, para dejar de depender del Estado que hasta ese momento era quien los subsidiaba.
Se formó cuando Gropius une la escuela de artes con la escuela de artes aplicadas, transformándose en la primera escuela de diseño del mundo.
Los estudiantes se mostraban flexibles y dispuestos a hacer todo tipo de trabajos, por tanto salían de la escuela bien formados, sabiendo dibujar, modelar, fotografiar o diseñar muebles. La escuela disponía de talleres de ebanistería, diseño, teatro, cerámica, tejido, encuadernación, vidriería. Pero no de pintura y escultura en el sentido tradicional.
Paul Klee llegó a la escuela en 1920. Persona muy culta (además de ser un violinista y pintor notable) muy interesado por los problemas teóricos del arte. Desarrolló su actividad en el taller de tejidos, dando clases de composición. Su enseñanza se basaba en las formas elementales, de las que, según él, se derivaban todas las demás. El arte debía descubrir esas formas, desvelarlas, hacerlas visibles. Preparaba concienzudamente las clases escribiendo en unos cuadernos que, posteriormente fueron publicados en forma de libro.
En 1922 Kandinsky se incorporó al proyecto. Había participado en las reformas educativas en la época de la revolución rusa, fundando en la Unión Soviética varias escuelas. Durante ese tiempo mantuvo correspondencia con Gropius. Cuando la revolución rusa empezó a sufrir dificultades y comenzaron las disputas y purgas políticas, Kandinsky decidió trasladarse a la Bauhaus. Su prestigio, tras la publicación de De lo espiritual en el arte en 1911 y sus primeras obras abstractas d