Rembrandt Harmenszoon van Rijn

Rembrandt nació el 15 de julio de 1606 en Leiden, Holanda. Fuentes poco confiables suponen que tuvo entre siete y diez hermanos. Su padre era molinero, y su madre, hija de un panadero. Hay que aclarar que no era una familia tan modesta como se dice, ya que la explotación de molinos suponía moler cereales ajenos mediante pago, no estrictamente cultivar. De joven, Rembrandt asistió a la escuela de latín, y luego se inscribió en la universidad local, donde no estudió mucho tiempo, porque su interés principal ya era la pintura. Sus padres lo enviaron como aprendiz con un oscuro pintor de Leiden, Jacob van Swanenburgh, quien había vivido 25 años en Italia, e inició al joven Rembrandt en los rudimentos de la pintura. Después de un corto pero fructífero aprendizaje con Pieter Lastman en Ámsterdam, Rembrandt abrió un estudio en su ciudad natal, que compartía con sus amigos y con su colega Jan Lievens. En 1627 comenzó a aceptar alumnos, entre ellos Gerrit Dou. Rembrandt fue descubierto por el poeta y estadista Constantijn Huygens, padre de Christiaan Huygens. Alrededor de 1631, Rembrandt gozaba ya de buena reputación, y recibía encargos de retratos desde Ámsterdam. Como resultado de esto, se mudó a esa ciudad, a la casa de Hendrick van Uylenburgh, un vendedor de arte. Esta mudanza llevó al casamiento, en 1634, con la sobrina nieta de Hendrick, Saskia van Uylenburgh. Fue obviamente un matrimonio por amor. Aunque ella venía de una buena familia (su padre había sido burgomaestre de Leeuwarden), Saskia era huérfana y no poseía mucha riqueza. Ella había vivido con su hermana en Frigia y no tenía demasiadas conexiones sociales en Ámsterdam. Todas estas circunstancias, sin embargo son suposiciones de los historiadores. En 1639 Rembrandt y Saskia se mudaron a una casa prominente en la calle Jodenbree, en el barrio judío, que posteriormente se convertiría en el Museo Casa de Rembrandt. Aunque se encontraban en una situación opulenta, la pareja tuvo varios problemas en su vida personal. Tres de sus hijos fallecieron a poco de nacer. Sólo el cuarto hijo, Titus, nacido en 1641, sobrevivió hasta la edad adulta. Saskia murió en 1642, probablemente a causa de tuberculosis. A finales de la década de 1640, Rembrandt formó pareja con Hendrickje Stoffels, mucho más joven, quien inicialmente había trabajado como sirvienta en su casa. En 1654 tuvieron una hija, Cornelia, que le significó a Hendrickje un reproche oficial de la Iglesia reformada holandesa, por «vivir en pecado». Rembrandt no fue apercibido porque no era miembro de la congregación. Por esos años pintó Jesucristo y la mujer adúltera (1644). Rembrandt vivió con sus propios medios, comprando muchos artículos de arte, y especialmente impresiones y rarezas, que probablemente causaron su bancarrota en 1656. Entonces Hendrickje y Titus iniciaron un negocio de arte para sobrevivir. En cualquier caso la fama de Rembrandt no se desvaneció en esos años, ya que recibió un importante encargo para un gran cuadro, de tipo histórico, para el nuevo edificio del ayuntamiento. Rembrandt sobrevivió a Hendrickje y a Titus. Finalmente, sólo su hija Cornelia quedó a su lado. La sentida muerte de su bienamado hijo le produjo gran tristeza, y poco después él mismo falleció, el 4 de octubre de 1669 en Ámsterdam, donde fue enterrado bajo una lápida sin nombre en el Cementerio del Oeste. OBRA Sólo hay una frase conocida de Rembrandt describiendo lo que pensaba lograr a través de su arte: «el mejor y más natural movimiento»,[3] que fue hallada en una carta escrita a uno de sus mecenas. No está claro si se refería al movimiento de los objetos en los cuadros, a la emoción generada en el observador, o a ambas cosas, constituyendo el tema un motivo de debate entre sus historiadores. En total Rembrandt produjo cerca de 854 cuadros, 300 aguafuertes, y 2.600 dibujos. Fue un prolífico pintor de autorretratos, pintando alrededor de 80 cuadros y 20 aguafuertes sobre el tema durante su larga carrera. Además nos dejó pinturas de su persona notablemente claras. Su mirada y —lo más importante— sus emociones nos permiten apreciar el infortunio y la tristeza que arrugan su rostro. Entre las características prominentes de su obra se encuentra el uso del claroscuro, a menudo usando fuertes contrastes, lo que introduce al observador dentro del cuadro. Sus escenas vívidas y dramáticas destacan sobre la rígida formalidad que muestra la obra de la mayoría de los artistas de la época, junto con un profundo sentimiento de compasión por la raza humana, sin discriminación alguna por la fortuna o edad del sujeto. En sus cuadros aparecen a menudo los miembros de su familia; su esposa Saskia, su hijo Titus, y su compañera sentimental Hendrickje, incluso usándolos como modelos en pinturas de temáticas mitológica o bíblica. Un dato notable es que el cuadro más famoso de Rembrandt es La Ronda "de Noche" pero en su origuen se llamaba solamente la Ronda y está pintado a la luz del día; el tiempo, la suciedad y los diferentes daños a que fue sometido (incluso fue recortado en 2) lo tisnaron y dejaron de noche. No se ha querido cambiar esto ya que una Ronda "de Día" perdería el encanto que tiene. Períodos, Temas y Estilos - Durante la época de Rembrandt en Leiden (1625–1631) fue notoria la influencia de Lastman. El joven Rembrandt abrió un taller, donde elaboró su primera obra inspirada en el apedreamiento de Esteban, denominado La lapidación de san Esteban. Los cuadros son bastante pequeños, pero ricos en detalles (por ejemplo en ropajes y joyas). La temática es principalmente religiosa o alegórica. - Durante sus primeros años en Ámsterdam (1632–1636), Rembrandt utilizó grandes formatos y tonos fuertes representando escenas dramáticas. En esta época pintó muchos retratos. Otros cuadros tienen escenas bíblicas o mitológicas. - A fines de la década de 1630, Rembrandt pintó varios paisajes, y grabó aguafuertes sobre la naturaleza. Los paisajes se muestran torturados por las fuerzas naturales, con árboles derribados por la tormenta, u ominosos cielos con nubes oscuras. - Desde alrededor de 1640, su trabajo se vuelve más sobrio, reflejando las tragedias familiares que sufre. La exuberancia es reemplazada por profundas emociones internas. Las escenas bíblicas derivan ahora más frecuentemente del Nuevo Testamento en lugar del viejo, como era el caso antes. Los cuadros vuelven a ser pequeños. Una excepción es el enorme cuadro La ronda de noche, el más grande que pintó, retornando con él a la expresividad y espíritu de las obras anteriores. Los paisajes de esta época son generalmente aguafuertes. Las fuerzas de la naturaleza dejan la escena para permitir tranquilas escenas rurales de Holanda. - En la década de 1650, el estilo cambia nuevamente; los cuadros crecen en tamaño, los colores se vuelven más cálidos, las pinceladas más fuertes. Con estos cambios, Rembrandt se distancia de sus primeras obras y de la moda de la época, que se inclinaba cada vez más a trabajos finos y detallados. Con los años, los temas bíblicos aparecieron nuevamente, pero el énfasis varió de grupos dramáticos a retratos más íntimos. - En sus últimos años, Rembrandt pinta algunos de sus más bellos autorretratos, mostrando un rostro donde la pena y la tristeza han dejado su marca. El pintor en su estudio El pintor en su estudio es un cuadro del pintor neerlandés Rembrandt. Fue ejecutado hacia 1626-1628. Se trata de una pintura al óleo sobre lienzo, que mide 25,5 centímetros de alto y 32 cm de ancho. Actualmente se conserva en el Museo de Bellas Artes de Boston (Estados Unidos). El cuadro representa el estudio de un pintor, no se sabe si era el mismo del propio Rembrandt: las paredes desnudas, el pavimento de madera sin pulir, la mesa en penumbra son definidos con el acostumbrado realismo del artista, que hace pensar en una copia del natural. Es un entorno austero, sin decoración, en el que aparece una figura vestida llamativamente, con un gabán que le queda demasiado grande. El personaje retratado no es reconocible, encontrándose en la zona de sombra de la pintura. Algunos reconocen en él a Rembrandt, otros, en lugar de ello, al alumno Gerrit Dou. En el caso de ser Rembrandt, se trataría de su primer autorretrato. Su vestimenta lujosa subraya la idea de que el pintor no es un mero artesano sino ejecutor de un trabajo distinguido[1] . La posición del pintor, alejada respecto a la tela, puede referirse al consejo del mismo Rembrandt, de observar el trabajo en su totalidad. Cristo en Emaús La resurrección de Lázaro Jeremías prevé la destrucción de Jerusalén Jeremías prevé la destrucción de Jerusalén o Jeremías lamenta la destrucción de Jerusalén es una obra del pintor holandés Rembrandt. Está realizado en óleo sobre madera, y fue pintado en el año 1630. Mide 58 cm de alto y 46 cm de ancho. Se exhibe actualmente en el Rijksmuseum de Ámsterdam (Países Bajos). La obra está firmada y datada "RHL 1630". Es una obra juvenil del artista. La obra representa a un anciano ricamente vestido sentado a los pies de una roca: al fondo se ve una ciudad destruida por un incendio. Esta figura ha sido identificada con los personajes de Lot y Anquises, pero la opinión generalizada es que se trata de Jeremías, que se encuentra entristecido por la visión de Jerusalén destruida. Confirmando esta tesis aparece una figura que huye del fuego cubriéndose los ojos: sería el rey Sedecías, capturado y cegado por los soldados de Nabucodonosor. Además, Jeremías tiene cerca de sí objetos preciosos, que le fueron dados por Nabucodonosor, según el relato de Flavio Josefo. La figura está situada en diagonal, en un entorno infinito. El fondo está pintado en tonos marrones, en general sombrío. Sin embargo, destacan las vestiduras bordadas, los objetos de bronce y la intensa iluminación de su rostro apesadumbrado. Lección de anatomía del Dr. Nicolaes Tulp La lección de anatomía del Dr. Nicolaes Tulp es un cuadro del pintor neerlandés Rembrandt. Fue pintado en 1632. Se trata de una pintura al óleo sobre lienzo, que mide 169,5 centímetros de alto y 216,5 cm de ancho. Se conserva en el Mauritshuis de La Haya (Países Bajos). Es el primer retrato de grupo pintado por Rembrandt, que tenía entonces 26 años. Fue un encargo del potente gremio de los cirujanos, de los cuales Tulp, famoso médico de Ámsterdam, era un representante eminente. Un cuadro de similares características fue pintado por Thomas de Keyser en 1619. En 1828, se decidió la venta pública de este cuadro en favor de la caja de las viudas de cirujanos. El rey Guillermo I impidió esta venta y ordenó comprar esta obra maestra para su «gabinete real de pinturas». El cuadro muestra una lección de anatomía con un grupo cirujanos impartida por el doctor Nicolaes Tulp. El doctor Nicolaes Tulp está representado explicando la musculatura del brazo a profesionales de la medicina. El cadáver es del criminal Aris Kindt (Adriaan Adriaanszoon), de 41 años, ahorcado ese mismo día por robo a mano armada. Algunos de los espectadores son varios patrones que pagaban comisiones por ser incluidos en la pintura. El evento puede fecharse el 16 de enero de 1632: la cofradía de cirujanos de Ámsterdam, de la que Tulp era el anatomista oficial de la ciudad, permitía sólo una disección pública al año, en invierno, para mejor conservación del cuerpo; y éste tenía que ser de un criminal ejecutado. Por ello, las clases de anatomía con disección fueron en el siglo XVII actos poco frecuentes y espectaculares, hasta el punto de convertirse en acontecimientos sociales. Tenían lugar en salas de conferencias que eran realmente teatros; en este caso era el Waag, un «teatro de anatomía». Podían atender a la lección estudiantes, colegas y el público en general, a cambio del pago de la entrada. Los espectadores están vestidos de manera adecuada a una ocasión social tan solemne. Se piensa que, con la excepción de las figuras del fondo y la izquierda, estas personas fueron añadidas a la pintura más tarde. Además de Nicolaes Tulp están representados también los cirujanos Jacob Blok, Hartman Hartmanszoon, Adraen Slabran, Jacob de Witt, Mathijs Kalkoen, Jacob Koolvelt y Frans Van Loenen. Sus nombres están en la lista que uno de ellos tiene en su mano. Falta una persona: el preparador, cuya tarea es preparar el cuerpo para la lección. En el siglo XVII un científico importante como el doctor Tulp no se involucraba en la tarea menor y sangrienta de la disección y tales tareas se dejaban a otros. Es por esta razón que la pintura no muestra instrumentos con los que cortar. En lugar de ello se ve en la esquina inferior derecha un enorme libro de texto abierto, sobre anatomía, posiblemente el de 1543 De Humani Corporis Fabrica (De la estructura del cuerpo humano) de Andrés Vesalio. Especialistas modernos han comentado la exactitud de los músculos y los tendones pintados por un Rembrandt de 26 años. No se sabe dónde obtuvo tal conocimiento; es posible que copiara los detalles de un libro de texto de anatomía. El cadáver está tumbado al estilo de Cristo muerto, con lividez cadavérica. La cara del cadáver queda parcialmente en sombra, sugiriendo la umbra mortis (sombra de la muerte), una técnica que Rembrandt utilizaría con frecuencia. Esta obra está firmada y datada en la esquina superior derecha: REMBRANDT. F:1632. Es el primer cuadro conocido en el que Rembrandt firmaba un cuadro con su apellido en lugar de las iniciales RHL (Rembrandt Harmenszoon de Leiden), y esto es un signo de su creciente confianza artística. En 2006, en el diario neerlandés de medicina (Nederlands Tijdschrift voor Geneeskunde), aparece un artículo en el cual la lección de anatomía del Dr. Nicolaes Tulp fue a su vez objeto de una verdadera disección. La disposición anatómica tal como se presenta sobre el cuadro no parece exacta. Es cierto en todo caso que, si toda lección de anatomía comienza sistemáticamente por una evisceración, esta de Rembrandt que se concentra en el movimiento de los dedos y la anatomía de la mano oculta un profundo misterio. El cuadro presenta a todos aquello de lo que se trataba por entonces en el mundo del conocimiento y de los saberes: el movimiento. Movimiento del alma (Descartes entonces exiliado en Holanda), movimiento de los planetas (Galileo está en pleno pleito en Italia), y también el movimiento del cuerpo. El Descendimiento de la cruz El Descendimiento de la cruz es un cuadro del pintor neerlandés Rembrandt. Fue ejecutado en 1633. Se trata de una pintura al óleo sobre tabla, que mide 89,4 centímetros de alto y 65,2 cm de ancho. Se conserva en la Alte Pinakothek de Múnich (Alemania). Forma parte de un ciclo de siete obras sobre la Pasión realizadas a petición de Federico Enrique de Orange, gobernador de los Países Bajos. Rembrandt utiliza el claroscuro para subrayar lo humano del sufrimiento y el carácter detestable de la muerte. Resalta la mortecina claridad de la sábana mortuoria y de la pálida piel de Cristo[1] . Rembrandt debió conocer la obra que sobre el mismo tema había pintado Rubens para la catedral de Amberes veinte años antes. La comparación entre ambas obras permite comprender la particularidad de Rembrandt al optar no tanto por una representación de lo divino y sobrenatural, sino de lo terreno y realista Susana y los viejos La ronda de noche La ronda de noche o La ronda nocturna (en neerlandés: De Nachtwacht) es el nombre por el que se conoce comúnmente a una de las más famosas obras maestras del pintor holandés Rembrandt, pintada entre 1640 y 1642. Ésta es una de la joyas de la exposición permanente del Rijksmuseum de Ámsterdam, pinacoteca especializada en arte neerlandés. El Molino Los síndicos de los pañeros Los síndicos de los pañeros (en neerlandés, De Staalmeesters) es un cuadro del pintor holandés Rembrandt. Fue ejecutado en 1662. Se trata de una pintura al óleo sobre lienzo, que mide 191,5 centímetros de alto y 279 cm de ancho. Se conserva en el Rijksmuseum de Ámsterdam (Países Bajos). La obra está firmada y datada: REMBRANDT F. 1662 (sobre el tapete que recubre la mesa en lo alto a la derecha). Se retrata a cinco Staalmeesters, miembros de una comisión la guilda o cofradía de los pañeros de Ámsterdam. Posiblemente sea la «Waardijns van de Lakenen», esto es, la que controlaba la calidad del paño[1] . Era un cargo por el que no cobraban, y eran nombrados por el periodo de un año. Se reunían tres veces a la semana. Estos síndicos desempeñaron sus cargos desde el Viernes Santo de 1661 hasta el Viernes Santo de 1662. El libro sobre la mesa probablemente se refiera a la contabilidad de la cofradía. No son los regentes de la cofradía, sino síndicos de la misma, y pertenecen a distintas confesiones, entre ellos dos católicos. Sus nombres son: Jacob van Loon, Volckert Jansz., Willem van Doeyenburg (el presidente, en el centro), Aernout of of the Meye y Jochem the Neve. Detrás de ellos está un servidor, sin sombrero, Frans Hendricksz. Bel, encargado del mantenimiento del edificio que hospedaba a la cofradía. Están sentados en torno a una mesa cubierta por un paño rojo. Detrás de ellos, sobre la pared, hay un óleo en el que se representa el tema del faro, símbolo del buen ejemplo y del camino a seguir[1] . Puede compararse este cuadro con los de Las regentes y los regentes del asilo de ancianos de Haarlem, de Frans Hals, que data de una década más tarde, para comprobar la evolución de este tipo de retrato de grupo del barroco holandés: los aspectos dramáticos y escénicos han quedado reducidos al mínimo, concentrándose la atención en los individuos que forman el grupo, que son retratados con falta de vitalidad y creándose una distancia entre el grupo y el espectador[1] . Rembrandt eligió para esta obra una perspectiva con un punto de vista bajo, de manera que se mira directamente a la parte baja de la mesa, sin que sea claramente visible el libro que están manejando. Se coloca a los cinco personajes aproximadamente formando una fila: cinco volúmenes oscuros, con cuellos blancos, representados frontalmente y mirando seriamente, conscientes de la importancia de su función. Aristóteles contemplando el busto de Homero Aristóteles contemplando el busto de Homero es un cuadro del pintor neerlandés Rembrandt. Fue ejecutado en 1653. Se trata de una pintura al óleo sobre lienzo, que mide 143,5 centímetros de alto y 136,5 cm de ancho. Se conserva en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos). El buey desollado El buey desollado (en francés, Le Boeuf écorché), también conocido como El buey en canal, es una de las pinturas más conocidas del pintor holandés Rembrandt. Está realizado en óleo sobre madera, y fue pintado en el 1655. Mide 94 cm de alto y 69 cm de ancho. Se exhibe actualmente en el Museo del Louvre de París, adquirido del coleccionista y crítico de arte Louis Viardot (París, 1857). La obra está firmada y datada «REMBRANDT F: 1655». Rembrandt lo pintó en su etapa de madurez, poco antes de su bancarrota de 1655. Es un cuadro excepcional dentro de la producción de Rembrandt, tanto por el tema como por la calidad. Se trata de un bodegón, algo inusual dentro de la producción del artista. Sobre el mismo tema hay otro cuadro del mismo autor, fechado hacia 1643 y que se conserva en la Glasgow Art Gallery and Museum, lo que ha dado lugar a que se sugiera la posibilidad de que Rembrandt hiciera este cuadro como un estudio sobre las variaciones de luz y color sobre el mismo objeto. Ciertamente, en la pintura holandesa de género la presencia de animales muertos y desollados era frecuente en escenas de cocina, que se difundieron a partir del Cinquecento. Podría ser una especie de memento mori o lección de vanidad, es decir, una representación del inevitable final de todas las cosas terrenales. La presencia de una figura femenina que atisba este interior al fondo del cuadro permite sospechar que se trataría de una pintura de género, más que de un bodegón. Se representa una escena de interior, posiblemente un sótano. En el fondo se entrevé una figura humana, una mujer con cofia, la mujer del carnicero, reducida al rango de secundaria, que se asoma por una puerta. Pero en primer plano, dominándolo todo, el cadáver de un buey, colgado de una barra de madera próxima al techo; este travesaño sirve para dar perspectiva y profundidad al cuadro. El buey aparece descrito con tono crudamente realista. En lo que se refiere a la calidad, es una obra de impresionante factura técnica, en «uno de los estudios más crudos de la realidad que jamás se haya efectuado por medios pictóricos» (L. Monreal). La pintura está ejecutada con pinceladas gruesas y violentas, muy sueltas, que anticipa un poco el expresionismo del siglo XX. Se consigue así que en determinados puntos se acumulen grumos de pintura al óleo, lo que proporciona relieve a la superficie pictórica. La mujer, por ejemplo, aparece borrosa, como una mancha realizada con pinceladas gruesas y densas. Autorretrato con pintura y pinceles Este Autorretrato del pintor holandés Rembrandt está realizado en óleo sobre lienzo, y fue pintado en el año 1660. Mide 111 cm de alto y 85 cm de ancho. Se exhibe actualmente en el Museo del Louvre de París (Francia), donde se exhibe con el título de Portrait de l'artiste au chevalet. Formó parte de la colección de Luis XIV, adquirido por el marchante De La Feuille en 1671. Rembrandt realizó numerosos autorretratos a lo largo de la vida, lo que permite conocer su evolución estilística y además interrogarse, analizarse a sí mismo. Este impresionante autorretrato es uno de los últimos, y como en el resto, se presenta con realismo: las ojeras, las arrugas, la nariz grande, el gorro de pintor, el pelo despeinado. Los ojos miran fijamente hacia el espectador. Encuadrado en un entorno sombrío, sólo destacan, además de su rostro, las manos, una sosteniendo un pincel y otra la paleta, así como el perfil del cuadro que está pintando, en el lado derecho. Aparece así Rembrandt igualándose a un gran maestro antiguo, como un Ticiano, o un nuevo Apeles. Autorretrato a la edad de 63 años Autorretrato a la edad de 63 años es un cuadro del pintor neerlandés Rembrandt. Fue ejecutado en 1669. Se trata de una pintura al óleo sobre lienzo, que mide 86 centímetros de alto y 70 cm de ancho. Se conserva en la National Gallery de Londres (Reino Unido), donde se exhibe con el título de Self Portrait at the Age of 63. Es un autorretrato pintado en el último año de vida de Rembrandt, siendo una de sus últimas pinturas. Murió el 4 de octubre de 1669. Quedan rastros de una firma y la fecha a la izquierda: t[?].f./1669. La Galería Nacional de Londres lo adquirió en 1851. La pintura fue limpiada en 1967, revelando la firma dañada y la fecha. El análisis a través de rayos X revela dos pentimenti (alteraciones en el dibujo). Primero, un cambio en el tamaño y color de la boina, que en origen era más grande y toda de color blanco. En segundo lugar, originariamente las manos estaban abiertas y sostenían un pincel. Al pintar las manos cogidas, enlazadas delante de él, y sin el pincel se reduce su impacto dramático y permite que la atención se fije en la cara. Rembrandt realizó numerosos autorretratos a lo largo de la vida, siendo uno de los artistas que mayor número realizó[1] , lo que permite conocer su evolución estilística. Le servían para interrogarse, analizarse a sí mismo. Estos autorretratos de su vejez, como el Autorretrato con pintura y pinceles de 1660 destacan por su realismo. Así como anteriormente se había representado con adornos y accesorios, y en poses de artista, opta por vestir aquí sin artificios ni disfraces: un gabán de andar por casa de color rojo oscuro y una boina. Así resalta la vida privada, la soledad, el retiro.[2] Las ropas no están detalladas. Esto, unido a la oscuridad del fondo, hace que toda la atención se concentre en el rostro, iluminado por un foco de luz.[1] Se representa en un estado de ánimo pensativo, reflexivo. Dirige al espectador una mirada penetrante, directa y sincera. Fuentes de Información: es.wikipedia.org http://www.artehistoria.jcyl.es Nota: las imagenes que puse no son todas las obras faltan muchisimas mas solo puse las mas importantes. Además las aclaraciones tambien son mínimas ya que necesitaría un post para cada imagen para desccribirlas completamente. Bueno aquí finaliza mi post espero que les guste...y comenten que les parece este fantastico pintor.