La bateria, un gran instrumento. Megapost

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Los  instrumentos de percusión  son considerados los más antiguos de los instrumentos musicales junto a los de viento. El origen de la batería radica en la unión, por  1890 , de unos cuantos instrumentos: los tambores y los  timbales , que surgen de  África  y China , los platillos, que derivan de  Turquía  y también de China, y el bombo, de  Europa . Por entonces, se comenzó a popularizar en los bares  estadounidenses .
En el siglo XIX los músicos  románticos  comenzaron a utilizar grupos («baterías») cada vez más grandes, que fueron utilizados a principios del  siglo XX , en el  cakewalk  y otros estilos estadounidenses precursores del  jazz . Antes de que todos los instrumentos fueran unidos y mientras su unión no era popular, eran tocados por varias personas (entre 2 y 4), cada una de las cuales se encargaba de alguno de los instrumentos de percusión. Pero las pérdidas durante la  Primera Guerra Mundial  afectaron a la alta burguesía, que solía contar con pequeñas orquestas privadas, y se vieron obligados a reducir el número de músicos, y en muchos casos éstos, sobre todo los percusionistas, aprendieron a tocar varios instrumentos a la vez. Con la invención del pedal de bombo (primero, de madera; después, de acero), en  1910 , por parte de  Wilhelm F. Ludwig , se permitió que casi toda la percusión pudiera ser tocada por un solo músico.




Composición de una batería

La batería está compuesta por un conjunto de  tambores , comúnmente de madera, cubiertos por dos  parches , uno de golpeo (en la parte superior) y otro resonante (en la parte inferior). Estos tambores pueden variar su diámetro, afectando al  tono , y la profundidad, variando la sensibilidad sobre el parche de resonancia. Además la batería también es acompañada por los imprescindibles  platos , y otros accesorios (tales como  cencerro ,  panderetas ,  bloques de madera , entre otros). La batería se puede  afinar  con una llave de afinación y un sistema de capachos o lugs y pernos de afinación que tensan el parche Mientras más tenso el parche, más agudo el sonido, y viceversa. 
Bombo : usualmente tiene un diámetro desde 18 ”  hasta 26”, y una profundidad de entre 14” y 22” aunque también se los encuentra desde las 16 pulgadas hasta las 28 pulgadas de diámetro. El más usado es el de 22×18”. El bombo generalmente se maneja con el pie a través de un pedal con una maza. También se puede manejar con un doble pedal, usando los dos pies que, comúnmente se conectan por medio de un sistema cardanico que activa la segunda maza, aunque existen diversos sistemas, incluso algunos de activación con el talon y la punta de los pies. El bombo posee la voz más grave y potente de todo el conjunto y, por ello, cumple una función de cimentación básica en la interpretación. 
































Platillos


Crash o Remate: platillo mediano de 12” a 20”. Se utiliza para dar énfasis en los pasajes musicales y para algunos ritmos.



























































Y ahora estamos ante un gran dilema: muchos bateristas cuando van a las tiendas de instrumentos piden unas baquetas de jazz, rock, pop, etc. Es evidente que para tocar jazz (por ejemplo) que es una música que se interpreta en lugares pequeños en la mayoría de los casos, el tipo de baquetas utilizado será normalmente un modelo fino, que raramente veremos utilizar a un baterista de hard-rock. Pero no obstante esto no impide ver a buenísimos bateristas de jazz utilizando baquetas gruesas y a no menos buenos bateristas de rock utilizando modelos finos. Todo esto os puede hacer comprender que la elección de unas baquetas no está en función de un estilo de música determinado, sino en función de vuestra propia cualidad y personalidad al tocar, y por supuesto en función de las prestaciones sonoras.


El sonido de las baquetas


Es fácil probar con dos modelos de baquetas diferentes tocando sobre el mismo platillo. Podréis comprobar cómo cambia el sonido de una baqueta a otra, ya que cada baqueta produce un sonido particular; una bellota alargada (Fig. b y d) dará un sonido cristalino, mientras que una bellota redonda (Fig. a y c) dará un "ping" bastante pronunciado y preciso. Por otro lado, la elección del diámetro es determinante en el volumen y proyección sonora, independientemente del tipo de bellota que nos guste. Sobre los parches, la elección de la longitud de¡ cuello de una baqueta será el factor determinante en lo concerniente a la ejecución, y por consecuencia en la diferencia de sonido: un cuello largo (Fig. e) da una sensación de elasticidad y a la inversa, un cuello corto (Fig. f) una sensación de dureza. Es cosa vuestra, en función de vuestra pegada y afinación de vuestra batería, el testar y elegir bien la longitud del cuello ideal. Sobre las baterías electrónicas es necesario también elegir bien la longitud del cuello de las baquetas según el tipo de "pad". Por ejemplo, sobre baterías electrónicas de "pads" de goma, un cuello largo sería el adecuado. Sin embargo sobre baterías en las que los "pads" están montados con parches y el tacto es más flexible, el control de la dinámica es más fácil con un cuello corto.


Los diferentes materiales


Tres tipos de madera son dominantes en la fabricación de baquetas: el hickory (jicoria), maple (arce) y el oak (roble). El hickory (árbol de América del Norte) es de una madera muy fibrosa, de densidad media que tiene la tendencia a deshilacharse en lugar de romperse. Las baquetas de hickory representan la mayoría de los modelos fabricados. El arce (árbol de Canadá) tiene la particularidad de ser muy ligero y relativamente resistente; permite elegir baquetas gruesas sin pesar demasiado. El oak (especie de roble exótico) es utilizado por algunos fabricantes asiáticos. Su densidad, más elevada que la del hickory, ofrece la posibilidad inversa a la del arce: elegir una baqueta fina y pesada al mismo tiempo. Existen también baquetas fabricadas en materiales compuestos (poliuretano de carbono, fibra de vidrio, etc.) que últimamente están teniendo una buena aceptación en el mercado (Ahead, Acuarian, etc.). Los fabricantes de estas baquetas tienden a aproximarse a las cualidades sonoras que ofrece la madera, pero con la ventaja de una robustez y duración superior. Aunque las primeras que aparecieron en el mercado no estaban demasiado conseguidas, hay que reconocer que han mejorado mucho últimamente.

















































Los platos, platillos o cimbales son un instrumento de percusión, consistente en dos discos circulares cóncavos de metal. Su centro está agujereado para dejar pasar una correa de cuero o de piel, cuya función es servir de asas o abrazaderas, y fijadas por su parte trasera.Los platos, normalmente, son de una aleación de bronce o latón, aunque, los platos utilizados en las orquesta de cierto nivel, construidos de una mezcla de cobre, plata y estaño. Estos platos son idiófonos que se hacen sonar entrechocándolos uno con otro, o percutiéndolos con palillos o baquetas. Son un instrumento de sonido indeterminado, lo que significa que las notas no tienen una altura definida. El tamaño de los platillos influye directamente en la sonoridad, a mayor tamaño o grosor mayor potencia sonora.
Los platillos descienden de los crótalos, cuyo origen data de la Edad Antigua. Desde Oriente Medio, los crótalos llegaron al Imperio Otomano, donde los turcos aumentaron su tamaño exponencialmente, hasta convertirse así en el instrumento que ha llegado a nuestros días. La popularidad de los platillos llegó con el Romanticismo, periodo en el que se introdujeron en la orquesta sinfónica los exóticos instrumentos propios del folclore turco. Además de los platillos, llegaron los triángulos, las panderetas y otros instrumentos.
En la batería los platillos se suelen usar para ritmos y remates. Las marcas de platillos mas conocidas son Zildjian, Sabian, Paist y Ufip
Características que debes de tomar en cuenta a la hora de elegir tus platillos.
• Respuesta
El "Response" o respuesta de un platillo cuando se le pega con una baqueta, está basado principalmente en su tamaño y grosor. En pocas palabras, respuesta es que tan rápido responde el platillo al golpe de la baqueta y esto a su vez determina el "feeling" o como se sentirá al golpear el platillo. Entre más pequeño y delgado es un platillo tendrá una mayor vibración en menos tiempo y con menos esfuerzo. Si se incrementa el tamaño y el grosor se obtendrá una respuesta menor pero más poder y volumen. El gusto personal es un factor muy importante para decidir que platillos son los que mejor se ajustan a tus necesidades. Un ride pequeño y de poco grosor tiene una respuesta rápida y por lo regular más resonancia que uno grueso. Un ride de más grosor tiene menos respuesta pero menos resonancia.
• Resonancias
Es la característica de un platillo para sonar después de que se golpea con la baqueta. Esta característica está determinada tanto por el tamaño como por el grosor y la fuerza con la que se golpea el platillo. Un platillo más pesado tendrá menos resonancia pero su sonido durará más que un platillo delgado.
• Volumen
Al igual que las otras dos características, el volumen se ve influenciado por el tamaño y el grosor del platillo, pero también la forma, el peso, su material y el proceso por el cual fue hecho. Como regla general, entre más grande, largo y pesado sea el platillo tendrá más volumen y más proyección.


















































Para eso tenemos que saber unos conceptos..


Definición de Música: La música es el arte de producir y combinar sonidos acordes de todos los elementos de creación sonora: instrumentos, ritmos, sonoridades, timbres, tonos, organizaciones seriales, melodías, armonías, etc., En su sentido más primigenio, es el arte de producir y de combinar los sonidos de una manera tan agradable al oído, que sus modulaciones conmueven el alma.

La música se escribe por medio de signos que se colocan en el pentagrama. Los signos principales son:
Las  figuras  como representación de la  nota musical : cada una de ellas indica duración de sonido y, situada específicamente en una de las líneas o de los espacios, corresponde a un  tono musical  determinado. La invención del pentagrama resolvió los problemas de representación gráfica del mismo. Cada vez que la  melodía  supera el  ámbito  de nueve tonos que cubre el pentagrama, se utilizanespacios y líneas adicionales, que se dibujan tanto encima como bajo el pentagrama, según sea necesario.Las  claves .Los  silencios .Las  alteraciones .Aparte de las notas, en el pentagrama se ubica al principio la  clave , los modificadores que indican la  tonalidad  usada ( armadura ), el  compás  y el carácter (afectuoso, marcial.


Las Notas: La nota redonda o whole note tiene un valor de 4 tiempos. Esta nota siempre es el doble de larga de una nota blanca. En tiempo 4/4, ya que la nota blanca tiene dos compases de largo, la nota redonda tiene cuatro compases de largo. Una nota redonda simplemente se toca golpeando un tambor en el primer tiempo y esperando a que pasen el Dos, Tres, Cuatro para despúes volver a golpear en uno. En un tiempo de 4/4, la pausa de la redonda IMAGEN ocupa una medida completa.La pausa de redonda al igual que la nota redonda, es igual a cuatro compases, pero en este caso NO se tocan.
La nota blanca o half note cabe 2 veces en una nota redonda y es el doble de larga que una nota negra. En un tiempo de 4/4, ya que l anota negra es igual a un compás, la nota blanca es dos compases más larga. En este caso, la primer nota sería tocada en el Unoy la segunda en el Tres. La pausa de la nota blanca, al igual que la nota blanca, también es igual a dos compases, pero estos solamente se cuentan y una vez más NO se tocan.


Hay dos notas negras o quarter notes por media nota blanca o cuatro notas negras por una redondaolver . Esta nota indica un compás o cuenta que debe tocarse. La nota negra es la más usada en la música popular como el pop, pop-rock, baladas, etc. En cuanto a la pausa, esta nos indica un compás o una cuenta que NO se toca.


La corchea o eight notes (8ths) es dos veces más rápida que una nota negra. Por lo regular, si se tocan en los contra platillos se utiliza solamente una mano, aunque se pueden usar dos dependiendo de la velocidad con que se toque la pieza (número de veces que se toca una nota negra en un minuto)


La semi corchea o sixteenth notes (16ths) es dos veces más rápida que la la corchea. Por lo regular, las semi corcheas se tocan en los contra platillos (hihats) para ritmos disco, pop, pop-rock, entre otros. También es usada para rematar o rellenar (fill) un ritmo y la canción.


La fusa o thirty-second notes (32nd) son primordialmente usados en la música para crear remates (fills) a velocidades rápidas o combinaciones entre ritmos y tambores para darle más sabor a la música. Para tener una idea más clara de que son las fusas, solo toma en cuenta a las notas negras. Toma 4 notas negras y cuentalas "1, 2, 3, 4" En cada número, tu golpeas 1 vez, verdad? Ahora, si quieres tocar una fusa tienes que golpear 8 veces en cada número!
Semi fusa o 64ths... Bueno, esto sería golpear 16 veces en cada número cuando contamos "1, 2, 3, 4". No te desanimes!





Unos videos..













































Los 10 mejores bateristas del Olimpo del rock


10) Matt Cameron (Soundgarden, Pearl Jam)



Batería: Yamaha Oak Custom, Platos: Zildjian Cymbals 

Cameron puede ser catalogado como uno de los mejores bateristas contemporáneos de la historia del rock alternativo. Y claro, el llevar el ritmo de dos de las bandas más importantes del grunge crudo y clásico es y será un buen currículum.

A diferencia de muchos de sus colegas, Cameron usa un drumkit bastante sencillo, lo que no significa que no logre un sonido claro, preciso y muy ordenado.

Sus colaboraciones son las que hacen la diferencia de ser un buen baterista a un GRAN baterista. Tommy Iommi, Peter Frampton, Chris Cornell, Nickelback, The Prodigy y Smashing Pumpkins son algunos de los “clientes” de Cameron. Su marca y su ritmo son un sello en cualquier cosa que grabe, y eso se agradece.

9) Joey Jordison (Slipknot) 

Batería: Pearl Reference Series Custom SlipKnoT Finish All Hope Is Gone Kit, Platos: Paiste Black Alpha 

Se imaginan a Lars Ulrich, afectado de una enfermedad gastrointestinal horas antes de un concierto, diciendo “el único capaz de reemplazarme es Joel Jordison, llámenlo”?

Bueno, así de considerado en el “drummer circle” es este oriundo de Iowa. Jordison mezcla el show que conlleva ser parte de Slipknot con la técnica sorprendentemente bien. Más allá de tocar cabeza abajo colgado o amalgamar la percusión de timbales al metal, Jordison posee una versatilidad pocas veces vista en el rock contemporáneo. Esto se refleja en haber sido elegido el mejor baterista de los últimos 25 años por la revista “Rhythm Magazine”, con un 37% de los votos de los bateristas afiliados al “magazine club”.

8)Mike Portnoy (Dream Theater) 


Batería: Tama Monsters Collection, Platos: Sabian Max Stax 

Como baterista y miembro fundador de Dream Theater, Mike Portnoy ayudó a definir el estilo en la batería del rock progresivo moderno. Quizás no era el más rápido o el más versátil, pero es considerado uno de los más creativos de su generación. Incluso fue invitado por Avenged Sevenfold para su gira del 2010. Aunque fue un movimiento sorprendente para los fans de Dream Theater, demostró que a pesar del paso del tiempo no le teme a los retos de las nuevas generaciones.


7) Simon Phillips (Toto) 


Batería: Tama Bubinga Elite, Platos: Sildjian A Series Custom 

Creador del famoso “golpe fantasma” en “Rossana”, Phillips debe ser el más mateo de la lista.

Un ejecutor admirable. Una referencia para los colegas del antes y el después no sólo del rock, sino que del jazz y todo lo relacionado a la fusión de estilos.

Phillips a tocado y grabado con un amplio espectro de artistas del rock y el jazz. Jon Anderson, The Who, Judas Priest, Jeff Beck incluso Mike Oldfield han necesitado los servicios de este percusionista

Para que hablar de su labor en Toto, que lo consolidó como un pionero progresivo, creativo y elegante. Simplemente, un maestro.

6) Lars Ulrich (Metallica)




Batería: Tama Custom Starclassic Maple LU Magnetic, Platos: Zildjian Custom Proyection. 

El metal nunca ha visto un baterista tan excéntrico como Lars Ulrich. Como miembro fundador, compositor y baterista de Metallica, Ulrich ha sido la fuerza para definir desde la batería el sonido de su banda y de un género musical. Es un baterista básico y completo, que agrega elementos nuevos a las canciones. Gracias a la influencia de Metallica en la música, no sorprende que Ulrich sea uno de los bateristas más influyentes en las últimas décadas.
Más allá de toda la discografía que Ulrich ha grabado como miembro de uno de los íconos del metal, su gran mérito es conservar un estilo marcado y propio frente a todas las transformaciones que su banda vivió no sólo a través del tiempo, sino que también frente a todos los ciclos de la industria musical, lo cual es ya un hecho digno de alabar y aplaudir.


5) Ginger Baker (Cream)

Batería: Ludwig Custom Leedy Broadway (hasta 1990, de ahí pasó a Drum Workshop), Platos: Zildjian Series 1963
A diferencia de otros instrumentistas, no siempre los mejores bateristas son los primerosbateristas, pero si son referidos como influencias directas y construyen el camino a la diversidad y creatividad. Dentro de este contexto, si Moisés abrió las aguas, su nombre de pila es Ginger Baker.
Durante su paso por Cream, Ginger prácticamente fue el inventor del solo de batería y de la incorporación de un segundo bombo. Es considerado uno de los bateristas con mayor influencia e innovación de la década de los sesenta, con un sonido que inspiró a la mayoría de los bateristas en el mundo del rock pesado y metal.
Tras la disolución de Cream en 1968, Baker demostró ser uno de los músicos más completos de su generación, convirtiéndose en un gran baterista de jazz y probó que la música trasciende los géneros. De hecho, hasta el día de hoy sigue con sus proyectos de fusión del jazz y el rock con el afro-beat, que muchos expertos en la materia consideran como los “inicios” de lo que llamamos “ritmo”.


4) Stewart Copeland (The Police, Oysterhead)




Batería: Tama Imperial Star Magohany, Platos: Paiste Signatura
Copeland puede considerarse como un genio… y lo es. No sólo por su trabajo con The Police, sino que también con sus trabajos aparte como Oysterhead (junto a nada mas y nada menos que uno de los mejores bajistas de la actualidad: Les Claypool de “Primus”).
Es famoso por su fusión de rock, jazz, música del medio oriente y reggae. Como baterista de The Police fue un gran complemento a las melodías de Sting. Los dos eran las cabezas pensantes, pero Copeland siempre fue un adelantado.
Creativamente métrico, este oriundo de Virginia marcó un estilo donde las barreras de las cifras atravesadas se rompían frente a encajes y composiciones elegantes. Definitivamente, un maestro.


3) Keith Moon (The Who)

Batería: Premier Percussion, Platos: Paiste Giant Bear 

Moon es lo que llamamos la locura hecha percusión. Energético incansable, excéntrico e incluso sobre impulsivo. Keith Moon es sinónimo de alma, y claramente The Who sin este londinense, y sobre todo el rock sin este londinense, serían otra cosa.
Keith Moon es citado a menudo por los críticos como uno de los bateristas más grandes y más excéntricos de la música rock. Holly George-Warren, autor y editor de The Rock and Roll Hall of Fame: The First 25 Years, sostiene: «Con la muerte de Moon en 1978, el rock sin duda perdió a su mejor baterista».
Su técnica, sin duda, hace parte del sonido de The Who y desde su muerte en 1978 la banda nunca logró o logrará tener un sonido similar. Su forma de tocar la batería fue poco ortodoxa y quizás para los más tradicionales podría parecer como que fuera un autentico demente. Su personalidad también fue determinante para la energía que transmitía la banda en el escenario. Su trabajo como solista titulado ‘Two Sides of the Moon’ captura su espíritu bizarro y la mezcla de rock de los cincuenta y sesenta que fueron su mayor influencia.

2) Neil Peart (Rush)